Самыми знаменательными была такая литература, как французская, английская, немецкая, испанская, итальянская.

В Англии, в XVI веке происходит расцвет английского гуманизма, который возник позднее, чем в Италии. Очень большую роль на английскую литературу сыграла Классическая литература и итальянская поэзия. Расцветает форма сонета, введённого Томасом Уэйаттом и вслед за ним более талантливо разработанного графом Сурреем. История английской литературы эпохи Позднего Средневековья и Возрождения во многом сходна с литературой французской, несмотря на минимальное внешнее сходство. И там, и там средневековая литературная традиция сохраняла свои позиции вплоть до середины XVI столетия, если не позже. В Англии, как и во Франции, гуманистическая культура Италии оказала сильнейшее воздействие на светских интеллектуалов. Однако в Англии гуманистическая традиция породила блестящую школу ученых-естественников. Моральная философия, конек французских мыслителей, в Англии имела не такое принципиальное значение, как натурфилософия. Это отчасти объяснялось тем, что в Англии издавна существовала собственная богословская традиция, берущая начало от богословия раннего Средневековья и мало связанная с ортодоксальными течениями католической культуры.

Немецкая литература знаменательна тем, что она начала свое вдохновение для Эпохи Возрождения явлением в немецкой литературе этой и последующей эпохи были так называемые шванки, веселые, занимательные рассказы, сначала в стихах, а позднее и в прозе. Шванки возникали в противовес изысканному рыцарскому эпосу, тяготевшему к фантастике, и порой до изнеженности сладостным песням миннезингеров, последователей провансальских трубадуров. В шванках, так же, как и во французских фаблио, говорилось о быте, о повседневной жизни простых людей, причем все легко, в шутку, озорно, дурашливо.

Во Франции, С самого начала XVI в. в литературе сказывается нарождение новых веяний. Это стремление к новшествам отметил поэт Гренгуар: «Оставлены, -- говорит он, -- приёмы старых учёных, над старыми музыкантами смеются, в презрение впала старая медицина, изгоняются старые архитекторы». Идеи гуманизма и реформации нашли себе высокую покровительницу в лице Маргариты Наваррской, сестры Франциска I. В XIV - XVI вв. во французской литературе проходили те же процессы, что и в литературе Италии и Германии. Дворянская, куртуазная культура постепенно теряла свое значение, и на первый план выходила городская, народная литература. Впрочем, открытого противостояния не было. Строго говоря, во Франции, как и в Германии, и в Англии, вплоть до конца XV в. были очень сильны тенденции средневековой культуры. Французский гуманизм оформился лишь в начале XVI столетия, развивался преимущественно в ключе придворной культуры.

В то же время, во Франции уже в XIV в. позиции светской образованности были довольно сильны. Во многих французских городах возникли университеты, которые, в отличие от парижской Сорбонны, были мало связаны со схоластической традицией. Итальянский гуманизм конца XIV - начала XV в. оказал большое влияние на эти университеты, где формировалась историко-философская мысль и естественные науки, прославившие французскую культуру в XVII - XVIII в.

Условно Возрождение в Испании можно разделить на три периода: ранее Возрождение (до середины 16 в.), высокое Возрождение (до 30-х 17 в.) и так называемый период барокко (до конца 17 в.). В период раннего Возрождения в стране возрос интерес к науке и культуре, чему немало способствовали университеты, в особенности старинный Саламанский университет и университет, основанный в 1506 кардиналом Хименесом де Сиснеросом в Алькала де Энаресе. В 1473-1474 в Испании появляется книгопечатание, развивается публицистика, в которой господствовали идеи, созвучные идеям Реформации и обновления католической церкви по образцу протестантских стран. Значительное влияние на формирование новых представлений оказали идеи Эразма Роттердамского. Новый этап в развитии испанского Возрождения, так называемое высокое Возрождение, относится ко второй половине 16 - началу 17 вв. Действуя в соответствии с жесткими принципами Контрреформации (с 1545), Филипп II (1527-1598) преследовал передовых мыслителей, в то же время поощряя культурное развитие, основав библиотеку в Эскориале и поддерживая многие университеты. Творческие и думающие люди, лишенные возможности проявить себя в философии и публицистике, обратились к искусству, вследствие чего оно пережило во второй половине 16-17 вв. невиданный до того расцвет, и эта эпоха получила название «золотого века». Светские идеи гуманизма у некоторых поэтов и писателей переплетались с религиозными мотивами. Барочная драматургия достигла совершенства в творчестве Педро Кальдерона де ла Барка (1600-1680). Подобно Тирсо де Молине, он принадлежит к национальной драматической школе Лопе де Вега. В творчестве этого последнего великого представителя испанской литературы «золотого века» отражается пессимистический взгляд на человека, свойственный эпохе. Центральное произведение Кальдерона - философская драма Жизнь есть сон (1635), главная идея которой, уже чуждая Ренессансу, - что ради земной жизни не следует отказываться от жизни вечной. Кальдерон - за иллюзорность наших представлений о жизни, поскольку она непостижима. В пьесе Сам у себя под стражей (1636) он дает комическую трактовку той же темы.

Представители раннего итальянского гуманизма - Джованни Боккаччо, Франческо Петрарка - первыми обратились к откровенно «простонародному» языку для изложения возвышенных мыслей и образов. Опыт оказался чрезвычайно удачным, и следом за ними образованные люди в других европейских странах стали обращаться к народной культуре. В каждой стране этот процесс проходил по-разному, и повсюду возникли уникальные тенденции, приведшие в XVI - XVII вв. к окончательному формированию национальных литератур стран Западной Европы.

Важнейшей вехой в истории европейской литературы стал 1455 г. В этом году немец Иоганн Гуттенберг выпустил в своей книгопечатне первую книгу, изготовленную новым способом, позволявшим делать множество копий за короткий срок. Книгопечатный станок, над усовершенствованием которого Гуттенберг работал несколько лет, оправдал надежды изобретателя. До Гуттенберга книги в основном переписывали от руки, что невероятно удорожало их. К тому же, изготовление копии книги отнимало массу времени и стоило очень дорого. В XV в. попытались найти способ удешевить этот процесс. Поначалу печатники вырезали текст страницы в зеркальном отражении на деревянной доске. Затем выпуклые буквы намазывали краской и прижимали клише к листу бумаги. Но с такого клише можно было сделать лишь ограниченное количество копий. К тому же, этот процесс немногим отличался от переписывания вручную. Стоило резчику ошибиться, и приходилось переделывать все клише целиком.

Новаторство Гуттенберга состояло в том, что он стал вырезать наборы отдельных букв, которые составлялись в слова на специальной рамке. Набор страницы занимал теперь несколько минут, а опасность опечатки сводилась к минимуму. Само изготовление букв-клише было гораздо проще, чем клише страницы. Изобретение Гуттенберга быстро вошло в обиход по всей Европе, и печатная книга за два-три десятилетия почти вытеснила рукописную. Впоследствии это кое в чем усложнило работу исследователей. Например, от Уильяма Шекспира остались только печатные издания его произведений - ни одного листка рукописей, что и дало повод некоторым историкам усомниться в подлинности Шекспира как «литературной» фигуры.

литература гуманизм книгопечатание новелла

Возрождение в Испании

Общая характеристика испанского Возрождения.

Литература Возрождения в Испании отличается большим своеобразием, находящим объяснение в особенностях исторического развития Испании. Уже во второй половине XV в. здесь наблюдается подъем буржуазии, рост промышленности и внешней торговли, зарождение капиталистических отношений и расшатывание феодальных учреждений и феодального мировоззрения. Последнее особенно подрывалось гуманистическими идеями, проникавшими их наиболее передовой страны того времени – Италии. Однако в Испании процесс этот протекал очень своеобразно, по сравнению с другими странами, вследствие двух обстоятельств, составлявших специфику истории Испании той эпохи.

Первое из них связано еще с условиями, в которых протекала реконкиста. То, что отдельные области Испании отвоевывались порознь, разновременно и в неодинаковых условиях, привело к тому, что в каждой их них выработались особые законы, нравы и местные обычаи. Крестьянство и основанные на отвоеванных землях города в разных местах получили различные права и вольности. Разнородные местные права и вольности, за которые различные области и города цепко держались, являлись причиной постоянных конфликтов между ними и королевской властью. Нередко случалось даже, что города объединялись против нее с феодалами. Поэтому к концу раннего средневековья в Испании не установилось такого тесного союза между королевской властью и городами против крупных феодалов.

Другая особенность исторического развития Испании в XVI в. заключается в следующем. Результатом необычайного притока золота их Америки явилось резкое вздорожание всех продуктов – «революция цен» , которая затронула все европейские страны, но с особенной силой проявилась в Испании. Так как стало выгоднее покупать заграничные продукты, испанская промышленность второй половины XVI в. сильно сократилась. В упадок пришло также и сельское хозяйство – отчасти по той же самой причине, отчасти вследствие массового разорения крестьян и обеднения огромного числа мелких дворян-земледельцев, не выдержавших конкуренции с крупными помещиками, которые пользовались разными привилегиями.

Всеми особенностями истории Испании определяется общий характер ее литературы в XVI – XVII вв. Литература испанского Возрождения отчетливо делится на два периода: 1). Раннее Возрождение (1475 – 1550) и 2). Зрелое Возрождение (1550 – первые десятилетия XVII в.).

В начале этого периода в Испании, как и в большинстве других стран, наблюдается зарождение того нового, критического и реалистического подхода к действительности, который характерен для ренессансного мировоззрения. Испания насчитывает ряд выдающихся ученых и мыслителей, опрокидывавших старые предрассудки и пролагавших пути современному научному знанию.

Возникают типографии, усиленно переводятся римские и греческие писатели. Центром гуманистического движения становится основанный в 1508 г. университет в Алькала де Энарес. Тем не менее гуманистические идеи не получили в Испании своего полного философского развития. Встречая самое враждебное отношение к себе при дворе и среди аристократии, не находя поддержки со стороны буржуазии, они были приглушены католической реакцией.

Гуманистические идеи в испанской ренессансной литературе находят выражение почти исключительно в поэтических образах, а не в теоретических сочинениях. По той же причине влияние античных и итальянских образцов было в целом гораздо менее значительно в Испании, чем, например, во Франции или в Англии. Точно также испанской литературе Возрождения в меньшей степени присущ культ формы. Ей свойственны мужественность, строгость, трезвость, большая конкретность образов и выражений, восходящие к средневековой испанской традиции. Во всех этих отношениях испанская литература Возрождения имеет своеобразный, специфически национальный характер.

Религиозные влияния эпохи ярко отразились в этой литературе. Идеология и практика католицизма наложили сильный отпечаток как на народную жизнь, так и на жизнь привилегированных классов.

Нигде в литературе XVI – XVII в. религиозная тематика не занимает такого видного места, как в Испании. Мы находим здесь чрезвычайно разную «мистическую» литературу – религиозные поэмы и лирику (Луис де Леон, Сан Хуан де ла Круус), описания «чудесных обращений» , экстазов и видений (Тереса де Хесус), богословские трактаты и проповеди (Луисде Гранада). Величайшие драматурги (Лопе де Вега, Кальдерон) наряду со светскими пьесами пишут пьесы религиозные, драматизированные легенды и жития святых, или «священные действа» , имевшие темой прославление таинства «причастия» . Но даже в пьесах светского содержания нередко появляется религиозно-философская тематика («Севильский озорник» Тирсо де Молины, «Стойкий принц» Кальдерона).

