Nawet osoby niedoświadczone w malarstwie mają pojęcie o tym, jak wyglądają martwe natury. Są to obrazy przedstawiające kompozycje z dowolnych przedmiotów gospodarstwa domowego lub kwiatów. Jednak nie wszyscy wiedzą, jak przetłumaczone jest to słowo - martwa natura. Teraz opowiemy Ci o tym i wielu innych rzeczach związanych z tym gatunkiem.

Pochodzenie słowa „martwa natura”

Tak więc wyrażenie natura morte przyszło do języka rosyjskiego, oczywiście, z francuskiego. Jak widać, jest ona podzielona na dwie części – „naturę” i „morte”, które tłumaczone są odpowiednio jako „natura, natura, życie” oraz „martwy, cichy, nieruchomy”. Teraz łączymy te dwie części i otrzymujemy znajome słowo „martwa natura”.

Na podstawie powyższego możemy stwierdzić, że martwe natury są gatunkiem malarstwo sztalugowe, przedstawienie przez artystę na płótnie zamrożonej, nieruchomej przyrody. To prawda, że ​​​​czasami mistrzowie martwej natury uzupełniają swoje obrazy żywymi stworzeniami - motylami, gąsienicami, pająkami i robakami, a nawet ptakami. Ale wyjątek potwierdza tylko podstawową regułę.

Tworzenie gatunku

Historia martwej natury sięga prawie 600 lat. Aż do XVI wieku Nikomu nie przyszło do głowy, że można namalować przedmioty nieożywione, nawet bardzo piękne. W tamtych czasach martwe natury po prostu nie istniały. W średniowieczu malarstwo było całkowicie poświęcone Bogu, Kościołowi i człowiekowi. Artyści malowali obrazy o tematyce religijnej, wielkim szacunkiem cieszyły się także portrety. Nawet krajobraz był tylko dodatkiem.

Jednak pewne elementy martwej natury znaleziono już w XV wieku malarze holenderscy. W swoich obrazach z tradycyjnymi motywami religijnymi lub treści mitologiczne, a także na portretach znajdują się wizerunki starannie pomalowanych girland z kwiatów, książek, naczyń, a nawet ludzkich czaszek. Minie kilka wieków, a cały świat będzie podziwiać twórczość tzw. Małych Holendrów – mistrzów malarstwa martwej natury.

Jednak pojawienie się martwej natury jako niezależnego gatunku sztuki pięknej nie Holendrom, ale Francuzom. Ludzie tacy jak Francois Deporte, Monnoyer i Jean-Baptiste Oudry sformułowali podstawowe zasady malarstwa „przedmiotowego”, utworzyli jego podstawową koncepcję i pokazali ogółowi społeczeństwa całe piękno i urok martwej natury.

Era Małego Holendra – okres rozkwitu malarstwa martwej natury

Spróbujmy więc cofnąć się kilka wieków wstecz, aby zrozumieć, kim są Mali Holendrzy i dlaczego, jeśli chodzi o klasyczną martwą naturę, zawsze się o nich pamięta. Pierwsze holenderskie martwe natury to dzieło malarzy żyjących w Holandii w XVII wieku. Mały Holender – tak potocznie nazywa się szkołę malarstwa i społeczność artystów tworzących drobne obrazy codziennego użytku. Oczywiście malowali nie tylko martwe natury.

Było wśród nich wielu malarzy i mistrzów pejzażu malarstwo rodzajowe. Ich płótna wcale nie były przeznaczone do pałaców i kościołów, ale do dekoracji domów zwykłych obywateli. W małej Holandii żyło wówczas około 3 tysięcy artystów, a wszyscy wyróżniali się ogromną zdolnością do pracy i umiejętnością dobrego przeniesienia piękna na płótno. codzienny świat. Później historycy sztuki nazwali ten czas renesansem holenderskim. Wtedy to gatunek martwej natury stał się powszechny.

Najlepsze holenderskie martwe natury

Na tych pięknych wystawach przed publicznością wyłożone są różne przybory kuchenne, owoce, luksusowe kwiaty i artykuły gospodarstwa domowego. Dużą popularnością cieszyły się martwe natury kwiatowe. Częściowo wynikało to z faktu, że w Holandii od niepamiętnych czasów istniał kult kwiatów i ogrodnictwa. Jeden z najwybitniejszych przedstawicieli holenderskiego malarstwa martwej natury XVII wieku. byli artyści Jan Davids de Hem i jego syn Cornelis de Hem.

