Bertela Thorvaldsena (1770–1844). Bertel Thorvaldsen Działa na tematy chrześcijańskie Thorvaldsena w Kopenhadze

Thorvaldsena

(Bertel lub Albert Thorvaldsen) – jeden z najwybitniejszych rzeźbiarzy, ur. w Kopenhadze 19 listopada 1770 r. Ojciec T., z urodzenia Islandczyk, był snycerzem i chcąc mieć w synu asystenta, w 1787 r. zapisał go jako studenta Kopenhaskiej Akademii Sztuk. Już dwa lata później otrzymał małe i duże medale srebrne w klasie rzeźby, w 1791 r. małe; złota, a w 1793 r. duży złoty medal, z którym wiązało się prawo do otrzymywania stypendiów dla trzech osób letni pobyt w obcych krajach. W 1796 wyjechał do Włoch. Jego głównym mentorem w Kopenhadze był uzdolniony Duński rzeźbiarz Videvelta, od którego T. po raz pierwszy nauczył się kochać i doceniać sztukę starożytną. Twórczość młodego T. w ojczyźnie ukazała go nie tylko jako obiecującego studenta, ale także niezależnego twórcę, choć w prawdziwym tego słowa znaczeniu T. „odnalazł się” jako artysta dopiero we Włoszech, gdzie zgłębił z podziwem dla bogatego świata sztuki starożytnej i z największą uwagą studiował Rafaela. Koniec XVIII I początek XIX wieki naznaczyły w historii sztuki wzmożone poszukiwanie nowych ścieżek oraz tendencja do studiowania natury i czystej sztuki starożytnej, w celu aktualizacji przestarzałych, konwencjonalnych form nowoczesności. Kiedy więc T. pojawił się w Rzymie centrum sztuki Europa, program nowej sztuki był więc wcześniej w pewnym stopniu już sporządzone i tylko czekają genialni artyści, wezwane do jego realizacji, do powiedzenia „nowego słowa”. W dziedzinie rzeźby T miał być takim wybrańcem. Była to pierwsza praca, która pokazała jego wejście nowy sposób, stał pomnik „Jasona”, o którym rywal T., Canova, powiedział, że to „uno stilo nuovo e grandioso”. Zapoczątkowało to pierwszy chwalebny okres twórczości T. (1803), kiedy to, czerpiąc z mitologii greckiej i rzymskiej, stworzył nowa era w rzeźbie i wskrzeszonej sztuce starożytnej. Geniusz T. nie pozwolił mu jednak stać się powtórzeniem starożytni rzeźbiarze na przykład Fidiasz czy Praksyteles, do których, zwłaszcza tego ostatniego, często bezpodstawnie był utożsamiany. Sztuka starożytna była w zasadzie jedynie źródłem inspiracji dla T., jednak w samej swojej twórczości pozostawał on zawsze wysoce indywidualny, wierny swemu wyjątkowemu geniuszowi, równie silny w dziedzinie posągów, jak i w dziedzinie reliefu. Aby wyrazić moc pomysły artystyczne służył T. duże posągi

ulga zrodziła całą masę pełnych wdzięku zabawnych, czule kochających myśli i uczuć, które nieustannie pobudzały jego wyobraźnię. T. pracował niestrudzenie i zwykle przed przystąpieniem do rzeźbienia wymyślonego modelu szkicował go ołówkiem i rozwijał w szkicach, czasem nawet 20 i więcej razy. W latach 1803-1819 T. wykonał wiele dużych i małych rzeźb oraz płaskorzeźb. I tak, z krótkimi przerwami, pojawiały się kolejno utwory: „Taniec muz na Helikonie” (bar.), „Bachus”, „Ganimedes”, „Apollo”, „Wenus z jabłkiem”, „Mars” i „ Adonis”, „Lato” i „Jesień” (bar.), szereg płaskorzeźb i medalionów dla Pałacu Christiansborg, fryzy dla Pałacu Kwirynalskiego: „Tryumfalny wjazd Aleksandra do Babilonu”, „Priam i Achilles”, świat słynne płaskorzeźbowe medaliony „Dzień” i „Noc”, „Hebe”, „Ganimedes”, „Tancerz”, „Pasterz”, „Nadzieja” i „Merkury przygotowujący się do zabicia Argusa”; ostatni pomnik należy do najwybitniejszych dzieł T. Jan głosi na pustyni.” Podjąłem nowe zadanie T. bez wielkiej pasji, ale im więcej o tym myślał, tym bardziej się temu poświęcał i w końcu rozwiązał go godny swojego geniuszu, oddając człowieczeństwo w posągach Chrystusa i niektórych apostołów (np. Jana Teologa) dzieła genialne, jedyne w swoim rodzaju zarówno pod względem głębi i wszechstronności pomysłu, jak i doskonałości wykonania. Realizację tego zlecenia rozpoczął drugi okres działalności T. Często wracając do tematów z mitologii greckiej i rzymskiej, zaczął głównie tworzyć duże dzieła w duchu chrześcijańskim, a także kolosalne pomniki postaci i wydarzeń historycznych. Wiele z nich otwiera słynny „Lw Lucerny” (ku pamięci Szwajcarów poległych w Paryżu w 1792 r.), ale najbardziej niezwykłe pomniki ku czci poszczególnych są pomniki Kopernika i Poniatowskiego (w Warszawie), Piusa VII (w Rzymie), księcia Leuchtenberga (w Monachium), Byrona, Maksymiliana Bawarskiego, Guttenberga (w Moguncji), Schillera (w Stuttgarcie) i Conradina (w Neapolu ). Oprócz wymienionych dzieł, przeważnie bardzo znacznych rozmiarów, oraz wspomnianych wyżej dzieł o tematyce ze świata starożytnego (małe płaskorzeźby), drugi okres twórczości T. obejmuje szereg dzieł małych i dużych , posągi i popiersia portretowe różnych współczesnych; Spośród pomników tego typu na szczególną uwagę zasługuje pomnik hrabiego Potockiego. Niezależnie od tego, jak gwałtowne może się wydawać na pierwszy rzut oka przejście od dzieł w duchu starożytnym do dzieł ucieleśniających idee chrześcijaństwa, a następnie do pomników i posągów postaci historycznych i współczesnych, w rzeczywistości nie było w T. punktu zwrotnego ani skoku. praca. Wszystkie jego dzieła w równym stopniu emanują duchem pokoju, najwyższej harmonii i piękna. Posągi-pomniki stworzone przez T. w niczym nie przypominają jego popiersi portretowych współczesnych, proste portrety; są idealnymi w duchu klasycznym personifikacjami bytu fizycznego i – co najważniejsze – duchowego tych jednostek. Klasyczna szlachetność póz, niezwykła harmonia wszystkich części każdego pojedynczego posągu lub całej grupy, czysto starożytne piękno linii oraz ogólny duch czystości i głębokiego spokój ducha lub niewzruszony świat - to są cechy charakterystyczne Twórczość T. Jego zdrowa, zrównoważona i czysta północna natura, całkowicie przepojona poczuciem idealnego klasycznego piękna, nie charakteryzowała się przedstawieniem jakichkolwiek namiętności, zmagań, dotkliwych cierpień – czegokolwiek, co narusza harmonię fizyczności i duchowości. istnienie. W T. nawet Chrystus, udając się na Golgotę, nie ugina się pod ciężarem krzyża, ale pozostaje Bogiem. W wielu pracach T. w ogóle nie odnajdujemy ukrzyżowanego, cierpiącego obrazu Zbawiciela; w tym zgadza się z Rafaelem, który ma tylko jeden taki obraz, a już wtedy został on namalowany w najwcześniejszym okresie jego twórczości, gdy znajdował się jeszcze pod wpływem swojego nauczyciela Perugino (znajdującego się w Dudley-Gose w Londynie). Słynna figura Chrystusa autorstwa T., zdobiąca Katedrę Najświętszej Marii Panny w Kopenhadze, jest niezrównanym uosobieniem boskiej wielkości, a zarazem boskiej miłości i łagodności. Duch pokoju, który przenika wszystkie dzieła T., znalazł tu swój najwyższy wyraz; Chrystusa T., powołującego w swoje ramiona „wszystkich, którzy cierpią i obciążeni”, prawdziwego „księcia pokoju”, wiecznego rozjemcy, rzeczywiście zdolnego do pojednania wszystkiego i wszystkich w swoim miłosnym uścisku. - Z dzieł T. w duchu starożytnym, których fotografie załączono do niniejszego artykułu, na szczególną uwagę zasługuje „Hebe”, „Merkury przygotowujący się do zabicia Argusa”, posąg samego T. i bas- płaskorzeźba „Wieki miłości”. Tworząc pomnik „Hebe”, T. zdawał się konkurować z Canovą, który zaledwie rok przed przyjazdem T. do Rzymu stworzył własną słynny posąg Hebes, rozprowadzane w gipsowych egzemplarzach na całym świecie. A w sensie wierności starożytnemu duchowi i samej idei, której uosobieniem jest Hebe, artysta z północy pokonał Włocha.”