При всем том болезненном характере, который носило развитие Испании, народ проявил максимум национальной энергии. Он обнаружил огромную пытливость ума, решительность и смелость в преодолении препятствий. Широкие перспективы, раскрывавшиеся перед людьми того времени, размах политических и военных предприятий, обилие новых впечатлений и возможностей разнообразной кипучей деятельности – все это нашло свое отражение в испанской литературе XVI – XVII вв., которой свойственны большая динамика, страстность и богатая фантазия.

Благодаря этим качествам испанская литература «золотого века» (так называют период примерно со второй трети XVI в. до середины XVII в.) занимает одно из первых мест среди национальных литератур Возрождения. Блестяще проявив себя во всех жанрах, испанская литература дала особенно высокие образцы в романе и драме, т.е. в тех литературных формах, в которых полнее всего могли найти выражение черты, типичные для тогдашней Испании, - пылкость чувств, энергия и движение.

Создание национальной испанской драмы.

В Испании и Португалии, так же как и в других странах, существовал средневековый театр – отчасти религиозный (мистерии и миракли), отчасти вполне светский, комический (фарсы). Средневековый религиозный театр в Испании вследствие огромной роли, которую католическая церковь играла в жизни страны, отличался чрезвычайной устойчивостью, - он не только не исчез в эпоху Возрождения как это случалось в Италии и во Франции, но продолжал интенсивно развиваться в течение всего XVI и даже XVIIв.; причем пьесы такого рода писали крупнейшие драматурги эпохи. Столь же популярными оставались на протяжении этих веков жанры народного комического театра, также культивировавшиеся большими мастерами.

Однако наряду с этими старыми драматическими жанрами к середине XVI в. в Испании вырабатывается новая, ренессансная система драматургии, влияющая и на трактовку писателями Возрождения упомянутых старых жанров. Эта новая драматургическая система произошла их столкновения двух начал в театре средневековой народной или полународной традиции и учено-гуманистических веяний, шедших из Италии или же прямо из античности, но большей частью также через итальянское посредство. Первое время два типа драматургии, выражающие эти две тенденции, развиваются параллельно, обособленно один от другого или вступая друг с другом в борьбу, но уже очень скоро между ними начинается взаимодействие, и в конце концов они сливаются в единую драматическую систему. В этой системе национальной драмы Возрождения, вершиной которой следует признать творчество Лопе де Веги, основным все же является народное начало, хотя итальянские и античные влияния, оригинально освоенные, сыграли в ее формировании значительную роль. Последнему способствовало появление в XVI в. переводов на испанский язык Плавта и Теренция.

Лопе де Вега (1562 – 1635)

Лопе де Вегой было написано 1800 «комедий» , к которым надо еще прибавить 400 религиозных пьес и весьма большое количество интермедий. Однако сам Лопе де Вега мало заботился о сохранности своих драматических произведений, которые считались низшим видом литературы, вследствие чего большая часть их при его жизни не была издана. До нас дошел текст лишь 400 пьес Лопе де Веги (почти сплошь стихотворных), и еще 250 известны лишь по названиям.

размах драматургии Лопе де Веги необычайно широк. Он изображает людей всех сословий и званий в самых различных положениях, пишет пьесы бытового, исторического, легендарного, мифологического, пасторального содержания, черпая сюжеты из испанских хроник и романсов, у итальянских новеллистов (Боккаччо, Банделло и др.), из Библии, исторических сочинений, рассказов путешественников, из бродячих анекдотов или свободно сочиняя их на основе наблюдений над жизнью; он рисует современных и старых испанцев, турок, индейцев, библейских евреев, древних римлян, даже русских (в пьесе о Лжедмитрии – «Великий князь московский» ). В этом сказывается его чрезвычайная любознательность, жажда охватить всемирную историю человечества и вместе с тем исключительно богатое воображение.

Свои теоретические взгляды на драматургию Лопе де Вега изложил в стихотворном рассуждении, являющемся одним их самых ранних западноевропейских реалистических поэтик, - «Новое искусство сочинять комедии в наши дни». Произведение это, написанное им уже в зрелые годы (1609), подводит итоги тому, что поэт давно осуществлял на практике. После разных вводных замечаний и очерка развития комедии и трагедии у древних Лопе де Вега прости извинения в том, что, вполне признавая превосходство правил Аристотеля, он все же отступает от них в угоду публике. Лопе де Вега рекомендует авторам выбирать сюжеты, в которых трагическое и комическое перемешаны между собой, «как это бывает в природе». Защищая единство действия, он доказывает, что можно нарушать единства места и времени. Далее он говорит о разделении пьесы на акты, число которых он сокращает с пяти до трех, о ее построении, о значении экспозиции, «узла» интриги и развязки, о различных стилях, какими следует писать разные роли, об эффектных окончаниях сцен, о применении разных метрических размеров, о желательном объеме пьесы, который должен быть не слишком велик, чтобы зритель не утомился, о всякого рода приемах, имеющих целью поддержать интерес зрителя, который до последней сцены не должен догадываться о развязке, и т.п.

Драмы Лопе де Веги не поддаются точной и исчерпывающей классификации. Их всей массы написанного им можно выделить три группы пьес, особенно значительные: пьесы «героические» (на сюжеты из национальной истории), комедии «плаща и шпаги» и пьесы, в которых выступает народ или отдельные его представители.

Пьесы «героические» изображают различные эпизоды из истории Испании времен готских королей, т.е. до арабского завоевания («Жизнь и смерть Вамбы» ), борьбы с маврами («Девушка из Симанки», «Благородный Абенсерах» ), борьбы королей с непокорными феодалами и объединения испанской монархии («Фуэнта Овехуна» ), наконец, открытия Америки («Новый мир, открытый Христофором Колумбом» ). Проникнутые горячим патриотическим чувством, они обычно идеализируют родную старину, овеянную поэзией. Лопе де Вега рисует здесь величавые и волнующие картины прошлого, доказывая этим мощь Испании и подкрепляя ее притязания на первенствующую роль на мировой арене.

Вторая группа пьес, комедии «плаща и шпаги» , названа так по типичным принадлежностям дворянского костюма, в котором выступают их персонажи – представители главным образом среднего и низшего современного дворянства. Это бытовые комедии Лопе де Веги, иначе говоря «комедии нравов», составляют очень значительную часть его драматического наследия и притом ту, которая при жизни поэта доставила ему наибольшую славу и не только у себя на родине, но и в других странах. И сейчас еще эти пьесы чрезвычайно популярны в Испании. Особенной известностью пользуются: «Собака на сене» , «Сети Фенисы» , «Мадридские воды» , «Валенсианская волна» , «Девушка с кувшином» , «Капризы Белисы» , «Раба своего возлюбленного» и т.д. Сюжеты этих пьес основаны почти исключительно на игре чувств: любви, ревности, дворянской гордости и фамильной чести. При этом в них почти совсем не показаны общественная среда, фон, жизненные обстоятельства, которые могли бы влиять на развитие чувств героев. Зато для оживления действия широко использован запас традиционных мотивов и условных приемов, как, например, тайные свидания, серенады, дуэли, переодевания, неожтданные встречи, недоразумения, подмены, всякого рода совпадения, узнавания и т.п.

Несмотря на некоторую идейную и художественную ограниченность комедий «плаща и шпаги» Лопе де Веги, они являются блестящим, во многих отношениях передовым образцом искусства испанского Возрождения. Центральная тема этих пьес – любовь – не носит узкосословно-дворянского характера. Лопе де Вега всегда имеет ввиду любовь не как чувственную прихоть, какою она зачастую была в аристократическом обществе того времени, а как глубокое, всеполагающее чувство, утверждающее идею полноценной человеческой личности. Такая «честная» любовь, всегда стремящаяся к браку как единственной форме полного взаимного обладания, действующая облагораживающим образом на любящих, является, в понимании Лопе де Веги, здоровым, естественным чувством, ровно доступным как дворянину, так и самому скромному крестьянину.

Эти пьесы полны жизнерадостности и оптимизма. Они дышат верой в возможность в счастье, в успех человеческой личности, смело борющейся за свое чувство, за поставленные цели. Герои Лопе де Веги отважны, решительны, полны энергии; движения их порывисты, слова и поступки пылки и стремительны. Это полнокровные ренессансные натуры, в которых жизненная сила переливается через край. Замечательны женские образы Лопе де Веги: его героини обладают не меньшим духовным богатством, они не менее предприимчивы, умны и смелы, чем их партнеры. Охваченные страстью, они не останавливаются ни перед чем. В этом отношении Лопе де Вега нисколько не отступает от действительности, поскольку в современном ему дворянском обществе женщины, стесненные суровой опекой отцов, братьев или мужей, играли очень незаметную роль. Он раскрыл и усилил возможности, которые ощущал в испанской женщине своей эпохи.

Бытовые комедии Лопе де Веги блещут остроумием. Их веселость происходит от внутреннего комизма положений, возникающих в результате разных недоразумений. Она усиливается гротескными персонажами, в лице которых осмеиваются – в тонах более юмористических, чем сатирических, - чванство, вспыльчивость, тупой педантизм, чрезмерная доверчивость, болтливость и тому подобные человеческие слабости и пороки. Но специальными носителями комического начала являются слуги. Тип слуги-шута встречается уже у предшественников Лопе де Веги, но у них это обычно простак, веселящий зрителей своей глупостью или неуклюжестью. Слуга-забавник Лопе де Веги выступает иногда и в такой функции, но еще чаще он остроумно высмеивает других. Сплошь и рядом он оказывается умнее или, по крайней мере, находчивее своего господина, которого он выручает из беды.

Пьесы Лопе де Веги, героями которыми являются люди их народа, немногочисленны. В его изображении самые скромные крестьяне или ремесленники по своему уму, энергии и нравственным качествам стоят ничуть не ниже аристократов. Им в такой же мере свойственны чувство собственного достоинства и чувство чести. Только нравы их проще, они живут более близко к природе, и в этом большое их преимущество, вполне возмещающее недостаток образованности.

«Фуэнте Овехуна». Самой знаменитой из пьес этого рода и одной их вершин творчества Лопе де Веги является драма «Фуэнте Овехуна» («Овечий ключ» ). Ее можно отнести также к числу исторических пьес, так как действие ее происходит в конце XV в., в царствование Фердинанда и Изабеллы. Самое значительное в этой пьесе, проникнутой подлинно революционным пафосом, то, что героем ее является не какой-либо отдельный персонаж, а народная масса, коллектив.

Командор ордена Калатравы, Фернан Гомес, расположившийся со своим отрядом в селении Фуэнте Овехуна, чинит насилие над жителями, оскорбляет местного алькальда и пытается обесчестить его дочь Лауренсию. Крестьянину Фрондосо, который любит ее, удается защитить девушку. Но во время свдьбы Фрондосо и Лауренсии командор является со своими приспешниками, разгоняет собравшихся, бьет алькальда его же жезлом, хочет повесить Фрондосо и похищает Лауренсию, чтобы затем силой овладеть ею. Такого бесчестия крестьяне не могут перенести: все они – мужчины, женщины, дети – поголовно вооружаются и избивают насильников. На время назначенного королем судебного дела по этому делу, когда крестьян пытают, требуют признания, кто именно убил Фернана Гомеса, все как один отвечают: «Фуэнте Овехуна!» . Король вынужден прекратить суд: он «прощает» крестьян и берет Фуэнте Овехуну под свою непосредственную власть. Такова сила народной солидарности.