Ich obrazy zyskały popularność i sławę w dużej mierze dzięki umiejętnemu przedstawianiu kwiatów i owoców. Dbałość o szczegóły połączona z wyrafinowaniem schemat kolorów i idealnie skonstruowana kompozycja sprawiły, że ich obrazy były nieporównywalne. Artyści ci malowali luksusowe bukiety kwiatów stojące w pięknych wazonach, obok których trzepotały motyle; girlandy owocowe; przezroczyste kieliszki wypełnione winem; dania z winogronami i innymi owocami; instrumenty muzyczne itp. Słynne martwe natury ojciec i syn zadziwiają realizmem, subtelnym oddaniem gry świateł i wykwintną kolorystyką.

Martwa natura w malarstwie impresjonistycznym

Wiele uwagi poświęcono gatunkowi martwej natury i francuscy impresjoniści, a także postimpresjonistów. Naturalnie ich styl malarstwa znacznie różnił się od realistycznego wyrafinowania Małych Holendrów, ponieważ impresjonistów nie pociągało malarstwo klasyczne. Claude Monet, Edouard Manet, Edgar Degas, Van Gogh – wszyscy ci artyści uwielbiali malować kwiaty i rośliny, ponieważ oba są częścią natury, o pięknie której śpiewali przez całe życie.

Auguste Renoir namalował w swoim życiu całą galerię pięknych, zwiewnych martwych natur. Czasami obraz „zamrożonej natury” jest wymagany przez impresjonistów jedynie jako dodatek. Na przykład na obrazie „Lunch na trawie” Edouarda Maneta na pierwszym planie widać wspaniałą martwą naturę porozrzucaną na trawie ubrania, owoce i jedzenie. Van Gogh napisał dużo niezwykłe martwe natury. Wiele osób zna jego obrazy „Słoneczniki” czy „Irysy”, ale ma też takie płótna jak „Krzesło Van Gogha” - wszystkie są także przykładami malarstwa martwej natury.

Rosyjska martwa natura

Zaskakujące jest, że w Rosji wciąż żyje w formie odrębny gatunek nie było popytu od dawna, ponieważ uważano go za prawie najniższy ze wszystkich rodzajów sztuk pięknych, który nie wymaga ani podstawowej wiedzy, ani specjalnych umiejętności malarskich. Dopiero w drugiej połowie XIX w. Rosyjskie Pieredwiżniki potrafiły wzbudzić zainteresowanie tym gatunkiem sztuki wśród rosyjskiej publiczności.

Następnie wielu rosyjskich malarzy zainteresowało się malarstwem martwych natur. Martwe natury znani artyści takich jak Igor Grabar, Kuzma Petrov-Vodkin, Ivan Khrutskoy można zobaczyć na salach Galeria Trietiakowska, Muzeum Rosyjskie, Muzeum sztuki piękne ich. Puszkina w Moskwie, a także w Ermitażu. Ale prawdziwy rozkwit Malarstwo martwej natury pojawiło się w naszym kraju w czasach socjalizmu.

Zdjęcie martwej natury

Wraz z pojawieniem się fotografii w świecie sztuki pojawił się kolejny gatunek: fotografia martwej natury. Obecnie wiele osób pasjonuje się tworzeniem fotograficznych arcydzieł. Niektóre fotografie po prostu zadziwiają perfekcją i kunsztem fotografa. Czasem przy pomocy aparatu utalentowanym fotografom udaje się sfotografować martwe natury, które w niczym nie ustępują najsłynniejszym dziełom Małych Holendrów.

Aby zacząć rysować martwą naturę, musisz najpierw skomponować ją z kilku obiektów. Do pierwszych eksperymentów z malowaniem martwej natury lepiej nie tworzyć skomplikowanych kompozycji; wystarczy kilka obiektów.

Następnie krok po kroku rysujemy martwą naturę. Najpierw musisz wykonać rysunek ołówkiem lub węglem. Następnie następuje lekka podmalówka, ujawniająca główne kolory i cienie kompozycji i dopiero wtedy można przystąpić bezpośrednio do rysowania detali.

