Syn człowieczy (zdjęcie). Syn człowieczy, czyli historia płaszczy i meloników Charakterystyczne cechy surrealizmu

Syn Człowieczy (zdjęcie)

Działka

Magritte namalował ten obraz jako autoportret. Przedstawia mężczyznę w płaszczu i meloniku, stojącego przy ścianie, za którą widać morze i zachmurzone niebo. Twarz mężczyzny jest prawie całkowicie zakryta przez unoszące się przed nim zielone jabłko. Uważa się, że swoją nazwę obraz zawdzięcza wizerunkowi współczesnego biznesmena, który pozostaje synem Adama, oraz jabłku, symbolizującemu pokusy, które w dalszym ciągu nawiedzają człowieka współczesny świat.

Zdjęcie jest obecne w filmie „Afera Thomasa Crowna” ().
Obraz obrazu występuje w serialu animowanym „Simpsonowie” (sezon 5, odcinek 5).
Zredagowana kopia obrazu pojawia się na plakatach serialu „Impact”.
Film „Charakter” zawiera nawiązanie do filmu.
W filmie Mały sklep z cudami niedokończona wersja obrazu wisi na ścianie sklepu z zabawkami.
W teledysku „70 milionów” Hold Your Horses! zawiera parodię tego zdjęcia.
W serialu „Urzędnicy” pojawia się nawiązanie do obrazu (sezon 3, odc. 1).
W szkicowniku „Luksusowa komedia Noela Fieldinga” pojawia się postać będąca aluzją do obrazu.
Obraz pojawia się w teledysku Michaela Jacksona „Scream”.

Fundacja Wikimedia.

2010.

Zobacz, co „Syn Człowieczy (obrazek)” znajduje się w innych słownikach: W tekstach religijnych używa się wyrażenia Syn Człowieczy. „Syn Człowieczy” to tytuł: Książki Syna ludzka książka

Arcykapłan A.V. Menya. Książka Syn Człowieczy pisarza i badacza wczesnego chrześcijaństwa R.A. Smorodinowa (Ruslana... ... Wikipedia

Hieronim Bosch... Wikipedia DUSZA - [grecki ψυχή] wraz z ciałem tworzy kompozycję osoby (patrz artykuły Dychotomizm, Antropologia), będąc jednocześnie niezależną zasadą; W obrazie człowieka zawarty jest obraz Boga (według niektórych Ojców Kościoła; według innych obraz Boga zawarty jest we wszystkim... ...

Encyklopedia ortodoksyjna

Prośba o „Pasję” przekierowuje tutaj; zobacz także inne znaczenia. „Niesienie krzyża”, Jean Fouquet, miniatura z „Księgi godzin” Etienne’a Chevaliera. W medalionie znajduje się św. Weronika z… Wikipedią O filmie zob. „Pasja Chrystusa (film)”, „Niesienie krzyża”, Jean Fouquet, miniatura z „Księgi godzin Etienne’a Chevaliera”. W medalionie jest św. Weronika w sukience. Tło przedstawia samobójstwo Judasza, z którego wychodził demon. NA wykuj... ... Wikipedię

O filmie zob. „Pasja Chrystusa (film)”, „Niesienie krzyża”, Jean Fouquet, miniatura z „Księgi godzin Etienne’a Chevaliera”. W medalionie jest św. Weronika w sukience. Tło przedstawia samobójstwo Judasza, z którego wychodził demon. Na pierwszym planie fałszują... ...Wikipedię

EWANGELIA. CZĘŚĆ I- [grecki εὐαγγέλιον], wieść o nadejściu Królestwa Bożego i zbawienia rasa ludzka od grzechu i śmierci, głoszonej przez Jezusa Chrystusa i apostołów, co stało się główną treścią przepowiadania Chrystusa. Kościoły; książkę prezentującą to przesłanie w formie... ... Encyklopedia ortodoksyjna

- (hebr. יוחנן המטביל) Fragment ikony „Jan Chrzciciel” z obrzędu Deesis w klasztorze Nikolo Pesnosh w pobliżu… Wikipedia

Jana Chrzciciela (hebr. יוחנן המטביל‎) Fragment ikony „Jan Chrzciciel” z obrządku Deesis z klasztoru Nikoła Piesnoskiego koło Dmitrowa, pierwsza tercja XV wieku. Muzeum Andrieja Rublowa. Płeć: mężczyzna Żywotność: 6... Wikipedia

belgijski surrealistyczny artysta Rene Magritte– jedna z najbardziej tajemniczych i kontrowersyjnych artystek, której twórczość zawsze budziła wiele pytań. Jednym z jego najbardziej znanych dzieł jest „Syn Człowieczy”. Obecnie podejmuje się wiele prób interpretacji symbolicznego podtekstu obrazu, co krytycy sztuki często nazywają prowokacją intelektualną.

