Если вы думаете, что все великие художники остались в прошлом, то вы даже не представляете, насколько сильно ошибаетесь. В этой статье вы узнаете о самых известных и талантливых художниках современности. И, поверьте, их работы засядут в вашей памяти не менее глубоко, чем работы маэстро из прошлых эпох.

Wojciech Babski

Войцех Бабски – современный польский художник. Закончил учебу в Силезском политехническом институте, но связал себя с . В последнее время рисует, в основном, женщин. Фокусируется на проявлении эмоций, стремится к получению как можно большего эффекта простыми средствами.

Любит цвет, но часто использует оттенки черного и серого, для достижения наилучшего впечатления. Не боится экспериментировать с разными новыми техниками. В последнее время набирает всё большую популярность за рубежом, в основном, в Великобритании, где с успехом продает свои работы, которые уже можно найти во многих частных коллекциях. Кроме искусства интересуется космологией и философией. Слушает джаз. В настоящее время живет и работает в городе Катовице.

Warren Chang

Уоррен Чанг – современный американский художник. Родился в 1957 году и вырос в Монтерее, штат Калифорния, с отличием окончил колледж дизайна Арт-центр в Пасадене в 1981 году, где получил степень бакалавра изобразительных искусств в области . В течение следующих двух десятилетий он работал в качестве иллюстратора для различных компаний в Калифорнии и Нью-Йорке, прежде чем в 2009 году начать карьеру профессионального художника.

Его реалистичные картины можно разделить на две основные категории: биографические интерьерные картины и картины, изображающие работающих людей. Его интерес к подобной манере живописи уходит своими корнями к творчеству художника 16-го века Яна Вермеера, и распространяется на предметы, автопортреты, портреты членов семьи, друзей, учеников, интерьеры студии, класса и дома. Его цель заключается в том, чтобы в своих реалистичных картинах создать настроение и эмоции с помощью манипуляции светом и использовании приглушенных цветов.

Чанг стал известен после перехода к традиционному изобразительному искусству. За последние 12 лет он заработал множество наград и почетных званий, самая престижная из них – Master Signature от ассоциации художников маслом Америки, крупнейшего сообщества художников маслом в Соединенных Штатах. Лишь один человек из 50, удостаивается возможности получить эту награду. В настоящее время Уоррен живёт в Монтерее и работает в своей студии, также он преподаёт (известен как талантливый педагог) в Академии искусств Сан-Франциско.

Aurelio Bruni

Аурелио Бруни – итальянский художник. Родился в городе Блера, 15 октября 1955 года. Получил диплом по специальности сценография в институте искусства в Сполето. Как художник он самоучка, так как самостоятельно “возводил дом знаний” на фундаменте, заложенном ещё в школе. Рисовать маслом начал в возрасте 19 лет. В настоящее время живёт и работает в Умбрии.

Ранняя живопись Бруни уходит своими корнями в сюрреализм, но со временем он начинает ориентироваться на близость лирического романтизма и символизма, усиливая это сочетание изысканной утонченностью и чистотой своих персонажей. Одушевленные и неодушевленные объекты приобретают равное достоинство и выглядят, почти, гиперреалистично, но, при этом, не скрываются за занавесом, а позволяют увидеть суть своей души. Многогранность и изысканность, чувственность и одиночество, задумчивость и плодотворность являются духом Аурелио Бруни, питаемым великолепием искусства и гармонией музыки.

Alekasander Balos

Алкасандр Балос – современный польский художник, специализирующийся в области масляной . Родился 1970 года в Гливице, Польша, но с 1989 года живёт и работает в США, в городе Шаста, штат Калифорния.

В детстве он изучал искусство под руководством своего отца Яна, художника-самоучки и скульптора, поэтому уже с раннего возраста, художественная деятельность получила полную поддержку со стороны обоих родителей. В 1989 году, в возрасте восемнадцати лет, Балос уехал из Польши в США, где его школьный учитель и по совместительству художник Кэти Гагглиарди побудила Алкасандра поступить в художественную школу. Затем Балос получил полную стипендию университета в Милуоки Висконсин, где он учился живописи у профессора философии Гарри Розина.

После завершения учёбы в 1995 году и получения степени бакалавра Балос переехал в Чикаго, чтобы поступить на учёбу в школе изобразительного искусства, чьи методы основываются на творчестве Жака-Луи Давида. Фигуративный реализм и портретная живопись составляли большую часть работ Балоса в 90-х и начале 2000-х годов. Сегодня Балос использует человеческую фигуру для того, чтобы подчеркнуть особенности и показать недостатки человеческого бытия, не предлагая, при этом, никаких решений.

Сюжетные композиции его картин предназначены для того, чтобы быть самостоятельно интерпретированными зрителем, только тогда полотна приобретут свой истинный временной и субъективный смысл. В 2005 году художник переехал в Северную Калифорнию, с тех пор тематика его работ значительно расширилась и теперь включает в себя более свободные методы живописи, включая абстракцию и различные мультимедийные стили, помогающие выражать идеи и идеалы бытия через живопись.

Alyssa Monks

Алисса Монкс – современная американская художница. Родилась в 1977 году, в Риджвуде, Нью-Джерси. Начала интересоваться живописью, когда была ещё ребенком. Училась в Новой Школе в Нью-Йорке и Государственном университете Монклер, а окончив в 1999 году Бостонский колледж, получила степень бакалавра. Одновременно она изучила живопись в академии Лоренцо Медичи во Флоренции.

Затем продолжила учёбу по программе на степень магистра в нью-йоркской Академии Искусства, на кафедре Фигуративного Искусства, окончила его в 2001 году. В 2006 году она закончила колледж Фуллертона. Некоторое время читала лекции в университетах и образовательных учреждениях по всей стране, преподавала живопись в нью-йоркской Академии Искусства, а также Государственном университете Монклер и Колледже Академии Искусств Лайма.

