Malarstwo wczesnego renesansu przechodzi tę samą ewolucję co rzeźba. W okresie renesansu powstało wiele znanych na całym świecie zabytków architektury. Wczesny renesans (XIV-XV w.) w sztuce Włoch kojarzony jest przede wszystkim z Florencją, gdzie Medyceusze patronowali humanistom i wszelkiej sztuce. Ogromną rolę, jaką Brunelleschi odegrał w architekturze wczesnego renesansu, a Donatello w rzeźbie, miał Masaccio (1401-1428) w malarstwie.

Na początku XV wieku. Szkoła florencka jest awangardą sztuki humanistycznej renesansu. Stąd duch porządku i miary, tak charakterystyczny dla sztuki renesansu. Wątki pogańskie i chrześcijańskie przeplatają się i przekształcają, przekazując specyfikę złożony charakter Kultura renesansu.

O ile w prarenesansie artysta działał w oparciu o intuicję, o tyle wczesny renesans wysunął na pierwszy plan precyzyjną wiedzę naukową. Pierwszym teoretykiem malarstwa i architektury był Leon Battista Alberti (1404-1472). Sztuka renesansu, której głównym tematem był ludzki bohater, stopniowo rozprzestrzeniła się po całych Włoszech.

Katedra Santa Maria del Fiore

Imię Alberti słusznie uważane jest za jedno z pierwszych wśród wielkich twórców kultury włoskiego renesansu. Jego prace teoretyczne, jego praktyka artystyczna, jego idee i wreszcie sama osobowość humanisty zagrały wyjątkowo ważną rolę w powstaniu i rozwoju sztuki wczesnego renesansu.

Tradycje bizantyjskie i wpływy gotyku przez długi czas dominowały w sztuce Wenecji. Wpływ twórczości Donatello na rozwój sztuki włoskiego renesansu był ogromny. Surowa i odważna sztuka Masaccio wywarła ogromny wpływ na kulturę artystyczną renesansu, w szczególności na twórczość Piero della Francesca i Michała Anioła.

Sztuka Botticellego, w przeciwieństwie do większości mistrzów wczesnego renesansu, opierała się na osobistych doświadczeniach. Historia stylów w sztuce i ubiorze. W XV wieku Włoski renesans wkracza w okres Quattrocento, kiedy dominują podstawowe zasady „nowego stylu”. Wczesny renesans charakteryzuje się pojawieniem się i powstaniem różnych terytorialnych szkół artystycznych, ich aktywna interakcja i walczyć.

Katedra Świętego Piotra

Duch wczesnego renesansu przejawiał się także w zainteresowaniu starożytnością, jej ideami i obrazami, tematyką mitologii pogańskiej, do której odwoływanie się było zabronione w średniowieczu.

Po splądrowaniu Rzymu przez wojska cesarskie w 1527 r. włoski renesans wszedł w okres kryzysu. Nie mniej realistyczna jest interpretacja sceny „Wygnanie z raju”, w której po raz pierwszy w malarstwie renesansowym ukazane są nagie postacie, silnie modelowane bocznym światłem. Następnie idee renesansu rozprzestrzeniły się w całej Europie.

Ogromny wpływ na to dzieło Brunelleschiego miało dalszy rozwój architekturę nie tylko w samych Włoszech, ale w całej Europie. Kolejnym rozpoznawalnym arcydziełem architektury renesansowej jest katedra we Florencji. Znajduje się w nim także wiele zabytków i dzieł sztuki, w tym słynna Pieta Michała Anioła.

Pojawia się nowe kryterium oceny piękna, oparte na podobieństwie do natury i poczuciu proporcjonalności. W sztuce szczególną uwagę płaci się za plastyczne opracowanie form i rysunek. W XV wieku artyści włoscy rozwiązali także problem perspektywy prostoliniowej, który dojrzał w sztuce Trecenta.

Sandro Botticellego

Jednak wpływ antyku nakłada się na wielowiekowe i silne tradycje średniowiecza, na sztukę chrześcijańską. Sztuka zaczęła pełnić rolę uniwersalnej wiedzy o otaczającym świecie. W XV wieku Ukazało się wiele traktatów naukowych o sztuce.

Opracował teorię perspektywy liniowej, czyli prawdziwego przedstawienia głębi przestrzeni na obrazie. Marzenia humanistów o „mieście idealnym” stały się podstawą nowych zasad urbanistyki i architektury. W budynkach z tego okresu na pierwszy plan wysuwa się poczucie harmonii. Założycielem architektury renesansowej we Włoszech był Filippo Brunelleschi (1377-1446), architekt, rzeźbiarz i naukowiec, jeden z twórców naukowej teorii perspektywy.

Kopuła katedry Santa Maria del Fiore stała się poprzedniczką wielu kościołów kopułowych we Włoszech i innych krajach europejskich. Brunelleschi był jednym z pierwszych we włoskiej architekturze, który twórczo zrozumiał i oryginalnie zinterpretował starożytny system porządku oraz położył podwaliny pod budowę kopułowej świątyni opartej na starożytnym porządku. Jedno z głównych osiągnięć architektury włoskiej XV wieku. było powstanie nowego typu pałaców miejskich, które posłużyły za wzór dla budynków użyteczności publicznej w czasach późniejszych.

Leon Battista Alberti (1404-72) zajmuje szczególne miejsce w historii architektury włoskiej. W północnych Włoszech rozwój sztuki renesansowej przebiegał różnymi drogami. Lombardo i Coducci zbudowali także budynki sakralne w Wenecji. W XV wieku Rozkwita rzeźba włoska, która nabrała samodzielnego, niezależnego od architektury znaczenia. Ćwiczyć życie artystyczne zaczynają napływać zamówienia od zamożnych rzemieślników i kupców na dekorację budynków użyteczności publicznej; odbywają się konkursy plastyczne.

Jeden z najbardziej wykształconych ludzi swoich czasów, pierwszy historyk sztuki włoskiej, genialny rysownik, Ghiberti poświęcił swoje życie jednemu rodzajowi rzeźby – płaskorzeźbie. Za główną zasadę swojej sztuki Ghiberti uważał równowagę i harmonię wszystkich elementów obrazu. Pracownia Ghibertiego stała się szkołą dla całego pokolenia artystów, w szczególności pracował w niej słynny Donatello, wielki reformator rzeźby włoskiej.

Quattrocento (lub wczesny renesans) stał się czasem poszukiwań eksperymentalnych. Trzeci tom” Historia ogólna Arts” jest w całości poświęcona sztuce renesansu. Szczególne miejsce w malarstwie wczesnego renesansu zajmuje Sandro Botticelli (1445-1510), współczesny Leonardo da Vinci i młodemu Michałowi Aniołowi.

Malarstwo renesansowe stanowi złoty fundusz sztuki nie tylko europejskiej, ale i światowej. Okres renesansu zastąpił ciemne średniowiecze, podporządkowane do szpiku kości kanoników kościelnych i poprzedziły późniejsze Oświecenie i Nowy Wiek.

Długość tego okresu należy obliczyć w zależności od kraju. Era rozkwitu kultury, jak się ją potocznie nazywa, rozpoczęła się we Włoszech w XIV wieku, a następnie rozprzestrzeniła się na całą Europę, osiągając apogeum pod koniec XV wieku. Historycy dzielą ten okres w sztuce na cztery etapy: protorenesans, wczesny, wysoki i późny renesans. Oczywiście włoskie malarstwo renesansu jest szczególnie cenne i interesujące, ale nie należy pomijać mistrzów francuskich, niemieckich i holenderskich. Chodzi o nie w kontekście okresów renesansu, co będzie omówione w dalszej części artykułu.

Protorenesans

Okres prarenesansowy trwał od drugiej połowy XIII wieku. do XIV wieku Jest ona ściśle związana ze średniowieczem, w późny etap który powstał. Protorenesans jest poprzednikiem renesansu i łączy w sobie tradycje bizantyjskie, romańskie i gotyckie. Przed wszystkimi trendami nowa era pojawił się w rzeźbie, a dopiero potem w malarstwie. Tę ostatnią reprezentowały dwie szkoły ze Sieny i Florencji.

Główną postacią tego okresu był artysta i architekt Giotto di Bondone. Reformatorem został przedstawiciel florenckiej szkoły malarstwa. Nakreślił ścieżkę jej dalszego rozwoju. Cechy malarstwa renesansowego wywodzą się właśnie z tego okresu. Powszechnie przyjmuje się, że Giottowi udało się w swoich dziełach przezwyciężyć styl malowania ikon powszechny w Bizancjum i Włoszech. Sprawił, że przestrzeń nie była dwuwymiarowa, ale trójwymiarowa, używając światłocienia, aby stworzyć iluzję głębi. Na zdjęciu obraz „Pocałunek Judasza”.

Przedstawiciele szkoły florenckiej stali u początków renesansu i robili wszystko, aby malarstwo wydobyć z długiego średniowiecznego zastoju.

Okres prarenesansowy dzielił się na dwie części: przed i po jego śmierci. Do 1337 roku pracowali najzdolniejsi mistrzowie i miały miejsce najważniejsze odkrycia. Następnie Włochy nawiedza epidemia dżumy.

Malarstwo renesansowe: krótko o okresie wczesnym

Wczesny renesans obejmuje okres 80 lat: od 1420 do 1500 roku. W tym czasie nie odszedł jeszcze całkowicie od dawnych tradycji i nadal jest kojarzony ze sztuką średniowiecza. Jednak już czuć powiew nowych trendów; mistrzowie coraz częściej sięgają po elementy klasycznej starożytności. Ostatecznie artyści całkowicie porzucają styl średniowieczny i zaczynają śmiało go wykorzystywać najlepsze przykłady kultura starożytna. Należy pamiętać, że proces przebiegał raczej powoli, krok po kroku.

Jasni przedstawiciele wczesnego renesansu

Twórczość włoskiego artysty Piero della Francesca w całości należy do okresu wczesnego renesansu. Jego prace wyróżniają się szlachetnością, majestatycznym pięknem i harmonią, trafną perspektywą, łagodną kolorystyką wypełnioną światłem. W ostatnich latach życia, oprócz malarstwa, dogłębnie studiował matematykę, a nawet napisał dwa własne traktaty. Inny uczeń był jego znany malarz, Luca Signorelli, a styl ten znalazł odzwierciedlenie w dziełach wielu mistrzów z Umbrii. Na zdjęciu powyżej fragment fresku w kościele San Francesco in Arezzo „Historia królowej Saby”.

Domenico Ghirlandaio to kolejny wybitny przedstawiciel florenckiej szkoły malarstwa renesansowego wczesnego okresu. Był założycielem słynnej dynastii artystycznej i kierownikiem warsztatu, w którym zaczynał młody Michał Anioł. Ghirlandaio był znanym i odnoszącym sukcesy mistrzem, który zajmował się nie tylko malarstwem freskowym (Kaplica Tornabuoni, Sykstyńska), ale także malarstwem sztalugowym („Pokłon Trzech Króli”, „Boże Narodzenie”, „Stary człowiek z wnukiem”, „Portret Giovanny Tornabuoni” – na zdjęciu poniżej).