Ponadto w tym samym okresie T. wykonał wiele wspaniałych nagrobków na zamówienie rządów i osób prywatnych oraz kilka płaskorzeźb, których tematem były sceny z ziemskiego życia Chrystusa. Wreszcie, po 23 latach spędzonych na obczyźnie, T. zdecydował się na powrót do domu, lecz rok później wrócił do Rzymu. Będąc w Danii, wykonał kilka drobnych prac, ale głównym efektem tej podróży do ojczyzny było otrzymanie zamówienia, które tchnęło nowy, potężny strumień inspiracji w twórczość T., stawiając przed nim zadanie rozwoju chrześcijańskiego element dotychczas mu obcy. T. otrzymał zlecenie wykonania posągów Chrystusa i 12 apostołów oraz fryzu „Jan głoszący na pustyni” dla kopenhaskiej katedry Najświętszej Marii Panny (Frue Kirke). T. podjął się nowego zadania bez większego entuzjazmu, jednak im więcej o tym myślał, tym bardziej się mu poświęcał i w końcu rozwiązał je godnie swojego geniuszu, oddając człowieczeństwo w posągach Chrystusa i niektórych apostołach (np. Jana Ewangelisty) dzieła genialne, wyjątkowe zarówno pod względem głębi i wszechstronności pomysłu, jak i doskonałości wykonania. Realizację tego rozkazu rozpoczął drugi okres działalności T. Często wracając do tematów z mitologii greckiej i rzymskiej, zaczął tworzyć głównie duże dzieła w duchu chrześcijańskim, a także kolosalne pomniki postaci i wydarzeń historycznych. Część z tych ostatnich otwiera słynny „Lw Lucerny” (ku pamięci Szwajcarów poległych w Paryżu w 1792 r.), ale do najbardziej niezwykłych pomników ku czci poszczególnych postaci historycznych należą pomniki Kopernika i Poniatowskiego (w Warszawie), Pius VII (w Rzymie), książę Leuchtenberg (w Monachium), Byron, Maksymilian Bawarski, Guttenberg (w Moguncji), Schiller (w Stuttgarcie) i Conradin (w Neapolu). Oprócz wymienionych dzieł, przeważnie bardzo znacznych rozmiarów, oraz wspomnianych wyżej dzieł o tematyce ze świata starożytnego (małe płaskorzeźby), drugi okres twórczości T. obejmuje szereg dzieł małych i dużych , posągi i popiersia portretowe różnych współczesnych; Spośród pomników tego typu na szczególną uwagę zasługuje pomnik hrabiego Potockiego. Niezależnie od tego, jak gwałtowne może się wydawać na pierwszy rzut oka przejście od dzieł w duchu starożytnym do dzieł ucieleśniających idee chrześcijaństwa, a następnie do pomników i posągów postaci historycznych i współczesnych, w rzeczywistości nie było w T. punktu zwrotnego ani skoku. praca. Wszystkie jego dzieła w równym stopniu emanują duchem pokoju, najwyższej harmonii i piękna. Pomnikowe posągi autorstwa T. , nie są bynajmniej, jak popiersia portretowe współczesnych mu, portretami prostymi; są idealnymi w duchu klasycznym personifikacjami bytu fizycznego i – co najważniejsze – duchowego tych jednostek. Klasyczna szlachetność póz, niezwykła harmonia wszystkich części poszczególnych posągów lub całej grupy, czysto antyczne piękno linii i ogólny duch czystości oraz głębokiej równowagi psychicznej lub niezakłóconego spokoju – to cechy charakterystyczne T. dzieło. Jego zdrowa, zrównoważona i czysta natura mieszkańca północy, całkowicie przepojona poczuciem idealnego klasycznego piękna, nie charakteryzowała się ukazywaniem żadnych namiętności, zmagań, intensywnych cierpień – wszystkiego, co narusza harmonię bytu fizycznego i duchowego. W T. nawet Chrystus, udając się na Golgotę, nie ugina się pod ciężarem krzyża, ale pozostaje Bogiem. W wielu pracach T. w ogóle nie odnajdujemy ukrzyżowanego, cierpiącego obrazu Zbawiciela; w tym zgadza się z Rafaelem, który ma tylko jeden taki obraz, a już wtedy został on namalowany w najwcześniejszym okresie jego twórczości, gdy znajdował się jeszcze pod wpływem swojego nauczyciela Perugino (znajdującego się w Dudley-Gose w Londynie). Słynna figura Chrystusa autorstwa T., zdobiąca Katedrę Najświętszej Marii Panny w Kopenhadze, jest niezrównanym uosobieniem boskiej wielkości, a zarazem boskiej miłości i łagodności. Duch pokoju, który przenika wszystkie dzieła T., znalazł tu swój najwyższy wyraz; Chrystusa T., powołującego w swoje ramiona „wszystkich, którzy cierpią i obciążeni”, prawdziwego „księcia pokoju”, wiecznego rozjemcy, rzeczywiście zdolnego do pojednania wszystkiego i wszystkich w swoim miłosnym uścisku. - Z dzieł T. w duchu starożytnym, których fotografie załączono do niniejszego artykułu, na szczególną uwagę zasługuje „Hebe”, „Merkury przygotowujący się do zabicia Argusa”, posąg samego T. i bas- płaskorzeźba „Wieki miłości”. Tworząc posąg „Hebe”, T. zdawał się konkurować z Canovą, który zaledwie rok przed przyjazdem T. do Rzymu stworzył swój słynny posąg Hebe, rozpowszechniany w gipsowych kopiach na całym świecie. I w sensie wierności starożytnemu duchowi i samej idei, której uosobieniem jest Hebe, północny artysta pokonał Włocha.

