Masaccio (właściwie Tommaso di Giovanni di Simone Cassai (Guidi), Tommaso di ser Giovanni di Guidi; 21 grudnia 1401, San Giovanni Valdarno, Toskania – jesień 1428, Rzym) – słynny malarz włoski, największy mistrz szkoły florenckiej, reformator malarstwa epoki quattrocento.

Biografia Masaccio

Jego życie było bardzo krótkie, ale ślad pozostawiony przez artystę w sztuce jest trudny do przecenienia. Urodził się w małym miasteczku San Giovanni Valdarno i zmarł w Rzymie w wieku dwudziestu ośmiu lat. Pierwsza wzmianka o Masaccio jako artyście pochodzi z 1418 r., kiedy to młody artysta przybył do Florencji.

Podobno tam uczył się w jednej z najsłynniejszych pracowni malarskich tamtych czasów u Bicci di Lorenzo.

W 1422 roku Masaccio wstąpił do cechu lekarzy i aptekarzy, aw 1424 roku, w uznaniu dojrzałego mistrza, został przyjęty do cechowego stowarzyszenia artystów, Bractwa św. Łukasza.

Kreatywność Masaccio

Dla mnie krótkie życie Masaccio był w stanie dokończyć rewolucyjne przemiany w malarstwie zapoczątkowane przez Giotta. Podobnie jak Giotto, freski stanowią podstawę jego artystycznej spuścizny. Tym cenniejsze są nieliczne prace sztalugowe Masaccia, które przyniósł nam czas.

Do Galerii Londyńskiej należy centralna część Madonny z Dzieciątkiem i Czterema Aniołami, zamówiona przez Masaccia w 1426 roku do kaplicy kościoła Santa Maria del Carmine w Pizie.

W galerii znajduje się również jedno z ostatnich dzieł artysty – boczne skrzydło tryptyku przedstawiającego świętych Hieronima i Jana Chrzciciela. Został napisany na krótko przed śmiercią Masaccia w Rzymie w 1428 roku.

Prace Masaccio są obce stylowi dekoracyjnemu, tak powszechnemu w malarstwie początku XV wieku. W nich, podobnie jak w pracach jego poprzednika Giotta, wszystko podporządkowane jest perspektywicznej konstrukcji przestrzeni i zastosowaniu światłocienia.

Po wczesna śmierć malarza, resztę dzieła, zamówionego przez papieża Marcina V dla kościoła Santa Maria Maggiore w Rzymie, wykonał Masolino.

Bez przesady można powiedzieć, że prace Masaccia to prawdziwe perełki w kolekcji London National Gallery.

Praca artysty

• Madonna z Dzieciątkiem na tronie z czterema aniołami. 1426
• ukrzyżowanie. 1426
• Madonna z Dzieciątkiem ze św Anną. 1424
• Chrzest nowo nawróconych. 1425-1428
• Wygnanie z raju. 1425-1428
• Zmartwychwstanie syna Teofila i św. Piotra na ambonie. 1425-1428
• Cud ze staterem. 1425-1428
• Święty Piotr uzdrawia kaleki swoim cieniem. 1425-1428
• Podział majątku i śmierć Ananiasza 1425-1428
• Trójca. 1427-1428
• Pokłon Mędrców. 1426
• Ukrzyżowanie świętego Piotra. Ścięcie Jana Chrzciciela. 1426

Bibliografia

• Romanov N. I. Masaccio // Notatki naukowe Uniwersytetu Moskiewskiego. Wydanie. 126. M., 1947.
• Znamerovskaya T. P. Problemy Quattrocento i praca Masaccio / Leningradzki Order Lenina i Order Czerwonego Sztandaru Pracy Uniwersytet stanowy nazwany na cześć A. A. Żdanowa. - L .: Wydawnictwo Leningradzkiego Uniwersytetu Państwowego, 1975. - 176, s. - 8 750 egzemplarzy. (reg.)
• Lazarev V. N. Masaccio // Początek wczesny renesans w sztuce włoskiej. M. 1979.
• Dzieri F. Masaccio. Trójca. M. 2002.

KREATYWNOŚĆ MASACCCIO

Esej z historii kultury światowej uzupełnili: uczeń 881 gr. III kurs Wydział Humanistyczny (historia) Trekulova Olga

Surgut-2001

Tommaso di Ser Giovanni di Monet Cassai pochodził z Castello San Giovanni w Valdarno. Urodzony 21 grudnia 1401 r.

Był trochę roztargniony i bardzo niedbały i sprawiał wrażenie człowieka, którego dusza i wola jest zajęta wyłącznie dziełami sztuki i który prawie nic nie troszczy się o siebie, a jeszcze mniej o innych. Dlatego nawet w dzieciństwie jego krewni nadali mu przydomek Masaccio (życzliwie pogardliwa forma od Tommaso).