Większość ludzi uważa martwe natury za piękne, ale nudne. Już sama nazwa gatunku – od francuskiego nature morte – „martwa natura” zdaje się świadczyć: niewiele jest tu ciekawego. Jednak nawet wśród martwych natur znajdują się niezwykłe i ekscytujące obrazy. To prawda, że ​​​​ich niezwykłość nie zawsze jest widoczna na pierwszy rzut oka: czasem trzeba przyjrzeć się bliżej, a czasem trzeba się dowiedzieć historia obrazu. O najciekawszych martwych naturach z jedzeniem przeczytasz w naszym artykule.

Giuseppe Arcimboldo "Portret cesarza Rudolfa II jako Vertumnusa", 1590

Pomimo nazwy obrazu historycy sztuki określają jego gatunek jako „martwą naturę portretową”. I tu trudno się z nimi nie zgodzić: przecież nie da się tego nazwać zwykłym portretem. Obraz należy do pędzla Włoski artysta XVI-wieczny Giuseppe Arcimboldo, którego w XX wieku okrzyknięto prekursorem surrealizmu. Na swoich obrazach przedstawił Arcimboldo ludzkie twarze w postaci kompozycji warzyw i owoców, skorupiaków i ryb, często nawet o charakterze portretowym. Wiadomo, że cesarz Rudolf II był zachwycony swoim „jadalnym” portretem i bardzo hojnie nagrodził artystę. Wśród martwych natur portretowych Arcimbolda można znaleźć kilka dość nietypowych – „odwrócenia”: wystarczy obrócić obraz o 180 stopni, aby zobaczyć zupełnie nowy obraz. W ten sposób po obróceniu portret „Ogrodnik” staje się martwą naturą „Warzywa w misce”, a portret „Kucharz” zamienia się w martwą naturę z prosiętami na talerzu.

Jest w dziełach Holendrów i Flamandów artyści XVII wieku martwa natura ostatecznie stała się niezależnym gatunkiem malarstwa. Martwe natury Fransa Snydersa wykonane są w stylu barokowym - są dynamiczne, obfite, kolorowe. Wiszące na stole, niebiesko-czarne paw, luksusowy czerwony homar na niebieskim talerzu, pstrokata dziczyzna na stole, żółto-zielona i melony... Pomimo „martwej natury” obraz jest pełen życia i sprawia wrażenie przesiąkniętego ruchem. A kłócący się pod stołem pies i kot tylko harmonijnie dopełniają i tak tętniącą życiem scenę kuchenną.

Francuski artysta Paul Sérusier tak mówił o owocu Cezanne’a: „O jabłku zwykłego artysty powiedzą: „Chcesz to zjeść”. O jabłku Cezanne’a: „Jakie jest cudowne”. Nie odważysz się obrać mu jabłka, będziesz chciała je skopiować. Rzeczywiście, Cézanne miał „szczególny stosunek” do jabłek: uważał je za dzieła doskonałe zarówno pod względem kształtu, jak i koloru. Wiadomo, że Cezanne powiedział nawet: „Podbiję Paryż moimi jabłkami”. Starał się to pokazać na najprostszych przykładach prawdziwe piękno natura. Jeden z młodych artystów odwiedził Cezanne’a podczas pracy nad jedną ze swoich martwych natur i był zdumiony: „Cezanne zaczął układać owoce, dobierając je tak, aby kontrastowały ze sobą i obserwując, czy pojawiają się kolory dopełniające: zielony na czerwonym i żółty na niebieskim. Bez końca poruszał się i obracał owoce, kładąc pod nimi jedną i dwie monety su. Cezanne robił to wszystko powoli i ostrożnie i było widać, że ta czynność sprawiała mu prawdziwą przyjemność.

Kuzma Petrov-Vodkin „Poranna martwa natura”, 1918

Na pierwszy rzut oka obraz „Martwa natura poranna” jest prosty i nieskomplikowany, ale jeśli przyjrzysz się uważnie, dostrzeżesz ciekawe detale, na przykład rudego kota odbitego w imbryku - być może leży na kolanach właściciela. Oprócz kota pies „oddaje” także mężczyznę ze zdjęcia – ona patrzy prosto na niego z cierpliwym oczekiwaniem. Zatem w martwej naturze wyraźnie wyczuwalna jest obecność osoby, chociaż artysta jej nie narysował. Na zdjęciu jest kilka obiektów przedstawionych, ale większość z nich jest obdarzona połyskiem: niklowany czajniczek jest wypolerowany na połysk, lśniący w słońcu szklany słoik z bukietem polnych kwiatów i lśniącymi skorupkami jaj. Na blacie, spodku, szklance z herbatą i potłuczonej srebrnej łyżeczce widać odbicia światła. Obraz „Martwa natura poranna” jest już ukończony jasne światło, daje poczucie porannej świeżości i spokoju.

