MIEJSKA PAŃSTWOWA INSTYTUCJA EDUKACYJNA DLA DODATKOWEJ EDUKACJI DZIECI
Szkoła dla dzieci Penżyńskiego
Scenariusz rozmowy
„CHARAKTY LITERACKIE I MUZYCZNE W TWÓRCZOŚCI KOMPOZYTORÓW KLASYCZNYCH”
dla uczniów Szkoła średnia
Opracował: Selezneva T. I.,
nauczyciel gry na fortepianie i muzyki
dyscypliny teoretyczne PDSH
Z. Kamenskoje
2016
Scenariusz rozmowy
„Bohaterowie literaccy i muzyczni w twórczości kompozytorów klasycznych”
Dzień dobry nasi drodzy widzowie. Witamy w świecie muzyki i literatury. Spotkanie z pięknem jest zawsze świętem. Tradycyjnie w sylwestra zapraszamy uczniów szkół ponadgimnazjalnych na koncerty przygotowane przez studentów wydziału fortepianu. Tematyka rozmów jest bardzo różnorodna, prace reprezentują różne style i wskazówki dojazdu sztuka muzyczna. Dzisiaj postanowiliśmy zorganizować nasze wydarzenie wspólnie z uczniami klasy czwartej.
Młodzi muzycy przygotowali mały występ program koncertu, przeprowadzili prezentacje dotyczące kompozytorów, a gimnazjaliści zapoznają nas z bohaterami dzieł literackich i odczytają fragmenty poetyckie. Aby uatrakcyjnić wydarzenie, w naszym programie uwzględniliśmy quizy, testy, oglądanie i słuchanie fragmentów utworów muzycznych.
Każda praca ma treść i obraz, ujawniający jakiś temat.
Temat może być bohaterski, patriotyczny, liryczny, bajeczny.
Podajmy przykłady dzieł literackich i muzycznych o tematyce heroicznej, baśniowej, liryczno-dramatycznej, liryczno-psychologicznej, codziennej. (Lista dzieci)
Każda praca ma charakter, nastrój, obraz.
W wierszu możemy przedstawić obraz natury, obraz osoby (smutnej lub wesołej, odważnej lub tchórzliwej itp.). Jeśli w dziele literackim poeta lub pisarz oddaje nastrój za pomocą słów, to w muzyce treść ujawnia się za pomocą dźwięków i nut.
Nasz program otwiera Dmitrij Eremenko, wykona dwa różne utwory, po ich wysłuchaniu prosimy o określenie charakteru, nastroju, wymyślenie nazwy obrazu muzycznego.
Dźwięki „Etiudy” i „Sonatiny” (Eremenko Dmitry)
W repertuarze naszych muzyków znajdują się utwory różniące się stylem i kierunkiem. Przypomnijmy, jakie nurty muzyczne można spotkać w muzyce i literaturze, co odróżnia dzieła klasyczne od współczesnych. (Styl barokowy, klasyczny, romantyczny, impresjonizm).
Brzmi „Etiuda” i „Samba” (Deynega Polina)
Dzieła muzyczne, podobnie jak dzieła literackie, mają swój własny gatunek. W literaturze jest to opowieść, opowieść, wiersz, epopeja, opowiadanie, powieść, bajka. DO gatunki muzyczne zaliczają się: opera, balet, koncert na jakiś instrument, operetka, musical, dzieła symfoniczne.
Każdy gatunek jest podzielony na określone typy: wokalny, taneczny, instrumentalny.
Dźwięki „Walca” w wykonaniu Elizavety Vasina. Jest to utwór instrumentalny cechy charakteru taniec walca Wymień cechy tego tańca. (Rozmiar trzy czwarte, pełen wdzięku charakter, nawiązuje do tańca towarzyskiego).
Wielu kompozytorów przed napisaniem dzieła sięga do źródła literackiego. Przypomnijmy, jakie bajki czytasz, jaki jest Twój ulubiony bohater z bajki.
Dzieci wymieniają dzieła i autorów.
Nauczyciel. Teraz młodzi muzycy wymienią dla nas utwory, w których zostały napisane bajki.
Dzieci wymieniają utwory muzyczne.
Nauczyciel. Sugeruję zagranie w grę wideo: zidentyfikuj bohatera po jego kostiumie.
(Wyświetl pliki wideo)
Chłopaki, znacie dobrze bohaterów literackich i muzycznych, wiecie, że do wystawienia spektaklu muzycznego potrzebna jest muzyka i obraz literacki, działka. Na spektakl polecam wybrać się do teatru muzycznego. Z czego składa się teatr?
Dzieci. Teatr składa się ze sceny, audytorium, boksy, balkony, zasłony, oprawy oświetleniowe, orkiestron, ładownie, ruszty itp.
Który w takim razie przedstawienie muzyczne Czy ty i ja oglądaliśmy?
Dzieci. Oglądaliśmy Kopciuszka, Dziadka do orzechów, Romea i Julię.
Nauczyciel. Jak nazywa się przedstawienie, w którym aktorzy nic nie mówią, a jedynie tańczą i posługują się gestami.
Dzieci. Taki występ nazywa się baletem (od słowa ballo - „tańczyć”)
Nauczyciel. Wymień elementy baletu.
Dzieci. Pas de deux, pas de trois, Divertisement, scena końcowa – apoteoza.
Dziś na naszym spotkaniu wykonamy dzieła z różnych gatunków muzycznych, jednym z nich jest balet. Balet ma baśniową fabułę. To „Śpiąca królewna” P. I. Czajkowskiego. Kompozytora tego zaprezentuje Dmitrij Eremenko
Student. Opowiada biografię kompozytora, pokazuje prezentację
Obejrzyj prezentację.
Nauczyciel. Treść muzyki Czajkowskiego obejmuje obrazy życia i śmierci, miłości, natury, dzieciństwa, życia codziennego, odsłania w nowy sposób dzieła literatury rosyjskiej i światowej - A. S. Puszkina i N. V. Gogola, W. Szekspira i Dantego. Wymieńmy te dzieła.
Dzieci. Opera „Eugeniusz Oniegin”, „ Królowa pik", uwertura - fantasy "Romeo i Julia", "Hamlet". Balety „Jezioro łabędzie”, „Dziadek do orzechów”, „Śpiąca królewna” powstały na podstawie baśniowych fabuł.
Nauczyciel. Kto napisał bajkę?
Dzieci. Francuski pisarz C. Perraulta.
Nauczyciel. Pamiętajmy o treści bajki, głównej postacie.
Student. Przytacza treść baśni.
Nauczyciel. Jak kończy się balet? (Zwycięstwo dobra nad złem, życia nad śmiercią)
Nauczyciel. Proponuję obejrzeć fragment baletu Śpiąca królewna
Nauczyciel. A teraz, aby przejść do następnej pracy, proponuję zagrać w grę. Dzieci dzielą się na dwie grupy, na zmianę zadają sobie pytania, a wygrywa ten, kto potrafi podać najwięcej poprawnych odpowiedzi.
Pytania są wskazówkami.
