Tycjan Miłość niebiańska i miłość ziemska, ok. 1514

Tematyka obrazu cieszy się dużym zainteresowaniem i do dziś budzi kontrowersje wśród krytyków sztuki. Już sam fakt wielokrotnej zmiany tytułu obrazu świadczy o jego doniosłości i niezwykłości.
Podążając za Giorgione, Tycjan napisał w latach 1510-tych szereg scen alegorycznych i mitologicznych, których bohaterowie pojawiają się na tle całkowitej harmonii i spokoju natury. Należą do nich jedno z jego najsłynniejszych dzieł tych lat - Miłość ziemska i Miłość niebiańska.

W katalogu Galerii Borghese obraz nosił różne tytuły: „Piękno upiększone i pozbawione ozdób” (1613), „Trzy rodzaje miłości” (1650), „Boskie i kobiety towarzyskie„(1700) i wreszcie „Miłość niebiańska i miłość ziemska” (1792 i 1833).
Jak myślisz, które imię jest bardziej odpowiednie?

HISTORIA OBRAZU.

Obraz powstał na zamówienie Niccolò Aurelio, Sekretarza Rady Dziesięciu Republiki Weneckiej. Herby przedstawione na sarkofagu i srebrnej tacy należą do weneckiej rodziny Aurelio i rodziny Paduan Bagarotto, dlatego najwyraźniej obraz został namalowany na cześć ślubu Nicolo Aurelio i Laury Bagarotto w 1514 roku.

Ślub odbył się w Wenecji 17 maja 1514 roku, a obraz był najprawdopodobniej jego prezentem ślubnym dla panny młodej. Nowoczesne imię obraz nie został podarowany przez samego artystę.
Dzieło zostało zakupione w 1608 roku przez mecenasa sztuki Scipione Borghese, po czym zaczęto je wystawiać wraz z innymi eksponatami z kolekcji Borghese w Galerii Borghese w Rzymie. W 1899 roku potentat finansowy Rothschild złożył ofertę kupna obrazu za 4 miliony lirów, ale jego oferta została odrzucona.

INTENCJA ARTYSTY.

„Miłość ziemska i niebiańska” to jedno z pierwszych dzieł Tycjana, w którym wyraźnie ujawnia się oryginalność artysty. Fabuła obrazu wciąż wydaje się tajemnicza. Celem Tycjana jest przekazanie określonego stanu umysłu.
Na tle zmysłowego krajobrazu, w piękny letni wieczór, przy studni, której wodę mętni dłonią mały kupidyn, siedzą naprzeciw siebie dwie kobiety.

Jedna, bardzo młoda, o rozmarzonych oczach, z głową pochyloną na ramię, zdaje się oddawać pocałunkom nieba, oczekując miłości. Inna, znakomicie ubrana piękność, spokojna i pewna siebie, trzyma dłoń na pokrywce miski.
Kupidyn, znajdujący się pomiędzy ziemską Wenus a niebiańską Wenus, opuścił swoją pulchną rękę do fontanny sarkofagu, zamieniając martwą wodę w żywą wodę.

Niektórzy badacze uważają, że obraz przedstawia spotkanie Medei i Wenus ze „Snu Polifema”, alegorii literackiej napisanej w XV wieku przez Francesco Colonnę. Inni widzą w tym obrazie portret ukochanej artysty, pięknej Violanty, ukazanej zarówno w ubraniu, jak i nago.
Ale jakakolwiek była pierwotnie fabuła, literacka, symboliczna czy alegoryczna, szybko została zapomniana, ponieważ nie miała żadnego znaczenia w porównaniu z moc artystyczna płótna.

W kobiecie po lewej stronie niektórzy historycy sztuki dostrzegają alegoryczną postać Nieśmiałości, która ukrywa swoje bogactwo w zamkniętej misce. Z jej oczu widać, że słucha plusku wody, a może uwodzicielskich słów, którymi zwraca się do niej naga piękność.

