Hiszpania ma pełne prawo nazywać się ojczyzną najwspanialsi ludzie przeszłość i teraźniejszość. Ten kraj dał światu wielu niesamowitych i utalentowanych ludzi, w tym architektów, artystów, aktorów, reżyserów, sportowców i piosenkarzy.
Wśród artystów jest Diego Velazqueza, który identyfikuje szczyt malarstwa hiszpańskiego XVIII wieku, Pabla Ruiza Picassa- Założyciel kubizmu sławny artysta, grafik, rzeźbiarz i ceramik, Francisco José de Goya- słynny malarz i rytownik, Salvador Dali- światowej sławy artysta, grafik, malarz, rzeźbiarz, pisarz i reżyser.
Wśród katalońskich artystów, innych niż Salvador Dali, są światowej sławy artyści Joan Miro I Antoniego Tapiesa.
Salvador Dali(1904-1989, imię i nazwisko - Salvador Domenech Felip Jacinth Dali i Domenech, markiz de Dali de Pubol) - jeden z najbardziej znani przedstawiciele surrealizm.
Salvador Dali ze swoim ukochanym ocelotem Babou w 1965 roku.
Salvador Dali urodził się w Hiszpanii 11 maja 1904 roku w mieście Figueres (prowincja Girona, północna Katalonia) w rodzinie zamożnego notariusza. Ze względu na narodowość był Katalończykiem, postrzegał siebie w tej roli i nalegał na tę swoją cechę. Dali był niezwykle skandaliczną osobą.
Salvador był trzecim dzieckiem w rodzinie (miał też brata i siostrę). Jego starszy brat zmarł na zapalenie opon mózgowych, zanim skończył 2 lata, a dziecku, które urodziło się 9 miesięcy po jego śmierci, rodzice nadali imię Salvador – „Zbawiciel”. Pięcioletni Dali został poinformowany przez swoją matkę, że jest reinkarnacją swojego brata.
Przyszły artysta dorastał bardzo kapryśny i arogancki, lubił manipulować ludźmi za pomocą publicznych scen i napadów złości.
Jego talent plastyczny ujawnił się już w dzieciństwie. W wieku 6 lat namalował ciekawe obrazy, w wieku 14 lat miał swoją pierwszą wystawę w Figueres. Dali miał okazję doskonalić swoje umiejętności w miejskiej szkole artystycznej.
W latach 1914-1918 Salvador studiował w Figueres w Akademii Zakonu Marystów. Edukacja w klasztornej szkole nie szła gładko, aw wieku 15 lat ekscentryczny uczeń został wydalony za nieprzyzwoite zachowanie.
W 1916 roku miało miejsce przełomowe wydarzenie dla Dali - wycieczka do Cadaqués z rodziną Ramona Pisho. Tam zetknął się z malarstwem współczesnym. W swoim rodzinnym mieście geniusz studiował u Joana Nuneza.
W wieku 17 lat - w 1921 roku - przyszły artysta ukończył instytut (jak nazywano w Katalonii gimnazjum).
Następnie w 1921 roku Salvador wyjechał do Madrytu i tam wstąpił do Akademii Sztuk Pięknych. Nie lubił uczyć. Uważał, że sam może nauczyć swoich nauczycieli sztuki rysowania. Pozostał w Madrycie tylko dlatego, że był zainteresowany komunikowaniem się ze swoimi towarzyszami.
W Szkole Sztuk Pięknych przy Akademii zbliżył się do literackich i artystycznych środowisk Madrytu. w szczególności z Luis Buñuel I Federico Garcia Lorca. Choć Dali nie zabawił w Akademii długo (wyrzucono go za zbyt śmiałe pomysły i występki w 1924 roku), nie przeszkodziło to artyście w zorganizowaniu pierwszej małej wystawy swoich prac i szybkim zdobyciu sławy w Hiszpanii.
Dali ponownie wrócił do Akademii rok później, ale został ponownie wydalony w 1926 roku (Salvador miał 22 lata) i już bez prawa do przywrócenia. Incydent, który doprowadził do takiej sytuacji, był po prostu niesamowity: na jednym z egzaminów profesor Akademii poprosił o wymienienie 3 największych artystów świata. Dali odpowiedział, że nie odpowie na takie pytania, ponieważ ani jeden nauczyciel z Akademii nie ma prawa być jego sędzią.
Dali ogłosił całkowitą wolność od wszelkich estetycznych lub moralnych przymusów i poszedł do granic możliwości w każdym twórczym eksperymencie. Nie wahał się realizować najbardziej prowokacyjnych pomysłów i pisał wszystko, od miłości i rewolucji seksualnej, przez historię i technologię, po społeczeństwo i religię.
Jednym ze słynnych obrazów Dali jest Trwałość pamięci.
Obraz „Sen”.
Obraz „Wielki masturbator”.
Obraz „Upiór atrakcyjności seksualnej”.
Obraz „Galatea z kulami”.
W 1929 roku Dali znalazł swoją muzę. Ona stała się Gala Eluarda. To ona jest przedstawiona na wielu obrazach Salvadora Dali. W wieku 30 lat - w 1934 roku - Dali nieoficjalnie poślubia Galę, która była o 10 lat starsza od artysty (prawdziwe imię kobiety to Jelena Diakonowa, urodził się w Kazaniu. Z powodu zamiłowania do Dali opuściła męża, francuskiego poetę. Pola Eluarda i 16-letnia córka Cecile). Jednak religijna ceremonia zaślubin Dali z Galą odbyła się dopiero 24 lata później - w 1958 roku.
Salvador i Gala mieszkali w małej wiosce Cadaqués(prowincja Girona) w porcie Ligat – znajdowało się jedyne własne mieszkanie Dali, które już żonaty po powrocie z Paryża nabył dla siebie i swojej żony Gali. W tym czasie była to mała chatka, w której miejscowi rybacy trzymali swój sprzęt, o łącznej powierzchni 22 metrów kwadratowych. metry.
Z biegiem czasu dom Dali w Cadaques, przez 40 lat zamieszkiwania w nim rodziny impresjonistów, stał się większy i piękniejszy: artysta nabył sąsiednie chaty, odrestaurował je i połączył w jeden budynek. W ten sposób w zatoce pojawił się warsztat, w którym wielki impresjonista stworzył większość swoich arcydzieł.
Dom Muzeum Salvadora Dali w miejscowości Cadaqués.
Wielcy hiszpańscy artyści w swoich pracach poruszali tematy, które ekscytują każdego człowieka, dlatego ich nazwiska przetrwały wieki. Począwszy od El Greco, jest dziewięciu takich mistrzów, którzy żyli od XVI do XX wieku. Największy rozkwit przypada na wiek XVII. W przeciwnym razie jest również nazywany złotym. Jest to okres baroku.
szesnasty wiek
Pierwszym, który wychwalał szkołę hiszpańską, był Grek Domenico Theotokopoulos (1541-1614), którego w Hiszpanii nazywano El Greco. W tamtych czasach często rozpalano ogniska nad heretykami. Dlatego tematy świeckie praktycznie nie były poruszane. Malarstwo sztalugowe i freskowe to odmiany ilustracji do Pisma Świętego. Ale nawet tutaj trzeba było zachować wielką ostrożność. Wymagane były tradycyjne interpretacje.
El Greco łączy motywy religijne z niezwykle piękną i bogatą kolorystyką, która zapowiada nadejście baroku. Jedno z jego arcydzieł, Apostołowie Piotr i Paweł (1582-592), jest przechowywane w Rosji. Przedstawia prostego niepiśmiennego rybaka Piotra i twórcę całej doktryny chrześcijańskiej, wysoko wykształconego Pawła oczywiście z Biblią. Chrześcijaństwo w pierwszych wiekach podbijało serca miłością do ludzi, miłosierdziem i prostotą – wystarczyło tylko wierzyć, a każdy człowiek, wykształcony czy niewykształcony, biedny czy bogaty, stawał się chrześcijaninem. Hiszpańscy artyści wiele nauczyli się od malarza, który miał niepowtarzalny styl związany z chorobami oczu. Jednak przez długi czas jego malarstwo zostało zapomniane i ponownie odkryte trzy wieki później.