Od jakiego bohatera pochodzi nazwa opery Rimskiego-Korsakowa? (Sadko)
Jak nazywała się morska księżniczka? (Wołchowa)
Jaki epos stał się podstawą fabuły opery „Sadko” (Epos opowiada o Sadko, gościu kupieckim i guslarze, który wygrał kredyt hipoteczny od bogatych kupców z Nowogrodu)
Kto był ojcem Wołchowa? (Król Morski)
Instrument, na którym grał Sadko? (Gusli)
W co zamienia się stado łabędzi? (Do pięknych dziewcząt)
Nad brzegiem jakiego jeziora Sadko śpiewał swoją pieśń? (Jezioro Ilmen)
Nauczyciel. Chłopaki, dobrze pamiętacie bohaterów epopei. Co wiesz o kompozytorze Rimskim-Korsakowie i operze? Przypomnijmy sobie jej elementy.
Student. Opowiada biografię Rimskiego-Korsakowa.
Dzieci. Składniki opery odpowiadają. Opera (po łacinie opus) oznacza akt, dzieło, kompozycję. Odnosi się do gatunek wokalny, obejmuje 4 akcje.
Zawiera uwerturę, wstęp, epilog, arię, ariettę, ariozę, rozrywkę itp.
Nauczyciel. Kto nam powie treść tego eposu?
Dzieci. Przeczytaj fragmenty pracy.
Nauczyciel. Posłuchajmy fragmentu opery Sadko.
Nauczyciel. Na zajęciach z literatury uczy się na pamięć fragmentów dzieł. Teraz Dmitrij Eremenko wykona dla nas fragment, a Wy zidentyfikujecie autora i nazwiecie dzieło.
Student. Czyta fragment bajki Puszkina „Opowieść o carze Saltanie” (Eremenko D). Dzieci identyfikują dzieło literackie i muzyczne.
Nauczyciel. Powiedzieliśmy już, że kompozytor komponuje muzykę, pisarz pisze libretto, a muzykę wykonuje orkiestra symfoniczna.
Zrobimy mały konkurs. Każda z proponowanych liter musi składać się na nazwę instrumentów, wybrać z nich instrumenty Orkiestra symfoniczna i ludowe.
Gra się w grę „Stwórz orkiestrę”.
Nauczyciel. Chłopaki, chciałbym, żebyście wymienili innego rosyjskiego kompozytora, w którego twórczości jest wiele romansów napisanych do wierszy A. S. Puszkina „Pamiętam cudowną chwilę”, „Nocna pianka”, „Ogień pożądania płonie we krwi ”, „Jestem tutaj” , Inesilla”; E. Baratyński „Nie kuś”; N. Kukolnik „Skowronek”, „Przejście”, „Wątpliwość”; Żukowskiego „Nocny widok”. W dorobku tego kompozytora znajduje się także opera napisana na podstawie poematu Puszkina. Nazwij go i głównych bohaterów, do jakiego gatunku należy.
Dzieci. To opera „Rusłan i Ludmiła”, gatunek baśniowy.
Nauczyciel. Chcę zwrócić uwagę na quiz muzyczny. Na ekranie zabrzmią fragmenty utworów muzycznych, a Ty musisz ustalić nazwę i kompozytora utworu oraz zidentyfikować fragment z opery „Rusłan i Ludmiła”.
Tematy słuchane są w nagraniach wideo i audio.
W naszej rozmowie rozmawialiśmy z Państwem o operze i balecie. Chciałbym ci przedstawić dzieła symfoniczne, ale nie z dużymi symfoniami, ale z małymi miniaturami, obrazami muzycznymi. Po co specjalnie dla orkiestry, bo w orkiestrze jest wiele instrumentów, więc łatwiej jest zobrazować obraz. W muzyce mały kawałek zwany miniaturą. Przedrostek „mini” oznacza „mały”. W muzyce rosyjskiej mistrzem takich miniatur symfonicznych był Anatolij Konstantinowicz Lyadov. (1855 – 1914).
Obrazy symfoniczne nazywane są „Kikimora”, „Magiczne jezioro”, „Baba Jaga”.
W muzycznym „bajkowym obrazie” A.K. Lyadov przedstawił nie tylko „portret” Kikimory, ale także jej złośliwy charakter. „Kikimora (shishimora, maara) - zły duch, dziecko - niewidzialna kobieta, która mieszka w domu za piecem i zajmuje się przędzeniem i tkaniem”. Postać Kikimory jest wspaniale przedstawiona w bajce A. N. Tołstoja. Utwór muzyczny „Kikimora” poprzedza taki program, w formie fragmentu zbioru I. Sacharowa „Opowieści narodu rosyjskiego”.
Student. Czyta opis Kikimory.
Nauczyciel. Posłuchajmy utworu.
Słuchanie utworu „Kikimora”
Nauczyciel. Sugeruję przeprowadzenie gry testowej.
Test jest grą.
Wniosek
Na naszym spotkaniu wszyscy nauczyliście się wielu nowych rzeczy, odkryliście kompozytorów i poetów, o których być może słyszeliście już wcześniej, ale nie bardzo wiedzieliście, w jaki sposób ich twórczość jest ze sobą powiązana. Teraz, czytając lub słuchając utworów, zwrócisz uwagę na źródło literackie i przypomnisz sobie kompozytora, który napisał operę lub balet na tej fabule.
Slajd 2
Czym jest forma w muzyce?
Formę muzyczną nazywa się zwykle kompozycją, czyli cechami jej konstrukcji. utwór muzyczny: korelacja i metody opracowania muzycznego materiału tematycznego, korelacja i przemienność tonacji.
Slajd 3
forma dwuwierszowa
To, co śpiewa jeden solista, jest refrenem piosenki. Czy zwracałeś kiedyś uwagę na to, jak skomponowana jest piosenka? Zwłaszcza piosenka, którą może śpiewać wspólnie wiele osób – na demonstracji, na wędrówce, czy wieczorem przy pionierskim ognisku. Wydaje się, że jest on podzielony na dwie części, które następnie powtarzają się kilkukrotnie. Te dwie części są śpiewane, w przeciwnym razie werset ( Francuskie słowo dwuwiersz oznacza zwrotkę) i refren, inaczej zwany refrenem (to słowo jest również francuskie - refren).
Slajd 4
W pieśniach chóralnych refren często wykonuje sam śpiewak, a chór przejmuje refren. Piosenka składa się nie z jednego, ale zazwyczaj z kilku wersów. Muzyka w nich zwykle nie zmienia się lub zmienia się bardzo niewiele, ale słowa są za każdym razem inne. Refren pozostaje zawsze niezmienny zarówno pod względem tekstu, jak i muzyki. Przypomnij sobie jakąś pionierską piosenkę lub którąś z tych, które śpiewasz jadąc latem na kemping i przekonaj się, jak jest zbudowana. Formę, w jakiej napisana jest zdecydowana większość pieśni, nazywa się zatem formą wierszową.
Slajd 5
SCHOOL SHIP Teksty: Konstantin Ibryaev Muzyka: Georgy Struve I w piękny wrześniowy dzień, A kiedy nadchodzi luty, Szkoła, szkoła, wyglądasz jak statek płynący w dal. Refren: Teraz nasza wachta jest w kuratorium szkoły. To oznacza, że wszyscy jesteśmy żeglarzami. Jesteśmy zaznajomieni z pragnieniem odkryć, Nasze drogi są daleko. 2Co roku wchodzimy razem do nowej klasy, jak do nowego portu. Jak zawsze bierzemy na siebie nasze marzenia i piosenki. Chór. Teraz nasza wachta jest w kuratorium szkoły, A to oznacza, że wszyscy jesteśmy trochę żeglarzami. Jesteśmy zaznajomieni z pragnieniem odkryć, Nasze drogi są daleko. 3 Śladami bohaterów Greena, Na kartach dobrych książek Płyniemy pod niewidzialnym żaglem, Płyniemy prosto z przyjaciółmi. Chór. Teraz nasza wachta jest w kuratorium szkoły, A to oznacza, że wszyscy jesteśmy trochę żeglarzami. Jesteśmy zaznajomieni z pragnieniem odkryć, Nasze drogi są daleko. 4 Niezależnie od tego, czy zostaniemy żeglarzami, czy pilotujemy statek kosmiczny, nigdy nie wypuścimy człowieka za burtę. Chór. Teraz nasza wachta jest w kuratorium szkoły, A to oznacza, że wszyscy jesteśmy trochę żeglarzami. Jesteśmy zaznajomieni z pragnieniem odkryć, Nasze drogi są daleko.