В этой пьесе понятие чести из категории дворянских чувств переходит в категорию внесословную, общечеловеческую. Она становится синонимом достоинства человеческой личности, стоящей на страже своих прав. Лопе де Вега изображает, как под влиянием дикого насилия в крестьянской массе пробуждается общественное самосознание, как первоначально разрозненные члены сельской общины сплачиваются в крепкий коллектив, способный к борьбе и подвигу.

Лопе де Вега ищет в истории обоснования союза народа с королевской властью. Действительно, в его время, как и в раннее средневековье, политические чаяния испанского народа облекались обычно в форму монархических представлений. Однако Лопе де Веге не хватало зоркости, чтобы разглядеть истинную природу королевской власти, какой она была в современной ему Испании. Будучи решительным сторонником системы абсолютизма, которую он пытался примирить со своими демократическими и гуманистическими устремлениями, Лопе де Вега вынужден был идеализировать образ короля. Вместе с тем, как тонкий и правдивый художник, он не мог не видеть современную ему королевскую власть в ее истинном свете и не отразить того, что он видел, в своем творчестве. Он пытался преодолеть это противоречие различением в короле правителя и человека; причем все то отрицательное, что несла с собой королевская власть, он относил на счет человека. Как правитель король непогрешим; как человек он подвержен всем людским слабостям и порокам, хотя и способен к исправлению. Поэтому критика поведения короля как человеческой личности бесполезна и даже недопустима: его особа священна, она требует безусловного почтения к себе и повиновения. Но объективно образы королей у Лопе де Веги нередко содержат в себе разоблачение идеи королевской власти.

Драматурги школы Лопе де Веги.

Первое место принадлежит Тирсо де Молина(1571 – 1648), крупнейшему драматургу всей этой группы и ревностному последователю Лопе де Веги. Тирсо де Молина был монахом и историографом своего ордена. Это не мешало ему наряду с чисто религиозными пьесами писать очень жизнерадостные и веселые комедии, навлекавшие на него преследования со стороны духовного начальства. Ему принадлежит около 400 пьес различного рода, их которых до нас дошло 80 с небольшим.

Творчество Тирсо де Молины отличается такой же противоречивостью, как и творчество Лопе де Веги. Тирсо де Молина создал жанр религиозно-философской драмы.

К этой группе относится самая знаменитая из написанных Тирсо де Молиной пьес – «Севильский озорник». Легенда эта фольклорного происхождения: в дснове ее лежит рассказ о смельчаке, пригласившем к себе на ужин статую покойника и поплатившемся за это жизнью. Тирсо де Молина связал с этим рассказом характерный тип бессовестного соблазнителя женщин и аморалиста.

Дон Хуан (такова испанская форма этого имени), желая путем обмана насладиться любовью донны Анны, невесты своего друга, приходит под видом его на свидание к ней и сталкивается с ее отцом, командором, которого убивает. Соблазнив до и после этого других женщин самого различного общественного положения – герцогиню, рыбачку, пастушку, он издевательски приглашает на ужин к себе статую убитого им командора и, приняв ее ответное приглашение, идет в церковь, где похоронен командор, и там погибает, провалившись в преисподнюю.

Герой Тирсо де Молины еще очень примитивен. Он покоряет женщин не благодаря своему личному обаянию, а более грубыми средствами: аристократок – путем обмана, простолюдинок – обещанием жениться и сделать свою избранницу знатной дамой. Но он подкупает жизнерадостностью, энергией, необыкновенной смелостью, которую автор изображает в привлекательных красках.

После прихода статуи дон Хуан, еще облитый холодным потом, быстро овладевает собой и говорит: «Все это лишь игра воображения. Долой глупый страх!.. Мне ль, кому тела живые, одаренные душой, силой и умом, не страшны, - мне ль бояться мертвецов? Завтра я пойду в часовню, раз туда я приглашен, - пусть дивится вся Севилья на бесстрашный подвиг мой!» . Вместе с тем дон Хуан отнюдь не безбожник. Он думает, что еще успеет «исправиться» , а пока хочет насладиться жизнью. На увещания своего слуги и всех окружающих, напоминающих ему о загробной жизни, он беспечно отвечает: «Долгий срок вы мне даете!» . Но смерть застает его врасплох. В последнее мгновение он кричит статуе: «Я хочу позвать священника, чтобы он отпустил мои грехи!» - и умирает, не успев покаяться. Вместе с тем образ дона Хуана содержит ряд положительных черт и сам автор отчасти любуется им: его исключительной силой, мужеством и упоением жизнью.

Наряду с этими пьесами Тирсо де Молине принадлежит множество комедий, полных самых веселых и остроумных вымыслов. Как мастер интриг, он нисколько не уступает Лопе де Веге, а в отношении разработки характеров нередко превосходит его. Особенно удаются ему женские образы, почти заслоняющие мужские в ряде его пьес. Его героини отличаются большой страстностью, редкой энергией и предприимчивостью, изобретательностью, умением отстаивать свои права и бороться за свое счастье.

Из других драматургов этой школы выделяется Хуан Руис де Аларкон(1580 – 1639). В творчестве Аларкона уже намечается переход от комедий интриги к комедии характеров, которые он значительно углубляет и гораздо больше отделывает, чем Лопе де Вега. Вместе с тем для его пьес характерна сдержанность фантазии, строгость композиции, некоторая сухость образов и языка, а также отчетливая моральная тенденция. В ряде своих комедий он дает прочувствованное изображение дружбы, великодушия и т.д. Пьесы: «Ткач их Сеговии» , «Сомнительная правда» .

Из последователей Лопе де Веги еще заслуживает упоминания Гильен де Кастро (1569 – 1631), часто бравший свои сюжеты из народных романсов. Для него характерны живость воображения, пылкость, красочность, а вместе с тем пристрастие к изображению очень драматических положений, бурных чувств, фантастических авантюр. Образцом этого может служить его пьеса «Юность Сида», сюжет которой основан на народных романсах о Сиде.

Жизнь и творчество Сервантеса.

Мигель де Сервантес Сааведра(1547 – 1616) родился в городке Алькала де Энарес. Он принадлежал к идальгии и был сыном бедного лекаря. Недостаток средств помешал ему получить хорошее образование, но все же он окончил университет. Двадцати одного года Сервантес поступил на службу к папскому послу в Испании, кардиналу Аквавиве. Когда тот вернулся на родину, Сервантес поехал с ним в Италию. После смерти кардинала он поступил солдатом в испанскую армию, действовавшую в Италии, вскоре был зачислен во флот и принял участие в битве при Лепанто (1571), где храбро сражался и получил тяжелое увечье левой руки. В 1575 г. он решил вернуться в Испанию, но корабль, на котором он плыл, подвергся нападению алжирских корсаров и Сервантес попал к ним в плен. В Алжире он томился пять лет, многократно устраивал заговоры с целью побега, оканчивавшиеся неудачами, пока не был, наконец, выкуплен из неволи. Дома он нашел разоренную семью, а о военных его заслугах уже забыли в Испании. В поисках заработка Сервантес пишет пьесы для театра, а также различные стихотворения, за которые, поднеся их какому-нибудь знатному лицу, можно было получить небольшую денежную награду. Кроме того, он работает над «Галатеей», которая была издана в 1585 г. В это время Сервантес женится. Скудность и ненадежность заработка заставляют Сервантеса принять должность сначала сборщик зерна для армии, затем сборщика недоимок. Доверив казенные деньги одному банкиру, сбежавшему с ними, Сервантес в 1597 г. попадает в тюрьму по обвинению в растрате. Пять лет спустя он снова подвергается тюремному заключению по обвинению в денежных злоупотреблениях.

Последние 15 лет жизни Сервантес провел в большой нужде. Тем не менее это был период высшего расцвета его творчества. В 1605 г. вышла в свет первая часть романа «Хитроумный идальго Дон Кихот Ламанчский» , начатого или, по крайней мере, задуманного Сервантесом во время его второго тюремного заключения. Опубликование в 1614 г. неким Авельянедой поддельного продолжения «Дон Кихота» побудило Сервантеса ускорить окончание своего романа, и в 1615 г. вышла в свет вторая часть его. Незадолго до этого, в том же году, он издал сборник своих пьес, а перед тем, в 1613 г., опубликовал «Назидательные новеллы» . В следующем году он закончил литературную сатиру «Путешествие на Парнас» . Последним произведением Сервантеса бал роман «Песилес и Сихизмунда» , напечатанный уже после его смерти.

Жизнь Сервантеса, типичного для чуткого и одаренного представителя идальгии, представляет собой ряд пылких увлечений, неудач, разочарований, непрерывной мужественной борьбы с нуждой и одновременно с косностью и пошлостью окружающего мира. Такой же длинный путь поисков прошлого и творчество Сервантеса, сравнительно поздно нашедшего себя. Он пишет на заказ, приспосабливается к господствующему стилю, разрабатывает «модные» жанры, стремясь сказать в этой области свое слово, внести в этот стиль и жанры реалистическое содержание и глубокую моральную проблематику. но эти попытки неизменно оказываются безуспешными, пока, на склоне лет, Сервантес не создает свой собственный стиль и собственные жанры, способные полностью выразить его окончательно созревшую мысль.

Некоторой условностью и надуманностью отличается почти вся лирика Сервантеса, его литературно-сатирическая поэма, а также опыты в области пасторального и рыцарского романа («Галатея» и «Персилес и Сихизмунда» ). То же самое можно сказать и о наибольшей части его драматического творчества. В своей драматургии Сервантес прежде всего ищет правдоподобия, восставая против слишком свободного обращения некоторых современных ему драматургов с пространством и временем, против нагромождения, в сюжете разных приключений, экстравагантностей и нелепиц, против несоответствия между общественным положением персонажей и их языком и т.д.

Вершиной драматического творчества Сервантеса являются его интермедии, написанные, вероятно, между 1605 и 1611 гг. Это маленькие, острокомические пьески, в которых типы и ситуации имеют много общего со средневековыми фарсами, но отличаются гораздо большей живостью. С огромным знанием народного быта и психики Сервантес рисует сценки их жизни крестьян, ремесленников, городских жителей, судейских, беленых студентов, разоблачая разврат духовенства, тиранию мужей, плутни шарлатанов, а также добродушно осмеивая легковерие, болтливость, страсть к сутяжничеству и иные человеческие слабости. Тонкий юмор и замечательно яркий язык придают этим пьески большую прелесть. Особенно популярны из них «Театр чудес» , «Саламанская пещера» , «Ревнивый старик» и «Два болтуна» .

