W środowisku młodych artystów Paryża jako jeden z nielicznych zachowywał milczenie i uśmiechał się ironicznie, obserwując swoich kolegów-artystów. Dusza imprezy, tajemnicza i niezrozumiała Georges’a-Pierre’a Seurata wszystkie moje krótkie życie Ryzykował odrzuceniem i nie bał się tego. Podążył obraną przez siebie drogą i dał światu podwaliny neoimpresjonizmu, który na zawsze zmienił oblicze malarstwa.

Niektórzy za jego życia czerpali inspirację z obrazów Seurata, inni skrupulatnie szukali wad. Współcześni badacze próbują znaleźć tajemnicze szyfry w oparciu o jego najbardziej słynne dzieła, jak np. „Niedzielne popołudnie na wyspie La Grande Jatte”. Twórca gatunku pointylizmu starał się włożyć w swoje dzieło jak najwięcej duszy, jakby wiedział, że czas przeznaczony na ziemi jest znikomo krótki.

Nikt, nawet przyjaciele z tzw. kręgu „niezależnych” artystów, nie mógł pochwalić się tym, że dobrze znał Seurata. Być może korzenie tajemnicy sięgają daleko w dzieciństwo, kiedy Georges-Pierre, najmłodsze dziecko w rodzinie, znajdował się jakby między młotem a kowadłem. Z jednej strony zmęczona, nieco obojętna matka, z drugiej ojciec, urzędnik ministerialny, ostatnie latażycie z całą pasją oddane uczuciom religijnym. Starszy brat i siostra poruszali się w tej samej atmosferze braku duchowej bliskości i wcześnie opuścili dom ojca. Pozbawiony silnego przywiązania do kogokolwiek, chłopiec zaczął interesować się sztuką. Tylko to mogło sprawić, że przełamie ciszę i zainspiruje rozmowy z kimś, kto będzie gotowy wysłuchać i wesprzeć. Rodzice nie widzieli w tych skłonnościach nic złego, ani też dobrego – uważali swoje obowiązki za spełnione, gdyż rodzina posiadała kapitał, który zapewniał ich dzieciom wygodną przyszłość.

Początki twórczej kariery artysty były zwyczajne: na zajęciach w miejscowej szkole malarstwa Georges-Pierre Seurat wraz z innymi uczniami zagłębiał się w reprodukcję konturów gipsowych popiersi i obrazów dawnych mistrzów.
Mając zaledwie 19 lat, został przyjęty do Szkoły sztuki piękne. Tutaj także preferowano kopiowanie klasycznych przykładów rzemiosła, ale Georges-Pierre odkrył już początki własnych metod twórczych. Uderzyli mnie prosto w serce młody człowiek Widziano dzieła impresjonistów. Nawet to, na czym tak bardzo zależało mu wcześniej, zostało zepchnięte na bok pod wpływem tego potężnego wrażenia.

Seurat nie zrezygnował ze swoich twórczych eksperymentów, nawet gdy ojczyzna żądała od niego spłaty wojskowego obowiązku. Jego pułk stał na miejscu przez długi czas, a czasu było prawie zawsze pod dostatkiem. Pod koniec roku Georges-Pierre Seurat wrócił do Paryża i zamieszkał w swojej małej pracowni, uzupełniając luki technologiczne. W tym okresie za najważniejsze zadanie uważał zrozumienie natury światła w obrazie, dla czego większość szkiców wykonywał zwykłą kredą. Kontynuowano badania dzieł impresjonistów, ale w układzie współrzędnych Seurata pojawiła się kolejna gwiazda.

Istnieje opinia, że ​​to pod wpływem tych prac doszedł w końcu do własnych rozwiązań kolorystycznych. Wyjątkowa pamięć młodego człowieka w ogromnym stopniu przyczyniła się do udoskonalenia jego umiejętności – wszystko, aż do najmniejszych niuansów koloru i światła, widziane raz, Seurat mógł później z łatwością zapamiętać, a następnie odtworzyć. Ale głównym odkryciem młodego malarza wcale nie były obrazy, ale bryła praca naukowa, napisany przez Michela Eugene'a Chevreula. On, który poświęcił połowę swojego życia na naukę właściwości chemiczne materiałów w farbiarni, wyprowadzono prawa kontrastu barw, zgodnie z którymi różne kolory, znajdujący się w pobliżu, dał pewien efekt.

Od chwili, gdy Seurat zapoznał się z twórczością Chevreula, punktem wyjścia w jego obrazach stało się światło. Aby zrozumieć naturę zestawienia kolorów i wrażenie, jakie wywołuje, obserwował niestrudzenie, a jednocześnie coraz bardziej oddalał się od maniery impresjonistów. Wierzył, że pociągnięcia czystego koloru bledną, gdy łączą się ze sobą. Seurat szukał środka, który mógłby tchnąć życie w płótno. Pracował na świeżym powietrzu, podróżując w poszukiwaniu inspiracji po całym Paryżu, tak popularnym wśród lokalnej twórczej młodzieży. Prawie codziennie do ćwiczeń męczył deski, których używał zamiast płótna. Sam nazywał je „krokietonami”. Były to szkice, studia, podczas których Seurat wciąż próbował zrozumieć naturę kontrastu, dziwne relacje światła, cienia i koloru. Równie zachłannie jak poprzednio przyglądał się pracom impresjonistów na wystawach. Poszukiwania te musiały zakończyć się spektakularnym sukcesem.

Wiosną 1883 roku wraz z przyjaciółmi, którzy odnieśli znacznie większe sukcesy w malarstwie akademickim, Georges-Pierre Seurat zdecydował się wystawić swoje prace w najbliższym Salonie. Ernest Laurent i Aman-Jean, przyjaciele malarza, podjęli słuszną decyzję, prezentując jury obrazy oparte na tradycyjnej tematyce – obaj otrzymali wysokie nagrody. Georges-Pierre z kolei otrzymał bardzo fajną recenzję swojego portretu Aman-Jeana, a inna praca, przedstawiająca haftującą jego matkę, w ogóle nie została dopuszczona do udziału.

Technika ta wcale nie ostudziła zapału Seurata; niemal natychmiast rozpoczął pracę na dużą skalę na płótnie o wymiarach dwa na trzy metry. Z „krokietonów”, szkiców w notesie i niekończących się obserwacji przechadzającej się publiczności, narodził się „Kąpiący się w Asnieres”.

Georges-Pierre Seurat pozostał wierny sobie i swoim nauczycielom – zaniedbywana przez wielu impresjonistów kompozycja utrzymana jest w najdrobniejszych szczegółach, obraz podzielony jest na zweryfikowane matematycznie strefy, kolor zostaje rozdzielony na składowe i ponownie złożony w celu wylania się na widza jako strumień słońca nad brzegiem Sekwany.

