Jeśli chcemy wymienić jak najwięcej tajemnicza osoba w historii sztuki w ogóle, a muzyki w szczególności, będzie niewątpliwie jednym z pierwszych pretendentów. Niektórzy współcześni uważali go za „diabelskiego skrzypka”, inni żałowali, że jego potomkowie nigdy nie dowiedzą się, jak grał... Wiele pytań dotyczących jego życia i twórczości do dziś pozostaje bez odpowiedzi, a jedną z zagadek Paganiniego pozostają jego koncerty skrzypcowe z orkiestrą . Muzykolodzy nie mają dokładnej odpowiedzi na pytanie, ile takich dzieł stworzył Paganini, co oznacza, że ​​być może część jego twórczości pozostaje przed nami ukryta. Z pewnością możemy mówić o sześciu koncertach skrzypcowych – ich partytury znajdują się w posiadaniu spadkobierców kompozytora, niektóre ukazały się po raz pierwszy za życia autora, inne w XX wieku; znajdują się w repertuarze skrzypków, choć niektóre koncerty cieszą się większą popularnością niż inne. Jednak w jednym z listów kompozytora wspomina się o pewnym koncercie f-moll, a w jego autobiografii wspomina się o dwóch kolejnych, powstałych w Parmie w 1796 roku. Ponadto Conestabile, włoski biograf kompozytora, wspomina o dwóch koncertach pisanych w rzadko używanych tonacjach, E - ostry i h-moll (być może wymagały specjalnego strojenia skrzypiec). Dlatego kilka koncertów Paganiniego pozostaje dziś nieznanych.

Ale jeśli możemy żałować straconych koncertów, to możemy jedynie podziwiać te, które do nas przyszły. Oczywiście koncerty skrzypcowe powstały na długo przed Niccolò Paganinim, ale wszystko, co było przed nim, nie może się równać z wielkością jego twórczości. Skala formy, jasność kontrastów, bogactwo melodyczne, patos porównywalny z dramatyzmem przedstawienia operowego, wiele ciekawych efektów kolorystycznych – to wszystko wyróżnia tzw. duży koncert”, który został zapoczątkowany przez Paganiniego. Jak stwierdzono, możliwość zastosowania wielu „spektakularnych i dowcipnych” technik, które pojawiły się w koncertach Paganiniego, była wcześniej nieznana skrzypkom, ale ponieważ odkrył je wielki Włoch, opisanie ich wszystkich zajęłoby całą książkę.

Zasada „konkurencji” leżąca u podstaw gatunku koncert instrumentalny, u Paganiniego jest doprowadzona do granic możliwości, partia skrzypiec jest w nich jak rola dramatyczny występ, centralny aktor który zostaje artystą romantycznym. Taka koncentracja na osobowości twórcy prowadzi do wzrostu roli zasady improwizacji – w koncertach Paganiniego pojawia się wiele dramatycznych „wypowiedzi”, liryczne dygresje, swobodnie rozwijające się monologi fantastyczne, urozmaicające strukturę formy. Na przykład w pierwszej części I Koncertu D-dur pojawia się swoiste instrumentalne załamanie intonacji, charakterystyczne dla recytatywów w operach. Poza tym „monologiem” w pierwszej części pracy nie ma żadnych szczególnych nowości w tej dziedzinie forma muzyczna, jednak wyczuwalna jest charakterystyczna cecha koncertu romantycznego: w strukturę figuratywną w allegro sonatowym ważniejszą rolę od głównej odgrywa partia wtórna, zbudowana na kontrastach rejestrowych w ramach jednej linii melodycznej. Część druga przypomina część natchnioną, pełną dramatyzmu. aria operowa. Podobnie jak część pierwsza, występują tu bardzo szerokie ruchy melodyczne – w melodii jest przeskok dziesiętny, ale jeśli w części pierwszej takie intonacje postrzegano jako integralną część obrazu heroicznego, to w Adagio nadają one charakter liryczny wypowiedzi bardziej wyrazistej, nasycającej ją intensywnością emocjonalną. Warto zauważyć, że w rękopisie tego koncertu partie instrumenty orkiestrowe i skrzypce solo kompozytor pisał w różnej tonacji: orkiestra w Es-dur, solista w D-dur, co wiąże się ze strojeniem instrumentu solowego o pół tonu wyżej i umożliwia uzyskanie pewnych efektów.