“Используя фильтры, такие как стекло, винил, вода и пар, я искажаю человеческое тело. Эти фильтры позволяют создавать большие площади абстрактного дизайна, с проглядывающими сквозь них островами цвета – частями человеческого тела.

Мои картины меняют современный взгляд на уже сложившиеся, традиционные позы и жесты купающихся женщин. Они могли бы многое рассказать внимательному зрителю о таких, казалось бы, самих собой разумеющихся вещах, как польза плаванья, танцев и так далее. Мои персонажи прижимаются к стеклу окна душевой кабины, искажая собственное тело, осознавая, что тем самым влияют на пресловутый мужской взгляд на обнажённую женщину. Толстые слои краски смешаны так, чтобы издалека подражать стеклу, пару, воде и плоти. Однако вблизи становятся очевидны восхитительные физические свойства масляной краски. Экспериментируя со слоями краски и цветом, я нахожу момент, когда абстрактные мазки становятся чем-то еще.

Когда я только начала рисовать человеческое тело, я сразу была очарована и даже стала одержима им и считала, что должна была делать свои картины как можно более реалистичными. Я “исповедовала” реализм, пока он не начал распутывать и вскрывать противоречия в самом себе. Сейчас я исследую возможности и потенциал манеры письма, где встречаются представительская живопись и абстракция – если оба стиля могут сосуществовать в один и тот же момент времени, я это сделаю”.

Antonio Finelli

Итальянский художник – “Наблюдатель времени ” – Антонио Финелли родился 23 февраля 1985 года. В настоящее время живет и работает в Италии между Римом и Кампобассо. Его работы были выставлены в нескольких галереях в Италии и за рубежом: Риме, Флоренции, Новара, Генуя, Палермо, Стамбуле, Анкаре, Нью-Йорке, также их можно найти в частных и государственных коллекциях.

Рисунки карандашом “Наблюдателя времени ” Антонио Финелли отправляют нас в вечное путешествие по внутреннему миру человеческой временности и связанному с ним скрупулезным анализом этого мира, главным элементом которого является прохождение сквозь время и наносимые им на кожу следы.

Финелли пишет портреты людей любого возраста, пола и национальности, выражения лиц которых свидетельствуют о прохождении сквозь время, также художник надеется отыскать свидетельства беспощадности времени на телах своих персонажей. Антонио определяет свои произведения одним, общим названием: “Автопортрет”, потому что на своих карандашных рисунках он не просто изображает личность, но позволяет зрителю созерцать реальные результаты прохождения времени внутри человека.

Flaminia Carloni

Фламиния Карлони – итальянская художница 37-ми лет, дочь дипломата. У нее трое детей. Двенадцать лет жила в Риме, три года в Англии и Франции. Получила диплом в области истории искусства в школе искусств BD. Затем получила диплом по специальности реставратор произведений искусства. Прежде чем найти свое призвание и полностью посвятить себя живописи, она работала как журналист, колорист, дизайнер, актриса.

Страсть к живописи у Фламинии возникла ещё в детстве. Её основная среда – масло, потому что она любит “coiffer la pate” и также играть с материалом. Подобную технику она узнала в работах художника Паскаля Торюа. Фламиния вдохновлена великими мастерами живописи, такими как Бальтюса, Хоппер, и Франсуа Легран, а так же и различными художественными движениями: стрит-арт, китайский реализм, сюрреализм и реализм эпохи Возрождения. Её любимый художник Караваджо. Её мечта открыть терапевтическую силу искусства.

Denis Chernov

Денис Чернов – талантливый украинский художник, родился в 1978 году в Самборе, Львовская область, Украина. После окончания Харьковского художественного училища в 1998 году остался в Харькове, где в настоящее время живет и работает. Также он учился в Харьковской государственной академии дизайна и искусств, кафедра график, окончил её в 2004 году.

Он регулярно участвует в художественных выставках, на данный момент их состоялось более шестидесяти, как в Украине, так и за рубежом. Большинство работ Дениса Чернова хранятся в частных коллекциях в Украине, России, Италии, Англии, Испании, Греции, Франции, США, Канаде и Японии. Некоторые работы были проданы на “Кристис”.

Денис работает в широком диапазоне графических и живописных техник. Рисунки карандашом – один из самых любимых им методов живописи, список тем его карандашных рисунков также весьма разнообразен, он пишет пейзажи, портреты, ню, жанровые композиции, книжные иллюстрации, литературные и исторические реконструкции и фантазии.

Мировая история изобразительного искусства помнит немало удивительных случаев, связанных с созданием и дальнейшими приключениями знаменитых полотен. Все потому, что у настоящих художников жизнь и творчество слишком тесно связаны.

«Крик» Эдварда Мунка

Год создания: 1893
Материалы: картон, масло, темпера, пастель
Где находится: Национальная галерея,

Знаменитая картина «Крик» норвежского художника-экспрессиониста Эдварда Мунка - излюбленный предмет обсуждения мистиков всего мира. Одним кажется, что полотно предсказало страшные события XX века с его войнами, экологическими катастрофами и холокостом. Другие уверены, что картина приносит своим обидчикам несчастья и болезни.

Жизнь самого Мунка сложно назвать благополучной: он потерял многих родственников, неоднократно лечился в психиатрической клинике, никогда не был женат.

Кстати, картину «Крик» художник воспроизводил четыре раза.

Существует мнение, что она - результат маниакально-депрессивного психоза, от которого страдал Мунк. Так или иначе, вид отчаявшегося человека с большой головой, открытым ртом и руками, приложенными к лицу, и сегодня шокирует каждого, кто рассматривает полотно.