Twórcza działalność Masaccio, która trwała około sześciu lat, trwa ważne miejsce w historii nie tylko Włoch, ale całego Zachodu malarstwo europejskie. Wraz z architektem Brunelleschim i rzeźbiarzem Donatello Masaccio jest twórcą sztuki wczesnego renesansu, który ustanowił nowe idee estetyczne dotyczące świata i człowieka, nowe piękne zasady w malarstwie. Formacja Masaccio jako artysty przebiegała w kontekście potężnego ożywienia społecznego i kulturalnego we Florencji, powszechnego rozpowszechniania idei humanistycznych, kształtowania się renesansu zasady artystyczne w architekturze i rzeźbie.

Zaczął Masaccio praca artystyczna w czasie, gdy Masolino malował kaplicę Brancaccich w kościele Santa Maria del Carmine we Florencji. Ten fresk jest uważany za najważniejsze dzieło Masaccio, to tutaj zrealizował swoją innowację.

Faktem jest, że przed renesansem problem przedstawiania przestrzeni nigdy nie był poruszany w sztuce. Dlatego jednym z ważnych osiągnięć Masaccio było opracowanie systemu do głębokiego obrazowania przestrzeni za pomocą linii prostej. centralna perspektywa później nazwany włoskim. Odzwierciedlał nowy stosunek do świata, czyniąc środek obrazu punktem zbiegu dla linii perspektywy. Również Masaccio jako pierwszy zrozumiał potrzebę przenoszenia postaci „w pomniejszeniu”, patrząc od dołu, i przezwyciężył poprzedni styl pisania, w którym wszystkie postacie były przedstawiane na palcach. Położył podwaliny pod pozy, ruch, impuls w malarstwie, czyli przedstawianie rzeczywistości.

Na jednym z obrazów, oprócz Chrystusa uzdrawiającego opętanego, są też piękne perspektywicznie domy, wykonane w taki sposób, że są jednocześnie pokazane zarówno od wewnątrz, jak i od zewnątrz, gdyż nie brał ich dla większej trudności. przednia strona, ale z rogu.

Masaccio bardziej niż inni starał się przedstawiać nagie ciała. Jako pierwszy w malarstwie przedstawił nagie ciała Adama i Ewy, wygnanych z raju („Wygnanie z raju”).

W swoich pracach Masaccio wyróżniał się największą lekkością i umiłował wielką prostotę draperii. Namalował malowany temperą obraz przedstawiający klęczącą Madonnę z Dzieciątkiem na ręku przed św. Anną. W kościele San Niccolò w filarze umieszczono malowidło temperowe pędzla Masaccia, przedstawiające Zwiastowanie, a w tym samym miejscu budynek z wieloma kolumnami, pięknie oddany w perspektywie: oprócz doskonałości rysunku jest to zrobione w wyblakłych kolorach, tak że stopniowo, bledszy, gubi się w pamięci.

W Santa Maria Novella, gdzie znajduje się transept, Masaccio namalował freskiem obraz Trójcy Świętej, znajdujący się nad ołtarzem św. Ignacego, a po bokach Madonna i św. Ewangelista Jan kontemplujący ukrzyżowanie Chrystusa. Po bokach dwie klęczące postacie, które, jak można sądzić, są portretami zleceniodawców fresku; ale są one mało widoczne, ponieważ pokryte są złotą ozdobą. Oprócz rycin na szczególną uwagę zasługuje sklepienie półskrzynkowe, ukazane perspektywicznie i podzielone na kwadraty wypełnione rozetami, które maleją i powiększają się perspektywicznie tak dobrze, że wydają się konwencjonalnie wypchnięte w ścianę. W pracy nad „Trójcą” Masaccio po raz pierwszy użył tektury - rysunki przygotowawcze, za pomocą siatki kwadratów przeniesionych na ściany. Ten etap pracy obraz rozpowszechnił się w okresie renesansu.

Masaccio napisał także na tablicy w Santa Maria Maggiore w pobliżu bocznych drzwi prowadzących do San Giovanni, w kaplicy Madonna, św. Katarzyny i św. Juliana; na predelli przedstawił kilka małych postaci z życia św. Katarzyny, a także św. Juliana, który zabił ojca i matkę, a pośrodku przedstawił Narodziny Jezusa Chrystusa.

W kościele del Carmine w Pizie, na tablicy, wewnątrz kaplicy, umieszczonej w transepcie, namalowana jest Madonna z Dzieciątkiem, a u ich stóp kilka aniołów grających na instrumenty muzyczne; jeden z nich, grając na lutni, uważnie wsłuchuje się w harmonię dźwięków. W środku Madonna, św. Piotr, św. Jana Chrzciciela, św. Juliana i św. Mikołaja - figury pełne ruchu i życia. Poniżej, na predelli, małe figurki i sceny z żywotów wymienionych świętych, a pośrodku – trzej mędrcy, przynoszący dary Chrystusowi; w tej części kilka koni skreślono z życia tak żywo, że nie sposób życzyć sobie lepszego; ludzie z orszaku trzech królów ubrani są w różne stroje. U góry obraz kończy się kilkoma kwadratami przedstawiającymi wielu świętych wokół krucyfiksu. Uważa się, że postać świętego w stroju biskupim, znajdująca się w tym samym kościele na fresku w pobliżu drzwi prowadzących do klasztoru, została wykonana również przez Masaccia.