To, co szczególnie uderza w nim, to charakter pewnego rodzaju masywności i gęstości. Ciężka sukienka Medei powinna powstrzymywać jej impulsy i spowalniać ruchy.
pojawia się przed nami piękny świat, pełen harmonii, witalność i zmysłowy urok. Te nagie i ubrane kobiety są jej ucieleśnieniem, siedząc na krawędzi sarkofagu wypełnionego wodą, z którego mały Kupidyn łapie kwiaty dzikiej róży – symbol ziemskiej miłości. Pochylając się ku sobie, te dwie piękne postacie tworzą pozory niewidzialnego łuku, nadając wszystkiemu przedstawionemu tajemnicę i wielkość.

Nagie ciało Wenus również nie mówi o szybkości ani pasji, ale odzwierciedla spokojną naturę, obcą buntowi. W samej kompozycji, w tej przewadze jednej (lewej) części obrazu nad drugą, odbija się ta sama tendencja do ciężkości, do pewnego rodzaju „materialności”.
Na poetycką jedność obrazu duży wpływ ma krajobraz. Ciemnozielone korony drzew i ciężkie, mokre chmury nad stojącą wodą w cudowny sposób harmonizują z pięknem kobiet.
Ciepłe promienie zachodzącego słońca rozprzestrzeniają się po całym krajobrazie, a wszędzie unosi się gorący oddech natury.

Artysta oferuje do wyboru dwie drogi życia: radosne marzenie lub spokojne posiadanie. Dwie miłości: niebiańska i ziemska. Tycjan namalował ten obraz natychmiast po tym tragiczna śmierć Giorgione. Ma przed sobą kolejne 70 lat życia, które (sądząc po biografii) przeżyje w spokojnym posiadaniu.

Jeśli mówimy już o miłości przed tym obrazem, to tylko o miłości ziemskiej, o miłości do całej przyrody, do całego życia jako całości, w którym ta dwójka piękne kobiety mają znaczenie części całości, a nie „bohaterek”.

Przedstawiony obszar spowity jest półmrokiem zmysłowej nocy; - tylko wysoko na wieży zamkowej i biały blask świtu płonie w chmurach. Tajemnicza chwila spokoju, wytchnienia.
Zgiełk ludzi ustępuje spokojowi, podróżnicy spieszą się do domu i nadchodzi godzina Wenus, trzymając w dłoni lampę, by świeciła w ciemności, godzina Erosa, pobudzającego magiczny staw i zamieniającego jego ciemne wody w cudowny eliksir .

Królewna słucha szelestu trawy, plusku wody, szelestu liści gęstych w gasnącym świetle, dalekich krzyków i śpiewów i wydaje jej się, że gdzieś ją wołają, wyobraża sobie bogowie rozkoszy miłosnych, wysłuchuje ślubów przyszłych uścisków i poczęć.
MÓWIĄ:
Że obraz przedstawia ukochaną kobietę Tycjana, Violante, córkę artysty Palmy Starszej, której imię kojarzy się ze słynnym portretem weneckiej złotowłosej piękności z Wiednia „Violante (La Bella Gatta)” przypisywanym pędzlowi Tycjan lub Palma Starsza.

Młoda wybranka Tycjana, Violante, ukazana jest na obrazie w dwóch wcieleniach – w postaci Miłości ziemskiej i Miłości niebiańskiej. Pani, tradycyjnie uważana za ziemską Wenus, ma wszystkie atrybuty panny młodej: niebiesko-białe szaty, w dłoni gałązki mirtu.
Jej suknia przewiązana jest szarfą z klamrą: symbolem małżeństwa. Przed nią na parapecie stoi miska z kamienie szlachetne: symbol pełni i dobrego samopoczucia życie rodzinne. Niebiańska miłość jest naga, nie ma nic do ukrycia...

A JAK MYŚLISZ, CO ARTYSTA CHCIAŁ POWIEDZIEĆ?