Еще более замечателен сборник его четырнадцати «Назидательных новелл» . Сервантес впервые утвердил в Испании тип ренессансной итальянской новеллы, решительно отойдя от традиции средневековых рассказчиков, но и в от же самое время он реформировал этот итальянский тип, придав ему национальные испанские черты. Сюжеты их почти полностью сочинены Сервантесом. Быт, обстановка целиком испанские. Для стиля характерно подлинно сервантовское соединение точности с юмором, иногда добродушным, иногда горьким. Огромное место занимают речи персонажей, нередко очень пространные.

Можно разделить новеллы Сервантеса на три группы: новеллы любовно-авантюрные (например, «Цыганочка» , «Английская испанка» и др.), нравоописательные («Риконете и Кортадильо» , «Ревнивый эстрамадурец» и т.п.) и философско-сентециозные («Лиценциат Видриера» , «Беседа двух собак» ), хотя строгое разграничение здесь невозможно, так как во многих новеллах присутствуют черты, характерные для других групп. Заглавие сборника – «Назидательные новеллы» , означает приглашение глубже всмотреться в жизнь и перестроить ее на моральной основе. Сервантес верит в возможность счастливого разрешения самых запутанных и опасных положений, если попавшие в них люди честны, благородны и энергичны; он верит в «голос природы» и в ее добрые силы, в конечное торжество человека, борющегося против злых и враждебных ему начал. В связи с этим он всегда на стороне молодого и искреннего чувства, отстаивающего свои права против всякого принуждения и общественных условностей. Идеалы Сервантеса, раскрывающиеся в «Назидательных новеллах» , - это любовь к жизни, но без упоения ею, смелость без заносчивости, моральная требовательность к себе и другим, но без всякого аскетизма или нетерпимости, скромный, непоказной героизм, а главное – глубокая человечность и великодушие.

Роман «Дон Кихот»

Роман «Дон Кихот» был написан Сервантесом на склоне жизни. Роман является итогом его творческих раздумий. Произведение это, недостаточно оцененное современниками, принесло его автору посмертную славу и было объявлено критиками XIX – XX вв. одним из величайших созданий человеческой мысли.

«Дон Кихот» - на это ясно указывает автор в прологе к первой части романа и в заключительных строках его – был задуман прежде всего как пародия на рыцарские романы. Дон-Кихот, бедный провинциальный идальго, сведенный с ума чтением рыцарских романов и решивший восстановить древний институт странствующего рыцарства, подобно героям рыцарских романов, выезжает на подвиги в честь своей воображаемой «дамы» для защиты всех обиженных и угнетенных в этом мире. Но его доспехи – ржавые обломки вооружения его предков, его конь – жалкая кляча, спотыкающаяся на каждом шагу, его оруженосец – хитрый и грубоватый местный крестьянин, соблазнившийся перспективой быстрого обогащения, дама его сердца – крестьянская девушка Альдонса Лоренсо из соседнего села, переименованная безумным Дон-Кихотом в Дульсинею Тобосскую. Точно также пародируются в романе все рыцарские обряды и обычаи: церемония посвящения в рыцари, этикет «рыцарского служения» даме (например, когда Дон-Кихот приказывает «побежденным» противникам отправиться к Дульсинее Тобосской и предоставить себя в ее распоряжение).

Разгоряченное воображение Дон-Кихота заставляет его во всем видеть блистательные авантюры или волшебство, принимать ветряные мельницы за великанов, постоялый двор – роскошный замок, таз цирюльника – за чудесный шлем, каторжников – за угнетенных рыцарей, даму, едущую в карете, - за похищенную принцессу.

Все подвиги Дон-Кихота, совершаемые им для восстановления справедливости на земле, приводят к совершенно противоположным результатам: пастушок Андрес, за которого Дон-Кихот заступился, после его отъезда подвергается еще более жестоким побоям; каторжники, освобожденные им, разбегаются, чтобы сделаться снова бичом общества; нелепое нападение на похоронную процессию кончается переломом ноги у ни в чем неповинного лиценциата; стремление помочь испанскому рыцарю, окруженному маврами, приводит к разгрому кукольного театра, на сцене которого это изображалось. Все те, кого Дон-Кихот пытается «защитить» , молят небо «покарать и уничтожить его милость со всеми рыцарями, родившимися когда-либо на свет» . Дон-Кихота оскорбляют, бьют, проклинают, над ним издеваются, и, в довершение позора, его топчет стадо свиней. Наконец, измученный морально и физически, рыцарь Печального Образа возвращается к себе домой и там, тяжело заболев, перед смертью прозревает; он снова становится доном Алонсо Кихана, прозванным за свои поступки Добрым, отрекается от рыцарских бредней и составляет завещание в пользу племянницы, с оговоркой, что она лишится наследства, если выйдет замуж за человека, любящего рыцарские романы.

Сатира на рыцарские романы была жанром, весьма распространенным в эпоху Возрождения, но Сервантес углубил ситуацию и усложнил образ главного персонажа. Прежде всего он наделил своего героя не только отрицательными, но и положительными чертами, а кроме того, дал ему двойную жизнь – в здоровом и в бредовом состоянии, что делает его почти двумя различными персонажами. Далее, Сервантес дал Дон-Кихоту спутника, который отчасти контрастен ему, отчасти его дополняет. Наконец, что не менее существенно, Сервантес привел Дон-Кихота в постоянное и многообразное соприкосновение с реальной жизнью.

Прежде всего Сервантес предал в своем романе осмеянию не только рыцарские романы как литературный жанр, но и самую идею рыцарства. Осмеивая рыцарские романы, он боролся со старым, феодальным сознанием, которое подкреплялось ими и находило в них свое поэтическое выражение. Он протестовал в своем романе против всего мировоззрения правящей верхушки Испании, пытавшейся возродить на новых основах «рыцарские» идеи, и в первую очередь против феодально-католической реакции, поддерживавшей эти идеи.

Сервантес осуждает не самого Дон-Кихота, наделенного чертами редкого душевного благородства, доброты и рассудительности, а те бредовые рыцарские идеи, которые овладели воображением бедного идальго. Последнее могло случиться лишь оттого, что Дон-Кихот весь устремлен в прошлое. Это прошлое – мир рыцарства, который Дон-Кихот пытается восстановить. Он действует слепо, следуя готовым нормам и правилам, отжившим свой век, вычитанным им из старых книг, он не умеет и не хочет считаться с реальными возможностями, с подлинными нуждами и требованиями людей, с действительным положением вещей.

В своих авантюрах Дон-Кихот не только постоянно терпит неудачи, но и сеет вокруг себя разрушение. Его безумие тем опаснее, что оно заразительно, как это видно на примере Санчо Пансы.

Однако если Сервантес и высмеивает Дон-Кихота, то вместе с тем полон глубокого сочувствия к нему. Средства, применяемые Дон-Кихотом, нелепы, но цель высока. Сервантес всячески подчеркивает высокие нравственные качества, бескорыстие, великодушие Дон-Кихота, его искреннее желание принести человечеству пользу. По словам Санчо Пансы, его господин обладает «голубиным сердцем» . В минуты умственного просветления, когда Дон-Кихот забывает свои рыцарские фантазии, он необычайно привлекателен – со всеми прост в обхождении, исключительно человечен и разумен. Его речи вызывают восхищение слушателей, они полны высокой гуманистической мудрости.

Замечательны в этом отношении советы, которые Дон-Кихот дает Санчо Пансе перед вступлением того в управление «губернаторством» : «Загляни внутрь себя и постарайся себя познать, познание же это есть наитруднейшее из всех, какие только могут быть. Познавши самого себя, ты уже не станешь надуваться, точно лягушка, пожелавшая сравниться с волом» . Дон-Кихот продолжает: «О своем худородстве, Санчо, говори с гордостью и признавайся не краснея, что ты из крестьян, ибо никому не придет в голову тебя этим стыдить, коль скоро ты сам этого не стыдишься… Помни, Санчо: если ты вступишь на путь добродетели и будешь стараться делать добрые дела, то тебе не придется завидовать делам князей и сеньоров, ибо кровь наследуется, а добродетель приобретается, и она имеет ценность самостоятельную, в отличие от крови, которая таковой ценности не имеет» . В другом месте Дон-Кихот поучает Санчо: «Родословные бывают двух видов: иные ведут свое происхождение от владетельных князей и монархов, однако род их с течением времени постепенно оскудевает и суживается, подобно перевернутой вниз острием пирамиде, иные вышли из простонародья, но мало-помалу поднимаются со ступени на ступень и, наконец, становятся знатными господами. Таким образом, разница между ними та, что они были когда-то тем, чем они не являются ныне, а другие ныне являются тем, чем они не были прежде» . Или еще: «Добродетели делают кровь благородной, и большого уважения заслуживает человек скромного происхождения, но добродетельный, чем знатный, но порочный» . О свободе Дон-Кихот говорит Санчо так: «Свобода, Санчо, есть одна из самых драгоценных щедрот, которые небо изливает на людей, с нею не могут сравниться никакие сокровища: ни те, что таятся в недрах земли, ни те, что сокрыты на дне морском. Ради свободы, так же точно как и ради чести, можно и должно рисковать жизнью, и, напротив того, неволя есть величайшее из всех несчастий, какие только могут случиться с человеком. Говорю же я это, Санчо, вот к чему: ты видел, как за нами ухаживали и каким окружали довольством в том замке, который мы только что покинули, и, однако ж, несмотря на все эти роскошные яства и прохладительные напитки, мне лично казалось, будто я терплю муки голода, ибо я не вкушал их с тем же чувством свободы, как если б все это было мое, между тем обязательства, налагаемые благодеяниями и милостями, представляют собой путы, стесняющие свободу человеческого духа ».

Дополнением к образу Дон-Кихота является образ Санчо Пансы. Он также имеет прецеденты в средневековой литературе. Сервантес создал сложный, глубоко реалистический образ, отражающий существенные стороны испанской жизни того времени и очень важный для общего замысла романа. На первый взгляд, Санчо Панса представляет собой полную противоположность своему господину: в то время как Дон-Кихот, изнуряя себя физически, жаждет бескорыстно потрудиться на пользу человечества, Санчо Панса прежде всего старается ублажать свою плоть и послужить самому себе. Он больше всего любит поспать и поесть (само имя его выразительно: panza по-испански значит «брюхо» ), он хочет стать графом и губернатором, хочет, чтобы жена его Тереса Панса ездила в золоченой карете. Размечтавшись о том, как он сделается властелином, Санчо Панса спрашивает, сможет ли он продать всех своих подданных в рабство и положить денежки в карман. Он весь в практике, в настоящем, в то время как Дон-Кихот весь в мечте о прошлом, которое он хочет оживить. Но в то же время между ними есть глубокое внутреннее сходство, делающее их сыновьями одного народа и продуктом одной эпохи.

Судьба их аналогична: оба, увлеченные своими фантазиями, отрываются от семьи и мирной здоровой жизни; чтобы пуститься по свету в поисках удачи, и оба в конце концов исцеляются от своих бредней, убедившись, что они были во власти миражей. Но разница между ними та, что Дон-Кихот пленился мечтой об искоренении зла на земле и о рыцарской славе, т.е. старым рыцарским идеалом в его классической форме, а Санчо Панса под влиянием безумного Дон-Кихота прельстился идеей легкой наживы, духом авантюризма, т.е. современной формой рыцарского идеала – «рыцарством» первоначального накопления.

