„Madonna Magnificat” to najsłynniejszy obraz Botticellego o tematyce religijnej, pisany dla prywatnych kaplic. Swoją nazwę otrzymała od pierwszego słowa modlitwy Matki Bożej, której tekst jest wyraźnie widoczny na rozkładówce otwartej księgi.

Dzieciątko Chrystus w jednej ręce trzyma granat, a drugą prowadzi rękę Madonny, która w otwartej księdze zapisuje początek pieśni dziękczynnej (Ewangelia Łk 1,4):

„I rzekła Maryja: Wielbi dusza moja Pana”.

Dwóch chłopców w towarzystwie trzeciego, starszego, trzyma książkę i kałamarz. Dwaj aniołowie wznoszą koronę nad głową Madonny, przedstawiając ją jako Królową Nieba. Wdzięczny złota korona zebrane z gwiazd, które symbolizują jutrzenka, jak czasami nazywa się Dziewicę Maryję.

„Madonna Magnificat” – typowe florenckie tondo ( „tondo”- obraz lub płaskorzeźba o okrągłym kształcie, włoski) podkreśla wyrafinowany charakter malarstwa Sandro Botticellego. Okrągły kształt daje artyście możliwość przeprowadzania eksperymentów optycznych. „Madonna Magnificat” z 1485 r., dzięki specjalnemu załamaniu zakrzywionych linii i ogólnemu rytmowi kołowemu, sprawia wrażenie obrazu namalowanego na wypukłej powierzchni.

Początki Tondo sięgają czasów świetności warsztatu Botticellego, kiedy to powstawały liczne kopie jego obrazów, wykonywanych przez uczniów Botticellego na podstawie jego rysunków i kartonów. Przede wszystkim były to wizerunki Madonny, na które było ogromne zapotrzebowanie.

Ta kompozycja umiejętnie wpisana w okrąg jest jedną z najwybitniejszych kreacji mistrza. Wyrafinowane linie dłoni otaczających postać Dzieciątka Chrystus zdają się być kontynuacją gestu jednego z pięknych aniołów i za pośrednictwem rąk innych postaci zamykają się na koronie Maryi. Taki pierścień dłoni przypomina rodzaj wiru, w środku którego widoczny jest odległy spokojny krajobraz. Podobnie jak na obrazie „Madonna z granatem” Chrystus trzyma w dłoni granat – symbol cierpienia i nieśmiertelności, jaki przyniesie ludzkości. Całość obrazu przesiąknięta jest atmosferą zamyślonej melancholii.

Twarz „Magnificat Madonny” naznaczona jest wszystkimi przymiotami, które składały się na ideał piękna kultywowany przez Botticellego. Należą do nich cienka, jasna skóra i jędrna, ale pełna wdzięku budowa twarzy. Wyraz czystości i niewinności dopełnia nuta delikatności widoczna w zaokrąglonych ustach. Gęste splecione włosy sprawiają ziemskie wrażenie, przypominające wyglądem wieśniaczkę, ale modne przybory toaletowe – szalik i przezroczysty welon – zdają się ulegać przemianie prawdziwa kobieta, wzięty przez Botticellego za wzór w doskonały obraz Madonny.

Obraz ten był najdroższym dziełem Botticellego; do jego stworzenia użyto największej ilości złotej farby. Zwykle złote, jak najbardziej droga farba, nie zostały wykorzystane w takich ilościach; Przy zamówieniu obrazu warunki te zostały szczegółowo omówione.

„Madonna Magnificat” (w języku włoskim: Madonna del Magnificat), znana również jako „Madonna z Dzieciątkiem i pięcioma aniołami” to tondo autorstwa Sandro Botticellego, przedstawiające Koronację Matki Bożej przez dwa anioły w przebraniu pięknych młodzieńców. Trzej inni aniołowie trzymają przed sobą otwartą księgę, w której Maryja zapisuje doksologię zaczynającą się od słów: Magnificat anima mea Dominum („Wielbi dusza moja Pana”).

Na kolanach Maryi siedzi Dzieciątko Jezus, a w lewej dłoni trzyma granat, symbol miłosierdzia Bożego – jak w innym słynnym tondo Botticellego, Madonna od Granatu.

„Madonna Magnificat” – „Majestat Madonny” – typowe florenckie tondo (włoskie tondo, obraz lub płaskorzeźba, o okrągłym kształcie) podkreśla wyrafinowany charakter malarstwa Sandro Botticellego. Początki Tondo sięgają czasów świetności warsztatu Botticellego, kiedy to powstawały liczne repliki jego obrazów, wykonane przez uczniów Botticellego na podstawie jego rysunków i kartonów. Przede wszystkim były to wizerunki Madonny, na które było ogromne zapotrzebowanie. Wśród nich jest to arcydzieło.

Pierwsza wiarygodna wzmianka o obrazie pochodzi z 1785 roku, kiedy to Galeria Uffizi kupiła go od niejakiego Ottavio Magheriniego. Niektórzy utożsamiają Magnificat Madonnę z tondo z kościoła San Francesco al Monte, o którym wspomniał Vasari, lecz ten punkt widzenia również spotyka się z zastrzeżeniami. Jednak historycy sztuki niemal jednomyślnie zgadzają się, że obraz naprawdę należy do pędzla Botticellego.

Ta kompozycja umiejętnie wpisana w okrąg jest jedną z najwybitniejszych kreacji mistrza. Wyrafinowane linie dłoni otaczających postać Dzieciątka Chrystus zdają się być kontynuacją gestu jednego z pięknych aniołów i za pośrednictwem rąk innych postaci zamykają się na koronie Maryi. Taki pierścień dłoni przypomina rodzaj wiru, w środku którego widoczny jest odległy spokojny krajobraz. Podobnie jak w Madonnie Granatu, Chrystus trzyma w dłoni owoc – symbol Madonny Magnificat.