Po powrocie z Pizy Masaccio wykonał we Florencji obraz na drzewie z dwiema pozornie żywymi nagimi postaciami, kobietą i mężczyzną.

Następnie, czując się nieswojo we Florencji i motywowany miłością i pociągiem do sztuki, postanowił pojechać do Rzymu, aby się poprawić. I tu, zdobywszy największą sławę, namalował kaplicę dla kardynała San Clemente w kościele San Clemente, gdzie na fresku przedstawił Mękę Chrystusa z ukrzyżowanymi złoczyńcami, a także życie św. męczennica Katarzyna. Ponadto namalował temperą wiele obrazów, które albo zaginęły, albo zaginęły podczas zamieszek w Rzymie. Namalował jeden obraz w kościele Santa Maria Maggiore w małej kaplicy przy zakrystii, gdzie przedstawił czterech świętych, którzy wydają się być płaskorzeźbieni, a pośrodku kościół Santa Maria della Neve, po prawej portret z postać papieża Marcina, który motyką wskazuje fundamenty tego kościoła, a obok niego cesarz Zygmunt II.

Kiedy w Rzymie za papieża Marcina Pisanello i Gentile da Fabriano pracowali przy elewacji kościoła San Gianni, część prac powierzyli Masaccio. Dowiedziawszy się, że Cosimo de 'Medici, który udzielił mu wielkiej pomocy i patronatu, został wezwany z wygnania, wrócił do Florencji. Tutaj, po śmierci Masolina, powierzono mu pracę rozpoczętą przez tego ostatniego w kaplicy Brancaccich w Carmine, gdzie przed przystąpieniem do pracy malował niejako dla przeżycia św. Pawła, przy linach dzwonnicy, aby pokazać, jak na tym obrazie wykazał się nieskończoną zręcznością, gdyż głowa tego świętego, skopiowana z Bartolo di Angiolino Angiolini, sprawia wrażenie tak wielkiej grozy, że wydaje się, że tej postaci brakuje tylko, że mówiła. I patrząc na nią, ten, kto nie zna św. Pawła, ujrzy prostolinijność rzymskiego obywatelstwa połączoną z niezwyciężoną mocą wierzącej duszy, całkowicie dążącej do uczynków wiary. Na tym samym obrazie artysta wykazał się taką umiejętnością przedstawiania skrótów perspektywicznych od góry do dołu, co było naprawdę niesamowite, co widać w przeniesieniu nóg apostołów, gdzie trudność zadania łatwo rozwiązuje, zwłaszcza w porównaniu ze starą manierą, która przedstawiała wszystkie stojące postacie uniesione na palcach.

Właśnie w czasie, gdy wykonywał tę pracę, został konsekrowany kościół del Carmine. Na pamiątkę tego wydarzenia Masaccio nad bramą prowadzącą ze świątyni na dziedziniec klasztorny wypisał w zieleni werony całą przebieg ceremonii: przedstawił niezliczonych mieszczan, którzy w płaszczach i kapturach podążają za procesją. Wśród nich przedstawił Filippo w drewnianych butach, Donatello, Masolino da Panicale – swojego nauczyciela, Antonio Brancacciego, który zlecił mu pomalowanie kaplicy, Piccolo da Uzzano, Gavanni di Bicci dei Medici, Batolomeo Valori.

Tam wcielił się w Lorenza Ridolfiego, który był wówczas ambasadorem Republiki Florenckiej w Wenecji. Namalował tam z życia nie tylko wyżej wymienionych szlachciców, ale także bramę klasztoru i odźwiernego z kluczami w ręku. Dzieło to odznaczało się istotnie wielką doskonałością, gdyż Masaccio potrafił tak dobrze umieścić figury ludzi w rzędzie pięciu i sześciu w przestrzeni tego kwadratu, że zostały one odpowiednio i proporcjonalnie pomniejszone, tak jak wymaga tego oko, i to naprawdę wydawało się, że to był jakiś cud. Szczególnie udało mu się sprawić, by wyglądały na żywe, co wynika z proporcjonalności, której przestrzegał, przedstawiając nie wszystkich ludzi tego samego wzrostu, ale z wielką uwagą rozróżniając małych i grubych, wysokich i chudych. Wszyscy stoją w samolocie i mają się dobrze, będąc w rzędzie, mają zmniejszoną perspektywę.