Najbardziej znany jest II Koncert h-moll, a dokładniej jego część końcowa – „Campanella” („Dzwon”). W tym rondzie jeden z cechy charakterystyczne Styl Paganiniego - bogactwo zdobnictwa, które nie ma nic wspólnego z „dekoracją”. Melizmatyczne zdobienia i pasaże wpisują się organicznie w melodyczne kontury, nadając im albo oratorski patos, albo wyrafinowany wdzięk. W temacie przewodnim „Campanelli” melizmaty odtwarzają najsubtelniejsze brzęczenie bicia dzwonów, jakie można było usłyszeć na włoskich karnawałach. Zarówno rejestr, jak i ostrość „skaczących” uderzeń przyczyniają się do tego wrażenia. Obraz wzbogacony jest technikami kolorystycznymi – np. wykorzystaniem harmonicznych. „Campanella” często wykonywana jest w transkrypcji, jednak w tym przypadku rondo traci sporo ze swojego uroku – zarówno ze względu na „cięższe” harmonie, jak i z powodu zaniku wykluczonego przez Kreislera epizodu lirycznego.

Koncerty skrzypcowe Niccolo Paganini był i jest wykonywany przez wielu muzyków. Są jednym z tych „odbić” sztuki wielkiego skrzypka, którego urok nie słabnie z biegiem czasu.

Wszelkie prawa zastrzeżone. Kopiowanie jest zabronione.

Skrzypce mają pochodzenie ludowe. Przodkami skrzypiec byli arabski rebab, hiszpański fidel i niemiecka rota, których połączenie utworzyło altówkę.

Kształty skrzypiec się ustabilizowały XVI wiek. Słynni lutnicy, rodzina Amati, pochodzą z tego stulecia i początków XVII wieku. Ich instrumenty są pięknie ukształtowane i wykonane z doskonałych materiałów. Generalnie Włochy słynęły z produkcji skrzypiec, wśród których obecnie niezwykle cenione są skrzypce Stradivariusa i Guarneri.

Skrzypce są instrument solowy z XVII wieku. Za pierwsze dzieła na skrzypce uważa się: „Romanesca per skrzypce solo e basso” Mariniego z Brescii (1620) i „Capriccio stravagante” jego współczesnej Fariny. Założyciel gra artystyczna Uważa się, że A. Corelli gra na skrzypcach; następnie Torelli, Tartini, Pietro Locatelli (1693-1764), uczeń Corelliego, który rozwinął brawurową technikę gry na skrzypcach.

Skrzypce zyskały swój nowoczesny wygląd w XVI wieku i rozpowszechniły się w XVII wieku.

Struktura skrzypiec

Skrzypce posiadają cztery struny strojone kwintowo: g, d, a, e (mała oktawa G, D, A pierwszej oktawy, E drugiej oktawy).

Skrzypce wahają się od g (mała oktawa G) do a (czwarta oktawa A) i wyżej.

Barwa skrzypiec jest gęsta w niskim rejestrze, miękka w środku i olśniewająca w górnej.

Korpus skrzypiec ma owalny kształt z zaokrąglonymi rowkami po bokach tworzącymi „talię”. Okrągłość zewnętrznych konturów i linii talii zapewnia wygodną grę, szczególnie w wysokich rejestrach.

Górny i dolny pokład korpusu są połączone ze sobą muszlami. Tył wykonano z klonu, a blat ze świerku tyrolskiego. Obydwa mają wypukły kształt, tworzący „łuki”. Geometria sklepień, a także ich grubość w pewnym stopniu determinują siłę i barwę dźwięku.