«Великий Мастурбатор» Сальвадора Дали

Год создания: 1929
Материалы: масло, холст
Где находится: Центр искусств королевы Софии,

Картину «Великий Мастурбатор» широкая общественность увидела только после смерти мастера эпатажа и самого известного сюрреалиста Сальвадора Дали. Художник хранил ее в собственной коллекции в Театре-музее Дали в Фигерасе. Считается, что необычное полотно может многое рассказать о личности автора, в частности о его болезненном отношении к сексу. Однако мы можем только предполагать, какие мотивы в действительности скрыты в картине.

Это сродни разгадыванию ребуса: в центре картины изображен смотрящий вниз угловатый профиль, похожий не то на самого Дали, не то на скалу на побережье одного каталонского города, а в нижней части головы поднимается обнаженная женская фигура - копия любовницы художника Галы. На картине также присутствует саранча, вызывавшая у Дали необъяснимый страх, и муравьи - символ разложения.

«Семья» Эгона Шиле

Год создания: 1918
Материалы: масло, холст
Где находится: Галерея «Бельведер»,

В свое время прекрасную живопись австрийского художника Эгона Шиле назвали порнографией, а художника посадили в тюрьму якобы за совращение несовершеннолетней.

Такой ценой ему далась любовь натурщицы его учителя. Картины Шиле - один из лучших примеров экспрессионизма, при этом они натуралистичны и полны пугающего отчаяния.

Моделями Шиле часто становились подростки и проститутки. Кроме того, художник был очарован и самим собой - его наследие включает множество разнообразных автопортретов. Полотно «Семья» Шиле написал за три дня до собственной смерти, изобразив свою погибшую от гриппа беременную жену и их так и не родившегося ребенка. Возможно, это далеко не самая странная, но определенно самая трагичная работа живописца.

«Портрет Адели Блох-Бауэр» Густава Климта

Год создания: 1907
Материалы: масло, холст
Где находится: Новая галерея,

Историю создания известнейшей картины австрийского художника Густава Климта «Портрет Адели Блох-Бауэр» по праву можно назвать шокирующей. Жена австрийского сахарного магната Фердинанда Блох-Бауэра стала музой и любовницей художника. Желая отомстить им обоим, уязвленный муж решил прибегнуть к оригинальному методу: он заказал у Климта портрет жены и изводил его бесконечными придирками, заставляя делать сотни набросков. В конце концов это привело к тому, что Климт потерял былой интерес к своей натурщице.

Работа над картиной продолжалась несколько лет, и Адель наблюдала за тем, как чувства ее возлюбленного угасают. Коварный замысел Фердинанда так и не был раскрыт. Сегодня «Австрийская Мона Лиза» считается национальным достоянием Австрии.

«Черный суперматический квадрат» Казимира Малевича

Год создания: 1915
Материалы: масло, холст
Где находится: Государственная Третьяковская галерея,

Почти сто лет прошло с тех пор, как российский художник-авангардист Казимир Малевич создал свое знаменитое творение, а споры и дискуссии не прекращаются до сих пор. Появившаяся в 1915 году на футуристической выставке «0,10» в предназначенном для иконы «красном углу» зала картина шокировала публику и навсегда прославила художника. Правда, сегодня мало кому известно, что суперматические картины - это беспредметная живопись, в которой балом правит цвет, а «Черный квадрат» на самом деле не черный и совсем не квадратный.

Кстати, одна из версий истории создания полотна гласит: художник не успевал закончить работу над картиной, поэтому был вынужден замазать работу черной краской, в этот момент в мастерскую зашел его друг и воскликнул: «Гениально!».

«Происхождение мира» Гюстава Курбе

Год создания: 1866
Материалы: масло, холст
Где находится: Музей Орсе,

Картина французского художника-реалиста Гюстава Курбе очень долго считалась исключительно провокационной и больше 120 лет не была известна широкой общественности. Обнаженная женщина, лежащая на постели с раскинутыми ногами, и сегодня вызывает неоднозначную реакцию зрителей. По этой причине в музее Орсе картину охраняет один из служащих.

В 2013 году французский коллекционер объявил о том, что наткнулся в одном из антикварных парижских магазинчиков на ту часть картины, на которой видна голова натурщицы. Эксперты подтвердили предположение о том, что художнику позировала Джоанна Хиффернан (Джо). Во время работы над картиной она состояла в любовной связи с учеником Курбе - художником Джеймсом Уистлером. Картина спровоцировала их расставание.

«Мужчина и женщина перед кучей экскрементов» Жоана Миро

Год создания: 1935
Материалы: масло, медь
Где находится: Фонд Жоана Миро,

У редкого зрителя при взгляде на картину испанского художника и скульптора Жоана Миро возникла бы ассоциация с ужасами гражданской войны. А ведь именно период предвоенного беспокойства 1935 года в Испании послужил темой картины с многообещающим названием «Мужчина и женщина перед кучей экскрементов». Это картина-предчувствие.

Она изображает нелепую «пещерную» пару, которые тянутся друг к другу, но не могут сдвинуться с места. Увеличенные гениталии, ядовитые цвета, разрозненные фигуры на темном фоне - все это предсказывало, по мнению художника, приближающиеся трагические события.

Большинство картин Жоана Миро - абстракции и сюрреалистические работы, причем передаваемое ими настроение - радостное.

«Водяные лилии» Клода Моне

Год создания: 1906
Материалы: масло, холст
Где находится: частные коллекции

Культовая картина французского импрессиониста Клода Моне «Водяные лилии» имеет дурную славу - ее неслучайно называют «пожароопасной». Эта череда подозрительных совпадений продолжает удивлять многих скептиков. Первый случай произошел прямо в мастерской художника: Моне с друзьями праздновал окончание работы над картиной, как вдруг возник небольшой пожар.

Картину удалось спасти, и вскоре ее купили владельцы кабаре на Монмартре, но не прошло и месяца, как заведение тоже пострадало от сильного пожара. Следующей «жертвой» полотна стал парижский меценат Оскар Шмитц, кабинет которого загорелся через год после того, как там были повешены «Водяные лилии». И вновь картине удалось уцелеть. В этом году частный коллекционер приобрел «Водяные лилии» за 54 миллиона долларов.