To paradoksalne, jak na jego płótnach pojawiają się nieruchome miejsca, które ledwo zaznały letniej nudy, jak statyczna jest przyroda, twarze, pozy, a nawet krzyk jakby zamarł na ustach kąpiącego się w prawym rogu. W pogodny letni dzień jeden z najbardziej zatłoczonych zakątków paryskich przedmieść jest całkowicie cichy.

Odmowa ławy przysięgłych była miażdżącym ciosem. Seurat był wrażliwy na słowa krytyka, który nazwał dzieła niektórych autorów „bezsensownymi, anemicznymi i naciąganymi” i odtąd wolał nie mieć żadnych kontaktów z oficjalnym Salonem. Przeszedł tym samym na stronę wyrzutków – artystów, których obrazy również nie spotkały się z uznaniem krytyki. Tutaj los skonfrontował milczącego młodzieńca z Paulem Signacem i to spotkanie stało się fatalne. O ile Seurata bardziej interesowały teorie, które pozwalały mu dokładniej wniknąć w strukturę malarstwa, o tyle Signac potrafił rozeznać i obliczyć zasady swojej pracy, co dało początek nazwie „pointylizm” (lub „dywizjonizm”).

W żyznej atmosferze Salonu Odmów Seurat ponownie poczuł potrzebę tworzenia. Prawie dwa lata zajęło ukończenie „Niedzielnego popołudnia na wyspie La Grande Jatte”, które było imponujące pod względem skali i szczegółowości. Na ósmej i ostatniej wystawie impresjonistów obraz wywołał sensację.

Oprócz negatywnych recenzji pojawiły się nowe głosy, zwiastujące pewną erę nowa szkoła malarstwo. Z lekka ręka krytyka Seurata zaczęto uważać za przywódcę ruchu, który później nazwano „neoimpresjonizmem”.

Następnie wielu artystów uważało się za jego naśladowców. Ale pierwsze lata neoimpresjonizmu reprezentowali głównie naśladowcy Seurata, którzy taka chwała raczej to było denerwujące. Zamknął się w sobie, jakby w lata szkolne. Nawet o romansie ze krawcową, od której w 1890 roku Georges-Pierre miał syna o imieniu „lustro” Pierre-Georges, większość jego przyjaciół i krewnych nie wiedziała.

Niesamowity sukces” Niedziela„a kolejny okres odosobnienia artysty doprowadził do tego, że więcej późne prace były ledwo znane opinii publicznej. Wśród nich znajdują się obrazy „Kabaret”, obraz Wieża Eiffla i najbardziej modernistyczne z dzieł - „Cyrk”.

Poważna choroba dopadła Seurata, gdy przygotowywał się do przerwania milczenia i wzięcia udziału w wydarzeniu nowa wystawa. W ciągu zaledwie trzech dni czarująca, milcząca bywalczyni „Salonu Odrzuconych”, która w skali płótna próbowała zgłębić tajemnice Wszechświata.

Georges-Pierre Seurat miał 31 lat.

Twórczość Georgesa Seurata obejmuje niespełna dziesięć lat. Jego dziedzictwo artystyczne jest skąpe. Niemniej jednak udało mu się opracować nowatorską koncepcję malarską, zmieniającą bieg rozwoju malarstwa.

Georges’a-Pierre’a Seurata
Georgesa Seurata

Artysta, założyciel XIX-wiecznej francuskiej szkoły neoimpresjonizmu, którego technika przekazywania gry światła za pomocą drobnych pociągnięć kontrastującego koloru zyskała miano pointylizmu.

Stosując tę ​​technikę, Seurat tworzył kompozycje składające się z drobnych, pojedynczych, stojących pociągnięć pędzla w czystym kolorze, które są zbyt małe, aby je dostrzec podczas oglądania, ale sprawiają, że jego obrazy wyglądają jak jedna zachwycająca całość.

Georges Seurat: Las Seurat w Pontaubert, 1881,
Las w Pontober (Ionna)
1881
Olej na płótnie
Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku

Georgesa Seurata. „Matka artysty” 1882-83
Kreda, papier. Muzeum Metropolitalne Sztuki (Stany Zjednoczone).

Georges-Pierre Seurat urodził się 2 grudnia 1859 roku w Paryżu. Studiował w Ecole des Beaux-Arts w latach 1878-1879 u ucznia Ingresa, Henriego Lemana. Duży wpływ na formację młody artysta Wpływ miała także twórczość Francisco de Goyi.

Seurat pokazał swoje pierwsze obrazy w oficjalnym salonie w 1883 r. i na Pierwszej Wystawie Niezależnych w 1884 r. Tutaj poznał Paula Signaca, z którym Seurat się rozwinął nowa technologia rysunek - pointylizm, czyli dywizjonizm, jak to nazwał sam artysta.

Georgesa Seurata. „Pływanie w Asnieres”. 1883-84
Olej, płótno. 200 × 300 cm, Londyńska Galeria Narodowa.

W pozach mężczyzny z głową opartą na dłoni i chłopca w kapeluszu z szerokim rondem nawiązują do postaci przedstawionych w tle.

Pozioma linia promu powtarza się w linii mostu kolejowego i w linii trawy na przeciwległym brzegu, natomiast pion masztu flagowego na promie nawiązuje do rzędu rur wznoszących się ku niebu.

Pozę kąpiącego się w wodzie chłopca zapożyczono z obrazu Ingresa.

Pies został dodany do kompozycji później. Jak większość postaci, jej głowa jest przedstawiona ściśle z profilu i zwrócona w prawo.

Na wczesnych szkicach Seurata pojawiały się konie i kąpiący się w wodzie, ale to one, wbrew zamierzeniom artysty, miały nadawać kompozycji dynamikę - artysta zastąpił je więc nieruchomą postacią chłopca z dłońmi przy ustach.

Obraz przedstawia ożywioną scenę z życia paryżan spędzających wakacje w Asnieres pod Paryżem. Seurat doskonale oddał atmosferę słonecznego, letniego dnia na przedmieściach dużego przemysłowego miasta z jego mostami kolejowymi, kamiennymi budynkami i dymiącymi kominami fabrycznymi.

Na pierwszy rzut oka „Kąpiel w Asnieres” można nazwać obrazem impresjonistycznym – ze względu na jasność barw, a nawet fakt, że przedstawiona na zdjęciu postać (wioślarz po prawej) jest częściowo odcięta krawędzią rama, co jest bardzo typowe dla impresjonistów. Jednak w przeciwieństwie do nich Seurat skrupulatnie buduje kompozycję swojego malarstwa. Wykonał dla niej dziesiątki wstępnych studiów ołówkiem i olejem, szczegółowo opracował każdą figurę, zapożyczając niektóre pozy z dzieł dawnych mistrzów. Po jego ukończeniu artysta naprawdę liczył na sukces. Jednak obraz został odrzucony przez jury Salonu 1884, następnie wystawiony w Salonie Niezależnych i ostatecznie wysłany do magazynu.