Hebe Canova, z luksusowymi, dojrzałymi kształtami nagiego torsu, w krótkiej szacie i w zabawnej tanecznej pozie, wygląda bardziej jak frywolna tancerka, niczym bachantka, podczas gdy Hebe T. to prawdziwa bogini olimpijska w stroju starożytnym Greczynka i jednocześnie prawdziwa personifikacja dziewiczej – czystej, jasnej, jak majowy poranek, młodości. Drugie z tych dzieł, podziwiane nawet przez niechętnych T. krytyków, zajmuje w twórczości T. dość odosobnione miejsce. Sama fabuła – zbliżające się morderstwo – jest już T. całkiem obca; ale przetwarzając tę fabułę, T. pozostaje wierny sobie. Nie ma on nic wspólnego z Velasquezem, który przedstawił boga Merkurego czołgającego się na brzuchu w stronę śpiącej ofiary, z wyciągniętym mieczem w dłoni. T. wybrał stosunkowo niewinny, ale ekscytujący moment fabuły. Na pierwszy rzut oka tak niewinnie bezczynna pozycja na wpół siedzącej, na wpół stojącej postaci z przednim uchwytem wyjętym właśnie z ust maskuje krwawy zamiar. Prawa noga, która wygląda tak spokojnie zwisająca, tak naprawdę przyciska piętą pochwę miecza, aby łatwiej było ją wyciągnąć wolną ręką. Rysy twarzy i postawa postaci wyrażają wzmożoną czujność i gotowość do działania. To ostatnie jest oddane szczególnie znakomicie, wydaje się więc, że Merkury zaraz wstanie i wyciągnie miecz. Historia powstania tego niesamowitego posągu jest bardzo charakterystyczna dla zrozumienia, jak pracował T. Pewnego dnia, idąc na obiad, T. zauważył młodego Włocha, na wpół siedzącego, na wpół stojącego w drzwiach domu, pięknego i pięknego. oryginalność pozy uderzyła rzeźbiarza; przeszedł obok, ale wrócił w połowie drogi i zastając młodego człowieka wciąż w tej samej pozycji, nie zwlekając z dokładnym przypomnieniem sobie wszystkich szczegółów sytuacji, po czym pospiesznie zjadł obiad i natychmiast wrócił do domu, aby zasiąść do szkicu nowego pomnik, a już następnego dnia poważnie zajął się pracą nad modelem Merkury. Szlachetność póz i ogólny wygląd charakterystyczny dla wszystkich dzieł T. szczególnie wyraźnie odzwierciedla się w jego własnym, wyrzeźbionym przez niego posągu. To obraz monumentalnej rozmachu, pewności siebie, stanowczości i olimpijskiego spokoju, wskazujący, że osoba, którą uosabia i która go stworzyła, jest wielka, rzadka osoba, geniusz. Płaskorzeźba „Wieki miłości” interpretuje temat, który w twórczości T. na ogół biegnie jak czerwona nić – „moc Erosa”. T. zdaje się mówić w całym cyklu swoich dzieł: „Czym jest siła, moc, odwaga, a nawet piękno W końcu o wszystkim decyduje miłość!” Ale Eros T. to nie tylko niegrzeczny chłopiec i ulubieniec olimpijskiego królestwa, to triumfator, zdobywca bogów i ludzi, zdobywający trofea od wielkich i potężni bogowie, osiodłając zarówno przedstawiciela żywiołu powietrza, orła Jowisza, następnie przedstawiciela żywiołu wody – delfina, uspokajając piekielnego Cerbera, doprowadzając potężnego króla zwierząt, lwa, do tego stopnia, że pokornie liże sobie nogę itp. Prace T. są całkowicie pozbawione zmysłowej podszewki, gdyż obca jest im sama natura T. Rozwijając wątki miłosne, nie zdradza on entuzjastycznego upojenia się jej mocą, lecz po prostu ją ukazuje punkt widzenia spokojnego, trzeźwego, choć życzliwego, ale jednocześnie nieco ironicznego obserwatora, wskazującego z uśmiechem wyższości na wszechprzenikającą, decydującą siłę Erosa i zauważającego z wyraźną przyjemnością, jak ważna jest ona dla nas aby zrozumieć istotę życia i zwrócić uwagę na ten ukryty czynnik. Płaskorzeźba „Wieki miłości” to nic innego jak miękka satyra na krótkotrwałą moc Erosa, opartą na prawach natury. Nastolatka z żywym zaciekawieniem patrzy na amorki wypuszczane na wolność; młoda dziewczyna klęcząca gorącym pocałunkiem pozdrawia małego boga miłości; kobieta, która już nosiła pod sercem owoc miłości, traktuje boga dość niedbale, ciągnąc go za skrzydła jak gęś kupioną na targu; dojrzały mąż, zajęty codziennymi troskami, nawet nie zauważa Kupidyna siedzącego na jego ramionach; ale starość, jakby opamiętała się, z żalem i na próżno wyciąga ramiona za odlatującym od niej bogiem. W 1838 r. T. zdecydował się ostatecznie powrócić do ojczyzny. Tutaj spotkało go huczne przyjęcie. Resztę mojego życia wielki rzeźbiarz oddany ojczyźnie. Jego najważniejszymi dziełami z tego okresu są fryzy: „Wjazd Chrystusa do Jerozolimy” i „Procesja na Golgotę”. Oprócz nich wykonał wiele drobnych prac, intensywnie zajmował się opracowaniem planu i zorganizowaniem (ze środków zebranych w ramach powszechnej subskrypcji) muzeum, w którym miały znajdować się wszystkie jego dzieła, częściowo oryginalne, częściowo kopie w marmurze i gipsie, szkice i różne rzeczy, które gromadził przez całe życie w bogatych zbiorach sztuki. Zgodnie ze swoją duchową wolą pozostawił to wszystko swojej ojczyźnie. T. zmarł nagle w Kopenhadze 24 marca 1844 r. podczas wieczornego przedstawienia w Teatrze Królewskim. Jego stało się także muzeum imienia T., zbudowane według planu architekta Bindesböhla nagrobek. Ciało T. pochowano pod prostą kamienną płytą pośrodku dziedzińca utworzonego przez cztery skrzydła muzeum. Oprócz tego wspaniałego i jedynego w swoim rodzaju pomnika T. wzniósł pomniki w Palazzo Barberini w Rzymie i wiosce Reykjavik na Islandii. Z najwybitniejszych uczniów T. należy wymienić Duńczyków Freunda i Bissena, Niemców Wolfa, Schwantholera i von der Launitz oraz Włochów Teneraniego i Bieneme. Pełna biografia T. komp. I. M. Thiele, „Thorvaldsen og bans Vaerker” (dwa wydania, jedno luksusowe, ozdobione rycinami przedstawiającymi twórczość T., 4 tomy w 4°, Kopenhaga, 1831-50; drugie ogólnodostępne, uzupełnione wyciągami z korespondencji, itp. artykuły T.). Spośród innych dzieł o T. na szczególną uwagę zasługuje znakomite dzieło Juliusa Lange: „Sergel og Thorvaldsen” (Kopenhaga, 1886), które zawiera subtelną ocenę działalność artystyczna T. M. Gammerich „Thorvaldsen og hans Kunst” ( popularna biografia, dla ludu), Sigurd Müller: „Thorvaldsen, hans Liv og hans Vaerker” (Kopenhaga 1890-1893) i Eugene Plon: „Thorvaldsen, sa vie et son oeuvre” (Paryż, 1867). Cenne recenzje twórczości T. znajdują się także w języku duńskim krytyk sztuki Goyen w swoich pracach, wyd. Ussinga, u A. Kestnera (w „Römische Studien”, Berl., 1850), u Jacquemonta, w „Revue des deux Mondes” za 1879 r.

P. Hansena.

Słownik encyklopedyczny F. Brockhausa i I.A. Efrona. - S.-Pb.: Brockhaus-Efron. 1890-1907 .

Zobacz, co „Thorvaldsen” znajduje się w innych słownikach:

Thorvaldsen, Bertel Bertel Thorvaldsen. Bertel Thorvaldsen (Dan. Bertel Thorvaldsen; 19 listopada 1770, Kopenhaga 24 marca 1844, ibid.) Duński ... Wikipedia

- (Bertel lub Albert Thorvaldsen) jeden z najwybitniejszych rzeźbiarzy, ur. w Kopenhadze 19 listopada 1770 r. Ojciec T., z urodzenia Islandczyk, był rzeźbiarzem w drewnie i chcąc mieć w synu pomocnika, w 1787 r. przydzielił go jako ucznia do Kopenhagi... .. . Encyklopedia Brockhausa i Efrona

Bertela Thorvaldsena

„W centrum Kopenhagi znajduje się budynek, obok którego nie można przejść obojętnie” – pisze w magazynie O. Malinkovskaya „ Młody artysta" - Podchodząc do niego od fasady, zobaczycie przede wszystkim ogromne drzwi połączone listwami z oknami na drugim piętrze. Ich styl mimowolnie będzie budził skojarzenia z starożytna architektura. Jeśli obejdziesz budynek w prawo lub w lewo, zobaczysz obraz umieszczony w formie fryzu na wysokości człowieka. Wszyscy przedstawieni są zajęci różnymi sprawami: kobiety z ożywieniem rozmawiają, wszechobecni chłopcy, skupieni w grupkach, patrzą, z jakim trudem konie ciągną ogromne rzeźby zawieszone na toczących się wózkach. Pozostałe rzeźby są mniejsze, ale też dość masywne i pracownicy przesuwają je na specjalnych stojakach. Akcja toczy się nie tylko na lądzie: przedstawiono tu także kilka łodzi z ludźmi. Twój wzrok zatrzyma się na postaci starszego, siwowłosego mężczyzny, który schodzi na brzeg, witany przez witających go. Przedstawieni ludzie należą do bardzo różnych warstw społecznych, ale wszystkich łączy jedno wydarzenie, każdy jest jego częścią. Co to za wydarzenie? Co kryje się za ścianami tego domu?

Malowidła, których tajemnicy nie może zdradzić osoba niezaznajomiona z historią Danii, nie są tajemnicą dla żadnego Duńczyka. Zdobiące muzeum słynnego rzeźbiarza Bertela Thorvaldsena – chwały i dumy Danii – obrazy opowiadają, jak uroczyście witali go rodacy po powrocie do ojczyzny.”

Wkrótce młody człowiek został nagrodzony małym i dużym srebrnym medalem w klasie rzeźby, a w 1791 r. - małym złotym medalem. Pomaga jednemu ze swoich nauczycieli, Nikołajowi Abilgorowi, przy urządzaniu rezydencji królewskiej w Kopenhadze – Amalienborgu.

Jego głównym mentorem w Kopenhadze był utalentowany duński rzeźbiarz Videvelt, który nauczył Thorvaldsena kochać i rozumieć sztukę starożytną. Twórczość młodego Thorvaldsena w jego ojczyźnie ukazała go nie tylko jako obiecującego studenta, ale także całkowicie niezależnego artystę.

W 1793 roku Thorvaldsen otrzymał Wielki Złoty Medal za ulgę „Piotr uzdrawia kulawego”, a wraz z nim prawo do emerytury we Włoszech. Umożliwiło to otrzymanie stypendium i kontynuację nauki we Włoszech. Jednak Thorvaldsenowi udało się wyjechać do Rzymu dopiero cztery lata później. Już włączone wczesny etap kreatywnością, wyróżniał się wśród kolegów starannością wykonania, kompetentną konstrukcją rzeźby, uwzględniającą wszystkie możliwe punkty jej postrzegania.