Barok - złoty wiek
Jak nigdzie indziej, katolicyzm jest nadal silny, co więcej, reprezentuje potężną i potężną siłę, która wymaga od człowieka umartwienia cielesnych pragnień i radości oraz całkowitego zanurzenia się w religijnych rytuałach. Hiszpańscy artyści tacy jak José Ribera (1591-1652), (1598-1664), Diego Velasquez (1599-1660) i Bartolomeo Murillo (1617-1682) są najjaśniejszymi przedstawicielami tego okresu. Znają dzieła Caravaggia, który ma na nich wielki wpływ, nie ze względu na ich martwe natury, ale zrozumienie, czym jest śmierć i jak blisko styka się ona z życiem.
Hiszpańscy artyści Ribera i Zurbaran
To skojarzenie jest nieco arbitralne. Malarstwo José Ribery (1591-1652) wyróżnia się motywami martyrologicznymi i naturalizmem w przedstawianiu cierpienia świętych i bohaterów mitologicznych, a także ostrym kontrastem światła i cienia. Francisco Zurbarana (1598-1664) jego najlepsze obrazy zabarwiony liryzmem tworzy w latach 30. XVI wieku. W 1662 z czułością napisze „Madonna z Dzieciątkiem i Janem Chrzcicielem”.
Lekki wizerunek dziecka, który znajduje się w centrum prostej i naturalnej kompozycji, od razu przykuwa uwagę, podobnie jak łagodne oblicze Madonny i złote szaty klęczącego Jana, u którego stóp znajduje się symboliczna biała owca. Dorosły Chrystus będzie pasterzem ogromnej trzody tych, którzy w Niego wierzą. Zurbaran maluje wyłącznie z natury – to jego zasada, wykorzystująca kontrast głębokich cieni i mocnego światła. Zurbaran przyjaźnił się z genialny artysta Diego Velazquez, który pomagał mu przy zamówieniach. Hiszpańscy artyści starali się wzajemnie wspierać.
Velazquez (1599-1660)
Początkowo hiszpański artysta Diego Velasquez, mieszkający w Sewilli, dużo pracuje nad scenami rodzajowymi, a także nad obrazami alegorycznymi. Jednak znajomość włoskich obrazów z królewskiej kolekcji znacznie zmieniła jego poglądy estetyczne. Zmienia kolor na delikatne srebro i przechodzi w przezroczyste tony. Z wielkim trudem udaje mu się zdobyć posadę nadwornego malarza. Ale król Filip IV natychmiast docenił ten dar młody artysta, a później tworzył portrety członków rodziny królewskiej. Zwieńczeniem jego twórczości były dwa obrazy, do tej pory nierozwiązane, tak wiele znaczeń umieścił w nich artysta. Są to Meniny (1656), czyli orszak dworzan z następcami tronu królewskiego oraz Prządki (1658).
W „Meninach” na pierwszy rzut oka wszystko wydaje się proste. W dużej sali znajduje się młoda infantka w otoczeniu dam dworu, ochroniarz, dwa krasnoludki, pies i artysta. Ale za malarzem na ścianie wisi lustro, w którym odbijają się król i królowa. To, czy para królewska jest w pokoju, czy nie, jest jedną z tajemnic. Jest ich o wiele więcej, jak na obszerny artykuł. I żadna zagadka nie ma jednoznacznej odpowiedzi.
Od Francisco Goya do Salvadora Dali
Urodzony w Saragossie Goya (1746-1828) zostaje oficjalnym nadwornym malarzem, potem jednak traci to miejsce i otrzymuje stanowisko wicedyrektora Akademii Sztuk Pięknych. W jakimkolwiek charakterze Goya pracuje ciężko i szybko, tworząc gobeliny do gobelinów, portrety, maluje kościoły, maluje obrazy dla katedra w Walencji. Pracuje ciężko i ciężko przez całe życie, zmieniając się jak mistrz, odchodząc od lekkich świątecznych kompozycji z bogate kolory do szybkiej i ostrej grafiki, a jeśli już malowanie, to jest ciemno i ponuro.
Szkoła rysunku w Hiszpanii nie umiera, ale kolejny artysta malarstwa hiszpańskiego, wielki mistrz, pojawi się w 1881 r. To jest Picasso. Co nie jest naznaczone jego pracą. Są to okresy „niebieski” i „różowy”, kubizm, surrealizm i pacyfizm. Za wszystkimi jego pracami kryje się subtelna ironia i chęć sprzedaży. I potrafił rysować. Tworząc portrety swojej ukochanej w okresie kubizmu, które sprzedawały się jak świeże bułeczki, maluje ją dla siebie w stylu realizmu. I dopiero po zostaniu osobą zamożną zaczął pozwalać sobie na rysowanie, jak chce.
Lakoniczne jest jego dzieło Don Kichot (1955). Sam rycerz, jego giermek, koń, osioł i kilku Don Kichotów są przedstawieni jako lekcy, nieważcy, a Rosinante jest prawie workiem kości. Natomiast Sancho po lewej to czarna, ciężka masa. I choć obie postacie stoją nieruchomo, rysunek jest pełen ruchu. Wersety są energetyczne, chwytliwe, pełne humoru.
Słynny hiszpański artysta Salvador Dali jest ekscentrykiem. Ten człowiek miał wszystko na sprzedaż. I obrazy, pamiętniki i książki. Dorobił się fortuny dzięki energicznej pomocy żony, lepiej znanej jako Gala. Była zarówno jego muzą, jak i managerem. Ich związek odniósł duży sukces komercyjny.
Kończąc ten artykuł na temat słynnych hiszpańskich artystów, trzeba powiedzieć, że wszyscy mieli osobowość tak jasną jak słońce Hiszpanii.
Zdjęcie - Sen spowodowany lotem pszczoły wokół granatu, na sekundę przed przebudzeniem.
Rok powstania - 1944,
Olej na płótnie 51×40,5 cm
Muzeum Tisenna-Barnemisza w Madrycie
Jeśli wierzyć opowieściom Dali, drzemał przy sztalugach, trzymając w dłoni klucz, pędzel lub łyżkę. Kiedy przedmiot wypadł i uderzył w talerz, który wcześniej leżał na podłodze, ryk obudził artystę. I natychmiast zabrał się do pracy, aż zniknął stan między snem a rzeczywistością.
Dali powiedział o obrazie w następujący sposób: „Celem było po raz pierwszy przedstawienie typu długiego połączonego snu odkrytego przez Freuda, spowodowanego natychmiastowym uderzeniem, z którego następuje przebudzenie”.
Freud opisał to jako sen, którego fabuła jest spowodowana jakimś bodźcem z zewnątrz: podświadomość śpiącego identyfikuje ten bodziec i zamienia go w obrazy, które mają pewne podobieństwo do źródła irytacji. Jeśli drażniący niesie zagrożenie w rzeczywistości, to we śnie przybierze groźny wygląd, który sprowokuje przebudzenie.
Na dole obrazu śpi naga kobieta, jakby unosiła się nad kamienną płytą obmywaną przez morze. Morze w twórczości Dali oznacza wieczność. Freud porównał ludzką psychikę do góry lodowej, zanurzonej w dziewięciu dziesiątych w morzu nieświadomości.
Kobieta na zdjęciu to Gala, którą artysta uważał za swoją inspirację i drugie ja. Widzi przedstawiony na obrazie sen i znajduje się na granicy dwóch światów – realnego i iluzorycznego, będąc jednocześnie w obu.
Kobieta słyszy we śnie brzęczenie pszczoły nad granatem. Wizerunek granatu w symbolice starożytnej i chrześcijańskiej oznacza odrodzenie i płodność.
„Cała życiodajna biologia powstaje z pękniętego granatu” - skomentował sam artysta na temat obrazu.
Podświadomość sygnalizuje, że owad może być niebezpieczny, a mózg reaguje, wyświetlając obrazy warczących tygrysów. Jedno zwierzę wyskakuje z pyska innego, a potem z kolei wyłania się z otwartego pyska ryby wyłaniającej się z ogromnego granatu, który wisiał nad śpiącym. Ostre pazury i zęby są symbolem strachu przed ukąszeniem owada, podobnie jak pistolet z bagnetem, który ma przebić kobiecą dłoń.
„Słoń Berniniego w tle niesie obelisk i atrybuty papieża” – artysta nawiązał do snu o pogrzebie papieża, który Freud miał z powodu dzwonek dzwoni i cytowany przez psychiatrę jako przykład dziwacznego związku między fabułą a bodźcem zewnętrznym.
