IMPRESJONIZM (francuski impressio-n-nisme, od wrażenia - vpe-chat-le-tion) - on-right-le-tion w is-kus-st-ve (pre-zh-de wszystkiego w życiu -pi-si ) w następnej tercji XIX - 1 ćwierci XX wieku.

Rise-nick-but-ve-nie ter-mi-w związku z pierwszym ty-stav-coy francuskim hu-doge-no-kov-edi-but-mouse-len-ni-kov (pod nazwą „Ano- nim-noe coo-pe-ra-tiv-noe community-of-st-vo hu-doge-ni-kov…”), przekazany w paryskiej pracowni G. Na-da-ra w 1874 r. Jeden z prezentowanych na nim obrazów K. Mo-ne („Vpe-chat-le-nie. Sunrise”; on-pi-sa-na w Gav-re wiosną 1873 r.; obecnie nie w Musee Mar -mot-tan, Paryż) tak-la-woda cri-ti-ku L. Le-roy z magazynu „Le Charivari”, aby nazwać artykuł przeglądowy „You-stav-ka-im-press-sio-ni- kuchenka”. Sa-mo-słowo „vpe-chat-le-nie” w znaczeniu spo-so-ba-artystycznej wiedzy o działaniu-st-vi-tel-no-sti spotyka się z -sya i wcześniej: te in-nya-ti -em używali poeci Ch. T. Russo, Sh.F. Do-bi-ny (już w latach 60. XIX w. cri-ti-ka na-zy-va-la swojego „kierownika szkoły vpe-chat-le-ny”), E. Mane. Ucha-st-ni-ka-mi you-sta-wok im-press-sio-ni-stov (później ósmy był w 1886 r.), moim zdaniem Mono, czy L.E. Bu-den, A. Guy-au-men, E. De-gas, G. Kai-bott, M. Cassette, B. Mo-ri-zo, C. Pis-sar-ro, O. Renu- ar, A. Sis-ley, a także P. Se-zann, P. Gauguin i inni

Warunki dla historii impresjonizmu w live-wee-si można rozłożyć na okresy: prepreparacja (ko-dojrzewanie nowego -idź do-tak) - lata 60. XIX wieku; rasa-kolor i walka o nową sztukę - lata 70. XIX wieku (pe-ri-od "class-si-che-impresjonizmu"); na-chi-nayu-shche-go-sya kri-zi-sa (1880); późno - od lat 90. XIX wieku do lat 20. XX wieku. Nie-wersje impresjonizmu byłyby gotowe do odkrycia w dziedzinie op-ti-ki i fizjologii widzenia, teoria-jej kontrastów kolorystycznych M. Shev-re-la, E Sztuka De-lac-rua w zakresie pełnych tonów, Pei-zazh-noy live-in-pee-sue K. Ko-ro i ma-te-ditch ze szkoły bar-bi-zone, us-pe-ha-mi w regionie foto-grafiki. Znaczącą rolę odegrało również zbliżenie przyszłych prasjonistów z E. Mane (od końca lat 60. wystawy impresjonistów, sam Człowiek złożył im hołd-prasa -Sio-ni-stic ma-not-re writing-ma), znajomość sztuka angielska(W. Turner, R. Bo-ning-ton, J. Con-stabl) w latach 1870-1871 (w czasie pobytu w Lon-do-ne K. Mo-ne i K. Pis-sar-ro) oraz „odkrycie” europejskiego-ro-pei-tsa-mi sztuki japońskiej w połowie XIX wieku. Chęć uchwycenia „natychmiastowości” stanu atmosfery i środowiska naturalnego można dostrzec już w oświetlonej twórczej-che-st-ve mas-ter-ditch tzw. pre-dim-press-sio-niz-ma (E. Bu-den, J. Jon-gkind, F. Basil), ale dopiero w ramach impresjonizmu środki te zostały przekształcone w cały system artystyczny. Najbardziej-bo-le-po-przed-va-tel-ale zachowaj ten system-my-my w naszej kreatywnej-che-st-ve K. Mo-ne; w twórczości innych europejskich (w tym rosyjskich) i amerykańskich hu-doge-ni-kov-im-press-sio-ni-stov różne techniki impresjonizmu on-ho-di- czy w każdym przypadku nie ma-on- drugi-ri-mo-in-di-vi-du-al-ny inter-pre-ta-tion.

Im-press-sio-ni-sta byłoby prin-qi-pi-al-ny-mi przeciwko-przeciw-no-ka-mi wszystkiego-to-theo-re-ti-zi-ro-va-nia; Teoria impresjonizmu powstała dopiero na początku XX wieku, opierała się na artystycznych odkryciach mistrzów tej nia, na wrodzonym impresjonizmie w innym, niezrozumiałym mouse-le-nii. U podstaw impresjonizmu istniało nietradycyjne spojrzenie na świat jako rodzaj „ruchomej substancji ma-te-ri-al-noy” (B.A. Zer-nov), dążącej do-pe-chat -latanie dookoła świata w jego mobilności i od-men-chi-in-sti, „instantly-ven-no-sti” przypadkowych sytuacji, ruchów, stanów natury. Im-press-sio-ni-stam byłby zbliżony do sfor-mu-li-ro-van-noe E. Zo-la in-no-ma-nie pro-of-ve-de-niya art jako „kąt budowanie świata, patrz-den-no-go przez temp-pe-ra-ment ”(to znaczy w subiektywnym pre-lom-le-nii hu-dozh -Nika); starali się ot-ra-zit w „mic-ro-kos-me” jeden-nic-nie-go-od-ve-de-niya not-ras-tor-zhi-muyu połączenie w-ro -dy oraz środowisko che-lo-ve-ka, in-di-vi-duu-ma i ok-ru-zhayu-schey.

Impresjonizm w malarstwie

Rozwój aka-de-micic can-no-news w live-in-pee-si przez francuskich impresjonistów co-ver-sha-moose w kilku on-right-le-ni-yah: odmowa od all-to- ro-da, czy-te-ra-tour-no-sti, „fabuła-no-sti”, mo-ra-li-zi-ro-va-nia, own- st-ven-nyh sa-lon-no -mu is-kus-st-vu tamtych czasów-me-ni, from-is-kov from-vle-chen-noy "ra-fa-elevsky" piękno późnej francuskiej klasy-si-cis-ma (J.O.D. Ingres i jego after-before-va-te-li), nieakceptacja jako program -no-sti i pa-fo-sa sztuki romantycznej oraz for-ost-ryon-no-go so-chi- al-no-go real-liz-ma G. Kur-be. Z rzadkim wyjątkiem, sztuka impresjonizmu jest o-ra-sche-ale do teraźniejszości: to pre-ob-la-da-yut tamte-my-go-ro-tak, „cha-st-noy” życie (codzienność, wypoczynek, rozrywka), piękno wiejskich krajobrazów. Impresjonizm zniszczył wszystkie tradycyjne wyobrażenia o ie-rar-chia gatunków i ich specyfice-ci-fi-kera z port-re-tom, port-re-ta z pejzażem czy in-ter-e-rum itp. ), o którym-po-sycji-jako-zamku-do-tej-całej-zagubionej-tej struktury-tu-re ob-ra-call. Kolejny w życiu-w-siusiu impresjonizm dla-mnie-nie-na-no-ma-no-eat car-ty-ny jako fragment-men-ta on-tu-ry, słowo-ale zobacz -den-no-idź w oknie-no (lub tak, „under-look-ren-no-idź przez sikanie-dobrze-zhe-dobrze”, zgodnie z op-re-de-le-nyu E. Deha ). W przypadku zdjęć im-press-sio-ni-stov ha-rak-ter-na „nie-za-daną” kadru, de-centr-tra-li-za-tion obrazu-stanik-taki sam- niya (z-dnia-st-vie-central-system-te-we-re-call i statyczny, pojedynczy-st-ven-noy punkt widzenia), nie-zwykła- jakość bi-rai-my ra -kursy, przesunięcia osi kompozycyjnych, sekcje „pro-of-free” części kompozycji, przed -me-tov i fi-gur ra-my car-ti-ny.