Kolejnym ważnym czynnikiem wpływającym na barwę skrzypiec jest wysokość boków.

W górnej płycie rezonansowej wykonane są dwa otwory rezonatora - otwory typu F (kształtem przypominają Litera łacińska F).

Na środku górnej płyty rezonansowej znajduje się stojak, przez który przechodzą struny, przymocowany do strunociągu (pod szyjką). Strunnicę stanowi pasek hebanu, który rozszerza się w kierunku strun. Jego przeciwny koniec jest wąski, z grubym sznurkiem żyłkowym w formie pętelki, połączony jest z przyciskiem umieszczonym na muszli. Statyw wpływa również na barwę instrumentu. Eksperymentalnie ustalono, że nawet niewielkie przesunięcie statywu powoduje znaczną zmianę barwy (przy przesunięciu w dół dźwięk jest głuchy, w górę – bardziej przenikliwy).

Wewnątrz korpusu skrzypiec, pomiędzy górną i dolną płytą rezonansową, włożony jest okrągły kołek wykonany z rezonansowego świerku - dushka (od słowa „dusza”). Ta część przenosi wibracje z góry na dół, zapewniając rezonans.

Gryf skrzypiec to długa płyta wykonana z hebanu lub tworzywa sztucznego. Dolna część gryfu przymocowana jest do zaokrąglonego i polerowanego pręta, tzw. gryfu. Także na siłę i barwę dźwięku instrumenty smyczkowe Duży wpływ ma materiał, z którego są wykonane i skład lakieru.

Technika gry na skrzypcach, techniki

Struny dociska się czterema palcami lewej ręki do podstrunnicy ( kciuk wyłączony). Struny naciąga się za pomocą łuku trzymanego w prawej ręce gracza.

Docisk palca do podstrunnicy skraca strunę, zwiększając w ten sposób wysokość struny. Struny, których nie można docisnąć palcem, nazywane są otwartymi i oznaczane są jako zero.

Partia skrzypiec zapisana jest w kluczu wiolinowym.

Zakres gry na skrzypcach wynosi od G małej oktawy do czwartej oktawy. Więcej wysokie dźwięki trudny.

Naciskając strunę do połowy w określonych miejscach, uzyskuje się harmoniczne. Niektóre dźwięki harmoniczne mają wyższą wysokość niż wskazany powyżej zakres skrzypiec.

Nakładanie palców lewej ręki nazywa się palcowaniem. Palec wskazujący Dłonie nazywane są pierwszymi, środkowy palec drugim, serdeczny palcem trzecim, a mały palec czwartym. Pozycja to palcowanie czterech sąsiednich palców, oddalonych od siebie o jeden ton lub półton. Każdy ciąg może mieć siedem lub więcej pozycji. Im wyższe stanowisko, tym jest to trudniejsze. Na każdej strunie, z wyłączeniem kwint, idą przeważnie tylko do piątej pozycji włącznie; ale na piątej lub pierwszej strunie, a czasem na drugiej, stosuje się wyższe pozycje - od szóstej do dwunastej.

Sposób smyczkowania ma ogromny wpływ na charakter, siłę, barwę dźwięku i w ogóle na frazowanie.

Na skrzypcach można normalnie zagrać jednocześnie dwa dźwięki na sąsiednich strunach (podwójne struny), w wyjątkowych przypadkach – trzy (wymagany jest silny nacisk smyczka), a nie jednocześnie, ale bardzo szybko – trzy (potrójne struny) i cztery. Takie zestawienia, głównie harmoniczne, łatwiej wykonać z pustymi smyczkami, a trudniej bez nich i stosuje się je zazwyczaj w utworach solowych.

Bardzo powszechną techniką tremolo w orkiestrze jest szybka zmiana dwóch dźwięków lub powtarzanie tego samego dźwięku, tworząc efekt drżenia, drżenia i migotania.