W 1796 roku Thorvaldsen udał się do Rzymu, gdzie przybył 8 marca 1797 roku. Odtąd obchodzi ten dzień jako swoje urodziny.

Jak pisze Łunaczarski:

„Przywiózł ze sobą do Rzymu z Danii nie tylko duszę przesiąkniętą najnowszym jak na owe czasy sentymentalizmem – bynajmniej nie sztuczną, a zaczerpniętą z samego źródła silnego filistynizmu – ale także entuzjastyczną miłość do człowieka, dla najbardziej piękną rzecz, jaką widzi w oczach świata: harmonijnie rozwinięte ciało ludzkie. Żaden filistynizm nie mógł przyćmić głównej nuty nowego renesansu - estetyzmu i humanizmu!

Tutaj, w Rzymie, Thorvaldsen nie tylko miał dość greckiego piękna, ale także wpadł w najbliższe grono przyjaciół samego Goethego, skupione wokół takiej osoby jak Wilhelm von Humboldt. Warunki były zatem niezwykle sprzyjające rozwojowi jego talentu”.

W swoim pierwszym raporcie dla Akademii Kopenhaskiej niemal natychmiast po przybyciu, w 1798 r., pisze: „Już tu widziałem i studiowałem najlepsze prace" Thorvaldsen spędza dużo czasu w galeriach watykańskich. A spacery po Watykanie stają się jedną z jego ulubionych rozrywek.

Opis jednego takiego nocny spacer K. Paustovsky w swoim opowiadaniu „Orest Kiprensky” podaje: „Artyści stali w bezruchu. Kiprensky wpatrywał się w niewyraźną grę ognia na ciepłym kamieniu. Próbował utrwalić w pamięci ruchy cieni, które nadawały niezwykłą wyrazistość twarzom bohaterów i marmurowych bogiń... „No i czy kamień żyje?” zapytał cicho Thorvaldsen. „On żyje” – odpowiedział tępo Kiprensky. „Przyjaciele” – powiedział z powagą Thorvaldsen – „to jedyny sposób, w jaki rodzą się obrazy rzeźba antyczna a prawa mistrzostwa powstają w zakamarkach naszej duszy.”

Do sukcesu w Rzymie i przedłużenia podróży służbowej przyczyniło się utworzenie grupy „Bachus i Ariadna”, a zwłaszcza rzeźby „Jazon” (1803). „Jason” zaprezentował wszystkie główne cechy stylu wielkiego mistrza: doskonałą prostotę i klarowność konstrukcja kompozycyjna, preferencja dla postaci odważnych i szlachetnych; mocne, pewne uformowanie formy.

LI Taruashvili zauważa:

„Jason, jak go przedstawił Thorvaldsen, wykonał już ruch krokowy, przenosząc ciężar ciała na nogę podpierającą, dzięki czemu wizerunek bohatera zostaje uchwycony przez rzeźbiarza w subtelnym momencie bezruchu, który jest gotowy natychmiast ustąpić miejsca nowemu ruchowi. Charakter tego nowego ruchu jest z góry jasny dla widza. Choć pozycja Jasona jest możliwie stabilna, zupełnie obca jest archaicznej sztywności: odzwierciedla poprzedni moment działania i jest obarczona kolejnym, jest jednocześnie konsekwencją i przyczyną. A jednak związek pomiędzy chwilą obecną a następnym ruchem nie jest tak wyraźny jak w przypadku poprzedniego. Posąg „Jazona” oddaje dwuznaczność klasycznego obrazu: działania bohatera wpisują się w przyczynowo-skutkowy związek zdarzeń, jednak wewnętrznie bohater jest od nich oderwany i zachowuje zdolność ich bezstronnej oceny; porusza się w „strumieniu czasu”, a jednocześnie siłą swego ducha zwycięża zmienności czasu.

Antonio Canova powiedział o posągu Thorvaldsena „Jason”, że jest to nowe słowo w rzeźbie. Dzięki Jasonowi młody rzeźbiarz szybko zyskał sławę wśród miłośników sztuki. Otrzymuje wiele zleceń. Artystę odwiedzają szlachetni podróżnicy, posiada środki na rozbudowę swojego warsztatu i przyciąganie do pracy studentów i praktykantów. Czasami dla Thorvaldsena pracowało nawet pięćdziesiąt osób.

Przy całej swojej miłości do twórczości starożytnych rzeźbiarzy, na przykład Fidiasza czy Praksytelesa, Thorvaldsen nie stał się jednak ich ślepym naśladowcą. Sztuka starożytna była w istocie jedynie źródłem inspiracji dla Thorvaldsena, jednak w samej swojej twórczości pozostawał on zawsze wysoce indywidualny, wierny swojemu wyjątkowemu geniuszowi, równie mocny w dziedzinie posągów, jak i w dziedzinie płaskorzeźby.

Thorvaldsen wykorzystywał duże posągi do wyrażania potężnych idei artystycznych, podczas gdy płaskorzeźba zrodziła całą masę pełnych wdzięku zabawnych, czule kochających i innych myśli i uczuć, które nieustannie pobudzały jego wyobraźnię. Thorvaldsen pracował niestrudzenie i zwykle przed przystąpieniem do projektowania zaplanowanego modelu szkicował go ołówkiem i rozwijał w szkicach, czasem nawet dwadzieścia i więcej razy. Od 1803 do 1819 roku Thorvaldsen wykonał wiele dużych i małych posągów oraz płaskorzeźb.

W szczególności stworzył: „Kupid i Psyche”, „Adonis”, „Mars i Kupidyn”, „Wenus z jabłkiem”, „Hebe”, „Ganimedes z orłem”, „Pasterz”, „Marsz Aleksandra Wielki”, „Tancerze”, „Trzy Gracje”; płaskorzeźby „Achilles i Bresenda”, „Priam błagający o ciało Hektora” i wiele innych.

W 1818 roku Thorvaldsen ukończył prace nad rzeźbą „Merkury z fajką”. Historia powstania tego niesamowitego posągu jest bardzo charakterystyczna dla zrozumienia, jak pracował Thorvaldsen. Pewnego dnia, jadąc na kolację, Thorvaldsen zauważył młodego Włocha, na wpół siedzącego, na wpół stojącego w drzwiach domu. Piękno i oryginalność pozy zadziwiły rzeźbiarza. Przeszedł obok, ale wrócił w połowie drogi i zastając młodego człowieka wciąż w tej samej pozycji, nie zwlekał z dokładnym przypomnieniem sobie szczegółów sytuacji. Następnie, po szybkim lunchu, Thorvaldsen natychmiast wrócił do domu, aby rozpocząć szkicowanie nowego posągu, a następnego dnia zaczął poważnie pracować nad modelem Merkurego.

Thorvaldsen wybrał z fabuły spokojny, ale w rzeczywistości ekscytujący moment. Nieszkodliwa, bezczynna pozycja na wpół siedzącej, na wpół stojącej postaci Merkurego z fajką właśnie wyjętą z ust maskuje krwawy zamiar. Prawa noga faktycznie przyciska piętą pochwę miecza, aby łatwiej było go wyciągnąć wolną ręką. Rysy twarzy i postawa postaci wyrażają wzmożoną czujność i gotowość do działania. To ostatnie jest szczególnie doskonale oddane – wydaje się, że Merkury zaraz wstanie i dobędzie miecza.

W 1820 roku Thorvaldsenowi powierzono projekt rzeźbiarski głównej katedry w Kopenhadze - Katedry Najświętszej Marii Panny. Artysta tworzy zespół, na który składa się dwanaście postaci apostołów umieszczonych wzdłuż ścian nawy głównej katedry, figura Chrystusa w absydzie oraz wizerunek klęczącego anioła. Thorvaldsen wykonał wszystkie posągi większe niż naturalnej wielkości.

„Postać Chrystusa” – pisze Malinkovskaya – „łączy w sobie ruch w stronę ludzi i statyczność. Jego ręce zdają się zakrywać ludzi sobą, chronić ich, a jednocześnie odpychać, nie pozwalając im się zbliżyć. Zastygłe, jakby zanurzone w sobie, wizerunki apostołów stwarzają u osób wchodzących do świątyni nastrój zaabsorbowania sobą, skupienia i wyrzeczenia się ziemskiej próżności”.

W tym samym dwudziestym roku Thorvaldsen wrócił do Włoch, gdzie dużo pracował na zamówieniach dla różnych Kraje europejskie: Polska, Niemcy, Anglia, Włochy, Dania. Są to przede wszystkim pomniki: Kopernika dla katedry krakowskiej (1823), Schillera w Stuttgarcie (1835), Byrona w Cambridge (1831), papieża Piusa VII w Bazylice św. Piotra w Rzymie (1824–1831) itp.