Wśród martwych natur hiszpańskiego surrealistycznego artysty jest wiele całkiem „zwykłych” - „Martwa natura” 1918, martwa natura „Ryba” 1922 i „Kosz z chlebem” 1925, „Martwa natura z dwójką” 1926 itd. Jednak najsłynniejszą z martwych natur Dali jest „Living Still Life” („Moving Still Life”), napisana w okresie jego pasji do fizyki (głównie nuklearnej i kwantowej). Sam Dali nazwał ten okres – od 1949 do 1962 – „mistyką nuklearną”. W tym czasie Dali pozbył się w swoich obrazach „statyki” i zaczął przedstawiać materię w postaci cząstek. Nawet w martwej naturze przedmioty utraciły swój absolutny spokój i nabrały szalonego ruchu, który nie odpowiada naszym wyobrażeniom o rzeczywistości.

David Shterenberg „Śledzie”, 1917

David Shterenberg nazywany jest często „malarzem martwej natury”. Jego obrazy charakteryzuje ekspresja obrazów, płaska konstrukcja przestrzeni, klarowność i ogólność rysunku. Najczęściej uwagę artysty przyciągają proste rzeczy, na przykład skąpe artykuły spożywcze z okresu reglamentacyjnego – czarny chleb i śledź. Artystka zwraca uwagę na detale i fakturę – w „Śledziach” wyraźnie ukazany jest drewniany blat, kawałek chleba i lśniące rybie łuski. Obraz ma charakter symboliczny i wyrazisty, lepiej niż jakiekolwiek słowa opowiada o dramatycznych latach porewolucyjnych. Nie mniej interesujące są inne minimalistyczne martwe natury Shterenberga - „Martwa natura z cukierkami”, „ Zsiadłe mleko", "Tort" (patrz niżej w galerii).

Frans Snyders „Martwa natura z zabitą zwierzyną i homarem”, pierwsza połowa XVII wieku
Jest w dziełach Holendrów i artyści flamandzcy W XVII wieku martwa natura ostatecznie stała się niezależnym gatunkiem malarstwa. Martwe natury Fransa Snydersa wykonane są w stylu barokowym - są dynamiczne, obfite, kolorowe. Niebiesko-czarny paw wiszący na stole, luksusowy czerwony homar na niebieskim naczyniu, pstrokata drobna zwierzyna na stole, żółte i zielone karczochy i melony... Pomimo „martwej natury” obraz jest pełen życia i wydaje się być przesiąkniętym ruchem. A kłócący się pod stołem pies i kot tylko harmonijnie dopełniają i tak tętniącą życiem scenę kuchenną.

Większość ludzi uważa martwe natury za piękne, ale nudne. Już sama nazwa gatunku – od francuskiego nature morte – „martwa natura” zdaje się świadczyć: niewiele jest tu ciekawego. Jednak nawet wśród martwych natur znajdują się niezwykłe i ekscytujące obrazy. To prawda, że ​​​​ich niezwykłość nie zawsze jest widoczna na pierwszy rzut oka: czasem trzeba przyjrzeć się bliżej, a czasem poznać historię powstania obrazu. O najciekawszych martwych naturach z jedzeniem przeczytasz w naszym artykule.

Giuseppe Arcimboldo "Portret cesarza Rudolfa II jako Vertumnusa", 1590

Pomimo nazwy obrazu historycy sztuki określają jego gatunek jako „martwą naturę portretową”. I tu trudno się z nimi nie zgodzić: przecież nie da się tego nazwać zwykłym portretem. Obraz jest dziełem XVI-wiecznego włoskiego artysty Giuseppe Arcimboldo, który w XX wieku był okrzyknięty prekursorem surrealizmu. Na swoich obrazach Arcimboldo przedstawiał ludzkie twarze w formie kompozycji warzyw i owoców, skorupiaków i ryb, często nawet na podobieństwo portretu. Wiadomo, że cesarz Rudolf II był zachwycony swoim „jadalnym” portretem i bardzo hojnie nagrodził artystę. Wśród martwych natur portretowych Arcimbolda można znaleźć kilka dość nietypowych – „odwrócenia”: wystarczy obrócić obraz o 180 stopni, aby zobaczyć zupełnie nowy obraz. W ten sposób po obróceniu portret „Ogrodnik” staje się martwą naturą „Warzywa w misce”, a portret „Kucharz” zamienia się w martwą naturę z prosiętami na talerzu.