Słoń z Piazza Minerva w Rzymie, stworzony przez mistrza baroku Giovanniego Lorenzo Berniniego jako cokół dla starożytnego egipskiego obelisku, był następnie wielokrotnie przedstawiany przez Dali na obrazach i rzeźbach. Cienkie stawy nóg są symbolem niestabilności i nierzeczywistości nieodłącznie związanej ze snem.
Pablo Picasso, Guernica
Malarstwo - Guernica
Rok powstania - 1937.
Płótno, olej. 349x776 cm
Centrum Sztuki Reina Sofia w Madrycie
Obraz został namalowany w maju 1937 roku na zlecenie rządu Republiki Hiszpańskiej dla pawilonu hiszpańskiego na Wystawie Światowej w Paryżu.
Ekspresyjne płótno Picassa stało się publicznym protestem przeciwko nazistowskiemu bombardowaniu baskijskiego miasta Guernica, kiedy to w ciągu trzech godzin zrzucono na miasto kilka tysięcy bomb; w rezultacie zniszczono sześciotysięczną Guernicę, pod gruzami znalazło się około dwóch tysięcy mieszkańców.
Obraz Picassa jest pełen osobistych uczuć cierpienia i przemocy.
Po prawej stronie obrazu postacie uciekają z płonącego budynku, z którego okna wypada kobieta; po lewej szlochająca matka trzyma w ramionach dziecko, a triumfujący byk depcze poległego wojownika.
Złamany miecz, zmiażdżony kwiat i gołąb, czaszka (ukryta w ciele konia) i przypominająca ukrzyżowanie postawa upadłego wojownika to uogólnione symbole wojny i śmierci.
Na rękach martwego żołnierza widoczne są stygmaty (bolesne, krwawiące rany otwierające się na ciele niektórych głęboko religijnych osób – tych, które „cierpiały jak Jezus”. Byk symbolizuje zło i okrucieństwo, a koń symbolizuje cierpienie niewinnych.
Niektórzy Hiszpanie interpretują byka, symbol tradycyjnych hiszpańskich walk byków, jako samą Hiszpanię, która odwróciła się od tego, co dzieje się w Guernicy (nawiązanie do pozwolenia Franco na zbombardowanie jego miasta).
Razem te szalone postacie tworzą pozór kolażu, wyróżniającego się sylwetką ciemne tło, jasno oświetlona przez kobietę z lampą i okiem z żarówką zamiast źrenicy. Monochromatyczne malowanie, przywodzące na myśl ilustracje prasowe, oraz ostry kontrast światła i ciemności potęgują silne oddziaływanie emocjonalne.
Francisco de Goya, Naga Maja
Malarstwo - Nude Maha
Rok powstania - 1795-1800.
Płótno, olej. 98x191 cm
Muzeum Prado w Madrycie
W obrazie mahi, hiszpańskiej mieszczanki XVIII-XIX w., artystka wbrew surowym akademickim kanonom uosabiała typ atrakcyjnej, naturalnej urody. Maha jest kobietą, której sensem życia jest miłość. Uwodzicielskie, pełne temperamentu wahania uosabiały hiszpańskie rozumienie atrakcyjności.
Goya stworzył obraz nowej Wenus współczesnego mu społeczeństwa, umiejętnie ukazując młodość, żywy wdzięk, tajemniczą zmysłowość uwodzicielskiej modelki.
Młoda kobieta ukazana jest na ciemnym tle, przez co całą uwagę widza przykuwa wyzywająca nagość jej jedwabistej skóry, która w istocie staje się głównym i jedynym tematem obrazu.
Jak powiedział francuski pisarz i historyk sztuki Andre Malraux, dzieło to jest „nie tyle zmysłowe, co erotyczne, dlatego nie może pozostawić obojętnym żadnej mniej lub bardziej zmysłowej osoby”.
Obraz powstał na zamówienie Manuela Godoya, pierwszego ministra Hiszpanii, ulubieńca królowej Marii Luizy, żony Karola IV. Przez długi czas ukrywał go w swoim biurze. Została również połączona z drugim płótnem - ubrana Macha, które Godoy zawiesił nad aktem.
Oczywiście jeden z zszokowanych gości potępił lubieżnika, aw 1813 roku Inkwizycja skonfiskowała Godoyowi oba obrazy, jednocześnie oskarżając Goyę o niemoralność i żądając od artysty natychmiastowego podania nazwiska modelki, która mu pozowała. Goya, mimo wszelkich gróźb, kategorycznie odmówił podania imienia tej kobiety.
Z lekka ręka pisarza Liona Feuchtwangera, autora powieści Goya, czyli Trudna Ścieżka Wiedzy, po świecie zaczęła krążyć legenda, że nagim maha jest Maria Cayetana de Silva, 13. księżna Alby, z którą artysta miał podobno romans .
W 1945 r., aby obalić tę wersję, rodzina Alba otworzyła grobowiec, aby zmierzyć kości księżnej i udowodnić, że ich proporcje nie odpowiadają proporcjom Machy, ale ponieważ grób był już otwarty, a ciało księżnej wyrzucony przez żołnierzy napoleońskich, wówczas w obecnym stanie pomiar się nie powiódł.
Obecnie większość historyków sztuki jest skłonna wierzyć, że obrazy przedstawiają Pepitę Tudo, kochankę Godoya.
Diego Velazquez, Las Meninas
Zdjęcie - Las Meninas
Rok powstania - 1656.
Płótno, olej. 318 x 276 cm
Muzeum Prado w Madrycie
Prawdopodobnie Las Meninas to najbardziej znany i rozpoznawalny obraz artysty, który jest znany niemal każdemu. To duże płótno jest jednym z najlepsze prace artysta. Obraz zachwyca skalą i wszechstronnością.
Aby powiększyć przestrzeń, zastosowano jednocześnie kilka mistrzowskich technik artystycznych. Artysta umieścił bohaterów w przestronnym pomieszczeniu, w tle którego znajdują się drzwi, a na oświetlonych stopniach stoi pan w czarnym ubraniu. To od razu wskazuje na obecność innej przestrzeni poza pomieszczeniem, wizualnie powiększając jego wymiary, pozbawiając go dwuwymiarowości.
Cały obraz jest lekko przesunięty na bok ze względu na płótno zwrócone do nas tylną stroną. Artysta stoi przed płótnem - to sam Velasquez. Maluje obraz, ale nie ten, który widzimy przed sobą, bo główni bohaterowie są zwróceni w naszą stronę. To trzy różne plany. Ale nawet to wydawało się mistrzowi niewystarczające i dodał lustro, w którym odbija się para królewska - król Hiszpanii Filip IV i jego żona Marianna. Z miłością patrzą na swoje jedyne dziecko w tym czasie - infantkę Margaritę.
Choć obraz nosi tytuł Las Meninas, czyli damy dworu na hiszpańskim dworze królewskim, w centrum obrazu znajduje się mała księżniczka, nadzieja całej ówczesnej rodziny hiszpańskich Habsburgów. Pięcioletnia Margarita jest spokojna, pewna siebie, a nawet arogancka ponad swój wiek. Ona, bez najmniejszego podniecenia i zmiany wyrazu twarzy, rozgląda się po otaczających ją ludziach, a jej malutkie ciałko jest dosłownie zakute w twardej skorupie wspaniałej dworskiej toalety. Nie wstydzą się jej szlachcianki – jej meniny – które kucają przed nią w głębokim ukłonie zgodnie z surową etykietą przyjętą na hiszpańskim dworze. Nie interesuje jej nawet pałacowy krasnolud i błazen, który postawił stopę na dużym psie leżącym na pierwszym planie. Ta mała dziewczynka nosi się z całą możliwą wielkością, uosabiając wielowiekową hiszpańską monarchię.
Tło pokoju wydaje się rozpuszczać w jasnoszarej mgiełce, ale wszystkie szczegóły złożonego stroju małej Margarity są wypisane z najdrobniejszymi szczegółami. Artysta nie zapomniał o sobie. Przed nami pojawia się imponujący mężczyzna w średnim wieku, z bujnymi kręconymi lokami, w czarnym jedwabnym ubraniu iz krzyżem Sant'Iago na piersi. Z powodu tego wyróżnienia, które mógł otrzymać tylko pełnokrwisty Hiszpan bez kropli krwi żydowskiej lub mauretańskiej, narosła mała legenda. Ponieważ artysta otrzymał krzyż zaledwie trzy lata po namalowaniu płótna, uważa się, że dokończył go sam król Hiszpanii.