Thorvaldsen dał się także poznać jako genialny portrecista. Stworzył wiele wspaniałych portretów. Wśród tych, których przedstawił rzeźbiarz, znalazły się osoby panujące - Napoleon, Aleksander I, król polski Poniatowski, a także wielcy poeci - Lord Byron, Schiller.

Rzeczywiście, portret księżniczki Marii Fiodorowna Bariatyńskiej, żony słynnego rosyjskiego dyplomaty I. I. Bariatyńskiego, stał się przykładem harmonii, przejrzystości i czystości formy.

„Baryatinskaya jest przedstawiona w zamyślonej pozie, z głową lekko przechyloną w prawo” – zauważa Malinkovskaya. - Lewa ręka trzyma powiewny szal, prawy uniesiony do twarzy. Owal twarzy księżniczki jest idealnie piękny, jej sylwetka jest wspaniale zbudowana, widoczna przez fałdy ubrania. Poza jest pełna wdzięku i jednocześnie pełna dostojeństwa. Nienaganna linia zarysowuje sylwetkę Thorvaldsena, fałdy ubrania układają się w płynny rytm. Portret Baryatinskiej, stworzony w 1818 roku, uznawany jest za jedno z najwybitniejszych dzieł europejskiej sztuki plastycznej pierwszego wieku trzecie XIX wiek."

W 1825 r. Thorvaldsen został wybrany na prezesa Akademii św. Łukasza w Rzymie, a w 1833 r. na prezesa Akademii Sztuk Pięknych w Kopenhadze. Był także członkiem honorowym Francji i Akademie Rosyjskie sztuki, akademie w Berlinie, Monachium, Florencji, Mediolanie.

W 1838 roku Thorvaldsen zdecydował się ostatecznie wrócić do ojczyzny. Tutaj spotkało go huczne przyjęcie. Wielki rzeźbiarz pozostałe lata życia poświęcił ojczyźnie. Jego najważniejszymi dziełami z tego okresu są fryzy: „Wjazd Chrystusa do Jerozolimy” i „Procesja na Golgotę”. Oprócz nich wykonał wiele drobnych prac, intensywnie zaangażował się w opracowanie planu i zorganizowanie (ze środków zebranych z powszechnej subskrypcji) muzeum, w którym miały znajdować się wszystkie jego dzieła.

W testamencie rzeźbiarza czytamy:

„Przekazuję miastu Kopenhaga w Danii dzieła sztuki... składające się z obrazów, rzeźb, płaskorzeźb, rycin i litografii, medali itp. należących do mnie, przedmioty zarówno starożytne, jak i współczesne, a także dzieła kamienne, wyroby ze złota, brąz antyczny, wazony etruskie, terakota, książki, antyki egipskie i greckie oraz inne przedmioty związane z nauką i nauką sztuki piękne».

Thorvaldsen zmarł nagle w Kopenhadze 24 marca 1844 roku podczas wieczornego przedstawienia w Teatrze Królewskim. Ciało Thorvaldsena pochowano pod prostą kamienną płytą pośrodku dziedzińca utworzonego przez cztery skrzydła muzeum nazwanego jego imieniem. Budowę muzeum zaczęto budować według planu architekta Windesbela jeszcze za życia rzeźbiarza. Zgromadzono tu 80 posągów, 130 popiersi, 240 płaskorzeźb słynnego mistrza.

Odwiedzający pozostają w pełnej czci ciszy w tej krainie klasycznego piękna. Nic nie odwraca uwagi od kontemplacji naprawdę pięknych dzieł wybitnego przedstawiciela klasycyzmu w rzeźbie.

Thorvaldsen przeszkolił całą galaktykę uczniów. NA od dawna jego sztuka stała się standardem.

Z książki Słownik encyklopedyczny (T-F) autor Brockhaus F.A.

Thorvaldsen Thorvaldsen (Bertel lub Albert Thorvaldsen) – jeden z najwybitniejszych rzeźbiarzy, ur. w Kopenhadze 19 listopada 1770 r. Ojciec T., z urodzenia Islandczyk, był snycerzem i chcąc mieć w synu pomocnika, w 1787 r. zapisał go jako studenta Akademii Kopenhaskiej

Z książki 100 świetnych muzyków autor Samin Dmitry

GIUSEPPE TARTINI /1692-1770/ „Giuseppe Tartini” – pisał Dawid Ojstrach – „jest jednym z luminarzy włoskiej szkoły skrzypcowej XVIII wieku, której sztuka do dziś zachowała swoje artystyczne znaczenie. W muzyce Tartini przyciąga ją przede wszystkim

Z książki Duży Encyklopedia radziecka(PE) autora TSB

LUDWIG VAN BEETHOVEN /1770-1826/ W Bonn w grudniu 1770 roku w rodzinie nadwornego muzyka Beethovena urodził się syn, któremu nadano imię Ludwig. To był już drugi Ludwig: pierwszy urodził się dwa lata wcześniej i wkrótce potem zmarł. Dokładna data jego narodziny są nieznane. W tamtych czasach nie

Z książki Wielkiej Encyklopedii Radzieckiej (TO) autora TSB

Z książki Medal nagrody. W 2 tomach. Tom 1 (1701-1917) autor Kuzniecow Aleksander

45. LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770–1827) Ludwig van Beethoven, największy ze wszystkich kompozytorów, urodził się w 1770 roku w Bonn w Niemczech. Jego talent objawił się w wczesny wiek. Pierwsze opublikowane dzieła Beethovena datowane są na rok 1783. W młodości odwiedził Wiedeń, gdzie

Z książki 100 wielkich rosyjskich emigrantów autor Bondarenko Wiaczesław Wasiljewicz

Ludwig van Beethoven (1770–1826) W grudniu 1770 r. w Bonn w rodzinie nadwornego muzyka Beethovena urodził się syn, któremu nadano imię Ludwig. To był już drugi Ludwig: pierwszy urodził się dwa lata wcześniej i wkrótce potem zmarł. Dokładna data jego urodzin nie jest znana. W tamtych czasach nie

Z książki Mistrza malarstwo historyczne autor Lachowa Krystyna Aleksandrowna

Z książki 100 znanych bitew autor Karnatsewicz Władysław Leonidowicz

Z książki 100 wielkich podróżników [z ilustracjami] autor Muromow Igor

Dmitrij Golicyn (1770–1840) Książę Dmitrij Dmitriewicz Golicyn pochodził ze znanego i szlacheckiego rodu. Jego ojcem był Dmitrij Aleksiejewicz Golicyn, ambasador Rosji w Holandii, a matką hrabina Adelheid-Amalia von Schmettau, córka słynnego pruskiego

Z książki autora

Meriwether Lewis (1770–1838) Amerykański podróżnik. Podczas podróży do Ameryki Północnej wraz z W. Clarkiem prześledził cały bieg Missouri, wypływając łódkami z ujścia wielka rzeka do swojego głównego źródła włącznie, w odległości ponad 4700 kilometrów. Pamiętniki

„Pomnik poległych gwardzistów w Lucernie” - ranny lew. Tak nazwał Mark Twain pomnik najsmutniejszy pomnik na świecie

Bertela Thorvaldsena ( duński Bertela Thorvaldsena; 19 listopada 1770, Kopenhaga - 24 marca 1844, ibid.) – duński artysta, rzeźbiarz, najwybitniejszy przedstawiciel śp klasycyzm.

]Biografia

Syn islandzki rzeźbiarz, który osiadł w Danii. Studiował w Kopenhaskiej Akademii Sztuk. W 1797 Pan poszedł do Rzym i spędził ponad czterdzieści lat we Włoszech. Odkrycie świata sztuki starożytnej wywróciło jego życie do góry nogami, a dzień przybycia do Rzymu świętował jako swoje urodziny.

Dla posągu Jasona(1803) pochwalił się sam Thorvaldsen Canova, a następnie duński rzeźbiarz zaczął być postrzegany przez opinię publiczną jako spadkobierca wielkiego Wenecjanina. Trudno wymienić artystę XIX wieku, który zyskał tak powszechne uznanie jak Thorvaldsen. Napływały do niego zamówienia ze wszystkich krajów europejskich. Jego wizyta w Kopenhadze w 1819 roku zaowocowała prawdziwą procesją triumfalną: powitano go z zachwytem Wiedeń i w Berlin i w Warszawa.

W późniejszych latach, w roku 1838, Thorvaldsen zdecydował się na powrót z Włoch do Danii, a wiadomość o tym obchodzono tam jako kamień milowy historia narodowa. W przyszły rok rozpoczęto budowę Muzeum Thorvaldsena w Kopenhadze, która miała stać się jego mauzoleum.

Fabryka

Ganimedes karmiący orła Zeusa (1817).