Wysoki renesans

Okres ten, w którym styl rozwinął się znakomicie, przypada na lata 1500-1527. W tym czasie centrum sztuki włoskiej przeniosło się z Florencji do Rzymu. Wiąże się to z wstąpieniem na tron ​​papieski ambitnego, przedsiębiorczego Juliusza II, który wzbudził największe zainteresowanie najlepsi artyści Włochy. Rzym za czasów Peryklesa stał się czymś w rodzaju Aten i przeżył niesamowity rozwój i boom budowlany. Jednocześnie istnieje harmonia pomiędzy gałęziami sztuki: rzeźbą, architekturą i malarstwem. Połączył ich renesans. Wydają się iść w parze, uzupełniać się i oddziaływać na siebie.

Starożytność jest badana dokładniej w okresie wysokiego renesansu i odtwarzana z maksymalną dokładnością, rygorem i konsekwencją. Godność i spokój zastępują zalotne piękno, a średniowieczne tradycje zostają całkowicie zapomniane. Szczyt renesansu wyznacza twórczość trzech największych włoskich mistrzów: Raphaela Santi (obraz „Donna Velata” na zdjęciu powyżej), Michała Anioła i Leonarda da Vinci („Mona Lisa” - na pierwszym zdjęciu).

Późny renesans

Późny renesans obejmuje okres od lat trzydziestych XVI wieku do lat dziewięćdziesiątych XVI wieku i lat dwudziestych XVII wieku we Włoszech. Krytycy i historycy sztuki sprowadzają dzieła tego czasu do wspólnego mianownika o dużej dozie konwencji. Europa Południowa znajdowała się pod wpływem triumfującej w niej Kontrreformacji, która z wielką ostrożnością postrzegała wszelkie wolnomyślicielstwo, w tym wskrzeszenie ideałów starożytności.

We Florencji dominował manieryzm, charakteryzujący się sztucznymi kolorami i przerywanymi liniami. Do Parmy, gdzie pracował Correggio, dotarł jednak dopiero po śmierci mistrza. Malarstwo weneckie renesansu miało własną ścieżkę rozwoju późny okres. Jego najwybitniejszymi przedstawicielami są Palladio i Tycjan, którzy pracowali tam do lat 70. XVI wieku. Ich twórczość nie miała nic wspólnego z nowymi trendami w Rzymie i Florencji.

Renesans północny

Termin ten jest używany do opisania renesansu w całej Europie, ogólnie poza Włochami, a zwłaszcza w krajach niemieckojęzycznych. Posiada wiele funkcji. Renesans północny nie był jednorodny i charakteryzował się specyficznymi cechami w każdym kraju. Historycy sztuki dzielą ją na kilka kierunków: francuski, niemiecki, holenderski, hiszpański, polski, angielski itp.

Przebudzenie Europy przebiegało dwiema drogami: rozwojem i rozpowszechnianiem humanistycznego świeckiego światopoglądu oraz rozwojem idei odnowy tradycji religijnych. Obydwoje się stykali, czasem łączyli, ale jednocześnie byli antagonistami. Włochy wybrały pierwszą drogę, a Europa Północna – drugą.

Renesans nie miał praktycznie żadnego wpływu na sztukę północy, w tym na malarstwo, aż do 1450 roku. Od 1500 roku rozprzestrzenił się na cały kontynent, ale w niektórych miejscach wpływ późnego gotyku utrzymywał się aż do nadejścia baroku.

Renesans północny charakteryzuje się znaczącym wpływem stylu gotyckiego, mniejszą uwagą na badania starożytności i anatomii człowieka oraz szczegółową i staranną techniką pisania. Reformacja wywarła na niego istotny wpływ ideologiczny.

Francuski renesans północny

Najbliżej włoskiego jest malarstwo francuskie. Renesans był ważnym etapem dla kultury francuskiej. W tym czasie aktywnie wzmacniały się stosunki monarchii i burżuazji, idee religijne średniowiecza schodziły na dalszy plan, ustępując miejsca tendencjom humanistycznym. Przedstawiciele: Francois Quesnel, Jean Fouquet (na zdjęciu fragment „Dyptyku Melena”), Jean Clouse, Jean Goujon, Marc Duval, Francois Clouet.

Niemiecki i holenderski renesans północny

Wybitne dzieła renesansu północnego stworzyli mistrzowie niemieccy i flamandzko-holenderscy. Religia nadal odgrywała w tych krajach znaczącą rolę i wywarła ogromny wpływ na malarstwo. Renesans poszedł inną drogą w Holandii i Niemczech. W odróżnieniu od dzieł włoskich mistrzów artyści tych krajów nie umieszczali człowieka w centrum wszechświata. Przez niemal cały XV w. portretowali go w stylu gotyckim: lekkim i eterycznym. Do najwybitniejszych przedstawicieli renesansu holenderskiego zaliczają się Hubert van Eyck, Jan van Eyck, Robert Campen, Hugo van der Goes, niemiecki – Albert Durer, Lucas Cranach Starszy, Hans Holbein, Matthias Grunewald.

Na zdjęciu autoportret A. Durera z 1498 roku.

Mimo że dzieła mistrzów północnych znacznie różnią się od dzieł malarzy włoskich, w każdym razie uznawane są za bezcenne eksponaty sztuki pięknej.

Malarstwo renesansowe, jak całą kulturę, charakteryzuje się świeckością, humanizmem i tzw. antropocentryzmem, czyli pierwotnym zainteresowaniem człowiekiem i jego działalnością. W tym okresie nastąpił prawdziwy rozkwit zainteresowania sztuką starożytną i nastąpiło jej odrodzenie. Epoka ta dała światu galaktykę genialnych rzeźbiarzy, architektów, pisarzy, poetów i artystów. Nigdy wcześniej ani później rozkwit kultury nie był tak powszechny.

Sztukę wczesnego renesansu włoskiego reprezentowało nowe malarstwo, rzeźba i architektura. Pierwszymi znaczącymi mistrzami malarstwa byli Giotto (1266-1337) i Masaccio (1401-1428), artyści florenccy. Malowali na tematy kościelno-religijne (malowanie fresków na ścianach wewnątrz kościołów), ale nadawali swoim obrazom cechy realistyczne. Giotto był pierwszym artystą, który uwolnił malarstwo włoskie od wpływów bizantyjskiego malarstwa ikonowego.

Głównym rzeźbiarzem tego okresu był Donatello (1386-1466). Największym architektem wczesnego renesansu był Brunelleschi (1377-1445). Odrodzenie odbyło się dwuznacznie: artyści podążali własnymi, czasem różnymi drogami. Świecka zasada, pragnienie fascynującej narracji i liryczne, ziemskie uczucie znalazły żywy wyraz w twórczości Fra Filippo Lippi (1406-1469), mnicha z Zakonu Karmelitów. Uroczy mistrz, autor wielu kompozycji ołtarzowych, wśród których za najlepszy uznawany jest obraz „Adoracja Dzieciątka”, stworzony dla kaplicy w Palazzo Medici. Do końca XV w. zasady, formy i obrazy nowej sztuki stały się własnością całych Włoch. Powstały podwaliny nowego systemu gatunków, zgromadzono bogactwo doświadczeń w zakresie artystycznej wiedzy o człowieku i otaczającym go świecie. Wpływ nowej sztuki włoskiej zaczął rozprzestrzeniać się na inne kraje europejskie. Zakończył się etap wczesnego renesansu, przygotowujący potężny rozwój wszystkich rodzajów sztuki w okresie Wysokiego Renesansu.

BILET nr 13

Trzeci okres renesansu - czas najwspanialszego rozwoju jego stylu - nazywany jest zwykle „wysokim renesansem”. Rozciąga się we Włoszech od około 1500 do 1527 roku. W tym czasie ośrodek wpływów sztuki włoskiej z Florencji przeniósł się do Rzymu, dzięki wstąpieniu na tron ​​papieski Juliusza II – człowieka ambitnego, odważnego i przedsiębiorczego, który przyciągał na swój dwór najlepszych artystów Włoch, okupując ich z licznymi i ważne dzieła i dawanie innym przykładu miłości do sztuki. Za tego Papieża i za jego bezpośrednich następców Rzym staje się niejako nowymi Atenami czasów Peryklesa: powstaje w nim wiele monumentalnych budowli, wspaniałych prace rzeźbiarskie, malowane są freski i obrazy, które do dziś uważane są za perły malarstwa; jednocześnie wszystkie trzy gałęzie sztuki harmonijnie idą w parze, pomagając sobie nawzajem i wzajemnie na siebie wpływając. Starożytność jest obecnie badana dokładniej, odtwarzana z większą rygorystycznością i konsekwencją; spokój i godność zastępują figlarne piękno, które było aspiracją poprzedniego okresu; wspomnienia średniowiecza całkowicie zanikają, a na wszystkich dziełach sztuki spada całkowicie klasyczny ślad. Jednak naśladowanie starożytnych nie zagłusza w artystach ich niezależności, a oni z wielką pomysłowością i żywością wyobraźni swobodnie przerabiają i stosują w swojej twórczości to, co uznają za stosowne zapożyczyć dla siebie ze starożytnej sztuki grecko-rzymskiej.

Szczyt renesansu stanowi dzieło trzech wielkich włoskich mistrzów: Leonarda da Vinci (1452–1519), Michała Anioła Buonarottiego (1475–1564) i Raphaela Santiego (1483–1520).

