15 sierpnia 2011, 16:39

1833 Olej na płótnie. 456,5 x 651 cm
Państwowe Muzeum Rosyjskie w Petersburgu

Malarstwo Bryullova można nazwać kompletnym, uniwersalnym
stworzenie. Wszystko się w nim zawierało.
Mikołaj Gogol.

W nocy z 24 na 25 sierpnia 79 r. n.e. mi. erupcja Wezuwiusza Miasta Pompeje, Herkulanum i Stabia zostały zniszczone. W 1833 roku napisał Karl Bryullov jego słynny obraz „Ostatni dzień Pompejów”.

Trudno wymienić obraz, który odniósłby wśród współczesnych taki sam sukces jak „Ostatni dzień Pompejów”. Gdy tylko płótno zostało ukończone, rzymski warsztat Karla Bryullowa przeszedł prawdziwe oblężenie. "WCały Rzym zgromadził się, żeby zobaczyć moje zdjęcie”., – napisał artysta. Wystawiony w 1833 roku w Mediolanie„Pompeje” dosłownie zszokował publiczność. Gazety i czasopisma pełne były pochwalnych recenzji,Bryullowa nazywano żywym Tycjanem, drugi Michał Anioł, nowy Rafael...

Na cześć rosyjskiego artysty odbywały się obiady i przyjęcia, a także dedykowano mu wiersze. Gdy tylko Bryullov pojawił się w teatrze, sala eksplodowała brawami. Malarza rozpoznawano na ulicach, obsypywano kwiatami, a czasem uroczystość kończyła się noszeniem go przez fanów na rękach ze piosenkami.

W 1834 r. obraz opcjonalnyklient, przemysłowiec A.N. Demidowa, był wystawiany na Salonie Paryskim. Reakcja publiczności nie była tu tak gorąca jak we Włoszech (zazdrość! – wyjaśniali Rosjanie), ale „Pompeje” zostały nagrodzone złotym medalem Francuskiej Akademii Sztuk Pięknych.

Trudno sobie wyobrazić entuzjazm i patriotyczny entuzjazm, z jakim obraz został przyjęty w Petersburgu: dzięki Bryullovowi malarstwo rosyjskie przestało być pilnym uczniem wielkich Włochów i stworzyło dzieło, które zachwyciło Europę!Obraz został podarowany Demidow Mikołaj I , który na krótko umieścił go w Cesarskim Ermitażu, a następnie podarował Akademia sztuka

Według wspomnień współczesnego człowieka „tłumy gości, można powiedzieć, wdzierały się do sal Akademii, aby popatrzeć na Pompeje”. O arcydziele rozmawiali na salonach, dzielili się opiniami w prywatnej korespondencji, robili notatki w pamiętnikach. Dla Bryulłowa nadano honorowy przydomek „Karol Wielki”.

Pod wrażeniem obrazu Puszkin napisał sześciowierszowy wiersz:
„Wezuwiusz się otworzył – dym wylał się w chmurze – płomienie
Szeroko rozwinięta jako flaga bojowa.
Ziemia jest wzburzona - od chwiejnych kolumn
Idole upadają! Naród napędzany strachem
Pod kamiennym deszczem, pod płonącym popiołem,
W tłumie, starzy i młodzi, uciekający z miasta.”

Gogol wspaniale zadedykował „Ostatni dzień Pompejów”. szczegółowy artykuł, a poeta Jewgienij Baratyński wyraził ogólną radość w dobrze znanym improwizacji:

« Przyniosłeś trofea pokojowe
Z tobą pod baldachimem twojego ojca,
I stał się „Ostatnim dniem Pompejów”
Pierwszy dzień rosyjskiego pędzla!”

Nieumiarkowany entuzjazm już dawno opadł, ale i dziś malarstwo Bryullowa robi silne wrażenie, wykraczające poza uczucia, jakie zwykle budzi w nas malarstwo, nawet bardzo dobre. O co chodzi?

„Ulica Grobowa” W głębi znajduje się Brama Herkulanowska.
Fotografia z drugiej połowy XIX wieku.

Od czasu rozpoczęcia wykopalisk w Pompejach w połowie XVIII wieku miastem, które zostało zniszczone przez erupcję Wezuwiusza w 79 r., cieszy się duże zainteresowanie. e., nie zniknęło. Europejczycy przybywali do Pompejów, aby wędrować po ruinach, uwolnionych od warstwy skamieniałego popiołu wulkanicznego, podziwiać freski, rzeźby, mozaiki i zachwycać się nieoczekiwanymi znaleziskami archeologów. Wykopaliska przyciągały artystów i architektów; akwaforty przedstawiające Pompeje cieszyły się wielką popularnością.

Bryulłow , który jako pierwszy odwiedził wykopaliska w 1827 roku, bardzo trafnie przekazałpoczucie empatii dla wydarzeń sprzed dwóch tysięcy lat, który obejmuje każdego, kto przyjedzie do Pompejów:„Widok tych ruin mimowolnie przeniósł mnie do czasów, gdy te mury były jeszcze zamieszkane /.../. Nie da się przejść przez te ruiny, nie czując w sobie zupełnie nowego uczucia, które sprawi, że zapomnisz o wszystkim poza strasznym wydarzeniem z tym miastem.

Artysta starał się w swoim malarstwie wyrazić to „nowe uczucie”, stworzyć nowy obraz starożytności – nie abstrakcyjny obraz muzealny, ale holistyczny i pełnokrwisty. Do epoki przyzwyczaił się ze skrupulatnością i troską archeologa: ponad pięć lat na stworzenie samego płótna o powierzchni 30 metrów kwadratowych Zajęło to zaledwie 11 miesięcy, resztę czasu pochłonęły prace przygotowawcze.

„Wziąłem tę scenerię całkowicie z życia, nie wycofując się ani nie dodając, stojąc tyłem do bram miasta, aby zobaczyć część Wezuwiusza jako główny powód„” – podzielił się Bryullov w jednym ze swoich listów.Pompeje miały osiem bram, aledalej artysta wspomniał o „schodach prowadzących do Sepolcri Sc au ro „ – monumentalny grobowiec wybitnego obywatela Skaurusa, co daje nam możliwość dokładnego ustalenia miejsca akcji wybranego przez Bryulłowa. Mówimy o Bramie Herkulanowskiej w Pompejach ( Porto w Ercolano ), za którym już za miastem zaczynała się „Ulica Grobów” ( Via dei Sepolcri) - cmentarz ze wspaniałymi grobowcami i świątyniami. Ta część Pompejów powstała w latach dwudziestych XIX wieku. była już dobrze oczyszczona, co pozwoliło malarzowi z maksymalną dokładnością odtworzyć architekturę na płótnie.

Grób Skaurusa. Rekonstrukcja XIX wieku.