Slajd 6
stara forma ronda
Opierają się one na dwóch (lub – w Rondzie – kilku) różnych materiałach tematycznych. Forma w takich przypadkach budowana jest na porównaniu, rozwinięciu, a czasem zderzeniu tych często kontrastujących, a czasem wręcz sprzecznych wątków.
Slajd 7
forma trójstronna
Trzyczęściowa konstrukcja zbudowana jest według schematu, który zwykle jest przedstawiany literami takimi jak ta: ABA. Oznacza to, że początkowy odcinek powtarza się na końcu, po kontrastującym odcinku środkowym. W tej formie powstają środkowe części symfonii i sonat, części suit, różne utwory instrumentalne, np. wiele nokturnów, preludiów i mazurków Chopina, pieśni bez słów Mendelssohna, romanse rosyjskie i kompozytorzy zagraniczni.
Slajd 8
forma dwuczęściowa
Forma dwuczęściowa jest mniej powszechna, ponieważ ma konotację niekompletności, porównania, jakby „bez konkluzji”, bez konkluzji. Jego schemat: AB. Istnieją również formy muzyczne oparte tylko na jednym temacie. Są to przede wszystkim wariacje, które trafniej można nazwać tematem z wariacjami (wariacje są też tematem osobnej opowieści w tej książce). Ponadto wiele formularzy opiera się na jednym temacie muzyka polifoniczna
, takie jak fuga, kanon, inwencja, chaconne i passacaglia.
Slajd 9
czyli kompozycja niezwiązana z ustalonymi standardowymi formami muzycznymi. Najczęściej kompozytorzy sięgają po formę swobodną, tworząc utwory programowe, a także komponując wszelkiego rodzaju fantazje i składanki na zapożyczone tematy. To prawda, że \u200b\u200bczęsto i w dowolnych formach występują cechy trójstronności - najczęstszej ze wszystkich struktur muzycznych.
To nie przypadek, że najbardziej złożona, najwyższa ze wszystkich form muzycznych – sonata – jest również zasadniczo trójdzielna. Jej główne części – ekspozycja, rozwinięcie i podsumowanie – tworzą złożoną trójdzielną strukturę – strukturę symetryczną i logicznie kompletną.
Slajd 10
Wyświetl wszystkie slajdy
Cele Lekcji: Materiał muzyczny
Ø lekcja:
Ø R. Wagnera. E. Krylatow, poezja
Dodatkowy materiał
Podczas zajęć:
I. Moment organizacyjny.
II. Wiadomość dotycząca tematu lekcji. Temat lekcji: Co to jest forma muzyczna. „Fabuły” i „bohaterowie”.
forma muzyczna
III. Pracuj nad tematem lekcji. Forma sztuki
– to treść, która stała się widoczna.
I. Gofmiller-
Forma muzyczna
1. Holistyczny, zorganizowany system wyrazowych środków muzycznych (melodia, rytm, harmonia itp.), za pomocą którego jego treść ideologiczna i figuratywna jest zawarta w dziele muzycznym. 2. Budowa, struktura utworu muzycznego, wzajemne relacje jego części. Elementami formy muzycznej są: motyw, fraza, zdanie, kropka. Różne drogi rozwój i porównywanie elementów prowadzi do powstania różnych form muzycznych. Podstawowe formy muzyczne: dwuczęściowe, trzyczęściowe, forma sonatowa, wariacje, forma wierszowa, grupowa formy cykliczne
, formy swobodne itp. Jedność treści i formy dzieła muzycznego jest głównym warunkiem i zarazem przejawem jego wartości artystycznej.
Jedna z form muzycznych, którą bez wątpienia wszyscy doskonale znacie. To jest forma wersetów, w której pisane są piosenki. Wywodząca się z niego starożytna forma ronda jest do niego podobna. Opierają się one na dwóch (lub – w rondzie – kilku) różnych materiałach tematycznych. Forma w takich przypadkach budowana jest na porównaniu, rozwinięciu, a czasem zderzeniu tych często kontrastujących, a czasem wręcz sprzecznych wątków.
W praktyce muzycznej powszechne są także formy trzyczęściowe i dwuczęściowe. Trzyczęściowa konstrukcja zbudowana jest według schematu, który zwykle jest przedstawiany literami takimi jak ta: ABA. Oznacza to, że początkowy odcinek powtarza się na końcu, po kontrastującym odcinku środkowym. W tej formie powstają środkowe części symfonii i sonat, części suit, różne utwory instrumentalne, np. wiele nokturnów, preludiów i mazurków Chopina, pieśni bez słów Mendelssohna, romanse kompozytorów rosyjskich i zagranicznych. Forma dwuczęściowa jest mniej powszechna, ponieważ ma konotację niekompletności, porównania, jakby „bez konkluzji”, bez konkluzji. Jego schemat: AB.
Istnieją również formy muzyczne oparte tylko na jednym temacie. Są to przede wszystkim wariacje, które trafniej można nazwać tematem z wariacjami. Ponadto wiele form muzyki polifonicznej opiera się na tym samym temacie, np. fuga, kanon, inwencja, chaconne i passacaglia. Wprowadzają w nie opowieści „polifonia”, „fuga”, „wariacje”.
W muzyce spotykamy także tzw. formę wolną, czyli utwór nie kojarzący się z ustalonymi standardowymi formami muzycznymi. Najczęściej kompozytorzy sięgają po formę swobodną, tworząc utwory programowe, a także komponując wszelkiego rodzaju fantazje i składanki na zapożyczone tematy. To prawda, że \u200b\u200bczęsto i w dowolnych formach występują cechy trójstronności - najczęstszej ze wszystkich struktur muzycznych.
To nie przypadek, że najbardziej złożona i najwyższa ze wszystkich form muzycznych – sonata – jest również zasadniczo trójdzielna. Jej główne sekcje – ekspozycja, rozwinięcie i podsumowanie – tworzą złożoną trójdzielną strukturę – strukturę symetryczną i logicznie kompletną. Przeczytacie o tym w opowiadaniu poświęconym sonacie.
MUZYKA PROGRAMOWA
Czy słuchasz fortepianu lub koncert skrzypcowy, symfonię Mozarta lub sonatę Beethovena. Ciesząc się piękną muzyką, możesz śledzić jej rozwój, jakże inny motywy muzyczne jak się zmieniają i rozwijają. Możesz też odtworzyć w swojej wyobraźni obrazy, obrazy, które przywołują brzmiąca muzyka. Jednocześnie Twoje fantazje prawdopodobnie będą się różnić od tego, co wyobraża sobie inna osoba, słuchając z Tobą muzyki. Oczywiście nie zdarza się, aby dźwięk muzyki dla Ciebie był odgłosem bitwy, a dla kogoś innego delikatną kołysanką. Ale burzliwa, groźna muzyka może budzić skojarzenia z żywiołami szalejącymi i z burzą uczuć w duszy ludzkiej, i z groźnym rykiem bitwy...