Есть разница также в том, как они исцеляются от своих миражей. Дон-Кихот, несмотря на сыплющиеся на него градом неудачи, остается во власти своих рыцарских иллюзий, пока, наконец, пелена не спадает с его глаз. Но тот второй, здоровый человек, который в нем живет, развивается на протяжении романа под влиянием как соприкосновения с жизнью, так и общения с чистым душой Санчо Пансой. Речи Дон-Кихота в моменты просветления его сознания становятся все более значительными и мудрыми, и параллельно с этим он делается все доверчивее и откровеннее со своим оруженосцем, все чаще просит у него совета и помощи, и социальная дистанция между ними все сокращается, пока, в последних главах, не исчезает совсем.

Напротив, Санчо Панса исцеляется умственно и нравственно задолго до конца романа. От бредней, воспринятых им от Дон-Кихота, он освобождается в результате суровых испытаний, последним из которых было его «губернаторство» . Однако в управление своим «твердым островом» он вступил уже излечившимся от владевшей им ранее жажды наживы, и это произошло с ним отчасти под воздействием постоянного примера душевного благородства и доброты Дон-Кихота. Санчо Панса сопутствует Дон-Кихоту в третьем выезде последнего уже не из соображений выгоды, а из сердечной привязанности к своему привязанности к своему господину, которого он искренне полюбил. В конце романа он не вспоминает о жалованье, которое тот ему задолжал. Под влиянием Дон-Кихота Санчо становится добрее и великодушнее в отношениях к людям, им начинает руководить уже не жажда обогащения, а любовь к справедливости и человечность.

В общем как для Дон-Кихота рыцарские затеи, так и для Санчо Пансы его мечты об обогащении – лишь временная заимствованная оболочка, глубоко чуждая их натуре. Оба они – благороднейшие представители испанского народа. Если сумасброд Дон-Кихот – носитель самых высоких гуманистических идей, то простодушный весельчак Санчо Панса – воплощение народной мудрости и нравственного здоровья. Оба кровно близки друг другу, что особенно отчетливо выступает в эпизоде губернаторства Санчо Пансы, где благородные гуманистические идеалы Дон-Кихота скрещиваются с практическим разумом, честностью и здоровой человечностью Санчо. Другой момент их глубокого и уже окончательного сближения – финал романа, когда Санчо Панса, обливаясь слезами, прощается с умирающим господином, который освободился от своих заблуждений и уже больше не Дон-Кихот Ламанчский, а снова – Алонсо Кихана Добрый.

Очень характерно, что в романе, в котором выведено несколько сот персонажей, показано очень немного представителей аристократии, а если они и появляются, то обрисованы самыми скупыми и общими штрихами. Таковы герцог и герцогиня во второй части, похожие на марионеток в сравнении с остальными персонажами романа, яркими и живыми. Сервантес очень тонко дает почувствовать всю пустоту и скуку их пышной, наполненной церемониями жизни, заставляющей их обрадоваться как желанной забаве встрече с Дон-Кихотом и его оруженосцем.

Некое неопределенное отношение Сервантеса к духовенству, хотя его высказывания на этот счет также чрезвычайно замаскированы. В «Дон Кихоте» лица духовные совершенно не показаны в своей специфической практике. Не считая некоторого количества монахов, студентов богословия и священников, участвующих в дорожных авантюрах Дон-Кихота в качестве статистов, во всем романе выведен всего лишь один священнослужитель, имеющий определенную физиономию, - это друг Дон-Кихота, священник той же деревни, где живет герой, просвещенный и рассудительный, всегда умеющий дать хороший совет, обнаруживший во время осмотра библиотеки Дон-Кихота тонкий литературный вкус, заботящийся о делах Дон-Кихота и его выздоровлении, он ничем не похож на священника, и никто бы не догадался о его принадлежности к этой корпорации, если бы ни его платье.

Если Сервантес уклоняется от изображения в своем романе верхов общества и духовенства, то он дает в нем широкую картину народной жизни, изображая правдиво и красочно крестьян, ремесленников, погонщиков мулов, пастухов, бедных студентов, солдат, трактирных служанок и т.п. Всех этих маленьких людей, ходящих «по земле просто ногами» , он описывает объективно и разносторонне, не скрывая грубоватости, жадности, сварливости, склонности к плутовству многих из них, то в то же время подчеркивает таящийся в них огромный запас трудолюбия, активности, оптимизма и добродушия. Сервантес полон доверия и искренней симпатии ко всем этим людям, он старается показать их с хорошей стороны. Грубая трактирная служанка Мариторнес на последние гроши покупает кружку пива для бедняги Санчо Пансы. Хозяйка постоялого двора заботливо лечит избитого погонщиками мулов Дон-Кихота. Эту полунищую, но полную живых творческих сил Испанию Сервантес противопоставляет официальной Испании, хищной, надменной и богомольной, идеализировавшей себя в напыщенных картинах рыцарских романов или слащавых образах романов пасторальных.

Во всех этих сценках, образующих основной фон романа, даны элементы здоровой жизни, способные к дальнейшему развитию. Дополнением к ним является несколько вставных новелл, в которых изображены высшие, очень сложные формы жизни, опоэтизированные отчасти в трагических, отчасти в сентиментальных тонах. Новеллы эти перекликаются с некоторыми эпизодами основного повествования. Назначение этих новелл – показать возможность благородных и прекрасных форм человеческой деятельности на чисто реальной базе здравых чувств и понятий в противоположность рыцарским бредням Дон-Кихота.

Глубокая народность романа Сервантеса заключается во вдумчивом и сочувственном изображении широкого фона народной жизни; в сближении Дон-Кихота с Санчо Пансой, в показе творческих возможностей, таящийся в этом сыне испанского народа; в ясном и трезвом отношении к жизни; в обличении всякой социальной неправды и насилия; в глубокой любви уважении к человеку, о котором говорит эта книга; в том оптимизме, которым она дышит, несмотря на грустный характер большинства ее эпизодов и на пронизывающую ее печаль.

Всему этому соответствует замечательный реалистический язык романа, ясный, красочный, богатый оттенками, вобравший в себя множество элементов народной речи. Язык персонажей Сервантеса различен в зависимости от их общественного положения и характера. Особенно отчетливо выступает противоположность между размеренным и важным, иногда даже несколько архаическим языком Дон-Кихота и не всегда правильной, но сочной и выразительной, пересыпанной пословицами, поговорками, междометиями, подлинно народной речью Санчо Пансы. Язык персонажей меняется у Сервантеса также в связи с характером ситуации или душевного состояния говорящих, принимая то ораторский, то разговорный, то патетический, то шутливый или фамильярный оттенок.

Сервантес гениально уловил основные тенденции и проблемы своей эпохи. Обобщив их в образах двух главных героев своего романа, он вложил в них большое общечеловеческое содержание. Благодаря этому центральные образы романа, отражая действительное состояние Испании XVI – XVII вв., вместе с тем приобрели гораздо более широкое значение, сохранив свою жизненность и выразительность и в последующие века. В частности, поскольку Сервантес, писавший свой роман в условиях кризиса гуманизма, отразил в нем с огромной силой столкновение идеальных устремлений человеческого ума с миром корысти и личных интересов, «Дон Кихот» стал для будущих поколений мыслителей и писателей образцом противопоставления идеала и «низменной действительности» .

Значение «Дон Кихота» для дальнейшего развития европейского романа очень велико. Разрушая старый рыцарский роман, Сервантес вместе с тем закладывает основы нового типа романа, означающего огромный шаг вперед в развитии художественного реализма.

Роман Сервантеса был в начале XVII в. явлением исключительным, значительно опередившим свою эпоху. Он был по-настоящему понят и мог оказать действительное влияние на европейскую литературу лишь в XVIII и особенно в XIX в., когда стала возможной более высокая форма реализма. Начиная с этого момента идеи, образы, манера повествования, общий тон и отдельные стилистические черты «Дон Кихота» находят широкий отклик в европейской литературе. Из писателей, на которых влияние Сервантеса сказалось особенно отчетливо, можно назвать Филдинга, В. Скотта, Диккенса, Гоголя.

* Данная работа не является научным трудом, не является выпускной квалификационной работой и представляет собой результат обработки, структурирования и форматирования собранной информации, предназначенной для использования в качестве источника материала при самостоятельной подготовки учебных работ.

БОСХ ИЕРОНИМ — нидерландский художник. 1460-1516 гг.

БРЕЙГЕЛЬ ПИТЕР — нидерландский художник. 1525—1569 гг.

ВАН ДЕЙК — фламандский художник. 1599-1641 гг.

ВЕЛАСКЕС РОДРИГЕС ДЕ СИЛЬВА ДИЕГО — испанский художник. 1599-1660гг.

ДЮРЕР АЛЬБРЕХТ — немецкий художник. 1471-1528 гг.

ПУССЕН НИКОЛА — французский художник. 1594—1665 гг.

РЕМБРАНДТ ХАРМЕНС ВАН РЕЙН — нидерландский художник. 1606— 1669гг.

РУБЕНС ПИТЕР ПАУЛЬ - фламандский художник. 1577-1640 гг.

ЭЛЬ ГРЕКО — испанский художник. 1541-1614 гг.

Когда говорят о живописи эпохи Возрождения, то все сразу представляют себе Италию и великих итальянских мастеров — Леонардо да Винчи, Микеланджело, Рафаэля. Но гениальные художники появились не только в Италии. Почти во всех европейских странах того времени жили и творили знаменитые живописцы.

Очень интересных художников подарила миру маленькая страна — Нидерланды. Их творчество искусствоведы называют «Северным Возрождением». Особое место среди живописцев Северного Возрождения занимает Иероним Босх.

Его настоящая фамилия ван Акен. Родился и работал он в маленьком городке Бос. О жизни Иеронима из Боса — Босха почти ничего не известно. Нидерланды тогда принадлежали Испании, и большую часть жизни Босх провел в столице Испанского королевства — Мадриде.

Иероним Босх. Воз сена похожий фантастический мир. Они населены чудовищами и уродливыми существами, созданными из частей тел животных, насекомых и людей. Человеческие лица обнажают зависть, озлобление, тупость, са-модовольство и алчность. Картина «Воз сена» написана на тему пословицы «Жизнь — это воз сена, и каждый старается урвать себе клок побольше». Картина « Корабль дураков » — символ человеческой глупости.

Но творчество Босха не попытка унизить человека, залить грязью творение Бога и природы. Глядя на картины этого художника, человек видит свои пороки. Гений Босха настолько своеобразен, настолько впечатляет, что под его воздействием человек задумывается о себе и о своих пороках куда чаще, чем после скучных нравоучительных проповедей.

Другой знаменитый нидерландский художник — Брейгель Старший или Мужицкий. Его имя — Питер, а фамилия — название деревни, в которой он родился.

Очень сильное воздействие на творчество Брейгеля оказал Босх. Ранние картины Брейгеля созданы под его влиянием. Об этом говорят и их названия: «Борьба сундуков и копилок», «Бой поста с масленицей», «Пир тощих» и «Пир жирных», «Триумф смерти», «Страна лентяев».