Odtwarzając obraz erupcji Bryulłow wzorował się na słynnych listach Pliniusza Młodszego do Tacyta. Młody Pliniusz przeżył erupcję w porcie Miseno na północ od Pompejów i szczegółowo opisał to, co zobaczył: domy, które zdawały się ruszać ze swoich miejsc, płomienie rozprzestrzeniające się szeroko po stożku wulkanu, gorące kawałki pumeksu spadające z nieba , ulewny deszcz popiołu, czarna nieprzenikniona ciemność, ogniste zygzaki, jak gigantyczne błyskawice... I Bryullov przeniósł to wszystko na płótno.

Sejsmolodzy są zdumieni, jak przekonująco przedstawił trzęsienie ziemi: patrząc na walące się domy, można określić kierunek i siłę trzęsienia ziemi (8 punktów). Wulkanolodzy zauważają, że erupcja Wezuwiusza została napisana z całą możliwą dokładnością na tamte czasy. Historycy twierdzą, że obraz Bryulłowa można wykorzystać do badania kultury starożytnego Rzymu.

Aby rzetelnie uchwycić świat starożytnych Pompejów zniszczonych przez katastrofę, Bryullov pobrał jako próbki przedmioty i pozostałości ciał znalezione podczas wykopalisk oraz wykonał niezliczone szkice w Muzeum Archeologicznym w Neapolu. Metodę przywracania zmarłym pozy umierającej poprzez wapno w puste przestrzenie powstałe po ciałach wynaleziono dopiero w 1870 r., ale już w trakcie tworzenia obrazu szkielety odkryte w skamieniałych popiołach świadczyły o ostatnich konwulsjach i gestach ofiar . Matka przytulająca swoje dwie córki; młoda kobieta, która upadła z rydwanu, który uderzył w bruk wyrwany z chodnika przez trzęsienie ziemi; ludzie na stopniach grobowca Skaurusa, chroniący głowy przed opadami skał stołkami i naczyniami – to wszystko nie jest wytworem wyobraźni malarza, ale artystycznie odtworzoną rzeczywistością.

Na płótnie widzimy postacie obdarzone rysami portretowymi samego autora i jego ukochanej, hrabiny Julii Samoilovej. Bryullov przedstawił się jako artysta niosący na głowie pudełko pędzli i farb. Piękne rysy Julii są na zdjęciu rozpoznawane aż czterokrotnie: dziewczynka z naczyniem na głowie, matka przytulająca córki, kobieta tuląca dziecko do piersi, szlachetna Pompejanka, która spadła z rozbitego rydwanu. Autoportret i portrety przyjaciela są najlepszym dowodem na to, że wnikając w przeszłość Bryulłow rzeczywiście zbliżył się do wydarzenia, wywołując u widza „efekt obecności”, czyniąc go niejako uczestnikiem tego, co było happening.

Fragment obrazu:
autoportret Bryulłowaoraz portret Julii Samoilovej.
Fragment obrazu:
kompozycyjny „trójkąt” – matka przytulająca córki.

Malarstwo Bryulłowa podobało się wszystkim – zarówno surowym akademikom, zwolennikom estetyki klasycyzmu, jak i tym, którzy cenili nowość w sztuce i dla których „Pompeje” stały się, jak powiedział Gogol, „jasnym odrodzeniem malarstwa”.Nowość tę do Europy przywiózł świeży powiew romantyzmu. Zasługi malarstwa Bryulłowa upatruje się zwykle w tym, że genialny absolwent petersburskiej Akademii Sztuk Pięknych był otwarty na nowe trendy. Jednocześnie klasycystyczna warstwa obrazu jest często interpretowana jako relikt, nieunikniony hołd artysty złożony rutynowej przeszłości. Wydaje się jednak, że możliwy jest inny zwrot tematu: fuzja dwóch „izmów” okazała się dla filmu owocna.

Nierówna, śmiertelna walka człowieka z żywiołami – taki jest romantyczny patos obrazu. Zbudowany jest na ostrych kontrastach ciemności i katastrofalnego światła erupcji, nieludzkiej mocy bezdusznej natury i dużej intensywności ludzkich uczuć.

Ale jest na tym obrazie coś jeszcze, co przeciwstawia się chaosowi katastrofy: niewzruszony rdzeń świata trzęsącego się aż do fundamentów. Trzon ten stanowi klasyczna równowaga najbardziej złożonej kompozycji, która ratuje obraz przed tragicznym poczuciem beznadziejności. Zbudowana według „przepisów” akademików kompozycja – wyśmiewane przez kolejne pokolenia malarzy „trójkąty”, w które mieszczą się grupy ludzi, równoważące masy po prawej i lewej stronie – odczytywana jest w żywym, pełnym napięcia kontekście obrazu w zupełnie inny sposób niż w suchych i śmiercionośnych akademickich płótnach.

Fragment obrazu: młoda rodzina.
NA pierwszoplanowy- chodnik uszkodzony przez trzęsienie ziemi.
Fragment obrazu: martwa Pompejanka.

„Świat jest nadal harmonijny w swoich podstawach” – to uczucie rodzi się u widza podświadomie, po części wbrew temu, co widzi na płótnie. Pełne nadziei przesłanie artysty odczytywane jest nie na poziomie fabuły obrazu, ale na poziomie jego plastycznego rozwiązania.Dziki pierwiastek romantyczny został ujarzmiony klasycznie doskonałą formą, I w tej jedności przeciwieństw kryje się kolejny sekret atrakcyjności płótna Bryulłowa.

Film opowiada wiele ciekawych i wzruszających historii. Oto zrozpaczony młody mężczyzna spoglądający w twarz dziewczyny w ślubnej koronie, która straciła przytomność lub zmarła. Oto młody mężczyzna przekonujący starszą kobietę siedzącą czymś wyczerpaną. Para ta nazywana jest „Pliniuszem z matką” (choć, jak pamiętamy, Pliniusz Młodszy nie był w Pompejach, ale w Miseno): w liście do Tacyta Pliniusz przekazuje swój spór z matką, która namawiała syna do opuszczenia ją i natychmiast uciekł, ale nie zgodził się opuścić słabej kobiety. Wojownik w hełmie i chłopiec niosą chorego starca; niemowlę, które cudem przeżyło upadek z rydwanu, przytula zmarłą matkę; młody człowiek podniósł rękę, jakby odpierając cios żywiołów ze strony swojej rodziny, dziecko w ramionach żony z dziecięcą ciekawością sięga do martwego ptaka. Ludzie starają się zabrać ze sobą to, co najcenniejsze: pogański kapłan – statyw, chrześcijanin – kadzielnica, artysta – pędzle. Zmarła kobieta niosła ze sobą biżuterię, która teraz leży na chodniku, niepotrzebna nikomu.

Fragment obrazu: Pliniusz z matką.
Fragment obrazu: trzęsienie ziemi - „upadek bożków”.

Tak potężne obciążenie fabularne obrazu może być niebezpieczne dla malarstwa, czyniąc płótno „opowieścią w obrazach”, ale w twórczości Bryullova literacka jakość i bogactwo szczegółów nie niszczą integralność artystyczną obrazy. Dlaczego? Odpowiedź znajdujemy w tym samym artykule Gogola, który porównuje malarstwo Bryullowa „w jego ogromie i połączeniu wszystkiego, co w sobie piękne, z operą, gdyby tylko opera była rzeczywiście połączeniem potrójnego świata sztuk: malarstwa, poezji, muzyki” ( przez poezję Gogol oczywiście miał na myśli w ogóle literaturę).