«Авиньонские девицы» Пабло Пикассо

Год создания: 1907
Материалы: масло, холст
Где находится: Музей современного искусства,

«Такое ощущение, что ты хотел накормить нас паклей или напоить бензином», - так отзывался о картине «Авиньонские девицы» друг Пикассо художник Жорж Брак. Полотно действительно стало скандальным: публика обожала прежние, нежные и грустные, работы художника, и резкий переход к кубизму вызвал отчуждение.

Женские фигуры с грубыми мужскими лицами и угловатыми руками и ногами были слишком далеки от изящной «Девочки на шаре».

Друзья отвернулись от Пикассо, Матисс был крайне недоволен картиной. Впрочем, именно «Авиньонские девицы» определили не просто направление развития творчества Пикассо, а будущее изобразительного искусства в целом. Первоначальное название полотна ‒ «Философский бордель».

«Портрет сына художника» Михаила Врубеля

Год создания: 1902
Материалы: акварель, гуашь, графитный карандаш, бумага
Где находится: Государственный Русский музей,

Гениальный русский художник рубежа XIX‒XX веков Михаил Врубель преуспел практически во всех видах изобразительного искусства. Его первенец Савва появился на свет с «заячьей губой», что глубоко огорчило художника. Врубель изобразил мальчика на одном из своих полотен откровенно, не пытаясь скрыть врожденное уродство.

Нежные тона портрета не делают его безмятежным - в нем читается потрясенность. Сам же младенец изображен с поразительно мудрым, недетским взглядом. Вскоре после завершения работы над картиной ребенок скончался. С того момента в жизни художника, тяжело переживавшего трагедию, начался «черный» период болезней и безумия.

Фото: thinkstockphotos.com, flickr.com

Джил Элвгрен (Gil Elvgren) (1914-1980) был главным пин-ап художником двадцатого века. За всю свою профессиональную деятельность, которая началась в середине 1930-х годов и длилась более сорока лет, он зарекоменовал себя в качестве явного фаворита среди коллекционеров и поклонников пин-апа во всем мире. И хотя Джил Элвгрен считается, главным образом, пин-ап художником, он заслуживает звания классического американского иллюстратора, который смог охватить различные сферы коммерческого искусства.

25 лет работы для рекламы Coca-Cola помогли ему зарекомендовать себя, как одного из великих иллюстраторов в этой сфере. Реклама Coca-Cola включала в себя изображения “Девушек Элвгрена” в стиле пин-ап, большинство этих иллюстраций отображали типичные американские семьи, детей, подростков — обычных людей, занимающихся повседневными делами. Во время Второй Мировой войны и войны в Корее Элвгрен даже рисовал иллюстрации на военную тему для Coca-Cola, некоторые из которых стали “иконами” в Америке.

Работы Элвгрена для Coca-Cola отображали американскую мечту о безопасной, комфортной жизни, а некоторые иллюстрации для историй в журналах отображали надежды, страхи и радости своих читателей. Эти изображения были опубликованы в 1940х-1950х гг в ряде известных американских журналов,таких как McCall’s, Cosmopolitan, Good Housekeeping и Woman’s Home Companion. Наряду с Coca-Cola Элвгрен так же работал с Orange Crush, Schlitz Beer, Sealy Mattress, General Electric, Sylvania и Napa Auto Parts.

Элвгрен выделялся не только своими картинами и рекламной графикой — он так же был профессиональным фотографом, который владел камерой как же ловко, как и кистью. Но его энергия и талант не останавливались на достигнутом: помимо этого он был преподавателем, ученики которого в последствии стали известными художниками.

Еще в раннем детстве Элвгрена вдохновляли картинки известных иллюстраторов. Каждую неделю он вырывал из журналов листы и обложки с изображениями, которые ему понравились, в следствие чего собрал огромную коллекцию, которая оставила свой отпечаток на творчестве юного художника.

На творчество Элвгрена оказали влияние многие художники, такие как Феликс Октавиус Карр Дарли (Felix Octavius Carr Darley) (1822-1888), первый художник, которому удалось опровергнуть превосходство английских и европейских школ иллюстрации над американским коммерческим искусством; Норман Роквелл (Norman Rockwell) (1877-1978), с которым Элвгрен познакомился в 1947 году,и эта встреча положила начало долгой дружбе; Чарльз Дана Гибсон (Charles Dana Gibson) (1867-1944), из-под кисти которой вышел идеал девушки, в котором сочеталась “соседка” (girl-next-door) и “девушка мечты” (girl-of-your-dreams), Howard Chandler Christy, Джон Генри Хинтермейстер (John Henry Hintermeister) (1870-1945) и другие.

Элвгрен плотно изучал работы этих классических художников, в итоге чего создал основу, на которой базировалось дальнейшее развитие искусства в стиле пин-ап.

Итак, Джил Элвгрен родился 15 марта 1914 года, вырос в Сант-Поль-Миннеаполисе. Его родители, Алекс и Голди Елвгрен (Alex и Goldie Elvgren) были владельцами магазина в центре города, где продавали обои и краску.

После окончания старшей школы, Джил хотел стать архитектором. Родители одобряли это желание, так как заметили его талант к рисованию тогда, когда в возрасте восьми лет, мальчика устранили с занятий в школе из-за того, что он изрисовал поля учебников. В конце концов Элвгрен поступил в университет Миннесоты для изучения архитектуры и дизайна, параллельно посещая курсы искусства в художественном институте Миннеаполиса. Именно там он понял, что рисование интересует его куда больше, чем проектирование зданий.

Осенью того же года Элвгрен женился на Джанет Кумминс (Janet Cummins). И вот, на Новый Год молодожены переезжают в Чикаго, где было много возможностей для художников. Конечно, они могли бы выбрать Нью-Йорк, но Чикаго был ближе и безопаснее.