El Greco, Pogrzeb hrabiego Orgaza
Malarstwo - Pogrzeb hrabiego Orgaza
Rok powstania - 1586-1588.
Płótno, olej. 480x360 cm.
Kościół São Tome, Toledo
Najbardziej słynny obraz wielki i tajemniczy El Greco należy do okresu rozkwitu jego twórczości. W tym czasie artysta wypracował już własny styl pisania, którego nie można pomylić ze stylami innych malarzy.
W 1586 roku mistrz zaczął dekorować kościół św. Tomasza w Toledo. Na główny wątek wybrano legendę o świętym z Toledo, Don Gonzalu Ruizie, znanym jako hrabia Orgaz, który żył w XIII-XIV wieku. Jako pobożny i pobożny chrześcijanin zasłynął z działalności charytatywnej, a kiedy zmarł w 1312 roku, sam św. Szczepan i bł. Augustyn zstąpili z nieba, aby dać ziemi godnego zmarłego.
Obraz jest wizualnie podzielony na dwie części: „ziemską” i „niebiańską”. Ścisły rytm dolnej „podłogi” przeciwstawiony jest barokowej „górze”. I tam, na różnych niebiańskich poziomach, duszę hrabiego spotykają Jan Chrzciciel, Maryja Panna, aniołowie i cherubiny. Chrystus siedzi w środku. Latający anioł jest podświetlony na biało - to on unosi duszę hrabiego do nieba.
Chrystus, anioł o zmarłej duszy i szlachcic poniżej tworzą pionową oś. Linie geometryczne w konstrukcji kompozycji były bardzo charakterystyczne dla El Greco.
Kulminacja ekspozycyjna zostaje przesunięta w dół dzieła, gdzie Stefan i Augustyn, kłaniając się, spuszczają Orgaza na ziemię. Święci ubrani są w złote stroje, nawiązujące do postaci anioła i szat Piotra w górnej strefie. Tym samym złotym kolorem artysta połączył bohaterów dzieła, związanych ze światem niebiańskim, innym światem.
Obraz odniósł ogromny sukces w Hiszpanii w czasach artysty. El Greco został później zapomniany i ponownie odkryty przez impresjonistów. Ekspresyjna praca emocjonalna ma ogromny wpływ na widza. Według naocznych świadków Salvador Dali stracił nawet przytomność w pobliżu płótna. Być może ta charakterystyka jest wyczerpująca.
Hiszpańscy artyści są znani wszystkim miłośnikom sztuki. Ich obrazy znajdują się w wielu muzeach na całym świecie. Hiszpania dała nam ogromną liczbę ludzi zaskakujących talentem we wszystkich dziedzinach sztuki. Porozmawiamy o kilku wybitnych malarzach, ponieważ trudno jest sporządzić pełną listę.
Muzeum Prado
Kolekcja tej królewskiej kolekcji jest o tyle zaskakująca, że zawiera prawie wszystkich wybitnych artystów hiszpańskich, a zagranicznych nie ma. Można to wytłumaczyć faktem, że od XVI do XIX wieku wszyscy służyli na dworze królów. Kolejnym bardzo dużym klientem był Kościół. Dlatego na obrazach często widzimy tematykę religijną. Prywatne zamówienia były dość rzadkie, a malarstwo było własnością wąskiego kręgu jego koneserów. Zwróćmy teraz uwagę na kilku wybitnych przedstawicieli tej szkoły.
Epoka renesansu
Wielcy, genialni malarze dali nam czas późnego renesansu. Artyści hiszpańskiego renesansu to bez wątpienia El Greco, de Ribera, Zurbaran i Velasquez. Skupimy się na krótkiej biografii tego ostatniego. Urodził się w Sewilli i szybko stał się ojczyzną słynny malarz. Udał się do Madrytu, ale nie udało mu się od razu dostać na dwór królewski. Wkrótce został nadwornym malarzem.
Stało się to w 1623 roku, kiedy artysta namalował portret króla Filipa IV. Aby poprawić, Diego Velasquez udał się do Włoch, odwiedził Genuę, Mediolan, Wenecję i Rzym. Potem jego paleta lśniła jasnymi kolorami. Dopiero po 1630 roku jego twórczość można nazwać dojrzałą. Maluje wiele portretów błaznów i krasnoludków, wnikając głęboko w najskrytszy świat ludzi urażonych naturą. Po drugiej wyprawie do Włoch, od 1651 roku, śp idealny okres ten mistrz. Wykorzystuje nowe techniki, a spod jego pędzla wychodzą portrety niemowląt, dam z rodziny królewskiej, głęboko psychologiczny portret Filipa IV, a także wielkoformatowe obrazy Prządek i Las Meninas. Zmarł w 1660 roku. Ma 61 lat. D. Velasquez wywarł ogromny wpływ na rozwój malarstwa światowego, a wielu, nie tylko hiszpańskich, artystów studiowało u jego dzieł.
Malarz, rysownik i rytownik
Rozpoczynamy krótką rozmowę o F. Goi. Jego twórczość wymyka się jakiejkolwiek definicji. Jest wolna od konwencji, przepełniona pasją, nieokiełznaną fantazją. Zaprezentujemy płótno, które jest wykonane w lekkim eleganckim stylu rokoko.
Dla nas to niezwykła Goya. Obraz nazywa się „Jesień. Klasyczny". Urzeka swoją pogodą ducha. Ta praca jest w całości dekoracyjna i przyjemna dla oka. Ogólnie rzecz biorąc, hiszpańscy artyści nauczyli się od malarza innego, bardziej satyrycznego obrazu życia.
Inny gatunek
Martwe natury malowano na wzór Flamandów w XVII wieku, kiedy odkryli je Hiszpanie. Tło tych obrazów jest zwykle ciemne. Obrazy hiszpańskich artystów charakteryzują się starannie dobraną kompozycją, precyzyjnym rysunkiem każdego kwiatu i płatka, robaka czy motyla. Przedstawiają również momenty przygotowywania posiłków. Prace są tak wiarygodne, że patrząc na nie, chce się jeść z całego serca.
Tutaj pokazano martwą naturę autorstwa Luisa Meléndeza. Był wybitnym mistrzem, który wiedział, jak pokazać przepyszne jedzenie. Wszystkie produkty są przygotowane. Czekamy tylko na szefa kuchni, który zamieni je w pyszne dania.
słynny hiszpański artysta
W XX wieku trudno jest wybrać, kto jest bardziej znany ogółowi społeczeństwa - P. Picasso czy S. Dali. Picasso stworzył ponad dwadzieścia tysięcy dzieł. Jego przedwojenne płótna dzieli się zazwyczaj na cztery okresy, w których eksperymentował z kolorem i formą. Później poczuł, że malarstwo ma większy zasięg oddziaływania na widza, co znalazło odzwierciedlenie w jego płótnach. Jego prace są najdrożej wyceniane na aukcjach. Sam twórca powiedział, że chce żyć jak biedak, ale jednocześnie być bogaty. Ekscentryczny S. Dali zadziwiał swoich współczesnych nie tylko wąsami i fantastycznymi płótnami, które przyszły mu z marzeń, ale także wybrykami, które aktywnie działały na rzecz reklamy.
Działalność komercyjna, dzięki żonie, była bardzo udana i tylko bardzo zamożni ludzie mogli kupować jego prace.
Nie wszyscy z wymienionych hiszpańskich malarzy reprezentują tutaj swoją ojczyznę. Współcześni artyści hiszpańscy pracują głównie w stylu realistycznym lub romantycznym. Jest miejsce na fantazję, ale zajmuje ona niewielką część. Ich obrazy to pejzaże, portrety, dzieła zwierzęce i martwe natury.
Opublikowano: 4 stycznia 2015 rsztuka hiszpańska
Sztuka hiszpańska jest sztuką Hiszpanii. Będąc ważną częścią sztuki zachodniej (szczególnie pod wpływem Włoch i Francji, zwłaszcza w okresie baroku i klasycyzmu) i dając światu wielu znanych i wpływowych artystów (m.in. Velázqueza, Goyę i Picassa), sztuka hiszpańska często posiadała cechy charakterystyczne i był oceniany do pewnego stopnia oddzielnie od innych szkół europejskich. Różnice te można częściowo wytłumaczyć mauretańskim dziedzictwem Hiszpanii (zwłaszcza w Andaluzji) oraz klimatem politycznym i kulturowym w Hiszpanii w okresie kontrreformacji i późniejszego upadku hiszpańskiej potęgi pod rządami dynastii Burbonów.