Tę cechę Pompei można opisać jednym słowem - syntetycznością: obraz organicznie łączy dramatyczną fabułę, żywą rozrywkę i tematyczną polifonię, przypominającą muzykę. (Przy okazji, podłoże teatralne obrazy były prawdziwy prototyp- Opera Giovanniego Pacciniego „Ostatni dzień Pompejów”, którą artysta przez lata pracował na płótnie, wystawiono w neapolitańskim teatrze San Carlo. Bryulłow dobrze znał kompozytora, kilkakrotnie słuchał opery i pożyczał kostiumy swoim opiekunom.)

Williama Turnera. Erupcja Wezuwiusza. 1817

Obraz przypomina więc końcową scenę monumentalnego przedstawienia operowego: najbardziej wyrazista sceneria jest zarezerwowana dla finału, wszystkie historie połączyć i motywy muzyczne splatają się w złożoną polifoniczną całość. Ten obraz-spektakl nawiązuje do starożytnych tragedii, w których kontemplacja szlachetności i odwagi bohaterów w obliczu nieubłaganego losu prowadzi widza do katharsis – duchowego i moralnego oświecenia. Uczucie empatii, które nas ogarnia przed obrazem, przypomina to, czego doświadczamy w teatrze, kiedy to, co dzieje się na scenie, wzrusza nas do łez, a te łzy wnoszą radość do serca.

Gavina Hamiltona. Neapolitańczycy obserwują erupcję Wezuwiusza.
Drugie piętro. XVIII wiek

Obraz Bryullova zapiera dech w piersiach: ogromny rozmiar - cztery i pół na sześć i pół metra, oszałamiające „efekty specjalne”, bosko zbudowani ludzie, jak ożywają starożytne posągi. „Jego postacie są piękne pomimo grozy ich sytuacji. Zagłuszają je swoim pięknem” – pisał Gogol, z wyczuciem ujmując kolejną cechę obrazu – estetyzację katastrofy. Tragedia śmierci Pompejów i szerzej całej starożytnej cywilizacji jawi się nam jako widok niezwykle piękny. Ile warte są te kontrasty: czarna chmura napierająca na miasto, lśniący płomień na zboczach wulkanu i bezlitośnie jasne błyskawice, te posągi uchwycone w samej chwili upadku i budynki walące się jak karton...

Postrzeganie erupcji Wezuwiusza jako majestatycznych przedstawień inscenizowanych przez samą naturę pojawiło się już w XVIII wieku – stworzono nawet specjalne maszyny imitujące erupcję. Tę „wulkaniczną modę” wprowadził brytyjski poseł do Królestwa Neapolu, lord William Hamilton (mąż legendarnej Emmy, przyjaciel admirała Nelsona). Zapalony wulkanolog, dosłownie zakochał się w Wezuwiuszu i nawet zbudował willę na zboczu wulkanu, aby wygodnie podziwiać erupcje. Obserwacje wulkanu w okresie jego aktywności (w XVIII i XIX wieku miało miejsce kilka erupcji), słowne opisy i szkice zmieniającego się piękna, wejścia na krater – oto rozrywka neapolitańskiej elity i gości.

Naturą ludzką jest obserwowanie z zapartym tchem katastrofalnych i pięknych gier natury, nawet jeśli oznacza to balansowanie u ujścia czynnego wulkanu. To ta sama „ekstaza w walce i ciemna otchłań na krawędzi”, o której Puszkin pisał w „Małych tragediach”, a którą Bryullow oddał na swoim płótnie, budząc podziw i przerażenie od niemal dwóch stuleci.

Współczesne Pompeje

Marina Agranowska

Bryulłow Karol Pawłowicz (1799-1852)

Żadne z Artyści europejscy w XIX wieku nie odniósł tak wspaniałego triumfu, jaki przypadł młodym Malarz rosyjski Karol Pawłowicz Bryulłow, kiedy w połowie 1833 roku otworzył przed widzami drzwi swojej rzymskiej pracowni nowo ukończoną malarstwo„ ”. Podobnie jak Byron miał prawo powiedzieć o sobie, że pewnego pięknego poranka obudził się sławny. Słowo „sukces” nie wystarczy, aby scharakteryzować stosunek do niego zdjęcie. Pod ręką było coś więcej - malarstwo wywołał wśród publiczności eksplozję zachwytu i podziwu dla rosyjskiego artysty, który jakby odkrył nowa strona w historii sztuki światowej.

Jesień 1833 malarstwo pojawił się wystawa V Mediolan. Tutaj triumf rosyjskiego mistrza osiągnął swój najwyższy punkt. Każdy chciał zobaczyć dzieło, „o którym mówi cały Rzym”. Włoskie gazety i czasopisma publikowały entuzjastyczne recenzje na temat „ Ostatni dzień Pompeje„i jego autor. Tak jak kiedyś czczono wielkich mistrzów renesansu, tak teraz zaczęli to czcić Bryulłow. Stał się najbardziej znana osoba we Włoszech. Został powitany brawami na ulicy, a w teatrze nagrodzony owacjami na stojąco. Poeci dedykowali mu wiersze. Podróżując po granicach włoskich księstw nie miał obowiązku przedstawiania paszportu – wierzono, że każdy Włoch ma obowiązek znać go z widzenia.

W 1834 r. „” zostało wystawione na Salonie Paryskim. Akademia Francuska sztuka wyróżniony Bryulłow złoty medal. Jeden z pierwszych biografów Bryulłow, N.A. Ramazanov, mówi to pomimo zazdrosnych plotek niektórych Artyści francuscy, paryska opinia publiczna skupiła swoją uwagę głównie na „ Ostatni dzień Pompejów„i z trudem i niechęcią opuściłem to obrazy".

Nigdy wcześniej chwała sztuki rosyjskiej nie rozprzestrzeniła się tak szeroko w całej Europie. Czekało nas jeszcze większe świętowanie Bryulłow u siebie w domu.

Przywieziony do Petersburga w lipcu 1834 roku i wystawiony najpierw w Ermitażu, a następnie w Akademii Sztuk Pięknych, od razu znalazł się w centrum uwagi społeczeństwa rosyjskiego i stał się przedmiotem patriotycznej dumy.

„Tłumy gości, można powiedzieć, wdzierały się do sal Akademii, żeby popatrzeć na Pompeje” – podaje współczesny sobie w swoim oficjalnym raporcie rocznym Akademia Sztuk przyznał Bryulowska zdjęcie najlepsze dzieło XIX wiek. Szeroko rozpowszechniony wyryty odtwarzanie nagranego dźwięku "Ostatni dzień Pompejów„. Rozbili chwała Bryulłow na terenie całego kraju, daleko poza stolicą. Z entuzjazmem witani byli najlepsi przedstawiciele kultury rosyjskiej zdjęcie. Puszkin napisał:

Wezuwiusz otworzył usta - dym uniósł się w chmurze, płomienie

Szeroko rozwinięta jako flaga bojowa.