„Wyspa La Grande Jatte”. 1884
Ze zbiorów prywatnych, Nowy Jork.

„Georges Seurat – Seurat Kanał La Manche w Grandcamp, 1885
1885
66,2 x 82,4
Olej na płótnie
Nowy Jork. Metropolitalne Muzeum Sztuki

Georges Seurat: Seurat Sekwana w Courbevoie, 1885
Sekwana w pobliżu Courbevoie
1885
81x65
Olej na płótnie
Paryż. Kolekcja Cachin-Signac

Jego słynny obraz „Niedzielny spacer po wyspie La Grande Jatte”, wykonany w nowym stylu artystyczny sposób, był centralnym punktem wystawy impresjonistów w 1886 roku.

Seurat pracował nad tym monumentalnym obrazem przez dwa lata, a obraz stał się sensacją na ostatniej (ósmej) wystawie impresjonistów, która odbyła się w 1886 roku.

Georgesa Seurata. „Niedzielny spacer po wyspie La Grande Jatte”. 1884-86
Olej, płótno. 207,5 x 308 cm. Instytut Sztuki w Chicago, IL, USA.

Pojawienie się obrazu Niedzielny spacer po wyspie La Grande Jatte stało się wydarzeniem epokowym w historii malarstwa. Wykonana w technice pointylistycznej praca była prezentowana na ostatniej wystawie impresjonistów, ale nie odniosła sukcesu. Wrogowie odnosili się do niej nie tylko krytycy (z wyjątkiem Feliksa Feniona), ale także sami impresjoniści. Renoir, Sisley, Caillebotte i Monet, którzy nazywali pointylistów „brudnymi”, odmówili wystawiania z nimi.

Krytycy analizując obraz, mówili o publicznej samotności człowieka, o kpinie z obłudnych norm społecznych, ale sam Sera nie chciał wdawać się w metafizyczne subtelności. Artysta był lakoniczny. „Tutaj aplikowałem” – oznajmił – „moja metoda, to wszystko”.

Przyjrzyjmy się analizie obrazu:

Transformacja geometryczna.
Przestrzeń La Grande Jatte zamieszkują nie jednostki, ale typy, różniące się jedynie ubiorem i zachowaniem. Kapelusz z długimi wstążkami i peleryna pozwalają rozpoznać tę postać jako mamkę. Pozbawiony jakichkolwiek indywidualne cechy, ukazana jest od tyłu i sprowadzona do szarego kształtu geometrycznego, przeciętego czerwonym paskiem i zwieńczonego czerwonym kółkiem.

Kobieta z wędką.
Pomarańczowa sukienka tej kobiety wyróżnia się na tle połyskującej błękitnej wody. Niektóre cechy mogą wskazywać, że jest to prostytutka, która „łapie” mężczyzn. W tamtych czasach często wykorzystywano podwójne znaczenie francuskiego czasownika „pecher” („złapać” i „grzeszyć”).

Skacząca dziewczyna.
Wśród nieruchomych postaci widzimy galopującą dziewczynę z włosami powiewającymi na wietrze. Jednak jej ruchy (jak ruchy psa na pierwszoplanowy) nie dodają kompozycji dynamiki - wyglądają na zamrożone. Podobnie motyle wydają się być przypięte do płótna, a nie latać w powietrzu.

Cienie i światło.
Poziome cienie pod drzewami tworzą perspektywę oddalającej się przestrzeni i tworzą rytmiczny wzór, w którym obszary światła przeplatają się z paskami cienia. W jednym ze studiów olejnych wykonanych na potrzeby tego obrazu Seurat usunął wszystkie postacie z brzegu rzeki i namalował jedynie drzewa i ich cienie.

Dodatkowa ramka.
Seurat stworzył niezwykłą ramę, tworząc obwódkę kolorowych kropek wzdłuż krawędzi obrazu. Kropki dobrane są tak, aby ich kolorystyka współgrała z kolorami znajdującymi się na płótnie obok nich. Umożliwiło to zwiększenie intensywności kolorów podstawowych.

Modna para.
Postać kobiety ukazana jest z profilu, a jej ekstrawagancką sylwetkę tworzą wspaniałe wypustki krzątaniny. Jedną ręką trzyma za ramię mężczyznę palącego cygaro, a w drugiej trzyma na smyczy małpę. Małpa jest tutaj oczywistym symbolem. W czasach Seurata oznaczało to rozwiązłość.

Szkic na niedzielę w La Grande Jatte

W przeciwieństwie do impresjonistów artysta porzucił spontaniczność i naturalność w przekazywaniu tej sceny, jego postacie wyglądają statycznie, szkicowo i pozbawione indywidualności. Przypominają starożytne freski, a atmosfera obrazu przepełniona jest poczuciem zatrzymania czasu. Sera w ciągu dnia wykonywał szkice na La Grande Jatte, a następnie pracował w pracowni na płótnie, stosując wynalezioną przez siebie technikę „pointylisty” („kropki”). W rezultacie dzieło okazało się na tyle niezwykłe, że fani Seurata pospiesznie ogłosili go „mesjaszem nowej sztuki”.

„Przystań w Honfleur”. 1886
Olej na płótnie.
Galeria Narodowa,
Praga, Republika Czeska.

Georges Seurat: Seurat Róg portu w Honfleur, 1886,

Most w Courbevoie
1886-1887
45,7 x 54,7 cm
Galeria Courtauld w Londynie

Zakrzywione gałęzie drzewa służą do wyrównania pionowego kształtu reszty kompozycji. Technikę tę wykorzystał później Seurat w filmie Parada.

Usunięte formy przedstawiono niezwykle schematycznie. Łódź z dwoma pasażerami jest przedstawiona tylko za pomocą trzech krótkich rzędów kropek.

Postacie Seurata wyglądają zupełnie jak manekiny. Nigdzie indziej w twórczości artysty zasada ta nie jest utrzymana tak konsekwentnie. Człowiek wydaje się równie martwy i nieruchomy, jak jeden ze stojących obok niego masztów.

Seurat podzielał upodobanie impresjonistów do odbić w wodzie. Tutaj żagiel jest napisany wieloma kropkami. Zestaw kropek przedstawiających odbicie żagla w wodzie jest znacznie rzadszy.