Thorvaldsen był jednym z najpłodniejszych rzeźbiarzy w historii sztuki. Prawie wszystkie jego najlepsze rzeczy są włączone antyczne historie. Współczesnym wydawało się, że to on był w stanie poczuć i odtworzyć esencję sztuka klasyczna Grecja i Rzym. Wspaniały fryz z przedstawieniami czynów Aleksander Wielki V Pałac Kwirynalski stworzył w 1812 roku w zaledwie trzy miesiące, w oczekiwaniu na zbliżającą się wizytę w Rzymie Napoleon. Inne godne uwagi dzieła to rzeźby Ganimedes z filiżanką i orłem (1804), Kupidyn i Psyche (1807 ),Wenus z jabłkiem(1813-1816), medaliony Dzień I Noc (1814 -1815), Rtęć z rurą(1818), Ganimedes karmiący orła Zeusa (1817), Trzy Łaski(1817-1819) i tak dalej.

Wyidealizowane popiersia portretowe Thorvaldsena cieszyły się zainteresowaniem w całej Europie. Uwieczniał w marmurze nie tylko monarchów (np. Aleksandra I), ale także liczni przedstawiciele arystokracji różnych państw (w tym rosyjskiej). Jednym z jego najlepszych obrazów portretowych jest autoportret ( 1839 ). Thorvaldsen jest także autorem pomników Józef Poniatowski (1820 -1829 ), N. Kopernik (Warszawa, 1829-1830),J. Byrona (Cambridge, 1830 -1831 ), F. Schillera (Stuttgart, 1835 -1839).

Oprócz portretu i rzeźby mitologicznej Thorvaldsen rozwinął sporo tematów biblijnych i chrześcijańskich. To prawda, że \u200b\u200bjuż za życia autora dzieła religijne Zarzucano im chłód i bezduszność: starożytna forma, oderwana od tematu, nie dawała się łączyć z żarliwym chrześcijańskim nauczaniem. Podobnie jak u innych mistrzów klasycyzmu, od drugiej połowy XIX wieku w kręgach krytyków sztuki rozpoczęła się reakcja przeciwko Thorvaldsenowi. Jego prace nazywano pompatycznymi, pozbawionymi prawdziwego uczucia, jego marmur porównywano do brył lodu. Tylko w Danii kult Thorvaldsena przetrwał w niezmienionej formie do dziś.

Bertel Thorvaldsen urodził się 19 listopada 1770 roku w Kopenhadze. Jego ojciec, z urodzenia Islandczyk, był rzeźbiarzem. Nie miał wielkiego talentu, ale udało mu się zaszczepić w synu zainteresowanie rzeźbą i rysunkiem. „Miałem pasję do rysowania” – wspominał później rzeźbiarz. - Widząc kiedyś, jak to robię na drzwiach i ścianach domu, jeden z przyjaciół mojego ojca zauważył, że na pewno mam dar, i zapytał ojca, czy zamierza wysłać mnie do Akademii Sztuk Pięknych. Śniąc o tym, błagałam go, aby nalegał na podjęcie decyzji o moim losie. I tak w 1781 roku Bertel został studentem Królewskiej Akademii Sztuk w Kopenhadze.
Wkrótce młody człowiek został nagrodzony małym i dużym srebrnym medalem w klasie rzeźby, a w 1791 r. - małym złotym medalem. Pomaga jednemu ze swoich nauczycieli, Nikołajowi Abilgorowi, przy urządzaniu rezydencji królewskiej w Kopenhadze – Amalienborgu.
Jego głównym mentorem w Kopenhadze był utalentowany duński rzeźbiarz Videvelt, który nauczył Thorvaldsena kochać i rozumieć sztukę starożytną.
W 1793 roku Thorvaldsen otrzymał Wielki Złoty Medal za ulgę „Piotr uzdrawia kulawego”, a wraz z nim prawo do emerytury we Włoszech. Umożliwiło to otrzymanie stypendium i kontynuację nauki we Włoszech. Jednak Thorvaldsenowi udało się przybyć do Rzymu dopiero 8 marca 1797 r. Odtąd obchodzi ten dzień jako swoje urodziny.
W Rzymie Thorvaldsen stał się częścią najbliższego kręgu przyjaciół samego Goethego, skupionego wokół Wilhelma von Humboldta. Thorvaldsen spędza także dużo czasu w galeriach watykańskich.
Thorvaldsen spędził większość swojego życia we Włoszech, około czterdziestu lat, nigdy nie zapominając o swojej małej ojczyźnie. Był stale związany z Kopenhagą, wysyłał tam zakupione przez siebie antyki, a przed śmiercią zapisał miastu wszystkie swoje dzieła.
Do sukcesu w Rzymie i przedłużenia podróży służbowej przyczyniło się utworzenie grupy „Bachus i Ariadna”, a zwłaszcza rzeźby „Jazon” (1803). „Jazon” zaprezentował wszystkie główne cechy stylu wielkiego mistrza – doskonałą prostotę i klarowność struktury kompozycyjnej, upodobanie do postaci odważnych i szlachetnych; mocne, pewne uformowanie formy.
Antonio Canova powiedział o posągu Thorvaldsena „Jason”, że jest to nowe słowo w rzeźbie. Dzięki Jasonowi młody rzeźbiarz szybko zyskał sławę wśród miłośników sztuki. Otrzymuje wiele zleceń. Artystę odwiedzają szlachetni podróżnicy, posiada środki na rozbudowę swojego warsztatu i przyciąganie do pracy studentów i praktykantów.
Przy całej swojej miłości do twórczości starożytnych rzeźbiarzy, na przykład Fidiasza czy Praksytelesa, Thorvaldsen nie stał się jednak ich ślepym naśladowcą. Sztuka starożytna była w istocie jedynie źródłem inspiracji dla Thorvaldsena, jednak w samej swojej twórczości pozostawał on zawsze wysoce indywidualny, wierny swojemu wyjątkowemu geniuszowi, równie mocny w dziedzinie posągów, jak i w dziedzinie reliefu.
Thorvaldsen wykorzystywał duże posągi do wyrażania potężnych idei artystycznych, podczas gdy płaskorzeźba zrodziła całą masę pełnych wdzięku zabawnych, czule kochających i innych myśli i uczuć, które nieustannie pobudzały jego wyobraźnię. Thorvaldsen pracował niestrudzenie i zwykle przed przystąpieniem do projektowania wymyślonego modelu szkicował go ołówkiem i rozwijał w szkicach, czasem nawet dwadzieścia i więcej razy. Od 1803 do 1819 roku Thorvaldsen wykonał wiele dużych i małych posągów oraz płaskorzeźb.
W szczególności stworzył „Kupidyna i Psyche”, „Adonisa”, „Marsa i Kupidyna”, „Wenus z jabłkiem”, „Hebe”, „Ganymedsorlom”, „Pasterza”, „Marsz Aleksandra Wielkiego”, „Tancerze”, „Trzy Gracje”; płaskorzeźby „Achilles i Bresenda”, „Priam błagający o ciało Hektora” i wiele innych.
W 1818 roku Thorvaldsen ukończył prace nad rzeźbą „Merkury z fajką”. Historia powstania tego niesamowitego posągu jest bardzo charakterystyczna dla zrozumienia, jak działał Thorvaldsen. Któregoś dnia, idąc na kolację, Thorvaldsen zauważył młodego Włocha, na wpół siedzącego, na wpół stojącego w drzwiach domu. Piękno i oryginalność pozy zadziwiły rzeźbiarza. Przeszedł obok, ale wrócił w połowie drogi i zastając młodego człowieka wciąż w tej samej pozycji, nie zwlekał z dokładnym przypomnieniem sobie szczegółów sytuacji. Następnie, po szybkim lunchu, Thorvaldsen wrócił do domu, aby rozpocząć szkicowanie nowego posągu, a następnego dnia zaczął poważnie pracować nad modelem Merkurego.
Thorvaldsen wybrał z fabuły spokojny, ale w rzeczywistości ekscytujący moment. Nieszkodliwa, bezczynna pozycja na wpół siedzącej, na wpół stojącej postaci Merkurego z fajką właśnie wyjętą z ust maskuje krwawy zamiar. Prawa stopa właściwie dociska piętą pochwę miecza, aby łatwiej było ją dobyć wolną ręką. Rysy twarzy i postawa postaci wyrażają wzmożoną czujność i gotowość do działania. To ostatnie jest szczególnie doskonale oddane – wydaje się, że Merkury zaraz wstanie i dobędzie miecza.
W 1820 roku Thorvaldsenowi powierzono projekt rzeźbiarski głównej katedry w Kopenhadze - Katedry Najświętszej Marii Panny. Artysta tworzy zespół, na który składa się dwanaście postaci apostołów umieszczonych wzdłuż ścian nawy głównej katedry, figura Chrystusa w absydzie oraz wizerunek klęczącego anioła. Thorvaldsen wykonał wszystkie posągi większe niż naturalnej wielkości.
„Postać Chrystusa” – pisze Malinkovskaya – „łączy w sobie ruch w stronę ludzi i statyczność. Jego ręce zdają się zakrywać ludzi sobą, chronić ich, a jednocześnie odpychać, nie pozwalając im się zbliżyć. Zamrożone, pozornie zaabsorbowane wizerunki apostołów tworzą u osób wchodzących do kościoła nastrój zaabsorbowania sobą, skupienia i wyrzeczenia się światowej próżności”.
W tym samym dwudziestym roku Thorvaldsen wrócił do Włoch, gdzie dużo pracował na zamówienia z różnych krajów europejskich: Polski, Niemiec, Anglii, Włoch, Danii. Są to przede wszystkim pomniki Kopernika dla katedry krakowskiej (1823), Schillera w Stuttgarcie (1835), Byrona w Cambridge (1831), papieża Piusa VII w katedrze św. Piotra w Rzymie (1824-1831) itp.
Thorvaldsen dał się także poznać jako genialny portrecista. Stworzył wiele wspaniałych portretów. Wśród tych, których przedstawił rzeźbiarz, znalazły się osoby panujące - Napoleon, Aleksander I, król polski Poniatowski, a także wielcy poeci - Lord Byron, Schiller.
Rzeczywiście, portret księżniczki Marii Fiodorowna Bariatyńskiej, żony słynnego rosyjskiego dyplomaty II, stał się przykładem harmonii, przejrzystości i czystości formy. Bariatynski.
„Baryatinskaya jest przedstawiona w zamyślonej pozie, z głową lekko przechyloną w prawo” – pisze Malinkovskaya. - Lewa ręka trzyma powiewny szal, prawa jest uniesiona do twarzy. Owal twarzy księżniczki jest idealnie piękny, jej sylwetka jest wspaniale zbudowana, widoczna przez fałdy ubrania. Poza jest pełna wdzięku i jednocześnie pełna dostojeństwa. Nienaganna linia zarysowuje sylwetkę Thorvaldsena, fałdy ubrania układają się w płynny rytm. Portret Bariatyńskiej, wykonany w 1818 r., uznawany jest za jedno z najwybitniejszych dzieł rzeźby europejskiej pierwszej tercji XIX wieku.
W 1825 r. Thorvaldsen został wybrany na prezesa Akademii św. Łukasza w Rzymie, a w 1833 r. na prezesa Akademii Sztuk Pięknych w Kopenhadze. Był także członkiem honorowym Francuskiej i Rosyjskiej Akademii Sztuki, akademii w Berlinie, Monachium, Florencji i Mediolanie.
W 1838 roku Thorvaldsen zdecydował się ostatecznie wrócić do ojczyzny. Tutaj spotkało go huczne przyjęcie. Wielki rzeźbiarz pozostałe lata życia poświęcił ojczyźnie. Jego najważniejszymi dziełami z tego okresu są fryzy „Wejście Chrystusa do Jerozolimy” i „Procesja na Kalwarię”. Oprócz nich wykonał wiele drobnych prac, intensywnie zaangażował się w opracowanie planu i zorganizowanie (ze środków zebranych z powszechnej subskrypcji) muzeum, w którym miały znajdować się wszystkie jego dzieła.
W testamencie rzeźbiarza czytamy: „Przekazuję miastu Kopenhaga w Danii dzieła sztuki, spośród moich obrazów, rzeźb, płaskorzeźb, rycin i litografii, medali itp., przedmioty zarówno starożytne, jak i nowożytne, a także dzieła na temat kamień, wyroby ze złota, brąz antyczny, wazony etruskie, terakota, książki, antyki egipskie i greckie oraz inne przedmioty związane z naukami ścisłymi i sztukami pięknymi.
Thorvaldsen zmarł w Kopenhadze 24 marca 1844 roku podczas wieczornego przedstawienia w Teatrze Królewskim. Ciało Thorvaldsena pochowano pod prostą kamienną płytą pośrodku dziedzińca utworzonego przez cztery skrzydła muzeum nazwanego jego imieniem, w którym znajduje się 80 posągów, 130 popiersi i 240 płaskorzeźb słynnego mistrza.

