Informacje podstawowe, urządzenie Viola lub altówka skrzypcowa to strunowy, smyczkowy instrument muzyczny o tej samej budowie co skrzypce, ale nieco większych rozmiarów, dlatego brzmi w dolnym rejestrze. Imiona altówek w innych językach: altówka (włoska); altówka (angielski); alt (francuski); bratsche (niemiecki); alttoviulu (fiński). Struny altówki są nastrojone kwintę poniżej strun skrzypiec i oktawę powyżej strun wiolonczeli.

Podstawowe informacje, pochodzenie Apkhyartsa lub Apkhyartsa to strunowy instrument muzyczny, jeden z głównych ludowych instrumentów muzycznych ludów Abchazji i Adyghe. Nazwa „apkh'artsa” w swoim pochodzeniu wiąże się z wojskowym życiem ludu i wywodzi się od słowa „apkh'artsaga”, które w języku rosyjskim oznacza „to, co zachęca do pójścia naprzód”. Abchazi używają śpiewu w towarzystwie apkhartsy jako środka leczniczego. Pod

Informacje podstawowe Arpeggione (włoskie arpeggione) czyli gitara-wiolonczela, gitara miłości to strunowy instrument muzyczny smyczkowy. Rozmiarami i sposobem wytwarzania dźwięku przypomina wiolonczelę, ale podobnie jak gitara ma sześć strun i progów na gryfie. Niemiecka nazwa arpeggione to Liebes-Guitarre, francuska nazwa to Guitarre d’amour. Pochodzenie, historia Arpeggione został zaprojektowany w 1823 roku przez wiedeńskiego mistrza Johanna Georga Stauffera; trochę

Podstawowe informacje, pochodzenie Banhu to chiński strunowy instrument muzyczny, rodzaj huqin. Tradycyjne banhu było używane głównie jako instrument towarzyszący w północnochińskich dramatach muzycznych, operach północnych i południowych Chin lub jako instrument solowy i w zespołach. W XX wieku banhu zaczęto używać jako instrumentu orkiestrowego. Istnieją trzy rodzaje banhu – wysokie, średnie i

Podstawowe informacje, historia, rodzaje altówek Viola (altówka włoska) to starożytny strunowy instrument muzyczny smyczkowy różne typy. Altówki tworzą rodzinę starożytnych strunowych instrumentów muzycznych z progami na podstrunnicy. Altówki wywodzą się z hiszpańskiej vihueli. Altówki były szeroko stosowane w kościele, sądzie i muzyka ludowa. W XVI-XVIII wieku instrument tenorowy stał się szczególnie rozpowszechniony jako instrument solowy, zespołowy i orkiestrowy.

Informacje podstawowe Viola d'amore (włoska viola d'amore - altówka miłości) to starożytny strunowy instrument muzyczny z rodziny altówek. Viola d'amore była szeroko stosowana od końca XVII wieku do początek XIX wieku, po czym ustąpiły miejsca altówce i wiolonczeli. Zainteresowanie violą d'amore odżyło na początku XX wieku. Instrument ma sześć lub siedem strun, w najwcześniejszych modelach -

Informacje podstawowe Viola da gamba (włoska viola da gamba - altówka nożna) to starożytny strunowy instrument muzyczny z rodziny altówek, wielkością i zakresem zbliżonym do współczesnej wiolonczeli. Na violi da gamba grano w pozycji siedzącej, trzymając instrument między nogami lub opierając go bokiem na udzie – stąd nazwa. Z całej rodziny altówek, viola da gamba jest najdłuższym ze wszystkich instrumentów.

Informacje podstawowe, urządzenie, gra Wiolonczela to strunowy instrument muzyczny rejestru basowego i tenorowego, znany od czasów starożytnych połowa XVI wiek. Wiolonczela jest powszechnie stosowana jako instrument solowy, grupa wiolonczeli wykorzystywana jest w orkiestrach smyczkowych i symfonicznych, wiolonczela jest obowiązkowym uczestnikiem kwartetu smyczkowego, w którym jest instrumentem najniżej brzmiącym, a także często wykorzystywana jest w innych kompozycjach

Informacje podstawowe Gadulka to bułgarski ludowy instrument strunowy, używany do akompaniamentu do tańców i pieśni, charakteryzujący się specjalnym, miękkim, harmonicznym dźwiękiem. Pochodzenie, historia Pochodzenie gadułki wiąże się z perską kamanchą, arabskim rebabem i średniowiecznym rebekiem europejskim. Kształt korpusu i otworów dźwiękowych gadułki jest bardzo podobny do tzw. armudi kemenche (zwanej także lirą konstantynopolitańską,

Informacje podstawowe Gidzzak (gydzzak) to strunowy instrument muzyczny ludów Azji Środkowej (Kazachów, Uzbeków, Tadżyków, Turkmenów). Gijak ma kulisty korpus i jest wykonany z dyni, dużego orzecha, drewna lub innych materiałów. Pokryty skórą. Liczba strun gijak jest zmienna, najczęściej - trzy. Strojenie gijaka trójstrunowego to kwarta, zwykle es1, as1, des2 (Es, As pierwszej oktawy, Des drugiej oktawy).

Informacje podstawowe Gudok jest instrumentem muzycznym smyczkowym. Najpopularniejszy gwizdek miał miejsce w XVII-XIX wieku wśród bufonów. Róg ma wydrążony drewniany korpus, zwykle owalny lub w kształcie gruszki, oraz płaską płytę rezonansową z otworami dźwiękowymi. Szyjka brzęczyka ma krótką szyjkę bez progów, mieszczącą 3 lub 4 struny. Możesz odtwarzać brzęczyk, instalując go

Informacje podstawowe Jouhikko (youhikannel, jouhikantele) to starożytny fiński strunowy instrument muzyczny. Podobny do 4-strunowego estońskiego hiyukannel. Jouhikko ma wydrążony brzozowy korpus w kształcie łódki lub innego kształtu, pokryty świerkową lub sosnową płytą rezonansową z otworami rezonatora i bocznym wycięciem tworzącym rękojeść. Zwykle są 2-4 ciągi. Z reguły sznurki to włosy lub wnętrzności. Struktura jouhikko to kwarta lub kwarta piąta. Podczas

Informacje podstawowe Kemenche to ludowy instrument strunowy, spokrewniony z arabskim rebabem, średniowiecznym rebekiem europejskim, francuską pochette i bułgarską gadułką. Opcje wymowy i synonimy: kemendzhe, kemendzhesi, kemencha, kemancha, kyamancha, kemendzes, kementsia, keman, lira, pontiac lira. Wideo: Kemenche na wideo + dźwięk Dzięki tym filmom możesz zapoznać się z instrumentem, obejrzeć na nim prawdziwą grę, posłuchać go

Podstawowe informacje Kobyz jest narodowym instrumentem strunowym Kazachstanu. Kobyz nie posiada górnej płyty i składa się z wydrążonej, pokrytej bąbelkami półkuli, do której przymocowany jest uchwyt na górze i wylot na dole, służący do zabezpieczenia stojaka. Sznurki przywiązane do kobyza, w liczbie dwóch, tkane są z włosia końskiego. Grają na kobyzie, ściskając go w kolanach (jak na wiolonczeli),

Informacje podstawowe Kontrabas to największy strunowy instrument muzyczny, łączący w sobie cechy rodziny skrzypiec i altówek. Współczesny kontrabas ma cztery struny, chociaż kontrabasy z XVII i XVIII wieku mogły mieć trzy struny. Kontrabas ma gęstą, ochrypłą, ale nieco przytłumioną barwę, dlatego rzadko jest używany jako instrument solowy. Głównym zakresem jego zastosowania jest orkiestra symfoniczna,

Informacje podstawowe Morin khuur to strunowy instrument muzyczny pochodzenia mongolskiego. Morin khuur jest szeroko rozpowszechniony w Mongolii, regionalnie w północnych Chinach (głównie w regionie Mongolii Wewnętrznej) i Rosji (w Buriacji, Tuwie, obwodzie irkuckim i na terytorium Transbajkału). W Chinach morin khuur nazywany jest matouqin, co oznacza „instrument z głową konia”. Pochodzenie, historia Jeden z atrybutów legend mongolskich

Podstawy Nyckelharpa to tradycyjny szwedzki instrument smyczkowy, który przeszedł kilka modyfikacji w wyniku ewolucji na przestrzeni ponad 600 lat. W języku szwedzkim „nyckel” oznacza klucz. Słowo „harpa” zwykle odnosi się do instrumentów strunowych, takich jak gitara czy skrzypce. Nyckelharpa jest czasami nazywana „szwedzkimi skrzypcami klawiszowymi”. Za pierwszy dowód użycia nykelharpy uważa się wizerunek dwóch muzyków grających na tym instrumencie,

Podstawowe informacje, budowa Rabanastre to indyjski strunowy instrument muzyczny, spokrewniony z chińskim erhu i daleko z mongolskim morin khuur. Rabanastre ma niewielki cylindryczny drewniany korpus, pokryty skórzaną płytą rezonansową (najczęściej wykonaną ze skóry węża). Przez korpus przechodzi długa szyja w kształcie drewnianego pręta, z kołkami przymocowanymi w górnej części. Rabanastrum ma dwie struny. Zwykle sznurki są jedwabne