To płótno przedstawia Sekwanę w pobliżu miasta Courbevoie, położonego nieco wyżej w górę rzeki niż Asnières. Podobieństwo tematów i „odniesień” geograficznych pozwala porównać obraz z „Pływaniem w Asnieres”. Zarówno tu, jak i tam pierwszy plan wyznacza przekątna brzegu rzeki, a oddalony most podkreśla linię horyzontu.

Ponadto obie prace łączy atmosfera bezruchu, wrażenie zamrożenia czasu. Różnica między nimi jest, że tak powiem, jedynie „klimatyczna”. W jednym przypadku jest to gorący, słoneczny dzień, w drugim – chłodna, pogodna jesień. Padające światło wciąż rzuca długie cienie na trawę, ale postacie na płótnie sprowadzają się do sylwetek.

Na potrzeby tego obrazu Seurat namalował dwa studia przedstawiające most i fragment brzegu rzeki. Wydaje się, że Seurat nie wykonał żadnych wstępnych szkiców górnej części obrazu. Przypuszczenie to potwierdzają ślady korespondencji, które można tu odnaleźć.

Georges Seurat: Seurat Koniec molo, Honfleur, 1886,

Georgesa Seurata. „Modele”. 1887-88
Olej, płótno. 39,4 x 48,7 cm. Kolekcja prywatna.
„Modele”. 1887-1888
Olej na płótnie. 78 3/4 x 98 3/8 cala.
Fundacja Barnesa, Marion, Pensylwania

Siedzę nago

Nagi

Georgesa Seurata

Georges Seurat - Seurat Parade de cirque, 1887-88, 100x150,5 cm, detal, Met
Georges Seurat - Seurat Parade de Cirque, 1887-88, 100x150,5 cm, detal, Met

Georgesa Seurata. Sekwana w La Grande Jatte, wiosna
1888
65x82
Olej na płótnie
Bruksela. Królewskie Muzeum Sztuk Pięknych

Georgesa Seurata. „Port-en-Bessin, niedziela”. 1888
Olej, płótno. Muzeum Kröllera-Müllera, Otterlo, Holandia.

Obraz powstał latem na wybrzeżu Calvados, w miejscowości Port-en-Bessin. W tym małym porcie rybackim, z małą i pracowitą populacją, Seurat zacznie malować swoje pejzaże. Artysta bardzo poważnie podszedł do swojej pracy - w serii pejzaży wykorzystuje teorie Charlesa Henriego i bardzo głęboko je studiuje.

Próbuje włączyć pomysły naukowca w bardziej złożony system, który zachowa perspektywę i głębię obrazu, nie tracąc przy tym walorów dekoracyjnych. Wyzwanie rzucone przez Seurata jest naprawdę zdumiewające. Artysta stawia sobie za zadanie z jednej strony potraktowanie obrazu jako płaskiej powierzchni o dwóch wymiarach, z drugiej strony wpisanie obrazu w trzeci wymiar, który wyznacza obecność perspektywy.

Ostatecznie artysta mógł pozwolić sobie na swobodną interpretację widoków skał czy nasypów Port-en-Bessin, zmieniając je według własnego uznania. Uniemożliwia mu to jednak odmowa wyobraźni, której nie da się wytłumaczyć jedynie nieufnością Seurata do rzeczy pozostających poza kontrolą rozumu. Ta odmowa wyobraźni wypływa z głębi natury artysty. Seurat należy do rzadkiego gatunku ludzi, którzy są tak zafascynowani rzeczywistością, że nie potrafią jej zniekształcić. Słowa pozostają dla nich nieodkryte. W przypadku Seurata farby również nie zostaną znalezione.

W niemal wszystkich swoich pejzażach Seurat poddawał różne elementy pejzażu morskiego, budowanego zgodnie z prawami perspektywy, drobnym deformacjom, uzyskując wymierny efekt dekoracyjny. Tak więc w „Żurawiach i przerwie w chmurach” chmury piętrzą się nad morzem w krętych liniach. Na płótnie „Wejście do portu” morze usiane jest niewidocznymi dla oka cieniami chmur. Efekt ten jest jeszcze wyraźniej widoczny na obrazie „Niedziela”, na którym tkaniny flag wiją się w faliste fałdy, co z punktu widzenia surrealizmu może wydawać się niepotrzebne. Ich wygląd tłumaczy się jedynie chęcią dekoracyjności.

Georges Seurat - Seurat Port-en-Bessin - Port zewnętrzny podczas odpływu, 1888

Georges Seurat - Seurat Port-en-Bessin - Wejście do portu, 1888

Prace Seurata z ostatnich lat obejmowały sceny w porcie, postacie kąpiących się ludzi i sceny z cyrku.

Georges Seurat – Seurat La Parade,
1888, 100x150,5 cm, olej na płótnie,
Metropo

Nocna scena skąpana jest w świetle lamp gazowych przypominających rząd stylizowanych gwiazd.
Wnętrze cyrku, w którym na widzów czekają cuda dokonane przez człowieka, jest przedstawione w jasnych, kuszących kolorach.
Wąsata twarz konferansjera przybliża go do konduktora z obrazu „Kanan” i pogromcy zwierząt z obrazu „Cyrk”.
„Przycięte” postacie widzów tworzą dolną krawędź obrazu.
Płaskie, niewyraźne sylwetki muzyków sprawiają, że wyglądają jak lalki.
Seurat uwielbiał karnawały i występy cyrkowe, co stało się tematem kilku jego obrazów. Ten słynny obraz przedstawia paradę w cyrku w Korei. Paradą nazywano małe pokazy, które artyści wykonywali przed wejściem do cyrku w celu przyciągnięcia widzów. Kompozycja obrazu jest już zwykle zbudowana z nakładających się poziomów i pionów.

Oświetlenie nocne daje Seuratowi możliwość eksperymentowania z nietypowymi kombinacjami kolorów. Znaczna część płótna pokryta jest pomarańczowo-żółtymi i niebieskimi kropkami, które są pisane odpowiednio w świetle lamp gazowych i cieniach. Wszystkie pozostałe kolory są wyciszone i pojawiają się poprzez żółte i niebieskie kropki.

Współcześni krytycy przypisują artyście zbliżanie się tego obrazu malarstwo abstrakcyjne jednak w swoim czasie nie robił większego wrażenia. W Salonie Niezależnych została chłodno przywitana. Co więcej, sam Seurat skreślił go później ze swojej listy dzieł.

Most i nasyp w port-en-Bessin
1888
67 x 84,5
Olej na płótnie
Minneapolis (Minnesota). Instytut Sztuki

Seurat wprowadza do kompozycji tego płótna postacie, których nie widziano jeszcze w żadnej z jego przystani. Oprócz kilku sylwetek w tle, na pierwszym planie widać dziecko, celnika i kobietę z jakimś ciężarem.