Tekst z ilustracjami.http://maxpark.com/community/6782/content/2521020

Arcydzieło wczesna twórczość Tycjan, w którym od początku XVI w. coraz wyraźniej uwidaczniały się cechy oryginalności stylistycznej odróżniające jego dzieła od projektów Giorgione, to obraz z rzymskiej Galerii Borghese, znany jako „Miłość w niebie i na ziemi”. W skompilowanym w XVII wiek w inwentarzu kolekcji oznaczono ją jako „Piękność naga i ubrana”, jednak większość badaczy wciąż próbuje znaleźć więcej dokładna wartość to dzieło weneckiego artysty.

Czasami rozważano to w związku z źródła literackie Renesans jednak znacznie częściej w jego treści odnajduje się echa idei filozofii neoplatońskiej, popularnej w epoce renesansu. Zwolennicy tej wersji łączą przedstawioną scenę z koncepcją istnienia dwóch Wenus, niebieskiej i ziemskiej, przedstawioną w „Sympozjum” Platona, które symbolizują miłość boską i ziemską. Pierwsza (naga postać po prawej) kieruje myśli w stronę piękna wzniosłego, istniejącego poza granicami rzeczywistości zmysłowo-postrzegalnej, druga – w stronę piękna umiejscowionego w świecie materialnym i odbieranego zmysłami.

Przedstawiciele innego punktu widzenia związali treść dzieła Tycjana okoliczności życiowe klientem, którym najprawdopodobniej był sekretarz Rady Dziesięciu, Wenecjanin Niccolo Aurelio, gdyż to właśnie jego herb umieszczono na przedniej ścianie sarkofagu, przy którego krawędziach siedzą obie bohaterki. W 1514 roku poślubił wdowę z Padwy, niejaką Laurę Bagarotto i, jak sądzili niektórzy badacze, kobietą w eleganckiej białej sukni była nie kto inny jak sama panna młoda, ukazana wraz ze swą boginią patronką przy świętej fontannie Wenus.

Podobnie jak w „Koncercie wiejskim” Giorgione, podstawą schematu kompozycyjnego tego obrazu jest obraz pierwszoplanowy ubrane i nagie postacie w pobliżu stawu. Położone jest na platformie wzniesionej wysoko nad poziomem idyllicznego arkadyjskiego krajobrazu, zaludnionego maleńkimi postaciami pasterzy, kochanków i myśliwych. W utworze rzeczywiście można znaleźć wiele niezaprzeczalnych nawiązań do tematu małżeństwa. Kobieta siedząca po lewej stronie ubrana jest w tradycyjny strój weneckiej panny młodej, składający się z lekkiej sukni ze szkarłatnymi rękawami, paska i rękawiczek. W dłoniach trzyma róże (jeden kwiat leży niedaleko, na krawędzi sarkofagu), a na głowie wieniec z liści mirtu, podobnie jak róża, która od czasów starożytnych była poświęcona Wenus i tradycyjnie służyła jako symbol małżeństwo; jest to dodatkowe potwierdzenie hipotezy, że obraz powstał dla upamiętnienia zawarcia związku małżeńskiego.

Pojawienie się niebiańskiej Wenus u Tycjana jawi się do tego stopnia oczyszczonej ze wszystkich spraw codziennych, że przybiera wygląd prawdziwego „obrazu modlitewnego” pogańskiej bogini miłości. W kontrapoście postać bogini Wenus, w płynnym zwrocie przestrzennym i wyrazistym charakterze rysunek konturowy wyłaniają się podobieństwa z dziełami rzeźby klasycznej.

Obraz powstał na zamówienie Niccolò Aurelio, sekretarza Rady Dziesięciu Republiki Weneckiej. Pośrednim faktem potwierdzającym tożsamość zamawiającego jest obecność herbu Niccolo Aurelio na przedniej ścianie sarkofagu. Aurelio poślubił młodą wdowę Laurę Bagarotto. Ślub odbył się w Wenecji 17 maja 1514 roku, a obraz był najprawdopodobniej jego prezentem ślubnym dla panny młodej. Współczesnej nazwy obrazu nie nadał sam artysta, lecz zaczęto ją stosować według co najmniej dwa wieki po jego stworzeniu.