Informacje podstawowe Rebab to strunowy instrument muzyczny pochodzenia arabskiego. Słowo „rebab” po arabsku oznacza połączenie krótkich dźwięków w jeden długi. Korpus rebabu jest drewniany, płaski lub wypukły, trapezowy lub sercowaty, z niewielkimi nacięciami po bokach. Boki wykonane są z drewna lub kokosa, płyty rezonansowe ze skóry (z jelit bawoła lub pęcherza innych zwierząt). Szyja jest długa,

Podstawowe informacje, urządzenie, pochodzenie Rebek to starożytny strunowy instrument muzyczny. Rebek składa się z drewnianego korpusu w kształcie gruszki (bez muszli). Górna zwężająca się część korpusu przechodzi bezpośrednio w szyję. W płycie rezonansowej znajdują się 2 otwory rezonatora. Rebec ma 3 struny strojone w kwintach. Rebec pojawił się w krajach Europy Zachodniej około XII wieku. Obowiązuje do III kwartału

Informacje podstawowe Skrzypce są instrumentem strunowym o wysokim rejestrze. Wśród smyczków czołowe miejsce zajmują skrzypce – najważniejsza część współczesnej orkiestry symfonicznej. Chyba żaden inny instrument nie łączy w sobie piękna, wyrazistości brzmienia i sprawności technicznej. W orkiestrze skrzypce pełnią różnorodne i wieloaspektowe funkcje. Bardzo często wykorzystuje się skrzypce, ze względu na ich wyjątkową melodyjność

Instrumenty muzyczne są przeznaczone do wytwarzania różnych dźwięków. Jeśli muzyk gra dobrze, to dźwięki te można nazwać muzyką, jeśli nie, to kakafonią. Jest tak wiele narzędzi, że nauka ich jest jak ekscytująca gra gorsza niż Nancy Drew! We współczesnej praktyce muzycznej instrumenty dzieli się na różne klasy i rodziny w zależności od źródła dźwięku, materiału, z którego są wykonane, metody wytwarzania dźwięku i innych cech.

Mosiądz instrumenty muzyczne(aerofony): grupa instrumentów muzycznych, których źródłem dźwięku są drgania słupa powietrza w beczce (rurce). Klasyfikuje się je według wielu kryteriów (materiał, konstrukcja, metody produkcji dźwięku itp.). W orkiestrze symfonicznej grupa instrumentów dętych dzieli się na drewniane (flet, obój, klarnet, fagot) i blaszane (trąbka, róg, puzon, tuba).

1. Flet to instrument muzyczny dęty drewniany. Nowoczesny typ fletu poprzecznego (z zaworami) został wynaleziony przez niemieckiego mistrza T. Boehma w 1832 roku i ma odmiany: mały (lub flet piccolo), flet altowy i basowy.

2. Obój to trzcinowy instrument dęty drewniany. Znany od XVII wieku. Odmiany: mały obój, obój d'amour, rożek angielski, heckelphone.

3. Klarnet to instrument muzyczny dęty drewniany trzcinowy. Zbudowany na początku XVIII wiek We współczesnej praktyce stosuje się klarnety sopranowe, klarnet piccolo (włoski piccolo), alt (tzw. róg bassetowy) i klarnety basowe.

4. Fagot – instrument muzyczny dęty drewniany (głównie orkiestrowy). Powstał w 1. połowie. XVI wiek Odmianą basu jest kontrafagot.

5. Trąbka – instrument muzyczny z ustnikiem dętym i miedzianym, znany od czasów starożytnych. Nowoczesny typ rury zaworowej opracowany w kolorze szarym. XIX wiek

6. Róg – dęty instrument muzyczny. Pojawił się pod koniec XVII wieku w wyniku udoskonalenia rogu myśliwskiego. Nowoczesny typ rogu z zaworami powstał w pierwszej ćwierci XIX wieku.

7. Puzon – blaszany instrument muzyczny (głównie orkiestrowy), w którym wysokość dźwięku regulowana jest za pomocą specjalnego urządzenia – suwaka (tzw. puzon przesuwny lub zugtrobon). Istnieją również puzony zaworowe.

8. Tuba to najniżej brzmiący instrument dęty blaszany. Zaprojektowany w 1835 roku w Niemczech.

Metalofony to rodzaj instrumentu muzycznego, którego głównym elementem są klawisze talerzowe, w które uderza się młotkiem.

1. Samobrzmiące instrumenty muzyczne (dzwonki, gongi, wibrafony itp.), których źródłem dźwięku jest ich elastyczny metalowy korpus. Dźwięk wytwarzany jest za pomocą młotków, pałek i specjalnych perkusistów (języków).

2. Instrumenty takie jak ksylofon, w przeciwieństwie do których płyty metalofonowe wykonane są z metalu.

Strunowe instrumenty muzyczne (chordofony): zgodnie ze sposobem wytwarzania dźwięku dzielą się na smyczkowe (na przykład skrzypce, wiolonczelę, gidzhak, kemancha), szarpane (harfa, gusli, gitara, bałałajka), perkusję (cymbały), perkusję -klawiatura (fortepian), instrumenty klawiszowe szarpane (klawesyn).

1. Skrzypce to 4-strunowy instrument muzyczny smyczkowy. Najwyższy rejestr w rodzinie skrzypiec, który stał się podstawą klasycznej orkiestry symfonicznej i kwartetu smyczkowego.

2. Wiolonczela to instrument muzyczny z rodziny skrzypiec rejestru basowo-tenorowego. Pojawił się w XV-XVI wieku. Stworzono klasyczne projekty Włoscy mistrzowie 17-18 wieków: A. i N. Amati, G. Guarneri, A. Stradivari.

3. Gidzhak – strunowy instrument muzyczny (tadżycki, uzbecki, turkmeński, ujgurski).

4. Kemancha (kamancha) - 3-4-strunowy instrument muzyczny smyczkowy. Ukazuje się w Azerbejdżanie, Armenii, Gruzji, Dagestanie, a także w krajach Bliskiego Wschodu.

5. Harfa (z niemieckiego Harfe) to wielostrunowy instrument muzyczny szarpany. Wczesne obrazy - w trzecim tysiącleciu pne. W najprostszej formie występuje niemal we wszystkich krajach. Nowoczesna harfa pedałowa została wynaleziona w 1801 roku przez S. Erarda we Francji.

6. Gusli to rosyjski instrument muzyczny szarpany. Psalterie w kształcie skrzydeł („obrączkowane”) mają 4–14 lub więcej strun, hełmowe – 11–36, prostokątne (w kształcie stołu) – 55–66 strun.

7. Gitara (hiszpańska gitara, z greckiego cithara) to instrument szarpany typu lutni. Znany jest w Hiszpanii od XIII w., w XVII i XVIII w. rozprzestrzenił się w Europie i Ameryce, m.in. jako instrument ludowy. Od XVIII wieku powszechnie używano gitary 6-strunowej; gitara 7-strunowa stała się powszechna głównie w Rosji. Odmiany obejmują tak zwane ukulele; w nowoczesnym muzyka popowa używana jest gitara elektryczna.

8. Bałałajka to rosyjski ludowy 3-strunowy instrument muzyczny szarpany. Znany od początku. XVIII wiek Ulepszone w latach osiemdziesiątych XIX wieku. (pod przewodnictwem V.V. Andreeva) V.V. Iwanow i F.S. Paserbsky, którzy zaprojektowali rodzinę bałałajek, a później - S.I. Nalimov.

9. Cymbały (pol. cymbały) – wielostrunowy instrument perkusyjny o starożytnym pochodzeniu. Są członkami orkiestr ludowych Węgier, Polski, Rumunii, Białorusi, Ukrainy, Mołdawii itp.

10. Fortepian (włoski fortepiano, od forte – głośno i fortepian – cicho) – ogólna nazwa klawiszowych instrumentów muzycznych z mechaniką młoteczkową (fortepian, pianino). Na początku wynaleziono fortepian. XVIII wiek Pojawienie się nowoczesnego typu fortepianu – z tzw. podwójna próba - sięga lat dwudziestych XIX wieku. Okres świetności gry na fortepianie – XIX-XX wiek.

11. Klawesyn (francuski clavecin) – strunowy instrument muzyczny szarpany klawiaturą, poprzednik fortepianu. Znany od XVI wieku. Były klawesyny różne formy, rodzaje i odmiany, m.in. talerze, virginel, spinet, clavicytherium.

Klawiszowe instrumenty muzyczne: grupa instrumentów muzycznych, które łączy wspólna cecha - obecność mechaniki klawiatury i klawiatury. Dzielą się na różne klasy i typy. Klawiszowe instrumenty muzyczne można łączyć z innymi kategoriami.

1. Smyczki (instrumenty perkusyjne i instrumenty klawiszowe szarpane): fortepian, czelesta, klawesyn i jego odmiany.

2. Instrumenty dęte blaszane (instrumenty dęte i stroikowe): organy i ich odmiany, fisharmonia, akordeon guzikowy, akordeon, melodica.

3. Elektromechaniczny: pianino elektryczne, klawinet

4. Elektroniczne: pianino elektroniczne

fortepian (włoski fortepiano, od forte – głośno i fortepian – cicho) to ogólna nazwa klawiszowych instrumentów muzycznych z mechaniką młoteczkową (fortepian, pianino). Został wynaleziony na początku XVIII wieku. Pojawienie się nowoczesnego typu fortepianu – z tzw. podwójna próba - sięga lat dwudziestych XIX wieku. Okres świetności gry na fortepianie – XIX-XX wiek.