Następnie Masaccio powrócił do pracy nad Kaplicą Brancaccich, kontynuując sceny z życia św. Piotra, rozpoczęte przez Masolina, a zakończyły część z nich, a mianowicie scenę z tronem papieskim, uzdrowienie chorych, zmartwychwstanie wreszcie uzdrowienie kulawego cieniem, gdy przechodzi on przez świątynię razem ze św. Jan. Między innymi wyróżnia się obraz, na którym Piotr na polecenie Chrystusa wyciąga pieniądze z brzucha ryby, aby zapłacić podatek. Poza wizerunkiem jednego z apostołów w głębi obrazu, który przedstawia portret samego Masaccia, wykonany przez niego samego za pomocą lustra tak dobrze, że wydaje się być bezpośrednio żywy, widzimy tutaj gniew św. Piotra na prośby i uwagę apostołów, którzy w różnych pozach otaczają Chrystusa i oczekują Jego decyzji z taką witalnością ruchu, że wydają się naprawdę żywi, zwłaszcza św. Piotra, któremu krew napłynęła do głowy, ponieważ schylił się, próbując wyciągnąć pieniądze z brzucha ryby; a jeszcze lepiej scena, w której składa hołd; tutaj widać podniecenie, z jakim liczy pieniądze, i całą chciwość kolekcjonera, który trzyma pieniądze w dłoni i patrzy na nie z przyjemnością. Masaccio namalował także zmartwychwstanie syna królewskiego przez świętych Piotra i Pawła, ale z powodu śmierci artysty dzieło to pozostało niedokończone, dokończył je wówczas Filippino. W scenie chrztu św. Piotr wysoko sobie ceni nagą postać jednego z nowo ochrzczonych, który drży z zimna. Jest napisany z doskonałą ulgą i miękkim stylem, który zawsze był czczony i podziwiany przez artystów.

Tommaso Masaccio, którego obrazy stanowią wielki krok naprzód od malarstwa średniowiecznego do wczesnego renesansu, jako pierwszy zaktualizował wszystkie istniejące tradycje. Geniusz był słabo rozumiany przez współczesnych, uważał go tylko Brunelleschi przedwczesna śmierć miażdżąca strata. W tym artykule zwrócimy uwagę na obrazy Masaccio z tytułami i jego biografią.

wczesne lata

Dziecko urodziło się 21.12.1401 w rodzinie młodego notariusza mieszkającego niedaleko Florencji. Został ochrzczony i nazwany na cześć Tommaso di Ser Giovanni di Guidi. W wieku pięciu lat dziecko zostało bez ojca, który nagle zmarł. Jego ciężarna matka, po urodzeniu drugiego syna, wkrótce wyszła za mąż za aptekarza, który miał 2 córki. Ale to małżeństwo nie trwało długo. W wieku 15 lat Tommaso stracił ojczyma i stanął na czele rodziny.

we Florencji

Badacze sugerują, że w 1418 roku cała rodzina przeniosła się już do Florencji. Istnieje wiele kontrowersji na temat tego, kim byli nauczyciele Masaccia. Najbardziej prawdopodobna odpowiedź: architekt Brunelleschi i rzeźbiarz Donatello. Byli starsi i bardziej doświadczeni od swojego ucznia i hojnie dzielili się z nim odkryciami w perspektywie linearnej oraz nową świadomością osobowości osoby przepełnionej życiem duchowym. Dramat Donatella, ostrość jego przekazu namiętności wkroczy później do obrazów Masaccia.

Pierwsze prace

Według naszych standardów młody człowiek, a według ludzi XV wieku całkowicie dorosły człowiek stał się żywicielem rodziny, otrzymując pierwsze zlecenia pracy. Już w 1422 roku ukończono duży tryptyk dla kościoła św. Juwenalisa. W centralnej części tryptyku szczególnie widoczne jest zastosowanie perspektywy, tworzącej głębię przestrzeni.

Podłoga wszystkich trzech paneli zbiega się w jednym punkcie, który jest ukryty za głową Madonny. W dziecku, przedstawionym jako surowa zimna rzeźba, można wyczuć wpływ Donatella. W Następny rok wspólnie z Masolino namalowano tryptyk do kaplicy w kościele Santa Maria Maggiore. Przedstawia dramatyczny epizod z życia św. Juvenala, któremu diabeł skłonił do zabicia własnych rodziców. To dzieło jest słabo zachowane, podobnie jak wiele obrazów Masaccia.

Aktywna kontynuacja pracy

w 1423 r młody artysta przyjęty do cechu św. Tomasza, który uważany był za patrona malarzy, rzeźbiarzy, architektów. Jakby przeczuwając, że życie będzie krótkie, młody mistrz pracuje ciężko i owocnie, zapominając o sobie. Stąd przydomek: „Beztroski” lub, jak mówimy, „Masaccio”. Najbardziej znane będą obrazy Masaccio „Wygnanie z raju”, „Św. Piotr uzdrawia chorych swoim cieniem”, „Cud z satyrem”, „Madonna z Dzieciątkiem”, „Chrzest neofitów” i inne, które omówimy poniżej. Główną zasadą jego twórczości było przedstawianie świata tak, jak widział go sam artysta. Starał się zrozumieć naturę człowieka i rzeczy. Znajomość perspektywy, proporcji ludzkiego ciała, umiejętność wyrażania emocji w ruchach ciała - to wszystko były cechy integralne. obraz Masaccia.