Wszystkie postacie zamarły i zamieniły się w kamień. Jednak ich obecność narusza całkowitą samotność właściwą innym marinom autora. Życie wdziera się do jego królestwa samotności, pogrążonego w absolutnym sennym odrętwieniu – królestwa wody, pomostów i brzegów.

I wydaje się, że ukazany na obrazie przypływ życia i dotychczas powstrzymywane siły życiowe nagle się rozgrzeją i nagle zaczną wybuchać, rozprzestrzeniając się wszędzie - takie wrażenie robią ukazane na obrazie elementy.

Na płótnie jest ta ponura siła żywiołów, która rodzi wszystkie żyjące istoty i skazuje je na śmierć w spontanicznym ataku, w triumfalnym i ślepym impulsie.

Georgesa Seurata. Sekwana na wyspie La Grande Jatte wiosną.
1888
Olej na płótnie.
Królewskie Muzeum Sztuk Pięknych w Belgii

Le Crotoy, w górę rzeki
1889
Olej na płótnie.
Instytut Sztuki w Detroit, USA

W jego pracach widzimy zestawienia kolorystyczne oparte na precyzyjnej analizie optycznej i starannie skonstruowanej kompozycji linearnej

W jego krótkie życie Seurat stworzył tylko siedem dużych płócien, technika malarska, którą stworzył, była tak pracochłonna i złożona.

Niestety artysta zmarł bardzo młodo, w wieku 32 lat, na skutek ciężkiej infekcji, pozostawiając wdową z małym dzieckiem na rękach i na stanowisku.

Klif, 1885

Georges Seurat malował duże kompozycje figuratywne i pejzaże. Studiując prawa koloru i światła, efekty optyczne, Seurat próbował stworzyć podstawa naukowa do rozwiązywania problemów kolorystycznych, świetlnych i przestrzennych. Pełen wdzięku w projektowaniu, subtelny w zestawieniach kolorystycznych, malarstwo Seurata, ze swoją mozaikowo-frakcyjną strukturą, ma na ogół nieco racjonalny, abstrakcyjny charakter. Seurat badał naukowe aspekty percepcji światła i koloru i na ich podstawie opracował malarską technikę dywizjonizmu, pisząc małymi kropkowanymi pociągnięciami czystego koloru.

Konie w wodzie
1883
Płótno, tempera.
Kolekcja prywatna

Dom wśród drzew
Około 1883 roku
16x25
Drewno, olej
Glasgow. Galeria sztuki i muzeum

Czekam przy brzegu

Rybacy
1883
Drewno, olej.
Musee d'Art Moderne w Troyes

Człowiek w czerni

Georgesa Seurata. „Pudrująca dziewczyna” (Pudrująca kobieta). 1889-90
Olej, płótno. 95,5 x 79,5 cm. Galeria Courtauld, Londyn, Wielka Brytania.

Kształt tej dziwacznej różowej wstążki nawiązuje do wzoru tapety w kwiaty.

Kropki otaczające puderniczkę w formie łuku przedstawiają chmurę proszku.

Lustro symbolizuje próżność. Być może Seurat zamierzał naśmiewać się z przesadnej uwagi, jaką Madeleine poświęcała swojemu wyglądowi.

Wymiary stołu, który wydaje się śmiesznie mały, podkreślają wspaniałą formę Madeleine.

Przez długi czas krytycy nie mogli dojść do porozumienia w sprawie tego dziwnego obrazu, który przedstawia Madeleine Knobloch, ukochaną Seurata. Wielu uznało ten portret za niemal satyryczny. Sama Madeleine najwyraźniej była innego zdania, bo później, gdy ceny obrazów Seurata podskoczyły, zdecydowała się zatrzymać to płótno. W pierwszej wersji zawierał autoportret Seurata, patrzącego z zachwytem na Madeleine. Ale autor wysłuchał opinii jednego ze swoich przyjaciół, który uznał portret w tej formie za nieprzyzwoity i zastąpił go wazonem z kwiatami.

Genealogicznie obraz nawiązuje do popularnych w Polsce scen buduarowych Malarstwo francuskie XVIII wiek. Jak zawsze godne uwagi jest swobodne (a czasem dziwne) traktowanie szczegółów przez Seurata. Nie jest jasne, co przedstawia element znajdujący się w lewym górnym rogu obrazu. Poza tym wydaje się, że Madeleine ma tylko jedną nogę pod pełną spódnicą.

Łodzie, odpływ, w Grandcamp

Georges Seurat: Seurat Georges Bec du Hoc w Grandcamp Sun

Kankan
Data powstania obrazu: 1889-1890
Wymiary: 171,5 x 140,5 cm
Muzeum Kröllera-Müllera w Otterlo

Jasne obszary otoczone są na obrazie ciemną ramką, co potęguje wrażenie głębi i jedności przestrzeni.

Wachlarz tancerza powtarza kąt laski w rękach płonącego pożądaniem widza, co samo w sobie jest symbolem fallicznym.

Flet i gryf kontrabasu napisane są równolegle do wysoko uniesionych nóg tancerzy, co powinno „podwoić” poziom zabawy

Stylizowany wyraz twarzy tancerzy oddają proste, ukośne pociągnięcia, łatwo zarysowujące usta, wąsy i wąskie szparki oczu.

Kokardki na butach tancerek są skierowane ku górze, podobnie jak rąbki ich spódnic i paski na ramionach.

Około 1887 roku Seurat zaczął tworzyć szkice w paryskich przedstawieniach rozrywkowych. W rezultacie taniec kankan, uznawany za niezbyt przyzwoity, stał się tematem jednego z jego dzieł. Płótno przedstawia klub nocny Japanese Sofa, który znajdował się niedaleko pracowni artysty. W tym utworze wyraźnie widać echo „Parady”, gdzie prawdziwy widz umiejscowiona jest nieco nad obecną na obrazie publicznością, a główne wydarzenie rozgrywa się na podwyższonej scenie.

Seurat użył tańca do zilustrowania jednej ze swoich „naukowych” teorii. Jego istotą jest to, że linia narysowana pod takim czy innym kątem jest w stanie przekazać bardzo specyficzną emocję. Na przykład linie skierowane w górę wyrażają radość. Zgodnie z tym Sera zbudowała całą serię znajdujących się pod różne kąty wersy, które jego zdaniem powinny w skupieniu wyrażać pogodną atmosferę klubu.

Mężczyzna czyści łódź
Około 1883 roku
16x24
Drewno, olej
Londyn. Galeria Narodowa

Georges Seurat: Kobieta Seurat siedząca przy sztaludze, ok. 1884-88, 30,5x23,3 cm,

Georges Seurat to jeden z najwybitniejszych przedstawicieli gatunku postimpresjonizmu, twórca gatunku pointylizmu i znany francuski artysta.