Ziemia jest wzburzona - od chwiejnych kolumn

Idole upadają! Naród napędzany strachem

Pod kamiennym deszczem, pod płonącym popiołem,

Tłumy, stare i młode, wybiegają z miasta.

Gogol pisał o „ Ostatni dzień Pompejów„obszerny artykuł, w którym to przyznał zdjęcie„kompletnym uniwersalnym dziełem”, w którym wszystko jest „tak potężne, tak odważne, tak harmonijnie połączone w jedno, jak tylko mogło powstać w głowie uniwersalnego geniuszu”.

Malarstwo Bryullova wzbudził w największym stopniu niezwykle duże zainteresowanie malarstwem szerokie koła społeczeństwo rosyjskie. Nieustanna rozmowa o „ Ostatni dzień Pompejów„w prasie, w korespondencji, w prywatnych rozmowach wyraźnie pokazali, że dzieło malarskie może ekscytować i dotykać ludzi nie mniej niż literatura. Rosnąca rola społeczna sztuk pięknych w Rosji rozpoczęła się właśnie od obchodów Bryulłowa.

Malarstwo historyczne, który od dawna jest zajęty czołowe miejsce w sztuce akademickiej sięgała głównie po tematykę zaczerpniętą z Biblii i Ewangelii czy mitologii starożytnej. Ale nawet w przypadkach, gdy działka obrazy nie była legendą, ale prawdziwym wydarzeniem historycznym, malarze Akademii w istocie byli bardzo dalecy od autentyczności historycznej w swoim rozumieniu i interpretacji tego, co zostało przedstawione. Nie szukali prawdy historycznej, ponieważ ich celem nie było odtworzenie przeszłości, ale ucieleśnienie tej czy innej abstrakcyjnej idei. W ich obrazy postacie historyczne przyjęło formę konwencjonalnych „starożytnych bohaterów”, niezależnie od tego, czy wydarzenie to zostało przedstawione w historii starożytnego Rzymu, czy Rosji.

„utorowała drogę do zupełnie innego rozumienia i interpretacji tematu historycznego.

W poszukiwaniu życiowej prawdy Bryulłow, pierwszy wśród rosyjskich artystów, postawił sobie za cel rekreację zdjęcie prawdziwe wydarzenie przeszłości, w oparciu o badania źródeł historycznych i danych archeologicznych.

W porównaniu z fantastyczną „archeologią” swoich poprzedników Bryulłow ten zewnętrzny historyzm sam w sobie był poważnym, innowacyjnym osiągnięciem. Nie wyczerpują one jednak znaczenia Bryulłowski obrazy. Potwierdzono autentyczność archeologiczną Bryulłow jedynie środkiem do głębszego odsłonięcia tematu, do wyrażenia współczesnego podejścia do przeszłości.

"Myśl obrazy należy całkowicie do gustu naszej epoki, która, jakby czując swoje straszliwe rozdrobnienie, stara się zjednoczyć wszystkie zjawiska grupy ogólne i wybiera silne kryzysy, odczuwalne przez całą masę” – napisał Gogol, ujawniając treść „ Ostatni dzień Pompejów".

W przeciwieństwie do poprzedniego malarstwo historyczne z kultem bohaterów i naciskiem na jednostkę w przeciwieństwie do bezosobowego tłumu, Bryulłow pomyślany „” jako masowa scena, w której jedynym i prawdziwym bohaterem będzie lud. Wszyscy główni bohaterowie w zdjęcie są prawie równoważnymi wykładnikami tematu; oznaczający obrazy ucieleśnia się nie w przedstawieniu pojedynczego bohaterskiego czynu, ale w uważnym i dokładnym przekazie psychologii mas.

Naraz Bryulłow z przemyślaną, a nawet ostrą bezpośredniością podkreśla główne kontrasty, które wyrażają ideę walki nowego ze starym, życia ze śmiercią, ludzkiego umysłu ze ślepą władzą żywiołów. Wszystko jest podporządkowane tej myśli ideologiczny I rozwiązanie artystyczne obrazy, stąd wywodzą się jego cechy, które zadecydowały o tym miejscu” Ostatni dzień Pompejów„po rosyjsku sztuka XIX wieku wiek.

Temat Malowidła pochodzą z historii starożytnego Rzymu. Pompejusz(a raczej Pompeje) – starożytne rzymskie miasto położone u podnóża Wezuwiusza – 24 sierpnia 79 roku n.e. w wyniku potężnej erupcji wulkanu zostało wypełnione lawą oraz pokryte kamieniami i popiołem. W wyniku paniki na ulicach miasta zginęło dwa tysiące mieszkańców (w sumie było ich około 30 tysięcy).

Przez ponad półtora tysiąca lat miasto pozostawało pogrzebane pod ziemią i zapomniane. Tylko w koniec XVI wieku podczas prac wykopaliskowych przypadkowo odkryto miejsce, w którym znajdowała się niegdyś zaginiona osada rzymska. Od 1748 roku rozpoczęto badania archeologiczne, które szczególnie nasiliły się w pierwszych dziesięcioleciach XIX wieku. Wzbudziły one zwiększone zainteresowanie środowisk artystycznych nie tylko we Włoszech, ale na całym świecie. Każde nowe odkrycie stawało się sensacją wśród artystów i archeologów i tragedią temat i Pompeje Jednocześnie wykorzystywano go w literaturze, malarstwie i muzyce. Opera pojawiła się w 1829 r Włoski kompozytor Paccini, w 1834 r. powieść historyczna Angielski pisarz Bulverlitton Ostatnie dni Pompejów". Bryulłow jako pierwszy zajął się tym tematem: szkicami swojej przyszłości obrazy pochodzą z lat 1827-1828.

Bryulłow miał 28 lat, kiedy zdecydował się napisać „”. Dobiegał końca piąty rok jego emerytury we Włoszech. Miał już na swoim koncie kilka poważnych dzieł, ale żadne z nich nie wydawało się artyście w pełni godne jego talentu; czuł, że jeszcze nie spełnił pokładanych w nim nadziei.

Z Bryulłow czekali duży malarstwo historyczne- mianowicie historyczne, gdyż w estetyce początku XIX w. ten rodzaj malarstwa uznawany był za najwyższy. Nie zrywając z dominującymi wówczas poglądami estetycznymi, Bryulłow i on sam szukał fabuły, która odpowiadała wewnętrznym możliwościom jego talentu, a jednocześnie była w stanie sprostać wymaganiom, jakie stawiała mu współczesna krytyka i Akademia Sztuk Pięknych.