Tytani renesansu

Tytani włoskiego renesansu to trzy szczyty sztuki: Leonardo da Vinci, Rafael i Michał Anioł. Dlaczego nazywamy ich „tytanami”? W starożytnej mitologii tytanami byli ci, którzy odważyli się rzucić wyzwanie bogom, chcąc dorównać bogom u władzy. Ale bogowie olimpijscy okrutnie ukarali pysznych i obalili ich do Tartaru. Jednym z Tytanów był Prometeusz, który również rzucił wyzwanie bogom, aby pomogli rasie ludzkiej. Dał ludziom ogień, ale sam stał się ofiarą zemsty bogów: został przykuty do skały, a latawiec dziobał mu wątrobę.
Tytani Renesansu, podobnie jak starożytni półbogowie, rzucili wyzwanie Niebu. W przeciwieństwie do średniowiecznej idei znikomości człowieka, jego słabości i grzeszności wobec wszechmogącego Boga, potwierdzali oni wielkość człowieka, nieograniczoną jego możliwości i bogactwo talentów, a wcale. słowami, ale czynami, własnymi poprzez przykład. Trudno sobie nawet wyobrazić, ile talentów kryło się w jednej osobie!
Leonardo da Vinci łączył talenty naukowca (matematyki, mechaniki, optyki, fizyki, biologa, anatoma itp.), artysty (rysownika, malarza, rzeźbiarza i architekta), filozofa i pisarza. Michał Anioł był jednocześnie rzeźbiarzem, malarzem, architektem i poetą. Rafael może nie był aż tak wieloaspektowy, ale jednak prezent artystyczny był tak doskonały, że już za życia nazywał się Santi, czyli „boski”.
Przyjrzyj się późnemu autoportretowi Leonarda. Widzimy osobę, która wiele w życiu doświadczyła. Włosy i broda spływają mu po twarzy, nadając mu wygląd mądrego czarownika, który odkrywa tajemnice niedostępne zwykłym śmiertelnikom. Przenikliwe spojrzenie, kąciki ust opuszczone, co wyraża rozczarowanie. Przychodzą mi na myśl wersety króla Salomona z księgi „Kaznodziei” ze Starego Testamentu: „Wiedza wzmaga smutek”. Leonardo da Vinci to wizerunek artysty-mędrca. Jego stypendium stara się penetrować każdy zakątek świata. Chce nawet poznawać i mierzyć piękno za pomocą kompasu i linijki. I mu się to udaje. Zrozumienie najskrytszych tajemnic natury jest duszą Leonarda.
Rafael to bystry geniusz, anioł renesansu. Wszystko przyszło mu z łatwością. Nie cierpi, jego umysł nie spieszy się w poszukiwaniu prawdy. Sama prawda objawia mu się w pięknie, a on ucieleśnia ją tak doskonale, że odtąd nikt nie jest w stanie mu dorównać. Ten błyskotliwy geniusz renesansu zmarł wcześnie. W wieku 38 lat prawie jak Puszkin. Jego śmierć opłakiwał cały Rzym. Vasari powiedział, że ludzie tacy jak Rafael, bogato obdarzeni urodą i talentem, łagodnym charakterem, skromnością i wdziękiem, nie są ludźmi, ale śmiertelnymi bogami. Michał Anioł to prawdziwy tytan. Zawsze w walce ze sobą, światem i Bogiem. Kolosalny impuls, wiara w osobę. Sam powiedział: „Nie było jeszcze na świecie człowieka, który tak jak ja byłby tak skłonny kochać ludzi”. Michał Anioł przeżył powstanie ideałów renesansu i ich tragiczny upadek.
Pojawienie się w kulturze tak niezwykłych osobistości jak Leonardo da Vinci, Rafael czy Michał Anioł nie było przypadkowe. Świadczyło to o głębokich zmianach w podejściu do sztuki w ogóle, a do artysty w szczególności.
W średniowieczu osobowość artysty nie była istotna. Tworząc dzieło sztuki, mistrz uważał się jedynie za narzędzie w rękach Boga. Dzieła nie były sygnowane, gdyż wierzono, że ich prawdziwym autorem jest sam Bóg.
Twórcy dzieł sztuki nie nazywano artystą w tak wysokim znaczeniu, jak dziś tego słowa używamy. Malarze ikon, budowniczowie katedr itp. uważano ich po prostu za rzemieślników. Poglądy te utrzymywały się przez długi czas.
Kiedy Michał Anioł postanowił zostać rzeźbiarzem, ojciec mu tego zabronił, uznając taki zawód za niegodny chwalebnej rodziny Buonar Roti; po prostu nie widział różnicy między rzeźbiarzem a kamieniarzem.

BILET nr 15

ODBUDOWANIE PÓŁNOC Renesans północny to termin używany do opisania renesansu w północna Europa lub szerzej – w całej Europie poza Włochami, na północ od Alp.

Oznaczenie okresu w historii kultury i kultury przyjęte w historii sztuki współczesnej rozwój ideologiczny kraje leżące na północ od Włoch (głównie Holandia, Niemcy i Francja w 1. tercji XV-XVI w.; poszczególne kraje mają własną periodyzację), przechodząc od kultury średniowiecznej do kultury czasów nowożytnych. W odróżnieniu od włoskiego renesansu ( cm. ODŻYWANIE (renesans)), renesans północny charakteryzuje się dużą trwałością tradycji średniowiecznych, zainteresowaniem indywidualną wyjątkowością człowieka i jego otoczenia (w tym wnętrza, martwej natury, krajobrazu). Najwięksi przedstawiciele renesansu północnego: Van Eyck ( cm. VAN EYCK), H. Bosch ( cm. BOSZ Hieronim), P. Bruegel Starszy ( cm. BRUEGEL Pieter Starszy) – w Holandii; A. Durer ( cm. DURER Albrecht), M. Niethard ( cm. NITHARDT Mathis), L. Cranach Starszy ( cm. CRANACH Lucas Starszy), H. Holbein Młodszy ( cm. HOLBEIN Hans Młodszy) – w Niemczech; J.Fouquet( cm. FOUQUET Jean), F. Clouet ( cm. CLOUE), J. Goujon ( cm. GOUJON Jean) – we Francji.

Architektura XVII wieku Lorenzo Bernini (1598-1680) - stał się dyrygentem oficjalnej linii papieskiej w sztuce okresu baroku, pozycjonował się na mistrza uniwersalnego, zdolnego równie owocnie zajmować się malarstwem, architekturą i rzeźbą. Okazał się jednak artystą słabym, a w architekturze pozostał utalentowanym amatorem, potrafiącym opracować pomysł, program dzieła, pozostawiając całą kłopotliwą kalkulację, wsparcie inżynieryjne i faktyczną realizację dużej armii rzeźbiarzy i asystentów architektów własnego warsztatu rzymskiego. Zostawił dla siebie ogromne opłaty i sławę.

· Francesco Borromini (1599-1667) – zajmował się wyłącznie architekturą. Jest wirtuozem praktykującym architektem i mistrzem rysunku, nad którym owocnie pracował jeszcze w Mediolanie. Rysunki Borrominiego nie miały sobie równych pod względem doskonałości zawodowej w XVII-wiecznych Włoszech. Zepchnięty na margines praktyki architektonicznej Rzymu, został architektem zakonów. Dlatego jego twórczość jest nieuzasadniona skromnością. Ale znaczące wartość artystyczna a popularność dzieł Borominiego przekroczy granice Włoch i znajdzie prawdziwych następców i potomków w osobistościach twórczych, w tym Nicolo Michettiego (Pałac Konstantinowskiego, Strelna, Imperium Rosyjskie) czy Jan Błażej Santini Aihl (Czechy).

·

Plan kościoła Sant'Ivo alla Sapienza

·

Dziedziniec Sant'Ivo alla Sapienza

Sant'Ivo, antyczna rycina z 1695 roku

Kompozycja pałacu i kościoła Sant'Ivo.

Włoski ogród barokowy

Willa Aldobrandini.

Ogród barokowy typu włoskiego jest logiczną kontynuacją ogrodu renesansowego. Ogrody renesansowe były wciąż niewielkie i pozbawione przepychu. Wykorzystaliśmy fontannę z rzeźbą, ławeczki, donice z drzewa cytrynowe. Pałac lub willa dominowała nad wszystkim. Tarasy nie są jeszcze podporządkowane jednej koncepcji artystycznej, sobie nawzajem i pałacowi. Szczelność zabudowy w obrębie murów twierdzy miejskiej nie pozwalała na tworzenie ogrodów w miastach, pojawiały się one na obrzeżach (Ogrody Boboli we Florencji) lub na wsi.

Sztuka włoska w XVIII wieku

[redagować] Późny barok

Barok, urodzony i dojrzewający we Włoszech, pozostał sztuka narodowa dłużej niż inne Kraje europejskie Oh. Stopniowo zaczynają się w nim kumulować cechy kryzysowe i zmęczenie. Już w twórczości Carlo Maratty (1625-1713) malarstwo barokowe traci dostojeństwo i prawdomówność, które zastępuje brawura i nieszczery patos. Badacz J. Argan z goryczą zauważył: „Jego malarstwo w służbie władców symbolizuje rzeczy banalne, kryjące się za autorytetem Rafaela i Tycjana”. Jednak malarstwo barokowe we Włoszech nie utraciło jeszcze zdolności odnawiania się i opowiadania o naturze, historii i świecie ludzkich uczuć, zarówno w dziełach mistrzów prowincjonalnych (Crespi, Vittore Ghislandi), jak i w malarstwie dekoracyjnym (Giovanni Battista Tiepolo). Zanikający barok na długo zachowa swoją pozycję w sztuce teatralnej i dekoracyjnej Włoch i wielu krajów europejskich (Andrea Pozzo, Ferdinando Bibiena, Giuseppe Valeriani).

Ale centrum poszukiwań artystycznych w Europie wreszcie przenosi się do Francji.

·

Crespi. Sybilla Kumska, Eneasz i przewoźnik Charon, 1705

Giacomo Ceruti. „Trzej żebracy”, 1736

Lorenzo Tiepolo. Portret Cecylii Guardi

·

Vittore Ghislandi. Młody artysta , 1732

BILET nr 17

Caravaggio i karawagizm

Caravaggio (Caravaggio; właściwie Merisi da Caravaggio, Merisi da Caravaggio) Michelangelo (28.9.1573, Caravaggio, Lombardia, - 18.7.1610, Porto Ercole, Toskania), malarz włoski. Założyciel nurtu realistycznego w malarstwie europejskim XVII wieku.

Studiował w Mediolanie (1584-88) u S. Peterzano. W latach 1589-1593 przybył do Rzymu, gdzie pracował do 1606, następnie w Neapolu (1607 i 1609-10), na Malcie i na Sycylii (1608-09). Twórczość K., nienależącego do żadnej konkretnej szkoły artystycznej, powstała jako sprzeciw wobec dominujących nurtów w sztuce włoskiej końca XVI i początków XVII wieku. (manieryzm i akademizm).