Dążenie do-pe-chat-latania w życiu-w-siusiu-si w stu-yan-ale zmieniającym się-sya (z powodu-vi-si-mo-sti z os-ve-sch-niya) piękny raz-nie -ob-ra-zie vi-di-mo-go mi-ra with-ve-lo im-press-sio-n-stov (dla ex-key-che-ni-em E. De-ha) do jego rodzaju o co-lo-ri-istic re-form-me - from-ka-zu od złożonych (mieszanych) do-news, razy -lo-nium je w czyste spektralne kolory, na płótno z oddzielnymi smugami, niektóre powinny być opt -ti-che-ski mix-shi-va-sya w oczach widza-te-la. Kolor w życiu-w-siusiu impresjonizmu daje-ob-re-ta-et not-its-st-ven-nuyu mu wcześniej av-to-no-miya, aż do from-de-le- niya z pre-me-ta i yav-la-et-sya but-si-te-lem ze światła rzędów, pro-no-za-vayu-shchih wszystko w ten sam sposób -tion. Ple-ner pre-la-ha-et-wielka subtelność gradacji światła do-nie, koloru-do-bez-szyi i re-re-ho-dov, ostrożnie raz-ra-bot -ku sis-te-my va-le-ditch.

Os-lab-le-tion plastikowej on-cha-la w live-in-pee-si impresjonizmu wiąże się z odmową pro-ti-in-inscenizacji światła i ciemności jako formy-mo -ob-ra-zuyu-go fak-to-ra. Światło staje się, ale jest niemal głównym „bohaterem” życia impresjonistów, najważniejszym składnikiem całego obrazu struktury-tu-ry, sub-stan-qi-her formy; jasne słoneczne światło nie wzmacnia dźwięku koloru, ale ty je oświetlasz, odsłaniając cienie. Te-no ut-ra-chi-va-yut nie-o-nie-tsae-most i czarne-ale-to, stawanie-ale-kwitnące-kolor-nas i przezroczyste-nas; w cieniu kolor tylko te-rya-emsuje swoje światło-si-lu i jest wzbogacony o pełną wtedy-na-mi-ho-lod-ny część widma. Na-chi-naya od lat 70. XIX wieku z zhi-vo-pi-si im-press-sio-ni-stov prawie okna-cha-tel-ale z-gna-na ah-ro-ma-ti-che-sky-kolory (czarny, szary i otwarty biały), ko-lo-rit ple-ner-nyh obrazy os-no-van na co-post-tav-le-ni-yah o ciepłych i zimnych kolorach widmowych, wykorzystują możliwość „ pro-country-st- ven-no-go "color-ta - obrazowanie elementów wody, no-ba, ob-la-kov, tu-ma-na, air-du-ha, w -lu- przeżuwanie herbaty ok-ra-sku ze względu na wyścigi-se-yan-no-go i from-ra-wives-no-go sun-no-no-go light. Us-lie-non-live-in-writing-no-th-language, zwróć uwagę na efekty re-re-da-che os-ve-shche-tion i color-vyh ref-leks-sowy, które przynoszą swojemu rodzajowi -yes de-ma-te-ria-li-za-tion z podmiotem-met-no-go world-ra, ut-ra-them to im no-sti, wzajemnie-pro-nick-but-ve-niyu elementy iso-bra-zhe-niya. Znaleźliśmy w trakcie pracy nad pr-ro-de te sztuczki, wkrótce zaczęliśmy używać-pol-zo-vat-sya nie tylko w krajobrazie -noy live-in-pee-si; podobny sys-te-mu time-ra-ba-you-val E. De-ga, z-ri-tsav-shi w ogóle nie-o-ho-di-bridge of ra-bo-you na Ple-ne- Odnośnie.

Kolejna no-va-tion impresjonizmu – after-before-va-tel-naya „ponowna wizja” tradycyjnego per-spec-ty-you, odrzucenie bezruchu no-go i uni-kal-no-go center-tra project-tion, pro-ti-vo-re-cha-sche-go es-te-st-ven-no-mu (bi-fo-kal -no-mu i from-część sfery-ri -che-sko-mu) postrzeganie pro-country-st-va; ten-den-tion do-tu-ona-ty-va-tion głębi-be-nas, siła-le-tion dwuwymiarowości; w niektórych przypadkach użycie ak-so-no-met-rii, efekty ostro zintensyfikowanego direct-my direct-bo-cri-vo-li -ne-noy per-spec-ty-you, later-turning- tiv-she-sya w P. Se-zan-n w kompletny system-te-mu „per-chain-tiv-noy ”per-spec-ti-you. Sukcesywne odrzucanie przez impresjonizm antropocentrycznej koncepcji sztuki europejskiej (człowiek nie jest centrum tworzenia świata, lecz jego godzina -ti-tsa) pro-iso- przeszło w znacznym stopniu pod wpływ sztuki japońskiej i pojawił się w równym-ale-pra-vii wszystkich elementów składu, równym głównemu obrazowi i drugie-stopniowe-pióro-nie-ta-li, aż do prawie połowy-ty-ty „glos-sche -niya” głównego obrazu, pij-dla-my-bo-bo-ponownie-pij, pij-dla-matki w dymie poślizgu-tu-ma-na; ogólnie rzecz biorąc, pod względem etycznym, not-dos-ka-zan-no-sti i „cisza-cha-ny”.

Dążenie do-pe-chat-wynajmu „jednego poruszającego się-ma-ter-riyu” es-te-st-ven-ale z-ve-lo im-press-sio-ni -stov (również nie bez wpływu japońska gra-vu-ra) do tworzenia serii i cykli prac, w sposób poświęcony tej samej pra-mnie – obrazowi-bra-zhe-niya oraz fi-si-ruyu-shchih-bo di-na- obraz mi-ku (im-bra-zhe-tion „that-po-lei”, „in-kza -kochający” K. Mo-neta, „tancerze” E. Degasa, wielu ludzi na paryskich bulwarach itp. ), bardziej zmienny efekt-ty os-ve-shche-tion i color-no-sti w ich wzajemnym połączeniu, poruszaj im-ma-te-ri-al -noy wersety światła („sto ha se-na”, „tak-bo-ry” Mo-ne). Każdy z ra-botów takiego se-ri (lub cyklu) ras-kry-va-jest jakimś aspektem obrazu-biustono-zhae-mo-go, a ich co-in-kup-ness tworzy cały-lo-st-ny, syntetyczny obraz w pre-de-lah ogólnej myśli-la hu-doge-no-ka.