Na tle krajobrazu zachodzącego słońca u źródła siedzą bogato ubrana Wenecjanka, trzymająca w lewej ręce pudełko z robótkami, oraz naga Wenus, trzymająca misę ognia. Zdaniem S. Zuffiego, ubrana dziewczyna reprezentuje miłość w małżeństwie; Kolor jej sukni (biały), paska, rękawiczek na dłoniach, mirtowego wieńca na głowie, rozwianych włosów i róż wskazuje na małżeństwo. W tle para królików - życzenie dużego potomstwa. To nie jest portret Laury Bagarotto, ale alegoria szczęśliwego małżeństwa.

Zagadkowym szczegółem jest marmurowy sarkofag zamieniony w źródło. Marmur, symbol śmierci, dość dziwnie można znaleźć na obrazie wypełnionym życzeniami szczęśliwego życia rodzinnego. Scena przemocy na sarkofagu najwyraźniej przypomina niesprawiedliwą egzekucję ojca Laury, Bertuccio Bagarotto, która miała miejsce w 1509 roku. Basen stojący na sarkofagu ozdobiony jest znakami heraldycznymi rodu Bagarotto. Czysta woda w źródle symbolizuje narodziny nowego życia.

Naga dziewczyna symbolizuje miłość, która przemienia się w wieczną, niebiańską, o czym świadczy płonąca lampka w jej uniesionej dłoni.

Notatki

Literatura

W języku rosyjskim

• Batkin L. M. Włoski renesans: problemy i ludzie. - M.: RSUH, 1995. - s. 195-196. - 448 s.
• Benois, A. N. Miłość niebiańska, miłość ziemska//Historia malarstwa. - Petersburgu. , 1912-1917. - T. II.
• Dzierż F. (Angielski) rosyjski . Tycjanowski. Miłość ziemska i miłość niebiańska. - Białe Miasto, 2006. - 48 s. - (Sto wspaniałych obrazów). - 5000 egzemplarzy.
• - ISBN 5-7793-0415-7. Zuffi S. to. Duży atlas malarstwa. sztuki piękne
• . 1000 lat. - M.: Olma-Press, 2004. - 432 s. - ISBN 5-224-04316-6. Krivtsun O.A.
• Estetyka: podręcznik. - M.: Aspect Press, 2000. - 434 s. - ISBN 5756702105. Makarova N. I..

Tycjan: „Miłość ziemska i niebiańska” // Idee i ideały. - 2009. - nr 2.