Wczesne prace K. (lata 1592-1598) swą dźwięczną barwą i przezroczystym światłocieniem ujawniają związek z tradycjami malarstwa północnowłoskiego XVI wieku. (G. Savoldo, L. Lotto, A. Moretto i inni). Jednocześnie pojawia się w nich już szereg znacząco nowych funkcji. K. kontrastuje zasadę idealizacji obrazu z indywidualną ekspresją konkretnego modelu („Mały chory Bachus”, Galleria Borghese, Rzym), a alegoryczną interpretację fabuły z bezstronnym studium natury w prostym motywie codziennym ( „Młody człowiek z koszem owoców”, Galleria Borghese, Rzym). Polemizując z artystycznymi koncepcjami manieryzmu i akademizmu, K. ucieleśnia w antycznej fabule świąteczną, zabawną, ludową zasadę (Bachus, 1592-93, Galeria Uffizi, Florencja), dochodzi do zaprzeczenia dominującemu systemowi gatunków i przyczynia się do powstanie nowych rodzajów malarstwa – martwa natura („Kosz z owocami”, ok. 1596 r., Pinacoteca Ambrosiana, Mediolan) oraz gatunek codzienny(„Wróżka”, Luwr, Paryż). Malarstwo religijne otrzymuje od niego nową, intymną interpretację psychologiczną („Odpoczynek w drodze do Egiptu”, Galeria Doria Pamphili, Rzym). Pod koniec lat 90. XVI w. wyłania się oryginalny system malarski K. Pierwszy plan obrazu, jasno oświetlony wiązką światła, wyróżnia się na tle pogrążonym w gęstym cieniu, uzyskując w ten sposób podkreśloną przejrzystość optyczną obrazu i stwarzając wrażenie jego bezpośredniej bliskości. widza („Lutysta”, Ermitaż, Leningrad). Dojrzałe dzieła K. (1599-1606) to obrazy monumentalne pod względem kompozycyjnym, posiadające wyjątkową siłę dramatyczną. Mocne kontrasty światła i cienia, wyrazista prostota gestów, energetyczne modelowanie plastyczne i dźwięczna, bogata kolorystyka oddają napięcie emocjonalne, które powstaje wraz z nieoczekiwaną manifestacją idealnie wzniosłego we wnętrzu. życie codzienne ludzi lub w chwilach duchowej konfrontacji człowieka z wrogim środowiskiem („Powołanie apostoła Mateusza” i „Męki apostoła Mateusza”, 1599-1600, kościół San Luigi dei Francesi, „Ukrzyżowanie apostoła Piotra” i „Nawrócenie Saula”, 1600-01, kościół Santa Maria del Popolo, Madonna di Loreto, około 1603-06, kościół Sant'Agostino, wszystko w Rzymie; Złożenie do grobu, 1602-04 (patrz ilustracja), Pinakoteka , Watykan”, około 1605-06, Luwr, Paryż). Podkreślona wspólność typu i zdecydowanie afirmacji demokratycznych ideałów artystycznych w malarstwie K. wzbudziły ostry sprzeciw zwolenników sztuki oficjalnej. Wiele prac artysty zostało odrzuconych przez klientów. W późniejszych utworach K., powstałych w latach wędrówek po południowych Włoszech (1606-10), dalszy rozwój tendencji realistycznych, poszerzenie zakresu zjawisk życiowych („Siedem aktów miłosierdzia”, 1607, kościół Pio Monte della Misericordia w Neapolu) towarzyszy pogłębienie się tragedii światopoglądu. Wraz z nutami żałobnego dystansu objawia się w nich duch wzniosłego stoicyzmu („Egzekucja Jana Chrzciciela”, 1609, Katedra San Giovanni, La Valletta; „Pogrzeb św. Łucji”, 1608, Kościół Świętego Mikołaja Łucji, Syrakuzy). K. porusza temat samotności ludzi w ogromny świat, pociąga go obraz zgranego zespołu ludzi, których łączy atmosfera rodzinnej bliskości i ciepła. Światło w późniejszych obrazach K. staje się miękkie i wibrujące, kolorystyka skłania się ku jedności tonalnej („Pokłon pasterzy”, 1609, Muzeum Narodowe, Mesyna). Sposób wykonania nabiera cech swobodnej improwizacji. Nowatorska sztuka K. znalazła naśladowców we Włoszech i innych krajach Europy, wpływając na kształtowanie się ruchów realistycznych w wielu europejskich szkołach artystycznych (karawaggizm).

Karawagizm:

1) systemu środki artystyczne, charakterystyczny dla początkowego etapu rozwoju realizmu w malarstwie europejskim XVII wieku. i który otrzymał najbardziej wyraziste ucieleśnienie w twórczości włoskiego malarza Caravaggia. K. charakteryzują się demokracją
ideał artystyczny, zainteresowanie bezpośrednim odwzorowaniem natury, zwiększone poczucie prawdziwej obiektywności obrazu, aktywna rola kontrastów światła i cienia w obrazowym rozwiązaniu obrazu, chęć monumentalizacji motywów gatunkowych. Ważnym krokiem było zwrócenie się ku technikom K twórczy rozwój wielu czołowych mistrzów XVII wieku. (P.P. Rubene, Rembrandt), choć w wielu przypadkach nie było to wynikiem bezpośredniego wpływu sztuki Caravaggia i jego następców (F. Ribalta, D. Vslaskes, Georges de Latour).

2) Ruch w malarstwie europejskim XVII wieku, reprezentowany przez zwolenników Caravaggia. We Włoszech, gdzie tendencje malarskie zachowały swoje znaczenie aż do końca XVII w., przeniknęły do ​​wszystkich znaczących ośrodków artystycznych i szczególnie silnie odbiły się na malarstwie Rzymu, Genui i Neapolu. Najbardziej oryginalną i niezależną interpretację spuścizny Caravaggia można znaleźć w dziełach O. Borgianniego, O. Jeptileschiego, C. Saraceniego i G. B. Caracciolo. Od szeregu mistrzów Caravaggio wyrażał się w powierzchownym zapożyczaniu technik formalnych i wątków fabularnych z twórczości Caravaggia (dzieła L. Spady, B. Manfrediego i innych). Do najważniejszych przedstawicieli zagranicznych K. zaliczają się: w Holandii – H. Terbruggen, G. Honthorst, D. van Baburen, we Flandrii – T. Rombouts, A. Janssens, we Francji – J. Valentin, S. Vuz, w Hiszpanii – X. Ribera, w Niemczech – A. Elsheimer.

BILET nr 18

Sztuka Francji. Architektura Architekturę XVIII wieku we Francji tradycyjnie dzieli się na dwa okresy, które odpowiadają dwóm styl architektoniczny: w pierwszej połowie XVIII w. Dominującą pozycję zajmuje rokoko, w drugiej – neoklasycyzm. Style te są sobie całkowicie przeciwne, dlatego przejście od rokoka do neoklasycyzmu często nazywane jest „buntem”.

Styl rokoko odszedł od ścisłych zasad XVII klasycyzm V.; jego mistrzów bardziej pociągały zmysłowe, swobodne formy. Architektura rokokowa, jeszcze silniej niż barok, dążyła do dynamizacji konturów budynków i dekoracyjności ich dekoracji, odrzucała jednak powagę baroku i jego ścisły związek z Kościołem katolickim.

Samo słowo „neoklasycyzm” w XVIII wieku. jeszcze nie istniał. Krytycy i artyści posługiwali się innymi definicjami – „prawdziwym stylem” czy „renesansem sztuki”. Zainteresowanie starożytnością w XVIII wieku nabrało charakteru naukowego: archeolodzy rozpoczęli metodyczne wykopaliska starożytnych zabytków, architekci zaczęli dokonywać precyzyjnych pomiarów i rysunków ocalałych fragmentów i ruin. Dla neoklasycystów architektura była sposobem na przebudowę świata. Pojawiły się projekty utopijne, ucieleśniające ideały Oświecenia; później otrzymali nazwę „gadająca architektura”.

ARCHITEKTURA ROKOKOWSKA

Rokoko powstało w ostatnich latach panowania króla Ludwik XIV(1643-1715), jednak w przeciwieństwie do wszystkich poprzedzających ją stylów architektury francuskiej, nie była to sztuka dworska. Większość budynków rokokowych to prywatne domy francuskiej arystokracji: bogate rezydencje miejskie (we Francji zwane „hotelami”) i pałace wiejskie.

Z reguły wysoki płot oddzielał dwór od miasta, ukrywając życie właścicieli domu. Pokoje hotelowe często miały zakrzywione kontury; nie układały się one w amfiladę, jak to było w zwyczaju w XVII-wiecznych rezydencjach, ale tworzyły bardzo eleganckie, asymetryczne kompozycje. W centrum znajdowała się zazwyczaj sala ceremonialna, tzw. salon. Pomieszczenia były znacznie mniejsze niż sale klasycznych pałaców i miały niższe sufity. A okna w tych rezydencjach były bardzo duże, prawie z podłogi. Wnętrza rokokowych budynków zdobiły dekoracje rzeźbiarskie i rzeźbiarskie, obrazy o tematyce fantastycznej oraz liczne lustra.

Hotel Soubise w Paryżu został zbudowany dla księcia de Soubise w latach 1705 - 1709. zaprojektowany przez Pierre'a Alexisa Delamere'a (1675-1745). Podobnie jak inne rezydencje, odgrodzony jest od sąsiednich ulic wysokim murem z luksusową bramą wjazdową.

Bilet nr 19

Architektura i sztuka Hiszpanii XVII wieku Arabowie wnieśli do sztuki hiszpańskiej rozwiniętą kulturę zdobnictwa i pozostawili po sobie wiele wspaniałych zabytków architektury w stylu mauretańskim, w tym meczet w Kordobie (VIII w.) i pałac Alhambra w Granadzie (XIII-XV w.). W XI-XII w. W Hiszpanii rozwija się styl romański w architekturze, którego niezwykłym zabytkiem jest majestatyczna katedra w mieście Santiago de Compostela. W XIII – pierwszej połowie XV w. W Hiszpanii, podobnie jak w całej Europie Zachodniej, ukształtował się styl gotycki. Hiszpański gotyk często zapożycza cechy mauretańskie, o czym świadczą majestatyczne katedry w Sewilli, Burgos i Toledo (jedna z największych w Europie). Szczególnym zjawiskiem artystycznym jest tzw. styl<мудехар>, który rozwinął się w wyniku fuzji elementów architektury gotyckiej, a później renesansowej z Arabami mauretańskimi, wniósł rozwiniętą kulturę zdobnictwa do sztuki hiszpańskiej i pozostawił po sobie szereg wspaniałych zabytków architektury w stylu mauretańskim, wśród nich meczet w Kordobie ( VIII w.) i pałac Alhambra w Granadzie (XIII w. – XV w.). W XI-XII w. W Hiszpanii rozwija się styl romański w architekturze, którego niezwykłym zabytkiem jest majestatyczna katedra w mieście Santiago de Compostela. W XIII – pierwszej połowie XV w. W Hiszpanii, podobnie jak w całej Europie Zachodniej, ukształtował się styl gotycki. Hiszpański gotyk często zapożycza cechy mauretańskie, o czym świadczą majestatyczne katedry w Sewilli, Burgos i Toledo (jedna z największych w Europie). Szczególnym zjawiskiem artystycznym jest tzw. styl<мудехар>, który powstał w wyniku fuzji elementów architektury gotyckiej, a później renesansowej z dziedzictwem mauretańskim.

<платереск> <эрререско>

<Золотым веком> <эрререско> <чурригуреско>.

<гением модерна>

W XVI wieku pod wpływem sztuki włoskiej w Hiszpanii wykształciła się szkoła manieryzmu: jej wybitnymi przedstawicielami byli rzeźbiarz Alonso Berruguete (1490-1561), malarze Luis de Morales (ok. 1508-1586) i wielki El Greco (1541-1541-1561). 1614). Założycielami sztuki portretu dworskiego byli słynni malarze Alonso Sanchez Coelho (ok. 1531-1588) i jego uczeń Juan Pantoja de la Cruz (1553-1608). W architekturze świeckiej XVI wieku. ustalony styl ozdobny<платереск>, zastąpiony pod koniec wieku stylem zimnym<эрререско>, czego przykładem jest pałac-klasztor El Escorial pod Madrytem, ​​zbudowany w latach 1563-1584 jako rezydencja królów hiszpańskich.