El Greco (1541-1614), Odsłonięcie Chrystusa (El Espolio) (1577-1579) to jeden z najsłynniejszych obrazów ołtarzowych El Greco, którego obrazy ołtarzowe słyną z dynamicznych kompozycji i poczucia ruchu.
Pierwsi Iberyjczycy pozostawili wiele w tyle; północno-zachodnia Hiszpania dzieli z południowo-zachodnią Francją obszary, na których znajdują się najbogatsze znaleziska sztuki górnego paleolitu w Europie w jaskini Altamira i innych miejscach, gdzie rysunki jaskiniowe, powstały między 35 000 a 11 000 pne. mi. Sztuka naskalna iberyjskiego basenu Morza Śródziemnego (jak definiuje to pojęcie UNESCO) to sztuka wschodniej Hiszpanii prawdopodobnie około 8000-3500 pne, przedstawiająca zwierzęta i sceny myśliwskie, często tworzona z rosnącym wyczuciem całej kompozycji wielkoformatowej scena. W szczególności Portugalia jest bogata w pomniki megalityczne, w tym Almendres Cromlech (Cromlech Almendres), a iberyjska sztuka schematyczna to rzeźby w kamieniu, petroglify i malowidła naskalne z wczesnej epoki żelaza, które można znaleźć na całym Półwyspie Iberyjskim, z wzory geometryczne, a także z częstszym stosowaniem prostych postaci ludzkich przypominających piktogramy, co jest typowe dla podobnych form sztuki z innych regionów. Casco de Leiro, złoty hełm rytualny z późnej epoki brązu, może być powiązany z innymi złotymi nakryciami głowy znalezionymi w Niemczech, a skarb Vilhena to ogromny skarb geometrycznie zaprojektowanych naczyń i ozdób, prawdopodobnie z X wieku pne, w tym 10 kilogramów złota . .
Rzeźba iberyjska przed podbojem rzymskim odzwierciedla kontakt z innymi zaawansowanymi starożytnymi kulturami, które założyły małe kolonie przybrzeżne, w tym Grekami i Fenicjanami; fenicka osada Sa Caleta na Ibizie została zachowana do wykopalisk, większość z nich znajduje się obecnie pod głównymi miastami, a Dama Guardamar została znaleziona podczas wykopalisk w innym fenickim miejscu. Dama z Elche (prawdopodobnie IV wiek pne) prawdopodobnie reprezentująca Tanith, ale wykazująca również wpływy hellenistyczne, podobnie jak Sfinks z Agosta i Bicha z Balasote z VI wieku. Byki z Guisando są najbardziej imponującym przykładem verraco - dużych celtyckich iberyjskich rzeźb zwierząt w kamieniu; Byk z Osun, V wiek pne jest najbardziej rozwinięty konkretny przykład. Zachowało się kilka zdobionych falcat, charakterystycznych zakrzywionych mieczy iberyjskich, a także wiele figurek z brązu, które służyły jako obrazy wotywne. Rzymianie stopniowo podbili całą Iberię między 218 pne. i 19 rne
Podobnie jak w innych częściach Cesarstwa Zachodniego, okupacja rzymska w dużej mierze zniszczyła lokalne style; Iberia była ważnym obszarem rolniczym dla Rzymian, a elita nabyła rozległe posiadłości produkujące pszenicę, oliwki i wino, niektórzy późniejsi cesarze pochodzili z prowincji iberyjskich; podczas wykopalisk odkryto wiele ogromnych willi. Akwedukt w Segowii, rzymskie mury miasta Lugo, most Alcantara (104-106 ne) i latarnia morska na Wieży Herkulesa to dobrze zachowane duże zabytki, imponujące przykłady rzymskiej inżynierii, jeśli nie zawsze sztuki. Dość dobrze zachowały się rzymskie świątynie w Vic, Évora (obecnie w Portugalii) i Alcantara, a ich elementy zachowały się także w Barcelonie i Kordobie. Musiały istnieć lokalne warsztaty produkujące wysokiej jakości mozaiki, chociaż wiele z najlepszych wolnostojących rzeźb prawdopodobnie pochodziło z importu. Missorium Teodozjusza I to słynne srebrne naczynie z późnej starożytności, które znaleziono w Hiszpanii, ale prawdopodobnie powstało w Konstantynopolu.
Żubr z jaskini Altamira (ok. 16 500 i 14 000 lat temu)
Skarb Villeny, prawdopodobnieXw pne
Wczesne średniowiecze
Fragment korony wotywnej Rekkesvinta ze skarbu Guarrazar, obecnie w Madrycie. Wiszące litery głosiły: [R]ECCESVINTUS REX OFFERET (daruje ją król R.). Domena publiczna.
Chrześcijańscy Wizygoci rządzili Iberią po upadku Cesarstwa Rzymskiego, a bogaty skarb Gvarrazar z VII wieku był prawdopodobnie przechowywany, aby uniknąć grabieży podczas muzułmańskiego podboju Hiszpanii. Obecnie jest to wyjątkowy zachowany przykład chrześcijańskich koron wotywnych ze złota; mimo stylu hiszpańskiego forma ta była wówczas prawdopodobnie używana przez elity w całej Europie. Inne przykłady sztuki Wizygotów to głównie metaloplastyka biżuteria i sprzączki, a także kamienne płaskorzeźby, zachowane, aby dać wyobrażenie o kulturze tych pierwotnie barbarzyńskich ludów germańskich, które w dużej mierze trzymały się oddzielnie od współczesnych im Iberów i których rządy upadły, gdy muzułmanie przybyli w 711 roku.
Ozdobiony kamienie szlachetne Krzyż Zwycięstwa, Biblia La Cava i Agate Casket of Oviedo to zachowane przykłady bogatej kultury przedromańskiej regionu Asturii z IX-X wieku w północno-zachodniej Hiszpanii, który pozostawał pod panowaniem chrześcijańskim; dom bankietowy Santa Maria del Naranco z widokiem na Oviedo, ukończony w 848 r., a później przekształcony w kościół, jest jedynym zachowanym przykładem architektury z tego okresu w Europie. Vigilan Codex, ukończony w 976 roku w regionie Rioja, przedstawia złożoną mieszankę kilku stylów.
Arabeskowy panel z Madina al-Zahra, robven - http://www.flickr.com/photos/robven/3048203629/
Wspaniałe miasto-pałac Madina al-Zahra niedaleko Kordoby zostało zbudowane w X wieku dla dynastii Umajjadów kalifów Kordoby, miało stać się stolicą islamskiej Andazuzji, wykopaliska wciąż trwają. Zachowała się znaczna ilość bardzo skomplikowanych dekoracji głównych budynków, co świadczy o wielkim bogactwie tego bardzo scentralizowanego państwa. Pałac w Aljaferii pochodzi z późniejszego okresu, po podziale islamskiej Hiszpanii na kilka królestw. Godnymi uwagi przykładami architektury islamskiej i jej dekoracji są meczety-świątynie w Kordobie, do których elementy islamskie zostały dodane w latach 784-987, oraz pałace Alhambra i Generalife w Granadzie, pochodzące z ostatniego okresu muzułmańskiej Hiszpanii.
Krzywy Gryf jest największą znaną muzułmańską rzeźbą zwierzęcia i najbardziej spektakularną rzeźbą z grupy Al-Andalus, wiele z tych rzeźb powstało do podtrzymywania basenów z fontannami (jak w Alhambrze) lub w rzadkich przypadkach do palenia kadzideł i inne podobne cele.
Chrześcijańska populacja muzułmańskiej Hiszpanii rozwinęła styl sztuki mozarabskiej, którego najsłynniejszymi zachowanymi przykładami są kilka ilustrowanych rękopisów, kilka komentarzy do Księgi Objawień asturyjskiego św. jego cechy w rękopisach z X wieku. Są to na przykład rękopisy Beatusa Morgana, prawdopodobnie pierwszego, Beatusa Girony, zdobionego przez artystkę Ende, Beatusa Escoriala i Beatusa St. Severa, który faktycznie powstał w pewnym oddaleniu od rządów muzułmańskich we Francji. Na niektórych późniejszych romańskich freskach można zobaczyć elementy mozarabskie, w tym tło w jaskrawo kolorowe paski.