Indywidualny styl

Obraz Masaccia „Trójca” stał się najbardziej wyrazistym wyrazem stylu mistrza. Ten fresk został namalowany dla kościoła Santa Maria Novella. Czas jej powstania nie został wiarygodnie ustalony. Kompozycja zbudowana jest wewnątrz łuku, którego sklepienie schodzi w głąb. Jeśli spojrzysz od dołu do góry, zobaczysz wejście do wiecznego zbawienia. NA pierwszoplanowy- sarkofag ze szkieletem, który przypomina o przemijaniu ziemskiego życia. Potem dwie postacie klęczących klientów. Modlitwa jest dla nich ratunkiem. Dziewicę Maryję i Jana Teologa łączy Chrystus, którego wspiera Bóg Ojciec i Duch Święty, unoszący się nad nimi jak gołębica. Znikający punkt znajduje się u stóp Chrystusa, Maryja wskazuje na nie ręką.

W Kościele dominikańskim ta scena jest rozumiana jako potwierdzenie zmartwychwstania jako jedynej odpowiedzi na śmierć: Chrystus zmartwychwstał i wszyscy zmartwychwstaniemy. Uważa się, że jest to najsłynniejszy obraz Masaccia.

„Madonna z Dzieciątkiem” (1426)

Był to tryptyk, który obecnie jest podzielony na części i znajduje się w różnych muzeach. Rozważymy centralną część: Madonnę na tronie z Dzieciątkiem i czterema aniołami. Charakterystyczny widok artysty od dołu do góry. Jest to wymagane do uwzględnienia prawdziwy punkt ludzka wizja. Kompozycja jest trójkątna, a wzrok pada bezpośrednio na niemowlę, które niczym kokon owinięte jest w pelerynę. Ssie winogrona, które symbolizują wino komunii, przyszłą krew przelaną przez Chrystusa.

Freski w Kaplicy Brancaccich we Florencji (1425 - 1428)

Identyfikuje jako bezwarunkowe prace artysty związane ze szczytem jego twórczości – „Cudem ze staterem”, „Św. Piotr uzdrawiający swoim cieniem chorych”, „Święci Piotr i Jan udzielający jałmużny”, „Wygnanie z Raju”. Dzieła te stanowią niekwestionowany przełom od tradycji średniowiecznych do nowej sztuki wczesnego renesansu. Wszystkie postacie podkreślają swoją fizyczność zarówno w kolorze, jak iw uogólnionym modelowaniu.

Masaccio, „Wygnanie z raju”: opis obrazu

Na podstawie historii biblijnej. Artysta z dużą naturalnością przedstawił całkowicie nagie postacie swoich modelek. Niezwykle wyraźnie objawiają się też przeżycia obu postaci.

Płaczący Adam zakrywa twarz dłonią. Jest pełen goryczy i wstydu. Cierpienie wyginało jego ciało. Eva, zakrywając się rękami, krzyczy, jakby z rozdzierającego bólu, nie zawstydzona swoimi uczuciami. W nich - oszołomienie, wstyd, przerażenie. Krzyk ten rozbrzmiewa w duszach jak hymn mszalny „Dzień gniewu” (por. Dies irae), czyli straszny Dzień Sądu, w którym grzesznicy są wykorzeniani do piekła. Obraz Masaccio „Wypędzenie z raju” po raz pierwszy pokazuje, jak faktycznie chodzi dwoje cierpiących, opierając się na całej stopie. W dawnej tradycji postacie tylko lekko dotykały ziemi palcami stóp. Później wielu próbowało powtórzyć tę jego technikę, ale praktycznie nikomu nie udało się przekazać dokładnego kąta Masaccio. Na prośbę mnichów nagie ciała okrywano później gałązkami z liśćmi: nadal obowiązywała średniowieczna fałszywa skromność i postrzeganie nagości jako czegoś brudnego i podłego. Karzący anioł z mieczem w dłoni, unoszący się nad Adamem i Ewą, mówi nam, że nie ma dla nich drogi powrotnej.

„Cud z Staterem”

Czasami ten fresk jest uważany za najlepszy. Rzeczywiście, jest bardzo interesująca. Chrystus z apostołami przybył do Caperanum. Aby wejść, trzeba było zapłacić niewielki podatek, ale nie mieli pieniędzy. Mesjasz (złożony i centrum duchowe freski) wydał Piotrowi rozkaz złapania ryby i wydobycia z niej niezbędnej monety - statera. Wszystkie epizody są przedstawione na jednym fresku. Pośrodku Chrystus z uczniami w półkolu wydaje polecenie Piotrowi. Po lewej Peter, w bardzo realistycznej pozie z dokładnym ułożeniem nóg, złapał rybę i wyjmuje z niej monetę. Po prawej podaje go celnikowi. Kompozycja jest liniowa, a akcja wydaje się ciągła. Każda postać ma odrębną osobowość. Wśród nich, według Vasariego, znajduje się autoportret mistrza. W tym artysta stworzył żywy krajobraz, jakiego nigdy wcześniej nie widziano. Za pagórkowatymi górami, po prawej mury miejskie, które składają się z pustych i pełnych loggii. Źródło światła znajduje się po prawej stronie i określa nachylenie wszystkich cieni. Masaccio wymodelował wszystkie postacie za pomocą koloru i światła, nadając im rzeźbiarską monumentalność. Jak na tamte czasy była to malarska rewolucja.