По прибытию в Чикаго Джил старался сделать все для развития своей карьеры. Он поступает в престижную Американскую Академию Художеств в центре города, где и подружился с Билом Мосби (Bill Mosby), опытным художником и преподавателем, который всегда гордился тем, что Джил развивался под его руководством.

Когда Джил Элвгрен пришел в Академию, конечно, он был талантлив, но ничем не выделялся из большинства студентов, которые там учились. Но от других его отличало только одно: он твердо знал, чего он хочет. Больше всего он мечтал стать хорошим художником. За два года обучения он освоил курс, рассчитанный на три с половиной: он посещал занятия ночью, летом. В свободное время он всегда рисовал.

Он был хорошим студентом и работал больше других. Джил посещал все курсы, на которых он мог получить хоть какие-то знания о живописи. За два года он сделал феноменальный прогресс и стал одним из самых лучших выпускников Академии.

Джил потрясающий художник, с которым могут сравниться немногие. Крепкий по телосложению, он похож на футболиста; его крупные руки совсем не похожи на руки художника: карандаш буквально “утопает” в них, но точность и кропотливость его движений может сравниться лишь с мастерством хирурга.

Во время обучения в институте Джил никогда не прекращал работать. Его иллюстрации уже тогда украшали брошюры и журналы академии, в которой он учился.

Там Джил познакомился со многими художниками, которые стали его друзьям на всю жизнь, например: Гарольд Андерсон (Harold Anderson), Джойс Баллатрин (Joyce Ballantyne).

В 1936 году Джил с женой возвращается в родной город, где открывает свою студию. Незадолго до этого он выполняет свою первую оплачиваемую работу на заказ: обложку для журнала мод, на которой изображен красивый мужчина, одетый в двубортный пиджак и светлые летние брюки. Сразу после того, как Элвгрен отправил свою работу заказчику, директор компании позвонил ему, чтобы поздравить и заказать еще полдюжины обложек.

Затем поступил еще один интересный заказ, который заключался в том, чтобы нарисовать пятерых близнецов Дионне (Dionne Quintuplets), рождение которых стало сенсацией для СМИ. Клиентом был Brown and Biglow — крупнейшее издательство, занимающееся выпуском календарей. Эта работа была напечатана в календарях 1937-1938 гг, которые были распроданный миллионными тиражами. С тех пор Элвгрен стал рисовать самых известных в Америке девушек, что принесло ему огромный успех. Элвгрена начинают приглашать к сотрудничеству и другие компании, например, конкурент Brown and Biglow — Louis F. Dow Calendar Company. Работы художника стали печататься на буклетах, игральных картах и даже спичечных коробках. Затем многие его картины в натуральную величину, сделанные для Royal Crown Soda появились в продуктовых магазинах. Этот же год становится в особенности важным для Элвгрена, так как у него и его жены родился их первенец, Карен.

Элвгрен продолжает заниматься заказами и вместе с семьей решает вернуться в Чикаго. Вскоре он познакомился с Хэддоном Сандбломом (Haddon H. Sundblom) (1899-1976), который был для него идолом. Сандблом оказывает огромное влияние на творчество Элвгрена.

Благодаря Сандблому, Элвгрен стал художником для рекламы Coca-Cola. До сих пор эти работы являются иконами в истории Амерканской иллюстрации.

Сразу после бомбардировки Перл-Харбор Элвгрену предложили рисовать картины для военной кампании. Первый его рисунок для этой серии был напечатан в 1942 году в журнале Good Housekeeping под заголовком “Она знает, что такое “свобода” на самом деле” и изображал девушку, одетую в офицерскую униформу Красного Креста.

В 1942 году родился Джил младший,а в 1943 его жена уже ждала третьего ребенка. Семья Элвгрена росла, впрочем, как и его бизнес. Джил занимается рекламными проектами и так же продает свои старые работы. Он наслаждался жизнью, так как сам был уже уважаемым художником и счастливым семьянином. Когда родился третий ребенок в его семье, Элвгрен уже получал около $1000 за картину, т.е. около $24 000 в год, что в то время было огромной суммой. Это означало, что Джил мог стать самым высокооплачиваемым иллюстратором в США и естественно, занимать особое место в Brown and Bigelow.

Перед тем, как начать работать эксклюзивно для Brown and Bigelow, он принял от Филадельфийской фирмы Джозефа Гувера первый (и единственный) заказ. Во избежание проблем с Brown and Bigelow он принял это предложение при условии, что картина не будет подписана. За эту работу под названием “Девушка мечты” он получил $2500, т.к. она была самой большой из тех, что он когда-либо рисовал (101.6см x 76.2см).

Сотрудничество с Brown and Bigelow позволило Элвгрену продолжать рисовать для Coca-Cola, впрочем, он мог работать для любых других компаний, которые не имели конфликтов с Brown and Bigelow. Таким образом в 1945 году для Элвгрена и Brown and Bigelow началось сотрудничество, длившееся более тридцати лет.

Директор Brown and Bigelow Чарльз Уорд сделал имя Элвгрена узнаваемым. Он же предложил Джилу сделать пин-ап в стиле ню, на что художник согласился с большим энтузиазмом. На этой картине была изображена обнаженная белокурая нимфа на пляже, под лилово-голубым светом луны в цветах сирени. Эта иллюстрация была выпущена в колоде карт, совместно с работами другого художника — ZoÎ Mozert. В следующем году Уорд заказал у Элвгрена еще один ню пин-ап для очередных карт, но на сей раз полностью выполненных Элвгреном в одиночку. Этот проект побил рекорды продаж Brown and Bigelow и носил название “Mais Oui by Gil Elvgren”.

Первые три пин-ап проекта для Brown and Bigelow стали бестселлерами компании спустя всего пару недель. Эти изображения вскоре использовались для игральных карт.