Ceramika hiszpańsko-mauretańska pojawiła się na południu, najwyraźniej głównie na lokalne rynki, ale garncarze muzułmańscy zaczęli później migrować do regionu Walencji, gdzie chrześcijańscy władcy sprzedawali swoją wystawną, błyszczącą ceramikę elitom w całej chrześcijańskiej Europie w XIV i XV wieku, w tym papieżom i angielski dwór królewski. Hiszpańskie islamskie rzeźby z kości słoniowej i tekstylia były również bardzo wysokiej jakości; nowoczesny przemysł produkujący płytki i dywany na półwyspie zawdzięcza swoje początki głównie królestwom islamskim.
Po wypędzeniu władców islamskich w okresie rekonkwisty, w Hiszpanii pozostała znaczna część ludności muzułmańskiej i chrześcijańskich rzemieślników wyszkolonych w stylu muzułmańskim. Mudéjar to określenie dzieł sztuki i architektury stworzonych przez tych ludzi. Obiekty architektury Mudéjar w Aragonii są uznawane za obiekty światowe dziedzictwo UNESCO. Innym godnym uwagi przykładem jest XIV-wieczne Maiden Patio zbudowane dla Pedra z Kastylii w Alcazar w Sewilli. Styl ten może również harmonijnie łączyć się z chrześcijańskimi europejskimi stylami średniowiecza i renesansu, na przykład w wyszukanych drewnianych i stiukowych sufitach, a dzieła Mudéjar często powstawały jeszcze przez kilka stuleci po tym, jak obszar znalazł się pod panowaniem chrześcijańskim.
Pudełko z kości słoniowej Al-Maghira, Madina al-Zahra, 968, domena publiczna
Pisa Gryf, fot. Memorato,
Strona od Beatusa Morgana
Dzban hiszpańsko-mauretański z herbem Medyceuszy, 1450-1460
Obraz
Styl romański w malarstwie w Hiszpanii
Apsyda kościoła Santa Maria in Taulle, kataloński fresk w Lleidzie, początek XII wieku, fot. fot. Ecemaml, Creative Commons Attribution-Share Alike 3.0 Unported
W Hiszpanii sztuka okresu romańskiego stanowiła płynne przejście od poprzednich stylów przedromańskich i mozarabskich. Wiele z najlepiej zachowanych romańskich fresków kościelnych, które w tym czasie odkrywano w całej Europie, pochodzi z Katalonii. Godne uwagi przykłady znajdują się w świątyniach regionu Val-de-Boie; wiele z nich odkryto dopiero w XX wieku. Niektóre z najlepszych przykładów zostały przeniesione do muzeów, w szczególności do Narodowego Muzeum Sztuki Katalonii w Barcelonie, w którym znajduje się słynna centralna absyda Sant Clement in Taulle i freski z Sigena. Najwspanialszymi przykładami kastylijskich fresków romańskich są freski z San Isidoro w León, obrazy z San Baudélio de Berlanga, obecnie w większości przechowywane w różnych muzeach, w tym Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku, oraz freski z Santa Cruz de - Maderuelo w Segowia. Istnieje również kilka antependium (zasłona lub przegroda przed ołtarzem) z obrazami na drewnie i innymi wczesnymi panelami.
gotyk
Sztuka gotycka w Hiszpanii stopniowo rozwijała się z poprzedzających ją stylów romańskich, kierując się zewnętrznymi wzorami najpierw z Francji, a następnie z Włoch. Innym charakterystycznym aspektem było włączenie elementów stylu Mudéjar. Ostatecznie wpływy włoskie, z których zapożyczono bizantyjskie środki stylistyczne i ikonografię, całkowicie wyparły oryginalny styl francusko-gotycki. Katalonia była nadal dobrze prosperującym regionem, w którym wykonano wiele pięknych ołtarzy; Jednak region podupadł po tym, jak nacisk na handel przesunął się na Atlantyk po otwarciu kolonii amerykańskich, co częściowo tłumaczy obecność tam wielu średniowiecznych pozostałości, ponieważ nie było pieniędzy na remont renesansowych i barokowych kościołów.
Wczesny renesans
Ze względu na ważne powiązania gospodarcze i polityczne między Hiszpanią a Flandrią od połowy XV wieku, wczesny renesans w Hiszpanii pozostawał pod silnym wpływem malarstwa niderlandzkiego, co doprowadziło do powstania hiszpańsko-flamandzkiej szkoły malarzy. Czołowymi reprezentantami byli Fernando Gallego, Bartolome Bermejo, Pedro Berruguete i Juan de Flandes.
Renesans i manieryzm
Ogólnie rzecz biorąc, styl renesansowy i późniejszy manierystyczny jest trudny do sklasyfikowania w Hiszpanii ze względu na połączenie wpływów flamandzkich i włoskich oraz różnice regionalne.
Głównym ośrodkiem wpływów włoskiego renesansu, który przeniknął do Hiszpanii, była Walencja ze względu na bliskość i bliskie związki z Włochami. Wpływ ten był odczuwalny poprzez import dzieł sztuki, w tym cztery obrazy Piombo i reprodukcje Rafaela, a także relokację włoskiego artysty renesansu Paolo de San Leocadio i hiszpańskich artystów, którzy spędzili trochę czasu pracując i studiując we Włoszech. Byli to na przykład Fernando Yáñez de Almedina (1475-1540) i Fernando Llanos, którzy w swoich dziełach demonstrowali cechy Leonarda, w szczególności subtelną, melancholijną ekspresję i miękkość wykonania w modelowaniu rysów.
„Pieta” Luisa de Moralesa
Gdzie indziej w Hiszpanii wpływ włoskiego renesansu był mniej wyraźny, ze stosunkowo powierzchownym stosowaniem metod, które łączyły się z poprzednimi flamandzkimi metodami pracy i miały cechy manierystyczne, ze względu na stosunkowo późne przybycie przykładów z Włoch, ponieważ sztuka włoska była już w dużej mierze manierystyczny. Oprócz aspektów technicznych, tematy i duch renesansu zostały przekształcone, aby pasowały do hiszpańskiej kultury i środowiska religijnego. W rezultacie przedstawiono bardzo niewiele klasycznych motywów lub aktów kobiecych, a prace często wykazywały poczucie pobożnego oddania i mocy religijnej, atrybuty, które pozostały dominujące w większości sztuki kontrreformacyjnej w Hiszpanii przez cały XVII wiek i później.
Znanymi manierystycznymi artystami byli Vicente Juan Masip (1475-1550) i jego syn Juan de Juanes (1510-1579), artysta i architekt Pedro Machuca (1490-1550) i Juan Correa de Vivar (1510-1566). Jednak najpopularniejszym hiszpańskim malarzem początku XVII wieku był Luis de Morales (1510?-1586), nazywany przez współczesnych „Boskim” ze względu na religijne bogactwo jego obrazów. Od renesansu często zapożyczał też miękkie modelowanie i proste kompozycje, ale łączył je z precyzją detalu charakterystyczną dla stylu flamandzkiego. Portretował wiele postaci biblijnych, w tym Matkę Boską z Dzieciątkiem.
Złoty wiek malarstwa hiszpańskiego
Hiszpański Złoty Wiek, okres hiszpańskiej dominacji politycznej i późniejszego upadku, był świadkiem masowego rozwoju sztuki w Hiszpanii. Uważa się, że okres ten rozpoczął się w pewnym momencie po 1492 r., a zakończył traktatem pirenejskim w 1659 r., chociaż w sztuce jego początek jest opóźniony do lub bezpośrednio przed panowaniem Filipa III (1598-1621), a koniec przypada na również nadana 1660 lub później. Tak więc ten styl jest częścią szerszego okresu baroku w sztuce. Znaczący wpływ mają tu wielcy mistrzowie baroku, tacy jak Caravaggio, a później Rubens, oryginalność sztuki tamtych czasów obejmowała także wpływy modyfikujące typowe dla baroku cechy. Wśród nich był wpływ współczesnego malarstwa holenderskiego ze Złotego Wieku, a także rodzima tradycja hiszpańska, która nadała znacznej części sztuki tego okresu zainteresowanie naturalizmem i unikanie wielkości większości sztuki barokowej. Istotne pierwsi przedstawiciele tego okresu - Juan Bautista Maino (1569-1649), który przyniósł do Hiszpanii nowy styl naturalistyczny, Francisco Ribalta (1565-1628) i Sánchez Cotán (1560-1627), wpływowy malarz martwych natur.