<Золотым веком>Malarstwo hiszpańskie nazywane jest XVII wiekiem, kiedy pracowali wielcy artyści Jusepe Ribera (1588-1652), Bartolome Esteban Murillo (1618-1682), Francisco Zurbaran (1598-1664) i Diego de Silva Velazquez (1599-1660). Powściągliwy w architekturze<эрререско>w drugiej połowie XVII wieku. zastąpiony zbyt dekoracyjnym stylem<чурригуреско>.

Okres 18-19 wieków. ogólnie charakteryzuje się spadkiem sztuka hiszpańska, zamknięty w naśladowczym klasycyzmie, a później w powierzchownym kostiumyzmie. Na tym tle szczególnie wyraźnie wyróżnia się twórczość Francisco Goyi (1746-1828).

Odrodzenie wielkiej tradycji hiszpańskiej następuje w pierwszej połowie XX wieku. Nowe ścieżki w sztuce światowej wytyczył pierwotny architekt Antonio Gaudi (1852-1926), zwany<гением модерна>, twórca i wybitny przedstawiciel surrealizmu w malarstwie, Salvador Dali (1904-1989), jeden z twórców kubizmu, Juan Gris (1887-1921), artysta abstrakcjonista Joan Miro (1893-1983) i Pablo Picasso (1881-1973) ), którzy przyczynili się do rozwoju kilku kierunków sztuki współczesnej.

W XVII wieku artystyczne tradycje sztuki holenderskiej były kontynuowane we Flandrii i Holandii. Na ich bazie powstały powiązane, ale odmienne szkoły malarstwa flamandzkiego i holenderskiego. Powodem tego podziału była dramatyczna historia Niderlandów w drugiej połowie XVI wieku.

W tamtym czasie w Holandii rozpowszechnił się protestantyzm – wyznanie wiary, które odrzucało kult ikon jako bałwochwalstwo i porzucało sztukę kościelną. W 1566 roku przez kraj przetoczyła się fala ikonoklazmu. W ciągu kilku dni zniszczono wiele kościołów i klasztorów, zniszczono posągi świętych, ołtarze i ikony. Król Hiszpanii Filip II, który wówczas rządził Holandią, wysłał do kraju dużą armię, aby przywrócić dominującą pozycję Kościoła katolickiego. Hiszpanie brutalnie stłumili zamieszki, zabijając dziesiątki tysięcy Holendrów. W odpowiedzi na przemoc wybuchło zbrojne powstanie.

Na północy kraju, gdzie protestanci stanowili większość ludności, w 1581 roku proklamowano nowe państwo – Republikę Zjednoczonych Prowincji. Wiodąca rola przypadła Holandii i wkrótce zaczęto tak nazywać cały kraj.

Hiszpanie zwyciężyli na południu Holandii. W 1585 roku poddała się ostatnia twierdza rebeliantów, miasto Antwerpia.

Filip II w 1598 roku przekazał południowe Niderlandy swojej ukochanej córce Infantce Izabeli (1566-1633). Nowo powstałe państwo w oficjalnych dokumentach nazywało się Katolicką Holandią, w pracach naukowych Belgią, a w potocznym języku Flandrią, a także najbardziej rozwiniętą z wchodzących w jej skład prowincji. Było całkowicie zależne od Hiszpanii.

W walce o idee religijne kultura poniosła klęskę: protestanci zniszczyli wiele pięknych zabytków sztuki, ale nawet na katolickich prowincjach musieli na długo zapomnieć o pierwotnej tradycji artystycznej. Kościół katolicki był podejrzliwy wobec bajecznej różnorodności sztuki staroniderlandzkiej. Artyści próbujący na swój sposób interpretować historie biblijne narażali się na oskarżenie o herezję. Sztuka kościelna się zmieniło. Odtąd miała ona nie tylko wyjaśniać parafianom Pismo Święte, ale dosłownie ich zniewalać, podporządkowując ich świadomość władzy Kościoła. Służyła temu muzyka organowa, dziwaczna architektura świątyń i malowidła religijne. Jeśli w średniowieczu świątynię uważano za szkołę, to w XVII wieku. bardziej przypominało teatr.

Powiązane informacje.

Sztuka wczesnego renesansu (Quattrocento)

Początek XV wieku naznaczony ostrym kryzysem politycznym, którego uczestnikami były z jednej strony Republika Florencka i Wenecja, a z drugiej Księstwo Mediolanu i Królestwo Neapolu Villa Medici. Skończyło się to, co trwało od 1378 do 1417 roku. schizmy Kościoła, a na Soborze w Konstancji wybrano papieża Marcina V, wybierając Rzym na swoją rezydencję. Zmienił się układ sił politycznych we Włoszech: o życiu Włoch decydowały takie regionalne państwa, jak Wenecja, Florencja, które podbiły lub kupiły część terytoriów sąsiednich miast i dotarły do ​​morza, oraz Neapol. Rozszerzyła się baza społeczna włoskiego renesansu. Miejscowi kwitną szkoły artystyczne z długimi tradycjami. W kulturze decydująca staje się zasada świecka. W XV wieku humaniści dwukrotnie zasiadali na tronie papieskim.

„Ani niebo nie wydaje mu się zbyt wysokie, ani środek ziemi zbyt głęboki. A skoro człowiek poznał budowę ciał niebieskich i sposób ich poruszania się, kto zaprzeczy, że geniusz człowieka... jest prawie taki sam.” Marsilio Ficino Wczesny renesans charakteryzował się przełamywaniem tradycji późnogotyckich i zwracaniem się ku dziedzictwu starożytnemu. Jednakże to odwrócenie nie wynika z naśladownictwa. To nie przypadek, że Filarete wymyślił własny system zamówień.
„Naśladowanie natury” poprzez zrozumienie jej praw jest główną ideą traktatów o sztuce tamtych czasów.
Jeśli w XIV w. humanizm był w przeważającej mierze własnością pisarzy, historyków i poetów, już od pierwszych lat XV wieku. poszukiwania humanistyczne przeniknęły do ​​malarstwa.

Virtu (męstwo) – koncepcja zapożyczona od starożytnych stoików została przejęta przez humanizm florencki końca XIV-I piętra. XV wiek Wiodące miejsce w humanizmie ostatnia trzecia XV wiek przejął neoplatonizm, w którym środek ciężkości przesunął się z kwestii moralno-etycznych na filozoficzne. Wszystkich humanistów tego stulecia łączy idea człowieka jako najdoskonalszego stworzenia natury.

Zmiany w stanowisku artysty wynikają z faktu, że na początku stulecia Signoria florencka potwierdziła dawno zapomnianą zasadę, zgodnie z którą architekci i rzeźbiarze nie mogli należeć do organizacji cechowej miasta, w którym pracowali . Zdając sobie sprawę z wartości artystycznej wyjątkowości, twórcy dzieł zaczynają podpisywać swoje dzieła, dlatego na drzwiach florenckiego baptysterium widnieje napis: „Wspaniałe dzieło sztuki Laurentiusa Cione de Ghiberti”. W drugiej połowie XV w. Rysowanie na podstawie modelu i pełnowymiarowe szkice stają się obowiązkowe.

Pierwszym włoskim architektem, który kierował się dziedzictwem starożytnego Rzymu, był Leon Battista Alberti (1404-1472). Piękno było dla Albertiego absolutne i pierwotne. Na tym rozumieniu piękna Alberti oparł swoją doktrynę concinnitas (zgodność, zgodność) wszystkich rzeczy. W związku z koncepcją proporcjonalności pojawia się także zainteresowanie prawami harmonicznych relacji liczbowych i doskonałymi proporcjami. Niektórzy, jak Filarete, szukali ich w budowie ludzkiego ciała, inni (Alberti, Brunelleschi) – w numerycznych relacjach harmonii muzycznej.
„Piękno to proporcjonalna harmonia wszystkich części, zjednoczona tym, do czego przynależą, tak że nic nie można dodać, odjąć ani zmienić bez pogorszenia tego” – wierzył Alberti.

Kolejnym odkryciem Quattrocento jest perspektywa bezpośrednia. Jako pierwszy użył go F. Brunelleschi w dwóch widokach Florencji. W 1416 roku wykorzystał go przyjaciel Brunelleschiego, rzeźbiarz Donatello, w płaskorzeźbach „Bitwa pod św. Jerzego ze Smokiem” i około 1427-1428. Masaccio stworzył perspektywiczną strukturę na fresku Trójcy. Alberti szczegółowo teoretycznie rozwinął zasady perspektywy w swoim Traktacie o malarstwie. Metoda projekcji nie pochodzi od jednostki obrazy tematyczne, ale z przestrzennego połączenia obiektów, w którym każdy pojedynczy obiekt utracił swój stabilny wygląd. Obraz perspektywiczny ma na celu uzyskanie efektu obecności, dlatego polegał na czerpaniu z życia z ustalonego punktu widzenia. Perspektywa obejmuje transmisję światła i cienia oraz relacje tonalne i kolorowe.

Architektura Quattrocento

Istota i wzorce architektury są określone dla teoretyków XV wieku. jej służba człowiekowi. Dlatego popularna staje się koncepcja zaczerpnięta od Witruwiusza o podobieństwie budynku do człowieka. Kształty budowli porównano do proporcji ciała ludzkiego. Teoretycy architektury dostrzegali także związek architektury z harmonią wszechświata. W 1441 r. odnaleziono traktat Witruwiusza, którego przestudiowanie przyczyniło się do przyswojenia sobie zasad ustroju porządkowego. Architekci próbowali zbudować model idealnej świątyni. Według Albertiego w rzucie powinien on przypominać wpisany w niego okrąg lub wielościan.

Baptysterium (gr. baptisterion - chrzcielnica) - komnata chrzcielna, pomieszczenie do chrztu. We wczesnym średniowieczu, ze względu na potrzebę masowych chrztów, budowano baptysteria oddzielnie od kościoła. Najczęściej chrzcielnice budowano okrągło lub fasetowo i przykrywano kopułą.
Logicznym rezultatem rozwoju teorii perspektywy był rozwój praw proporcji – relacji przestrzennych poszczególne elementy budynków (wysokość kolumny i szerokość łuku, średnia średnica kolumny i jej wysokość).
Fascynacja antykiem była charakterystyczna dla mistrzów Quattrocento, jednak każdy twórca tworzył i był świadomy własnego ideału starożytności.