Istnieje wiele dzieł muzycznych, w których kompozytor w takiej czy innej formie wyjaśnia słuchaczom ich treść. Dlatego Czajkowski nazwał swoją pierwszą symfonię „Snami zimowymi”. Pierwszą jej część poprzedził tytułem „Sny na zimowej drodze”, a drugą – „Kraina ponura, kraina mglista”.
Nazywa się to muzyką programową muzyka instrumentalna, który opiera się na „programie”, czyli jakiejś bardzo konkretnej fabule lub obrazie.
Programy są dostępne w różnych typach. Czasami kompozytor szczegółowo opowiada treść każdego odcinka swojego dzieła. To właśnie zrobił na przykład Rimski-Korsakow w swoim obraz symfoniczny„Sadko” lub Lyadov w „Kikimorze”. Zdarza się, że zwracając się do powszechnie znanych dzieła literackie kompozytor uważa za wystarczające jedynie wskazanie tego źródła literackiego: oznacza to, że wszyscy słuchacze dobrze je znają. Dzieje się tak w Symfonii Faustowskiej Liszta, w Romeo i Julii Czajkowskiego i wielu innych dziełach.
W muzyce istnieje też inny rodzaj programowania, tzw. obrazkowe, kiedy nie ma zarysu fabuły, a muzyka maluje jeden obraz, obraz lub pejzaż. To są szkice symfoniczne Debussy'ego do Morza. Są trzy z nich: „Od świtu do południa na morzu”, „Gra fal”, „Rozmowa wiatru z morzem”. I tak nazywają się „Obrazy z wystawy” Musorgskiego, ponieważ kompozytor przekazał w nich swoje wrażenia z niektórych obrazów artysty Hartmanna. Jeżeli jeszcze nie słyszeliście tej muzyki, spróbujcie się z nią zapoznać. Wśród obrazów, które zainspirowały kompozytora, znajdują się „Krasnal”, „Stary Zamek”, „Balet niewyklutych piskląt”, „Chata na udkach kurczaka”, „Brama Bogatyra w starożytnym Kijowie” oraz inne charakterystyczne i utalentowane szkice.
HISTORIA STWORZENIA
Wagner zapoznał się z legendą Lohengrina w 1841 roku, ale dopiero w 1845 roku naszkicował jej tekst. W Następny rok rozpoczęły się prace nad muzyką.
Rok później operę ukończono w Clavier, a w marcu 1848 partytura była gotowa. Zaplanowana w Dreźnie premiera nie odbyła się z powodu wydarzenia rewolucyjne. Produkcję zrealizowano staraniem F. Liszta i pod jego kierunkiem dwa lata później, 28 sierpnia 1850 roku w Weimarze. Wagner zobaczył swoją operę na scenie zaledwie jedenaście lat po premierze.
Fabuła Lohengrina opiera się na różnych ludowe opowieści, swobodnie interpretowany przez Wagnera. W krajach nadmorskich, wśród ludów żyjących wzdłuż brzegów dużych rzek, powszechne są poetyckie legendy o rycerzu płynącym w łodzi zaprzężonej w łabędzia. Pojawia się w chwili, gdy dziewczyna lub wdowa, opuszczona i prześladowana przez wszystkich, znajduje się w śmiertelnym niebezpieczeństwie. Rycerz uwalnia dziewczynę od wrogów i poślubia ją. Żyją szczęśliwie przez wiele lat, jednak łabędź niespodziewanie powraca, a nieznajomy znika równie tajemniczo, jak się pojawił. Często legendy o „łabędziach” przeplatały się z opowieściami o Świętym Graalu. Nieznany rycerz okazał się wówczas synem Parsifala – króla Graala, który zjednoczył wokół siebie bohaterów strzegących tajemniczego skarbu dającego im cudowną moc w walce ze złem i niesprawiedliwością. Czasami legendarne wydarzenia przenoszono na pewne epoka historyczna- za panowania Henryka I Ptasznika (919-936).
Legendy o Lohengrinie zainspirowały wielu średniowiecznych poetów, jednym z nich był Wolfram Eschenbach, którego Wagner wyprowadził w swoim Tannhäuser.
Zdaniem samego Wagnera Motywy chrześcijańskie legendy o Lohengrinie były mu obce. Kompozytor widział w niej ucieleśnienie odwiecznych ludzkich dążeń do szczęścia i szczerej, bezinteresownej miłości. Tragiczna samotność Lohengrina przypomniała kompozytorowi jego własny los – los artysty, który wnosi ludziom wzniosłe ideały prawdy i piękna, ale spotyka się z niezrozumieniem, zazdrością i złośliwością.
A u innych bohaterów opowieści Wagnera przyciągano żywe cechy ludzkie. Elsa ocalona przez Lohengrina, ze swoją naiwną, prostą duszą, wydawała się kompozytorowi ucieleśnieniem siły żywiołu ducha ludowego. Kontrastowana jest z postacią złej i mściwej Ortrudy – uosobieniem wszystkiego, co bezwładne i reakcyjne. W indywidualnych wypowiedziach bohaterów, w pobocznych odcinkach opery wyczuwalny jest oddech epoki, w której powstawał Lohengrin: w nawoływaniach króla do jedności, w gotowości Lohengrina do obrony ojczyzny i wierze w nadchodzące zwycięstwo, echa słychać nadzieje i aspiracje postępowego narodu niemieckiego lat czterdziestych XIX wieku. Taka interpretacja starożytnych opowieści jest typowa dla Wagnera. Dla niego mity i legendy były ucieleśnieniem głębokiej i odwiecznej mądrości ludowej, w której kompozytor szukał odpowiedzi na nurtujące go dziś pytania.
DZIAŁKA
Na brzegach rzeki Skaldy, niedaleko Antwerpii, król Henryk Ptasznik zebrał rycerzy, prosząc ich o pomoc: wróg ponownie zagrażał jego dobytkowi. Hrabia Friedrich Telramund odwołuje się do królewskiej sprawiedliwości. Umierając, książę Brabancji powierzył mu swoje dzieci – Elsę i małego Gottfrieda. Pewnego dnia Gottfried w tajemniczy sposób zniknął. Friedrich oskarża Elsę o bratobójstwo i żąda jej procesu. Jako świadka powołuje swoją żonę Ortrudę. Król nakazuje sprowadzić Elsę. Wszyscy są zdumieni jej marzycielskim wyglądem i dziwnymi entuzjastycznymi przemówieniami. Elsa mówi, że we śnie ukazał jej się piękny rycerz, który obiecał jej pomoc i ochronę. Słuchając naiwnej historii Elsy, król nie może uwierzyć w jej winę. Friedrich jest gotowy udowodnić, że ma rację w pojedynku z tym, który stanie w obronie honoru Elsy. Wołanie herolda słychać z daleka, ale nie ma odpowiedzi. Fryderyk już świętuje zwycięstwo. Nagle na falach Skaldy pojawia się łabędź ciągnący gawronę; stoi w nim, wsparty na mieczu, nieznany rycerz w lśniącej zbroi. Po wyjściu na brzeg czule żegna się z łabędziem, a on powoli odpływa. Lohengrin ogłasza się obrońcą Elsy: jest gotowy walczyć o jej honor i nazwać ją swoją żoną. Nigdy jednak nie wolno jej pytać o imię wybawiciela. W przypływie miłości i wdzięczności Elsa przysięga wieczna wierność. Rozpoczyna się pojedynek. Frederick upada, uderzony ciosem Lohengrina; rycerz hojnie daje mu życie, ale zostanie wydalony za oszczerstwo.