Perkusyjne instrumenty muzyczne: grupa instrumentów, których łączy sposób wytwarzania dźwięku - uderzenie. Źródłem dźwięku jest ciało stałe, membrana, struna. Wyróżnia się instrumenty o tonacji określonej (kotły, dzwonki, ksylofony) i nieokreślonej (bębny, tamburyny, kastaniety).

1. Kotły (kotły) (z greckiego politeaurea) to perkusyjny instrument muzyczny w kształcie kotła z membraną, często sparowany (nagara itp.). Ukazuje się od czasów starożytnych.

2. Dzwony – orkiestrowy, samobrzmiący instrument muzyczny perkusyjny: zestaw płyt metalowych.

3. Ksylofon (od ksylo... i greckiego fone - dźwięk, głos) - perkusyjny, samobrzmiący instrument muzyczny. Składa się z szeregu drewnianych klocków o różnej długości.

4. Bęben - membranowy instrument perkusyjny. Odmiany występują u wielu ludów.

5. Tamburyn – instrument muzyczny z membraną perkusyjną, czasami z metalowymi zawieszkami.

6. Kastaniety (hiszp. castanetas) – perkusyjny instrument muzyczny; drewniane (lub plastikowe) płytki w kształcie muszli, mocowane na palcach.

Instrumenty elektromuzyczne: instrumenty muzyczne, w których dźwięk powstaje poprzez generowanie, wzmacnianie i przetwarzanie sygnałów elektrycznych (przy użyciu sprzętu elektronicznego). Mają wyjątkową barwę głosu i potrafią naśladować różne instrumenty. Elektryczne instrumenty muzyczne obejmują Theremin, Emiriton, gitarę elektryczną, organy elektryczne itp.

1. Theremin to pierwszy krajowy instrument elektromuzyczny. Zaprojektowany przez L. S. Theremina. Wysokość dźwięku w Thereminie zmienia się w zależności od odległości prawej ręki wykonawcy od jednej z anten, głośności - od odległości lewej ręki od drugiej anteny.

2. Emiriton jest elektrycznym instrumentem muzycznym wyposażonym w klawiaturę typu fortepianowego. Zaprojektowany w ZSRR przez wynalazców A. A. Iwanowa, A. V. Rimskiego-Korsakowa, V. A. Kreitzera i V. P. Dzierżkowicza (pierwszy model w 1935 r.).

3. Gitara elektryczna – gitara, zwykle wykonana z drewna, wyposażona w przetworniki elektryczne, które zamieniają drgania metalowych strun na drgania prądu elektrycznego. Pierwszy przetwornik magnetyczny został wykonany przez inżyniera Gibsona Lloyda Loehra w 1924 roku. Najpopularniejsze są gitary elektryczne sześciostrunowe.

Skrzypce, wiolonczela, kontrabas. Być może najbardziej słynne instrumenty na których gra się łukiem. A przecież niewiele osób wie, że kontrabas to także instrument smyczkowy. Większość jest przyzwyczajona do widoku kontrabasu w rękach czarnego mężczyzny z cygarem w zębach, spokojnie szarpiącego struny. Ale nadal. Na świecie jest bardzo wielu Smyczków.

Większość z nich to instrumenty ludowe, które z biegiem czasu nie uległy większym zmianom konstrukcyjnym i przetrwały do ​​dziś w niemal takiej samej formie, w jakiej były setki lat temu. Nasza era powszechnej elektryfikacji dała początek elektrycznym wersjom skrzypiec i kontrabasu, co otworzyło przed wykonawcami zupełnie nowe i szerokie pole eksperymentów, biorąc pod uwagę ogromna ilość dodatkowe ich przetwarzanie. Tak czy inaczej, zasada działania tych narzędzi pozostaje taka sama i niezmieniona dla wszystkich.

Przyjrzyjmy się skrzypcom i smyczkowi do nich.

W konstrukcji skrzypiec wszystko jest mniej więcej jasne - pusty drewniany korpus, gryf, kołki, struny. Do tego kokardka i drewniana laska z rozciągniętą kępką końskiego włosia.

Najciekawszym pytaniem jest proces powstawania dźwięku. Łuk porusza się po strunach w obu kierunkach, trzymając je drugą ręką. Pojawia się dźwięk, zasadniczo skrzypiący dźwięk. Wibracje strun przenoszone są na ciało, które zaczyna rezonować i dzięki temu słychać dźwięk skrzypiec.

Przyjrzyjmy się bliżej.

Włosie końskie tworzące łuk ma dość grubą teksturę i ma ząbki widoczne pod mikroskopem.Dodatkowo - jest wstępnie nacierany kalafonią w celu poprawy przyczepności do sznurka.Same struny produkowane są na różne sposoby i z różnych materiałów.Najpopularniejszymi materiałami na struny do skrzypiec są metal, polimery nylonowe i ścięgna zwierzęce.

Tak, żyły zwierzęce.Wszystko zaczęło się od takich sznurków i są one produkowane do dziś, dodając do włókien różne nici nylonowe, poddając je wszelkiego rodzaju obróbkom poprawiającym wytrzymałość i stosując dodatkowe uzwojenie z różnych materiałów.

Więc oto jest.

Łuk poruszając się w jednym kierunku lekko skręca strunę ze względu na przyczepność i jej fakturę, ale w momencie największego oporu struna pęka i ślizga się, powodując wibracje podczas tarcia i odpowiednio dźwięk.

Wszystko to dzieje się bardzo szybko, a dźwięk odbierany jest jako jednorodny.Im krótsza struna, tym więcej wibruje, a co za tym idzie, dźwięk staje się wyższy.W ten sposób skrzypek zaciskając strunę na gryfie w różnych miejscach reguluje wysokość instrumentu.

Instrumenty smyczkowe są bezprogowe. Oznacza to, że skrzypek reguluje wysokość dźwięku, koncentrując się najpierw na swoim słuchu, a następnie na doświadczeniu.

I nie jest to zaskakujące, gdyż mechanizm działania jest bardzo podobny, z tą różnicą, że struny głosowe są pompowane powietrzem z płuc, a struny skrzypiec pompowane przez smyczek, przy czym ten sam bezprogowy charakter instrumentu przynosi pewną spontaniczność wykonania, gdyż najmniejszy ruch palców skrzypka zaciskających strunę wpływa na jej długość, a co za tym idzie na wysokość dźwięku.

Ludzie nie są maszynami i właśnie ta niedoskonałość z technicznego punktu widzenia dodaje muzyce uroku, ponieważ tak czy inaczej, gdy bierze się do ręki instrument i zaczyna na nim grać, człowiek całkowicie odbija się w dźwięku jak w lustrze...

Zwłaszcza jeśli jest to dźwięk skrzypiec.

Obecnie w muzyce symfonicznej i operowej wykorzystuje się następujące instrumenty smyczkowe: skrzypce, altówkę, wiolonczelę i kontrabas, które są efektem długiego rozwoju różnych wcześniejszych typów instrumentów smyczkowych. instrumenty smyczkowe DO
Czas powstania instrumentów smyczkowych jest trudny do ustalenia. Istnieje przypuszczenie, że ich kolebką był Wschód, a arabscy ​​muzycy sprowadzili do Hiszpanii w VIII wieku tzw. rebab i kemanchę. Ale jednocześnie w Europie w VIII wieku znany był już pięciostrunowy instrument smyczkowy – krotta. Najstarsze instrumenty smyczkowe nie posiadały progów. Progi pojawiły się dopiero w XIV wieku wraz z rozpowszechnieniem się lutni, która do Europy została sprowadzona także przez Arabów i zrewolucjonizowała konstrukcję instrumentów smyczkowych.
Następnie instrumenty smyczkowe przeszły wielkie zmiany konstrukcyjne i ostatecznie instrumenty zwane altówkami przyjęły formę z rzeźbionymi bokami.
Ze względu na sposób wykonania altówki dzieliły się na dwie grupy: altówki ręczne (viola da braccio), najbliżej skrzypiec i altówki oraz altówki nożne lub kolanowe (viola da gamba).
Skrzypce ręczne podzielono na wysokie, altowe i tenorowe; skrzypce nożne - na bas i kontrabas. Te ostatnie zagrały oktawę niżej od basów.
Wszystkie te altówki bardzo różniły się od współczesnych skrzypiec, altówek i wiolonczel kształtem zewnętrznym, liczbą strun i kształtem otworów rezonansowych.
Pudła rezonansowego altówek w górnej części (w stronę gryfu) nie ma
był mocno zaostrzony, wycięcia boczne miały kształt regularnego półkola, obie płyty rezonansowe były prawie całkowicie płaskie, a otwory dźwiękowe miały kształt dwóch wycięć w kształcie półksiężyca, umiejscowionych tak: () lub tak :) (.
Liczba strun na altówkach wahała się od pięciu (francuska altówka wiolinowa) do siedmiu.