Technika col legno, czyli uderzanie cięciwą drzewcem smyczka, powoduje pukanie, śmiercionośny dźwięk, który jednocześnie wielki sukces używany przez kompozytorów w muzyce symfonicznej.

Oprócz zabawy smyczkiem, jednym palcem dotykają strun. prawa ręka- pizzeria.

Aby osłabić lub stłumić dźwięk, stosuje się tłumik - metalową, gumową, gumową, kościaną lub drewnianą płytkę z wgłębieniami w dolnej części na struny, którą mocuje się w górnej części stojaka lub klaczki.

Łatwiej jest grać na skrzypcach w tych klawiszach, które pozwalają na największe wykorzystanie pustych strun. Najwygodniejsze są pasaże składające się ze gam lub ich części, a także pasaże o tonacjach naturalnych.

Trudno zostać skrzypkiem dojrzały wiek(ale to możliwe!), gdyż wrażliwość palców i pamięć mięśniowa są dla tych muzyków bardzo ważne. Wrażliwość palców osoby dorosłej jest znacznie mniejsza niż u młodego człowieka, a pamięć mięśniowa rozwija się dłużej. Gry na skrzypcach najlepiej uczyć się już w wieku pięciu, sześciu, siedmiu lat, a może nawet wcześniej.

Jana Sibeliusa
Koncert na skrzypce i orkiestrę d-moll Opus 47 (1903)

1. Allegro umiarkowane
2. Adagio di molto
3. Allegro, ma non tanto

Wzruszający, majestatyczny i ekscytujący koncert od dawna cieszy się ulubieńcem publiczności. Jeden z krytyków porównał muzykę koncertu do „malarskich skandynawskich zimowych pejzaży, w których artyści poprzez subtelną grę bieli na bieli osiągają rzadkie, czasem hipnotyczne i potężne efekty”.

S. Prokofiew
II Koncert skrzypcowy g-moll (1935)

1. Allegro umiarkowane
2. Andante atak
3. Allegro, ben marcato

Drugi Koncert skrzypcowy Prokofiewa jest pełen wesołych odkryć melodycznych – jest to twórczość typowo Prokofiewska, zarówno w sensie orientacji emocjonalnej, jak i figuratywnej – od najsubtelniejszych tekstów po figlarność, groteskę, sarkazm, a także w sensie zastosowanych środków (charakterystyczne interwały , niewyczerpana inwencja rytmiczna, innowacje barwowo-kolorystyczne, cierpkość harmoniczna, klarowność formy). Muzyka koncertu jest iście teatralna – w niektórych momentach przypomina późne balety Prokofiewa, zwłaszcza Kopciuszka. Koncert rozpoczyna prosta melodia skrzypiec kojarząca się z rosyjską muzyką ludową, druga część to wspaniałe Andante, a w finale zauważalne są motywy hiszpańskie – główny temat Rondo za każdym razem towarzyszy trzaskanie kastanietów (żona Prokofiewa jest Hiszpanką).

I. Strawiński
Koncert na skrzypce i orkiestrę D (1931)

Koncert skrzypcowy Strawińskiego to dzieło neoklasyczne napisane z wyraźnym naciskiem na Bacha. Jak w większości dzieł epoki neoklasycznej, Strawiński zachowuje tu epicki spokój, trzymanie się matematyki muzycznej i zaleca wykonawcom suchą i zdystansowaną grę. Instrument solowy i orkiestra są w nim na równi, a słuchanie dziwnych dźwięków akompaniamentu orkiestry jest nie mniej interesujące niż precyzyjne linie kreślone przez skrzypce; niemniej jednak wszystko to brzmi jak zupełnie wzorowy koncert skrzypcowy, a w dodatku interpretacja współcześni wykonawcy dość wyraziste.