Szukam takiej historii Bryulłow Długo wahałem się pomiędzy tematami z historii Rosji i mitologii starożytnej. Zamierzał pisać zdjęcie "Oleg przybija swoją tarczę do bram Konstantynopola”, a później nakreślił fabułę z historia Piotr Wielki. Jednocześnie tworzył szkice na tematy mitologiczne („ Śmierć Faetona", "Hylas, skradziony przez nimfy„i inne). Jednak tak cenione w Akademii wątki mitologiczne przeczyły realistycznym tendencjom młodzieży Bryulłow, a ze względu na temat rosyjski, będąc we Włoszech, nie mógł zebrać materiału.

Temat zniszczenie Pompei rozwiązał wiele trudności. Sama fabuła, jeśli nie tradycyjna, to jednak niewątpliwie miała charakter historyczny i od tej strony spełniała podstawowe wymogi estetyki akademickiej. Akcja miała rozgrywać się na tle starożytne miasto z klasyczną architekturą i zabytkami sztuki starożytnej; wkroczył w ten sposób świat form klasycznych zdjęcie bez żadnej intencji, jakby sam z siebie, a spektakl szalejących żywiołów i tragicznej śmierci otworzył dostęp do romantycznych obrazów, w których talent malarza mógł znaleźć nowe, niespotykane dotąd możliwości ukazywania wielkich uczuć, namiętnych impulsów emocjonalnych i głębokich przeżyć . Nie ma się co dziwić, że temat został ujęty i uchwycony Bryulłow: łączy w sobie wszystkie warunki najpełniejszego wyrażenia swoich myśli, wiedzy, uczuć i zainteresowań.

Źródła na podstawie których Bryulłow rozwiązał swój temat, pojawiły się autentyczne zabytki starożytne, odkryte w zaginionym mieście, prace archeologów i opisy katastrofy V Pompeje, wykonane przez współczesnego i naocznego świadka, Pisarz rzymski Pliniusz Młodszy.

Pracuję nad” Ostatni dzień Pompejów„ ciągnęło się przez prawie sześć lat (1827-1833), a świadectwo było głębokie i intensywne kreatywne zadania Bryulłow Liczne rysunki, opracowania i szkice wyraźnie pokazują, jak rozwijała się idea artysty.

Wśród tych prac przygotowawczych szczególne miejsce zajmuje szkic z 1828 roku. Pod względem siły oddziaływania artystycznego być może nie jest gorszy zdjęcie. To prawda, że ​​\u200b\u200bszkic nie pozostał całkowicie sfinalizowany, poszczególne obrazy i postacie zostały w nim jedynie zarysowane, a nie w pełni ujawnione; ale ta zewnętrzna niekompletność łączy się w wyjątkowy sposób z głęboką wewnętrzną kompletnością i artystyczną perswazją. Znaczenie poszczególnych odcinków, później szczegółowo rozwinięte w zdjęcie, tutaj zdaje się rozpływać w ogólnym namiętnym impulsie, w jednym tragiczne uczucie, w pełnym obrazie umierającego miasta, bezsilnego wobec naporu spadających na nie żywiołów. Szkic opiera się na romantycznie pojętej idei zmagania się człowieka z losem, którego personifikacją są tutaj żywiołowe siły natury. Śmierć zbliża się z nieuniknionym okrucieństwem, jak starożytna skała, a człowiek całym umysłem i wolą nie jest w stanie przeciwstawić się losowi; jedyne, co może zrobić, to z odwagą i godnością stawić czoła nieuniknionej śmierci.

Ale Bryulłow nie zastanawiał się nad tym rozwiązaniem swojego tematu. Nie był zadowolony ze szkicu właśnie dlatego, że tak uporczywie wybrzmiewały w nim nuty beznadziejnego pesymizmu, ślepego poddania się losowi i niewiary w ludzką siłę. Takie rozumienie świata pozostawało poza tradycjami kultury rosyjskiej i zaprzeczało jej zdrowym, ludowym podstawom. Podtrzymująca życie moc tkwiąca w talencie Bryulłow, nie mogłem się pogodzić z „ Ostatni dzień Pompejów„, zażądał wyjścia i pozwolenia.

Bryulłow znalazł tę drogę, przeciwstawiając duchową wielkość i piękno człowieka niszczycielskim elementom natury. Dla niego plastyczne piękno zamienia się w potężną siłę, która afirmuje życie w obliczu śmierci i zniszczenia. „...Jego postacie są piękne pomimo całej grozy swojej sytuacji. Zagłuszają ją swoim pięknem” – napisał Gogol, który subtelnie dostrzegł główną ideę Bryulłowski obrazy.

Próbując oddać różne stany psychiczne i odcienie uczuć, jakie targały mieszkańcami umierającego miasta, Bryulłow zbudowałem własny zdjęcie jako cykl odrębnych, zamkniętych epizodów, niepowiązanych fabułą. Ich znaczenie ideologiczne staje się jasne dopiero wtedy, gdy spojrzy się jednocześnie na wszystkie grupy i niezależne wątki fabularne tworzące „”.

Idea triumfu piękna nad zniszczeniem szczególnie wyraziście wyraża się w grupie postaci stłoczonych na stopniach grobowca po lewej stronie obrazy. Bryulłow celowo połączono tu obrazy kwitnącej siły i młodości. Ani cierpienie, ani groza nie zniekształcają ich idealnie pięknych rysów; Na ich twarzach można odczytać jedynie wyraz zaskoczenia i niespokojnego oczekiwania. W postaci młodego mężczyzny wyczuwalna jest tytaniczna moc, przedzierająca się przez tłum z namiętnym impulsem. Charakterystyczne jest, że w świecie pięknych klasycznych obrazów inspirowanych rzeźbą antyczną, Bryulłow dodaje zauważalną nutę realizmu; wiele jego postaci niewątpliwie jest zaczerpniętych z życia, a wśród nich wyróżnia się jego autoportret Bryulłow, przedstawiający siebie jako artystę pompejańskiego, który uciekając z miasta zabiera ze sobą pudełko pędzli i farb.

W głównych grupach po prawej stronie obrazy Główne motywy to te, które podkreślają duchową wielkość człowieka. Tutaj Bryulłow skoncentrowane przykłady odwagi i bezinteresownego wykonywania obowiązków.

Na pierwszym planie trzy grupy: „dwóch młodych Pompejuszów niosących na ramionach chorego, starego ojca”, „Pliniusz z matką” oraz „młodzi małżonkowie” – młody mąż podtrzymujący padającą ze zmęczenia żonę, zwieńczony koroną wieniec ślubny. Jednak ta ostatnia grupa jest prawie nierozwinięta psychologicznie i ma charakter wstawki kompozycyjnej niezbędnej dla równowagi rytmicznej obrazy. O wiele bardziej wymowna jest grupa synów niosących ojca: na obrazie starca, majestatycznie wyciągającego rękę, wyraża się dumna nieugiętość ducha i surowa odwaga. Na przedstawieniu najmłodszego syna, czarnookiego włoskiego chłopca, wyczuwa się dokładny i bezpośredni szkic z życia, w którym wyraźnie manifestuje się żywe realistyczne uczucie Bryulłow.