Czasami, wraz z grą na strunach jelitowych, na altówkach rozciągano również rezonansowe (podwielokrotności) metalowe struny. Struny altówek umieszczono w niewielkich odległościach od siebie i bardzo blisko progowej gryfy; W rezultacie, a także ze względu na niewielką krzywiznę mostka, nie można było grać głośno na jednej ze środkowych strun.
Wraz ze wzrostem wymagań artystycznych i rozwojem technik wykonawczych, instrumenty smyczkowe również uległy poprawie. Ostateczny projekt instrumentów, który zapewniał najszlachetniejsze, pełne brzmienie i znacznie szersze możliwości artystyczne i techniczne, rozwinął się XVI wiek, najpierw na skrzypce, a następnie rozszerzony na większe instrumenty. Stopniowo starożytne instrumenty smyczkowe – altówki – zostały zastąpione nowymi, bardziej zaawansowanymi instrumentami, które powstawały powoli, w sposób ewolucyjny. Altówka, wiolonczela i kontrabas zastąpiły altówki odpowiadające ich wielkościom znacznie później niż skrzypce.
W XVI-XVII w. nad konstrukcją nowego typu instrumentów smyczkowych pracowały już całe szkoły mistrzowskie. Do najsłynniejszych szkół skrzypcowych tego czasu należały: Brescia (Gasparo da Salo, rodzina Magini), Cremona (rodziny Amati, Stradivari, Guarneri), tyrolska (Jacob Steiner).
Spośród mistrzów z Brescii szczególnie wyróżniała się rodzina Magini; najlepsze skrzypce stworzył Giovanni Magini (1580-1651).
Najwybitniejszym przedstawicielem rodu Amati był Nicola Amati (1596-1684), nauczyciel Andrei Guarneri i Antonio Stradivariego. Ten ostatni (1644-1737) był z kolei najsłynniejszym z mistrzów rodziny Stradivariusów. Najlepsze skrzypce Antonio Stradivariego są nadal uważane za niedoścignione ze względu na swoje wyjątkowe właściwości brzmieniowe.
Rodzina Guarneri działała w XVII-XVIII wieku. Najwybitniejszy z wytwórcy skrzypiec Do tej rodziny należał Giuseppe Guarneri1 (1698-1744), który stworzył szereg instrumentów dorównujących najlepszym dziełom Stradivariego. Jednym z wybitnych mistrzów instrumentów smyczkowych był rosyjski mistrz Iwan Batow (1767-1841), poddany hrabiego Szeremietiew, który stworzył szereg skrzypiec, altówek i wiolonczel o wyjątkowo wysokiej jakości.
Wśród mistrzów XIX wieku należy przede wszystkim wymienić Francuza J. B. Villiomę (1798-1875). Jego imitacje skrzypiec Stradivariusa stały się powszechnie znane.
W XX wieku dużą uwagę skrzypków zaczęły przyciągać instrumenty smyczkowe rosyjskich mistrzów - A. I. Lemana, E. F. Vitachka, T. F. Podgórnego.
Nowoczesne instrumenty smyczkowe. Podobnie jak starożytne, współczesne instrumenty smyczkowe, w zależności od wielkości, dzielą się na 2 grupy: podręcznik narzędzia i stopa.
Instrumenty smyczkowe obejmują skrzypce i altówkę, a instrumenty nożne to wiolonczelę i kontrabas.
1 - górny pokład i 2 - pokład dolny - główne części rezonansowe (wraz z korpusem tworzą korpus instrumentu); wewnątrz pomiędzy pokładami znajduje się tłumik (przekładka drążkowa) służący do przenoszenia drgań z pokładu górnego na dół; 3 - powłoka, 4 — gryf jest miejscem dociskania strun (posiada krzywiznę); 5 - pod szyją lub na pół szyi (swobodnie zwisający) - służy do mocowania sznurków; 6 - szyja - nosi szyję; 7 - pudełko na kołki - do wzmocnienia kołków; 8 - loki - koniec pudełka z kołkami (są figurowe; starożytni mistrzowie często robili loki w kształcie głowy mężczyzny lub lwa); 9 - kołki - służące do napinania strun (drewniane, w przeciwieństwie do metalowych kołków instrumentów szarpanych); 10 - nakrętka - służy do ograniczenia brzmiącej części strun (posiada krzywiznę zbliżoną do gryfy); 11 - stojak - ogranicza część brzmiącą strun, podtrzymuje je, tworzy krzywiznę w ułożeniu strun, przekazuje ich drgania na płyty rezonansowe; 12 - guzik - służy do zabezpieczenia połowy gryfu (wiolonczela i kontrabas również posiadają blokadę); 13 - efas - wyloty; 14 - wąsy - obramowują płyty rezonansowe; 15 — podbródek (dostępny tylko dla narzędzi ręcznych); 16 - iglica (dostępna tylko dla instrumentów nożnych).

Smyczki. Wszystkie instrumenty smyczkowe mają cztery struny. Stosowane są sznurki metalowe (stalowe) i jelitowe (drut), także te oplecione nitką aluminiową lub srebrną. Ostatnio obok sznurków jelitowych popularne stały się również sznurki nylonowe.
Cienkie, metalowe struny, nie oplecione żyłką, stosowane są wyłącznie do I struny skrzypiec.
Stosowane są trzy struny jelitowe o różnej grubości: do drugiej i trzeciej struny skrzypiec (obecnie nieużywane),
na I i II strunę altówki (teraz również wychodzą z użytku),
na I i II strunę wiolonczeli (obecnie prawie nigdy nie spotyka się jelitowych drugich strun wiolonczeli),
na I i II strunę kontrabasu.
Stosowane są metalowe struny oplecione aluminiową nicią:
na II strunę skrzypiec,
na altówkę I strunową,
na I strunę wiolonczeli.

1 - wał lub laska (sprężyny w kierunku przeciwnym do włosa); 2 - blok do mocowania włosów (drugi koniec włosa jest zamocowany na końcu laski lub trzonka), przesuwa się wzdłuż laski poprzez obracanie śruby; 3 — śruba do napinania włosów poprzez przesuwanie bloku; 4 - sierść (końska) nacierana kalafonią, aby zapobiec cichemu przesuwaniu się po sznurku; 5 - koniec laski lub trzonka.

Stosowane są struny jelitowe (nylonowe) oplecione nitką aluminiową:
na 3. strunę skrzypiec, na 2. strunę altówki, na 2. strunę wiolonczeli.
Struny jelitowe oplecione srebrną nicią stosuje się:
na czwartą strunę skrzypiec, na 3. i 4. strunę altówki, na 3. i 4. strunę wiolonczeli, na 3. i 4. strunę kontrabasu.
Przy tym samym napięciu cieńsza struna brzmi wyżej niż grubsza, a dłuższa struna brzmi niżej niż krótsza.
Struna opleciona pętlą brzmi niżej niż struna o tej samej średnicy, która nie jest opleciona srebrną lub aluminiową laską.
Długość strun zależy od wielkości instrumentu. Odnosi się to do długości odcinka sondującego struny – pomiędzy nakrętką a stojakiem.
Wibracje strun. Struny, umocowane w dwóch punktach (na kołku i na gryfie) i naprężone przez kołki w wymaganym stopniu, posiadają część sondującą pomiędzy nakrętką (dolna granica) a mostkiem (górna granica).
Wysokość dźwięku zależy od napięcia struny. Im ciaśniejsza struna, tym wyższy dźwięk.
Dźwięk powstaje w wyniku drgań ciała sprężystego (źródłem dźwięku jest w tym przypadku struny), wyprowadzone ze stanu równowagi i dążące do przywrócenia tej równowagi:

Rozciągnięta struna – ciało sprężyste A-B – wyprowadzona ze stanu równowagi w położeniu a, stara się powrócić do pierwotnego położenia a, lecz dzięki bezwładności przekracza granicę a i dociera do położenia a. Następnie próbując ponownie wrócić do pozycji a, ona również dzięki bezwładności osiąga prawie pozycję a, po czym wraca prawie do pozycji a... Zatem struna będzie oscylować, stopniowo uspokajając się, aż do całkowitego ustania oscylacji, czyli , aż do chwili, gdy ponownie zajmie pozycję a.
Nazywa się odległość między punktami a” i a”. zakres Lub amplituda drgań.
Czas, w którym ciało pokonuje odległość od „a” do „a” i z powrotem do „a”, nazywany jest czasem trwania lub okresem całkowitej oscylacji.
W procesie wyciszania drgań struny dźwięk stopniowo zanika i zanika całkowicie, gdy struna powraca do pozycji a.
Miejsce największej amplitudy drgań struny (jej środek) nazywa się antywęzłem, a miejsce unieruchomienia struny (w którym amplituda wynosi zero) nazywa się węzłem.
Dźwięk a powstaje w wyniku 440 podwójnych drgań (880 prostych) 1 na sekundę. Dwukrotna liczba wibracji wytwarza dźwięk o oktawę wyższą, a połowa tej liczby wytwarza dźwięk o oktawę niższą.
Zatem a ma liczbę podwójnych oscylacji równą: 440:2 = 220.
A-220: 2=110,