A. Chaczaturian
Koncert na skrzypce i orkiestrę d-moll (1940)

1. Allegro con fermezza
2. Andante sostenuto
3. Życie Allegro

W Koncercie skrzypcowym Chaczaturiana w oryginalny sposób wykorzystano szereg technik stosowanych w muzyce ormiańskiej i gruzińskiej. muzyka ludowa(powtarzający się nacisk na jeden dźwięk, ornamentyka, chromatyka, kapryśny rytm), cechy improwizacji są bliskie śpiewowi jesionów, przypomina się bajeczny wschód od Rimskiego-Korsakowa, Borodina, Bałakiriewa.

M. Ravel „Cygan”
Rapsodia koncertowa na skrzypce i orkiestrę (1924)

„Cyganka” Ravela oparta jest na melodiach stylu Verbunkos (gatunek węgierskiego muzyka taneczna, który pojawił się w drugiej połowie XVIII wieku, a także styl węgierski muzyka instrumentalna koniec XVIII — początek XIX wiek), a raczej ich stylizowane podobieństwo. Partia solowa napisana jest w błyskotliwym, koncertowym stylu, partytura naznaczona jest piętnem czysto francuskiej elegancji, przepełnionej niezwykle subtelnymi połączeniami skrzypiec i orkiestry.

Albana Berga
Koncert na skrzypce i orkiestrę „Pamięci anioła” (1936)

1. Andante - Allegretto
2. Allegro – Adagio

Koncert skrzypcowy Albana Berga dedykowany jest pamięci utalentowanej młodej skrzypaczki Anny Gropius, córki zmarłej w wieku siedemnastu lat wdowy po Gustavie Mahlerze (jej nazwiska nie ma w dedykacji. Widnieje jedynie napis: „Dem Andenken eines Engels”). - „Ku pamięci anioła”). Koncert oparty jest na temacie dodekafonowym, wznoszącym się od najniższego dźwięku skrzypiec w górę do górnego rejestru, gdzie zawisa na „F” trzeciej oktawy. W drugiej części drugiej i ostatniej części Berg cytuje chorał Bacha, który zaskakująco organicznie wpisuje się w dwunastotonową tkankę Koncertu. W muzyce króluje oświecona kontemplacja i dystans.

D. Szostakowicz
I Koncert na skrzypce i orkiestrę a-moll op. 77 (1948)

I. Nokturn (Moderato)
II. Scherzo (Allegro)
III. Passacaglia (Andante)
IV. Burleska (Allegro con brio - Presto)

Szostakowicz napisał swój pierwszy koncert skrzypcowy w 1948 roku. Koncert z charakterystyczną dla tego kompozytora przenikliwością oddaje nastrój tamtej epoki, „mroku XX wieku”.

Bela Bartok
Koncert na skrzypce i orkiestrę nr 2 (1938)

I. Allegro non troppo
II. Andante spokojny
III. Allegro, motłoch

Drugi koncert skrzypcowy Béli Bartóka istnieje już od dawna klasyka muzyczna XX w., czyniąc węgierskie rytmy ludowe z podwórek Europy Wschodniej własnością światowej klasyki. „Z ciemności, grozy i beznadziei naszych dni – do pokoju, światła i radości” – tak można scharakteryzować ukryty program tego koncertu.

Edwarda Elgara
Koncert na skrzypce i orkiestrę op.61 (1910)

I. Allegro
II. Andante
III. Allegro, motłoch

Koncert h-moll Opus 61 Elgara, napisany w 1910 roku, to jeden z nielicznych pozostałych w repertuarze angielskim koncertów „staromodnych”, utkanych ze znanych romantycznych formuł, ukazujących jednocześnie wiktoriański splendor i wrażliwość emocjonalną.

Karola Szymanowskiego
Koncert na skrzypce i orkiestrę nr 2 op.61 (1933)

Drugi koncert Szymanowskiego łączy francuską kontemplację ze słowiańską nieokiełznaniem, starożytnym folklorem huculskim i nowoczesnością język muzyczny. Partytura przepełniona jest duchem ludowych rytmów, entuzjazmem i liryczną szczerością – kompozytor sięga w głąb, w których kryją się archaiczne intonacje muzyki polskiej.