Każdy obraz Magritte'a to rebus, który skłania do refleksji ukryte znaczenia. Ich liczba zależy wyłącznie od wyobraźni i erudycji widza: zestawienia obrazów i nazw obrazów skłaniają widza do poszukiwania rozwiązania, które być może w rzeczywistości nie istnieje. Jak mówił sam artysta, jego głównym celem jest skłonienie widza do myślenia. Wszystkie jego prace dają podobny efekt, dlatego Magritte nazwał siebie „ magiczny realista».
Magritte jest mistrzem paradoksów, stawia problemy sprzeczne z logiką, a znalezienie sposobu na ich rozwiązanie pozostawia widzowi. Wizerunek mężczyzny w meloniku jest jednym z centralnych w jego twórczości, stał się symbolem samego artysty. Paradoksalny obiekt na zdjęciu to jabłko wiszące w powietrzu tuż przed twarzą mężczyzny. „Syn Człowieczy” to kwintesencja koncepcji „realizmu magicznego” i szczyt twórczości Magritte’a. Każdy, kto patrzy na to zdjęcie, dochodzi do bardzo sprzecznych wniosków.
Magritte namalował „Syna człowieczego” w 1964 roku jako autoportret. Tytuł pracy nawiązuje do obrazy biblijne i symbole. Jak pisali krytycy, „obraz zawdzięcza swoją nazwę wizerunkowi współczesnego biznesmena, który pozostaje synem Adama, oraz jabłku, symbolizującemu pokusy, które wciąż nawiedzają człowieka we współczesnym świecie”.
Po raz pierwszy wizerunek mężczyzny w płaszczu i meloniku pojawia się w „Refleksjach samotnego przechodnia” w 1926 roku, a później zostaje powtórzony w obrazie „Znaczenie nocy”. W latach pięćdziesiątych XX wieku Magritte ponownie powraca do tego obrazu. Jego słynna „Golconda” symbolizuje jednolicowy tłum i samotność każdej znajdującej się w nim osoby. „Człowiek w meloniku” i „Syn człowieczy” w dalszym ciągu podejmują refleksję nad utratą indywidualności przez współczesnego człowieka.

Twarz mężczyzny na zdjęciu przykryta jest jabłkiem – jednym z najstarszych i wieloznacznych symboli w sztuce. W Biblii jabłko jest owocem drzewa poznania dobra i zła, symbolem upadku człowieka. W folklorze obraz ten był często używany jako symbol płodności i zdrowia. W heraldyce jabłko symbolizuje pokój, władzę i władzę. Ale Magritte najwyraźniej odwołuje się do pierwotnych znaczeń, używając tego obrazu jako symbolu pokus, które nawiedzają człowieka. W szalonym rytmie współczesne życie człowiek traci swoją indywidualność, wtapia się w tłum, ale nie może pozbyć się pokus, które jak jabłko na obrazku blokują realny świat.

Działka

Przy niskim płocie stoi mężczyzna w nieokreślonym wieku, w dobrze skrojonym, ale niczym nie rzucającym się w oczy garniturze i meloniku. Za nim jest tafla wody. Zamiast twarzy jest jabłko. W tym surrealistycznym rebusie zakodował kilka tematów przewijających się przez całą jego twórczość.

„Syn Człowieczy”, 1964. (wikipedia.org)

Incognito w meloniku to obraz powstały z przewrotnego połączenia pasji Magritte’a. Z jednej strony trzymał się zasad klasycznego mieszczaństwa, wolał wyglądać niepozornie, być jak wszyscy. Z drugiej strony uwielbiałem historie detektywistyczne, filmy przygodowe, zwłaszcza o Fantômasie. Historia przestępcy, który przybierał postać ofiary, inscenizował oszustwa, oszukiwał policję i zawsze ukrywał się przed ściganiem, pobudził wyobraźnię Magritte’a.

Na skrzyżowaniu pragnienia porządku i nieporządku narodził się ten człowiek, który wydaje się szanowany, ale za którego twarzą skrywają się nieznane nawet mu tajemnice. Ten sam cichy basen z diabłami.