El Greco (1541-1614) był jednym z najbardziej indywidualistycznych artystów tego okresu, rozwinął bardzo manierystyczny styl, oparty na swoich korzeniach w post-bizantyjskiej szkole kreteńskiej, w przeciwieństwie do naturalistycznych podejść panujących wówczas w Sewilli, Madrycie i innych regionach Hiszpanii. Wiele jego prac odzwierciedla srebrzyste szarości i jaskrawe kolory malarzy weneckich, takich jak Tycjan, ale łączy się je z dziwnym wydłużeniem postaci, niezwykłym oświetleniem, eliminacją przestrzeni perspektywicznej i wypełnieniem powierzchni bardzo wyraźnym i ekspresyjnym manierą malarską.
Pracujący głównie we Włoszech, zwłaszcza w Neapolu, José de Ribera (1591-1652) uważał się za Hiszpana, a jego styl był czasem używany jako przykład skrajnej kontrreformacyjnej sztuki hiszpańskiej. Jego twórczość była bardzo wpływowa (głównie dzięki rozpowszechnianiu jego rysunków i grafik w całej Europie) i wykazywała znaczny rozwój w trakcie jego kariery.
Bycie bramą do Nowy Świat, Sewilla stała się kulturalnym centrum Hiszpanii w XVI wieku. Przyciągał artystów z całej Europy poszukujących zleceń z całego rozrastającego się imperium, a także z licznych domów zakonnych bogatego miasta. Począwszy od silnej flamandzkiej tradycji szczegółowego i gładkiego pędzla, jak pokazano w pracach Francisco Pacheco (1564-1642), naturalistyczne podejście rozwinęło się z czasem pod wpływem Juana de Roelasa (ok. 1560-1624) i Francisco Herrera Starszego (1590).-1654). To bardziej naturalistyczne podejście, pod wpływem Caravaggia, stało się dominujące w Sewilli i stworzyło zaplecze treningowe dla trzech mistrzów Złotego Wieku: Cano, Zurbarána i Velázqueza.
Franciszek Zurbarana (1598-1664) znany ze swojego zdecydowanego i realistycznego wykorzystania światłocienia w swoich obrazach religijnych i martwych naturach. Chociaż wydawało się, że jest ograniczony w swoim rozwoju, a złożone sceny były dla niego trudne. Wspaniała zdolność Zurbarana do wywoływania uczuć religijnych przyniosła mu wiele zleceń w konserwatywnej kontrreformacji Sewilli.
Dzieląc wpływ tego samego mistrza malarza - Franciszek Pacheco- jak również Velasquez, Alonso Cano (16601-1667) zajmował się także aktywnie rzeźbą i architekturą. Jego styl przeszedł od naturalizmu z jego wczesnego okresu do bardziej subtelnego, idealistycznego podejścia, wydobywającego weneckie wpływy i wpływy. van Dyck.
Velasquez
Diego Velasquez „Las Meninas”, 1656-1657
Diego Velasquez (1599-1660) był czołowym malarzem na dworze króla Filipa IV. Oprócz licznych wizerunków scen o znaczeniu historycznym i kulturowym stworzył dziesiątki portretów hiszpańskiej rodziny królewskiej, innych znanych postaci europejskich i zwykłych ludzi. Na wielu portretach Velasquez nadał wartościowe cechy tak nieatrakcyjnym członkom społeczeństwa, jak żebracy i krasnoludki. W przeciwieństwie do tych portretów, bogowie i boginie Velázqueza są generalnie przedstawiani jako prości ludzie bez boskich cech. Oprócz czterdziestu portretów Philippe'a Velázqueza namalował portrety innych członków rodziny królewskiej, w tym książąt, infantek (księżniczek) i królowych.
późny barok
Bartolome Esteban Murillo, Niepokalane Poczęcie Matka Boża (Dusza)»
Elementy późnego baroku pojawiły się jako obce wpływy dzięki wizytom Rubensa w Hiszpanii oraz cyrkulacji artystów i mecenasów między Hiszpanią a hiszpańskimi posiadłościami Neapolu i hiszpańskich Niderlandów. Znani artyści hiszpańscy, przedstawiciele nowego stylu – Juan Carreno de Miranda (1614-1685), Francisco Risi (1614-1685) i Francisco de Herrera Młodszy (1627-1685), syn Francisco de Herrera Starszego, inicjator nacisk naturalistyczny w szkole Sewilla. Inni znani artyści baroku to Claudio Coelho (1642-1693), Antonio de Pereda (1611-1678), Mateo Cerezo (1637-1666) i Juande Valdes Leal (1622-1690).
Wybitnym malarzem tego okresu i najsłynniejszym artystą hiszpańskim przed uznaniem zasług Velazqueza, Zurbarana i El Greco w XIX wieku był Bartolome Esteban Murillo(1617-1682). Większość swojej kariery spędził w Sewilli. Jego wczesne prace odzwierciedlały naturalizm Caravaggia, używając stonowanej brązowej palety, prostego, ale nie ostrego oświetlenia oraz motywów religijnych przedstawionych w otoczeniu naturalnym lub domowym, jak na jego obrazie Święta rodzina z ptakiem (ok. 1650). Później włączył do swojej twórczości elementy flamandzkiego baroku Rubensa i Van Dycka. W Niepokalanym Poczęciu (Dusza) zastosowano jaśniejszą i bardziej promienną paletę barw, wirujące cherubiny skupiają całą uwagę na Dziewicy, której oczy zwrócone są ku niebu, a wokół niej rozpościera się ciepła, świetlista aureola, czyniąc z niej spektakularny pobożny wizerunek , ważny element tej pracy; temat Niepokalanego Poczęcia Najświętszej Maryi Panny Murillo przedstawiał około dwudziestu razy.
Sztuka hiszpańska XVIII w
„Martwa natura z pomarańczami, flaszkami i pudełkami czekoladek” Luisa Egidio Meléndeza
Początek dynastii Burbonów w Hiszpanii pod rządami Filipa V doprowadził do wielkich zmian w dziedzinie mecenatu, nowy dwór zorientowany na Francję faworyzował style i artystów Bourbon France. Dwór zatrudniał kilku hiszpańskich artystów - rzadkim wyjątkiem był Miguel Jacinto Meléndez (1679-1734) - i minęło trochę czasu, zanim hiszpańscy artyści opanowali nowy styl rokoko i neoklasycyzm. Prowadzący artyści europejscy, w tym Giovanni Battista Tiepolo i Anton Raphael Mengs, byli aktywni i wpływowi.
Bez królewskiego sponsoringu wielu hiszpańskich artystów kontynuowało pracę w tym stylu barokowy przy tworzeniu kompozycji religijnych. Dotyczy to Francisco Baye y Subiasa (1734-1795), znakomitego malarza fresków, i Mariano Salvadora Maelli (1739-1819), obaj rozwijali się w kierunku ścisłego neoklasycyzmu Mengsa. Innym ważnym kierunkiem dla hiszpańskich artystów był malarstwo portretowe, którą aktywnie uprawiali Antonio Gonzalez Velasquez (1723-1794), Joaquin Inza (1736-1811) i Agustin Esteve (1753-1820). Ale w przypadku gatunku martwej natury nadal można było uzyskać wsparcie królewskie, dotyczyło to artystów takich jak nadworny malarz Bartolome Montalvo (1769-1846) i Luis Egidio Meléndez (1716-1780).
Kontynuując hiszpańską tradycję malarstwa martwej natury autorstwa Sáncheza Cotána i Zurbarána, Meléndez stworzył serię obrazów gabinetowych na zamówienie księcia Asturii, przyszłego króla Karola IV, mających na celu zaprezentowanie pełnej gamy artykułów spożywczych z Hiszpanii. Zamiast po prostu tworzyć formalne materiały do nauczania historii naturalnej, wykorzystuje ostre oświetlenie, niskie punkty obserwacyjne i ciężkie kompozycje, aby udramatyzować tematy. Wykazał duże zainteresowanie i dbałość o szczegóły w odbiciach, teksturach i światłach (takich jak światła na wzorzystym wazonie w Martwej naturze z pomarańczami, butelkami i pudełkami cukierków), odzwierciedlając nowego ducha Oświecenia.