• w innych językach Argan G.C.
• L"Amor sacro i l"Amor profano di Tiziano Vecellio. - Mediolan: Bompiani, 1950. Aspetti dell „Umanesimo nella pittura veneta dal 1455 al 1515. - Roma: Cremonese, 1964.
• Calvesi M. to. Un amore per Venere e Proserpina // Art e Dossier it. - 1989. - nr 39.
• Clerici G. P. Tiziano e l"Hypnerotomachia Poliphili e una nuova interpretazione del quadro della Galleria Borghese (L"Amor Sacro e l"Amor Profano) // Bibliofilia XX. - 1918. - nr 19.
• Cozzi G. (Angielski) rosyjski . Tiziano i Wenecja. Atti del Convegno di Studi. - Vicenza: Neri Pozza, 1980.
• Friedlander W. La tintura delle róża.. — Biuletyn Sztuki. - 1938. - Cz. XVI. - s. 320-324.
• Gentili A. Da Tiziano i Tiziano. mito i allegoria nellaculture veneziana del Cinquecento. - Mediolan: Feltrinelli, 1980.
• Gibelini C. Tycjan. - Mediolan: Rizzoli, 2003. - (I Classici dell'arte).
• Gnoli U. Miłość Sacro i Profano? // Rassegna d'Arte - 1902. - tom II.
• Goffen R. „Miłość święta i profanum” Tycjana oraz małżeństwo// Rozszerzający się dyskurs: feminizm i sztuka. - Nowy Jork: Harper Collins, 1992.
• Święta i świecka miłość Tycjana: indywidualność i seksualność w renesansowym obrazie małżeńskim// Studia z historii sztuki. - 1993. - Cz. XXV.
• Nadzieja C. Problemy interpretacji w malarstwie erotycznym Tycjana// Tiziano i Wenecja. Atti del convegno di studi. - Vicenza: Neri Pozza, 1980.
• Hourticq L. La Fontaine d'amour de Titien // Gazette des Beaux-Arts - 1917. - tom XII.
• Mayer A. L. Aurelio Nicolò: komisarz świętej i świeckiej miłości Tycjana // Biuletyn Sztuki - 1939. - tom XXI.
• Ozzola L. Venere i Elena. L"amor sacro e l"amor profano // L"Arte. - 1906. - t. IX.
• Panofski E. Immagini simboliche. Studi sull „arte del Rinascimento. - Mediolan: Feltrinelli, 1978.
• Petersona E. Tizians amor sagro e profano und Willkurlichkeiten moderner Kunsterklaurung // Die Galerien Europas. - 1907. - Cz. 2.
• Poppelreuter J. de . Safona und die Najade Titians, Himmlische und irdische Liebe // Repertorium für Kunstwissenschaft. - 1913. - Cz. XXXVI.
• Ricciardi M. L. L"Amor sacro e profano. Un ulteriore tentativo di sciogliere l"enigma // Notizie da Palazzo Albani. - 1986. - Cz. XV.
• Robertsona G. Honor, miłość i prawda: alternatywne odczytanie świętej i świeckiej miłości Tycjana // Studia renesansowe. - 1988. - tom 2.
• Valcanover F.ru To. Tycjan. - Mediolan: Mondadori Arte, 2008. - ISBN 978-88-370-6436-5.

Przez kilka stuleci obraz Tycjana uważany był jedynie za alegorię. Artysta pisał jednak inaczej: celowo mieszał symbole z konkretnymi detalami. W końcu cel wcale nie był abstrakcyjny - załagodzić skandal w świeckich kręgach Wenecji.

Tycjan „Miłość niebiańska i miłość ziemska”. Galeria Borghese

Obraz namalowano około 1514 roku. W 1693 roku obraz otrzymał tytuł „Miłość niebiańska i miłość ziemska”. Przedstawione na nim kobiety o identycznych twarzach utożsamiano z dwiema hipostazami bogini miłości, znanymi intelektualistom renesansu z dzieł starożytnych filozofów. Jednak tytuł arcydzieła Tycjana został po raz pierwszy wspomniany w 1613 roku jako „Piękno zdobione i pozbawione ozdób”. Nie wiadomo, jak artysta lub klient nazwał płótno.

Dopiero w XX wieku badacze zwrócili uwagę na bogactwo symboli ślubnych i herbu rodziny weneckiej na płótnie. Doszli do wniosku, że właściciel herbu, sekretarz Rady Dziesięciu Nicolo Aurelio, zamówił obraz u Tycjana z okazji jego ślubu w 1514 roku z Laurą Bagarotto, młodą wdową z Padwy. Jak zauważył ówczesny wenecki kronikarz Marin Sanudo, o tym ślubie „dyskutowano wszędzie” – nowożeńcy mieli zbyt trudną przeszłość.

W 1509 r., u szczytu konfliktu zbrojnego między Republiką Wenecką a Świętym Cesarstwem Rzymskim, pierwszy mąż Laury, padewski arystokrata Francesco Boromeusz, stanął po stronie cesarza. Padwa podlegała Wenecji, dlatego Boromeusz został aresztowany i prawdopodobnie stracony przez Radę Dziesięciu jako zdrajca. Wielu krewnych Laury zostało uwięzionych i wygnanych. Jej ojciec Bertuccio Bagarotto, profesor uniwersytetu, został powieszony na oczach żony i dzieci pod tym samym zarzutem, co w jego przypadku było niesprawiedliwe.