W tym samym kontekście można dostrzec aluzję do historii Upadku. Adam został wyrzucony z raju nie dlatego, że zgodził się zjeść owoc z zakazanego drzewa, ale dlatego, że nie poniósł odpowiedzialności za popełnione przestępstwo i dlatego nie usprawiedliwiał miana człowieka jako boskiego stworzenia.

Kolejnym motywem, który w taki czy inny sposób pojawia się w wielu jego pracach, jest wspomnienie matki, która popełniła samobójstwo, gdy Rene miał 14 lat. Utonęła w rzece, a gdy jakiś czas później wyjęto jej ciało z wody, głowę miała owiniętą w koszulę nocną. I chociaż Magritte powiedział później, że to wydarzenie w żaden sposób na niego nie wpłynęło, trudno w to uwierzyć. Po pierwsze, aby w wieku 14 lat pozostać obojętnym na samobójstwo matki, trzeba mieć zanikłą duszę (czego z pewnością nie można powiedzieć o Magritte'u). Po drugie, obrazy wody, duszącej draperii lub kobiety z nią powiązanej element wody, bardzo często pojawiają się na obrazach. Tak więc w „Synie człowieczym” za plecami bohatera jest woda, a bariera oddzielająca go od niej jest niezwykle niska. Koniec jest nieunikniony, ale jego nadejście jest nieprzewidywalne.

Kontekst

Według definicji Magritte'a tworzył realizm magiczny: wykorzystując znane przedmioty, tworzył nieznane zestawienia, które wprawiały widza w niepokój. Tytuły dla większości – tych wszystkich tajemniczych, otulających sformułowań – zostały wymyślone nie przez samego artystę, ale przez jego przyjaciół. Po ukończeniu kolejnej pracy Magritte zaprosił ich i zaproponował zorganizowanie burza mózgów. Sam artysta odszedł całkiem szczegółowy opis filozofię swojej sztuki i postrzegania świata, rozumienie relacji pomiędzy przedmiotem, jego obrazem i słowem.

„Zakaz reprodukcji”, 1937. (wikipedia.org)

Jednym z podręcznikowych przykładów jest obraz „Zdrada obrazów” z 1948 roku. Przedstawia znaną wszystkim fajkę, która sama w sobie nie powoduje żadnych zakłóceń w drobno zorganizowanej duszy o charakterze artystycznym. Gdyby nie podpis: „To nie jest fajka”. „Jak to nie jest fajka” – pytała publiczność, „skoro wyraźnie widać, że nie może to być nic innego jak fajka”. Magritte odpowiedział: „Czy możesz napełnić go tytoniem? Nie, to tylko obraz, prawda? Gdybym więc napisał pod obrazem: „To jest fajka”, skłamałbym!”

„Zdrada obrazów”, 1928−1929. (wikipedia.org)

Każde dzieło Magritte'a ma swoją własną logikę. To nie jest seria koszmarów i snów, ale system powiązań. Artysta był ogólnie sceptyczny co do gorliwości, z jaką surrealiści studiowali Freuda i ledwo się budząc, starał się jak najdokładniej uchwycić to, co widzieli w swoich snach.

Artysta ma na swoim koncie cykl prac – „perspektywy”, w których umierają bohaterowie obrazów znanych mistrzów. Oznacza to, że Magritte interpretuje osoby przedstawione na płótnach jako żywych ludzi, którzy prędzej czy później umrą. Na przykład Magritte wykonał portrety Madame Recamier autorstwa Davida i François Gerardów i na ich podstawie namalował dwie perspektywy. I nie możesz się kłócić: nieważne, jak piękne towarzyska, ale czekał ją ten sam los, co ostatnią drobnostkę.

Podobnie Magritte postąpił przy „Balkonie” Edouarda Maneta, w którym ludzi zastąpił trumnami. Niektórzy postrzegają cykl „perspektywy” jako bluźnierstwo wobec sztuki, inni jako żart, ale jeśli się nad tym zastanowić, jest to po prostu trzeźwe spojrzenie na sprawy.

Losy artysty

Rene Magritte urodził się w belgijskiej dziczy. W rodzinie było troje dzieci, nie było to łatwe. NA przyszły rok Po śmierci matki Rene poznał Georgette Berger. Po 9 latach spotkają się ponownie i już nigdy się nie rozstaną.