Картина «Фламандские пословицы» - своеобразная иллюстрация народных поговорок. На ней изображены несколько десятков персонажей, которые как будто решили опровергнуть то, что утверждают пословицы. Кто-то пытается прошибить стену лбом, кто-то бросает свиньям под ноги цветы, кто-то закапывает колодец.

Брейгель не просто последователь Босха. Он сохранил в своих ранних картинах дух любимого художника, посмотрел на мир с его точки зрения, но своими глазами и воссоздал этот мир своей кистью.

Произведения Брейгеля пользовались огромной популярностью. Их покупал даже испанский король, хотя художник не писал портретов знати. Его картины были наполнены простонародьем и никак не подходили для украшения роскошных залов дворцов.

Во второй период своего творчества Брейгель отошел от сати-рического изображения жизни. Он написал цикл из двенадцати картин «Времена года», такие картины, как «Крестьянский танец», «Деревенская свадьба».

Под кистью великого мастера сцены и эпизоды обычной жизни возвысились до философских обобщений. Особенно поражают его картины-притчи. Вот «Падение Икара». Пахарь спокойно пашет землю. Пастух пасет овец, рыбак ловит рыбу, по морю плывут корабли. Каждый занят своим делом. И в уголке картины — нога упавшего в море Икара. На нее сразу и не обратишь внимание. Икар хотел вознестись к солнцу, его падение — трагедия, катастрофа, символ поражения дерзновенного героя. А никто и не заметил ни его полет, ни его падение.

Или картина «Художник и знаток». У мольберта живописец отдавший работе все свои силы. А за спиной смеющийся покупатель с кошельком в руке. Самая знаменитая картина-притча Брейгеля — «Слепые».

Она напоминает слова из Библии: «Если слепой поведет слепого, то оба упадут в яму». Шестеро слепых, держась друг за друга, идут неведомо куда. Их слепой поводырь уже упал с обрыва, второй тоже вот-вот упадет, остальные, не видя, что им грозит, движутся следом. Глядя на эту картину, человек задумывается и о себе самом, не знающем завтрашнего дня, и о всем человечестве, которое спустя тысячелетия так и не может ответить на вопрос греческих философов: «Кто мы, откуда мы и куда идем? »

У Брейгеля было много прозвищ. По возрасту его называли Брейгелем Старшим - в отличие от его сыновей, ставших тоже известными художниками. По деревенскому происхождению - Брейгелем Мужицким. В некоторых хрониках именовали Брейгелем Смешным — по содержанию его ранних картин. С полным правом его можно назвать и Брейгелем Философом. А точнее всех о нем сказал один из искусствоведов, назвав его Брейгелем I Великим.

Творчество Питера Рубенса тоже относится к Северному Возрождению. Рубенс родился в семье старшины города Антверпена. Отец Рубенса был протестантом, и ему пришлось бежать от преследований католиков в Германию, в Кельн. В Кельне он оказался под защитой сторонника протестантизма принца Вильгельма Оранского. Жена принца покровительствовала беглецу, и принц из ревности сначала посадил его в тюрьму, а потом сослал в немецкий городок Насау, где и родился Питер Пауль Рубенс. После смерти отца Рубенс вместе с матерью вернулся во Фландрию - так тогда называли часть современной Бельгии - в Антверпен.

Будущий художник окончил иезуитскую школу, и мать опре-делила его пажом к графине Лалэнг. Служба при знатной даме дала ему возможность усвоить светские обычаи и научиться вести себя в высшем обществе. После нескольких лет занятий живописью Рубенс посетил Ита-лию. Он не стремился к творчеству, а просто копировал картины знаменитых итальянских мастеров.

Возвратившись на родину, он стал придворным живописцем правителей Южных Нидерландов инфанты Изабеллы и эрцгерцога Альберта. Великая итальянская живопись разбудила в нем художника. Он начал писать картины, соединив выработанное долгими упражнениями мастерство с жизнерадостным духом своей любимой родины.

Картины Рубенса - гимн радости жизни. Не случайно он очень много писал на мифологические сюжеты. Это «Суд Париса», «Диана на охоте», «Вакх». Но даже картины, созданные им на библейские темы, наполнены ангелами и святыми, которые больше похожи на языческих богов - Венеру и Аполлона. Искусствоведы ставили Рубенса на один уровень с гениями итальянского Возрождения Леонардо да Винчи, Микеланджело и Рафаэлем. Они писали, что у Леонардо он взял ясность композиции, у Микеланджело - мощь и темперамент, у Рафаэля - нежность красок.

Рубенс очень много работал. Для украшения Люксембургского дворца в Париже он создал серию картин Жизнь Марии Медичи с изображениями французской королевы Марии Медичи, короля Генриха IV и короля Людовика XIII. Портретами его работы украшены дворцы испанского и английского королей.

В пятьдесят три года Рубенс овдовел — умерла его жена. Спустя несколько лет немолодой уже художник страстно влюбился в шестнадцатилетнюю красавицу Елену Фоурмен и женился на ней.

Рубенс и его молодая жена прожили счастливый супружеский век. Художник боготворил свою возлюбленную. Одних только ее портретов он создал больше двадцати. А такие ее изображения, как «Портрет Елены Фоурмен с детьми» и «Шубка», считаются вершинами мировой живописи.

За свою жизнь Рубенс написал огромное количество картин — около трех тысяч. И каждая из них вошла в золотой фон; мировой живописи. Написать столько картин одному Рубенсу было бы не под силу. В его мастерской трудилось много способных учеников. Рубенс делал эскиз будущей картины, ученики писали ее, а Рубенс потом завершал работу.

Только один из этих учеников вырос в самостоятельного живописца.

Его звали Ван Дейк. Он достиг вершин мастерства и стал известнейшим портретистом аристократы и короли разных стран заказывали ему портреты, но самым знаменитым стал его автопортрет.

Ван Дейк был очень красив. Романтические любовные при-ключения принесли ему не меньшую славу, чем талант художника.

Имя Рембрандта стоит в одном ряду с гениями Северного Возрождения.

Он был сыном простого мельника из небольшого голландского городка Лейдена. Три его брата получили профессии обычных ремесленников. Когда Рембрандт вырос, дела его отца пошли так хорошо, что он решил дать своему четвертому сыну образование. Рембрандт поступил в латинскую школу, ученики которой продолжали обучение в университете. Юноша не блистал успехами в науках. Его влекла живопись, отцу пришлось уступить и отдать его в мастерскую художника.

Овладев навыками и приемами живописца, Рембрандт перебрался в самый крупный и богатый город Голландии - Амстердам. Первый же удачно выполненный заказ - групповой портрет доктора Тульпа и его коллег - принес молодому художнику известность и деньги.

Рембрандт женился на дочери богатого юриста - Саскии и семь лет прожил счастливо и беззаботно. Он писал картины на библейские темы - «Ослепление Самсона», «Поклонение волхвов», «Христос с учениками», «Святое семейство» и на темы древнегреческих мифов - «Даная», «Ганимед». Рембрандт очень любил свою жену и постоянно писал ее.

Неожиданная смерть Саскии очень сильно подействовала на художника. Постепенно он обеднел. Ему пришлось распродать коллекцию картин и редкостей. Его объявили несостоятельным должником, и до конца своих дней Рембрандт жил в тяжелой нужде.

Причиной бедности было и то, что Рембрандт не хотел угождать заказчикам. Все началось с картины «Ночной дозор». Ее заказали офицеры городской стражи. Каждый из них хотел увидеть себя на переднем плане в самой лучшей позе. Рембрандт написал не официальный, парадный, групповой портрет, а сюжетную картину. Отряд городской стражи выступает в поход. Все в движении. Кто-то из офицеров оказался на переднем плане, кто-то на втором, кто-то виден в полный рост, а кто-то затерялся среди других фигур. Маленькая девочка с курицей, непонятно как попавшая на картину, привлекает больше внимания, чем кто-либо из офицеров, лицо которого к тому же почти закрыто рукой другого стражника.

Заказчики потребовали переделать картину. Рембрандт отказался. Ведь он добился того, чего хотел как художник — передал настроение, чувства, создал интересные и живые характеры. Офицеры отказались платить деньги.

После этого случая Рембрандту все реже и реже делали заказы. А он как будто и не замечал этого. Художник приводил в свою мастерскую городских нищих, старцев и старух и увлеченно писал их портреты. Его уже не интересовала плата за работу — он был поглощен желанием написать портрет так, чтобы лицо человека отражало его душу. Художник становился в своих картинах философом, он терял заказчиков, деньги и обретал бессмертную славу. Пройдет сто, двести лет, портрет нищей старухи его кисти оценят выше, чем иной портрет короля.

Одна из последних работ Рембрандта - картина «Возвращение блудного сына» на тему библейской притчи. В притче рассказывается, как сын покинул отца и братьев. Вдали от родного дома он предался разгулу и промотал свою долю наследства. Чтобы прокормиться, ему пришлось наняться свинопасом и питаться из свиного корыта. Рас-каявшись, он вернулся к отцу, и отец простил его и принял в ро-дительский дом. В этой картине воплотилось все, что Рембрандт достиг за долгие годы поисков и трудов. В ней видят символ жизненного пути каждого человека и биографию самого художника.

Знаменитым мастером эпохи Возрождения является Альбрехт Дюрер. Он родился в Германии, в городе Нюрнберге, в семье ювелира. Отец обучил его своему мастерству. Став гравером, Альбрехт увлекся рисованием. После четырех лет путешествий и знакомства с работами лучших художников Альбрехт Дюрер вернулся в родной город, женил-ся на дочери богатого механика и открыл свою мастерскую.

Славу ему принесли гравюры. Германский император приказал городским властям платить художнику по 100 гульденов в год, чтобы он мог работать и путешествовать. Побывав в Италии, Дюрер встретился с Рафаэлем и подарил ему свой автопортрет. Рафаэль был восхищен его мастерством.

Самая известная гравюра Дюрера - «Четыре всадника» из серии Апокалипсис. Апокалипсис - в переводе с греческого «откровение» - это одна из книг Нового Завета, в которой рассказывается о конце света. На гравюре изображены Мор, Война, Голод и Смерть, которым суждено истребить большую часть человечества.

Гравюры Дюрера исполнены с математической точностью. Ху-дожник был автором нескольких трактатов: «О живописи», «О прекрасном», «О пропорциях» и книг по фортификации — науке о постройке крепостных сооружений.

Работы Дюрера-гравера считаются вершиной гравировального искусства. Но Дюрер прославился и как живописец. Его кисти принадлежат несколько знаменитых автопортретов и замечательных по насыщенности цвета картин. После их успеха Дюрер гордо написал своему другу: «Я заставил умолкнуть всех живописцев, говоривших, что в гравюре я хорош, но в живописи не умею обращаться с красками. Теперь все говорят, что они не видели более красивых красок ».

Гравюры и живописные работы Дюрера поражают идеальной точностью. Он вошел в историю живописи как творец, выверивший радугу красок и четкость линий циркулем и математической формулой.

Испания эпохи Возрождения дала миру имена великих живо-писцев Эль Греко и Веласкеса.

Эль Греко родился на греческом острове Крите. Его настоящее имя - Доменико Теотокопули. Живописи он учился у греческих иконописцев. Потом некоторое время работал в мастерской Тициана, в Венеции и жил в Риме. После этого Эль Греко уехал в Испанию, где и написал все свои знаменитые картины.