Gęste splecione włosy sprawiają wrażenie ziemskiego, przypominającego wyglądem wieśniaczkę, jednak modne elementy ubioru – szalik i przezroczysta narzuta – zdają się przekształcać prawdziwą kobietę, wziętą za modelkę Botticellego, w idealny wizerunek Madonny.

Niektórzy utożsamiają Magnificat Madonnę z tondo z kościoła San Francesco al Monte, o którym wspomniał Vasari, lecz ten punkt widzenia również spotyka się z zastrzeżeniami. Jednak historycy sztuki niemal jednomyślnie zgadzają się, że obraz naprawdę należy do pędzla Botticellego.

Obraz „Madonna del Magnificat”, zwany także „Madonną w chwale”, przedstawia Dziewicę z Dzieciątkiem w otoczeniu koronujących ją aniołów. To jedno z pierwszych tond quattrocentystycznych, w którym okrągły format obrazu znalazł aktywne wsparcie w samym rytmie przedstawionych na nim postaci, w pięknych powtórzeniach wyrazistych linii.

Przesyłanie dobrych prac do bazy wiedzy jest łatwe. Skorzystaj z poniższego formularza

Studenci, doktoranci, młodzi naukowcy, którzy wykorzystują bazę wiedzy w swoich studiach i pracy, będą Państwu bardzo wdzięczni.

Opublikowano na http://www.allbest.ru/

1. Informacje o Botticellim
2. Opis obrazu
3. Popularność obrazu i historia jednego z uczniów Botticellego
Wniosek
Słowniczek

1. Informacje o Botticellim

Sandro Botticelli, (włoski: Sandro Botticelli, prawdziwe nazwisko - Alessandro di Mariano Filipepi Alessandro di Mariano Filipepi; 1445 - 17 maja 1510) - włoski malarz szkoły toskańskiej. Przedstawiciel wczesnego renesansu. Przydomek „Botticelli” (beczka) przyszedł mu od jego starszego brata Giovanniego, który był grubym mężczyzną. Botticelli nie od razu zajął się malarstwem: początkowo przez dwa lata był uczniem złotnika Antonio. W 1462 roku rozpoczął naukę malarstwa u fra Filippo Lippiego, w którego warsztacie spędził pięć lat. W związku z wyjazdem Lippiego do Spoleto przeniósł się on do warsztatu Andrei Verrocchio.

Pierwsze niezależne dzieła Botticellego - kilka wizerunków Madonn - w sposobie wykonania wykazują bliskość dzieł Lippiego i Masaccio; najsłynniejsze to: „Madonna z Dzieciątkiem, Dwaj Aniołowie i Młody Jan Chrzciciel” (1465-1470), „ Madonna z Dzieciątkiem i Dwaj Aniołowie” (1468-1470), „Madonna w Ogrodzie Różanym” (ok. 1470 r.), „Madonna Eucharystyczna” (ok. 1470 r.). Od 1470 roku miał własny warsztat przy kościele Wszystkich Świętych. Obraz „Alegoria siły” (Męstwo), namalowany w 1470 r., upamiętnia odkrycie Botticellego własny styl. W latach 1470-1472 napisał dyptyk opowiadający historię Judyty: „Powrót Judyty” i „Znalezienie ciała Holofernesa”. Pierwsza wzmianka o nazwisku Botticelli w 1472 r. pojawia się w Czerwonej Księdze Towarzystwa św. Łukasza. Stwierdza również, że jego uczniem jest Filippino Lippi. Podczas święta ku czci świętego 20 stycznia 1474 roku obraz „Święty Sebastian” został z wielką powagą umieszczony na jednym z filarów florenckiego kościoła Santa Maria Maggiore, co wyjaśnia jego wydłużony format. „Pokłon Trzech Króli” (około 1475)

Około 1475 roku malarz namalował słynny obraz „Pokłon Trzech Króli” dla zamożnego mieszczanina Gaspare del Lama, na którym oprócz przedstawicieli rodziny Medyceuszy przedstawił także siebie. Vasari napisał: „To naprawdę dzieło jest największym cudem i zostało doprowadzone do takiej perfekcji pod względem koloru, projektu i kompozycji, że do dziś zachwyca każdego artystę”. W tym czasie Botticelli zasłynął jako malarz portretowy. Do najważniejszych należą „Portret nieznanego mężczyzny z medalem Cosimo Medici” (1474-1475), portrety Giuliano Medici i dam florenckich. Zdaniem wielu badaczy, w 1476 roku Simonetta Vespucci umiera sekretna miłość oraz model dla wielu obrazów Botticellego, który nigdy się nie ożenił.

Szybko rozprzestrzeniająca się sława Botticellego przekroczyła granice Florencji. Od końca lat 70. XIV w. artysta otrzymywał liczne zamówienia. „A potem zdobył dla siebie... we Florencji i poza jej granicami taką sławę, że papież Sykstus IV, który w swoim rzymskim pałacu zbudował kaplicę i chciał ją pomalować, kazał mu postawić kierownictwo nad pracami”. W 1481 roku papież Sykstus IV wezwał Botticellego do Rzymu. Wraz z Ghirlandaio, Rossellim i Perugino Botticelli ozdobił freskami ściany Kaplicy Papieskiej w Watykanie, znanej jako Kaplica Sykstyńska.

Na początku lat osiemdziesiątych XIV wieku Botticelli stworzył „ Madonna del Magnificat„(1481-1485), obraz, który słynął już za życia artysty, o czym świadczą liczne kopie. Jest to jedno z tondo Botticellego. Podobne obrazy w kształcie koła były bardzo popularne we Florencji w XV wieku.

3. Opis obrazu

Obraz Sandro Botticellego „Madonna del Magnificat” (Magnificat, nazwa hymnu kościelnego, powiększenie) czy Matka Boska z Dzieciątkiem Chrystus i pięcioma aniołami. Tondo, format obrazu, średnica 118 cm, drewno, tempera. Obraz „Madonna del Magnificat” znany jest również jako „Madonna w chwale”, na którym Matka Boska z Dzieciątkiem ukazana jest w otoczeniu koronujących ją aniołów.