Zezwolenie na zawarcie związku małżeńskiego przez wysokiego rangą urzędnika weneckiego z wdową i córką po przestępcach państwowych zostało omówione przez komisję pod przewodnictwem doży i zostało przyjęte. Dzięki staraniom pana młodego skonfiskowany wcześniej bogaty posag Laury został zwrócony dzień przed ślubem. Obraz, zamówiony u najbardziej prestiżowego i bynajmniej nie taniego artysty w Wenecji, miał zapewne dodać powagi małżeństwu w oczach współobywateli.

1. Panna młoda. Według krytyczki sztuki Rony Goffin jest mało prawdopodobne, aby był to portret Laury Bagarotto, ponieważ wtedy namalowano z niej nagą damę, co w tamtych czasach zaszkodziłoby reputacji przyzwoitej kobiety. To wyidealizowany obraz nowożeńców.

2. Sukienka. Jak wykazała analiza radiograficzna, Tycjan najpierw pomalował go na czerwono. Jednak na szczycie listy posagowej Laury znalazła się suknia ślubna wykonana z białej satyny, a Rhona Goffin zasugerowała, aby artystka zdecydowała się przedstawić tę właśnie suknię. Pasek, symbol wierność małżeńska, a rękawiczki to także atrybuty sukni ślubnej: panowie młodzi dawali te rzeczy jako prezent na zaręczyny na znak powagi swoich zamiarów.

3. Wieniec. Mirt zimozielony to roślina Wenus, symbolizująca miłość i wierność. Utkane z niego wianki były atrybutem ślubów w starożytnym Rzymie.

4. Miska. Jak napisała Rona Goffin, panowie młodzi tradycyjnie wręczali weneckim narzeczonym prezenty ślubne w podobnych naczyniach.

5. Króliki. Symbol płodności obok postaci panny młodej jest życzeniem nowożeńców, aby mieli liczne potomstwo.

6. Nago. Według większości badaczy, w tym włoskiego eksperta w dziedzinie sztuki renesansu Federico Zeri i brytyjskiego specjalisty od Tycjana Charlesa Hope'a, jest to bogini Wenus. Ona i nowożeńcy są do siebie tak podobni, bo w starożytnej poezji pannę młodą często porównywano do bogini miłości. Wenus błogosławi ziemską kobietę za małżeństwo.

7. Krajobraz. Według Dzerego za plecami bohaterów widnieją dwa kontrastujące ze sobą symbole kojarzące się z małżeństwem: droga w górę to trudna droga roztropności i niezachwianej wierności, równina to cielesne przyjemności małżeństwa.

8. Kupidyn. Syn Wenus, skrzydlaty bóg miłości, jest tutaj pośrednikiem między boginią a oblubienicą.

9. Fontanna. Nosi herb rodziny Aurelio. Według historyka sztuki Waltera Friedländera jest to grób kochanka Wenus Adonisa, opisany w XV-wiecznej powieści „Hipnerotomachia Polifila” - sarkofag (symbol śmierci), z którego wypływa woda (symbol życia). Płaskorzeźba na marmurze przedstawia pobicie Adonisa przez zazdrosnego Marsa: według powieści młody człowiek zginął z rąk boga wojny. To nie tylko zapowiedź tragicznie zakończonej miłości bogini, ale także przypomnienie smutnej przeszłości Laury Bagarotto.