Historia stworzenia Bertela Thorvaldsena
rzeźby M.F. Bariatyńska

Jestem pewien, że żaden z gości Muzeum Państwowe sztuki piękne nazwany na cześć A.S. Puszkina w Moskwie, nie przejdziesz obok którejś z sal i nie przestaniesz podziwiać białej marmurowej figury księżniczki Marii Fiodorowna Bariatyńskiej, wykonanej przez wielkiego duńskiego rzeźbiarza Bertela Thorvaldsena, najprawdopodobniej w latach 30. XIX wieku . Pojawia się przed nami w wdzięcznie powiewających szatach grecka bogini. Jak Wenus czy Hebe. W olśniewającym pięknie, majestacie, szlachetności i uroku.

Ale w tej boskiej wizji jest pewna, ledwo zauważalna manifestacja ziemskich uczuć. Zwróć uwagę na palec księżniczki żartobliwie uniesiony do brody. To właśnie ten gest dostrzeżony przez artystkę, charakterystyczny prawdopodobnie dla Marii Fiodorowna, przywraca mitologiczną Wenus z nieosiągalnych wyżyn na ziemię, do prawdziwych ludzkich nastrojów, czyni ją kobietą całkowicie ziemską. Na jej twarzy także dostrzegamy subtelny cień ziemskiej zamyślenia, lekkiej, zwiewnej, czarującej.

Maria Fiodorowna Bariatyńska, z domu hrabina Keller, żona księcia Iwan Iwanowicz Bariatynski, jedna z najszlachetniejszych i najbogatszych rosyjskich szlachciców, słynęła z olśniewającej, nieodpartej urody, bystrego umysłu, wykształcenia, hojności i życzliwości. Iwan Iwanowicz Bariatynski, który był jej idolem, nazwał na jej cześć swoją posiadłość „Maryino”. A będąc w Rzymie, zlecił wykonanie jej marmurowej figury najwybitniejszemu mistrzowi w Europie, słynnemu Thorvaldsenowi. Chętnie się zgodził. Pracował z zachwytem, przyjemnością, ekstazą. W marmur zainwestował nie tylko swój talent, niezrównane umiejętności, ale także wielkie duchowe przywiązanie do rosyjskiego piękna. I stworzył jedno ze swoich najlepszych dzieł.

Ale wydarzyło się coś zupełnie nieoczekiwanego. Sam rzeźbiarz tak bardzo polubił rzeźbę, że nie chciał jej oddać klientowi, Iwanowi Iwanowiczowi Bariatyńskiemu. Zamiast tego wysłał rzeźbę do swojej ojczyzny, Kopenhagi, gdzie w tym czasie powstało Muzeum Thorvaldsena, w którym mistrz zgromadził swoje ukochane, najważniejsze dzieła.

Ale Baryatinsky uparcie domagał się wykonania rozkazu; nie rozumiał dziwnej powolności szanowanego mistrza. Thorvaldsen musiał szybko stworzyć coś, co było prawdopodobnie luźnym powtórzeniem oryginału. Tym razem pomagał mu jego uczeń Friedrich Bissen. Postać została wykonana z tą samą profesjonalną błyskotliwością i perfekcją i została przekazana Bariatyńskiemu. On, nieświadomy skomplikowanych perypetii jego powstania, był bardzo zadowolony z pracy. Z ogromnymi trudnościami postać została sprowadzona z Rzymu na odludzie Kurska, na Maryino. Pomnik umieszczono w jednej z głównych sal pałacu.