Madonna del Magnificat 1482-83. Galeria Uffizi we Florencji

Matka patrzy na dziecko z czułością. Spojrzenie Matki Bożej wyróżnia się spokojem i duchowym dystansem. Wiele obrazów na obrazach Botticellego jest przedstawianych jako spokojne, prawie nie wyrażające żadnych uczuć, niemniej jednak pokazują wewnętrzną, duchową głębię, głębię wglądu, mądrość, spokój i kontakt z innym światem. Obraz przedstawia siedem postaci – Marię z Dzieciątkiem i pięciu aniołów, wszystkie bardzo blisko siebie, ale obraz wcale nie sprawia wrażenia ciasnego, a wręcz przeciwnie, przestronny i harmonijny. Anioł w czerwonej szacie delikatnie przytula ramiona dwojga ludzi siedzących z książką. W tle widać rzekę prowadzącą w dal w kierunku żółto-zielonych, nasłonecznionych drzew i błękitnego nieba. Dzięki temu obraz staje się trójwymiarowy. Anioł w kolorze żółtym przypomina Wenus z Narodzin Wenus, kolejnego arcydzieła Botticellego.

„Magnificat” to nazwa katolickiej pieśni ku czci Najświętszej Maryi Panny, nadana tej doksologii zgodnie z pierwszym wersem: „Magnificat anima thea Dominum” – „Wielbi dusza moja Pana”, dlatego obraz ma drugie imię, co tłumaczy się jako „Powiększenie Madonny”. U Botticellego (1445-1510) Matka Boża trzyma w dłoni pióro, przygotowując się do zanurzenia go w tuszu, a następnie zapisania w księdze słów Ewangelii Łukasza, na której zapisano śpiew.

3. Popularność obrazu i historia jednego z uczniów Botticellego

Boticelli malarz Madonna Chrześcijaństwo

Kiedy obraz był już gotowy, wielu chciało kupić to arcydzieło, ale autor namalował go dla kościoła San Francesco i nie mógł zadowolić wszystkich. Jednak popyt tworzy podaż, a uczniowie Botticellego zaczęli malować i sprzedawać kopie obrazu (po niższej cenie). Nawet jeden z najbardziej nieutalentowanych, niejaki Biagio, miał szczęście: sam maestro targował się za swój „magnificat” aż za sześć florenów. Kiedy jednak w wyznaczonym dniu praktykant przyprowadził klienta, był zdumiony: na egzemplarzu otaczają anioły Święta Dziewica, ubrani byli w czerwone kaptury, podobne tematy, które nosili członkowie panelu sędziowskiego florenckiej Signorii. Zdziwienie Biagio nie miało granic; wiedział na pewno, że nie malował żadnych kapturów i że przed udaniem się do kupującego jeszcze raz dokładnie obejrzał swoje dzieło – żadnych kapturów. A teraz klient, mentor i koledzy z warsztatu wszyscy jednomyślnie chwalili jego egzemplarz, jakby nie zauważając tego szczegółu, który pojawił się znikąd. Zdezorientowany Biagio w milczeniu wysłuchał komplementów, wyprowadził klienta na zewnątrz, nie rozumiejąc, o co chodzi, a kiedy wrócił, obraz wisiał w tym samym miejscu, a na głowach aniołów znów nie było kapturów. Rzucał się z pytaniami, ale otaczający go ludzie tylko wzruszali ramionami ze zdziwienia i mówili, że Biagio prawdopodobnie postradał zmysły z radości z tak dobrego interesu. Były tak przekonujące, że facet prawie w to nie uwierzył. I dopiero śmiech, który roztoczył się po warsztacie, rozwiał jego wątpliwości: padł ofiarą kolejnego żartu mistrza. Nauczyciel sklejał kartonowe kapturki białym woskiem, gdy jego uczeń poszedł po kupca, a gdy zniechęcony autor poszedł pożegnać się z przyszłym właścicielem swojego dzieła, uczniowie je oderwali.

Hojny Botticelli gardził pieniędzmi i ich atrakcyjnością, tak charakterystyczną dla kupieckiej Florencji. Za pomocą takich oszustw starał się zaszczepić takie samo podejście do nich i swoich uczniów.

Wniosek

Sandro Botticelli był wybitny artysta wczesnego renesansu. Malował obrazy o tematyce mitologicznej i religijnej. Obrazy Sandro Botticellego charakteryzuje duchowe piękno twarzy, połączenie chrześcijaństwa z pogaństwem, mistycyzm i niespokojna dociekliwość. Twórczość Botticellego, która wchłonęła najlepsze tradycje Sztuka włoska XV wieku odzwierciedlała głębokie sprzeczności w życiu duchowym Florencji końca stulecia. Sława Botticellego jako kreślarza była wielka. Vasari napisał, że „rysował tak wspaniale, że po jego śmierci artyści rzucili się na poszukiwanie pozostawionych przez niego rysunków”. Ja sam – kontynuował Vasari – „zachowałem kilka rysunków Botticellego, wykonanych z niezrównaną umiejętnością i łatwością”.

Słowniczek

" Magni M fikat " (wg pierwszego słowa pierwszego wersetu „Magnificat anima mea Dominum”) – doksologia Najświętszej Maryi Panny z Ewangelii Łukasza (Łk 1,46-55) w tłumaczeniu łacińskim

Te M per (włoska tempera, od łac. temperare - farby mieszane) - farby przygotowywane na bazie suchych proszkowych pigmentów naturalnych i (lub) ich syntetycznych analogów.

Florin (włoskie fiorino) to nazwa złotych monet, które zaczęto bić we Florencji (łac. Florentia) w 1252 roku (stąd nazwa monety), a później zaczęto je emitować w innych krajach.