W XV wieku zaczęto organizować konkursy o nadanie prawa do czegokolwiek projekt artystyczny. I tak w konkursie z 1401 roku na wykonanie północnych drzwi z brązu do baptysterium wzięli udział zarówno znani mistrzowie, jak i dwudziestoletni Lorenzo Ghiberti i Filippo Brunelleschi. Tematem obrazu była „Ofiara Abrahama” w formie płaskorzeźby. Ghiberti wygrał. W konkursie z roku 1418 na budowę kopuły katedry Santa Maria del Fiore zwyciężył Brunelleschi (1377-1446), architekt, matematyk i inżynier. Kopuła miała zwieńczać katedrę, zbudowaną na początku XIII wieku. i rozbudowany w XIV w. Trudność polegała na tym, że kopuły nie można było wznieść znanymi wówczas metodami technicznymi. Brunelleschi wyprowadził swoją metodę z technik starożytnego rzymskiego murarstwa, zmienił jednak kształt kopułowej konstrukcji. Lekko spiczasta, ogromna (średnica - 42 m) kopuła składała się z dwóch skorup, głównej ramy - z 8 głównych żeber i 16 dodatkowych, połączonych ze sobą poziomymi pierścieniami pochłaniającymi ciąg.

Architektonicznym ucieleśnieniem istoty renesansu była loggia stworzona przez Brunelleschiego na fasadzie Domu Dziecka we Florencji. Wracając do podstaw starożytnej architektury rzymskiej, opierając się na zasadach protorenesansu i narodowej tradycji architektury włoskiej, Brunelleschi dał się poznać jako reformator, tworząc portyk Domu Sierot, instytucji charytatywnej. Kształt fasady był nowy. Portyk był szerszy od samego Domu Dziecka, do którego z prawej i lewej strony przylegało kolejne przęsło. Stwarzało to wrażenie dużej rozpiętości, co wyrażało się w przestronności łukowych przęseł arkad i podkreślane było stosunkowo niską wysokością drugiej kondygnacji. Budynkowi brakowało form gotyckich; zamiast zorientować budynek pod względem wysokości i głębokości, Brunelleschi zapożyczył od starożytności harmonijną równowagę mas i objętości.

Płaskorzeźba spłaszczona (wł. relievo schiacciatto) to rodzaj płaskorzeźby, w której obraz w najmniejszym stopniu wznosi się ponad tło, a plany przestrzenne są przybliżane do granicy.

Brunelleschiemu przypisuje się pierwsze praktyczne wdrożenie perspektywy bezpośredniej. Już w starożytności geometrzy opierali optykę na założeniu, że oko jest połączone z obserwowanym obiektem za pomocą promieni optycznych. Odkrycie Brunelleschiego polegało na tym, że przeciął tę piramidę optyczną płaszczyzną obrazu i uzyskał dokładny rzut obiektu na płaszczyznę. Wykorzystując drzwi katedry florenckiej jako naturalną ramę, Brunelleschi umieścił przed nimi rzut baptysterium (budynku chrzcielnego znajdującego się przed katedrą), który w pewnej odległości pokrywał się z sylwetką budowli.

Nie wszystkie projekty Brunelleschiego zostały zrealizowane zgodnie z jego planami.
Uczeń Brunelleschiego, Michelozzo di Bartolommeo, stworzył Palazzo Medici - trzypiętrowy, na planie kwadratu, z kwadratowym dziedzińcem pośrodku.

Leon Batista Alberti (1404-1472) – wszechstronnie wykształcony filozof humanista, działający we Florencji, Ferrarze i Rimini. Alberti był pierwszym architektem, skupiającym się przede wszystkim na dziedzictwie starożytnego Rzymu, który głęboko rozumiał znaczenie rzymskiej architektury. Współcześni byli zdezorientowani niezwykłym charakterem budynków kościelnych Albertiego; Papieżowi Piusowi I kościół San Francesco w Rimini wydawał się pogańską świątynią, kościół San Sebastiano w Mantui przypominał zarówno kościół, jak i meczet. Alberti stworzył Palazzo Ruccellai we Florencji z gładkimi ścianami pozbawionymi boniowania, eleganckimi obramowaniami portali i okien oraz uporządkowaną dekoracją elewacji. Projektując mantuański kościół Sant'Andrea, Alberti połączył tradycyjną bazylikową formę świątyni z kopułowym dachem. Budynek charakteryzuje się majestatem łuków fasadowych, majestatem przestrzeń wewnętrzna. Ścianę poziomo przecinało szerokie belkowanie. Decydujące znaczenie miał portyk i jego sklepienie, w którym żebra zastąpiono płaską kopułą.
Większość pozostałych architektów z powodzeniem łączyła rolę projektanta z funkcją kuratora.

Malarstwo z XV wieku.
Malarstwo to przede wszystkim malarstwo monumentalne, tj. fresk. Cechą szczególną fresku jest konieczność użycia ograniczonej ilości barwników łączących się z wapnem. Wśród malarstwa sztalugowego coraz większą rolę zaczyna odgrywać ołtarz. Nie jest to ołtarz gotycki z wieloma drzwiami, lecz jedna kompozycja – obraz ołtarzowy, tzw. pal. Pod obrazem ołtarzowym znajduje się kilka małych, wydłużonych poziomo obrazów, tworzących wąski pas predelli. W pierwszej połowie stulecia pojawił się niezależny portret świecki. Jednym z pierwszych artystów tamtej epoki był Masaccio (prawdziwe nazwisko - Tommaso di Giovanni di Simone Cassai) (1401-1428). Główne dzieła: „Madonna z Dzieciątkiem i Aniołami”, „Ukrzyżowanie”, „Adoracja Trzech Króli”, „Trójca”.

Na fresku w kaplicy Brancaccich w kościele Santa Maria del Carmine „Cud Statera” Masaccio łączy trzy epizody: Chrystusa, od którego poborca ​​podatkowy prosi o pieniądze; Chrystus nakazujący Piotrowi złowić rybę, aby wydobyć z niej monetę; Piotr daje pieniądze. Masaccio uczynił drugi epizod centralnym, ponieważ musiał pokazać, że wydarzenia zależą od nienagannej woli Chrystusa.
Fra Beato Angelico (1395-1455). W 1418 roku złożył śluby zakonne w klasztorze dominikanów w Fiesole, zwanym dalej Fra (bratem) Giovannim. W 1438 roku przeniósł się do klasztoru San Marco we Florencji, gdzie zaprojektował obraz do ołtarza głównego i cele mnichów. Bardzo słynne dzieło Fra Angelico stał się freskiem Zwiastowania.

Filippo Lippi (ok. 1406-1469) wcześnie został pozostawiony bez rodziców; w 1421 roku złożył śluby zakonne w klasztorze Santa Maria del Carmine. Filippo malował ołtarze dla florenckich kościołów San Spirito, San Lorenzo, Sant'Ambrogio, małe obrazy ołtarzowe w kształcie tondo, które zwyczajowo ofiarowywano z okazji ślubu lub w związku z narodzinami dziecka. Patronowali mu Medyceusze Piero della Francesca (1420-1492), który urodził się w San Sepolcro i przez całe życie, pomimo ciągłych nieobecności, wracał do pracy w rodzinnym mieście. W latach 1452-1458. Piero della Francesca namalował główną kaplicę kościoła San Francesco w Arezzo freskami przedstawiającymi historię życiodajnego krzyża.
Andrea della Verrocchio (1435-1489) był jednym z ulubieńców Medyceuszy, w imieniu których prowadził prace w kościele San Lorenzo.

Domenico Ghirlandaio (1449-1494) we Florencji pracował dla kupców i bankierów w pobliżu domu Medyceuszy. W swoich kompozycjach często przedstawiał swoich współobywateli jako postacie historii świętej.
Perugina (1450-1523). Prawdziwe nazwisko - Pietro Vannucci, urodził się niedaleko Perugii, stąd jego przydomek Perugino. W Rzymie w 1481 roku wraz z innymi namalował Kaplicę Florencką scenami ze Starego i Nowego Testamentu oraz stworzył kompozycje ołtarzowe na zamówienie kościołów i klasztorów północnych Włoch.
Bernardino di Betto, ze względu na niski wzrost nazywany Pinturicchio (1454-1513), stworzył freski i miniatury na tematy literackie. Najsłynniejszym dziełem Pinturicchio były dekoracje sztukatorskie i freski w salach papieskich w Watykanie.

Andrea Mantegna (1431-1506) był nadwornym malarzem księcia Gonzagi w Mantui, malował obrazy, tworzył ryciny i dekoracje do przedstawień. W latach 1465-1474. Mantegna zaprojektował pałac miejski Lodovico Gonzagi i jego rodziny.
Ostatnim z wielkich mistrzów Quattrocento jest Sandro Botticelli (1445-1510), bliski florenckim neoplatończykom w dążeniu do inny świat, chęć wyjścia poza formy naturalne i historię. Wczesne dzieła Botticellego wyróżniają się miękkim liryzmem. Maluje portrety pełne życie wewnętrzne. To Giuliano Medici, którego twarz jest naznaczona smutkiem. W „Portrecie Cimonetty Vespucci” Botticelli przedstawia z profilu stojącą młodą kobietę, której twarz wyraża poczucie własnej wartości. W latach 90 stworzył portret Lorenza Lorenziano, naukowca, który w przypływie szaleństwa popełnił samobójstwo w 1504 roku. Artysta przedstawia obraz niemal rzeźbiarsko namacalny.

„Wiosna” zapoczątkowała największy rozkwit działalności Botticellego, jego sława dotarła do Rzymu: pośrodku kwitnącej łąki stoi Wenus, bogini miłości, przedstawiona w postaci eleganckiej ubrana dziewczyna. Kupidyn unosi się nad Wenus i z zawiązanymi oczami wystrzeliwuje płonącą strzałę w przestrzeń. Na prawo od Wenus Trzy Gracje prowadzą okrągły taniec. W pobliżu tańczących łask stoi posłaniec bogów Merkury, unoszący swoją laskę - kaduceusz. Po prawej stronie obrazu bóg wiatru Zefir wylatuje z głębi gęstwiny, ucieleśniając elementarną zasadę natury. Botticelli napisał „Narodziny Wenus” w latach 1482–1483. na zlecenie Lorenzo Medici. Morze zbliża się do samej krawędzi obrazu, na jego powierzchni unosi się złoto-różowa muszla, na której zakręcie stoi naga Wenus. Róże spadają do jej stóp, wiatr kieruje muszlę na brzeg, gdzie nimfa przygotowała płaszcz utkany z kwiatów.

Jest prawdopodobne, że Botticelli umieścił w obrazie podtekst zaczerpnięty z neoplatonizmu. „Narodziny Wenus” nie są bynajmniej pogańskim celebracją kobiecego piękna. Zawiera ideę chrześcijaństwa o narodzinach duszy z wody podczas chrztu. Nagie ciało bogini oznacza czystość, naturę reprezentują jej żywioły: powietrze to Eol i Boreasz, woda to zielonkawe morze z ozdobnymi lokami fal. Jest to spójne ze sposobem, w jaki dyrektor Akademii Florenckiej Marsilio Ficino zinterpretował mit o narodzinach Wenus jako personifikację duszy, która dzięki boskiemu pierwiastkowi zdolna jest tworzyć piękno. Dla Botticellego nie było nieprzekraczalnej granicy między starożytnością a chrześcijaństwem. Artysta wprowadza do swoich obrazów o tematyce religijnej starożytne obrazy. Jednym ze słynnych obrazów o treści religijnej jest „Gloryfikacja Madonny”, powstały w latach 1483–1485. Madonna ukazana jest na tronie, w otoczeniu aniołów, z Dzieciątkiem Jezus na kolanach. Madonna wyciąga pióro, aby zapisać słowa w księdze i rozpoczyna modlitwę na jej cześć. Po „Magnificat” Botticelli tworzy serię dzieł, w których spirytyzm jest coraz bardziej intensyfikowany, echa gotyckie objawiają się w braku przestrzeni, w wywyższeniu obrazów.