Tej samej nocy Frederick postanawia opuścić miasto. Ze złością robi wyrzuty swojej żonie: to ona szeptała fałszywe oskarżenia pod adresem Elsy i obudziła w nim ambitne marzenia o władzy. Ortrud bezlitośnie wyśmiewa tchórzostwo męża. Nie cofnie się, dopóki się nie zemści, a bronią w jej walce będą pozory i oszustwa. Pomogą jej nie chrześcijański bóg, w którego ślepo wierzy Fryderyk, ale starożytni, mściwi pogańscy bogowie. Musimy zmusić Elsę do złamania przysięgi i zadania fatalnego pytania. Nietrudno nabrać zaufania do Elsy: widząc zamiast dawnej aroganckiej i dumnej Ortrudy pokorną, źle ubraną kobietę, Elsa wybacza jej dawny gniew i nienawiść i zaprasza ją do dzielenia się radością. Ortrud rozpoczyna podstępną grę: pokornie dziękuje Elsie za jej dobroć i z udaną troską ostrzega ją przed kłopotami – nieznajomy nie ujawnił imienia ani rodziny Elsy, może niespodziewanie ją opuścić. Ale serce dziewczyny jest wolne od podejrzeń. Nadchodzi poranek. Ludzie zbierają się na placu. Rozpoczyna się procesja weselna. Nagle drogę Elsie blokuje Ortrud. Zrzuciła maskę pokory i teraz otwarcie kpi z Elsy, nie znając imię twój przyszły małżonek. Słowa Ortruda wywołują ogólne zamieszanie. Nasila się, gdy Fryderyk publicznie oskarża nieznanego rycerza o czary. Ale Lohengrin nie boi się gniewu swoich wrogów – tylko Elsa może wyjawić jego sekret, a on jest pewien jej miłości. Elsa stoi zmieszana, zmaga się z wewnętrznymi wątpliwościami – trucizna Ortrudy zatruła już jej duszę.
Ceremonia ślubna dobiegła końca. Elsa i Loengrn zostają sami. Nic nie zakłóca ich szczęścia. Tylko jasna chmura przyćmiewa radość Elsy: nie może nazywać męża po imieniu. Początkowo nieśmiało, pieszczotliwie, a potem coraz bardziej uporczywie próbuje poznać tajemnicę Lohengrina. Na próżno Lohengrin uspokaja Elsę, na próżno przypomina jej o obowiązku i przysiędze, na próżno zapewnia ją, że jej miłość jest mu droższa niż wszystko na świecie. Nie mogąc przezwyciężyć podejrzeń, Elsa zadaje fatalne pytanie: kim on jest i skąd się wziął? W tym czasie do komnat wpada Friedrich Telramund z uzbrojonymi żołnierzami. Lohengrin wyciąga miecz i zabija go.
Dzień jest pracowity. Rycerze gromadzą się na brzegach Skaldy, gotowi rozpocząć kampanię przeciwko swoim wrogom. Nagle cichną radosne krzyki ludu: czterech szlachciców niesie okryte płaszczem zwłoki Fryderyka, a za nimi podąża milcząca Elsa, dręczona żalem. Pojawienie się Lohengrina wszystko wyjaśnia, Elsa nie dotrzymała przysięgi i musi opuścić Brabancję. Rycerz wyjawia swoje imię: jest synem Parsifala, zesłanym na ziemię przez bractwo Graala, aby chronić uciśnionych i obrażonych. Ludzie muszą wierzyć w posłańca nieba; jeśli mają wątpliwości, moc Rycerza Graala znika i nie może on pozostać na ziemi. Łabędź pojawia się ponownie. Lohengrin ze smutkiem żegna się z Elsą i przepowiada wspaniałą przyszłość dla Niemiec. Lohengrin uwalnia łabędzia, ten znika w wodzie, a z rzeki wyłania się mały Gottfried, brat Elsy, przemieniony za pomocą czarów Ortruda w łabędzia. Elsa nie może znieść rozłąki z Lohengrinem. Umiera w ramionach brata. A prom płynie po falach Skaldy, porwany przez białą gołębicę Graala. Lohengrin stoi w czółnie, opierając się smutnie o tarczę. Rycerz opuszcza ziemię na zawsze i udaje się do swojej tajemniczej ojczyzny.
MUZYKA
„Lohengrin” to jedna z najpełniejszych i najdoskonalszych oper Wagnera. Z wielką kompletnością odsłania bogaty świat duchowy i złożone doświadczenia bohaterów. Opera żywo ukazuje ostre, nieprzejednane zderzenie sił dobra i prawdy, ucieleśnione w wizerunkach Lohengrina, Elsy, ludzi i ciemne siły, uosobionego przez ponure postacie Fryderyka i Ortrudy. Muzykę opery wyróżnia rzadka poezja i wysublimowany, duchowy liryzm.
Widać to już we wstępie orkiestrowym, gdzie w przejrzystym brzmieniu skrzypiec wyłania się wizja pięknego królestwa Graala – krainy niemożliwych marzeń.
W pierwszym akcie swobodne naprzemienne sjeny solowe i chóralne przeniknięte jest stale narastającym napięciem dramatycznym. Historia Elsy „Pamiętam, jak się modliłam z głęboko zasmuconą duszą” oddaje kruchą, czystą naturę marzycielskiej, entuzjastycznej bohaterki. Rycerski wizerunek Lohengrina objawia się w uroczystym, wzniosłym pożegnaniu z łabędziem: „Płyń z powrotem, mój łabędziu”. Kwintet z chórem oddaje skupioną myśl, która ogarnęła obecnych. Akt kończy się licznym zespołem, w którego radosnej radości toną gniewne uwagi Fryderyka i Ortrudy.
Akt drugi jest pełen ostrych kontrastów. Jego początek spowity jest złowieszczym mrokiem, atmosferą złych intryg, któremu przeciwstawiają się jasne cechy Elsy. W drugiej połowie aktu jest dużo jasnych rzeczy. światło słoneczne, ruchy. Codzienne sceny – przebudzenie zamku, wojownicze chóry rycerskie, uroczysty orszak weselny – stanowią barwne tło dla dramatycznego starcia Elsy i Ortrudy. Małe arioso Elsy „O lekki wietrze” rozgrzewa radosna nadzieja i drżące oczekiwanie szczęścia. Kolejny dialog podkreśla odmienność bohaterek: odwołanie Ortrudy do pogańscy bogowie ma namiętny, żałosny charakter, mowa Elsy przesiąknięta jest serdecznością i ciepłem. Rozbudowana scena zbiorowa kłótni Ortrudy z Elsą w katedrze – złośliwe oszczerstwo Ortrudy i gorąca, podekscytowana przemowa Elsy – zachwyca dynamiczną zmianą nastroju. Duża rozbudowa prowadzi do potężnego kwintetu z chórem.