К концу десятилетия Элвгрен стал самым успешным художником Brown and Bigelow, благодаря СМИ его работы были широко известны публике, в журналах даже печатали про него статьи. Среди компаний, с которыми он работал, были Coca-Cola, Orange Crush, Schlitz, Red Top Beer, Ovaltine, Royal Crown Soda, Campana Balm, General Tire, Sealy Mattress, Serta Perfect Sleep, Napa Auto Parts, Detzler Automotive Finishes, Frankfort Distilleries, Four Roses Blended Whisky, General Electric Appliance и Pangburn’s Chocolates.

Столкнувшись с таким спросом на свои работы, Элвгрен задумывался над открытием собственной студии, ведь было уже немало художников, которые восхищались его творчеством и так называемой “майонезной живописью” (так называли стиль Сандблома и Элвгрена потому, что краски на работах выглядели “кремовыми” и гладкими как шелк). Но взвесив все “за” и “против”, он оставил эту идею.

Джил Элвгрен много путешествовал, знакомился с многими влиятельными людьми. Его зарплата в Brown and Bigelow изменилась: если раньше ему платили $1000 за холст, теперь он получал $2500 и рисовал 24 картины в год, плюс он получал проценты от журналов, где печатались его иллюстрации. Он переехал с семьей в новый дом в пригороде Winnetka, где он начал строить свою студию на чердаке, наличие которой позволило ему работать еще продуктивнее.

Джил обладал великолепным вкусом, к тому же он был остроумен. Его работы всегда интересны композицией, цветовыми схемами, а тщательно продуманные позы и жесты делают их живыми и волнующими. Его картины искренние. Джил чувствовал эволюцию женской красоты, что было очень важным. Поэтому Элвгрен был всегда востребован заказчиками.

В 1956 году Джил переехал с семьей во Флориду. Он был полностью доволен новым местом жительства. Там он открыл отличную студию, где обучался Bobby Toombs, по праву ставший признанным художником. Он говорил, что Элвгрен был прекрасным учителем, который научил его вдумчиво пользоваться всеми своими навыками.

Во Флорде Джил нарисовал огромное количество портретов, среди его моделей были Myrna Loy, Arlene Dahl, Donna Reed, Barbara Hale, Kim Novak. В 1950-1960 гг каждая начинающая модель или актриса хотела бы, чтобы Элвгрен нарисовал девушку по ее подобию, которая бы потом была напечатана на календарях и постерах.

Элвгрен всегда был в поиске новых идей для своих картин. Хотя многие его друзья художники помогали ему в этом, больше всего он полагался на свою семью: он обсуждал свои идеи с женой и детьми.

Элвгрен работал в кругу художников, которых он учил или, наоборот, у которых учился; которые были его друзьями, с которыми имел много общего. Среди них были Harry Anderson, Joyce Ballantyne, Al Buell, Matt Clark, Earl Gross, Ed Henry, Charles Kingham и другие.

Джил Элвгрен жил полной жизнью. Как заядлый турист, он любил рыбалку и охоту. Он мог часами находиться в бассейне, увлекался гоночными автомобилями, так же разделял увлечение своих детей коллекционированием старинного оружия.

Спустя годы, у Элвгрена появилось множество помощников в студии, большинство из которых в последствии стали успешными художниками. Когда у Элвгрена был вынужден отказывать компаниям в сотрудничестве из-за огромного количества работы, арт-директора соглашались ждать год,а то и больше, лишь бы Джил работал на них.

Но весь этот успех Джила в 1966 году омрачила ужасная трагедия, которая настигла его семью: жена Джила, Джанет, умерла от рака. После этого он еще больше окунулся в работу. Его популярность остается неизменной, ему не нужно ни о чем беспокоиться, кроме как о результате своей работы. Это был лучший период карьеры Элвгрена, если бы не смерть жены.

Способность Элвгрена передавать женскую красоту была непревзойденной. Во время рисования он обычно сидел в кресле на колесиках, чтобы можно было легко передвигаться и смотреть на рисунок с разных ракурсов, а большое зеркало позади позволяло ему иметь общее представление о картине целиком. Главным в его работе были девушки: он предпочитал моделей 15-20 лет, которые только начинали свою карьеру, так как в них была непосредственность, которая пропадает с опытом. Когда его спрашивали о его технике, он говорил, что добавляет свои штрихи: удлиняет ноги, увеличивает грудь, суживает талию, делает губы более пухлыми, глаза — более выразительными, нос — курносым, тем самым придавая модели большую привлекательность. Элвгрен всегда тщательно прорабатывал свои идеи от начала до конца: подбирал модель, реквизит, освещение, композицию, даже прическа была очень важна. После всего он фотографировал сцену и приступал к рисованию.

Отличительной чертой работ Джила было то, что глядя на картины, казалось, что девушки на них вот-вот оживут, поздороваются или предложат выпить чашечку кофе. Они выглядели миловидными и полными энтузиазма. Всегда очаровательные, вооруженные приветливой улыбкой, они даже во время войны они дарили солдатам силы и надежду на возвращение к своим девушкам домой.

Многие художники мечтали о том, чтобы рисовать так, как это делал Элвгрен, его талантом и успехом восхищались все.

Каждый год он рисовал все с большей легкостью и профессионализмом, его ранние картины кажутся более “жесткими” по сравнению с более поздними. Он достиг вершины мастерства в своем деле.

29 февраля 1980 года, Джил Элвгрен, человек, который посвятил себя тому, чтобы радовать людей своим творчеством, скончался от рака, в возрасте 65-ти лет. Его сын Дрэйк нашел в студии отца последнюю незаконченную, но тем не менее великолепную картину для Brown and Bigelow. Со смерти Элвгрена прошло три десятилетия, но его искусство до сих пор живет. Без сомнения, Элвгрен войдет в историю, как художник, который сделал великий вклад в американское искусство двадцатого века.