A 1 - 110: 2 = 55,

A 2 - 55:2 = 27,5
Odpowiednio, 2 ma liczbę podwójnych oscylacji równą: 440*2=880.
a 3 to 880*2=1760, a 4 to 1760*2 = 3520.
Najniższe dźwięki wydają długie i grube struny (skręcone gimpem). Wysokie dźwięki wydobywają się z krótkich, cienkich strun. Warunki te są utrzymywane przy stosunkowo równym napięciu. Struny sztucznie osłabione (to znaczy struny luźno napięte), mimo że dadzą w przybliżeniu pożądany ton, są zwiotczałe, słabe i niestabilne w tonacji. Wręcz przeciwnie, zbyt napięte struny wytwarzają pusty i pozbawiony wyrazu dźwięk.
Technika lewej ręki. Różnorodne możliwości wysokości dźwięków na instrumentach smyczkowych uzyskuje się poprzez skracanie napiętych strun palcami lewej ręki i uzyskiwanie w ten sposób dźwięków wyższych niż te, które wytwarzają struny, które nie są skracane poprzez dociskanie palców do gryfu.
Struny nazywane są otwartymi, jeśli dźwięk uzyskuje się w wyniku drgań całej struny, a nie skracanego przez nacisk palców lewej ręki. Część dźwiękowa otwartego (pustego) sznurka znajduje się pomiędzy nakrętką a stojakiem. Palce lewej ręki skracają strunę, dociskając ją w różnych miejscach do gryfy. Wtedy brzmiąca część struny znajdzie się pomiędzy punktem nacisku a stojakiem.
Jeżeli skrócisz strunę o 1/2 (na pół), czyli wciśniesz ją w środek, wówczas jej część brzmiąca stanie się o połowę krótsza w stosunku do struny otwartej, a dźwięk będzie o oktawę wyższy niż dźwięk otwartej struny.
Jeżeli skrócisz strunę o 1/3”, czyli dociśniesz ją w odległości 1/3 od nakrętki, wówczas część brzmiąca będzie równa 2/3 długości otwartej struny, a dźwięk będzie być o jedną piątą wyższa niż w przypadku otwartego ciągu.
Jeśli skrócisz strunę o 1/4, wówczas część brzmiąca będzie równa 3/4 struny otwartej, a dźwięk będzie o jedną czwartą wyższy niż w przypadku struny otwartej.
Jeśli skrócisz strunę o 1/5, wówczas część brzmiąca będzie równa 4/5 struny otwartej, a dźwięk będzie o jedną trzecią większą wyższy niż w przypadku struny otwartej 2.
Jeśli skrócisz strunę o 1/6, wówczas część brzmiąca będzie równa 5/6 struny otwartej, a dźwięk będzie o jedną trzecią małą wyższy niż w przypadku struny otwartej.
Jeśli skrócisz strunę o 1/9, wówczas część brzmiąca będzie równa 8/9 struny otwartej, a dźwięk będzie o dużą sekundę wyższy niż w przypadku struny otwartej.
Jeśli skrócisz strunę o 1/16, wówczas część brzmiąca będzie równa 15/16 struny otwartej, a dźwięk będzie o małą sekundę wyższy niż w przypadku struny otwartej.
Podteksty. Struna, jak każde ciało sprężyste, podlega złożonemu ruchowi oscylacyjnemu, składającemu się z szeregu prostych. Wibruje nie tylko na całej swojej długości, ale jednocześnie w poszczególnych częściach: dwóch połówkach, trzech trzecich, czterech czwartych, pięciu piątych, sześciu szóstych itp.
Każda częściowa wibracja wytwarza swój własny dźwięk. Zatem gdy struna wibruje, oprócz tonu głównego odpowiadającego wibracji całej struny, słyszymy całą serię wyższych alikwotów zwanych tonami cząstkowymi, czyli alikwotami, odpowiadającymi drganiom połowy struny (drugi alikwot), trzecia struna (trzeci alikwot), ćwierćnuta (czwarty alikwot) itd.
Te ruchy oscylacyjne struny można przedstawić na poniższym schemacie:


Zatem każda część wibrującej struny wytwarza odpowiedni ton porządkowy. Kolejna seria podtekstów nazywana jest skałą naturalną lub akustyczną.
Załóżmy, że podczas drgań cała struna wydaje dźwięk (ton podstawowy) C. W tym przypadku dzieląc strunę sukcesywnie na dwie połowy, trzy trzecie, cztery czwarte itd.
Flajolety. Harmoniczna to alikwot izolowany od barwy brzmiącej struny. Harmonie powstają w wyniku podziału brzmiącej struny na kilka odcinków o jednakowej długości, a zatem jednakowo brzmiących. Osiąga się to poprzez lekkie dotknięcie (a wcale nie mocne!) palcem w dowolne miejsce, w którym struna jest podzielona na określoną liczbę równych części. Oczywiste jest, że przy tak lekkim dotknięciu nie nastąpi zwykłe skrócenie struny, a jedynie podkreślenie jednego alikwotu


(mianowicie posiadanie tutaj węzła) kosztem wszystkich pozostałych (posiadanie antywęzłów w tym miejscu). Nie trzeba specjalnie wyjaśniać, że miejsce o największej amplitudzie drgań – antywęzeł – nie może powstać tam, gdzie uniemożliwia to lekkie dotknięcie palca; wręcz przeciwnie w najlepszy możliwy sposób sprzyja tworzeniu silnych węzłów.
Jeśli lekko dotkniesz palcem środka struny, rozdzieli się ona na dwie jednakowo brzmiące części (od nakrętki do punktu styku i od niej do mostka). Każda z tych części będzie równa 1/2 struny otwartej i usłyszymy drugi dźwięk naturalny (harmoniczny), czyli dźwięk o oktawę wyższy od struny otwartej. Po całkowitym naciśnięciu w tym miejscu zabrzmi tylko połowa struny, czyli pojawi się normalny (nie flajoletowy) dźwięk o oktawę wyższy niż struny otwartej. W tym przypadku dźwięk harmoniczny odpowiada wysokością zwykłego dźwięku struny, ale różni się od niego barwą.
Jeśli dotkniesz w miejscu odpowiadającym 1/3 lub 2/3 długości struny, zostanie ona podzielona na trzy równe, jednakowo brzmiące odcinki, a każdy z nich będzie równy 1/3 otwartej struny. Zabrzmi trzeci naturalny dźwięk (flageolet), to znaczy dźwięk o oktawę + piątą wyższą niż otwarta struna.
Po całkowitym naciśnięciu do 1/3 długości struny dźwięk będzie o jedną piątą wyższy od otwartego, a po naciśnięciu na 2/3 długości struny zabrzmi kwinta przez oktawę, czyli a dźwięk nieflageolantowy, odpowiadający wysokością trzeciemu alikwotowi.
Jeśli dotkniesz struny w miejscu odpowiadającym 1/4 lub 3/4 jej długości (a nie w 2/4 = 1/2, bo tutaj uzyskuje się drugi naturalny dźwięk), to zostanie ona podzielona na cztery równe , równie brzmiące segmenty , a każdy z nich będzie równy 1/4 otwartej struny. Zabrzmi czwarty dźwięk naturalny (flageolet), czyli dźwięk o dwie oktawy wyższy od otwartej struny.
Po całkowitym naciśnięciu 1/4 długości struny dźwięk będzie o jedną czwartą wyższy od otwartego, a po naciśnięciu 3/4 długości struny przez oktawę zabrzmi oktawa, czyli nie -dźwięk harmoniczny odpowiadający czwartemu alikwotowi.
Sekwencyjny podział struny na części (w celu wyodrębnienia harmonicznych). Jeśli przyjmiemy dźwięk całej struny jako C, to:
II dźwięk naturalny – harmoniczna oktawowa (można ją uzyskać w miejscu, w którym przy normalnie dociśniętej strunie uzyskuje się oktawę):

Trzeci dźwięk naturalny - piąta harmoniczna (można ją uzyskać w miejscu, w którym przy normalnie dociśniętej strunie uzyskuje się piątą):

Czwarty dźwięk naturalny to harmoniczna kwarta (można ją uzyskać w miejscu, w którym za pomocą normalnie zaciśniętej struny uzyskuje się kwartę):

Piąty dźwięk naturalny to trzecia harmoniczna wielka (można ją uzyskać w miejscu, gdzie przy normalnie dociśniętej strunie uzyskuje się tercję wielką):

Szósty dźwięk naturalny to tercja mała (można ją uzyskać w miejscu, gdzie przy normalnie dociśniętej strunie uzyskuje się tercję małą):

Siódmy dźwięk naturalny powstaje w wyniku podziału struny na siedem części (można go uzyskać w miejscu, gdzie przy normalnym naciśnięciu struny uzyskuje się odstęp nieco mniejszy niż tercja mała):

Ósmy dźwięk naturalny powstaje w wyniku podziału struny na osiem części (można go skorygować w miejscu, gdzie przy normalnym naciśnięciu struny interwał jest nieco mniejszy niż tercja mała):

Na krótkich strunach stosuje się alikwoty 2., 3., 4., a czasami 5., na długich strunach czasami także 6. i 8. alikwot.
Lepiej wydobyć wysokie alikwoty 6. i 8. w miejscach 5/6 i 7/8 długości struny (czyli bliżej mostka, do smyczka) niż w 1/6 i 1/8 długości struny. długość sznurka (czyli bliżej nakrętki). Pod tym warunkiem te podteksty pojawiają się również na krótszych strunach.
Barwa harmonicznych różni się znacznie od barwy tych samych wydobywanych dźwięków w zwykły sposób, ponieważ nie jest zabarwiony podtekstami. Harmoniczne brzmią bardzo cicho i delikatnie, są usuwane ostrożnie ze względu na niebezpieczeństwo przypadkowego przekształcenia dotyku palca w zwykłe naciśnięcie, co niszczy harmoniczne.
Wibracje nie są możliwe w przypadku naturalnych harmonicznych.

Notatka. Wibracja to niewielki ruch lewej ręki wokół osi (miejsca nacisku struny), powodujący pewne wahania wysokości dźwięku (imitacja ludzkiego głosu). Oczywiste jest, że wibracje są całkowicie niemożliwe na otwartych strunach.

Harmonie są oznaczone literą O nad każdą nutą.