Paul Cézanne „Martwa natura z jabłkami i pomarańczami”, około 1900 r

Francuski artysta Paul Sérusier tak mówił o owocu Cezanne’a: „O jabłku zwykłego artysty powiedzą: „Chcesz to zjeść”. O jabłku Cezanne’a: „Jakie jest cudowne”. Nie odważysz się obrać mu jabłka, będziesz chciała je skopiować. Rzeczywiście, Cézanne miał „szczególny stosunek” do jabłek: uważał je za dzieła doskonałe zarówno pod względem kształtu, jak i koloru. Wiadomo, że Cezanne powiedział nawet: „Podbiję Paryż moimi jabłkami”. Na najprostszych przykładach starał się pokazać prawdziwe piękno natury. Jeden z młodych artystów odwiedził Cezanne’a podczas pracy nad jedną ze swoich martwych natur i był zdumiony: „Cezanne zaczął układać owoce, dobierając je tak, aby kontrastowały ze sobą i obserwując, czy pojawiają się kolory dopełniające: zielony na czerwonym i żółty na niebieskim. Bez końca poruszał się i obracał owoce, kładąc pod nimi jedną i dwie monety su. Cezanne robił to wszystko powoli i ostrożnie i było widać, że ta czynność sprawiała mu prawdziwą przyjemność.

Kuzma Petrov-Vodkin „Poranna martwa natura”, 1918

Na pierwszy rzut oka obraz „Martwa natura poranna” jest prosty i nieskomplikowany, ale jeśli przyjrzysz się uważnie, dostrzeżesz ciekawe detale, na przykład rudego kota odbitego w imbryku - być może leży na kolanach właściciela. Oprócz kota pies „oddaje” także mężczyznę ze zdjęcia – ona patrzy prosto na niego z cierpliwym oczekiwaniem. Zatem w martwej naturze wyraźnie wyczuwalna jest obecność osoby, chociaż artysta jej nie narysował. Na zdjęciu jest niewiele obiektów przedstawionych, ale większość z nich jest obdarzona połyskiem: niklowany imbryk jest wypolerowany na połysk, szklany słój z bukietem polnych kwiatów błyszczy w słońcu, a skorupki jaj błyszczą. Na blacie, spodku, szklance z herbatą i potłuczonej srebrnej łyżeczce widać odbicia światła. Obraz „Martwa natura o poranku” jest pełen jasnego światła, daje poczucie porannej świeżości i spokoju.

Salvador Dali „Martwa natura”, 1956

Wśród martwych natur hiszpańskiego surrealistycznego artysty jest wiele całkiem „zwykłych” - „Martwa natura” 1918, martwa natura „Ryba” 1922 i „Kosz z chlebem” 1925, „Martwa natura z dwiema cytrynami” 1926 itp. Jednak , najsłynniejszą z martwych natur Dali jest „Living Still Life” („Moving Still Life”), napisana w okresie jego pasji do fizyki (głównie nuklearnej i kwantowej). Sam Dali nazwał ten okres – od 1949 do 1962 – „mistyką nuklearną”. W tym czasie Dali pozbył się w swoich obrazach „statyki” i zaczął przedstawiać materię w postaci cząstek. Nawet w martwej naturze przedmioty utraciły swój absolutny spokój i nabrały szalonego ruchu, który nie odpowiada naszym wyobrażeniom o rzeczywistości.

David Shterenberg „Śledzie”, 1917

David Shterenberg nazywany jest często „malarzem martwej natury”. Jego obrazy charakteryzuje ekspresja obrazów, płaska konstrukcja przestrzeni, klarowność i ogólność rysunku. Najczęściej uwagę artysty przyciągają proste rzeczy, na przykład skąpe artykuły spożywcze z okresu reglamentacyjnego – czarny chleb i śledź. Artystka zwraca uwagę na detale i fakturę – w „Śledziach” wyraźnie ukazany jest drewniany blat, kawałek chleba i lśniące rybie łuski. Obraz ma charakter symboliczny i wyrazisty, lepiej niż jakiekolwiek słowa opowiada o dramatycznych latach porewolucyjnych.