.
Этот художник, закончивший Тверское художественное училище в 1994 году по специальности художник-оформитель, поражает воображение своим необыкновенным стилем и прекрасными композициями.

Он является создателем поистине уникальных иллюстраций с ретро-оттенком. Вальдемар Казак – художник с чувством юмора, у него особое видение повседневности, он умеет посмеяться над буднями, часто подшучивает над смыслом детских сказок, над политиками и современной молодежью.

Современный художник-иллюстратор работает в бытовом жанре с уклоном в карикатуру. Персонажей из работ Казака сложно не заметить и не запомнить. Все они очень колоритны, выразительны, и ярки.

Его захватывающие композиции наполнены стилем послевоенной эстетики, которая вступила в свои права в 50-х годах двадцатого века, ретро блеск проявляется буквально во всем: начиная от выбора сюжета картины, и заканчивая выбором цветовой гаммы.

Вот что сам Вальдемар Казак говорит о своем стиле:

Как и любой человек (или художник), я имею собственный почерк. Но я его не пестую, потому что боюсь впасть в манерность. К тому же яркое индивидуальное письмо востребовано рынком. Да собственно это и так все знают.

Потрясающе яркие, захватывающие, поражающие глаз арт рисунки в стиле ретро Вальдемара Казака никого не оставят равнодушными!

Жанры живописи появлялись, набирали популярность, угасали, возникали новые, внутри существующих стали выделять подвиды. Процесс этот не прекратится, пока существует человек и пытается запечатлеть окружающий его мир, будь то природа, здания или другие люди.

Ранее (до 19 в.) существовало деление жанров живописи на так называемые «высокие» жанры (фр. grand genre) и «низкие» жанры (фр. petit genre). Такое деление возникло в 17 в. и основывалось на том, какой предмет и сюжет были изображены. В связи с этим к высоким жанрам относили: батальный, аллегорический, религиозный и мифологический, а к низким — портрет, пейзаж, натюрморт, анимализм.

Деление на жанры довольно условно, т.к. на картине одновременно могут присутствовать элементы двух и более жанров.

Анималистика, или анималистический жанр

Анималистика, или анималистический жанр (от лат. animal — животное) – жанр, в котором основным мотивом выступает изображение животного. Можно сказать, что это один из наиболее древних жанров, т.к. рисунки и фигуры птиц и зверей присутствовали в жизни уже первобытных людей. Например, на широко известной картине И.И. Шишкина «Утро в сосновом лесу» природа изображена самими художником, а медведи – совершенно другим, как раз специализирующемся на изображении животных.

И.И. Шишкин «Утро в сосновом лесу»

Как подвид можно выделить Иппический жанр (от греч. hippos — лошадь) – жанр, в котором центром картины выступает изображение лошади.

Н.Е. Сверчков «Лошадь в конюшне»

Портрет

Портрет (от фр. слова portrait) – картина, на которой центральным является изображение человека или группы людей. Портрет передает не только внешнее сходство, но также отражает внутренний мир и транслирует чувства художника по отношению к человеку, чей портрет он пишет.

И.Е. Репин Портрет НиколаяII

Жанр портрета подразделяется на индивидуальный (изображение одного человека), групповой (изображение нескольких человек), по характеру изображения — на парадный , когда человек изображен в полный рост на заметном архитектурном или пейзажном фоне и камерный , когда человек изображен по грудь или по пояс на нейтральном фоне. Группа портретов, объединенных по какому-либо признаку, образует ансамбль, или портретную галерею. Примером могут выступать портреты членов царской семьи.

Отдельно выделяется автопортрет , на котором художник изображает себя.

К. Брюллов Автопортрет

Портрет является одним из древнейших жанров – первые портреты (скульптурные) присутствовали уже в древнем Египте. Такой портрет выступал как часть культа о загробной жизни и являлся «двойником» человека.

Пейзаж

Пейзаж (от фр. paysage — страна, местность) – жанр, в котором центральным является изображение природы – реки, леса, поля, море, горы. В пейзаже главным моментом является, конечно, сюжет, но не менее важно передать движение, жизнь окружающей природы. С одной стороны, природа прекрасна, вызывает восхищение, а с другой – довольно сложно отразить это на картине.

К. Моне «Поле маков у Аржантёя»

Подвидом пейзажа является морской пейзаж, или марина (от фр. marine, итал. marina, от лат. marinus – морской) – изображение морской баталии, моря или других событий, разворачивающихся на море. Яркий представитель маринистов – К.А. Айвазовский. Примечательно, что многие детали этой картины художник писал по памяти.

И.И. Айвазовский «Девятый вал»

Однако зачастую художники стремятся и море рисовать с натуры, например, У.Тернер для написания картины «Метель. Пароход у входа в гавань подает сигнал бедствия, попав в мелководье», провел 4 часа привязанным на капитанском мостике корабля, плывшего в шторм.

У. Тернер «Метель. Пароход у входа в гавань подает сигнал бедствия, попав в мелководье»

Водную стихию изображают также и на речном пейзаже.

Отдельно выделяют городской пейзаж , в котором главным предметом изображения выступают городские улицы и здания. Разновидностью городского пейзажа является Ведута – изображение городского пейзажа в виде панорамы, где непременно выдержаны масштаб и пропорции.

А. Каналетто «Площадь Сан-Марко»

Различают и другие виды пейзажа – сельский, индустриальный и архитектурный . В архитектурной живописи основной темой выступает изображение архитектурного ландшафта, т.е. здания, сооружения; включает в себя изображение интерьеров (внутреннего убранства помещений). Иногда Интерьер (от фр. intérieur — внутренний) выделяют как отдельный жанр. В архитектурной живописи выделяют еще один жанр — Каприччо (от итал. capriccio, каприз, прихоть) — архитектурный пейзаж-фантазия.