Rzeźba renesansowa ucieleśniała antropocentryzm renesansu. Rzeźbiarze włoskiego renesansu indywidualizowali obraz nie tylko pod kątem personifikacji fizjonomicznej, ale także duchowej samoświadomości jednostki. Główną cechą rzeźby z XV wieku. - jego oddzielenie od ściany i niszy katedry.
Za wynalazek przypisuje się Donatello (prawdziwe nazwisko Donato di Niccolo di Betto Bardi) (1386-1466) specjalny typ płaskorzeźba, której istota polega na najdrobniejszej gradacji brył, w której najbardziej zaawansowane postacie są wyrzeźbione w wysokim reliefie, te najbardziej odległe wystają nieco z tła. Jednocześnie przestrzeń jest skonstruowana perspektywicznie i pozwala na umieszczenie w niej wielu postaci. Są to płaskorzeźby przedstawiające cuda św. Antoniego z ołtarza kościoła Sant'Antonio w Padwie. Pierwszą spłaszczoną płaskorzeźbą Donatella była tablica „Św. Jerzy zabijający smoka”, powstała około 1420 roku. Większa część obrazu jest spłaszczona i spłaszczona, ograniczona głęboko naciętym konturem, często wykonanym techniką pochyłego rowka.

W 1432 roku w Rzymie Donatello zapoznał się ze sztuką starożytną i doszedł do własnej interpretacji ducha starożytności, w której pociągało go przekazywanie wzruszeń emocjonalnych i uczuć dramatycznych. Donatello wskrzesił stosowany w starożytnej rzeźbie chiazm – ustawienie sylwetki, w którym ciężar ciała przenoszony jest na jedną nogę, w związku z czym wznoszące się biodro odpowiada obniżonemu ramieniu i odwrotnie.
Na placu przed kościołem Sant'Antonio w Padwie w latach 1447-1453. Donatello wznosi pierwszy w sztuce współczesnej pomnik Gattamelaty z brązu.

S. Botticellego. Narodziny Wenus. Fragment

Początek XV wieku przyniósł ogromne zmiany w życiu i kulturze Włoch. Od XII wieku mieszczanie, kupcy i rzemieślnicy Włoch toczyli bohaterską walkę z feudalną zależnością. Rozwijając handel i produkcję, mieszczanie stopniowo się bogacili, obalali władzę panów feudalnych i organizowali wolne państwa-miasta. Te wolne włoskie miasta stały się bardzo potężne. Ich obywatele byli dumni ze swoich podbojów. Ogromne bogactwo niezależnych miast włoskich było przyczyną ich tętniącego życiem dobrobytu. Włoska burżuazja patrzyła na świat innymi oczami, mocno wierzyła w siebie, w swoją siłę. Obce było im głoszone do tej pory pragnienie cierpienia, pokory i wyrzeczenia się wszelkich ziemskich radości. Wzrósł szacunek do ziemskiego człowieka, cieszącego się radościami życia. Ludzie zaczęli aktywnie podchodzić do życia, chętnie poznawać świat i zachwycać się jego pięknem. W tym okresie narodziły się różne nauki i rozwinęła się sztuka.

We Włoszech zachowało się wiele zabytków sztuki starożytnego Rzymu, więc epoka starożytna ponownie zaczęła być czczona jako wzór, a sztuka starożytna stała się przedmiotem kultu. Naśladowanie starożytności spowodowało nazwanie tego okresu w sztuce - Renesans, co oznacza po francusku "Renesans". Nie było to oczywiście ślepe, dokładne powtórzenie sztuki starożytnej, była to już sztuka nowa, ale oparta na starożytnych przykładach. Włoski renesans dzieli się na 3 etapy: VIII – XIV wiek – Okres przedrenesansowy (protorenesans lub trecento)-czy to.); XV wiek - wczesny renesans (Quattrocento); koniec XV - początek XVI wieku - Wysoki renesans.

W całych Włoszech prowadzono wykopaliska archeologiczne w poszukiwaniu starożytnych zabytków. Nowo odkryte posągi, monety, naczynia i broń zostały starannie zakonserwowane i zgromadzone w specjalnie utworzonych w tym celu muzeach. Artyści czerpali wiedzę z tych przykładów starożytności i malowali je z życia.

Trecento (przedrenesansowy)

Z nazwą wiąże się prawdziwy początek renesansu Giotto di Bondone (1266? - 1337). Uważany jest za twórcę malarstwa renesansowego. Florencki Giotto ma wielkie zasługi dla historii sztuki. Był renowatorem, twórcą całego malarstwa europejskiego po średniowieczu. Giotto tchnął życie w sceny ewangeliczne, stworzył wizerunki prawdziwych ludzi, uduchowionych, ale ziemskich.

Giotto najpierw tworzy tomy za pomocą światłocienia. Uwielbia czyste, jasne kolory w chłodnych odcieniach: róż, perłową szarość, blady fiolet i jasny liliowy. Ludzie na freskach Giotta są krępi i ciężko chodzą. Mają duże rysy twarzy, szerokie kości policzkowe, wąskie oczy. Jego osoba jest miła, uważna i poważna.

Z dzieł Giotta najlepiej zachowane są freski w świątyniach Padwy. Przedstawił tu historie ewangeliczne jako istniejące, ziemskie, realne. W tych utworach opowiada o problemach, które nurtują człowieka przez cały czas: o dobroci i wzajemnym zrozumieniu, oszustwie i zdradzie, o głębi, smutku, łagodności, pokorze i wiecznej, wszystko trawiącej miłości matczynej.

Zamiast odrębnych, indywidualnych postaci, jak w malarstwie średniowiecznym, Giotto potrafił stworzyć spójną historię, całą narrację o złożonym życiu wewnętrznym bohaterów. Zamiast konwencjonalnego złotego tła mozaik bizantyjskich, Giotto wprowadza tło pejzażowe. A jeśli w malarstwie bizantyjskim postacie zdawały się unosić i wisieć w przestrzeni, to bohaterowie fresków Giotta znaleźli pod stopami solidny grunt. Dążenie Giotta do przekazania przestrzeni, plastyczności postaci i ekspresji ruchu uczyniło jego sztukę całym etapem renesansu.

Jeden ze słynnych mistrzów epoki przedrenesansowej –

Simone Martini (1284 - 1344).

Jego obrazy zachowały cechy gotyku północnego: postacie Martiniego są wydłużone i z reguły na złotym tle. Ale Martini tworzy obrazy za pomocą światłocienia, nadaje im naturalny ruch i stara się przekazać pewien stan psychiczny.

Quattrocento (wczesny renesans)

Starożytność odegrała ogromną rolę w kształtowaniu się kultury świeckiej wczesnego renesansu. We Florencji zostaje otwarta Akademia Platońska, Biblioteka Laurentyńska zawiera bogatą kolekcję starożytnych rękopisów. Pojawiają się pierwsi muzea sztuki, wypełnione posągami, fragmentami starożytnej architektury, marmurami, monetami i ceramiką. W okresie renesansu wyłoniły się główne ośrodki życia artystycznego we Włoszech - Florencja, Rzym, Wenecja.

Florencja była jednym z największych ośrodków, kolebką nowej, realistycznej sztuki. W XV wieku mieszkało, studiowało i pracowało tu wielu znanych mistrzów renesansu.

Architektura wczesnorenesansowa

Mieszkańcy Florencji mieli haj kultura artystyczna, aktywnie uczestniczyli w tworzeniu pomników miejskich i omawiali możliwości wznoszenia pięknych budynków. Architekci porzucili wszystko, co przypominało gotyk. Pod wpływem starożytności budynki zwieńczone kopułą zaczęto uważać za najdoskonalsze. Wzorem był tutaj rzymski Panteon.

Florencja to jedno z najpiękniejszych miast świata, miasto-muzeum. Zachował swoją architekturę ze starożytności w niemal nienaruszonym stanie, a najpiękniejsze budowle powstały głównie w okresie renesansu. Wznoszący się ponad dachami z czerwonej cegły starożytnych budynków Florencji ogromny budynek katedra miejska Santa Maria del Fiore, często nazywaną po prostu katedrą florencką. Jego wysokość sięga 107 metrów. Wieńczącą katedrę jest wspaniała kopuła, której smukłość podkreślają białe kamienne żebra. Kopuła jest imponujących rozmiarów (jej średnica wynosi 43 m), zwieńcza całą panoramę miasta. Katedra jest widoczna z niemal każdej ulicy Florencji, wyraźnie zarysowana na tle nieba. Ten wspaniały budynek został zbudowany przez architekta

Filippo Brunelleschi (1377 - 1446).

Najwspanialszą i najsłynniejszą kopułową budowlą renesansu była Bazylika Świętego Piotra w Rzymie. Budowa trwała ponad 100 lat. Twórcami pierwotnego projektu byli architekci Bramante i Michał Anioł.

Budynki renesansowe zdobią kolumny, pilastry, głowy lwów i „putty”(nagie dzieci), gipsowe wianki z kwiatów i owoców, liście i wiele detali, których przykłady odnaleziono w ruinach starożytnych rzymskich budowli. Wrócił do mody łuk półkolisty. Bogaci ludzie zaczęli budować piękniejsze i wygodniejsze domy. Zamiast domów ściśle przylegających do siebie, pojawiły się luksusowe pałace - pałace.

Rzeźba wczesnorenesansowa

W XV wieku we Florencji pracowało dwóch znanych rzeźbiarzy - Donatello i Verrocchio.Donatello (1386? - 1466)- jeden z pierwszych rzeźbiarzy we Włoszech, który skorzystał z doświadczeń sztuki starożytnej. Stworzył jedno z najpiękniejszych dzieł wczesnego renesansu – posąg Dawida.

Według legenda biblijna, prosty pasterz, młody człowiek Dawid pokonał olbrzyma Goliata i w ten sposób ocalił mieszkańców Judei przed zniewoleniem, a później został królem. Dawid był jednym z ulubionych obrazów renesansu. Rzeźbiarz przedstawia go nie jako pokornego świętego z Biblii, ale jako młody bohater, zwycięzca, obrońca rodzinnego miasta. Donatello w swojej rzeźbie gloryfikuje człowieka jako ideał pięknej bohaterskiej osobowości, który powstał w okresie renesansu. Dawid zostaje ukoronowany wieńcem laurowym zwycięzcy. Donatello nie bał się wprowadzić takiego szczegółu jak kapelusz pasterski – znak jego prostego pochodzenia. W średniowieczu Kościół zabraniał przedstawiania nagiego ciała, uznając je za naczynie zła. Donatello był pierwszym mistrzem, który odważnie złamał ten zakaz. Twierdzi przez to, że ludzkie ciało Wspaniały. Posąg Dawida jest pierwszą okrągłą rzeźbą tamtej epoki.