Уже в Риме Эль Греко стал известным художником, ему пророчили большое будущее. Согласно преданию, уехать из Рима ему пришлось из-за своей непомерной гордости и заносчивости. Однажды в разговоре о том, что фрески Сикстинской капеллы, написанные Микеланджело, по своему духу не столько христианские, сколько языческие, Эль Греко сказал в кругу художников, что если соскоблить эти фрески, то он создал бы другие, не уступающие им по живописи и намного выше их по духовному содержанию. Такое заявление сначала ошеломило всех присутствующих, а потом вызвало смех и презрение. Все художники и знатоки перестали

общаться с дерзким молодым человеком, и он покинул Рим в надежде стать придворным живописцем испанского короля.

В Мадриде его ожидало разочарование - королю не понравились работы приезжего живописца. Эль Греко обосновался в старой, только что покинутой королем столице Испании -Толедо.

Здесь он получил заказ написать картину, изображающую Иисуса Христа перед распятием, для алтаря главного храма Толедо — собора «Эсполио». Картина имела невероятный успех. Автору было заказано семнадцать копий с нее.

Посмотреть шедевр приезжали художники со всех концов Испании. Необычная живопись Эль Греко поразила их. Вытянутые фигуры, словно отраженные в воде; увеличенные, иконописные, глаза; фиолетовые, лиловые, жемчужно-серые краски в сочетании с красными; призрачное, словно предгрозовое, мерцающее освещение завораживали зрителей.

В Толедо Эль Греко прожил до конца своих дней. Он писал кар-тины на библейские темы, оставил после себя много портретов. Все его работы выполнены в одном и том же необычайном стиле. Быть может, он и не превзошел Микеланджело, но тем не менее создал свою, неповторимую, живопись, мощную, страстную и загадочную.

При жизни Эль Греко чтили как самого великого испанского художника. После смерти забыли и вспомнили спустя четыреста лет, когда живописцы двадцатого века открыли его заново и положили его приемы в основу новых течений в искусстве.

Другой испанский гений — Веласкес ко времени смерти Эль Греко только начал делать первые шаги в искусстве. Его учитель был поклонником итальянской живописи, и в особенности Рафаэля.

Веласкес достиг самых высоких вершин мастерства. Рассказывают, что французский поэт Теофиль Готье, впервые увидев одну из картин Веласкеса, спросил: «Где же картина?» — поэт или в самом деле принял изображение за реальность, или этими словами хотел воздать похвалу таланту Веласкеса. А Папа Римский при виде своего портрета воскликнул: «Чересчур правдиво!» Веласкес был не просто хорошим художником, его кисть раскрывала внутреннюю сущность человека, даже если тот и хотел скрыть ее.

Почти сорок лет Веласкес состоял в должности придворного живописца испанского короля и получил звание гофмаршала. Он писал портреты придворных и членов королевской семьи. Среди его полотен — целая серия портретов карликов и шутов.

Во время путешествия по Италии Веласкес принял участие в конкурсе живописцев, проходившем в Риме. По решению самих художников Веласкеса признали победителем. Так испанский мастер получил признание на родине живописи. Знаменитые картины Веласкеса — «Менины» (фрейлины), историческое полотно «Сдача Бреды», «Ве-нера перед зеркалом», «Пряхи».

После смерти художника на его надгробии высекли: «Живописцу истины».

Живопись средневековья и эпохи Возрождения во Франции не имела такого развития, как в Италии, Нидерландах, Германии и Испании. Но зато Франция дала миру живописца, чье творчество знаменовало появление нового направления искусства — классицизма.

Этот живописец Никола Пуссен. Он родился в семье солдата, который после долгих войн протестантов и католиков стал кре-стьянином. Пуссен с детства увлекался рисованием и живописью. Денег на образование у него не было, и он бежал из дома со странствующим живописцем, а через некоторое время оказался в Париже. Юноше часто приходилось голодать.

Но на его пути попадались хорошие люди. Он подружился с хранителем королевских художественных коллекций и библиотеки и получил возможность копировать картины итальянских мастеров. Пуссен мечтал работать в Италии.

Голодный, без денег и больной, он возвращался в свою деревню, работал не покладая рук, дважды пытался добраться до Рима и только на третий раз добился своего - попал в столицу живописи. Здесь ему повезло - его познакомили с кардиналом Барберини, покровителем ху-дожников и поэтов. Заказы кардинала помогли Пуссену стать на ноги.

Прошло время, и работы французского мастера завоевали известность. Ему предложили стать князем Академии искусств. Король Франции Людовик XIII, по совету кардинала Ришелье, пригласил Пуссена в Париж и даровал ему звание первого живописца короля. Ему поручили росписи королевского дворца - Лувра, ставшего позже музеем, хранилищем художественных ценностей Франции. Король окружил прославленного живописца почетом и даже подарил ему небольшой дворец. Сын небогатых крестьян, тайком бежавший из дома и голодавший в Париже, достиг всего, о чем только мог мечтать. Но придворная жизнь, интриги соперников мешали ему работать.

Пуссен отпросился у короля съездить в Рим. Во время его от-сутствия умер Ришелье, а потом и сам Людовик XIII. При дворе забыли о Пуссене, и он до конца жизни прожил в Риме. Скромный достаток и плодотворный труд живописца он поставил выше богатства и почестей. Пуссен писал в основном пейзажи и картины на библейские и мифо-логические сюжеты. Особенно известны пейзажи «Времена года» и картины «Царство Флоры», «Аркадские пастухи».

Полотна Пуссена уравновешены и величественны. Герои благородны, краски гармоничны. Стиль, который создал Пуссен, назвали классицизмом, от слова «классический». Классическими, от латинского слова «класс» - «разряд», называли произведения первого разряда, то есть самые лучшие.

Поздние последователи Пуссена, создававшие произведения по законам классицизма, оказались лишь добросовестными ре-месленниками, не сумевшими вдохнуть в своих героев жизнь. С тех пор под «классицизмом» часто подразумевают холодное следование правильным, но скучным образцам, а полотна Пуссена, родоначальника классицизма, до сих пор не померкли и по праву входят в сокровищницу мировой живописи.

Политическое и экономическое возвышение Испании в конце XV - первой половине XVI века. Объединение страны и становление абсолютной монархии. Географические открытия и колонизация Нового Света. Кратковременность и противоречивость Возрождения в Испании. Перелом в искусстве на рубеже XV – XVI веков. Совмещение в искусстве различных художественных тенденций (готика, раннеренессансная традиция, маньеризм). Вторая половина XVI века – время наивысших достижений.

Архитектура Испании XVI века.

Архитектура на рубеже столетий, ее ведущая роль. Стиль платереск. Особенности стиля – ковровое заполнение стены скульптурной декорацией. Зрелый стиль - соединение художественных принципов мавританской культуры (орнаментальность) и итальянского Возрождения (элементы ордера, растительного орнамента, статуи античных божеств и т.д.). Фасадные композиции - главные достижения стиля. Западный фасад Университета в Саламанке (1515-1535), ратуша в Севилье (н.1527, архитектор Диего дель Рианьо). XVI век - сохранение за архитектурой ее ведущей роли. Обращение к традиции итальянского Высокого Возрождения и создание нового, монументального стиля. Дворец Карла V в Гранаде (н.1526, архитектор Педро Мачуна). Архитектурный комплекс Эскориал, резиденция Филиппа II, как образное воплощение идеи централизованной абсолютной власти. Проект (1563) Хуана да Толедо. После его смерти строительство возглавил Хуан де Эрера (1530-1597).

Скульптура XVI века .

Постепенное вытеснение готики ренессансными элементами. Чуждость образной концепции Высокого Возрождения. Стремление испанских мастеров к повышенной образной экспрессии и обращение к стилистике маньеризма. Алонсо Бурргете (ок.1490-1561), один из крупнейших скульпторов Испании. Овладел языком классических форм. Использовал художественные принципы маньеризма. Драматизм образов. Работал в области деревянной полихромной скульптуры. Рельефы сидений хора собора в Толедо (1539-1549, Музей Вальядолида).

Живопись Испании XVI века .

Стилистическая связь с итальянским искусством. Отсутствие крупных мастеров в первой половине XVI века. Основные тенденции в испанской живописи второй половины столетия. Направление романизма. Обращение к произведениям художников Римской школы как образцам для подражания. Влияние маньеризма. Возникновение национальной школы портретистов при дворе Филиппа II. Алонсо Санчес Коэльо (ок.1532-1588), его ученики и последователи. Сложение типа портрета на основе традиционных сословных представлений и придворного этикета (скованность, статичность, тщательная проработка деталей костюма). Заимствование приемов маньеристического стиля. Алонсо Санчес Коэльо «Портрет Филиппа II» (ок.1575, Мадрид, Прадо). Мистические тенденции в живописи Испании - Луис Моралес (ок.1509-1586), «Богоматерь с младенцем» (ок.1570, Мадрид, Прадо).

Доменико Теотокопули. Прозванный Эль Греко (1541-1614), крупней испанский художник XVI века. Линия спиритуалистического восприятия. Визионерский характер живописи. Уроженец Крита. Истоки стиля - византийская икона живописи, поздний Микеланджело, Тинторетто. Деятельность связана с Толедо, городом старой аристократии и духовной утонченности. Особенности стиля - вытянутые пропорции фигур, бесконечное пространство, его ирреальный характер, иррациональная природа света. Особая роль колорита. Эффект свечения цвета. «Погребение графа Оргаса» (1586, Толедо, церковь Сан-Тома), «Св. Мартин и нищий» (после 1604, Вашингтон, Национальная галерея), «Благовещение» (1509-1603, Будапешт, Музей изящных искусств), «Апостолы Петр и Павел» (1614, С.-Петербург, Эрмитаж). Усиление мистического начала в работах позднего периода: «Сошествие св. Духа» (после1610, Мадрид Прадо), «Вид Толедо» (1610-1614, Нью-Йорк, Музей Метрополитен) и др. Портреты Эль Греко, близость их образного строя сюжетным композициям мастера: «Портрет инквизитора Ниньо де Гевара» (1601, Нью-Йорк, Музей Метрополитен), «Портрет Ортенсио Парависино» (1609, Бостон, Музей) и др.

Эпоха Возрождения (Ренессанс). Италия. 15-16 века. Ранний капитализм. Страной правят богатые банкиры. Они интересуются искусством и наукой.

Богатые и влиятельные собирают вокруг себя талантливых и мудрых. Поэты, философы, художники и скульпторы ведут ежедневные беседы со своими покровителями. На мгновение показалось, что людьми правят мудрецы, как того хотел Платон.

Они вспомнили о древних римлянах и греках. Которые тоже строили общество свободных граждан. Где главная ценность – человек (не считая рабов, конечно).

Возрождение – это не просто копирование искусства древних цивилизаций. Это смешение. Мифологии и Христианства. Реалистичности натуры и душевности образов. Красоты физической и красоты духовной.

Это была всего лишь вспышка. Период Высокого Возрождения – это примерно 30 лет! С 1490-х годов до 1527 гг. С начала расцвета творчества Леонардо. До разграбления Рима.

Мираж идеального мира быстро померк. Италия оказалась слишком хрупкой. Она вскоре была порабощена очередным диктатором.