Akt trzeci zawiera dwie sceny. Pierwsza w całości poświęcona jest dramatowi psychologicznemu Elsy i Lohengrina. W centrum znajduje się jej miłosny duet. W drugim duże miejsce zajmują sceny zbiorowe. Genialna przerwa orkiestrowa wprowadza w ożywioną atmosferę uczty weselnej z wojowniczymi okrzykami, szczękiem broni i prostymi pieśniami. Chór weselny „Radosnego Dnia” przepełnia radość. Dialog Lohengrina i Elsy „Czułe serce płonie cudownym ogniem” to jeden z najlepszych odcinków opery; szerokie, elastyczne melodie liryczne o niesamowitej głębi oddają zmianę uczuć - od upojenia szczęściem po zderzenie i katastrofę.
Drugą scenę otwiera barwne orkiestrowe intermezzo zbudowane na apelu trąbek. W opowieści Lohengrina „W obcym kraju, w odległym górskim królestwie” przezroczysta melodia maluje majestatyczny, jasny obraz posłańca Graala. Dopełnieniem tej charakterystyki jest dramatyczne pożegnanie „O mój łabędziu” i żałobne, porywcze przemówienie do Elsy.
¾ lekcja: Przerwa do Akcja III. Z opery „Lohengrin” (słuchanie).
Praca wokalna i chóralna.
¾ lekcja: Przerwa w akcie III. Z opery „Lohengrin” (słuchanie).
¾ R. Wagnera. E. Krylatow, poezja Wierzę tylko w maszty i marzenia (śpiew).
IV. Podsumowanie lekcji.
V. Praca domowa.
Lekcja 18
Temat: „Forma artystyczna to treść, która stała się widoczna”
Wyświetl wszystkie slajdy
Ø Nauczać postrzegać muzykę jako integralną część życia każdego człowieka.
Ø Kultywować emocjonalną reakcję na zjawiska muzyczne, potrzebę przeżyć muzycznych.
Ø Kształtowanie kultury słuchania w oparciu o zapoznanie się z najwyższymi osiągnięciami sztuki muzycznej.
Ø Inteligentne postrzeganie dzieł muzycznych (znajomość gatunków i form muzycznych, tj ekspresja muzyczna, świadomość związku treści i formy w muzyce).
Materiał do lekcji muzyki:
Ø W. A. Mozart.
Ø F. Schuberta. Serenada (słucha).
Ø R. Wagnera. E. Krylatow, poezja Wierzę tylko w maszty i marzenia (śpiew).
Ø A. Zatsepin, E. Krylatow, L. Derbeneva. Jest tylko chwila (śpiewanie).
Dodatkowy materiał:
Dodatkowy materiał
Podczas zajęć:
I. Moment organizacyjny.
Temat lekcji: „Forma artystyczna to treść, która stała się widoczna”
forma muzyczna
Treścią są zarówno „obrazy zmiennych fantazji”, jak i „marzenia”, bieganie, wędrówka, odnajdywanie spokoju i spełnienia jedynie w precyzji i określoności formy. Zanim pochodzenia dzieła, pomysł jeszcze nie istnieje, nie jest sformalizowany, nie jest realizowany. I tylko Po W jaki sposób powstaje dzieło, możemy ocenić wszystkie zalety jego treści – nie dlatego, że ważniejsza jest forma, ale dlatego, że świat jest tak skonstruowany, że Treść nie może istnieć poza formą Dlatego badanie formy muzycznej oznacza badanie muzyki, tego, jak ona powstaje, jakimi drogami podąża myśl muzyczna, z jakich elementów się składa, kompozycji i dramaturgii Już w tym, jak dzieło się rozwija, co środki wyrazu wysuwa się w nim na pierwszy plan, odgaduje się intencję kompozytora, co składa się na brzmienie muzyczne, tworzące formę muzyczną? Muzycy wiedzą, że kompozytorzy często nawiązują do swoich dzieł nie tytułami, ale oznaczeniami tonacji: Preludium C-dur, Sonata h-moll itp. Oznacza to, że wybór trybu muzycznego – durowego i molowego oraz określonej tonacji, ma głęboki sens. Wiadomo, że wielu kompozytorów miało nawet ulubione tonacje, z którymi kojarzyli określone idee figuratywne. Być może, gdy Mozart zwrócił się ku tonacji d-moll, a Messiaen pisał o znaczeniu fis-dur w swoich utworach, kompozytorzy ci byli subiektywni (jak zapewne ci muzycy, którzy mają „kolorowe ucho”, czyli łączą brzmią określone tony określonymi kolorami). Jednak ich muzyka przekonuje nas o żywej wyrazistości wybranych tonacji, o ich głębokiej figuratywnej wartości. Oczywiście żałobne, a zarazem wzniosłe d-moll w „Lacrimosie” z Requiem Mozarta brzmi zupełnie inaczej w elegijno-smutnej Melodii Glucka z opery „Orfeusz i Eurydyka” czy w marzycielskiej Serenadzie Schuberta. Przecież nie sam wybór tonalności jest ważny, ale jej związek z ideą, obrazem i środkami wyrazu muzycznego.¾ W. A. Mozart. Msza żałobna. Lacrimosa (słucha).
¾ F. Schuberta. Serenada (słucha).
Praca wokalna i chóralna.
¾ R. Wagnera. E. Krylatow, poezja Wierzę tylko w maszty i marzenia (śpiew).
¾ A. Zatsepin, E. Krylatow, L. Derbeneva. Jest tylko chwila (śpiewanie).
IV. Podsumowanie lekcji.
Każdy element formy muzycznej jest głównym nośnikiem treści: po sposobie brzmienia muzyki, co w niej dominuje, jakie są cechy jej struktury, możemy ocenić obraz muzyczny, charakter i nastrój.
V. Praca domowa.
Naucz się tekstów piosenek i definicji.
Lekcja 19
Temat: Od całości do szczegółów
Wyświetl wszystkie slajdy
Ø Nauczać postrzegać muzykę jako integralną część życia każdego człowieka.
Ø Rozwijaj uważne i przyjazne podejście do otaczającego Cię świata.
Ø Kultywować emocjonalną reakcję na zjawiska muzyczne, potrzebę przeżyć muzycznych.
Ø Rozwijaj zainteresowanie muzyką poprzez ekspresja twórcza, przejawiający się w refleksjach nad muzyką i własną twórczością.
Ø Kształtowanie kultury słuchania w oparciu o zapoznanie się z najwyższymi osiągnięciami sztuki muzycznej.
Ø Sensowny odbiór dzieł muzycznych (znajomość gatunków i form muzycznych, środków wyrazu muzycznego, świadomość związku treści i formy w muzyce).
Materiał do lekcji muzyki:
Ø W. A. Mozart. Uwertura do opery „Wesele Figara” (słuchanie).
Ø F. Schuberta. Młynek do organów. Z cykl wokalny„Zimowe odosobnienie” (słuchanie).
Ø R. Wagnera. E. Krylatow, poezja Wierzę tylko w maszty i marzenia (śpiew).
Ø A. Zatsepin, E. Krylatow, L. Derbeneva. Jest tylko chwila (śpiewanie).
Ø E. Kołmanowski, E. Krylatow, L. Derbeneva, I. Shaferan. Serenada moskiewska (śpiew).
Ø A. Rybnikow, E. Krylatow, R. Tagore. Ostatni wiersz. Z filmu „Nawet o tym nie marzyłeś” (śpiew).
Dodatkowy materiał:
Dodatkowy materiał
Podczas zajęć:
I. Moment organizacyjny.
forma muzyczna
WESEL FIGARA (Le nozze di Figaro) – opera buffa W. A. Mozarta w 4 aktach, libretto L. da Ponte. Prawykonanie: Wiedeń, 1 maja 1786, pod dyrekcją autora.