Натюрморт

Натюрморт (от франц. nature morte – мертвая природа) – жанр, посвящённый изображению неодушевленных предметов, которые помещены в общую среду и образуют группу. Натюрморт появился в 15-16 вв., однако как отдельный жанр сформировался в 17 в.

Несмотря на то что слово «натюрморт» переводится как мертвая природа, на картинах букеты цветов, фрукты, рыба, дичь, посуда, — все выглядит «как живое», т.е. как настоящее. С момента своего появления и по сей день натюрморт является важным жанром в живописи.

К. Моне «Ваза с цветами»

Как отдельный подвид можно выделить Ванитас (от лат. Vanitas — суета, тщеславие) — жанр живописи, в котором центральное место на картине занимает человеческий череп, изображение которого призвано напоминать о суете и бренности человеческой жизни.

На картине Ф. де Шампаня представлены три символа бренности бытия — Жизнь, Смерть, Время через образы тюльпана, черепа, песочных часов.

Исторический жанр

Исторический жанр – жанр, в котором на картинах изображены важные события и социально значимые явления прошлого или настоящего. Примечательно, что картина может быть посвящена не только реально происходившим событиям, но и событиям из мифологии или например, описанным в Библии. Данный жанр очень важен для истории как для истории отдельных народов и государств, так и человечества в целом. На картинах исторический жанр бывает неотделим от других видов жанров – портрета, пейзажа, батального жанра.

И.Е. Репин «Запорожцы пишут письмо турецкому султану» К. Брюллов «Последний день Помпеи»

Батальный жанр

Батальный жанр (от франц. bataille — битва) - жанр, в котором на картинах которого изображают кульминацию сражения, военные действия, миг победы, сцены из военной жизни. Для батальной живописи характерно изображение на картине большого количества людей.

А.А. Дейнека «Оборона Севастополя»

Религиозный жанр

Религиозный жанр — жанр, в котором на картинах основная сюжетная линия – библейская (сцены из Библии и Евангелия). По тематике относится к религиозной и иконопись, отличие их состоит в том, что картины религиозного содержания не участвуют в проводимых богослужениях, а для иконы это является главным предназначением. Иконопись в переводе с греч. означает «молитвенный образ». Данный жанр был ограничен строгими рамками и законами написания картин, т.к. призван не отображать реальность, а передать идею божьего начала, в котором художники ищут идеал. На Руси иконопись достигает расцвета в 12-16 вв. Наиболее известные имена иконописцев – Феофан Грек (фрески), Андрей Рублев, Дионисий.

А. Рублев «Троица»

Как переходный этап от иконописи к портрету выделяется Парсуна (искаж. от лат. persona — личность, особа).

Парсуна Ивана Грозного. Автор неизвестен

Бытовой жанр

На картинах изображаются сцены повседневной жизни. Зачастую художник пишет о тех моментах жизни, современником которых он является. Отличительные черты этого жанра – реалистичность картин и незамысловатость сюжета. Картина может отражать обычаи, традиции, строй обыденной жизни того или иного народа.

К бытовой живописи относятся такие знаменитые картины как «Бурлаки на Волге» И. Репина, «Тройка» В. Перова, «Неравный брак» В. Пукирева.

И. Репин «Бурлаки на Волге»

Былинно-мифологический жанр

Былинно-мифологический жанр. Слово миф происходит от греч. «mythos», что значит предание. На картинах изображаются события легенд, былин, преданий, древнегреческих мифов, древних сказаний, сюжеты произведений фольклора.

П. Веронезе «Аполлон и Марсий»

Аллегорический жанр

Аллегорический жанр (от греч. allegoria — иносказание). Картины пишутся так, что они имеют скрытый смысл. Идеи и понятия невещественные, невидимые глазу (власть, добро, зло, любовь), передаются через образы животных, людей, иных живых существ с такими присущими им характеристиками, которые обладают символизмом, уже закрепленным в сознании людей, и помогают понять общий смысл произведения.

Л. Джордано «Любовь и пороки обезоруживают правосудие»

Пастораль (от фр. pastorale — пастушеский, сельский)

Жанр живописи, воспевающий и поэтизирующий простую и мирную сельскую жизнь.

Ф. Буше «Осенняя пастораль»

Карикатура (от итал.caricare — преувеличивать)

Жанр, в котором при создании изображения сознательно применяется комический эффект путем преувеличения и заострения черт, манеры поведения, одежды и пр. Цель карикатуры – оскорбить, в отличие, например, от шаржа (от фр. charge), целью которого является просто подшутить. Близко с термином «карикатура» связаны такие понятия как лубок, гротеск.

Ню (от фр. nu — нагой, раздетый)

Жанр, на картинах которого изображают обнаженное человеческое тело, чаще всего – женское.

Тициан Вечеллио «Венера Урбинская»

Обманка, или тромплёй (от фр. trompe-l’œil — обман зрения)

Жанр, характерные черты которого — особые приемы, создающие обман зрения и позволяющие стереть грань между реальностью и изображением, т.е. обманчивое впечатление того, что объект трех мерен, тогда как он двухмерный. Иногда обманку выделяют как подвид натюрморта, однако иногда изображают в этом жанре и людей.

Пер Боррель дель Касо «Убегая от критики»

Для полноты восприятия обманок желательно рассматривать их в оригинале, т.к. репродукция неспособна передать полностью тот эффект, который изобрази художник.

Якопо де Барбери «Куропатка и железные перчатки»

Сюжетно-тематическая картина

Смешение традиционных жанров живописи (бытового, исторического, батального, пейзажа и др.). По-другому этот жанр называют фигурной композицией, ее характерные черты: главную роль играет человек, наличие действия и общественно-значимой идеи, обязательно показаны взаимоотношения (конфликт интересов/характеров) и психологические акценты.

В. Суриков «Боярыня Морозова»