On-cha-lu impresjonizm spowodował zaciekłe odrzucenie większości cri-ti-ki i opinii publicznej; wsparcie dla nowego is-ka-ni-yam w sztuce eye-for-li E. Zo-la, S. Mal-lar-me, J.K. Gyu-is-mans, cri-ti-ki T. Du-re, E. Du-ran-ti, G. Geoff-froy, collec-cio-ne-ry P. Du-ran-Ryu-el, G. Kaibotte, J.B. Fore i V. Sho-ke. Shi-ro-ko-go uznanie ich-press-sio-ni-sta sięgnęło nie tylko w latach 90. XIX wieku, kiedy impresjonizm wszedł w swoją ostatnią fazę. Późny impresjonizm od-zaznaczony on-ras-ta-ni-em de-ko-ra-tiv-nyh ten-den-tions (powszechny dla sztuki epoki nowoczesności), wszystko jest bólem -shay iso-shren-no -styu współ-lo-rystycznej gry od-tin-kov do pełnych tonów, w roju o niezwykłym kolorze-vi-de-no-eat (drink-for-zhi E. De-gas z końca lat 90. XIX wieku , seria „wierzby pla-ku-chih” K. Mon-ne, późne życiorysy O. Re-noy-ra i innych), ak-tsen-ti-ro-va-ni-em sa- mo-tsen-no-sti in-di-vi-du-al-noy hu-artistic ma-ne-ry, styl „lich -but-no-go”.

W tych latach nowe kierunki zostały już zatwierdzone w sztuce, jednak wpływ innowacji impresjonizmu w taki czy inny sposób jest-py-ta-li wiele hu-doge-ni-ki francuskiego sa-lon-no- go art, post-im-press-sio-niz-ma i wczesna europejska avant-gar-dis-ma. Tak więc zasada optycznego mieszania kolorów stanowiła podstawę teorii neo-im-press-sio-niz-ma (di-visio-niz-ma); pisanie życia „czystym kolorem”, sugestywną funkcją koloru (dając mu emotywność i siłę sugestii) w co-che-ta-nii z wolnym ex-press-si-her rozmazem-czy my-le-before-va -na V. Van Go-gom, P. Go-ge-nom, mas-te-ra-mi fo-vis-ma i grupa „na-bi”, a także ab-st-rak-tsio-niz -mama.

W tym samym czasie, za pre-de-la-mi Francji, wpływ impresjonizmu przejawiał się w im-st-in-va-nii poszczególnych technik (ef-fek-you ple-ne -riz- ma, you-light-le-ne-pa-lit-ry, es-kiz-nost i Freedom of life-in-pis-noy ma-ne-ry), od a-ra-schenii po współczesne te -ma-ti-ke - w stworzeniu-che-st-ve hu-dozh-ni-kov Ve-li-ko-bri-ta-nii (W. Sikkert, W. Steer), Ger -mania (M. Lie-ber-man, L. Ko-rint, M. Sle-vogt), Włochy (J. De Nit-tis), Nor-ve-gie (F. Tau-lov), Polska (L. Vy-chul- kovsky), USA (M. Cassett, M. Pre-der-gast, T. Robin-son, J.S. Sard-zhent, J. G. Tu-ok-t-men) i inni. W Rosji wpływ impresjonizmu odczuwalny jest od końca lat 80. XIX wieku - w plenerze I.E. Re-pi-na, V.A. Se-ro-va, I.I. Le-vi-ta-na, V.D. Po-le-no-va, N.N. Dub-bow-th; prawie tse-whether-come-ponad-le-lives this-mu-on-the-right-le-niyu sztuka K.A. Ko-ro-wee-na, tj. Gra-ba-rya; „im-press-sio-ni-st-sky” pe-ri-od może-ale ty-de-polać w ten sam sposób przyszłym mistrzom rosyjskiej awangardy (K.S. Ma-le-vi-cha, M.F. La-rio-no-va, AD Dre-vi-na).

Termin „impresjonizm” odnosi się również do rzeźby z lat 1880-1910. (pragnienie ponownego-da-che natychmiastowego ruchu żyły-no-go, przepływu form, on-ro-chi-taya plastyczności nie-over-vershen-nost, wzajemnie-mod-de-st- vie sculpt-tu-ry ze światłem); najwybitniejsze rysy impresjonizmu w rzeźbiarskim tournée po sztuce O. Ro-de-na i E. De-ga (Francja), M. Rosco (Włochy), P.P. Tru-bets-ko-go i A.S. Go-lub-ki-noy (Rosja).

Zasady programowania życia w malarstwie bez impresjonizmu w następstwie sztuki zaczęły ponownie siadać na innych art-art-st-va: muse -ku, li-te-ra-tu-ru, te-atr, ho-reo-gra-fia, ki-no, fo-to-is-kus-st-vo. Zastosowanie terminu „impresjonizm” w stosunku do nich jest-la-is-dos-to-dokładnie warunkowe i os-pa-ri -va-et-sya częścią studium-po-to-va-te-lei .

Impresjonizm w muzyce

Od impresjonizmu w muzyce ktoś, kto nie reprezentuje bezpośredniej analogii impresjonizmu w życiu i nie współgra z nim (czas wyścigów impresjonizmu muzycznego – 1890 r. -1900), zwykle łączą choo from-men-chi-out-of-tunings, subtelne psycho-logiczne-nu-an-sowy, ty-go-te-nie z etycznym programem krajobrazowym no-sti (m.in. w dźwiękach gry fal, blasku światła na wodzie, wiatru, cloud-la-kov i tym podobnych), zgodnie z wysoką in-te-res kompozytora do bro-skowytu i harmonijnej barwności. Ale-vis-on-artystyczne środki nie-rzadko współgrały z pre-your-re-no-em z zeskanowanych obrazów sztuki staromodnej ( zhi-vo-pi-si style-la ro-ko-ko, mu-zy-ki francuskich klanów-ve-si-ni-stov).