Goya
Francisco Goya, Trzeciego maja 1808 r
Francisco Goya był portrecistą i nadwornym malarzem hiszpańskiego dworu, kronikarzem historii, aw swojej nieoficjalnej pracy rewolucjonistą i wizjonerem. Goya malował portrety hiszpańskiej rodziny królewskiej, w tym Karola IV Hiszpanii i Ferdynanda VII. Jej tematyka obejmuje m.in Wesołych Świąt na gobeliny, szkice o treści satyrycznej do scen wojennych, walk i zwłok. We wczesnych etapach swojej twórczości rysował szkice o treści satyrycznej jako szablony do gobelinów i skupiał się na jasnych kolorach scen z życia codziennego. W ciągu swojego życia Goya wykonał także kilka serii „Grabados” – rycin przedstawiających upadek społeczeństwa i okropności wojny. Najbardziej znaną serią jego obrazów są Ponure (czarne) obrazy, namalowane pod koniec życia. W tej serii znajdują się prace ponure zarówno kolorystycznie, jak i znaczeniowo, wywołujące niepokój i szok.
19 wiek
Frederico Pradilla, Doña Juana La Loca (Juana Szalona)
Różny kierunki artystyczne Wiek XIX wywarł wpływ na artystów hiszpańskich, w dużej mierze dzięki nim artyści kształcili się w obcych stolicach, zwłaszcza w Paryżu i Rzymie. Ważnymi nurtami stały się więc neoklasycyzm, romantyzm, realizm i impresjonizm. Jednak często były opóźniane lub przekształcane pod wpływem lokalne warunki w tym represyjne rządy i tragedię wojen karlistowskich. Popularne były portrety i tematy historyczne, a sztuka z przeszłości – w szczególności style i techniki Velázqueza – miała bardzo ważne.
Na początku wieku dominuje akademizm Vicente Lópeza (1772-1850), a następnie neoklasycyzm francuskiego artysty Jacquesa-Louisa Davida, np. wpływowej linii artystów i dyrektorów galerii. Jego syn, Federico de Madrazo (1781-1859), był czołowym przedstawicielem hiszpańskiego romantyzmu, obok Leonarda Alenzy (1807-1845), Valeriano Domingueza Beckera i Antonio Marii Esquivela.
Później przyszedł okres romantyzmu, reprezentowany w historii malarstwa przez Antonio Gisberta (1834-1901), Eduardo Rosalesa (1836-1873) i Francisco Pradillę (1848-1921). W ich twórczości techniki realizmu były często stosowane do motywów romantycznych. Widać to wyraźnie w Doña Juana La Loca, słynnym wczesnym dziele Pradilli. Kompozycja, mimika twarzy i dramatyczne burzowe niebo odzwierciedlają emocje sceny; a także misternie wykonane ubrania, faktura błota i inne szczegóły pokazują duży realizm w postawie i stylu artysty. Mariano Fortuny (1838-1874) również rozwinął styl silnie realistyczny po tym, jak uległ wpływowi francuskiego romantyka Eugène'a Delacroix i został słynnym malarzem swoich czasów w Hiszpanii.
Joaquin Sorolla, Chłopcy na plaży, 1910, Muzeum Prado
Joaquín Sorolla (1863-1923) z Walencji celował w umiejętnym przedstawianiu ludzi i krajobrazu pod wpływem promieni słonecznych swojego ojczyzna, odzwierciedlając w ten sposób ducha impresjonizmu w wielu jego dziełach, w szczególności w słynnych nadmorskich obrazach. W swoim obrazie "Chłopcy z plaży" głównym tematem są odbicia, cienie, połysk wody i skóra. Kompozycja jest bardzo odważna, nie ma horyzontu, jeden z chłopców jest odcięty, a mocne przekątne tworzą kontrasty, zwiększa się nasycenie lewej górnej części pracy.
Sztuka i malarstwo hiszpańskie XX wieku
Juan Gris, „Kufel piwa i grać w karty", 1913, Columbus Museum of Art, Ohio.
W pierwszej połowie XX wieku wielu czołowych artystów hiszpańskich działało w Paryżu, gdzie przyczynili się do rozwoju ruchu modernistycznego w sztuce, a czasem mu przewodzili. Być może najlepszym przykładem jest Picasso, który pracował obok francuski artysta Małżeństwo, tworzenie koncepcji kubizmu; a sub-ruch kubizmu syntetycznego został potępiony za znalezienie najczystszego wyrazu w obrazach i kolażach urodzonego w Madrycie Juana Grisa. Podobnie Salvador Dali stał się centralną postacią ruchu surrealistycznego w Paryżu; a Joan Miro miał wielki wpływ na sztukę abstrakcyjną.
Błękitny okres Picassa (1901-1904), na który składały się ciemne, stonowane obrazy, znalazł się pod wpływem podróży po Hiszpanii. W Muzeum Picassa w Barcelonie znajduje się wiele wczesnych prac Picassa z czasów jego pobytu w Hiszpanii, a także obszerna kolekcja Jaime Sabartesa, bliskiego przyjaciela Picassa z czasów jego pobytu w Barcelonie, który przez wiele lat był osobistym sekretarzem Picassa. Istnieje wiele dokładnych i szczegółowych opracowań obrazów, które tworzył w młodości pod okiem ojca, a także rzadkie dzieła z okresu jego starości, które wyraźnie pokazują, że dzieło Picassa miało solidne podstawy z klasycznych metod. Picasso złożył najtrwalszy hołd Velázquezowi w 1957 roku, kiedy odtworzył swoje Las Menins w swoim kubistycznym stylu. Podczas gdy Picasso martwił się, że skopiowanie obrazu Velazqueza wyglądałoby tylko jak kopia, a nie unikat, kontynuował to, a ogromne dzieło jest największym, jakie stworzył od czasu Guerniki w 1937 r. – zajęło znaczące miejsce w hiszpańskich kanonach sztuki. Malaga, miejsce narodzin Picassa, ma dwa muzea ze znaczącymi zbiorami: Muzeum Picassa w Maladze i Muzeum Domu Picassa.
Obejmował inny okres w rzeźbie hiszpańskiego renesansu, barok ostatnie lata XVI w., kontynuowany w XVII w., a swój ostateczny rozkwit osiągnął w XVIII w., tworząc autentyczną hiszpańską szkołę i styl rzeźbiarski, bardziej realistyczny, intymny i twórczo niezależny w porównaniu z poprzednim, związanym z nurtami europejskimi, zwłaszcza tymi z Holandii i Włoch. Istniały dwie szkoły o szczególnym guście i talencie: szkoła sewilska, do której należał Juan Martínez Montañez (tzw. sewilski Fidiasz), którego największymi dziełami były krucyfiks w katedrze sewilskiej, a drugą w Vergarze i św. Janie; oraz szkoła w Granadzie, do której należał Alonso Cano, któremu przypisuje się Niepokalane Poczęcie i Dziewicę Różańcową.
Inni znani rzeźbiarze, przedstawicielami baroku andaluzyjskiego byli Pedro de Mena, Pedro Roldan i jego córka Luisa Roldan, Juan de Mesa i Pedro Duque Cornejo.
Siedemnastowieczną szkołę Vallaolid (Gregorio Fernández, Francisco del Rincón) zastąpiła w XVIII wieku szkoła madrycka, choć mniej wspaniała, w połowie stulecia stała się stylem czysto akademickim. Z kolei szkołę andaluzyjską zastąpiła szkoła murcia, której personifikacją w pierwszej połowie wieku był Francisco Salsillo. Rzeźbiarz ten wyróżnia się oryginalnością, płynnością i dynamicznym traktowaniem swoich prac, nawet tych, które przedstawiały wielką tragedię. Przypisuje się mu ponad 1800 dzieł, najsłynniejsze z jego dzieł to rzeźby wykonywane podczas procesji w Wielki Piątek w Murcji, wśród których najbardziej godne uwagi są Błaganie o kielich i Pocałunek Judasza.
W XX wieku najwybitniejszymi rzeźbiarzami hiszpańskimi byli Julio Gonzalez, Pablo Gargallo, Eduardo Chillida i Pablo Serrano.
Od: Aleksandra Michajłowa, 29912 wyświetleń