Po szkole i kursie w Królewskiej Akademii Sztuk Magritte zaczął malować róże na tapetach - dostał pracę jako artysta w fabryce. Następnie zaczął robić plakaty reklamowe. Po ślubie z Georgette Magritte poświęcał coraz więcej czasu sztuce. (Chociaż od czasu do czasu musiał wracać do zamówień handlowych - pieniędzy nie starczało, Georgette od czasu do czasu musiała pracować, co niezwykle przygnębiało Rene - on, jak na prawdziwego mieszczanina, uważał, że kobieta w ogóle nie powinna pracować .) Razem pojechali do Paryża, gdzie spotkali się z Dadaistami i Surrealistami, zwłaszcza z André Bretonem i Salvadorem Dali.

Wracając do ojczyzny w latach 30. XX w. Magritte pozostał wierny swojemu ascetycznemu trybowi życia, jak na standardy artystów. W jego domu nie było warsztatu - pisał bezpośrednio w swoim pokoju. Żadnego niepohamowanego picia, skandalów seksualnych i artystycznej rozpusty. Rene Magritte wiódł życie niepozornego urzędnika. Nie mieli dzieci – tylko psa.

Stopniowo zyskuje coraz większą sławę w Europie i USA, jest zapraszany do Wielkiej Brytanii i Stanów z wystawami i wykładami. Niepozorny mieszczanin zmuszony jest opuścić swój cichy kąt.

W latach wojny, chcąc zachęcić współobywateli okupowanej ojczyzny, Magritte zwrócił się w stronę impresjonizmu. Używając Renoira jako modelu, wybiera jaśniejsze kolory. Pod koniec wojny powróci do swojego zwykłego sposobu bycia. Ponadto rozpocznie eksperymenty filmowe: po zakupie aparatu w latach 50. Magritte z zapałem kręci filmy krótkometrażowe z udziałem żony i przyjaciół.

W 1967 roku Magritte zmarł na raka trzustki. Pozostało kilka niedokończonych projektów, nad którymi artysta pracował do ostatnich dni.

Źródła

muzeum-magritte-museum.be
Wykład Iriny Kulik „Rene Magritte - Christo”
Alexander Tairov – o artystach. Rene Magritte’a
Zdjęcie ogłoszenia i leadu: wikipedia.org

Mój ulubiony surrealista może pochwalić się wieloma arcydziełami, które skromnie wiszą w jego muzeum w Brukseli. Opinia publiczna znana jest z dwóch głów przykrytych kawałkiem materiału, siedzących trumien, wizerunku fajki, a także żeńskich narządów płciowych, które płynnie wpasowują się w jego twarz. Cóż, oczywiście dzięki niemu - synowi człowieczemu.

Wizerunek mężczyzny w płaszczu i meloniku przewija się niczym czerwona nić przez całą twórczość Magritte'a. Po raz pierwszy podobną sylwetkę namalował w 1926 roku, nazywając obraz „Refleksjami samotnego przechodnia”. Niektórzy badacze jego twórczości uważają, że obraz powstał pod wrażeniem śmierci matki artysty. (Popełnił samobójstwo, skacząc z mostu).

Rok później motyw melonika i płaszcza pojawia się ponownie w twórczości Magritte'a. „Znaczenie nocy”. Znaczenie nocy jest oczywiście we śnie.

Po raz kolejny Magritte wspomina ten obraz dopiero w 1951 roku, tworząc obraz „Puszka Pandory”. Prawdopodobnie biała róża pełni funkcję symbolu nadziei pozostałej na dnie pudełka.

W 1953 roku Magritte namalował słynną „Golcondę” – deszcz ludzi. Sam Rene to stwierdził ten obrazek uosabia jednostronność tłumu i samotność jednostki, która może dotknąć prawdziwe życie- znowu - tylko we śnie.

W 1954 roku ukazały się „Wielkie stulecie” i „Nauczyciel”.

„Wielkie stulecie”

„Nauczyciel w szkole”

W 1955 roku z różnych stron ukazuje się mężczyzna w płaszczu i meloniku. Trzy postacie, trzy księżyce, trzy rzeczywistości. „Arcydzieło lub tajemnica horyzontu”

W 1956 roku alter ego Magritte'a traci swój kształt i naśladuje horyzont - dzieło „Poeta odtworzony”

W 1957 roku Magritte zainspirował się Botticellim, umieszczając wiosnę na plecach mężczyzny w płaszczu. „Gotowy bukiet”

Po trzyletniej przerwie, w 1960 roku płaszcz powrócił do wdzięcznego widza. Przynosi ze sobą jabłko. „Karta pocztowa”

A także przedstawiciele fauny. Ważny szczegół - mężczyzna w płaszczu i meloniku odwraca się w naszą stronę. "Przytomność umysłu"

W 1961 roku Gagarin poleciał w kosmos, a Magritte namalował „Portret Steffi Lang”, w którym nie omieszkał umieścić dwóch kompletów „meloników”.