„Św. Piotr uzdrawia chorych swoim cieniem

Ten mały fresk zdobi również kaplicę Brancaccich. Jak wszystkie inne dzieła kaplicy, bardzo ucierpiała ona od pożaru z 1771 r., jednak w latach 1983 - 1990 przeprowadzono gruntowną renowację, która przywróciła dziełu mistrza dawny blask. Nie tyle przyciągnęła naszą uwagę historia biblijna, choć i to ciekawe, ale dlatego, że mężczyzna w czerwonej czapce to portret artysty Masolino, z którym Masaccio współpracował przez długi czas. Drugi portret - mężczyzna z rękami złożonymi jak do modlitwy - to być może sam wielki Donatello, a trzeci, Jan, to przypuszczalnie brat Masaccia.

Scena ewangeliczna jest bardzo wymowna. Św. Piotr i Jan idą za nim ulicą. Ich twarze są puste. Nie wahają się pomagać chorym. Cień Piotra padający na grupę pacjentów stawia ich na nogi. Tutaj jeden z zabandażowaną nogą już wstał, drugi jeszcze siedzi, ale poczuł, że łaska Boża go dotknęła, trzeci czeka na swoją kolej.

W kaplicy światło pada na fresk z prawej strony. W związku z tym po lewej stronie są cienie na wąskiej średniowiecznej uliczce, gdzie przestrzegane są surowe prawa perspektywy: domy, które idą w dal, są zmniejszone. Na tym kończymy nasz przegląd obrazów Masaccio z opisami.

Przeprowadzka do Rzymu i śmierć artysty

Około 1428 Masaccio wyjeżdża niedokończona praca w kaplicy Brancaccich i wyrusza do Rzymu. Uważa się, że został zaproszony przez Masoliniego do wykonywania bardziej prestiżowych zleceń. Nie wiadomo, ile miesięcy minęło, gdy nagle Masaccio niespodziewanie zmarł. Brat malarza powiedział, że miał wtedy 27 lat. Oznacza to, że stało się to między grudniem 1428 a początkiem 1430 roku.

Geniusz Masaccio głęboko wpłynął dalszy rozwój obraz. Jego twórczość była studiowana i kopiowana przez kolejne pokolenia artystów, którzy wychowali sztukę niespotykana wysokość. Twórcze odkrycia Masaccio zmieniły malarstwo nie tylko we Włoszech, ale w całej Europie.

Masaccio, wraz z jemu współczesnymi, architektem Brunelleschim i rzeźbiarzem Donatello, jest jednym z największych reformatorów nie tylko języka włoskiego, ale wszystkiego. sztuka zachodnioeuropejska. Jego krótkotrwały, trwający tylko około sześciu lat kreatywny sposób przypada na lata dwudzieste XV wieku, kiedy mistrzowie późnego gotyku nadal nadawali ton malarstwu florenckiemu i pracowali ostatnie pokolenie tak zwani „jottesques” – epigoni, którzy wykastrowali ducha tradycji Giotta. Sztuka Masaccio wydaje się być oddzielona od ich dzieł ogromną odległością czasową, tak głęboka jest rewolucja, jakiej dokonał w malarstwie Florencji i całych Włoch.

Artysta otrzymał przydomek Masaccio (Wielki Maso, czyli Tommaso) od współczesnych, którzy jednocześnie nadali malarzowi Tommaso di Cristoforo di Fino, z którym Masaccio stale współpracował i od którego być może się uczył, przydomek Masolino (Mały Maso ).

Pierwszymi dziełami Masaccio, które do nas dotarły, są obrazy ołtarzowe, które były częścią wielolistnego ołtarza namalowanego dla kościoła Carmine w Pizie, obecnie przechowywanego w muzeach w wielu włoskich miastach. Sam gatunek malarstwa ołtarzowego jest najbardziej konserwatywny, wymagający przestrzegania pewnych kanonów i obowiązkowego złotego tła dla ołtarzy. Ale już w tych kompozycjach objawia się potęga artystycznego temperamentu Masaccia, uderza oryginalność jego decyzji. Takie jest zawarte w tym poliptyku „Ukrzyżowanie” (1426, Neapol, Capodimonte Museum), z silnie i ogólnie rzeźbionymi kontrastami światła i cienia postaci ukrzyżowanego Chrystusa, Marii, Jana i uderzająco ekspresyjnej postaci Magdaleny w jasnoczerwona szata.

W mniej kanonicznej kompozycji Madonny z Dzieciątkiem i św. Anną (1424, Florencja, Galeria Uffizi) ołtarz, niemal w takim samym stopniu jak plastyczna siła stylu malarskiego Masaccia, rozmach i uogólnienie form, autentyczność życia, nawet pewną pospolitość wizerunków Marii i jej matki Anny.