Kolor obrazy (z włoskiego colorito, z łac. kolor – farba, kolor) – ogólna ocena estetyczna walorów kolorystycznych dzieła sztuki, charakteru elementów kolorystycznych obrazu, ich relacji, spójności kolorów i odcieni.

Tondo - okrągły obraz lub płaskorzeźba (skrót od włoskiego: rotondo - okrągły).

Dysonans - (nowa dysonansa łacińska, od części dis i sonare do dźwięku). Nieharmonijna, nieprzyjemna dla ucha kombinacja dźwięków.

Kaplica (od łacińskiego capella zdrobnienia od Sarah) – typ budowli katolickiej. Zwykle tłumaczone jest na język rosyjski słowem „kaplica”.

Złożony M cja (łac. compositio - kompozycja, wiązanie, dodatek, połączenie)

Strefa peryferyjna charakteryzuje się obecnością głównie zabudowy mieszkaniowej, której odbudowa wiąże się z zachowaniem i ulepszaniem inżynieryjnym budynków kapitałowych.

Opublikowano na Allbest.ru

Podobne dokumenty

Botticelli Sandro jako włoski malarz wczesnego renesansu, przedstawiciel szkoły florenckiej. Analiza dzieła „Madonna z Dzieciątkiem i aniołem”. „Wiosna”, semantyka obrazu. „Narodziny Wenus”, fabuła. Kompozycja dzieła „Święta rozmowa”.

prezentacja, dodano 28.05.2013

Początek ścieżki twórczej artysty epoki Włoski renesans Sandro Botticellego. Studia w pracowni Fra Filippo Lippiego, wpływ twórczości Andrei Verrocchio i pierwszych dzieł. Tematy obrazów artysty: „Wiosna”, „Narodziny Wenus”, „Madonna z granatem”.

streszczenie, dodano 05.06.2009

Informacje biograficzne o życiu i twórczości Sandro Botticellego, włoskiego malarza wczesnego renesansu, przedstawiciela szkoły florenckiej. Jest najbardziej słynne obrazy„Wiosna”, „Uzdrowienie trędowatego i kuszenie Chrystusa”, „Narodziny Wenus”.

prezentacja, dodano 11.07.2014

Analiza ścieżka życia I działalność twórcza Sandro Botticelli – sławny Włoski artysta. Kompozycja i cechy obrazu „Śpiąca Wenus”, z którym jest jednocześnie kojarzony Temat chrześcijański Chrzest i z fabułą „Koronacji Dziewicy”.

streszczenie, dodano 05.04.2011

Neoplatonizm florencki. Twórczość Sandro Botticellego. Wczesny okres kreatywność. Obrazy mitologiczne. Obrazy religijne. Później działa. Poziom rozwój kulturalnyśredniowieczne społeczeństwo. Kultura włoskiego renesansu.

streszczenie, dodano 30.03.2007

Krótki informacje biograficzne o życiu artysty Rafaela. Wczesna praca Rafaela, zwanego „Madonną Conestabile”. Florencki okres twórczości, cykl „Madonna z Dzieciątkiem”. Malarstwo okresu rzymskiego, ich cechy i kontakt z widzem.

streszczenie, dodano 17.05.2006

Malarstwo Sandro Botticellego, subtelność i wyrazistość jej stylu. Energetyczne cienie w kolorze ochry dla cielistego odcienia cecha charakterystyczna styl artysty. Zmysłowy początek w trzech obrazach przedstawiających Wenus, wychwalających czystość i czystość.

streszczenie, dodano 28.01.2011

Florencja – „kolebka” sztuki piękne„. Szkoła florencka. Malarstwo florenckie wczesnego renesansu. Domenico Ghirlandaio. Portret kobiety. Dzieła świeckie z lat osiemdziesiątych XIV wieku autorstwa Sandro Botticellego. Trening mistrzowski, wczesne prace, zostań w Rzymie.

streszczenie, dodano 11.08.2016

Alessandro di Mariano Filipepi, znany jako Sandro Botticelli. Historia jego pseudonimu. Pierwsza wzmianka o Botticellim znajduje się w księgach podatkowych jego ojca. Pracuj jako praktykant w warsztacie jubilerskim mojego brata. Dekoracja wybudowanej Kaplicy Sykstyńskiej.

prezentacja, dodano 23.04.2012

Główne cechy i etapy kultury renesansu. Dante Alighieri i Sandro Botticelli jako najwięksi przedstawiciele wczesnego renesansu. Dzieła Leonarda da Vinci. Cechy i osiągnięcia literatury, architektury, rzeźby i sztuki renesansu.

Z Florencji

W starożytnym mieście, obcym i dziwnie bliskim
Spokój snu ogarnął umysł.
Nie myśląc o tym, co tymczasowe i bazowe,
Wędrujesz przypadkowo wąskimi uliczkami...

W galerie sztuki- w ospałym ciele
Obudziły się wszystkie melodie cudów
I Madonny cudzego Botticellego,
Odprawiacie tak wiele cichych mszy z niedowierzaniem...

...

Sasza Czerny

Postanowiłem poświęcić piątą część mojej historii tej części twórczości Botticellego, która przeszła przez całe jego dzieło ścieżka twórcza- Ten Wizerunek Madonny .

Wielu z Was prawdopodobnie potrafi wymienić nie więcej niż pięć lub sześć Madonn Botticellego, ale było ich znacznie więcej. Według ostrożnych szacunków Naliczyłem ich ponad piętnaście a to tylko jedno z tych zdjęć, które udało mi się znaleźć. Daty powstania wielu z nich nie są dokładnie ustalone i często oscylują w granicach 10 lat. Jednocześnie temu samemu obrazowi przypisuje się różne daty powstania obrazu i różne lokalizacje obrazu. Możliwe, że są to kopie wykonane przez artystę w różnych latach i potem trafiły do różnych galerii, a może po prostu zdarzają się pomyłki autorów prezentujących te reprodukcje. Historia o tym milczy. Nie będąc ani historykiem, ani krytykiem sztuki, pozostawię im to pytanie.