„Wyższe społeczeństwo”

„Duch przygody”

W 1963 roku Magritte ponownie trochę poeksperymentował z formą.

„Niekończąca się spowiedź”

„Zwolennik porządku”

W 1964 roku artysta namalował zwiastun „Syna człowieczego”. „Człowiek w meloniku”

I w końcu dochodzimy do być może najsłynniejszego obrazu Magritte’a. „Syn Człowieczy” w zamierzeniu miał być autoportretem artysty, symbolizującym nowoczesny człowiek który utracił swoją indywidualność, lecz nie pozbył się pokus.

W tym samym roku napisano odmianę „Syna człowieczego” - „Wielka wojna”

Dwa lata po Synu Człowieczym Magritte powrócił do meloników. „Kalkomania” i „ Muzeum Królewskie„Pochodzi z 1966 r.

„Kalkomania”

„Muzeum Królewskie”

W tym momencie Magritte zakończył swój związek z melonikami, ale było już za późno – obraz trafił do mas. Zabawne dłonie fanów produktów Apple odegrały znaczącą rolę w wulgaryzacji obrazu.

Nie można jednak winić tylko zwolenników złego jabłka – z reguły adaptacja pomysłu przez społeczeństwo jest często bolesna dla autora.

Apoteozą procesu jest przemiana „syna człowieczego” w nowego bohatera postępowej młodzieży. Czuję się, jakby Magritte właśnie wbił gwóźdź do swojej trumny.

Co w efekcie otrzymamy? Jeden z kluczowe obrazy artysta został zwulgaryzowany i skomercjalizowany. Z drugiej strony, czy nie jest to dowód na światową sławę?

Bella Adtseewa

Belgijski artysta Rene Magritte, mimo niewątpliwego związku z surrealizmem, zawsze wyróżniał się w tym nurcie. Po pierwsze, był sceptyczny wobec być może głównego hobby całej grupy Andre Bretona – psychoanalizy Freuda. Po drugie, same obrazy Magritte'a nie przypominają ani szalonych fabuł Salvadora Dali, ani dziwacznych pejzaży Maxa Ernsta. Magritte posługiwał się głównie zwykłymi, codziennymi obrazami – drzewami, oknami, drzwiami, owocami, postaciami ludzkimi – ale jego obrazy są nie mniej absurdalne i tajemnicze niż prace jego ekscentrycznych kolegów. Bez tworzenia fantastycznych obiektów i stworzeń z głębi podświadomości, Belgijski artysta zrobił to, co Lautreamont nazwał sztuką – zorganizował „spotkanie parasoli i maszyna do pisania na stole operacyjnym”, łącząc w niecodzienny sposób banalne rzeczy. Krytycy sztuki i znawcy sztuki wciąż proponują nowe interpretacje jego obrazów i ich poetyckich tytułów, prawie nigdy nie kojarzonych z obrazem, co po raz kolejny potwierdza: prostota Magritte’a jest zwodnicza.

Sam Rene Magritte nazywał swoją sztukę nawet nie surrealizmem, ale realizmem magicznym i był bardzo nieufny wobec wszelkich prób interpretacji, a tym bardziej poszukiwania symboli, argumentując, że z obrazami liczy się tylko ich oglądanie.

Od tego momentu Magritte okresowo powracał do obrazu tajemniczego nieznajomego w meloniku, przedstawiającego go albo na piaszczystym brzegu morza, albo na moście miejskim, albo w zielonym lesie, albo zwróconym twarzą do górski krajobraz. Nieznajomych mogło być dwóch lub trzech, stali tyłem do widza lub półbokiem, a czasem – jak na przykład w obrazie Wysokie społeczeństwo (1962) (można przetłumaczyć jako „ Wysokie społeczeństwo„—przyp. red.) – artysta nakreślił jedynie zarys mężczyzny w meloniku, wypełniając go chmurami i listowiem. słynne obrazy, przedstawiający nieznajomego - „Golcondę” (1953) i oczywiście „Syna człowieczego” (1964) - najczęściej powielane dzieło Magritte'a, którego parodie i aluzje pojawiają się tak często, że obraz żyje już oddzielnie od swojego twórcy. Początkowo Rene Magritte malował obraz jako autoportret, gdzie postać mężczyzny symbolizowała współczesnego człowieka, który zatracił swoją indywidualność, ale pozostaje synem Adama, który nie potrafi oprzeć się pokusom – stąd jabłko pokrywające jego twarz.