Główna Praca Masaccio, który stał się kamieniem milowym w historii włoski renesans, to malowidła małej kaplicy Brancaccich florenckiego kościoła Santa Maria del Carmine (ok. 1425-1428). Prace nad freskami powierzono Masaccio i Masolino. Ten ostatni namalował sklepienia i lunety kaplicy, górną część prawej ściany kaplicy z niezachowanymi do dziś freskami oraz stworzył jedną z czterech kompozycji na ścianie ołtarzowej. Znaczniejszy jest jednak udział malowideł Masaccio: jest on właścicielem dwóch dużych kompozycji umieszczonych jedna nad drugą w dwóch rejestrach na lewej ścianie i trzech z czterech, również ułożonych w dwóch rejestrach, kompozycji na ścianie ołtarzowej.

Malowidła ścienne Kaplicy Brancaccich poświęcone są historii Apostoła Piotra. Cykl ten otwierają jednak dwie pionowe kompozycje umieszczone na dużych pilastrach przy wejściu, poświęcone historii Adama i Ewy – „Popadnięcie w grzech” Masolina na ścianie prawej i „Wygnanie z raju” Masolina na ścianie lewej. Kompozycja ta imponuje nie tylko swoją siłą dramatyczną, ogromną energia życiowa obrazów, ale także siłą, wolnością obrazowego języka Masaccia. Pracuje dużym pędzlem, czasem zostawiając nawet ślady kosmków na powierzchni fresku, rzeźbiąc formy z mocnymi kontrastami światła i cienia; ogólność i ekspresja, z jaką wypisana jest twarz Ewy, zniekształcona krzykiem, może znaleźć analogie jedynie w znacznie późniejszym malarstwie europejskim.

Największa kompozycja Masaccia „Cud ze staterem” znajduje się w górnym rejestrze lewej ściany kaplicy. Jej fabuła to jeden z epizodów Ewangelii, który mówi, że gdy Chrystus i jego uczniowie zbliżyli się do bram miasta Kafarnaum, straż nie wpuściła ich, żądając zapłaty podatków. Na polecenie Chrystusa apostoł Piotr udał się nad brzeg jeziora, wyłowił tam rybę i znalazł w jej wnętrzu monetę, stater, niezbędną do zapłaty.

Ogromny fresk Masaccia łączy w sobie trzy epizody legendy: pośrodku nieco oszołomiony poborca ​​podatkowy zwraca się do stojących w majestatycznym półkolu apostołów; po lewej, w tle, Piotr patroszy złowioną już rybę, po prawej majestatycznie i nieco gniewnie wręcza kolekcjonerowi monetę. Akcja rozgrywa się na tle szerokiej panoramy krajobrazowej, uderzającej autentycznością i naturalnością. Dla poprzedników Masaccio krajobraz był zwykle konwencjonalny, naznaczony skalistymi wzgórzami i drzewami o tych samych parasolowatych lub kulistych koronach. Na fresku Masaccio uderza naturalność i szeroki oddech jesienny krajobraz ze stopniowo ograniczanymi, lekko zamglonymi, gołębimi górami, zrzucającymi liście drzewami, brunatną ziemią schodzącą w głąb. Bohaterowie Masaccia są uderzający – siwobrody starcy, czarnowłosi mężczyźni obdarzeni wyglądem plebsu, młodzieńcy o świeżym rustykalnym rumieńcu. Pełne wielkości i godności, pokazują nam całą galerię dużych i jasnych postaci. Badania współczesnych konserwatorów wykazały, że Masaccio pracował nad każdą głową przez cały dzień, podczas gdy tło krajobrazu w „Cudzie z Staterem” zostało namalowane w zaledwie trzy dni.

Kolejną niezwykłą innowacją Masaccia jest jego interpretacja światła. Dla jego poprzedników światło i cień były jedynie sposobem modelowania formy, nadawania jej objętości; postacie i przedmioty zwykle nie rzucają cienia. W Cudze z państwem i Wygnaniu z Raju światło pada po prawej stronie (tu znajduje się prawdziwe okno oświetlające kaplicę), postacie apostołów rzucają długie cienie na ziemię.

Niezwykła jest też decyzja ściany ołtarza, gdzie Masaccio łączy jedną perspektywą z jednym punktem zbiegu dwie kompozycje znajdujące się na prawo i lewo od okna oraz mały ołtarzyk – „Św. Piotr uzdrawia kalekiego swoim cieniem” i „ Podział majątku i śmierć Ananiasza”. Dzięki temu obie sceny rozgrywają się w pewnej jednej przestrzeni. A przy tym każdy z nich ukazany jest w energetycznej perspektywie, co sprawia, że ​​kompozycja jest bardziej dynamiczna, akcja napięta, a bryła przysuniętych do nas kolosalnych domów robi szczególne wrażenie.