Однако эти 30 лет определили главные черты европейской живописи на 500 лет вперёд! Вплоть до .

Реалистичность изображения. Антропоцентризм (когда человек – главный персонаж и герой). Линейная перспектива. Масляные краски. Портрет. Пейзаж…

Невероятно, но в эти 30 лет творили сразу несколько гениальных мастеров. Которые в другие времена рождаются один на 1000 лет.

Леонардо, Микеланджело, Рафаэль и Тициан – титаны эпохи Возрождения. Но нельзя не упомянуть и о двух их предшественниках. Джотто и Мазаччо. Без которых бы никакого Возрождения бы и не было.

1. Джотто (1267-1337 гг.)

Паоло Уччелло. Джотто да Бондоньи. Фрагмент картины “Пять мастеров флорентийского Возрождения”. Начало 16 века. .

14 век. Проторенессанс. Главный ее герой – Джотто. Это мастер, который в одиночку совершил революцию в искусстве. За 200 лет до Высокого Возрождения. Если бы не он, эпоха, которой так гордится человечество, вряд ли бы наступила.

До Джотто были иконы и фрески. Они создавались по византийским канонам. Лики вместо лиц. Плоские фигуры. Несоблюдение пропорций. Вместо пейзажа – золотой фон. Как, например, на этой иконе.

Гвидо да Сиена. Поклонение волхвов. 1275-1280 гг. Альтенбург, Музей Линденау, Германия.

И вдруг появляются фрески Джотто. На них объёмные фигуры. Лица благородных людей. Печальные. Скорбные. Удивленные. Старые и молодые. Разные.

Фрески Джотто в церкви Скровеньи в Падуе (1302-1305 гг.). Слева: Оплакивание Христа. Посередине: Поцелуй Иуды (фрагмент). Справа: Благовещение святой Анны (матери Марии), фрагмент.

Главное творение Джотто – это цикл его фресок в Капелле Скровеньи в Падуе. Когда эта церковь открылась для прихожан, в неё хлынули толпы людей. Потому что такого они никогда не видели.

Ведь Джотто сделал небывалое. Он как бы перевёл библейские сюжеты на простой понятный язык. И они стали гораздо доступнее обычным людям.

Джотто. Поклонение волхвов. 1303-1305 гг. Фреска в Капелле Скровеньи в Падуе, Италия.

Именно это будет свойственно многим мастерам Эпохи Возрождения. Лаконичность образов. Живые эмоции персонажей. Реалистичность.

О фресках мастера читайте подробнее в статье.

Джотто восхищались. Но его новаторства развивать дальше не стали. В Италию пришла мода на интернациональную готику.

Только через 100 лет появится мастер, достойный продолжатель Джотто.

2. Мазаччо (1401-1428 гг.)

Мазаччо. Автопортрет (фрагмент фрески “Святой Петр на кафедре”). 1425-1427 гг. Капелла Бранкаччи в церкви Санта-Мария-дель-Кармине, Флоренция, Италия.

Начало 15 века. Так называемое Раннее Возрождение. На сцену выходит ещё один новатор.

Мазаччо был первым художником, который использовал линейную перспективу. Ее разработал его друг, архитектор Брунеллески. Теперь изображенный мир стал похож на реальный. Игрушечная архитектура – в прошлом.

Мазаччо. Святой Петр исцеляет своей тенью. 1425-1427 гг. Капелла Бранкаччи в церкви Санта-Мария-дель-Кармине, Флоренция, Италия.

Он перенял реализм Джотто. Однако, в отличие от предшественника, уже хорошо знал анатомию.

Вместо глыбообразных персонажей Джотто – прекрасно сложенные люди. Совсем как у древних греков.

Мазаччо. Крещение неофитов. 1426-1427 гг. Капелла Бранкаччи, церковь Санта-Мария дель Кармине во Флоренции, Италия.
Мазаччо. Изгнание из Рая. 1426-1427 гг. Фреска в Капелле Бранкаччи, церковь Санта-Мария дель Кармине, Флоренция, Италия.

Мазаччо прожил недолгую жизнь. Он умер, как и его отец, неожиданно. В 27 лет.

Однако последователей у него было много. Мастера следующих поколений ходили в Капеллу Бранкаччи, чтобы учиться по его фрескам.

Так новаторства Мазаччо были подхвачены всеми великими титанами Высокого Возрождения.

3. Леонардо да Винчи (1452-1519 гг.)

Леонардо да Винчи. Автопортрет. 1512 г. Королевская библиотека в Турине, Италия.

Леонардо да Винчи – один из титанов Эпохи Возрождения. Который колоссальным образом повлиял на развитие живописи.

Именно он повысил статус самого художника. Благодаря ему представители этой профессии отныне не просто ремесленники. Это творцы и аристократы духа.

Леонардо сделал прорыв в первую очередь в портретной живописи.

Он считал, что ничто не должно отвлекать от главного образа. Взгляд не должен блуждать от одной детали к другой. Так появились его знаменитые портреты. Лаконичные. Гармоничные.

Леонардо да Винчи. Дама с горностаем. 1489-1490 гг. Музей Черторыйских, Краков.

Главное же новаторство Леонардо – это то, что он нашёл способ, как сделать образы … живыми.

До него персонажи на портретах были похожи на манекены. Линии были чёткими. Все детали тщательно прорисованы. Раскрашенный рисунок никак не мог быть живым.

Но тут Леонардо изобрел метод сфумато. Он растушевал линии. Сделал переход от света к тени очень мягким. Его герои словно покрыты еле уловимой дымкой. Персонажи ожили.

. 1503-1519 гг. Лувр, Париж.

С тех пор сфумато войдёт в активный словарь всех великих художников будущего.

Часто встречается мнение, что Леонардо, конечно, гений. Но не умел ничего довести до конца. И картины часто не дописывал. И многие его проекты так и остались на бумаге (между прочим, в 24 томах). И вообще его бросало то в медицину, то в музыку. И даже искусством сервировки одно время увлекался.

Однако, сами подумайте. 19 картин. И он – величайший художник всех времён и народов. А кто-то даже близко не стоит по величию. При этом написав 6000 полотен за жизнь. Очевидно же, у кого КПД выше.

О самой знаменитой картине мастера читайте в статье .

4. Микеланджело (1475-1564 гг.)

Даниеле да Вольтерра. Микеланджело (фрагмент). 1544 г. Музей Метрополитен, Нью-Йорк.

Микеланджело считал себя скульптором. Но он был универсальным мастером. Как и другие его коллеги Эпохи Возрождения. Поэтому его живописное наследие не менее грандиозно.

Он узнаваем прежде всего по физически развитым персонажам. Потому что он изображал совершенного человека. В котором физическая красота означает красоту духовную.

Поэтому все его герои такие мускулистые, выносливые. Даже женщины и старики.

Микеланджело. Фрагменты фрески “Страшный суд” в Сикстинской капелле, Ватикан.

Часто Микеланджело писал персонажа обнаженным. А потом уже сверху дописывал одежду. Чтобы тело было максимально рельефным.

Потолок Сикстинской капеллы он расписывал сам. Хотя это несколько сотен фигур! Он даже краски растирать никому не позволял. Да, он был одиночкой. Обладая крутым и неуживчивым характером. Но больше всех он был недоволен … собой.

Микеланджело. Фрагмент фрески “Сотворение Адама”. 1511 г. Сикстинская капелла, Ватикан.

Микеланджело прожил долгую жизнь. Пережив угасание Возрождения. Для него это было личной трагедией. Поздние его работы полны печали и скорби.

Вобще творческий путь Микеланджело уникален. Ранние его работы – это восхваление человека-героя. Свободного и мужественного. В лучших традициях древней Греции. Как его Давид.

В последние годы жизни – это трагические образы. Намеренно грубо отесанный камень. Как будто перед нами памятники жертвам фашизма 20 века. Посмотрите на его “Пьету”.

Скульптуры Микеланджело в Академии изящных искусств во Флоренции. Слева: Давид. 1504 г. Справа: Пьета Палестрины. 1555 г.

Как такое возможно? Один художник за одну свою жизнь прошёл все этапы искусства от эпохи Возрождения до 20 века. Что же делать последующим поколениям? Что ж, идти своим путём. Осознавая, что планка поднята очень высоко.

5. Рафаэль (1483-1520 гг.)

. 1506 г. Галерея Уффици, Флоренция, Италия.

Рафаэль никогда не был в забвении. Его гениальность признавали всегда. И при жизни. И после смерти.

Его герои наделены чувственной, лиричной красотой. Именно его по праву считаются самыми прекрасными женскими образами, когда-либо созданными. Их внешняя красота отражает и душевную красоту героинь. Их кроткость. Их жертвенность.

Рафаэль. . 1513 г. Галерея старых мастеров, Дрезден, Германия.

Знаменитые слова “Красота спасёт мир” Фёдор Достоевский сказал именно о . Это была его самая любимая картина.

Однако чувственные образы – не единственная сильная сторона Рафаэля. Он очень тщательно продумывал композиции своих картин. Он был непревзойдённым архитектором в живописи. Причём он всегда находил самое простое и гармоничное решение в организации пространства. Кажется, что по другому и быть не может.

Рафаэль. Афинская школа. 1509-1511 гг. Фреска в станцах Апостольского дворца, Ватикан.

Рафаэль прожил всего 37 лет. Он умер внезапно. От подхваченной простуды и врачебной ошибки. Но его наследие трудно переоценить. Многие художники боготворили этого мастера. Множа его чувственные образы в тысячах своих полотен..

Тициан был непревзойдённым колористом. Также он много экспериментировал с композицией. Вообще он был дерзким и ярким новатором.

За такую яркость таланта его все любили. Называя “Королём живописцев и живописцем королей”.

Говоря о Тициане, хочется после каждого предложения ставить восклицательный знак. Ведь именно он привнёс в живопись динамику. Пафос. Восторженность. Яркий колорит. Сияние красок.

Тициан. Вознесение Марии. 1515-1518 гг. Церковь Санта-Мария Глориози деи Фрари, Венеция.

К концу жизни он выработал необычную технику письма. Мазки быстрые. Густые. Пастозные. Краску наносил то кистью, то пальцами. От этого – образы ещё более живые, дышащие. А сюжеты – ещё более динамичные и драматичные.

Тициан. Тарквиний и Лукреция. 1571 г. Музей Фицуильяма, Кэмбридж, Англия.

Ничего это вам не напоминает? Конечно, это техника . И техника художников 19 века: барбизонцев и . Тициан, как и Микеланджело, пройдёт 500 лет живописи за одну свою жизнь. На то он и гений.

О знаменитом шедевре мастера читайте в статье.

Художники эпохи Возрождения – это художники больших знаний. Чтобы оставить такое наследие, нужно было очень много знать. В области истории, астрологии, физики и так далее.

Поэтому каждый их образ заставляет нас задумываться. Для чего это изображено? Какое здесь зашифровано послание?

Поэтому они почти никогда не ошибались. Потому что досконально продумывали своё будущее произведение. Используя весь багаж своих знаний.

Они были больше, чем художники. Они были философами. Объясняющими нам мир с помощью живописи.

Вот почему они будут нам всегда глубоко интересны.