Nie będę w tym miejscu rozwodzić się nad wszystkimi Madonnami Botticellego ze względu na ograniczoną objętość postu, ale jeśli to możliwe, postaram się skupić na najbardziej jasne obrazy. Jeśli czytelnicy mają pytania dotyczące reszty obrazów, zadawajcie pytania i być może w komentarzach lub w kolejnym poście postaram się na nie odpowiedzieć, oczywiście w granicach kompetencji i mojej ograniczonej wiedzy w tym zakresie.

W pierwszej części moich opowiadań (http://www.liveinternet.ru/community/1726655/post69921657/) na temat twórczości Sandro Botticellego przytoczyłem już 4 reprodukcje z duża seria wizerunki Madonn. To były obrazy” Madonna z Dzieciątkiem i Aniołem „1465, Galeria Domu Sierot, Uffizi;” Madonna na loggii „(Madonna della Loggia) 1467, Galeria Uffizi;” Madonna w Ogrodzie Różanym „(Około 1470 r., Isabella Stewart Gardner Museum, Boston, USA) (Zauważ, że w Internecie istnieje prawie identyczne „lustrzane” zdjęcie, ale z nazwą „Madonna del Roseto”, oznaczoną 1460, Galeria Uffizi, Florencja); oraz , Wreszcie, " Madonna z Dzieciątkiem i dwoma aniołami „(1 468-1469, Neapol, Muzeum Capodimonte). Nie będę się tutaj nad nimi rozwodzić.

Madonna z Dzieciątkiem i św. Janem Chrzcicielem, 1468, Luwr, Paryż

Madonna w chwale, ok. 1469-1470, Uffizi, Florencja

Opierając się na przykładzie Philippe'a Lippiego i Verrocchio, artysta podaje zaktualizowaną interpretację wizerunku Madonny. Wydłuża proporcje sylwetki i podkreśla szczupłość dłoni.

Maria ma na głowie przezroczysty welon – szczegół, który zapożyczył od Lippiego i który będzie często powtarzał. Jej szata powiewa swobodnie, w przeciwieństwie do stroju kobiety z miasta, charakterystycznego dla obrazów jego nauczyciela, niosących ze sobą życiowe skojarzenia.

Z głową opuszczoną niczym kwiat Matka Boża wygląda wzruszająco i delikatnie. wręcz zwiewna, choć draperie plastycznie dopasowują się do jej ciała.

Aniołki tworzące aureolę wokół głowy Madonny – ten symboliczny motyw uwielbienia – tylko podkreślają pokorę obrazu przedstawionego przez Botticellego.

Madonna z Dzieciątkiem i Aniołem (Madonna Eucharystyczna), 1471, Isabella Stewart Gardner Museum, Boston, USA

W zamkniętej przestrzeni z otwartym oknem, z którego roztaczał się widok na kręty krajobraz Toskanii – rzekę i wzgórza – Botticelli przedstawił grupę postaci pozostających w bardziej złożonej relacji kompozycyjnej niż pierwsze przykłady jego Madonn.

Liczby nie są już tak blisko siebie. Maria z lekko pochyloną głową w smutnym zamyśleniu dotyka kłoska. Kierunek jej wzroku jest niepewny. Poważne Dzieciątko, siedzące na kolanach Matki, podniosło rękę w geście błogosławieństwa.

Młody anioł o ostro zakończonej owalnej twarzy i dziecięcym wyrafinowaniu to niezwykły obraz wczesnego Botticellego. Na półmisku podaje małe Chrystusowe winogrona i kłosy, znak sakramentu Eucharystii, przyszłego cierpienia Pana, Jego Męki.

W filmie można wyczuć atmosferę głębokiego zamyślenia, dystansu i pewnego rodzaju wewnętrznego rozłamu bohaterów.

Anioł przedstawia Marii wazon z winogronami i kłosami zboża. Winogrona i kłosy - wino i chleb są symbolicznym obrazem sakramentu; zdaniem artysty powinny one stanowić centrum semantyczne i kompozycyjne obrazu, jednoczące wszystkie trzy postacie. Podobne zadanie postawił sobie Leonardo da Vince. W zbliżonym czasie „Benois Madonna”. Maryja wręcza w nim dziecku kwiat krzyżowy – symbol krzyża. Ale Leonardo potrzebuje tego kwiatu tylko po to, aby stworzyć wyraźnie namacalny psychologiczny związek między matką a dzieckiem; potrzebuje przedmiotu, na którym będzie mógł w równym stopniu skoncentrować uwagę obojga i nadać celowość ich gestom. U Botticellego wazon z winogronami również całkowicie pochłania uwagę bohaterów. Jednak nie łączy, a raczej dzieli je wewnętrznie; Patrząc na nią w zamyśleniu, zapominają o sobie.

Obraz ma atmosferę zadumy i wewnętrznej samotności. Jest to znacznie ułatwione dzięki naturze oświetlenia, równomiernego, rozproszonego i prawie bez cieni. Przejrzyste światło Botticellego nie sprzyja duchowej bliskości, intymnej komunikacji, natomiast Leonardo stwarza wrażenie półmroku: otula bohaterów, pozostawiając ich samych ze sobą.

Madonna z Ośmioma Śpiewającymi Aniołami (Madonna Berlińska), tondo, ok. 1477 r.

Niestety nie udało mi się znaleźć opisu tego zdjęcia, jeśli ktoś posiada to proszę o zamieszczenie go w komentarzach.

Madonna z książką, 1479-1485, Muzeum Poldi Pezzoli, Mediolan

Obrazy Botticellego są pełne symboliczne obrazy. Obraz „Madonna z książką” nazywany jest także „Madonną uczącą Dzieciątko Jezus czytać”. Szanowano umiejętność czytania w czasach powszechnego analfabetyzmu. Książki były bardzo rzadkie, głównie naukowe lub teologiczne.