Znana jest także inna piękna rzeźba Donatello – posąg wojownika , generał Gattamelaty. Był to pierwszy pomnik jeździecki renesansu. Pomnik ten, stworzony 500 lat temu, nadal stoi na wysokim cokole, zdobiąc plac w Padwie. Po raz pierwszy w rzeźbie uwieczniono nie boga, nie świętego, nie szlachetnego i bogatego człowieka, ale szlachetnego, odważnego i groźnego wojownika o wielkiej duszy, który wielkimi czynami zapracował sobie na sławę. Ubrany w antyczną zbroję Gattemelata (tak brzmi jego przydomek, oznaczający „cętkowanego kota”) siedzi na potężnym koniu w spokojnej, majestatycznej pozie. Rysy twarzy wojownika podkreślają zdecydowany, silny charakter.

Andrea Verrocchio (1436 -1488)

Najsłynniejszy uczeń Donatello, twórca słynnego pomnika konnego kondotiera Colleoni, który został wzniesiony w Wenecji na placu w pobliżu kościoła San Giovanni. Najważniejszą rzeczą, która uderza w pomniku, jest wspólny energiczny ruch konia i jeźdźca. Wydaje się, że koń pędzi poza marmurowy cokół, na którym ustawiony jest pomnik. Colleoni, stojąc w strzemionach, wyciągnięty, z wysoko podniesioną głową, spogląda w dal. Na jego twarzy zamarł grymas złości i napięcia. W jego postawie widać wielką wolę, twarz przypomina drapieżnego ptaka. Obraz jest przepełniony niezniszczalną siłą, energią i surowym autorytetem.

Malarstwo wczesnego renesansu

Renesans odnowił także sztukę malarską. Malarze nauczyli się dokładnie oddawać przestrzeń, światło i cień, naturalne pozy i różne ludzkie uczucia. Czasem akumulacji tej wiedzy i umiejętności był wczesny renesans. Obrazy z tamtych czasów są nasycone jasnym i optymistycznym nastrojem. Tło jest często malowane w jasnych kolorach, a budynki i motywy naturalne są obrysowane ostrymi liniami, dominują czyste kolory. Wszystkie szczegóły wydarzenia są ukazane z naiwną starannością, postacie są najczęściej ułożone w szereg i oddzielone od tła wyraźnymi konturami.

Malarstwo wczesnego renesansu dążyło jedynie do perfekcji, jednak dzięki swojej szczerości porusza duszę widza.

Tommaso di Giovanni di Simone Cassai Guidi, znany jako Masaccio (1401 - 1428)

Uważany jest za kontynuatora Giotta i pierwszego mistrza malarstwa wczesnego renesansu. Masaccio żył tylko 28 lat, ale przez całe życie krótkie życie pozostawił w sztuce ślad trudny do przecenienia. Udało mu się dokończyć rewolucyjne przemiany zapoczątkowane przez Giotta w malarstwie. Jego obrazy wyróżniają się ciemną i głęboką kolorystyką. Ludzie na freskach Masaccio są znacznie gęstsi i potężniejsi niż na obrazach epoki gotyku.

Masaccio jako pierwszy poprawnie rozmieścił przedmioty w przestrzeni, uwzględniając perspektywę; Zaczął przedstawiać ludzi zgodnie z prawami anatomii.

Umiał połączyć postacie i pejzaż w jedną akcję, dramatycznie, a jednocześnie całkiem naturalnie przekazując życie przyrody i ludzi - i to jest wielką zasługą malarza.

Jest to jedno z nielicznych dzieł sztalugowych Masaccio, zamówionych u niego w 1426 roku do kaplicy w kościele Santa Maria del Carmine w Pizie.

Madonna zasiada na tronie zbudowanym ściśle według praw perspektywy Giotta. Jej postać jest pomalowana pewnymi i wyraźnymi pociągnięciami, co stwarza wrażenie rzeźbiarskiej objętości. Jej twarz jest spokojna i smutna, jej oderwany wzrok jest skierowany donikąd. Otulona ciemnoniebieskim płaszczem Dziewica Maryja trzyma w ramionach Dzieciątko, którego złota postać wyraźnie wyróżnia się na ciemne tło. Głębokie fałdy płaszcza pozwalają artyście bawić się światłocieniem, co jednocześnie tworzy szczególny efekt wizualny. Dziecko zjada czarne winogrona – symbol komunii. Doskonale narysowane anioły (artysta doskonale znał anatomię człowieka) otaczające Madonnę nadają obrazowi dodatkowego wydźwięku emocjonalnego.

Jedyna tablica namalowana przez Masaccio do dwustronnego tryptyku. Po przedwczesnej śmierci malarza resztę dzieła, zamówionego przez papieża Marcina V dla kościoła Santa Maria w Rzymie, ukończył artysta Masolino. Przedstawiono tu dwie surowe, monumentalnie wykonane postacie świętych, całych ubranych na czerwono. Hieronim trzyma otwartą księgę i model bazyliki, a u jego stóp leży lew. Na jego obrazie przedstawiony jest Jan Chrzciciel w zwykłej formie: Jest bosy i trzyma w dłoni krzyż. Obie postacie zadziwiają anatomiczną precyzją i niemal rzeźbiarskim wyczuciem objętości.

Zainteresowanie człowiekiem i podziw dla jego piękna były w okresie renesansu tak duże, że doprowadziło to do powstania nowego gatunku w malarstwie – gatunku portretu.

Pinturicchio (wersja Pinturicchio) (1454 - 1513) (Bernardino di Betto di Biagio)

Pochodzi z Perugii we Włoszech. Przez pewien czas malował miniatury i pomagał Pietro Perugino w dekorowaniu freskami Kaplicy Sykstyńskiej w Rzymie. Zdobył doświadczenie w najbardziej złożonej formie dekoracyjnego i monumentalnego malarstwa ściennego. W ciągu kilku lat Pinturicchio stał się niezależnym muralistą. Pracował przy freskach w apartamentach Borgiów w Watykanie. Wykonał malowidła ścienne w bibliotece katedry w Sienie.

Artysta nie tylko oddaje podobieństwo portretowe, ale stara się ukazać wewnętrzny stan człowieka. Przed nami nastolatek, ubrany w formalny różowy miejski strój, z małą niebieską czapeczką na głowie. Brązowe włosy sięgają ramion, otaczając delikatną twarz, uważne spojrzenie brązowych oczu jest zamyślone, trochę niespokojne. Za chłopcem rozciąga się krajobraz Umbrii z cienkimi drzewami, srebrzystą rzeką i różowawym niebem na horyzoncie. Wiosenna czułość natury, będąca echem charakteru bohatera, współgra z poezją i urokiem bohatera.

Wizerunek chłopca podany jest na pierwszym planie, duży i zajmuje niemal całą płaszczyznę obrazu, a pejzaż jest namalowany w tle i bardzo mały. Stwarza to wrażenie ważności człowieka, jego dominacji nad otaczającą przyrodą i potwierdza, że ​​człowiek jest najpiękniejszym stworzeniem na ziemi.

Oto uroczysty wyjazd kardynała Capraniki na Sobór w Bazylei, który trwał prawie 18 lat, od 1431 do 1449, najpierw w Bazylei, a następnie w Lozannie. W orszaku kardynała znajdował się także młody Piccolomini. Grupa jeźdźców w towarzystwie paziów i służby ujęta jest w elegancką ramę o półkolistym łuku. Wydarzenie nie tyle realne i wiarygodne, ile rycersko wyrafinowane, wręcz fantastyczne. Na pierwszym planie przystojny jeździec na białym koniu, w luksusowej sukni i kapeluszu, odwraca głowę i patrzy na widza – to Eneasz Silvio. Artystka z przyjemnością maluje bogate stroje i piękne konie w aksamitnych kocach. Wydłużone proporcje postaci, lekko manierowane ruchy, lekkie przechylenie głowy są bliskie dworskiemu ideałowi. Życie papieża Piusa II było pełne jasnych wydarzeń, a Pinturicchio opowiadał o spotkaniach papieża z królem Szkocji, z cesarzem Fryderykiem III.

Filippo Lippi (1406 - 1469)

Powstały legendy o życiu Lippiego. Sam był mnichem, ale opuścił klasztor, został wędrownym artystą, porwał zakonnicę z klasztoru i zmarł otruty przez krewnych młodej kobiety, w której zakochał się na starość.

Malował pełne życia obrazy Madonny z Dzieciątkiem ludzkie uczucie i doświadczenia. Na swoich obrazach ukazywał wiele szczegółów: przedmioty codziennego użytku, otoczenie, dlatego jego tematyka religijna była zbliżona do malarstwa świeckiego.

Domenico Ghirlandaio (1449 - 1494)

Malował nie tylko tematy religijne, ale także sceny z życia florenckiej szlachty, jej bogactwa i luksusu oraz portrety ludzi szlacheckich.

Przed nami żona bogatego Florentczyka, przyjaciela artysty. W tej niezbyt pięknej, luksusowo ubranej młodej kobiecie artysta wyraził spokój, chwilę bezruchu i ciszy. Wyraz twarzy kobiety jest zimny, obojętny na wszystko, wydaje się, że przewiduje rychłą śmierć: wkrótce po namalowaniu portretu umrze. Kobieta ukazana jest z profilu, co jest typowe dla wielu portretów z tamtych czasów.

Piero della Francesca (1415/1416 - 1492)

Jedno z najważniejszych nazwisk malarstwa włoskiego XV wieku. Dokonał licznych przemian w sposobach konstruowania perspektywy przestrzeni obrazowej.

Obraz namalowany został na desce topolowej temperą jajeczną – najwyraźniej do tego czasu artysta nie opanował jeszcze tajników malarstwo olejne, w technice, w której powstaną jego późniejsze dzieła.

Artysta uchwycił pojawienie się tajemnicy Trójcy Świętej w chwili Chrztu Chrystusa. Biały gołąb, rozpościerający skrzydła nad głową Chrystusa, symbolizuje zstąpienie Ducha Świętego na Zbawiciela. Postacie Chrystusa, Jana Chrzciciela i stojących obok nich aniołów pomalowane są powściągliwą kolorystyką.
Jego freski są uroczyste, wzniosłe i majestatyczne. Francesca wierzyła w wzniosłe przeznaczenie człowieka i w jego dziełach ludzie zawsze dokonują cudów. Stosował subtelne, delikatne przejścia barw. Francesca jako pierwsza malowała w plenerze (w plenerze).