Preformy muzycznego impresjonizmu - w sound-to-pi-si w zd-not-go F. Lis-ta, współ-lo-rystyk na spacerach A.P. Bo-ro-de-na, E. Gri-ga, NA Rome-ko-go-Kor-sa-ko-va, svo-bo-de go-lo-so-ve-de-niya i element-hiy-noy im-pro-vi-for-qi-on-no- sti poseł Mu-sorg-sko-go. Impresjonizm znalazł klasyczny wyraz w muzyce francuskiej, pre-f-de wszystko w twórczości K. De-bus-si; diabeł pojawił się w muzyce M. Ra-ve-la, P. Du-ka, F. Schmitt, J. J. Ro-zhe-Du-ka-sa. Muzyczny impresjonizm unas-le-do-val, zwłaszcza ben-no-sti późnego ro-man-tiz-ma i narodowych szkół muzycznych XIX wieku. W tym samym czasie burzliwy pa-te-tik, rel-ef-no-mu te-ma-tiz-mu, napięty cha-go-te-ni-yam hro-ma-ti -che-ski us-loose- nyon-noy to-nal-noy gar-mo-nii późnego ro-man-ti-kov (zwłaszcza ben-no R. Vag-ne-ra) im-press-sio -ni-sta pro-ti-vo- post-ta-vi-czy-emo-tsio-nal-powściągliwość, zwięzłość i nie-dostrzegalność-mężczyzn-chi-vost-sto-yang-ale vari-i-rue-mo-ti-vov, dia-to -no-ku, mod-zakres symetrycznych progów (w tym cały -but-in-go), przejrzysty fakt-tu-ru. Kreacja-che-st-in-com-po-zi-to-ditch impresjonizmu na wiele sposobów zarówno ekspresyjnych mediów muzycznych, zwłaszcza ben-no sphere -ru gar-mo-nii, dos- tig-shey big uton-chen-no-sti. Us-false-non-ac-kor-do-vy kompleksy-sowy co-che-ta-et-sya w harmonii z impresjonizmem z ar-hai-for-qi-her la-do-vo th mouse-le-tion ; rit-jesteśmy niepewni, pod godziną ost-ro-ha-rak-ter-ny. Wzmocnienie-czy-va-et-sya foniczne you-ra-zi-tel-ness ka-zh-do-go ak-kor-da (patrz Fonizm), ze względu na wprowadzenie non-se-niya na nowym- howl os-no-ve element-men-tov mod-distant gar-mo-nii ras-shi-rya-et-sya la-do-va kula-ra, w or-ke-st-ditch-ke pre-ob -la-da-yut czyste barwy. Szczególnie-buyu świeżość mu-zy-ke francuskich impresjonistów przywiązany-tak-wa-czy ob-ra-sche-nie do gatunków song-sen-no-tan-tse-val-ny, do elementów języka muzycznego na-ro-dov Vos-coś-ka , Is-pa-nii, sti-li-for-tion wczesnych form jazzu. Dla pre-de-la-mi Francji zasady impresjonizmu muzycznego, ori-gi-nal-but raz-vi-va-li M. de Fa-lya in Is-pa-nii, O. Res-pi -gi, from-cha-ty A. Ka-zel-la i J.F. Ma-lip-e-ro we Włoszech, F. Di-li-us i S. Scott w Ve-li-ko-bri-ta-nii, K. Shi-ma-nov-sky w Polsce, A.K. Lyadov, N.N. Che-rep-nin (patrz Che-rep-nin), from-part-ty I.F. Stra-Vińskiego w Rosji.

Impresjonizm w literaturze

Su-shche-st-in-va-ing impresjonizmu jako auto-to-nome-no-go-right-le-niya in li-te-ra-tu-re - temat długich dyskusji na ten temat. Literacki impresjonizm nie-rzadko-boo-o-zhde-st-in-la-et-xia z on-to-ra-liz-mama, czy też jest uważany za pro-me-zhu-dokładnie yav-le- ni-em me-zh-du on-tu-ra-liz-mom i sim-liz-mom, czy jest bliżej sim-liz-mom. Jako samodzielny kierunek literacki impresjonizm to najczęściej you-de-la-et-xia w języku francuskim, a także austriackim (tzw. sa. Mówią o nich to samo-press-sio-ni-stich-no-sti jako sti-le-wycie, zwłaszcza-ben-no-sti, with-su-schey do wielu pi-sa-te-lyam 2 th połowa XIX- początek XX wieku. Impresjonizm literacki nie stworzył programu teoretycznego, ale pozostawał pod wpływem, moim zdaniem, francuskich im-press-sio-ni-sts, muen-chen-sko-go i ven-sko-go se-ces-sio-nov , fi-lo-so-fii time-me-ni A. Berg-so-na, psi-ho-logi U. James-sa (idea a-tak-tak-s-on-niya ), uh-pi-ri-ok-ri-ti-cis-ma E. Ma-ha, psi-ho-ana-li-za Z. Frey -Tak. Od impresjonizmu w literaturze skupiają się zwykle na sug-gestive-no-sti, konstrukcji obrazu-nie-tego rzędu zgodnie z zasadą qi-pu-bod as-so-cia-tions, zwanych zainspirować chi-ta-te-lu not-op-re-de-len-noe „mu-zy-kal-noe” w strojeniu, wciągając go-gi-vayu-she w świat lirycznej per-re -zhi-va-niy av-to-ra - es-te-ta-ge-do-ni-sto, co-zero-tsa -te-la mi-ra w jego stu-yan-noy from-men-chi -in-sti.

W poezji im-press-sio-ni-stic-ness manifestuje się-la-et-sya w os-lab-le-nii metrycznego i semantycznego-słowa-jednego-st-va stroki ( tak zwane you-svo-bo-g-de-nie sti-ha), pre-heaven-re-same-ni re-gu-lyar-no-stu rytm-ma i dokładny riff-my (do do half-but-from-ka-za od riff-we in ver-lib-re), with-hot-li-vy an-jamb-ma-nah (P. Ver-len, A. Rem-bo we Francji , D. von Li-li-en-kron w Niemczech, G. von Hoff-mann-steel, R. M. Ril-ke w Austrii, K. D. Balmont, I. F. An-nensky w Rosji i inni); w pro-se - ogólnie do małych form (fragment, cykl słabo spokrewnionych ko-vye for-pi-si, es-sei-static on-bro-juice), demon-plot-no-sti, use-zo -va-nii słowo-waga-ale-o-raz-nyh leit-mo-ti-vov, styl de-ko-ra-tiv-no-sty (J.K. Hu-is-mans, M. Proust, A. Gide we Francji, P. Altenberg w Austrii, O. Wilde w Wielkiej Brytanii, G. D'Annunzio we Włoszech, K. Gam-sun w Norwegii, A. Be-ly w Rosji i inni). Im-press-sio-ni-stic-ness w cri-ti-ke łączy się z gatunkami-ra-mi „etyu-da”, „si-lu-this”, „pro-fi-la” z ich aforystycznymi , podmiot-ek-tiv-no-vku-so-you-mi ha-rak-te-ri-sti-ka-mi (A. Francja, R. de Gour-mon, A. de Re-nier we Francji, D.S. Mereżkow-sky, Y.I. Ai-khen-wald, MA Kuz-min w Rosji).

Impresjonizm w dramaturgii

Dziś impresjonizm postrzegany jest jako klasyka, jednak w dobie swojego powstania był prawdziwym rewolucyjnym przełomem w sztuce. Innowacyjność i idee tego kierunku całkowicie się zmieniły percepcja artystyczna sztuka XIX i XX wieku. A nowoczesny impresjonizm w malarstwie dziedziczy kanoniczne już zasady i kontynuuje estetyczne poszukiwania w przekazie doznań, emocji i światła.