Ustalono, że księga leżąca przed Marią to Księga Godzin Maryi, symbolizuje ona autorytet nauczania Kościoła.

Wiśnie leżące obok księgi mają symbolizować obiecany raj, do którego drzwi otworzyły się dla wierzących w Chrystusa.

Gwoździe i korona cierniowa w rękach Dzieciątka symbolizują nadchodzące cierpienia Zbawiciela.

Madonna Magnificat, ok. 1481-1486, scena: Madonna z Dzieciątkiem Chrystus i pięcioma aniołami,

tondo, Galeria Uffizi, Florencja

Wizerunki Madonn namalowane przez Botticellego w połowie lat osiemdziesiątych XIV wieku mają bardziej złożony charakter w porównaniu z jego wcześniejszymi wizerunkami Matki Boskiej. Dotyczy to zarówno drobno rozwiniętych typów kompozycji, jak i wewnętrznej treści obrazu. Na twarzy Madonny zawsze widać cień smutku, niepokoju i niepewności, a postać Dzieciątka ukazana jest z reguły za pomocą symboli Męki Pańskiej, przypominających ofiarną drogę Chrystusa.

Okrągły kształt daje artyście możliwość przeprowadzania eksperymentów optycznych. „Madonna Magnificat” z 1485 r., dzięki specjalnemu zakrzywieniu linii i ogólnemu rytmowi kołowemu, sprawia wrażenie obrazu namalowanego na wypukłej powierzchni;

„Madonna Magnificat” – „Wielkość Madonny” – typowe florenckie tondo („tondo” – obraz lub płaskorzeźba o okrągłym kształcie, włoski) podkreśla wyrafinowany charakter malarstwa Sandro Botticellego. Początki Tondo sięgają czasów świetności warsztatu Botticellego, kiedy to wykonywano w nim liczne kopie jego obrazów, wykonanych przez uczniów Botticellego na podstawie jego rysunków i kartonów. Przede wszystkim były to wizerunki Madonny, na które było ogromne zapotrzebowanie. Wśród nich jest to arcydzieło.

„Madonna Magnificat” to najsłynniejszy z obrazów artysty o tematyce religijnej, pisany dla prywatnych kaplic; nazwano go od pierwszego słowa modlitwy Matki Bożej,którego tekst jest wyraźnie widoczny na rozkładówce otwartej księgi . Dzieciątko Chrystus w jednej ręce trzyma granat, a drugą prowadzi rękę Madonny, która w otwartej księdze zapisuje początek pieśni dziękczynnej (Hebrajczyków z Łk I, 46). Dwóch chłopców w towarzystwie trzeciego, starszego, trzyma księgę i kałamarz, natomiast dwaj aniołowie unoszą koronę nad głową Madonny.

Ta kompozycja umiejętnie wpisana w okrąg jest jedną z najwybitniejszych kreacji mistrza. Wyrafinowane linie dłoni otaczających postać Dzieciątka Chrystus zdają się być kontynuacją gestu jednego z pięknych aniołów i za pośrednictwem rąk innych postaci zamykają się na koronie Maryi. Taki pierścień dłoni przypomina rodzaj wiru, w środku którego widoczny jest odległy spokojny krajobraz. Podobnie jak w Madonnie Granatu, Chrystus trzyma w dłoni owoc – symbol nieśmiertelności, którą przyniesie ludzkości.

Twarz „Madonny Magnificat” naznaczona jest wszystkimi przymiotami, które składały się na ideał piękna kultywowany przez Botticellego. Należą do nich cienka, jasna skóra i jędrna, ale pełna wdzięku budowa twarzy. Wyraz czystości i niewinności dopełnia nuta delikatności widoczna w zaokrąglonych ustach. Gęste splecione włosy sprawiają wrażenie ziemskiego, przypominającego wyglądem wieśniaczkę, jednak modne elementy ubioru – szalik i przezroczysta narzuta – zdają się przekształcać prawdziwą kobietę, wziętą za modelkę Botticellego, w idealny wizerunek Madonny.

Maryja z Dzieciątkiem Chrystus, fragment Ołtarza Bardiego, 1484-85, Berlin, Galeria Sztuki

Kazania Savonaroli wywarły silny wpływ na wielu utalentowanych, religijnych ludzi sztuki, a Botticelli nie mógł się oprzeć.

Radość i uwielbienie piękna zniknęły z jego twórczości na zawsze. Jeśli poprzednie Madonny pojawiały się w uroczystym majestacie Królowej Niebios, to teraz jest bladą kobietą o oczach pełnych łez, która przeżyła i przeżyła wiele.

Rysy twarzy i dłonie Madonny stają się coraz bardziej wydłużone, kruche, nieziemskie. Cała postać Matki Bożej, pionowe fałdy ubioru, niebieskie paski peleryny i luźne pasma włosów podkreślają kierunek ku górze. Twarz dziecka jest pełna dziecięcego smutku.

Otaczająca roślinność, wiklinowa altana, otaczające wnętrze – wszystko rysowane jest nieziemską dekoracyjnością.

Po prawej i lewej stronie ołtarza przedstawieni są Jan Chrzciciel i Jan Ewangelista. Ich twarze są surowe, smutne, pomarszczone od trudów i trudności, które znosili. Nie są one widoczne w danym fragmencie, jeśli ktoś jest zainteresowany rozszerzoną wersją reprodukcji, niech napisze w komentarzach, a mogę to pokazać.

Madonna z granatem, 1487, tondo, Galeria Uffizi, Florencja

(Madonna z Dzieciątkiem Jezus i sześcioma aniołami).

Artysta otrzymał zamówienie publiczne od przedstawicieli urzędu skarbowego na Salę Sądową Palazzo Signoria.