Harmoniczne naturalne i sztuczne. Harmoniczne mogą być naturalne lub sztuczne.
Harmoniczne naturalne powstają na strunach otwartych, to znaczy na strunach, które nie zostały skrócone naciskiem palców lewej ręki.
Sztuczne harmoniczne uzyskuje się z już skróconej (zaprasowanej) struny.
Sztuczne harmonie wykonuje się dwoma palcami, z których jeden – bliżej siodełka – mocno dociska strunę, a drugi dotyka jej w odpowiednim punkcie pomiędzy punktem nacisku a mostkiem.
Możliwe są sztuczne harmoniczne, zaczynając od czwartej i dalej, w kierunku zmniejszania interwału (tercja wielka, tercja mała itp.).
Nie można przyjmować sztucznych harmonicznych większych niż kwarta, ponieważ normalne rozciągnięcie palców nawet na skrzypcach (najmniejszym instrumencie) nie przekracza kwarty.

Notatka. Na skrzypcach wyjątkowo (po mocnym rozciągnięciu palców) możliwa jest harmonika kwintowych2.

Nagrywanie sztucznych harmonicznych. Kompletny zapis sztucznych harmonicznych obejmuje trzy elementy: 1) miejsce ścisłego dociśnięcia (skrócenia) struny jest oznaczone regularną notatką o wymaganym czasie trwania; 2) miejsce dotknięcia skróconej struny w celu jej podziału na części oznaczone jest rombem umieszczonym nad banknotem; 3) wreszcie mała nuta nad rombem pokazuje rzeczywistą dźwięczność harmonicznej:

Metody ekstrakcji dźwięku. Istnieją trzy sposoby wydawania dźwięku na instrumentach smyczkowych: 1) przesuwając smyczek wzdłuż struny; 2) szarpiąc palcem i 3) uderzając strunę trzciną (trzonem) smyczka.

Kokardka na sznurku(technika gry zwana agso). Gdy smyczek się porusza, struna wibruje w sposób ciągły i wydaje melodyjny dźwięk. Im silniejszy jest nacisk smyczka i im szybszy jest jego ruch (w pewnym stopniu oba te czynniki są od siebie zależne), tym silniejszy jest dźwięk struny. Jednak zbyt duży nacisk smyczka może uniemożliwić swobodne drganie struny, w takim przypadku wymuszony dźwięk zamienia się w skrzypienie włosia końskiego pokrytego kalafonią.
Elastyczność i wyrazistość brzmienia instrumentów smyczkowych polega na tym, że wykonawca może w każdej chwili bezpośrednio wpłynąć na produkcję dźwięku i nadać nieskończoną liczbę niuansów od fortepianu do forte.
Szczypta(technika gry zwana pizzicato). Metoda ta powoduje jednorazowe wyprowadzenie struny ze stanu równowagi. Po szarpnięciu dźwięk szybko zanika i nie ma wpływu na jego późniejsze brzmienie. Dlatego nie ma sensu pisać pizzicato inaczej niż w ćwiartkach lub, jeśli to konieczne, w krótszych odstępach czasu.
Szarpanie najczęściej wykonuje się palcem prawej ręki, chociaż w praktyce istnieją techniki gry pizzicato palcami lewej ręki (głównie na otwartych strunach).
Przy przejściu od pizzicato do performance słowo agso umieszcza się z kokardą. Zmiana techniki agso i pizzicato oznacza przynajmniej minimalną przerwę w dźwięku, zwłaszcza jeśli podczas agso smyczek był w ruchu skierowany w dół, przez co prawa ręka odsunęła się daleko od struny.
Stukanie laską(z trzonkiem) smyczka na strunie (technika gry zwana col legno) to raczej efekt perkusyjny, gdyż w powstałym dźwięku stukanie dominuje nad intonacją (określnością wysokości i barwy dźwięku).
Miejsce, w którym łuk jest naciągnięty na cięciwę. Zwykle miejscem trzymania smyczka jest środek odległości pomiędzy mostkiem a końcem podstrunnicy. To tutaj powstaje najpełniejszy i najbardziej wyrazisty dźwięk.
Czasami, dla specjalnego efektu, dźwięk wydobywa się poprzez przytrzymanie smyczka przy mostku (technika ta nazywa się sul ponti-cello). Uzyskany w ten sposób dźwięk jest cichy, ale ostry i ma charakterystyczną barwę zbliżoną do brzmienia harmonijki ustnej. Dźwięk można również wydobyć na samej podstrunnicy (technika ta nazywa się sul tasto). Technika ta pozwala uzyskać dźwięk o delikatnym, zimnym tonie, nieco przypominającym flet.
Specyficzny charakter dźwięku uzyskiwanego podczas gry smyczkiem sul tasto lub sul ponticello tłumaczy się tym, że podczas trzymania smyczka sul tasto niszczone są niskie dźwięki naturalne (4 i 5), które mają węzły w miejscu ukłonu, a podczas trzymania smyczka sul ponticello Ton główny jest częściowo wyłączony.

Podstawowe zasady techniki ukłonu (tzw. technika prawej ręki). Prowadzenie łuku w dół (od bloku do końca) sygnalizowane jest znakiem ∏, w górę (od końca do bloku) znakiem V. W pierwszym przypadku (prowadzącym w dół) naturalnie wychodzi diminuendo, w drugim (prowadzącym w górę) – crescendo, gdyż im bardziej ciężar samej ręki odsuwa się od struny, tym łatwiej wydobyć cichy, delikatny dźwięk z instrumentu - i odwrotnie. W związku z tym pianissimo wypada lepiej, gdy gra się końcem smyczka, podczas gdy ostre akcenty fortissimo są bliżej bloku.
Podczas gry w forte smyczek porusza się po strunie szybciej niż przy grze na pianinie, więc długie nuty lub duża liczba nut na smyczek są możliwe tylko na fortepianie.
Uderzenia. Uderzenia to różne techniki poruszania łukiem. Przekazują znaczenie semantyczne wykonywanej muzyki, dlatego słusznie można je uznać za najważniejszy środek ekspresja muzyczna podczas gry na instrumentach smyczkowych.
Na przestrzeni długiego czasu najbogatsza praktyka gry – przede wszystkim na skrzypcach i wiolonczeli – zgromadziła wiele różnorodnych uderzeń, pomiędzy którymi w niektórych przypadkach trudno wyznaczyć określoną linię i sklasyfikować je. Dlatego poniżej skupimy się na najbardziej podstawowych pociągnięciach i tylko pokrótce poruszymy niektóre z ich najpopularniejszych odmian.
Za główne uderzenia należy uznać detache, legato, różne rodzaje staccato i spiccato, a także tremolo. Detache (francuski) – uderzenie o wyraźnym ataku, wyraźnie wyrażonym charakterze deklamacyjnym. Uderzenie to służy do wykonywania energetycznych fraz, wymagających dużej pełni i bogactwa tonu:

W szybkim ruchu skoku odłączonego można odtwarzać także konstrukcje o porządku motorycznym, w tym pasaże dość szybkie (jeśli jest to konieczne do osiągnięcia wystarczającej pełni dźwięku):

Jeśli detache wykonuje się z najdłuższym łukiem w danym tempie, aż do wykorzystania całego zamachu, wówczas technikę tę nazywa się zwykle grand detache:

Jak widać ze wszystkich powyższych przykładów, najważniejsze piętno detache, niezależnie od tempa, siły dźwięku i zamachu smyczka, to gra jednej nuty na każdy ruch smyczka w jednym kierunku. W oparciu o tę cechę ten i inne podobne pociągnięcia (na przykład sautille opisane poniżej) nazywane są podzielonymi.
Przeciwnie, legato jest uderzeniem składającym się z kilku nut na jednym smyczku. W przeciwieństwie do deklamacyjnego charakteru detache, płynny ruch legato w największym stopniu odwzorowuje pieśniową, ariatyczną stronę śpiewu ludzkiego.
W notacji legato każda liga reprezentuje jeden kierunek łuku. Oto przykłady fraz melodycznych wykonywanych legato:

Uderzenia staccato – staccato i spiccato – różnią się od siebie tym, że staccato wykonywane jest bez odrywania smyczka od struny, natomiast spiccato polega właśnie na odbijaniu się smyczka po każdym kontakcie ze struną.
Istotą staccato jest energiczne pchnięcie smyczkiem, po którym następuje natychmiastowe osłabienie dźwięku. W powyższym fragmencie staccato grane są wszystkie ósemki i oczywiście szesnastki (każdą szesnastkę gra się przesuwając smyczek w tym samym kierunku, w którym poprzednia ósemka jest oddzielona pauzą):

Jeśli chodzi o ćwierćnuty z kropkami nad nimi, to w tym przypadku długość samego dźwięku (naciśnięcie smyczkiem) jest znacznie krótsza niż okres tłumienia dźwięczności (prawie całkowite zatrzymanie ruchu smyczka). Dodatkowo przed każdym nowym pchnięciem następuje prawdziwy przystanek pozwalający zmienić kierunek ruchu. Podobny sposób gry staccato z podkreślonym podzielonym uderzeniem nazywa się martele. Czasami wskazują na to wydłużone, spiczaste kliny nad nutami lub wskazania słowne.
Każdą nutę zwykłego staccato można zagrać w tym samym lub przeciwnym kierunku ruchu smyczka w stosunku do poprzedniego(-ych).
W poniższym przykładzie przerywane staccato można zagrać na dwa sposoby: za pomocą uderzenia rozdzielonego (tzn. naprzemiennie à i V) i dwóch nut staccato na każdy kierunek smyczka:

Dlatego też można grać dwie lub więcej nut staccato w jednym kierunku. Każdy z nich ma swój własny, specjalny lekki ruch (pchnięcie) za pomocą łuku.
Przytoczmy dla przykładu dość powszechną w praktyce wirtuozowskiej technikę grania znacznej liczby nut staccato w jednym kierunku smyczka (łatwiej w górę); Należy jedynie zauważyć, że podczas gry grupowej to uderzenie nie ma zastosowania:

Jak wspomniano powyżej, spiccato jest głównym uderzeniem odbijającym. Główną cechą takich pociągnięć jest ich lekkość i zwiewność.
Oto kilka przykładów różnych zastosowań spiccato. Pełen wdzięku, w umiarkowane tempo Fragment wykonanego uwertury „Dziadek do orzechów”:

Sautille różni się od zwykłego spiccato tym, że wraz ze wzrostem prędkości wykonawca przestaje kontrolować poszczególne ruchy łuku i od tego momentu zaczyna dominować mechaniczny, motoryczny charakter uderzenia, regulowany przez elastyczność łuku, jego możliwość odbicia się od sznurka.
Przykładem sautille jest „Lot trzmiela” z „Opowieści o carze Saltanie”:

Wszystkie spiccato gra się środkową tercją smyczka – w forte bliżej bloku, w fortepianie bliżej jego końca. Ponadto wraz ze wzrostem prędkości ruchu (dotyczy to zwłaszcza odmian motorowych) łuk również przesuwa się od środka do końca.
Z niepodzielnych uderzeń skokowych najczęstszym jest uderzenie rzucające - tzw. rykoszet. Ten skok jest możliwy nie tylko na jednej strunie:

ale także podczas przechodzenia od struny do struny, na przykład podczas wykonywania grupowań arpeggiowych na trzech lub czterech strunach:

Nie trzeba specjalnie wyjaśniać, że za pomocą skokowych skoków silnika nie można osiągnąć znaczącej siły dźwięku.
Jednym z najczęstszych uderzeń orkiestrowych jest tremolo. Jest to powtarzanie jednej nuty poprzez szybkie, naprzemienne poruszanie smyczkiem w różnych kierunkach bez odrywania go od struny (tzw. tremolo prawej ręki). Im głośniejsze brzmienie musisz wydobyć podczas gry tremolo, tym większy zamach musisz wykonać smyczkiem. Głośny dźwięk wytwarzany jest przez środek smyczka przy dużym wahaniu jego ruchu; wręcz przeciwnie, ledwo słyszalne tremolo (dosłownie szelest) można uzyskać dopiero na końcu smyczka, przy jego prawie niezauważalnym ruchu.

Notatka. Tego typu tremolo nie należy mylić z sekwencją dwóch szybko naprzemiennych dźwięków na jednym smyczku (tzw. tremolo lewej ręki):

Tremolo jest zatem przede wszystkim akcentem orkiestrowym, gdyż na jedność jego brzmienia składają się poszczególne tremolo o różnej prędkości ruchu prawej ręki (oczywiście z wyjątkiem przypadków, gdy prędkość powtarzanych nut jest ściśle określona przez autora).
Praktyka gry na instrumentach smyczkowych rozwinęła znaczną liczbę technik uderzeń, które sprawiają, że wykonanie jest żywe, znaczące i wyraziste. Niestety, nie wszystkie te techniki można znaleźć dokładny wyświetlacz w zapisie muzycznym, a wykonawcy często muszą tylko domyślać się, jaką technikę zastosować, aby zagrać tę czy inną frazę, jak rozmieścić partie smyczka, aby nie zniekształcić muzyki niewłaściwymi akcentami, gdzie lepiej zastosować staccato a gdzie spiccato, itp., itd. Inaczej mówiąc, kompozytor w dużej mierze zależy od wykonawców – ich taktu, wrażliwości, muzykalności. Wszystko to tym bardziej zobowiązuje każdego autora nowego dzieła do szczegółowego wskazania w partyturze wszystkich swoich intencji. Oczywiście w trakcie pracy wykonawcy będą mogli zaoferować bardziej udane opcje frazowania (cieniowania), ale musimy pamiętać, że z kolei prawidłowe propozycje mogą powstać jedynie na podstawie dokładnego zrozumienia inwencji autora zamiar.
Podajmy kilka przykładów, gdzie charakter kreski w decydujący sposób determinuje sformułowanie i dlatego wymaga szczegółowej instrukcji w tym zakresie.

wówczas będzie to już sposób grania zwany marcato (podkreślanie, podkreślanie).
Ostatnio w praktyce gry ugruntowało się jeszcze jedno uderzenie – środkowe pomiędzy mocno zaakcentowanym detache a spiccato. W odniesieniu do przykładu podanego właśnie w nagraniu, ta technika wykonania wyglądałaby następująco:

to znaczy różniłby się od poprzednich metod wykonania tym, że każda nuta akcentowana byłaby oddzielona od sąsiedniej krótką pauzą (poprzez podniesienie smyczka ze struny).
Wśród technik gry na instrumentach smyczkowych szczególne miejsce zajmuje gra akordów trzy- i czterodźwiękowych. Zwykle gra się je tak, jakby składały się z dwóch interwałów zawartych w każdym akordzie:

Niektórzy wykonawcy sugerowali granie akordów arpeggiowanych:

jest to jednak pierwsza metoda, która stała się powszechna.
Możliwe są sekwencje akordów trzy- i czterodźwiękowych, z których każdy jest wykonywany z opuszczonym smyczkiem. Przy odpowiednim naciśnięciu smyczka trzydźwiękowe akordy można grać bez arpeggiato, to znaczy na wszystkich trzech strunach można grać jednocześnie (smyk przyciągnięty bliżej gryfu; wraz ze wzrostem dźwięczności przesuwa się on bliżej mostka). Jest rzeczą oczywistą, że popowe arpeggiato to krótkotrwały i gwałtowny efekt.
Akordów czterodźwiękowych w ogóle nie da się zagrać w popowym arpeggiato, chociaż w znaczącym forcie kolejność interwałów tworzących akord można ograniczyć do minimum.
Oto wyraźny przykład grupowego użycia akordów trzy- i czterodźwiękowych, z których większość grana jest w formie popowego arpeggiato.

Instrumenty smyczkowe to grupa instrumentów muzycznych, których wydawanie dźwięku odbywa się głównie w procesie trzymania smyczka na napiętych strunach. Istnieje duża liczba ludowych instrumentów smyczkowych. We współczesnym akademickim muzykowaniu używa się czterech instrument strunowy: Skrzypce, altówka, wiolonczela, kontrabas. Zakres całej grupy smyczkowej obejmuje prawie siedem oktaw od przeciwoktawy C do piątej oktawy C. Wokół formowano i udoskonalano instrumenty smyczkowe koniec XVII wieku, pod koniec XVIII wieku pojawił się dopiero łuk w nowoczesnej formie. Pomimo różnic barwowych pomiędzy poszczególnymi instrumentami grupy, jako grupa brzmią one jednorodnie. Wynika to z jedności projektu i ogólna zasada produkcja dźwięku. Źródłem dźwięku wszystkich instrumentów są smyczki; wydawanie dźwięku odbywa się za pomocą smyczka (arco) lub palców (pizzicato). Skrzypce- instrument muzyczny smyczkowy o wysokim rejestrze. Ma pochodzenie ludowe, współczesny wygląd uzyskał w XVI wieku, a rozpowszechnił się w XVII wieku. Posiada cztery struny strojone w kwintach: g, d1,a1,e² (mała oktawa G, D, A pierwszej oktawy, E drugiej oktawy), zakres od g (mała oktawa G) do a4 (A czwartej oktawy oktawa) i wyżej. Barwa skrzypiec jest gęsta w niskim rejestrze, miękka w środku i olśniewająca w górnym. Budowa skrzypiec. Skrzypce składają się z dwóch głównych części: korpusu i gryfu, wzdłuż którego naciągnięte są struny. Korpus skrzypiec ma owalny kształt z zaokrąglonymi rowkami po bokach tworzącymi „talię”. Okrągłość zewnętrznych konturów i linii talii zapewnia wygodną grę, szczególnie w wysokich rejestrach. Dolna i górna płaszczyzna korpusu - pokład - są połączone ze sobą listwami drewna - muszlami. Dolna płyta rezonansowa lub „dół”, Górna płyta rezonansowa lub „pokrywa”, Muszle, Deska rozdzielcza, Gryf lub strunnik, Pętla, Przycisk, Podstawka. Grif. Gryf skrzypiec wykonany jest z długiego bloku z litego, twardego drewna (hebanu lub palisandru). Z biegiem czasu powierzchnia podstrunnicy zużywa się lub staje się nierówna. Dolna część gryfu przyklejona jest do gryfu, który wchodzi w główkę, składającą się z tunera i spirali. Górna nakrętka to hebanowa płytka umieszczona pomiędzy gryfem a główką, ze szczelinami na struny. Rowki w nakrętce naciera się smarem grafitowym lub grafitem (ołówek grafitowy) w celu zmniejszenia tarcia na strunach i przedłużenia ich żywotności. Otwory w nakrętce rozprowadzają struny w jednakowej odległości od siebie. Gryf jest półkolistą częścią, którą wykonawca zakrywa dłonią podczas gry. Szyjka i nakrętka są przymocowane do górnej części szyi. Smyczki. Sznurki przechodzą od gryfu, przez mostek, po powierzchni gryfu i przez nakrętkę do kołków, które owija się wokół nich w główce. Skrzypce mają cztery struny:

pierwszy („piąty”)- górny, dostrojony do E drugiej oktawy. Metalowa, solidna struna E ma dźwięczny, błyszczący kolor tembr.