Wymagania wstępne

Istnieje kilka powodów pojawienia się impresjonizmu, jest to cały kompleks przesłanek, które doprowadziły do ​​​​prawdziwej rewolucji w sztuce. W XIX wieku w malarstwo francuskie kryzys się zanosił, a wynikało to z faktu, że „oficjalna” krytyka nie chciała zauważyć i wpuścić do galerii różnych powstających nowych form. Dlatego malarstwo w impresjonizmie stało się rodzajem protestu przeciwko inercji i konserwatyzmowi ogólnie przyjętych norm. Również genezy tego nurtu należy szukać w nurtach tkwiących w renesansie i związanych z próbami oddania żywej rzeczywistości. Artyści szkoły weneckiej są uważani za pierwszych protoplastów impresjonizmu, następnie Hiszpanie podążyli tą drogą: El Greco, Goya, Velazquez, którzy bezpośrednio wpłynęli na Maneta i Renoira. Postęp techniczny również odegrał rolę w powstaniu tej szkoły. Tak więc pojawienie się fotografii dało początek nowy pomysł w sztuce o uchwyceniu chwilowych emocji i doznań. Właśnie to natychmiastowe wrażenie starają się „chwycić” artyści rozważanego przez nas kierunku. Wpływ na ten trend miał również rozwój szkoły plenerowej, którą założyli przedstawiciele szkoły barbizonskiej.

Historia impresjonizmu

W drugiej połowie XIX wieku w sztuce francuskiej rozwinęła się sytuacja krytyczna. Przedstawiciele szkoła klasyczna nie akceptują nowinek młodych artystów i nie wpuszczają ich do Salonu – jedynej wystawy, która otwiera drogę do klientów. Skandal wybuchł, gdy młody Édouard Manet zaprezentował swoją pracę Luncheon on the Grass. Obraz wzbudził oburzenie krytyki i publiczności, a artyście zabroniono go wystawiać. Dlatego Manet bierze udział w tzw. „Salonie Odrzuconych” wraz z innymi malarzami, którym nie pozwolono uczestniczyć w wystawie. Praca spotkała się z ogromnym odzewem, a wokół Maneta zaczęło tworzyć się grono młodych artystów. Zebrali się w kawiarni, omówili problemy Sztuka współczesna, spierali się o nowe formy. Pojawia się stowarzyszenie malarzy, którzy zostaną nazwani impresjonistami od jednego z dzieł Claude'a Moneta. Do tej społeczności należeli Pissarro, Renoir, Cezanne, Monet, Basil, Degas. Pierwsza wystawa artystów tego nurtu odbyła się w 1874 roku w Paryżu i zakończyła się, jak wszystkie kolejne, niepowodzeniem. W rzeczywistości impresjonizm w muzyce i malarstwie obejmuje okres zaledwie 12 lat, od pierwszej wystawy do ostatniej, która odbyła się w 1886 roku. Później kierunek zaczyna się rozbijać na nowe nurty, część artystów umiera. Ale ten okres dokonał prawdziwej rewolucji w umysłach twórców i opinii publicznej.

Zasady ideologiczne

W przeciwieństwie do wielu innych dziedzin malarstwo w impresjonizmie nie wiązało się z głębokimi poglądami filozoficznymi. Ideą tej szkoły było chwilowe przeżycie, wrażenie. Artyści nie stawiali sobie zadań społecznych, starali się przekazać pełnię i radość bycia w codzienności. Dlatego system gatunkowy impresjonizmu był na ogół bardzo tradycyjny: pejzaże, portrety, martwe natury. Ten kierunek nie jest stowarzyszeniem ludzi opartym na poglądach filozoficznych, ale wspólnotą podobnie myślących ludzi, z których każdy prowadzi własne poszukiwania w badaniu formy bytu. Impresjonizm polega właśnie na wyjątkowości spojrzenia na zwykłe przedmioty, koncentruje się na indywidualnym doświadczeniu.

Technika

Dość łatwo rozpoznać malarstwo w impresjonizmie po pewnych charakterystycznych cechach. Przede wszystkim warto pamiętać, że artyści tego kierunku byli wściekłymi miłośnikami koloru. Prawie całkowicie unikają czerni i brązu na rzecz bogatej, żywej palety, często mocno podkreślonej. Technika impresjonistyczna charakteryzuje się krótkimi pociągnięciami. Aspirują do ogólne wrażenie zamiast drobiazgowych szczegółów. Płótna są dynamiczne, przerywane, co odpowiada ludzkiej percepcji. Malarze dążą do ułożenia kolorów na płótnie w taki sposób, aby uzyskać intensywność kolorystyczną lub pokrewieństwo na obrazie, nie mieszają kolorów na palecie. Artyści często pracowali w plenerze, co znalazło odzwierciedlenie w technice, w której nie było czasu na wyschnięcie poprzednich warstw. Farby nakładano obok siebie lub jedna na drugą, używając nieprzezroczystego materiału, który pozwalał uzyskać efekt „wewnętrznego blasku”.

Główni przedstawiciele malarstwa francuskiego

ojczyzna ten kierunek jest Francja, to tutaj po raz pierwszy pojawił się impresjonizm w malarstwie. Artyści tej szkoły mieszkali w Paryżu w drugiej połowie XIX wieku. Prezentowali swoje prace na 8 impresjonistycznych wystawach, a te płótna stały się klasykami tego kierunku. To francuscy Monet, Renoir, Sisley, Pissarro, Morisot i inni są prekursorami rozważanego przez nas trendu. najbardziej słynny impresjonista, oczywiście, to Claude Monet, którego praca w pełni ucieleśniała wszystkie cechy tego trendu. Również nurt słusznie kojarzy się z nazwiskiem Auguste'a Renoira, który za swoje główne zadanie artystyczne uważał transmisję gry słońca; ponadto był mistrzem portretu sentymentalnego. Impresjonizm obejmuje również takie wybitni artyści jak Van Gogh, Edgar Degas, Paul Gauguin.

Impresjonizm w innych krajach

Stopniowo ten kierunek rozszerza się w wielu krajach, francuskie doświadczenia zostały z powodzeniem przejęte w innych. kultury narodowe, choć muszą mówić więcej o poszczególnych pracach i technikach niż o konsekwentnej realizacji pomysłów. Malarstwo niemieckie w impresjonizmie jest reprezentowane przede wszystkim przez nazwiska Lesser Uri, Max Liebermann, Lovis Corinth. W USA pomysły te realizował J. Whistler, w Hiszpanii J. Sorolla, w Anglii J. Sargent, w Szwecji A. Zorn.

Impresjonizm w Rosji

Sztuka rosyjska w XIX wieku pozostawała pod silnym wpływem kultury francuskiej, więc artyści rosyjscy również nie mogli się nie dać ponieść nowemu nurtowi. Rosyjski impresjonizm w malarstwie jest najbardziej konsekwentnie i owocnie reprezentowany w twórczości Konstantina Korowina, a także w twórczości Igora Grabara, Izaaka Lewitana, Walentina Serowa. Specyfika szkoły rosyjskiej polegała na etiudowym charakterze prac.

Czym był impresjonizm w malarstwie? Twórcy-założyciele starali się uchwycić ulotne wrażenia obcowania z naturą, rosyjscy twórcy starali się także przekazać głębszy, filozoficzny sens dzieła.

Impresjonizm dzisiaj

Pomimo faktu, że od pojawienia się tego kierunku minęło prawie 150 lat, współczesny impresjonizm w malarstwie nie stracił dziś na aktualności. Ze względu na emocjonalność i łatwość odbioru obrazy w tym stylu cieszą się dużą popularnością, a nawet odnoszą sukcesy komercyjne. Dlatego wielu artystów na całym świecie pracuje w tym kierunku. Tak więc rosyjski impresjonizm w malarstwie jest prezentowany w nowym moskiewskim muzeum o tej samej nazwie. Są regularne wystawy współczesnych autorów, na przykład V. Koshlyakova, N. Bondarenko, B. Gladchenko i inni.