10. Lampa. Zabytkowa lampa w dłoni Wenus według Federico Zeriego symbolizuje płomień boskiej, wzniosłej miłości.

Dawno, dawno temu żyło największy mistrz Renesansowy Tycjan. Pisał dużo – o tematyce religijnej, mitologicznej, portretowej. Czasami wszystko było na jednym obrazku na raz. Jak na przykład w przypadku „miłości ziemskiej i miłości niebiańskiej”. Mieszanka symboli i brak tytułu autora zapewniły obrazowi sławę jednego z najbardziej tajemniczych w historii nie tylko samego Tycjana, ale także malarstwa światowego.

Tycjanowski. Miłość niebiańska i miłość ziemska. OK. 1514
Olej na płótnie. 118 × 279 cm
Galeria Borghese w Rzymie. Wikimedia Commons
Klikalne — 6009 pikseli × 2385 pikseli

Działka

Zacznijmy od tego, że w historii związanej z fabułą i tytułem tego obrazu nie ma nic do końca pewnego. Współczesna nazwa pojawiła się znacznie później niż sam obraz, a wśród krytyków sztuki nie ma zgody co do tego, kto i dlaczego jest przedstawiony. Obie główne wersje nie znoszą się, wręcz przeciwnie, uzupełniają mozaikę znaczeń.

Zacznijmy więc od spraw przyziemnych. Uważa się, że obraz został namalowany na polecenie sekretarza Rady Dziesięciu Nicolo Aurelio, który miał poślubić Laurę Bagarotto. Obraz miał być prezentem dla jego młodej żony. Na zdjęciu jest mnóstwo symboliki ślubnej. Dziewczyna jest ubrana biała sukienka; na głowie wieniec z mirtu (roślina Wenus, symbolizująca miłość i wierność); zakrywa dłonią kielich (w takich naczyniach panowie młodzi wręczali weneckiemu pannie młodej prezenty ślubne); ma na sobie pasek i rękawiczki (pierwsze to symbol wierności małżeńskiej, drugie to atrybut sukni ślubnej, którą panowie młodzi wręczali jako prezent zaręczynowy na znak powagi swoich intencji).

Obraz otrzymał swoją nazwę 150 lat po namalowaniu.

Życzenie licznego potomstwa - oczywiście w postaci królików. A przypominająca pannę młodą bogini Wenus błogosławi ten związek. Kupidyn jest tutaj pośrednikiem między boginią a kobietą. Krajobraz ma także charakter symboliczny: z jednej strony droga w górę to trudna droga roztropności i wierności, z drugiej – równina, oznaczająca przyjemności cielesne.

Jeśli nagle pomyślałeś, że Laura Bagarotto wygląda jak kobieta z obrazu, to się myliłeś. Gdyby to był portret, naga Wenus zostałaby namalowana przez Laurę, co w tamtych czasach zaszkodziłoby reputacji przyzwoitej kobiety. Tycjan stworzył wyidealizowany obraz nowożeńców.

Tycjanowski. Wenus z Urbino. 1538
Venere di Urbino
Olej na płótnie. 119 × 165 cm
Uffizi, Florencja. Wikimedia Commons

„Wenus z Urbino” (1538), która 300 lat później stała się inspiracją dla skandalicznej „Olimpii” Edgara Maneta

A teraz o wzniosłości. Naga Wenus jest niebiańska, uosabia pragnienie prawdy, Boga. Ubrana Wenus jest ziemska, jej wizerunek mówi, że na poziomie ludzkim prawdę można poznać poprzez uczucia. W kontekście filozofii renesansu prawda i piękno są tożsame.

Widzimy, że Wenus jest równa. Oznacza to, że zarówno ziemskie, cielesne, jak i niebiańskie, duchowe są równie ważne dla człowieka. Przecież zarówno przez jedno, jak i drugie można poznać prawdę. Ziemska Wenus trzyma u dołu kwiaty, co oznacza połączenie kilku rodzajów miłości.

Tycjan został nazwany Boskim ze względu na swój talent

Na płótnie jest pokazane, co dzieje się z osobą, dla której miłość jest jedynie przyjemnościami cielesnymi. Na marmurowej studni widzimy wizerunek konia (symbol namiętności) i scenę kary. Osobę pogrążoną w śmiertelnych radościach spotka kara.