Kilkadziesiąt lat przed narodzinami Georgesa i przez niemal całe jego życie we Francji dominował impresjonizm – gatunek malarstwa, którego przedstawiciele starali się stworzyć technikę rysunkową, która umożliwiłaby uchwycenie jak najbardziej naturalnego i wiarygodnego obrazu. prawdziwy świat w swojej mobilności i zmienności, aby przekazać Twoje ulotne wrażenia i uczucia. Zauważmy, że nie zawsze porównywanie postimpresjonizmu z impresjonizmem jest słuszne, ponieważ jeśli chodzi o postimpresjonizm, trzeba zrozumieć, że ruch ten jednoczy dużą liczbę różnych metod i technik, których nie łączy jedna szkoła. Przedstawicielem tego ruchu jest Georges Seurat, ale Vincent Van Gogh jest także przedstawicielem postimpresjonizmu, choć sposób twórczości tych dwóch mistrzów jest diametralnie różny.

Wśród tych, którzy postanowili odejść od kanonów uznanego już impresjonizmu i spróbować tworzyć nowy styl, było ich trzech najsłynniejszych mistrzów— Paul Gauguin, Georges Seurat i Paul Cezanne. Nawiasem mówiąc, najbliżej tradycyjnego impresjonizmu był Seurat – w jego pracach ukazywane są naturalne, codzienne życie Paryżanie. Należy zauważyć, że Seurat stworzył własny kierunek postimpresjonizmu, który nazywa się pointylizmem. Istotą tej techniki malarskiej jest zastosowanie pociągnięć punktowych o specjalnym kształcie i kolorze. Styl ten można od razu rozpoznać po takiej cesze, jak brak mieszania kolorów jako taki – płótna wykonane w pointylizmie wyglądają tak, jakby składały się z kropek.

Georges Seurat urodził się w 1859 roku w Paryżu. Będąc synem zamożnych rodziców, nigdy nie musiał myśleć o zarabianiu na własne jedzenie i schronienie. To dało mu możliwość całkowitego poświęcenia się studiom malarskim. Nawiasem mówiąc, początkowo mistrz pracował tylko z czarno-białymi rysunkami, aby opanować dźwięki. Sera badała także właściwości linii i ich postrzeganie u ludzi. W jego notatkach odnaleziono tezy o tym, że kierunek linii panujących na obrazie jest w stanie oddać określony nastrój i stworzyć niezbędną atmosferę. Na przykład, według Seurata, poziome linie przekazują spokój i pogodę ducha.

Seurat jest zwolennikiem naukowego podejścia do malarstwa – on od dawna studiował teorię rozkładu kolorów, aby zrozumieć, które kombinacje i kształty wyglądają najbardziej efektownie i naturalnie. Jest to naukowe spojrzenie na postrzeganie kolorów przez ludzkie oko, a także dokładne obliczenia utworzył wspomniany pointylizm - w rzeczywistości tworzenie skomplikowanych obrazów, które mają wysoki poziom wartość artystyczna z punktów różne formy i kwiaty.

Mistrz żył krótko; zmarł w wieku 31 lat. Pozostawił jednak kilka arcydzieł, a także wymyślony przez siebie styl, który jest bardzo złożony i wymagający żmudna praca. Jak widać w pracy Seurata, tworzenie obrazu za pomocą specjalnie dobranych punktów tworzy bardzo żywe i naturalne kolory, które są doskonale dostrzegalne z różnych odległości. Mieszanie kolorów nie następuje na płótnie, ale jakby na siatkówce oka widza.

Jeden z najbardziej słynne obrazy na świecie. Oryginał znajduje się obecnie w zbiorach Art Institute of Chicago. Zdjęcie jest klasyczny przykład pointylizm - jeśli przyjrzysz się uważnie, składa się z wielu wielobarwnych kropek. A jeśli się odsunąć i spojrzeć z daleka, można poczuć atmosferę beztroskiego weekendu, kiedy mieszczanie wybierają się na spacer brzegiem Sekwany.

Niezwykle starannie przemyślana kolorystyka i precyzyjnie dobrana kompozycja tworzą bogatą atmosferę lenistwa, spokoju i bezczynności - bogaci mieszkańcy nadmorskich rejonów Sekwany byli wyczerpani ciepłym słońcem, wszystko przebiega bardzo spokojnie, niespiesznie, a nawet nieco zarozumiałie . Panie zakrywają się parasolkami od słońca i spacerują ze swoimi pupilami (na pierwszym planie arystokrata z małpką na smyczy).

Zauważmy, że sporo krytyków zniszczyło tę pracę - w negatywnych recenzjach z reguły zauważono, że „wszystkie sylwetki są wyraźne i jasne, ale patrząc na twarze widoczne są tylko rozmyte, nieuformowane obrazy, na których rysy twarzy są słabo widoczne. Przez to wszyscy ludzie przedstawieni na płótnie przypominają jakieś postacie nieożywione.” Jednak za życia artysta komentował tę krytykę, zauważając, że nie dążył do starannego rysowania twarzy; najważniejszym zadaniem było dla niego oddanie sytuacji i atmosfery.

Cyrk

Ostatnie dzieło mistrza – zmarł przed ukończeniem, ostatnie poprawki wykonała Luce, impresjonistka i dobry przyjaciel Siarka.

Georges Seurat często odwiedzał Fernando Circus, zatrzymując się do późna na występach ze swoimi instrumentami. Kolejny przykład bardzo starannej i skrupulatnej pracy, biorąc pod uwagę, że na obrazie jest kilkadziesiąt postaci, a Sera pracował swoją zwykłą metodą, rysując wszystko kropkami. Ponownie podkreślamy błyskotliwą pracę z kolorami – tonacja jest miękka, stonowana, od razu przywołująca wspomnienia z aren cyrkowych.

Kompozycja obrazu jest bardzo charakterystyczna – mistrz nie dążył do uchwycenia żadnego konkretnego momentu, jego celem był nastrój i atmosfera występ cyrkowy ogólnie. Wnętrze widoczne na zdjęciu, postacie i dekoracje wykonane są w podobny sposób schemat kolorów i zaaranżowane tak, aby wywoływać pełnię i całość.

150 lat temu, 2 grudnia 1859 roku, urodził się francuski artysta Georges Seurat, twórca szkoły neoimpresjonizmu. Jego ścieżka twórcza, mieszczący się w dziesięciu latach, wydaje się znacznie jaśniejszy ścieżka życia: Sera nie „robił rewolucji”, nie prowokował opinii publicznej, a współcześni zapamiętali go jako osobę zamkniętą, niekomunikatywną i niezależną. Główna miłość Artysta malował – godzinami potrafił rozmawiać wyłącznie o kompozycji i kolorze. Ale krewni dowiedzieli się, że Sera miała kochankę i syna dopiero po jego śmierci.