Podobnie jak Madonna Magnificat, obraz ma kształt florenckiego tondo, a jego okrągły kształt daje artyście możliwość przeprowadzania eksperymentów optycznych. Jednak w Madonnie z Granatu zastosowano technikę odwrotną, tworząc efekt wklęsłej powierzchni.

O ile wczesne Madonny Botticellego emanują oświeconą łagodnością, generowaną przez harmonię uczuć, o tyle w wizerunkach późniejszych Madonn, powstałych pod wpływem ascetycznych kazań Savonaroli, smutny i zawiedziony artysta odchodzi od pragnienia odnalezienia ucieleśnienia wiecznego piękna.

Twarz Madonny na jego obrazach staje się bezkrwawa i blada, a jej oczy pełne łez. Twarze te wciąż można porównać do średniowiecznych wizerunków Matki Bożej, jednak nie mają one uroczystej wielkości Królowej Niebios. To kobiety czasów współczesnych, które przeżyły i przeżyły wiele.

Ołtarz kościoła św. Barnaby we Florencji, 1488

Madonna na tronie czterech aniołów i świętych - od lewej: Katarzyna Aleksandryjska, Augustyn, Barnaba,
po prawej: Jan Chrzciciel, Ignacy i Archanioł Michał.

Namiętna głębia emocji odcisnęła piętno na twórczości Sandro Botticellego. Malowidła Botticellego z końca lat 80. XIV w., kiedy w mieście narastała atmosfera religijnego fermentu, wskazują, że artysta był ogarnięty ekscytacją, przeżywał szok, który później miał doprowadzić do niezgody w jego duszy. W tym okresie Botticelli ukończył ołtarz dla florenckiego kościoła San Barnaba. Wśród dużych kompozycji religijnych niewątpliwym arcydziełem jest „ Ołtarz Św. Barnaba".

Siła wykonania sprawia, że niektóre obrazy w tej kompozycji wyglądają naprawdę wspaniale. Taka jest św. Katarzyna – obraz pełen ukrytej namiętności, a przez to o wiele żywszy niż obraz Wenus; Św. Barnaba to anioł o obliczu męczennika.

Jan Chrzciciel w ołtarzu Botticellego to jeden z najgłębszych i najbardziej ludzkich obrazów w sztuce wszechczasów

Ołtarz San Marco

(Koronacja Maryi z aniołami, ewangelista Jan

i święci Augustyn, Hieronim i Eligiusz), 1488-90, Uffizi, Florencja

Jednym z najbardziej uderzających dzieł Botticellego jest „ Ołtarz San Marco" ("Koronacja Maryi z aniołami, ewangelistą Janem i świętymi Augustynem, Hieronimem i Eligiuszem"), napisany około 1488-1490 dla kaplicy złotników w kościele San Marco. Kaplica została poświęcona ich patronowi św. Eligiuszowi. Centralną część ołtarza charakteryzują elementy archaiczne: postacie aniołów i świętych różnią się znacznie skalą; fantastyczna nisza, w której zamknięta jest scena koronacyjna, kontrastuje z bardziej realistycznym traktowaniem otoczenia przestrzennego czterech głównych bohaterów.

Jednocześnie w obrazach predelli sporo ożywienia widać w przedstawieniu Jana wśród stosów kamiennych bloków na wyspie Patmos czy św. Augustyna w jego prawie opuszczonej celi, w lakonicznym i intensywnym Zwiastowaniu, w scenie pokuty św. Hieronima w skalnej jaskini i wreszcie w energicznej postaci św. Eligiusza, cudownie wykuwającej nowa noga konia i pod niezwykłym kątem zsiadłego jeźdźca w powiewnym płaszczu. Biały koń w tym odcinku pojawia się motyw Leonarda, który jak każde zapożyczenie przez Botticellego od innych artystów, nabiera charakteru głęboko osobistej interpretacji. Obraz ma w sobie tę intensywną ekspresję, która sprawia, że formy wyginają się, przybierają ostre zakręty i deformują się.

Pod koniec lat 80. XIV w. obrazy religijne o kameralnym, kameralnym poziomie zostały w twórczości Botticellego zastąpione kompozycjami wielkoformatowymi, jakby skierowanymi do bardziej masowego odbiorcy. W rozwiązywaniu tematów różne intonacje brzmią teraz coraz częściej, są wypełnione ostrym, dramatycznym dźwiękiem. Poszerzony zostaje sam format dzieł Sandry z tego okresu o tematyce religijnej, co nadaje im nowe znaczenie. Typowym przykładem tego typu kompozycji jest ołtarz San Marco.

Jeśli w latach 1484–1489 Botticelli wydaje się być z siebie zadowolony i spokojnie przechodzi okres chwały i mistrzostwa, to „Koronacja” już świadczy o pomieszaniu uczuć, nowych niepokojach i nadziejach.

Wiele emocji jest w przedstawieniu aniołów, geście przysięgi św. Jerome emanuje pewnością siebie i godnością. Jednocześnie następuje pewne odejście od „doskonałości proporcji” (być może dlatego dzieło to nie miało wielki sukces). Rośnie napięcie, które jednak dotyczy wyłącznie świat wewnętrzny charakterów, a zatem niepozbawiona wielkości, ostrość koloru nasila się, coraz bardziej uniezależniając się od światłocienia.

Mimo dużej popularności, jaką cieszyło się dzieło zaraz po jego ukończeniu, czekał go trudny los przez wiele lat wędrówki. Z ołtarza w kaplicy kościoła przeniesiono go do Sali Kapituły klasztoru San Marco, stamtąd do Galerii Akademii we Florencji, a następnie w 1919 roku do Uffizi. Dopiero po zakończeniu długotrwałej restauracji, przeprowadzonej w laboratorium Opificio delle Pietre Dure w 1989 roku, ruchy topograficzne obrazu można uznać za zakończone. Jeśli chodzi o renowację, tylko częściowo wyeliminowała ona zniszczenia wspaniałego dzieła spowodowane licznymi podróżami z jednego pomieszczenia do drugiego. Z ich powodu bezpowrotnie zaginęła pierwotna rama ołtarza, którą zastąpiono rzeźbioną ramą pochodzącą z nieistniejącego już kościoła Battilani. Obraz wymagał renowacji od roku 1830 (kiedy znajdował się w Akademii i został odrestaurowany przez Acciai) aż do roku 1921, kiedy to prace podjął Fabrizio Lucarini, całkowicie przepisując zieloną szatę anioła po lewej stronie. Jednak pomimo tych prac złuszczanie i ubytek warstwy malarskiej postępował, co doprowadziło do ostatniej, najpełniejszej renowacji, która, jak się zdaje, zatrzymała proces niszczenia obrazu.