Kontekst

Obecny tytuł obraz otrzymał w 1693 roku. Wcześniej historycy sztuki na podstawie różne opcje interpretacje fabuły i symboliki zwane obrazem „Piękno upiększone i nieozdobne”. Aż do XX wieku nikt nie przywiązywał dużej wagi do symboli ślubnych. A na studni nie zauważono herbu rodziny weneckiej. Ale szczególnie uważni badacze zauważyli, że właścicielem herbu był Nicolo Aurelio. Przedmiotem spekulacji było jego małżeństwo z Laurą Bagarotto, młodą wdową z Padwy. Powodem tego jest trudna przeszłość panny młodej.

Tycjan bardzo kochał kobiety, zwłaszcza te doświadczone i cielesne

Pierwszy mąż Laury, arystokrata z Padwy Francesco Borromeo, u szczytu konfliktu zbrojnego między Republiką Wenecką a Świętym Cesarstwem Rzymskim stanął po stronie cesarza. Ale Padwa była podporządkowana Wenecji, więc Boromeusz został aresztowany i prawdopodobnie stracony wyrokiem Rady Dziesięciu jako zdrajca. Wielu krewnych Laury zostało uwięzionych i wygnanych. Jej ojciec Bertuccio Bagarotto, profesor uniwersytetu, został powieszony na oczach żony i dzieci pod tym samym zarzutem, co w jego przypadku było niesprawiedliwe.

„Alegoria roztropności” (1565-1570). Portrety Tycjana, jego syna Orazio i siostrzeńca Marco połączone są z głowami wilka, lwa i psa, przedstawiając przeszłość, teraźniejszość i przyszłość

Zezwolenie na zawarcie związku małżeńskiego przez wysokiego rangą urzędnika weneckiego z wdową i córką po przestępcach państwowych zostało omówione przez komisję pod przewodnictwem doży i zostało przyjęte. Możliwe, że obraz, zamówiony u najbardziej prestiżowego artysty w Wenecji, miał dodać małżeństwu prestiżu w oczach współobywateli.

Według jednej wersji studnia jest marmurowym sarkofagiem. Płaskorzeźba na marmurze przedstawia pobicie Adonisa przez zazdrosnego Marsa – młody człowiek zginął z rąk boga wojny. To nie tylko zapowiedź tragicznie zakończonej miłości bogini Wenus, ale także przypomnienie smutnej przeszłości Laury Bagarotto.

Losy artysty

Tytan weneckiego renesansu, nazywany Boskim. Tycjan wychwalał życie i zmysłowe piękno. W dużej mierze dzięki niemu koloryzm stał się tym, czym znamy dzisiaj. Gdyby nie jego geniusz, dzieła artysty nazwano by bezczelnością i bluźnierstwem. Ale nikt nie mógł pozostać obojętny na siłę talentu Tycjana. Jego obrazy są pełne życia, siły, dynamiki. Płótna o tematyce religijnej dosłownie błyszczą i wysławiają Boga. Portrety przedstawiają złożone typy psychologiczne. A historie mitologiczne pełen błogości i poczucia spokoju i harmonii w zjednoczeniu z naturą.

Autoportret, 1567

W 1527 r. Rzym został zdobyty i splądrowany. Sztuka odpowiedziała na to zmechanizowanymi tematami i ciemnymi kolorami. Nadchodzi ciemność, nie ma ratunku – mniej więcej takie nastroje panowały w sztuce włoskiej. Tycjan nadal malował silnego mężczyznę, wojownika.

Żył nieprzyzwoicie jak na swoją epokę długie życie. I zmarł albo z powodu zarazy, albo ze starości - nie ma konsensusu. Za drugą wersją przemawia fakt, że artysta został pochowany nie na cmentarzu zarazy, lecz z należytymi honorami w weneckiej katedrze Santa Maria Gloriosa dei Frari.