Arcydzieła

Nowocześni kochankowie Dzieła wizualne często nazywany impresjonizmem w malowaniu ich ulubionego kierunku. Obrazy artystów tej szkoły są sprzedawane na aukcjach za bajeczne ceny, a kolekcje w muzeach cieszą się dużym zainteresowaniem opinii publicznej. Za główne arcydzieła impresjonizmu uważane są obrazy C. Moneta „Wody” i „ Wschodzące słońce”, O. Renoir „Bal w Moulin de la Galette”, C. Pissarro „Bulwar Montmartre nocą” i „Most Boildieu w Rouen w deszczowy dzień”, E. Degas „Absynt”, chociaż ta lista może być kontynuowana prawie bez końca.

impresjonizm ( fr. impresjonizm, z wrażenie- wrażenie) - kierunek w sztuce ostatnia trzecia XIX - początek XX wieku, powstały we Francji, a następnie rozprzestrzeniły się na cały świat, których przedstawiciele starali się opracować metody i techniki, które umożliwiły najbardziej naturalne i żywe uchwycenie prawdziwy świat w swojej ruchliwości i zmienności, przekazać swoje ulotne wrażenia.

Zwykle termin „impresjonizm” oznacza kierunek w malarstwie (ale jest to przede wszystkim grupa metod), chociaż jego idee znalazły swoje ucieleśnienie także w literaturze i muzyce, gdzie impresjonizm pojawił się także w pewnym zestawie metod i techniki tworzenia literatury i utwory muzyczne w którym autorzy starali się oddać życie w zmysłowej, bezpośredniej formie, jako odzwierciedlenie swoich wrażeń.

Wrażenie. wschód słońca , Claude Monet, 1872

Termin „impresjonizm” pochodzi od lekka ręka krytyk pisma „Le Charivari” Louis Leroy, który swój felieton o Salonie Nędzników zatytułował „Wystawa impresjonistów”, opierając się na tytule obrazu „Impresja. Wschodzące słońce" Claude'a Moneta. Początkowo określenie to było nieco lekceważące i wskazywało na odpowiedni stosunek do artystów malujących w ten sposób.

Specyfika filozofii impresjonizmu

Kobiety w ogrodzie , Claude Monet, 1866

Francuski impresjonizm nie powstał problemy filozoficzne i nawet nie próbował przeniknąć kolorowej powierzchni codzienności. Zamiast tego impresjonizm koncentruje się na powierzchowności, płynności chwili, nastroju, oświetleniu lub kącie widzenia.

Podobnie jak sztuka renesansu, impresjonizm opiera się na cechach i umiejętnościach postrzegania perspektywy. Jednocześnie renesansowa wizja eksploduje sprawdzoną subiektywnością i względnością ludzkiej percepcji, która sprawia, że ​​kolor i forma stają się autonomicznymi składnikami obrazu. Dla impresjonizmu nie jest tak ważne, co jest pokazane na rysunku, ale ważne jest, jak to pokazano.

Ich obrazy przedstawiały tylko pozytywne aspekty życia, nie dotykając problemów społecznych, w tym takich jak głód, choroby, śmierć. Doprowadziło to później do rozłamu wśród samych impresjonistów.

Korzyści z impresjonizmu

Zalety impresjonizmu jako trendu obejmują demokrację. Przez bezwładność sztuka w XIX wieku była uważana za monopol arystokratów, wyższych warstw ludności. To oni byli głównymi odbiorcami malowideł ściennych, pomników, byli głównymi odbiorcami obrazów i rzeźb. Działki od ciężka praca chłopów, tragiczne karty naszych czasów, wstydliwa strona wojen, bieda, niepokoje społeczne zostały potępione, nie aprobowane, nie kupione. Krytyka bluźnierczej moralności społeczeństwa w obrazach Theodore'a Gericaulta, Francoisa Milleta znalazła odpowiedź tylko u zwolenników artystów i kilku znawców.

Impresjoniści zajmowali w tej kwestii dość kompromisowe, pośrednie stanowiska. biblijne, literackie, mitologiczne, działki historyczne charakterystyczne dla oficjalnego akademizmu. Z drugiej strony gorąco pragnęli uznania, szacunku, a nawet nagród. Przykładem może być działalność Edouarda Maneta, który przez lata zabiegał o uznanie i nagrody oficjalnego Salonu i jego administracji.

Zamiast tego pojawiła się wizja codzienności i nowoczesności. Artyści często malowali ludzi w ruchu, podczas zabawy lub relaksu, wyobrażali sobie widok określonego miejsca w określonym świetle, motywem ich prac była też przyroda. Podejmowali tematy flirtu, tańca, przebywania w kawiarniach i teatrach, rejsów statkiem, plaż i ogrodów.

niebiescy tancerze , Edgar Degas, 1897

Sądząc po obrazach impresjonistów, życie to seria małych wakacji, przyjęć, przyjemnych rozrywek poza miastem lub w przyjaznym otoczeniu (szereg obrazów Renoira, Maneta i Claude'a Moneta). Impresjoniści jako jedni z pierwszych malowali w powietrzu, nie kończąc pracy w pracowni.

Bal w Moulin de la Galette , Renoira, 1876

W tawernie Papy Lathuille'a, Édouard Manet, 1879

Technika

Nowy nurt różnił się od malarstwa akademickiego zarówno pod względem technicznym, jak i ideowym. Przede wszystkim impresjoniści zrezygnowali z konturu, zastępując go małymi osobnymi i kontrastowymi pociągnięciami, które zastosowali zgodnie z teoriami kolorów Chevreula, Helmholtza i Rude'a.

Promień słońca dzieli się na swoje składowe: fioletowy, niebieski, niebieski, zielony, żółty, pomarańczowy, czerwony, ale ponieważ niebieski jest odmianą niebieskiego, ich liczbę zmniejsza się do sześciu. Dwa kolory umieszczone obok siebie wzmacniają się i odwrotnie, po zmieszaniu tracą intensywność. Ponadto wszystkie kolory są podzielone na podstawowe lub podstawowe i podwójne lub pochodne, przy czym każda podwójna farba jest dodatkowa w stosunku do pierwszej:

• Niebieski - Pomarańczowy
• czerwony zielony
• Żółty - Fioletowy

W ten sposób stało się możliwe, aby nie mieszać kolorów na palecie i uzyskać pożądany kolor poprzez odpowiednie nałożenie ich na płótno. To później stało się powodem odrzucenia czerni.

Żaba, Auguste Renoir

Potem impresjoniści przestali koncentrować całą swoją pracę na płótnach w warsztatach, teraz wolą plener, gdzie wygodniej jest uchwycić ulotne wrażenie tego, co widzieli, co stało się możliwe dzięki wynalezieniu stalowych rurek do farb, które w przeciwieństwie do skórzanych toreb można było zamknąć, aby farba nie wyschła.