Siła oddziaływania tego obrazu wynika w dużej mierze z interpretacji niebiańskiej wizji, nasyconej motywami religijnymi i symbolicznymi o wydźwięku apokaliptycznym. Inspiracją dla nich były kazania Savonaroli we Florencji, które wkrótce doprowadziły do przewrotu politycznego zakończonego wypędzeniem Medyceuszy w 1494 roku. Jan, autor Ewangelii, Listów i Apokalipsy, ukazany z otwartą księgą uniesioną ku górze (z pustymi stronami, bo wciąż czeka na słowa Apokalipsy), pojawia się w kompozycji jako postać pośrednicząca między kontemplatykami wizji (Augustyn, Hieronim, Eligiusz) i fantastyczna rotacja aniołów wokół tęczy, łuk cherubów i serafinów graniczący ze sceną Koronacji Marii. Pojawienie się aniołów na tle złotych promieni, w olśniewającym blasku, wśród deszczu róż oraz ziemski krajobraz ze skałami i bezludną łąką, na której stoją święci, zdają się podkreślać kontrast pomiędzy fantasmagoryczną, atrakcyjną rzeczywistością niebiańską trudy świata materialnego.

Znakomita restauracja pozwala docenić znaczenie ołtarza św. Marka w twórczości Botticellego, które wyznacza przejście od bardziej realistycznych i racjonalnych rozwiązań obrazowych, charakterystycznych dla malarstwa Quattrocento, do najnowsze prace artysta.

Madonna pod baldachimem, ok. 1493 r., Pinacoteca Ambrosiana, Mediolan

Obraz został namalowany dla Guido di Lorenzo, opata Santa Maria degli Angeli i przyjaciela Wawrzyńca Wspaniałego.

W latach 90. w twórczości mistrza symbolika nabrała wyraźnie mistycznego charakteru, a na pierwszy plan wysunęła się tematyka porządku moralno-etycznego. Inaczej niż więcej wczesne obrazy w tym okresie Botticelli położył nacisk na oddanie wewnętrznych uczuć bohaterów, a nie na zewnętrzny przepych.

Magnificat Sandro Botticellego. OK. 1481.Drewno, tempera. 118; 118cm
Galeria Uffizi we Florencji

Madonna del Magnificat-tondo autorstwa Sandro Botticellego, przedstawiająca Koronację Matki Bożej przez dwa anioły w przebraniu pięknych młodzieńców. Trzej inni aniołowie trzymają przed sobą otwartą księgę, w której Maryja zapisuje doksologię zaczynającą się od słów: Magnificat anima mea Dominum („Wielbi dusza moja Pana”). Na kolanach Maryi siedzi Dzieciątko Jezus, a w lewej dłoni trzyma granat, symbol miłosierdzia Bożego – jak w innym słynnym tondo Botticellego, Madonna od Granatu.

Początki Tondo sięgają czasów świetności warsztatu Botticellego, kiedy to powstawały liczne repliki jego obrazów, wykonane przez uczniów Botticellego na podstawie jego rysunków i kartonów. Przede wszystkim były to wizerunki Madonny, na które było ogromne zapotrzebowanie. Wśród nich jest to arcydzieło.

To najsłynniejszy z obrazów artysty o tematyce religijnej, pisany dla prywatnych kaplic; Jej nazwa pochodzi od pierwszego słowa modlitwy Matki Bożej, której tekst jest wyraźnie widoczny na rozkładówce otwartej księgi. Dzieciątko Chrystus w jednej ręce trzyma granat, a drugą prowadzi rękę Madonny, która w otwartej księdze zapisuje początek pieśni dziękczynnej (hebr. Z Łk, I, 46). Dwóch chłopców w towarzystwie trzeciego, starszego, trzyma księgę i kałamarz, natomiast dwaj aniołowie unoszą koronę nad głową Madonny.

Ta kompozycja umiejętnie wpisana w okrąg jest jedną z najwybitniejszych kreacji mistrza. Wyrafinowane linie dłoni otaczających postać Dzieciątka Chrystus zdają się być kontynuacją gestu jednego z pięknych aniołów i za pośrednictwem rąk innych postaci zamykają się na koronie Maryi. Taki pierścień dłoni przypomina rodzaj wiru, w środku którego widoczny jest odległy spokojny krajobraz. Podobnie jak w Madonnie Granatu, Chrystus trzyma w dłoni owoc – symbol Madonny Magnificat. Szczegół: Otwarta księga nieśmiertelności, którą przyniesie ludzkości.

Dokładne okoliczności powstania obrazu nie są znane; Postawiono hipotezę, że Madonna Magnificat alegorycznie przedstawia rodzinę Piero de 'Medici, ale wielu historyków kwestionuje tę opinię. Pierwsza wiarygodna wzmianka o obrazie pochodzi z 1785 roku, kiedy to Galeria Uffizi kupiła go od niejakiego Ottavio Magheriniego. Niektórzy utożsamiają Magnificat Madonnę z tondo z kościoła San Francesco al Monte, o którym wspomniał Vasari, lecz ten punkt widzenia również spotyka się z zastrzeżeniami. Jednak historycy sztuki niemal jednomyślnie zgadzają się, że obraz naprawdę należy do pędzla Botticellego.