Zasady realistyczne wyrażają się ze szczególną siłą w niezwykłej grupie Pliniusza i jego matki. W szkicach i wczesnych szkicach ten odcinek został opracowany w formy klasyczne, podkreślając historyczność i antyczny charakter sceny. Wepchnąć się zdjęcie Bryulłow zdecydowanie odszedł od pierwotnego planu – stworzone przez niego obrazy zadziwiają bezstronną i autentyczną żywotnością.

W centrum obrazy znajduje się leżąca na ziemi postać młodej kobiety, która zginęła podczas upadku z rydwanu. Można przypuszczać, że na tym rysunku Bryulłow chciał symbolizować wszystko, co umierało starożytny świat; Wzmiankę o takiej interpretacji można znaleźć także w recenzjach współczesnych. Zgodnie z tą intencją artysta poszukiwał najdoskonalszego klasycznego urzeczywistnienia tej figury. Współcześni, w tym Gogol, widzieli w niej jedno z najbardziej poetyckich stworzeń Bryulłow.

Nie wszystkie epizody są równie ważne dla rozwoju tematu, ale ich naprzemienność i porównywanie uparcie ujawnia główna idea Bryulłow o walce życia ze śmiercią, o triumfie rozumu nad ślepymi siłami żywiołów, o narodzinach nowego świata na walących się ruinach starego.

To nie przypadek, że obok centralnej postaci zamordowanej kobiety artysta przedstawił piękne dziecko, jako symbol niewyczerpanej mocy życia; Nieprzypadkowo w ugrupowaniach Pliniusza z matką i synami niosącymi starszego ojca przeciwstawiane są obrazy młodości i starości; Wreszcie podkreślony kontrast pomiędzy „pogańskim”, pięknym od starożytności tłumem na stopniach grobowca i majestatycznie spokojną „rodziną chrześcijan” nie jest przypadkowy. W zdjęcie jest tu zarówno kapłan pogański, jak i kapłan chrześcijański, jakby uosabiający odchodzący świat starożytny i powstającą na jego gruzach cywilizację chrześcijańską.

Być może obrazy księdza i księdza nie są wystarczająco głębokie, nie jest ukazany ich świat duchowy zdjęcie a charakterystyka pozostała w dużej mierze zewnętrzna; dało to później V.V. Stasovowi powód do poważnych wyrzutów Bryulłow ponieważ nie wykorzystał okazji do ostrego skontrastowania zrujnowanego, umierającego Rzymu i młodego chrześcijaństwa. Ale myśl o tych dwóch światach jest niewątpliwie obecna w zdjęcie. Z jednoczesnym i integralnym postrzeganie obrazy Wyraźnie widać organiczne powiązanie składających się na nią epizodów. Odcienie uczuć i różne stany umysłu akty męstwa i poświęcenia obok przejawów rozpaczy i strachu podane są w „ Ostatni dzień Pompejów„w kierunku harmonijnej, harmonijnej i artystycznie integralnej jedności.

Cudowne płótna. L., 1966. S.107

Renowacja obrazu Ostatni dzień Pompejów

Wyjątkowym wydarzeniem w życiu Muzeum Rosyjskiego było K. P. Bryullova„”. Liczne wcześniejsze renowacje jedynie opóźniały moment rozpoczęcia zasadniczych prac nad płótnem – płótno obrazu „wypaliło się” i stało się kruche; w miejscach pęknięć płótna, które wystąpiły, znajdowały się 42 łaty przednia strona; ubytki warstwy farby zabarwiono dodatkiem oryginalnego malarstwa; Powłoka lakiernicza znacznie zmieniła kolor. Po wzmocnieniu obraz został przeniesiony na nowe płótno. To wspaniałe dzieło wykonali konserwatorzy I. N. Kornyakova, A. V. Minin, E. S. Soldatenkov; doradzał S. F. Konenkov.

Malarstwo K. P. Bryullova „Ostatni dzień Pompejów” wszedł do Muzeum Rosyjskiego z Ermitażu w 1897 roku. Po gruntownej renowacji w 1995 roku obraz został rozciągnięty na naprawionym wcześniej designerskim kroju i wrócił na wystawę.

Decyzja o rozpoczęciu renowacji obrazu została podjęta na posiedzeniu rozszerzonej Rady Restauratorskiej Państwowego Muzeum Rosyjskiego w dniu 15 marca 1995 r.

Na początku pracy zabezpieczono je prewencyjnym sklejeniem papieru, a następnie płótno zdjęto z autorskiego krosna. Następnie obraz rozciągnięto na krawędziach na marmurowej posadzce kolorową powierzchnią w dół, a tylną stronę oczyszczono z powierzchniowych zabrudzeń. Z tylnej strony usunięto dwie warstwy antycznej renowacji powielającej krawędzie, które były przyczyną poważnych deformacji płótna na krawędziach oraz ponad 40 łat renowacyjnych, które stanęły w miejscu starych pęknięć płótna. Miejsca ponad setek ubytków płótna autorskiego, zwłaszcza liczne na krawędziach, naprawiono wstawkami nowego płótna. Następnie obraz został powielony na nowe płótno, identyczne pod względem charakteru i jakości z zamówionym w Niemczech dziełem autora. Miejsca ubytku warstwy farby wypełniono podkładem renowacyjnym i zabarwiono akwarelami. Designerski lakier zostaje całkowicie odnowiony poprzez regenerację oparami alkoholu.

W trakcie prac opracowano metody wzmacniania warstwy farby i gruntu na dużej przestrzeni. Ważnym efektem prac było opracowanie nowych urządzeń ułatwiających i upraszczających proces odnowy technicznej. Według specjalnego projektu stworzono wytrzymałe duraluminiowe nosze z systemem specjalnych mocowań do napinania płótna powielającego. System ten umożliwiał wielokrotne napinanie płótna do pożądanego napięcia w trakcie pracy.

Warsztaty kadrowania Moskwa

Warsztaty kadrowania w Moskwie położony na ulicy. Gilyarovsky, ma dogodną lokalizację w pobliżu stacji metra Prospekt Mira.

Warsztaty kadrowania rozszerza zakres działalności w Moskwa I Region moskiewski dostarczając usługi Przez ramy V bagietka obrazy, zdjęcia, obrazy, zbiory.

Ramki na zdjęcia bagietki

Zamówienie ramki do zdjęć Możesz w naszym warsztaty kadrowania. Warsztat produkuje ramki bagietki z drewniany, plastikowy I aluminium bagietka najlepsze firmy ramowe Europa. Bagietki ramki do zdjęć Z passe-partout. Bagietki ramki do zdjęć detaliczna i hurtowa. Struktura standardowe rozmiary - A4, A3, A2. Ramki bagietki duże rozmiary. Ramki do zdjęć z szeroki bagietka. Ramki do zdjęć duże rozmiary. Ramki bagietki z szkło. Bez odblasków bagietka szkło.