Również artyści używali farb kryjących, które źle przepuszczają światło i nie nadają się do mieszania, ponieważ szybko szarzeją, co pozwoliło im tworzyć obrazy nie z „ wewnętrzny", A " zewnętrzny» światło odbijające się od powierzchni.

Różnice techniczne przyczyniły się do osiągnięcia innych celów, przede wszystkim impresjoniści starali się uchwycić ulotne wrażenie, najmniejsze zmiany w każdym temacie w zależności od oświetlenia i pory dnia, najwyższym wcieleniem były cykle obrazów Moneta „Stogi siana”, „Katedra w Rouen” i „Parlament Londynu”.

Stogi siana, Monet

Ogólnie rzecz biorąc, wielu mistrzów pracowało w stylu impresjonistycznym, ale podstawą ruchu byli Edouard Manet, Claude Monet, Auguste Renoir, Edgar Degas, Alfred Sisley, Camille Pissarro, Frederic Basil i Berthe Morisot. Jednak Manet zawsze nazywał siebie „niezależnym artystą” i nigdy nie brał udziału w wystawach, a chociaż Degas brał udział, nigdy nie malował swoich prac w plenerze.

fr. wrażenie - wrażenie) - kierunek w sztuce ostatniej trzeciej XIX wieku - wcześnie. XX wieku, których przedstawiciele zaczęli malować pejzaże i sceny rodzajowe bezpośrednio z natury, starając się przekazać bardzo czystymi i intensywnymi kolorami blask słońca, powiew wiatru, szelest trawy, ruch miejskiego tłumu. Impresjoniści starali się uchwycić rzeczywisty świat w jego mobilności i zmienności w najbardziej naturalny i bezstronny sposób, aby przekazać swoje ulotne wrażenia.

Świetna definicja

Niepełna definicja ↓

IMPRESJONIZM

Francuski impresjonizm, od wrażenia - wrażenie), kierunek w sztuce con. 1860 - wcześnie. 1880 Najwyraźniej przejawia się w malarstwie. Czołowi przedstawiciele: C. Monet, O. Renoir, C. Pissarro, A. Guillaumin, B. Morisot, M. Cassatt, A. Sisley, G. Caillebotte i J. F. Basile. Wraz z nimi E. Manet i E. Degas wystawiali swoje obrazy, choć stylu ich prac nie można nazwać całkowicie impresjonistycznym. Nazwę „impresjoniści” nadano grupie młodych artystów po ich pierwszej wspólnej wystawie w Paryżu (1874; Monet, Renoir, Pizarro, Degas, Sisley itp.), co wywołało wściekłe oburzenie opinii publicznej i krytyki. Jeden z prezentowanych obrazów C. Moneta (1872) nosił tytuł „Impresja. Wschód słońca ”(„ L’impression. Soleil levant ”), a recenzent kpiąco nazwał artystów „impresjonistami” - „impresjonistami”. Pod tym szyldem malarze występowali na trzeciej wystawie wspólnej (1877). W tym samym czasie zaczęli wydawać magazyn impresjonistyczny, którego każdy numer był poświęcony twórczości jednego z członków grupy.

Impresjoniści starali się uchwycić otaczający ich świat w jego ciągłej zmienności, płynności i wyrazić swoje bezpośrednie wrażenia bez uprzedzeń. Impresjonizm opierał się na najnowszych odkryciach optyki i teorii kolorów (spektralny rozkład promienia słonecznego na siedem kolorów tęczy); jest w tym zgodny z duchem analizy naukowej, charakterystycznej dla con. 19 wiek Jednak sami impresjoniści nie próbowali określić teoretycznych podstaw swojej sztuki, kładąc nacisk na spontaniczność, intuicyjność pracy artysty. Zasady artystyczne impresjonistów nie były jednolite. Monet malował pejzaże tylko w bezpośrednim kontakcie z naturą, w plenerze (plener), a nawet budował warsztat na łodzi. Degas pracował w warsztacie ze wspomnień lub za pomocą fotografii. W przeciwieństwie do przedstawicieli późniejszych ruchów radykalnych, artyści nie wyszli poza renesansowy system iluzoryczno-przestrzenny oparty na wykorzystaniu perspektywy bezpośredniej. Mocno trzymali się metody pracy z natury, którą podnieśli do głównej zasady kreatywności. Artyści starali się „namalować to, co widzisz” i „jak widzisz”. Konsekwentne stosowanie tej metody pociągnęło za sobą przekształcenie wszystkich fundamentów istniejącego systemu obrazowego: koloru, kompozycji, konstrukcji przestrzennej. Czyste kolory zostały naniesione na płótno małymi osobnymi pociągnięciami: wielobarwne „kropki” leżały obok siebie, mieszając się w kolorowy spektakl nie na palecie i nie na płótnie, ale w oku widza. Impresjoniści osiągnęli niespotykaną dźwięczność koloru, niespotykane bogactwo odcieni. Pociągnięcie pędzla stało się samodzielnym środkiem wyrazu, wypełniając powierzchnię obrazu żywą, migoczącą wibracją barwnych cząstek. Płótno przyrównano do mieniącej się drogocennymi kolorami mozaiki. W dawnym malarstwie dominowały odcienie czerni, szarości, brązu; na płótnach impresjonistów kolory świeciły jasno. Impresjoniści nie używali światłocienia do przenoszenia tomów, zrezygnowali z ciemnych cieni, cienie na ich obrazach również stały się kolorowe. Artyści szeroko stosowali dodatkowe tony (czerwony i zielony, żółty i fioletowy), których kontrast zwiększał intensywność koloru. Na obrazach Moneta kolory były rozjaśniane i rozpuszczane w blasku promieni. światło słoneczne, lokalna kolorystyka przybierała wiele odcieni.

Impresjoniści przedstawiali otaczający świat w nieustannym ruchu, przejściu z jednego stanu do drugiego. Zaczęli malować cykle obrazów, chcąc pokazać, jak ten sam motyw zmienia się w zależności od pory dnia, oświetlenia, warunków pogodowych itp. (cykle Boulevard Montmartre C. Pissarro, 1897; Katedra w Rouen, 1893–95 oraz „Parlament londyński”, 1903-04, C. Monet). Artyści znaleźli sposoby na odzwierciedlenie w obrazach ruchu chmur (A. Sisley. „Louan in Saint-Mamme”, 1882), grę blasku słońca (O. Renoir. „Swing”, 1876), podmuchy wiatru (C. Monet. „Taras w Sainte-Adresse”, 1866), strumienie deszczu (G. Caillebotte. „Jer. Efekt deszczu”, 1875), padający śnieg (C. Pissarro. „Pasaż operowy. Efekt śniegu”, 1898), szybki bieg koni (E. Manet „Wyścigi w Longchamp”, 1865).