Kiedy Mozart zdecydował się napisać „Wesele Figara”, istniały już prace na temat „Cyrulika sewilskiego” - G. Paisiello (1782), F. L. Benda i inni. Powszechnie przyjmuje się, że sukces opery Paisiello zadecydował Mozarta, aby sięgnąć po drugą sztukę Beaumarchais o Figarze. Być może ten motyw zagrał słynna rola, ale oczywiście nie było to decydujące. Popularność obu sztuk Beaumarchais, ich artystyczna doskonałość, dowcip, a przede wszystkim przenikliwość społeczna, wzbudziły sympatię Mozarta, człowieka i artysty świadomego upokarzającej pozycji muzyka w społeczeństwie feudalnym. Wizerunek Figara, przedstawiciela wschodzącego trzeciego stanu, przystępującego do obrony godność człowieka uosabiał idee demokratyczne swoich czasów. Jednak w Austrii komedia Beaumarchais została zakazana i aby uzyskać pozwolenie na wystawienie opery, trzeba było pójść na ustępstwa wobec cenzury. Dlatego przerabiając komedię na libretto, wiele wersów Figara trzeba było pominąć. Jednak to nie te skróty tekstu przesądzają o charakterze dzieła, które zachowało antyfeudalną orientację komedii Beaumarchais.
Opera wyraźnie wyraża ideę wyższości człowieka inteligentnego, przedsiębiorczego i odważnego nad ludem nad zdeprawowanym, aroganckim i obłudnym szlachcicem. Mozart nie tylko zachował podstawowe i najważniejsze motywy ideologiczne komedii; przemyślał, pogłębił i wzbogacił wizerunki bohaterów oraz odważnie dramatyzował akcję. Jego Hrabina odczuwa głębiej i subtelniej niż w komedii. Jej przeżycia są dramatyczne, choć pozostaje bohaterką opery komicznej. Wzbogacane są także obrazy czysto błazeńskie, jak np. Marcelina. W chwili, gdy dowiaduje się, że Figaro jest jej synem, melodia jej przyjęcia zmienia się nie do poznania: szczere, podekscytowane uczucie wypiera intonacje znane bohaterowi komediowemu. Nowe rozumienie systemu dramaturgii operowej znalazło wyraz w rozszerzeniu roli zespołów: w operze Mozarta ich liczba (14) jest równa liczbie arii. Jeśli wcześniej akcja ujawniała się w recytatywach, a arie i zespoły były jakby przystankiem w rozwoju fabuły, to u Mozarta także poruszają akcję. Ze względu na niewyczerpaną inspirację i rzadką ekspresję „Wesele Figara” jest najważniejszym kamieniem milowym w historii świata Teatr Muzyczny.
HISTORIA STWORZENIA
Fabuła opery zapożyczona jest z komedii słynnego francuskiego dramatopisarza P. Beaumarchais (1732-1799) „Szalony dzień, czyli wesele Figara” (1781), stanowiącej drugą część trylogii dramatycznej (pierwsza część to „ Cyrulik z Sewilli”, 1773, - posłużył za podstawę opery o tym samym tytule D. Rossiniego). Komedia pojawiła się w latach bezpośrednio poprzedzających rewolucja Francuska(po raz pierwszy wystawiony w Paryżu w 1784 r.), a ze względu na swoje antyfeudalne tendencje wywołał ogromne oburzenie społeczne. Mozarta urzekło Wesele Figara nie tylko żywiołowością bohaterów, szybkością akcji i komediową ostrością, ale także społeczno-krytycznym nastawieniem. W Austrii komedia Beaumarchais została zakazana, ale librecista Mozarta L. da Ponte (1749-1838) uzyskał pozwolenie na wystawienie opery. Podczas przeróbki libretta (napisanego w języku włoskim) skrócono wiele scen komedii i wydano dziennikarskie monologi Figara. Było to podyktowane nie tylko wymogami cenzury, ale także specyficznymi warunkami gatunek opery. Niemniej jednak główna idea sztuki Beaumarchais – idea moralnej wyższości zwykłego Figara nad arystokratą Almavivą – otrzymała nieodparcie przekonujące artystyczne ucieleśnienie w muzyce opery.
Bohater opery, lokaj Figaro, jest typowym przedstawicielem trzeciego stanu. Sprytny i przedsiębiorczy, szyderca i dowcip, odważnie prowadzący walkę z wszechpotężnym szlachcicem i triumfujący nad nim, Mozart przedstawia go z Wielka miłość i współczucie. W operze realistycznie ukazują się także postacie dziarskiej i czułej przyjaciółki Figara, Zuzanny, cierpiącej hrabiny, młodego Cherubina, ogarniętego pierwszymi wzruszeniami miłosnymi, aroganckiego hrabiego oraz tradycyjnych bohaterów komiksu – Bartola, Basilio i Marceliny.
Mozart zaczął komponować muzykę w grudniu 1785 roku i zakończył ją pięć miesięcy później; premiera odbyła się w Wiedniu 1 maja 1786 roku i zakończyła się niewielkim sukcesem. Prawdziwe uznanie opera zyskała dopiero po wystawieniu w Pradze w grudniu tego samego roku.
DZIAŁKA
Hrabina jest zasmucona obojętnością męża. Historia Zuzanny o jego niewierności głęboko rani jej serce. Szczerze współczując służącej i narzeczonemu, hrabina chętnie przystaje na plan Figara – wezwać w nocy hrabiego do ogrodu i wysłać do niego Cherubina ubranego w kobiecą suknię na randkę zamiast Zuzanny. Zuzanna natychmiast zaczyna ubierać stronę. Nagłe pojawienie się hrabiego wprawia wszystkich w zamieszanie; Cherubin ukryty jest w kolejnym pomieszczeniu. Zaskoczony zawstydzeniem żony hrabia żąda, aby otworzyła zamknięte drzwi. Hrabina uparcie odmawia, zapewniając, że Zuzanna jest na miejscu. Zazdrosne podejrzenia hrabiego pogłębiają się. Decydując się wyważyć drzwi, on i jego żona idą po narzędzia. Sprytna Zuzanna uwalnia Cherubina z jego kryjówki. Ale dokąd uciekać? Wszystkie drzwi są zamknięte. W strachu biedna strona wyskakuje przez okno. Powracający hrabia znajduje Zuzannę za zamkniętymi drzwiami, śmiejącą się z jego podejrzeń. Jest zmuszony prosić żonę o przebaczenie. Wbiega Figaro i melduje, że goście już się zebrali. Hrabia na wszelkie możliwe sposoby opóźnia początek wakacji – czeka na pojawienie się Marceliny. Gospodyni pozywa Figara: żąda, aby albo zwrócił jej dawny dług, albo się z nią ożenił. Ślub Figara i Zuzanny zostaje przełożony.
Sąd rozstrzygnął sprawę na korzyść Marceliny. Hrabia triumfuje, ale jego triumf jest krótkotrwały. Nagle okazuje się, że Figaro to syn Marceliny i Bartola, który jako dziecko został porwany przez rabusiów. Zrozpaczeni rodzice Figara postanawiają się pobrać. Teraz przed nami dwa wesela.
Hrabina i Zuzanna nie porzuciły pomysłu dania hrabiemu lekcji. Hrabina postanawia sama założyć suknię pokojówki i wybrać się na wieczorną randkę. Pod jej dyktando Zuzanna pisze notatkę, w której planuje spotkanie z hrabią w ogrodzie. W czasie wakacji Barbarina musi go oddać.