Zamów bagietkę

Zamów bagietkę V warsztaty kadrowania. Wartość artystyczna bagietka zależy od profilu i wzoru reliefu. W kolekcji drewniana bagietka Istnieją duże profile dekoracyjne. Wzór dekoru został zaprojektowany w taki sposób, aby można go było wykorzystać w obu przypadkach obrazy rejestracja nowoczesny , Więc klasyczny fabryka bagietka do zdjęć. Drewniana bagietka. Bagietki produkowane są najczęściej z różnych gatunków drewna różne profile, z różnymi wykończeniami dekoracyjnymi: ozdoby, różne kolory, lakiery i powłoki złote. W W kolekcji kolekcja bagietka Z również uwzględnione elementy.

wykonane samodzielnie

Passepartout do obrazów Passe-partout wykonane jest z kolorowej tektury, w której wycięte jest „okno”. Jak mata pod obrazy bagietka używany passe-partout" - o profilu płaskim – tzw. „drewnianym”. szeroki bagietka płaski , zwykle jasne kolory, często z imitacją tekstury płótno lub pokryte prawdziwy płótno . Stroną surową, wykończoną, płótno zamsz Lub, szeroki pod złotem wkład bagietkowy malarstwo I położony pomiędzy, rama wzrastający jej. szerokość passe-partout (Metalizowane imitacja metal powierzchnie ) daje doskonałe rezultaty z, projekt fotograficzny I dyplomy certyfikaty . Jednocześnie „” (ciemne złoto, srebrny miedź ) świetne dla ramy. portrety antyczne Passepartout Móc I zamówienie kupić V nasz.

warsztat

Warsztat Moskwa

znajduje się w Moskwie, przy ul. Gilyarovsky, ma dogodną lokalizację w pobliżu stacji metra Prospekt Mira. Moskwa - kapitał Federacja Rosyjska , centrum administracyjne Centralny federalny I Region moskiewski.

dzielnice

Ramy lusterek Duży wybór. fabryka ramy luster I obrazy. bagietka do lusterek. Lustra w złotej bagietce Duży wybór V warsztaty kadrowania. Zamówienie Rama daje lustro dekoracyjność i decyduje o przynależności do określonego stylu. Lustro może „uderzyć” ciekawy kształt , oryginalna rama. Pozostają niedoścignione w swojej oryginalności metalowe ramki , dzięki różnorodności kształtów zewnętrznych, niezwykłemu wzornictwu i doskonałemu wykonaniu. Połączenie I szkło metal zawsze wygląda elegancko i praktycznie. Niezwykle rygorystyczne formy metalowa bagietka

dopełni wnętrze niepowtarzalnym stylem.

W Zamawianie szkła ramowego ramka na zdjęcia lub w ramka na zdjęcia Cięcie i wkładanie szkła jest łatwe. Jeśli szkło ma być włożone rama z próbką (rabat), wówczas rozmiar szkła powinien być o kilka milimetrów mniejszy od zmierzonego rozmiaru próbki. Jeśli rozmiary próbek są stałe na całej szerokości i wysokości struktura , wówczas wystarczający jest naddatek 2 mm.. Zamawianie szkła ramowego Passepartout Móc I zamówienie Szkło antyrefleksyjne w ramce warsztaty kadrowania.

V

Malowanie noszy Nosze chroni przed złamaniem. Produkcja ramy pomocnicze. Warsztaty kadrowania zamówić produkuje ramy pomocnicze obrazy Dla zdjęcie.

Wiszące obrazy

Warsztaty kadrowania proponuje nową metodę zawieszki do zdjęć używając układ zawieszenia Nielsena. Sztanga z profil metalowy Nielsena mocowany do ściany za pomocą plastikowych podkładek. imitacja Linki perlonowe mocuje się wewnątrz profilu bomu za pomocą przesuwnych haczyków lub tulejek i można je przesuwać pręty. Wytrzymała nylonowa żyłka o grubości 2 mm jest prawie niewidoczna na tle ściany. Obrazy zawieszony na żyłce za pomocą metal haki ze śrubami, które można zamocować na żądanej wysokości. Pewne zamocowanie na wymaganej wysokości wymaga pewnego wysiłku podczas wkręcania śruby. Metal profil.

łatwo zamontować pod sufitem i pozwala na łatwy i bezproblemowy montaż

ponownie powiesić zdjęcia bagietka do zdjęć. Ramki do zdjęć ramki do zdjęć. Warsztaty kadrowania Złoto V bagietka obrazy, Duży, rysuje, akwarela, rysunki, zdjęcia plakaty ) świetne dla lustra obrazy itp. Artyści przywiązują dużą wagę do wyboru bagietka dla ich . Wielu wielkich artystów szkicowało elementy. Ramki do zdjęć Passepartout Móc I zamówienie V warsztaty kadrowania.

a nawet oni sami

zrobiony Ramki do obrazów akwarelowych W technologii obrazy akwarela obrazy można stworzyć w gatunku pejzaż, martwa natura, portret. Przejrzystość i miękkość najcieńszej warstwy farby Czy ) świetne dla charakterystyczne właściwości akwarela. Dla V akwarele. Struktura ramy pomocnicze Wskazane jest użycie passe-partout i niezbyt szerokiej bagietki..

Ramy

drewniana bagietka akwarele Ramki do zdjęć Rysunki tworzone są przez artystów w procesie studiowania przyrody (szkice, studia), poszukiwania rozwiązań kompozycyjnych dla dzieł graficznych, malarskich i rzeźbiarskich (szkice, kartony), podczas znakowania malowniczy obrazy (rysunek przygotowawczy do malowania). Profesjonalny W kolekcji I passe-partout. Struktura rejestracja bagietka grafiki, fotografie, dokumenty z nasz używając zebrane z wykonany z drewna tropikalnego. w naszym passe-partout I możesz wybrać jedną z opcji dekoracja bagietka za grafikę i porządek bagietka do ramki. Wartość artystyczna bagietki zależy od profilu i wzoru reliefu. W zależności od szerokości zwany wąski (do 4 cm) i). szeroki z oraz w zależności od grubości - niski i wysoki. Rysunki ołówkiem wyglądają lepiej w skromnej wąskiej bagietce ( ramy pomocnicze metal Lub drewniany. Duże ramki ramy pomocnicze metal.

złota bagietka

rysunki I I grafika akwarela Ramki metalowe A3 V z próbką (rabat), wówczas rozmiar szkła powinien być o kilka milimetrów mniejszy od zmierzonego rozmiaru próbki. Jeśli rozmiary próbek są stałe na całej szerokości i wysokości Metalowe ramki na zdjęcia Tradycyjnie jak najbardziej ciekawy niezapomniany wstawić akwarela, który można postawić na stole lub bagietka powiesić na ścianie . Ważne jest, aby zrobić to dobrze wybierz ramkę , musi pasować i współgrają z wystrojem pomieszczenia. Zdjęcia można oprawić w pracowni. Pogląd ) daje doskonałe rezultaty z można używać passe-partout. DO passe-partout Istnieje możliwość wykonania poślizgu (obrzeża wzdłuż krawędzi okna).
Kup ramki na zdjęcia możliwe w warsztaty kadrowania. Plastikowe ramki na zdjęcia praktyczne, łatwe i tani. zdjęcia I Są świetne do każdego rodzaju naśladować I metal z próbką (rabat), wówczas rozmiar szkła powinien być o kilka milimetrów mniejszy od zmierzonego rozmiaru próbki. Jeśli rozmiary próbek są stałe na całej szerokości i wysokości drewniany szkło. Splendor i szlachetność . , oryginalna rama. Pozostają niedoścignione w swojej oryginalności. Bardzo popularny srebrny matowy Metalowe ramki na zdjęcia są bardzo drogie tani , bo materiał na nie produkcja służy niedrogi , oryginalna rama. Pozostają niedoścignione w swojej oryginalności aluminium szkło. Cięcie i wkładanie szkła jest łatwe. Jeśli szkło ma być włożone Na mała cena mają wiele zalet.