Impresjoniści opracowali nowe zasady konstruowania kompozycji. Wcześniej przestrzeń obrazu porównywana była do sceny, teraz uchwycone sceny przypominały migawkę, ramkę na zdjęcie. Wynaleziony w XIX wieku fotografia miała znaczący wpływ na kompozycję malarstwa impresjonistycznego, zwłaszcza w twórczości E. Degasa, który sam był zapalonym fotografikiem i według niego własne słowa, starał się zaskoczyć przedstawione baletnice, zobaczyć je „jakby na wskroś dziurka”, kiedy ich pozy, linie ciała są naturalne, wyraziste i autentyczne. Tworząc obrazy w plenerze, chęć uchwycenia szybko zmieniającego się oświetlenia wymusiła na artystach przyspieszenie pracy, napisanie „alla prima” (w jednym kroku), bez wstępnych szkiców. Fragmentaryzacja, „przypadkowość” kompozycji i dynamiczny maniera malarska stworzyły wrażenie szczególnej świeżości w obrazach impresjonistów.

Ulubionym gatunkiem impresjonistów był pejzaż; portret był też swego rodzaju „krajobrazem twarzy” (O. Renoir, „Portret aktorki J. Samary”, 1877). Ponadto artyści znacznie poszerzyli zakres malarskich tematów, sięgając po tematy wcześniej uważane za niegodne uwagi: festyny ​​ludowe, wyścigi konne, pikniki bohemy artystycznej, kulisy życia teatrów itp. Ich obrazy nie mają jednak szczegółowa fabuła, szczegółowa narracja; życie ludzkie rozpływa się w przyrodzie lub w atmosferze miasta. Impresjoniści nie pisali wydarzeń, ale nastroje, odcienie uczuć. Artyści zasadniczo odrzucili historyczne i wątki literackie, unikał portretowania dramatycznego, ciemne stronyżycie (wojny, katastrofy itp.). Dążyli do uwolnienia sztuki od wypełniania zadań społecznych, politycznych i moralnych, od obowiązku wartościowania przedstawianych zjawisk. Artyści wyśpiewali piękno świata, potrafiąc zamienić najbardziej codzienny motyw (remont pokoju, szarą londyńską mgłę, dym parowozów itp.) w urzekający spektakl (G. Caillebotte. „Parquette”, 1875; C. Monet „Stacja Saint-Lazare”, 1877).

W 1886 r. odbyła się ostatnia wystawa impresjonistów (nie brali w niej udziału O. Renoir i K. Monet). W tym czasie ujawniono znaczące nieporozumienia między członkami grupy. Możliwości metody impresjonistycznej wyczerpały się, a każdy z artystów zaczął szukać własnej drogi w sztuce.

Impresjonizm jako całość metoda kreatywna był fenomenem głównie sztuki francuskiej, ale wpływ na całość miała twórczość impresjonistów malarstwo europejskie. Dążenie do odnowy język artystyczny, rozjaśniając barwną paletę, eksponując techniki obrazkowe są teraz mocno włączone do arsenału artystów. W innych krajach J. Whistler (Anglia i USA), M. Lieberman, L. Corinth (Niemcy), J. Sorolla (Hiszpania) byli bliscy impresjonizmu. Wpływ impresjonizmu doświadczyło wielu rosyjskich artystów (V. A. Serov, K. A. Korovin, I. E. Grabar i inni).

Oprócz malarstwa impresjonizm został ucieleśniony w pracach niektórych rzeźbiarzy (E. Degas i O. Rodin we Francji, M. Rosso we Włoszech, P. P. Trubetskoy w Rosji) w żywym swobodnym modelowaniu płynnych miękkich form, które tworzą złożoną grę światło na powierzchni materiału i poczucie niekompletności dzieła; w pozach uchwycony jest moment ruchu, rozwój. W muzyce bliskość impresjonizmu znajdujemy w twórczości C. Debussy'ego („Żagle”, „Mgły”, „Odbicia w wodzie” itp.).

Świetna definicja

Niepełna definicja ↓

Wszystko ma swoje korzenie gdzieś w przeszłości, także obrazy, które zmieniały się z biegiem czasu, a obecne trendy nie są dla wszystkich jasne. Ale wszystko, co nowe, jest dobrze zapomnianym starym, a aby zrozumieć dzisiejsze malarstwo, nie trzeba znać historii sztuki od czasów starożytnych, wystarczy pamiętać obraz XIX i XX wieku.

Połowa XIX wieku to czas przemian nie tylko w historii, ale także w sztuce. Wszystko, co było wcześniej: klasycyzm, romantyzm, a tym bardziej akademizm – nurty ograniczone pewnymi granicami. We Francji w latach 50. i 60. trendy w malarstwie wyznaczał oficjalny Salon, ale typowo „salonowa” sztuka nie wszystkim odpowiadała i to tłumaczyło pojawiające się nowe trendy. W malarstwie tego czasu nastąpił rewolucyjny wybuch, który zerwał z wielowiekowymi tradycjami i założeniami. A jednym z epicentrów był Paryż, gdzie wiosną 1874 roku młodzi malarze, wśród których byli Monet, Pissarro, Sisley, Degas, Renoir i Cezanne, zorganizowali własną wystawę. Prezentowane tam prace były zupełnie inne niż te salonowe. Artyści zastosowali inną metodę - refleksy, cienie i światło oddane zostały czystymi kolorami, osobnymi pociągnięciami, kształt każdego obiektu zdawał się rozpuszczać w powietrzu-świetlnym otoczeniu. Żaden inny kierunek w malarstwie nie znał takich metod. Efekty te pomogły wyrazić jak najwięcej ich wrażeń na temat ciągle zmieniających się rzeczy, natury, ludzi. Jeden z dziennikarzy nazwał grupę „Impresjonistami”, w ten sposób chciał pokazać swoją pogardę dla młodych artystów. Ale zaakceptowali ten termin, który ostatecznie zakorzenił się i wszedł do aktywnego użytku, tracąc swoje negatywne znaczenie. Tak pojawił się impresjonizm, w przeciwieństwie do wszystkich innych nurtów w malarstwie XIX wieku.

Początkowo reakcja na innowację była więcej niż wroga. Zbyt odważne i nowy obraz nikt nie chciał kupić i bali się, bo wszyscy krytycy nie traktowali impresjonistów poważnie, śmiali się z nich. Wielu twierdziło, że artyści impresjoniści chcieli osiągnąć szybką sławę, nie zadowalało ich ostre zerwanie z konserwatyzmem i akademizmem, a także niedokończony i „niechlujny” wygląd dzieła. Ale nawet głód i bieda nie były w stanie zmusić artystów do porzucenia swoich przekonań i wytrwali, dopóki ich obraz nie został ostatecznie rozpoznany. Ale zbyt długo trzeba było czekać na uznanie, niektórzy impresjoniści już wtedy nie żyli.

W rezultacie nurt zapoczątkowany w Paryżu w latach 60. miał ogromne znaczenie dla rozwoju świata Sztuka XIX i XX wieku. W końcu przyszłe trendy w malarstwie zostały odparte właśnie od impresjonizmu. Każdy kolejny styl pojawiał się w poszukiwaniu nowego. Postimpresjonizm zrodzili ci sami impresjoniści, którzy uznali, że ich metoda jest ograniczona: głęboka i niejednoznaczna symbolika była odpowiedzią na malarstwo, które „straciło sens”, a Art Nouveau, nawet swoją nazwą, woła o nowe. Oczywiście od 1874 roku w sztuce zaszło wiele zmian, ale wszystkie nowoczesne trendy w malarstwie, w taki czy inny sposób, zaczynają od ulotnego paryskiego wrażenia.