drugi- dostrojony do A pierwszej oktawy. Żyła (jelitowa lub wykonana ze specjalnego stopu) lita „la” ma miękką, matową powierzchnię tembr.

trzeci- dostrojony do D pierwszej oktawy. Żyła (jelita lub włókno sztuczne) „re”, opleciona aluminiową nicią, ma miękką, matową powłokę tembr.

czwarty („bas”)- niższy, dostrojony do G małej oktawy. Żyła (jelitowa lub sztuczna) „sól”, opleciona srebrną nicią, szorstka i gruba tembr. Ukłon- Drewniana laska, którą z jednej strony wbija się w głowę, z drugiej przymocowany jest klocek. Włos z ogona końskiego (sztuczny lub naturalny) jest rozciągnięty pomiędzy głową a blokiem. Włosie końskie, szczególnie grube, posiada duże łuski, pomiędzy którymi znajduje się nacierająca kalafonia, która korzystnie wpływa na dźwięk. Podkładka pod brodę. Zaprojektowany z myślą o wygodzie grania jako muzyk. Położenie boczne, środkowe i ich pośrednie dobierane są w oparciu o preferencje ergonomiczne skrzypka. Most. Został również zaprojektowany z myślą o wygodzie gry muzyka. Mocuje się z tyłu skrzypiec i jest przeznaczony do montażu na ramieniu gracza. Składa się ze stojaka (prostego lub zakrzywionego, twardego lub pokrytego miękką tkaniną, drewnem, metalem lub karbonem) oraz zapięć z każdej strony. Niezbędna elektronika, taka jak wzmacniacz mikrofonowy, często jest ukryta w metalowej konstrukcji. Głównymi markami nowoczesnych mostów są WOLF, KUN itp. Struny są wciśnięte cztery palce lewej ręki do podstrunnicy (z wyłączeniem kciuka). Struny naciąga się za pomocą łuku trzymanego w prawej ręce gracza. Po naciśnięciu palcem długość obszaru wibracyjnego struny zmniejsza się, dzięki czemu zwiększa się częstotliwość, czyli uzyskuje się wyższy dźwięk. Struny, które nie są dociskane palcem, nazywane są otwartymi i przy wskazywaniu palcowania są oznaczone zerem.

Dotykając strunę w niektórych miejscach niemal bez nacisku, uzyskuje się harmoniczne. Wysokość niektórych dźwięków harmonicznych wykracza poza standardowy zakres skrzypiec. Ułożenie palców lewej ręki nazywa się palcowaniem (od słowa palcowanie). Palec wskazujący Dłonie nazywane są pierwszymi, środkowy palec drugim, serdeczny palcem trzecim, a mały palec czwartym. Pozycja to palcowanie czterech sąsiednich palców, oddalonych od siebie o jeden ton lub półton. Każdy ciąg może mieć siedem lub więcej pozycji. Im wyższa pozycja, tym trudniej jest grać czysto. Na każdej strunie, z wyłączeniem kwint, idą przeważnie tylko do piątej pozycji włącznie; ale na piątej lub pierwszej strunie, a czasem na drugiej, stosuje się wyższe pozycje - aż do dwunastej. Alt(altówka angielska i włoska, alt francuski, altówka niemiecka) lub altówka skrzypcowa - smyczkowy instrument muzyczny o tej samej budowie co skrzypce, ale nieco większy, dlatego brzmi w dolnym rejestrze. Struny altówki strojone są kwintę poniżej strun skrzypiec i oktawę powyżej strun wiolonczeli – c, g, d1, a1 (C, G małej oktawy, D, A pierwszej oktawy). Najczęściej spotykany jest zakres od c (do małej oktawy) do e3 (mi trzeciej oktawy); w utworach solowych można stosować dźwięki wyższe. Nuty zapisywane są kluczami altowymi i wiolinowymi. Techniki gry na altówce: Techniki gry na altówce różnią się nieco od gry na skrzypcach pod względem wydobycia dźwięku i techniki, ale sama technika gry jest nieco bardziej ograniczona ze względu na większy rozmiar i w rezultacie konieczność większego rozciągania instrumentu. palce lewej ręki. Ton altówki– mniej jasne niż skrzypce, ale gęste, matowe, aksamitne w dolnym rejestrze, nieco nosowe w górnym. Taka barwa altówki jest konsekwencją faktu, że wymiary jej korpusu („pudła rezonatora”) nie odpowiadają jej strojeniu: o optymalnej długości 46–47 centymetrów (takie altówki wykonywali dawni mistrzowie Szkoły włoskie) nowoczesny instrument ma długość od 38 do 43 centymetrów [źródło nieokreślone 592 dni]. Najczęściej gra się na altówkach większych, zbliżonych do klasycznych soliści z więcej silne ręce i rozwiniętą technologię. Wiolonczela(wiolonczela włoska, wiolonczela w skrócie, wiolonczela niemiecka, wiolonczela francuska, wiolonczela angielska) – smyczkowy instrument muzyczny rejestru basowego i tenorowego, znany od pierwszej połowy XVI wieku, o tej samej budowie co skrzypce czy altówka, ale znacznie większe rozmiary. Wiolonczela posiada szerokie możliwości wyrazowe i starannie opracowaną technikę wykonania, wykorzystywana jest jako instrument solowy, zespołowy i orkiestrowy. Technika gry na wiolonczeli. Zasady gry i uderzenia podczas gry na wiolonczeli są takie same jak na skrzypcach, jednak ze względu na większe rozmiary instrumentu i inną pozycję grającego, technika gry na wiolonczeli jest bardziej skomplikowana. Stosowane są harmonie, pizzicato, zakłady na kciuki i inne techniki gry. Dźwięk wiolonczeli jest soczysty, melodyjny i intensywny, lekko skompresowany w górnym rejestrze na dolnych strunach. Struktura strun wiolonczelowych: C, G, d, a (C, G dużej oktawy, D, A małej oktawy), czyli oktawę poniżej altowego. Dzięki rozwiniętej technice gry na strunie zakres wiolonczeli jest bardzo szeroki – od C (do oktawy durowej) do A4 (A czwartej oktawy) i wyżej. Nuty zapisywane są kluczami basowymi, tenorowymi i wiolinowymi, zgodnie z ich rzeczywistym brzmieniem. Kontrabas(włoski kontrabas lub basso, francuski kontrabas, niemiecki kontrabas, angielski kontrabas) - największy rozmiarami (około dwóch metrów wysokości) i najniższy w brzmieniu z powszechnie stosowanych smyczkowych instrumentów muzycznych, łączący w sobie cechy rodziny skrzypiec i rodziny altówek. Posiada cztery struny dostrojone w kwartach: E1, A1, D, G (E, licznik oktawa, D, G duża oktawa), zakres od E1 (przeciwoktawa E) do g1 (pierwsza oktawa G) i wyżej. Technika gry na kontrabasie. Na kontrabasie gra się na stojąco (zwykle soliści) lub siedząc na wysokim stołku (głównie w orkiestrze), ustawiając instrument przed sobą. Wysokość instrumentu jest regulowana długością iglicy. Techniki i uderzenia gry na kontrabasie są takie same jak na skrzypcach, jednak ze względu na jego duże rozmiary i mniej dogodną (pod względem ciężaru) pozycję smyczka, technika gry na kontrabasie jest znacznie ograniczona: duże rozciągnięcie palców i częste zmiany pozycji utrudniają wykonywanie szybkich pasaży, skoków i gam. Pizzicato brzmi dobrze na kontrabasie. Praktycznie Zakres zastosowanego kontrabasu jest stosunkowo niewielki: od E1 (kontraoktawa E) do H1 (pierwsza oktawa B). W solowych wirtuozowskich kompozycjach można użyć więcej wysokie dźwięki. Nuty na kontrabas są pisane w basie, tenorze i rzadziej - klucz wiolinowy oktawę wyżej od rzeczywistego dźwięku. Główny obszar zastosowania kontrabasu - orkiestry symfonicznej, w której grupa kontrabasów pełni najważniejszą rolę jako fundament basu. Czasami używa się także kontrabasu zespoły kameralne, a także w jazzie i gatunkach pokrewnych. W rockabilly i psychobilly zamiast gitary basowej używa się kontrabasu i prawie zawsze grają slap - dzięki „kliknięciom” kontrabas uzupełnia sekcję rytmiczną, a w grupach bez perkusisty z powodzeniem go zastępuje. Kontrabas ma gęsty, niski i bardzo soczysty tembr. Ponieważ niskie częstotliwości pokonują stosunkowo niewielką odległość, kontrabas jest rzadko używany jako instrument solowy. Niemniej jednak nie brakuje wirtuozów kontrabasu, którzy po mistrzowsku opanowali technikę gry na tym kontrabasie i ujawnili jego bogate możliwości wyrazowe. Do występów solowych często wykorzystuje się starożytne instrumenty mistrzowskie o aksamitnym, miękkim brzmieniu.