„Pracował z szaleńczą obsesją i żył jak mnich w całkowitej samotności w swoim małym warsztacie” – wspominał o artyście jego współczesny pisarz Arsen Alexander. Seurat studiował przez całe życie, nieustannie doskonaląc technikę malarską, rysując, studiując arcydzieła malarstwa, a wraz z nimi książki naukowe: dzieła Charlesa Blanca, Ruda, Chevaliera. To dwustronne podejście pozwoliło na wyłonienie się oryginalnego stylu malarskiego, zwanego „pointylizmem” (z francuskiego punkt – punkt).

Istota tego technika artystyczna polega na przenoszeniu na płótno barw i odcieni za pomocą oddzielnych pociągnięć i służy do uzyskania efektu optycznego łączenia drobnych detali przy oglądaniu obrazu z daleka.

Start

Sera urodziła się w całkowicie zamożnej, choć nie pozbawionej dziwactw rodzinie. Jego rodzice nie mieszkali razem: jego ojciec, Antoine Crisoste Seurat, był komornikiem w miejscowości La Villette i osiadł w swoim domku letniskowym, w piwnicy którego założył kaplicę z ogrodnikiem jako ministrantem. Żonę i syna pozostawił w Paryżu i odwiedzał ich rzadko, nie częściej niż raz w tygodniu. Ale rodzice nigdy nie odmówili synowi wsparcia finansowego, a Sera mogła pracować przez całe życie, nie myśląc o pieniądzach.

Malarstwo zainteresowało Seurata wczesny wiek, już jako nastolatek zaczął uczęszczać zajęcia plastyczne w miejskiej szkole wieczorowej, gdzie doskonalił tradycyjny styl pisania, kopiując odlewy gipsowe i obrazy dawnych mistrzów.

Później zdecydowano się kontynuować naukę akademicką w Szkole Sztuk Pięknych, do której Seurat wstąpił w 1878 roku i gdzie studiował malarstwo pod kierunkiem Henriego Lemana, spędzając – według wspomnień współczesnych – cały wolny czas w siedzibie Szkoły. biblioteka.

W 1879 roku Seurat odwiedził wystawę impresjonistów, których dzieła, zwłaszcza Monet i Degas, wywarły na artyście duże wrażenie – ich praca pędzlem, „blask” obrazów i lekkość pędzla skłoniły Seurata do poszukiwania sposób „podporządkować” ten blask logice praw naturalnych.

Pierwszym dużym rezultatem poszukiwań jest obraz „Pływanie w Asnieres” (1883, dwa na trzy metry), nad którym artysta pracował cały rok i który miał nadzieję wystawić na Salonie w 1884 roku, który rok wcześniej przyjął prawie wszystkie jego prace. W tym czasie znał już książkę „Gramatyka rysunku” Charlesa Blanca, według której drobne pociągnięcia na płótnie, umieszczone obok siebie, sprawiają wrażenie żywej wibracji płótna. Sposób najwyraźniej okazał się zbyt nowatorski: zdjęcie trafia do „Salonu Niezależnych”.

Punkt po punkcie

Na tej wystawie Sera poznała Paula Signaca, który później stał się jego bliskim przyjacielem i osobą o podobnych poglądach. Seurat i Signac wspólnie rozwijają idee Chevreula, jego teorię koloru w malarstwie, Seurat studiuje twórczość Ogdena Nicholasa Rooda „Nowoczesna teoria kolorów”.

Rood udowodnił, że optyczne mieszanie podstawowych barw widma słonecznego – czerwonego, żółtego i niebieskiego – powoduje, że ich ton jest jaśniejszy niż zmieszanie pigmentów. Artyści dochodzą do wniosku, że farb nie trzeba mieszać, ale pociągnięcia na płótnie należy nakładać osobno – „punkt po punkcie”.

Z nowymi pomysłami Seurat rozpoczyna pracę nad jednym ze swoich najważniejszych i być może najsłynniejszych dzieł - „Niedzielnym spacerem po wyspie La Grande Jatte”, który wystawił na ósmej i ostatniej wystawie impresjonistów.

Publiczność zareagowała na film niejednoznacznie, ale przede wszystkim z niezrozumieniem, zdziwieniem i sceptycyzmem. W porównaniu z panującymi wówczas impresjonistami obrazy Seurata wydawały się wielu naciągane i sztuczne. Wydaje się, że impresjoniści zwrócili się przeciwko niemu najsilniejsi ze wszystkich. Na przykład, Amerykański artysta Nazwisko Theodore’a Robinsona nowy styl„odchody much”. Degas również szydził z płótna. W odpowiedzi na słowa Pissarro o zaletach La Grande Jatte odpowiedział: „Och, zauważyłbym to, Pissarro, ale jest bardzo duży”, wskazując na optyczne właściwości pointylizmu, które oglądane z bliska odwracają wzrok malowanie w bałaganie kolorów.
Wręcz przeciwnie, Maurice Hermel nazwał ten obraz „manifestem malarstwa i sztandarem nowej szkoły”.

Tak czy inaczej, nowy metoda artystyczna nie pozostało niezauważone - rozmawiali o nim, kłócili się o niego i, oczywiście, zaczęli go naśladować. Tak powstała grupa neoimpresjonistów, której powstanie zainicjował Signac. Byli wśród nich Albert Dubois-Pilier, Charles Angrand, Maximilian Luce i inni.

Po Seuracie

Życie Seurata zakończyło się nieoczekiwanie: w marcu 1891 roku artysta podczas przygotowań do nowej wystawy zachorował i zmarł, przypuszczalnie, na zapalenie opon mózgowo-rdzeniowych. To ostatni i niedokończona praca, stał się obrazem „Cyrk”, który artysta zdążył jeszcze wystawić w „Salonie Niezależnych”.

Kompletną niespodzianką dla rodziny i przyjaciół było to, że Sera miała kochankę i syna. Artysta poznał szwaczkę Madeleine Knobloch na dwa lata przed śmiercią i ukrywał tę więź przed rodziną i przyjaciółmi nawet gdy urodził się ich syn Pierre Georges. Niestety, roczek zmarł z powodu tej samej infekcji co Sera dwa dni po śmierci ojca.

W warsztacie Seurata pozostały 42 obrazy, 163 krokiety, 527 rysunków i szkiców, co stało się przedmiotem kontrowersji wśród krewnych i przyjaciół Madeleine Knobloch. Jednak wtedy te obrazy nie były tego warte duże pieniądze: w ciągu swojego życia Seuratowi udało się sprzedać tylko kilka swoich dzieł (300 franków za pejzaże i 60 za rysunki), a obraz „Modele”, który sam artysta wycenił na 2500 franków (7 franków za dzień pracy) sześć lat po śmierci został sprzedany za jedyne 800 franków. W 1900 roku rodzina artysty sprzedała „Grand Jatte” za 800 franków, „Cyrk” za 500 franków, a rysunki po 10 franków sztuka.