"Zakochani"

Rene Magritte dość często komentował swoje obrazy, ale pozostawił jednego z najbardziej tajemniczych - „Kochanków” (1928) bez wyjaśnienia, pozostawiając pole do interpretacji krytykom sztuki i fanom. Pierwsi ponownie dostrzegli w obrazie nawiązanie do dzieciństwa artystki i przeżyć związanych z samobójstwem matki (kiedy wyłowiono jej ciało z rzeki, głowę kobiety zakryto brzegiem koszuli nocnej – przyp. red.). Najprostsze i najbardziej oczywiste istniejące wersje- „miłość jest ślepa” – nie budzi zaufania ekspertów, którzy często interpretują obraz jako próbę przekazania izolacji między ludźmi, którzy nawet w chwilach namiętności nie są w stanie pokonać wyobcowania. Inni widzą tu niemożność zrozumienia i poznania bliskich sobie osób do końca, jeszcze inni „Kochankowie” rozumieją jako zrealizowaną metaforę „utraty głowy z miłości”.

W tym samym roku Rene Magritte namalował drugi obraz zatytułowany „Kochankowie” - na nim twarze mężczyzny i kobiety również są zamknięte, ale zmieniły się ich pozy i tło, a ogólny nastrój zmienił się z napiętego na spokojny.

Tak czy inaczej, „Kochankowie” pozostają jednym z najbardziej rozpoznawalnych obrazów Magritte’a, którego tajemniczy klimat przejęli dzisiejsi artyści – nawiązuje do niego chociażby okładka debiutancki album grupa brytyjska Pogrzeb przyjaciela ubranego niedbale i pogrążonego w rozmowie (2003).

„Zdrada obrazów”, czyli to nie jest...

Nazwy obrazów Rene Magritte'a i ich związek z obrazem to temat na osobne opracowanie. „Szklany klucz”, „Dokonać niemożliwego”, „Los człowieka”, „Przeszkoda pustki”, „ Cudowny świat„, „Imperium Światła” są poetyckie i tajemnicze, prawie nigdy nie opisują tego, co widz widzi na płótnie, a w każdym indywidualnym przypadku można się tylko domyślać, jakie znaczenie artysta chciał nadać nazwie. „Nazwy zostały wybrane w sposób w taki sposób, że nie pozwalają mi umieścić moich obrazów w sferze tego, co znane, gdzie automatyzm myślenia z pewnością zadziała, aby zapobiec niepokojowi” – wyjaśnił Magritte.

W 1948 roku stworzył obraz „Zdrada obrazów”, który stał się jednym z najbardziej znanych słynne dzieła Magritte dzięki znajdującemu się na nim napisowi: od niekonsekwencji artysta doszedł do zaprzeczenia, pisząc pod wizerunkiem fajki „To nie jest fajka”. „Ta słynna fajka. Jak mi ją zarzucano! A przecież można do niej napełnić tytoniem? Nie, to tylko obrazek, prawda? Więc gdybym napisał pod zdjęciem: „To jest fajka”, to kłamałby!” - powiedział artysta.

Niebo Magritte’a

Niebo z unoszącymi się po nim chmurami jest tak codziennym i zużytym obrazem, że czyni go „ wizytówka"żadnego konkretnego artysty wydaje się niemożliwe. Nie można jednak pomylić nieba Magritte'a z czyimś - najczęściej z tego powodu, że na jego obrazach odbija się w fantazyjnych lustrach i wielkich oczach, wypełnia kontury ptaków i wraz z linia horyzontu od pejzażu niepostrzeżenie przesuwa się w stronę sztalugi (cykl „Ludzki los”). Pogodne niebo stanowi tło dla nieznajomego w meloniku („Kalkomania”, 1966), zastępuje szare ściany pokoju („Kalkomania”, 1966). Wartości osobiste”, 1952) i odbija się w trójwymiarowych lustrach („Elementary Cosmogony”, 1949).

Wydawałoby się, że słynne „Imperium światła” (1954) wcale nie jest podobne do dzieł Magritte'a - w wieczornym krajobrazie na pierwszy rzut oka nie było miejsca na niezwykłe przedmioty i tajemnicze kombinacje. A jednak istnieje takie połączenie, które tworzy obraz „Magritte” – czyste, dzienne niebo nad jeziorem i dom pogrążony w ciemności.

Działka

2010.

Możesz być zainteresowany