ROZDZIAŁ I. ŚCIEŻKA TWÓRCZOŚCI THORVALDSENA

Bertel Thorvaldsen (1770-1844), duński artysta, rzeźbiarz, przedstawiciel ruchu neoklasycznego.
Bertel Thorvaldsen to najbardziej znaczące nazwisko w rzeźbie neoklasycznej. Wspiął się z biedy na sam szczyt bogactwa i sukcesu. Całe życie Thorvaldsena reprezentowało romantyzm XVIII i XIX wieku.
Przy całej swojej miłości do twórczości starożytnych rzeźbiarzy, na przykład Fidiasza czy Praksytelesa, Thorvaldsen nie stał się jednak ich ślepym naśladowcą. Sztuka starożytna była w istocie jedynie źródłem inspiracji dla Thorvaldsena, jednak w samej swojej twórczości pozostawał on zawsze wysoce indywidualny, wierny swojemu wyjątkowemu geniuszowi, równie mocny w dziedzinie posągów, jak i w dziedzinie płaskorzeźby.
Thorvaldsen wykorzystywał duże posągi do wyrażania potężnych idei artystycznych, podczas gdy płaskorzeźba zrodziła całą masę pełnych wdzięku zabawnych, czule kochających i innych myśli i uczuć, które nieustannie pobudzały jego wyobraźnię. Thorvaldsen pracował niestrudzenie i zwykle przed przystąpieniem do projektowania wymyślonego modelu szkicował go ołówkiem i rozwijał w szkicach, czasem nawet dwadzieścia i więcej razy. Od 1803 do 1819 roku Thorvaldsen wykonał wiele dużych i małych posągów oraz płaskorzeźb.
Orvaldsen był jednym z najpłodniejszych rzeźbiarzy w historii sztuki. Prawie wszystkie jego najlepsze dzieła opierają się na tematyce starożytnej. Współczesnym wydawało się, że to on był w stanie poczuć i odtworzyć istotę klasycznej sztuki Grecji i Rzymu. Stworzył okazały fryz przedstawiający poczynania Aleksandra Wielkiego w Pałacu Kwirynalskim w ciągu zaledwie trzech miesięcy 1812 roku, w oczekiwaniu na zbliżającą się wizytę Napoleona w Rzymie. Inne znane dzieła to rzeźby Ganimedesa z kielichem i orłem (1804), Kupidyna i Psyche (1807), Wenus z jabłkiem (1813-1816), Medaliony Dnia i Nocy (1814-1815), Merkury z fajką ( 1818), Ganimedes karmiący orła Zeusa (1817), Trzy Gracje (1817-1819) i tak dalej.

Wyidealizowane popiersia portretowe Thorvaldsena cieszyły się zainteresowaniem w całej Europie. Uwieczniał w marmurze nie tylko monarchów (np. Aleksandra I), ale także licznych przedstawicieli arystokracji różnych państw (w tym rosyjskiej). Jednym z jego najlepszych obrazów portretowych jest Autoportret (1839). Thorvaldsen jest także autorem pomników Józefa Poniatowskiego (Pomnik księcia Józefa Poniatowskiego w Warszawie, 1820-1829), N. Kopernika (Pomnik Mikołaja Kopernika w Warszawie, 1829-1830), J. Byrona (Cambridge, 1830-1831) , F. Schiller (Stuttgart, 1835-1839).

Oprócz portretu i rzeźby mitologicznej Thorvaldsen rozwinął sporo tematów biblijnych i chrześcijańskich. To prawda, że już za życia autora jego dzieła religijne zarzucano, że są zimne i bezduszne: starożytna forma, oderwana od tematu, nie dawała się łączyć z żarliwym chrześcijańskim nauczaniem. Począwszy od drugiej połowy XIX wieku, podobnie jak wielu innych artystów, zaczął być atakowany przez środowiska krytyki sztuki w wyniku powszechnej reakcji na klasycyzm. Jego prace nazywano pompatycznymi, pozbawionymi prawdziwego uczucia, jego marmur porównywano do brył lodu. Tylko w Danii kult Thorvaldsena przetrwał w niezmienionej formie do dziś.

Bertel Thorvaldsen to wybitny przedstawiciel późnego klasycyzmu w rzeźbie. Urodził się w Kopenhadze (Dania) w 1770 roku. Jego ojciec, pochodzenia islandzkiego, był rzeźbiarzem w drewnie. Nie miał wielkiego talentu, ale udało mu się zaszczepić w synu zainteresowanie rzeźbą i rysunkiem. Absolwent Królewskiej Akademii Sztuk w Kopenhadze. Jego głównym mentorem był duński rzeźbiarz Wiedewelt, który nauczył go kochać i rozumieć sztukę starożytną. W 1793 r. Thorvaldsen otrzymał Wielki Złoty Medal za ulgę „Piotr uzdrawia kulawego”, a wraz z nim prawo do emerytury we Włoszech, co umożliwiło kontynuację studiów we Włoszech, w Rzymie.

„Ganimedes z orłem”, 1817-29 Muzeum w Kopenhadze

Jak pisze Łunaczarski: „Przywiózł ze sobą do Rzymu z Danii nie tylko duszę przepojoną najnowszym na owe czasy sentymentalizmem – bynajmniej nie sztuczną i wywodzącą się z samego źródła silnego filistynizmu – ale także entuzjastyczną miłość do człowieka , za najpiękniejszą rzecz, na którą można patrzeć oczami: harmonijnie rozwinięte ciało ludzkie. Żadna ilość filistynizmu nie może przyćmić głównej nuty nowego renesansu - estetyzmu i humanizmu! W Rzymie Thorvaldsen nie tylko mógł dość zobaczyć greckie piękno, ale także znalazł się w najbliższym kręgu przyjaciół samego Goethego, skupionym wokół takiej osoby jak Wilhelm von Humboldt. Warunki były zatem niezwykle sprzyjające rozwojowi jego talentu”.

„Wenus z jabłkiem”

Do najsłynniejszych dzieł rzeźbiarza należą rzeźby „Wenus z jabłkiem” (1813–1816), „Kupid i Psyche” (1807), „Ganimedes z kielichem i orłem” (1804), medaliony „Trzy Gracje ” (1817–1819), „Ganimedes karmiący orła Zeusa” (1817), „Merkury z fajką” (1818), „Dzień i noc” (1814–1815) i inne.

Thorvaldsen słusznie uważany jest za jednego z najbardziej produktywnych rzeźbiarzy w historii sztuki. Było to wyłącznie jego zasługą – Thorvaldsen pracował całkowicie niestrudzenie. Zanim zaczął rzeźbić model, szkicował go i przerysowywał ołówkiem dwadzieścia (lub więcej!) razy...

„Wenus z jabłkiem”

Można powiedzieć, że wszystko jest jego najlepsze prace odtworzyć starożytne sceny. Panowała wówczas opinia, że tylko Thorvaldsen potrafił odczuć i odzwierciedlić istotę starożytnej sztuki Rzymu i Grecji.

Thorvaldsen spędził większość swojego życia we Włoszech, około czterdziestu lat, nigdy nie zapominając o swojej małej ojczyźnie. Był stale związany z Kopenhagą, wysyłał tam zakupione przez siebie antyki, a przed śmiercią zapisał miastu wszystkie swoje dzieła. Do sukcesu w Rzymie i przedłużenia podróży służbowej przyczyniło się utworzenie grupy „Bachus i Ariadna”, a zwłaszcza rzeźby „Jazon” (1803).

Pomnik portretowy księżniczki Marii Fiodorowna Bariatyńskiej, żony słynnego rosyjskiego dyplomaty I.I. Bariatynski. 1818

W kamieniu i marmurze uwiecznił zarówno monarchów (Aleksander I), jak i wielu przedstawicieli rodów arystokratycznych z całego świata. Tworzył także pomniki, z których najbardziej znane to F. Schiller (Stuttgart, 1835-1839), J. Byron (Cambridge, 1830-1831), N. Copernicus (pomnik N. Kopernika w Warszawie, 1829-1830), Józef Poniatowski (pomnik księcia Józefa Poniatowskiego w Warszawie, 1820-1829).

„Trzy Gracje”

"Pasterz"

„Merkury z fajką”, 1818, Muzeum Thorvaldsena, Kopenhaga

Bogini Nadziei, 1859

Kupidyn i Psyche

Napoleona Bonapartego. 1830

Lew Lucerny, zaprojektowany przez Bertela Thorvaldsena i wyciosany w latach 1820-21 przez Lukasa Ahorna.

„Mars i Kupidyn”

Posąg Wulkana

„Jazon” (1803)

Herkules

Lorda George'a Gordona Byrona

Fryderyk Schiller

Figura papieża Piusa VII w Bazylice św. Piotra w Rzymie (1824-1831)

Muzeum Thorvaldsena

Thorvaldsen zajmował się nie tylko rzeźbą mitologiczną i portretową, ponadto wiele czasu poświęcił rozwojowi twórczości biblijnej i Motywy chrześcijańskie. Już za życia rzeźbiarza jego dzieła religijne oskarżano o bezduszność i zimno. Starożytna forma, oderwana od tematu, w żaden sposób nie łączyła się z żarliwym i żarliwym nauczaniem chrześcijańskim. I już w drugiej połowie XIX wieku, podobnie jak wielu innych artystów tamtych czasów, zaczął być krytykowany przez środowiska krytyki sztuki. Było to wynikiem ogólnej reakcji na klasycyzm. Twórczość Thorvaldsena uznano za nie tylko pompatyczną, ale i zimną, pozbawioną prawdziwego uczucia. A dzieła wykonane z marmuru porównywano do brył lodu. Jedynym państwem, w którym kult rzeźbiarza pozostał niezmieniony, jest Dania.