Prawdziwe uznanie, jak to często bywa, Seurat zyskał na przestrzeni lat, w dużej mierze dzięki wysiłkom przyjaciół, którzy wykonali świetną robotę, porządkując i usystematyzując jego obrazy oraz organizując wystawy pośmiertne. Dodatkową trudnością było to, że artysta zazwyczaj nie podpisywał swojej pracy. Wszystkie obrazy, szkice i rysunki Seurata znajdujące się w pracowni zostały oznaczone jako oryginalne dzieła, który stał się podstawą dalsze studia twórczość artysty.

Rok temu, w grudniu 2008 roku, rysunek Seurata „Au divan japonais” został sprzedany na aukcji w Sotheby’s za 5 milionów euro.

Materiał został przygotowany przez redakcję rian.ru w oparciu o otwarte źródła

Twórca neoimpresjonizmu, twórca oryginalnej metody malarskiej zwanej „dywizjonizmem” lub „pointylizmem”.

Twórczość życiowa

Po odrzuceniu jego obrazu przez Salon Paryski Seurat preferował indywidualną twórczość i sojusze z niezależnymi artystami w Paryżu. On i inni artyści (w tym Maximilien Luce) utworzyli stowarzyszenie kreatywne Société des Artistes Independents. Tam poznał artystę Paula Signaca, który później również posługiwał się metodą pointylizmu. Latem 1884 roku Seurat rozpoczął samodzielną pracę słynne dzieło- „Niedzielne popołudnie na wyspie La Grande Jatte.” Obraz ukończono dwa lata później. Seurat wykonał dla niej wiele rysunków i kilka pejzaży z widokiem na Sekwanę. Niektórzy krytycy piszący o Seuracie sugerują, że Kąpiel i późniejsza La Grande Jatte to obrazy sparowane, z których pierwszy przedstawia klasę robotniczą, a drugi burżuazję. Odmiennego zdania był angielski estetyk i historyk sztuki Roger Fry, który odkrył przed angielską publicznością sztukę postimpresjonistów. Fry wysoko cenił neoimpresjonistów. Jego zdaniem w „Kąpieli” główna zasługa Seurata polegało na tym, że oderwał się zarówno od zwyczajnego, jak i poetyckiego spojrzenia na rzeczy i przeniósł się w obszar „czystej i niemal abstrakcyjnej harmonii”. Ale nie wszyscy impresjoniści zaakceptowali neoimpresjonistyczne dzieło Seurata. Tak więc Degas, w odpowiedzi na słowa Camille'a Pissarro, którego również dał się ponieść pointylizmowi, że „Grand Jatte” jest bardzo interesującym obrazem, zjadliwie zauważył: „Zauważyłbym to, ale jest bardzo duże”, sugerując właściwości optyczne pointylizmu, z którego z bliska obraz wydaje się być kolorowym bałaganem. Cecha charakterystyczna Styl Seurata polegał na jego unikalnym podejściu do przedstawiania postaci. Wrogowie krytycy nieuchronnie skupili się na tym elemencie obrazów Seurata, nazywając jego bohaterów „kartonowymi lalkami” lub „martwymi karykaturami”. Sera poszła oczywiście na uproszczenie formy całkiem świadomie. Z zachowanych szkiców wynika, że ​​w razie potrzeby potrafił malować całkowicie „żywych” ludzi. Artysta jednak dążył do uzyskania ponadczasowego efektu i celowo stylizował postacie w duchu płaskich starożytnych greckich fresków lub Hieroglify egipskie. Któregoś dnia napisał do przyjaciela: „Chcę zebrać liczby współcześni ludzie do ich istoty, spraw, aby poruszały się jak na freskach Fidiasza i układaj je na płótnie w chromatycznej harmonii.”

W pewien okres Seurat mieszka z modelką Madeleine Knobloch, którą portretuje w dziele „Powdering Woman” (1888-1889). Ta „kobieta nie do pomyślenia w groteskowej desabilii lat 80.” (Roger Fry) ukazana jest z takim samym dystansem i kontemplacją, jak bohaterowie innych jego filmów. Wpływ rozpowszechnionego w tamtych latach „japończyka” znalazł zapewne odzwierciedlenie w przedstawieniu toalety Madeleine.

Podobnie jak „Parada” i „Kanan”, ostatni, niedokończony obraz Seurata, „Cyrk” (1890-1891), swoją fabułą przynależy do świata spektakli i performansów. Ale jeśli w pierwszych dwóch podany jest punkt widzenia z sali na scenę, to w ostatnim akrobaci i publiczność ukazani są oczami tego, który występuje na arenie - klauna, który jest przedstawiony z ponownie na pierwszym planie obrazu.

Seurat zmarł w Paryżu 29 marca 1891 r. Przyczyna śmierci Seurata jest niepewna i przypisuje się ją zapaleniu opon mózgowo-rdzeniowych, zapaleniu płuc, zakaźnemu zapaleniu wsierdzia i/lub (najprawdopodobniej) błonicy. Jego syn zmarł dwa tygodnie później na tę samą chorobę. Georges-Pierre Seurat został pochowany na cmentarzu Père Lachaise.

• Słynne powiedzenia

  • Estetyka. Sztuka to harmonia. Harmonia to analogia przeciwieństw, analogia podobnych elementów tonu, koloru, linii, rozpatrywana zgodnie z dominującą i pod wpływem oświetlenia, w zestawieniach radosnych, spokojnych lub smutnych.
  • Radosny ton jest świetlistą dominacją; radosny kolor to ciepła dominująca barwa; linia radosna to linia wznosząca się od poziomu w górę. Spokojny ton to równowaga między ciemnością i światłem; spokojny kolor - równowaga zimnych i ciepłych kolorów; spokojna pozioma linia. Smutny ton to ciemna dominacja; smutny kolor - dominuje zimno; linia smutna - linia opadająca od poziomu
  • Technika. Wiadomo, że działanie światła na siatkówkę ma określony czas trwania, co skutkuje syntezą. Środkiem wyrazu jest optyczna mieszanina tonów, kolorów (lokalna barwa i barwa oświetlenia: słońca, lampy naftowej, gazu itp.), czyli różne światło i reakcje na nie (cienie), zgodnie z prawami kontrast, gradacja i promieniowanie.

  (z listu do pisarza Maurice'a Beaubourga z dnia 28.08.1890).