Specjalne miejsce w twórcze dziedzictwo Zajmuje się Masaccio i historią malarstwa wczesnego renesansu Ostatnia praca- fresk „Trójca” (ok. 1427-1428, Florencja, kościół Santa Maria Novella). Obraz ten został zamówiony przez Masaccio przez szlachetnego florenckiego Lorenza Lenziego, który zajmował wysokie stanowisko państwowe gonfaloniera (nosiciela chorążego) Sprawiedliwości. Najwyraźniej kompozycja ta ucieleśnia jakiś dość złożony program teologiczny - świadczy o tym obraz sarkofagu z otwartą pokrywą, w którym leży szkielet, wypisany na cokole ściany i włączony do kompozycji fresku; według niektórych badaczy jest to symbol „starego Adama”, kruchości ludzkości. Najistotniejsze jest jednak to, że po freskach tętniącej życiem Kaplicy Brancaccich Masaccio stworzył pewien wzorzec kompozycji idealnej. Sugeruje to, że nie były mu obce problemy natury teoretycznej, które interesowały już ówczesne środowisko artystyczne. Kompozycja fresku z klęczącym przy wejściu do kaplicy Lorenza Lenziego i jego żony, ukrzyżowanym Chrystusem oraz Marią i Janem stojącymi u stóp Ukrzyżowania, przypomina piramidę schodkową wpisaną w podwójnie łukową i prostokątną ramę ; sklepienie kaplicy widziane z dołu ukazane jest w nienagannej redukcji perspektywy. Niewykluczone, że w opracowaniu motywów architektonicznych i perspektywicznej konstrukcji przestrzeni brał udział architekt Brunelleschi. Tak czy inaczej, ten fresk, który zakończył się krótkim ścieżka życia Masaccio, stał się swoistym manifestem nowej, renesansowej sztuki, majestatycznym jej pokazem zasady estetyczne i możliwości.

Irina Smirnowa

Wygnanie z Raju – Masaccio. 1427. Fresk.

Osoba, która widzi ten fresk po raz pierwszy w życiu, raczej nie przypisze go XV wieku, sam styl wykonania wygląda bardzo nowocześnie. Ekspresyjny styl pisma, jaskrawe plamy barwne i wyraziste postacie o regularnych konturach i budowie ciała odsyłają nas bardziej do współczesnych poszukiwań w dziedzinie sztuki niż do wczesnego renesansu. Niemniej jednak jest to prawda - fresk powstał w okresie totalnego panowania „bezcielesnego” gotyku, kiedy to nagość uważano za wstydliwą i nieśmiało zakrywaną draperiami lub tradycyjnymi „figowymi listkami”.

Fresk mistrza jest ucieleśnieniem nieskrywanego żalu, który nagle dotknął dwoje ludzi, którzy wcześniej nie mieli żadnych kłopotów. Odzwierciedlenie tradycji biblijnej „Wygnanie z raju” przedstawia dokładny moment wygnania Adama i Ewy z Edenu. Rajskie życie dla nich się skończyło, są przeklęci i odrzuceni przez Boga, a przed nimi już tylko życie pełne trudów i trudów.

Nic dziwnego, że Eva dosłownie krzyczy z żalu i poczucia własnej bezsilności. Jej wizerunek robi największe wrażenie, gdyż artystce zaledwie kilkoma pociągnięciami udało się oddać wiele wyrazistych i mocnych ludzkie uczucia- ból, żal, cierpienie, oszołomienie, wątpliwości co do własnej przyszłości, wstyd. Oprócz tych uczuć Ewa po raz pierwszy w życiu odczuła wstyd własnej nagości, co w Edenie wcale jej nie przeszkadzało. Boleśnie próbuje zakryć się rękoma, cierpiąc też z powodu tego, że to ona stała się przyczyną, choć pośrednio, upadku i wygnania.

Adam nie wstydzi się swojej nagości, zakrywa twarz dłońmi ze wstydu i żalu. Szloch wstrząsa jego ciałem, sprawiając, że młody i silny mężczyzna. Chociaż sama fabuła obejmuje przedstawienie Adama i Ewy nago, odwaga artysty w szczegółach i realistyczne obrazy ludzkie ciała nie do gustu duchownych z zamglonymi oczami. Jak w większości podobnych przypadków, próbowali ukryć obrazy z fałszywą skromnością za pomocą tradycyjnych zielonych gałązek.

Ze względu na prostotę obrazu i niemal zupełny brak wystroju w tle, cała uwaga patrzącego na fresk skupiona jest właśnie na trzech postaciach – Adamie, Ewie i aniołze z karzącym mieczem w dłoniach, przedstawionych unosząc się nad nimi. Staje się jasne, że droga powrotna jest dla nich uporządkowana – bramy raju są szczelnie zamknięte, a strzegący ich anioł wyraźnie wzniósł miecz wysoko nad siebie. Szkarłatny kolor sukni anioła daje szczególny niepokój temu, co się dzieje - jest to jawna groźba i ostrzeżenie.

Za to niesamowite wczesny okres Odrodzenie realizmu przedstawiania ludzkich ciał i umiejętność oddania silnych emocji sprawiają, że po raz kolejny żałuje się, że sam mistrz zginął w takich młody wiek. Kto wie, czy gdyby pozostał przy życiu, jego umiejętności nie zostałyby przyćmione przez większość współczesnych mu sławnych ludzi?