Figaro naśmiewa się ze swego pana, ale dowiedziawszy się od prostaczki Barbariny, że list napisała Zuzanna, zaczyna podejrzewać swoją narzeczoną o oszustwo. W ciemnościach nocnego ogrodu rozpoznaje Zuzannę w przebraniu, ale udaje, że wziął ją za hrabinę. Hrabia nie poznaje swojej żony przebranej za służącą i zabiera ją do altanki. Widząc Figara wyznającego miłość wyimaginowanej hrabinie, robi zamieszanie i nawołuje do publicznego skazania jego żony za zdradę stanu. Odrzuca prośby o przebaczenie. Ale wtedy pojawia się prawdziwa hrabina, zdejmując maskę. Hrabia wstydzi się i prosi żonę o przebaczenie.
MUZYKA
„Wesele Figara” – gospodarstwo domowe opera komiczna, w którym Mozart – pierwszy w historii teatru muzycznego – zdołał barwnie i wszechstronnie ukazać na żywo poszczególne postacie. Relacje i starcia tych postaci zdeterminowały wiele cech dramaturgii muzycznej Wesela Figara oraz nadały elastyczność i różnorodność jej formom operowym. Szczególnie istotna jest rola zespołów związanych z akcją sceniczną, która często rozwija się swobodnie.
Szybkość ruchu i odurzająca zabawa przenikają uwerturę opery, wprowadzając pogodną atmosferę wydarzeń „szalonego dnia”.
W pierwszym akcie zespoły i arie występują naprzemiennie w sposób naturalny i naturalny. Dwa kolejne duety Zuzanny i Figara przyciągają swoim wdziękiem; pierwszy jest radosny i pogodny; w żartobliwości drugiego przebijają się niepokojące nuty. Dowcip i odwaga Figara zostały uchwycone w cavatinie „Jeśli mistrz chce skoczyć”, której ironia została podkreślona rytm tańca. Drżąco podekscytowana aria Cherubina „Nie mogę powiedzieć, nie potrafię wyjaśnić” zarysowuje poetycki obraz zakochanej strony. Terzetta wyraziście oddaje złość hrabiego, zawstydzenie Bazylego i niepokój Zuzanny. Prześmiewcza aria „Frisky Boy”, zaprojektowana w charakterze marszu wojskowego, przy dźwiękach trąbek i kotłów, maluje obraz energicznego, temperamentnego i pogodnego Figara.
Drugi akt zaczyna się od jasnych epizodów lirycznych. Aria Hrabiny „Bóg miłości” urzeka liryzmem i szlachetną powściągliwością uczuć; Plastyczność i piękno melodii wokalu łączy się z subtelnością akompaniamentu orkiestry. Aria Cherubina „The Heart Excites” jest pełna czułości i tęsknoty za miłością. Finał aktu opiera się na swobodnej przemianie scen zespołowych; dramatyczne napięcie buduje się falami. Po burzliwym duecie hrabiego i hrabiny następuje terzetto rozpoczęte szyderczymi uwagami Zuzanny; Kolejne sceny z Figaro brzmią żywo, jasno, szybko. Akt kończy się licznym składem, w którym triumfalne głosy hrabiego i jego wspólników przeciwstawione są partiom Zuzanny, Hrabiny i Figara.
W trzecim akcie wyróżnia się duet hrabiego i Zuzanny, urzekający prawdziwością i subtelnością charakterów; jego muzyka oddaje jednocześnie przebiegłość uroczej panny i autentyczną pasję i czułość oszukanego hrabiego. Duet Zuzanna i Hrabina utrzymany jest w transparentnej, pastelowej kolorystyce; głosy cicho odbijają się echem, przy akompaniamencie oboju i fagotu.
Akt czwarty rozpoczyna się małą, naiwnie pełną wdzięku arią Barbariny „Dropped, Lost”. Liryczna aria Zuzanny „Przyjdź, mój drogi przyjacielu” okraszona jest cichą poezją księżycowa noc. Muzyka finału, oddająca złożone uczucia bohaterów, początkowo brzmi stłumiona, ale stopniowo przepełnia się radosną radością.
Rozważmy jedno z najweselszych dzieł w historii muzyki - Uwerturę Mozarta do jego opery „Wesele Figara”. O jej przebiegu pisze niemiecki muzykolog G. Abert, charakteryzując Uwerturę ruch muzyczny, który „drży wszędzie i wszędzie, to się śmieje, to cicho chichocze, to triumfuje; w szybkim locie pojawia się coraz więcej jego źródeł.. Wszystko pędzi w stronę twarzy
1 slajd
2 slajd
Formę muzyczną nazywa się zwykle kompozycją, to znaczy cechami konstrukcji dzieła muzycznego: powiązaniami i sposobami opracowania muzycznego materiału tematycznego, relacjami i naprzemiennością tonacji.
3 slajd
Początek utworu stanowi początek utworu. Czy zwracałeś kiedyś uwagę na to, jak skomponowana jest piosenka? Zwłaszcza piosenka, którą może śpiewać wspólnie wiele osób – na demonstracji, na wędrówce, czy wieczorem przy pionierskim ognisku. Wydaje się, że jest on podzielony na dwie części, które następnie powtarzają się kilkukrotnie. Te dwie części to refren, czyli inaczej zwrotka (francuskie słowo dwuwiersz oznacza zwrotkę) i refren, inaczej zwany refrenem (to słowo jest również francuskie - refren).
4 slajd
W pieśniach chóralnych refren często wykonuje sam śpiewak, a chór przejmuje refren. Piosenka składa się nie z jednego, ale zazwyczaj z kilku wersów. Muzyka w nich zwykle nie zmienia się lub zmienia się bardzo niewiele, ale słowa są za każdym razem inne. Refren pozostaje zawsze niezmienny zarówno pod względem tekstu, jak i muzyki. Przypomnij sobie jakąś pionierską piosenkę lub którąś z tych, które śpiewasz jadąc latem na kemping i przekonaj się, jak jest zbudowana. Formę, w jakiej napisana jest zdecydowana większość pieśni, nazywa się zatem formą wierszową.
5 slajdów
6 slajdów
Opierają się one na dwóch (lub – w Rondzie – kilku) różnych materiałach tematycznych. Forma w takich przypadkach budowana jest na porównaniu, rozwinięciu, a czasem zderzeniu tych często kontrastujących, a czasem wręcz sprzecznych wątków.
7 slajdów
Trzyczęściowa konstrukcja zbudowana jest według schematu, który zwykle jest przedstawiany literami takimi jak ta: ABA. Oznacza to, że początkowy odcinek powtarza się na końcu, po kontrastującym odcinku środkowym. W tej formie powstają środkowe części symfonii i sonat, części suit, różne utwory instrumentalne, np. wiele nokturnów, preludiów i mazurków Chopina, pieśni bez słów Mendelssohna, romanse kompozytorów rosyjskich i zagranicznych.
8 slajdów
Forma dwuczęściowa jest mniej powszechna, ponieważ ma konotację niekompletności, porównania, jakby „bez konkluzji”, bez konkluzji. Jego schemat: AB. Istnieją również formy muzyczne oparte tylko na jednym temacie. Są to przede wszystkim wariacje, które trafniej można nazwać tematem z wariacjami (wariacje są też tematem osobnej opowieści w tej książce). Ponadto wiele form muzyki polifonicznej opiera się na tym samym temacie, np. fuga, kanon, inwencja, chaconne i passacaglia.