Elegancja formy i urzekające piękno

czasem się zmusza

„konkurować” z fotografią. Dlatego ważne jest, aby treść była godna formy. W takim ramy pomocnicze w.

Profesjonalnie wykonane zdjęcia portretowe będą wyglądać najbardziej harmonijnie. Ramki dokumentów Przygotowanie dokumentów, dyplomów, zaświadczeń Duży wybór ramy pomocnicze projekt fotograficzny. struktura. dokumenty Ramki plastikowe A3 i A4 warsztaty kadrowania Ramki plastikowe formatu A4

na świadectwa, dyplomy, dyplomy. Gotowe ramki o standardowych rozmiarach na certyfikaty, dyplomy, plakaty, zdjęcia.

Złote ramki duże rozmiary Złote ramki A3 Ramki plakatowe formatu A3. Na dyplomy, certyfikaty i legitymacje w Istnieje możliwość zamówienia laminowania. bagietka Ramki na karty Karty są powszechne. W przypadkach, gdy wymagana jest zwiększona wytrzymałość, ) świetne dla metalowa bagietka - najlepszy wybór. W ramkach z.

metal

Można umieszczać różne kartki, plakaty, banery. W biurze możesz powiesić stare mapy geograficzne. Stara mapa w drogim wnętrzu biurowym wymaga odpowiedniego obrazy aby podkreślić gust i preferencje stylistyczne osoby w tym biurze zawieszony.

Ramki do haftowanych obrazów Cięcie i wkładanie szkła jest łatwe. Jeśli szkło ma być włożone ramy pomocnicze Istnieją duże profile dekoracyjne. Ramki do haftowanych obrazów. Jeśli ty haftować, , to prędzej czy później będziesz musiał wybrać za nią, rama Wybieranie haft, warto o tym pamiętać styl kolor szerokość i inne funkcje bagietka do ramki bezpośrednio zależą od fabuły, decyzji dotyczącej stylu, zakres kolorów. i rozmiar haftowane obrazy ramy pomocnicze szerokość. Do każdego haftowany obrazek passe-partout wybierz swój własny, niepowtarzalny

ramy Wybór ramki obrazy, zależy też od tego jak będzie używany.

projekt haftu

lub nie. Większość. Gobeliny tkano według wzorów z kolorowych nici wełnianych i jedwabnych. Duży wybór ramy pomocnicze gobeliny. Bagietka do zdjęć z gobelin dobierane są na podstawie fabuły przedstawionej na gobelinie. Najczęściej drewnianą bagietkę stosuje się w odcieniach brązu, czasem w kolorze złotym, rzadziej w kolorze srebrnym.

Publikacje w dziale Muzea

Starożytna tragedia rzymska, która stała się triumfem Karla Bryulłowa

23 grudnia 1799 roku urodził się Karol Bryulłow. Karl, syn urodzonego we Francji rzeźbiarza Paula Brulleau, był jednym z siedmiorga dzieci w rodzinie. Jego bracia Paweł, Iwan i Fedor również zostali malarzami, a brat Aleksander – architektem. Jednak najbardziej znany był Karol, który w 1833 roku namalował „Ostatni dzień Pompejów”, główne dzieło jego życia. „Kultura.RF” przypomniała sobie, jak powstawał ten obraz.

Karol Bryulłow. Autoportret. 1836

Historia stworzenia

Obraz powstał we Włoszech, gdzie w 1822 roku artysta udał się na czteroletni wyjazd emerytalny z Cesarskiej Akademii Sztuk Pięknych. Ale mieszkał tam przez 13 lat.

Fabuła opowiada o starożytnej tragedii rzymskiej - śmierci starożytnego miasta Pompeje, położonego u podnóża Wezuwiusza: 24 sierpnia 79 r. n.e. mi. Erupcja wulkanu pochłonęła życie dwóch tysięcy mieszkańców.

W 1748 roku inżynier wojskowy Rocque de Alcubierre rozpoczął wykopaliska archeologiczne w miejscu tragedii. Odkrycie Pompejów stało się sensacją i znalazło odzwierciedlenie w kreatywności różni ludzie. Tak więc w 1825 r. ukazała się opera Giovanniego Paciniego, a w 1834 r. powieść historyczna Anglika Edwarda Bulwera-Lyttona poświęcona śmierci Pompejów.

Bryullov po raz pierwszy odwiedził miejsce wykopalisk w 1827 roku. Idąc do ruin, 28-letni artysta nie miał pojęcia, że ​​ta wyprawa okaże się dla niego fatalna: „Nie można przejść przez te ruiny, nie czując w sobie zupełnie nowego uczucia, które sprawi, że zapomnisz o wszystkim oprócz strasznego wydarzenia z tym miastem.”– napisał artysta.

Uczucia, których doświadczył Karl Bryullov podczas wykopalisk, nie opuściły go. Tak narodził się pomysł płótna o tematyce historycznej. Pracując nad fabułą, malarz studiował archeologię i źródła literackie. „Wziąłem tę scenerię z życia, nie wycofując się ani nie dodając, stojąc tyłem do bram miasta, aby jako główny powód widzieć część Wezuwiusza”.. Wzorami postaci byli Włosi – potomkowie starożytnych mieszkańców Pompejów.

Na styku klasycyzmu i romantyzmu

W tej pracy Bryullov objawia się nie jako tradycyjny klasycysta, ale jako artysta ruchu romantycznego. Zatem jego fabuła historyczna poświęcona jest nie jednemu bohaterowi, ale tragedii całego narodu. A jako fabułę wybrał nie wyidealizowany obraz lub pomysł, ale prawdziwy fakt historyczny.

To prawda, że ​​​​Bryullov buduje kompozycję obrazu w tradycji klasycyzmu - jako cykl poszczególnych epizodów zamkniętych w trójkącie.

Po lewej stronie obrazu, w tle, przedstawiono kilka osób na stopniach dużego budynku grobowca Skaurusa. Kobieta patrzy bezpośrednio na widza z przerażeniem w oczach. A za nią artysta z pudełkiem farb na głowie: to autoportret Bryullowa przeżywającego tragedię wraz ze swoimi bohaterami.

Bliżej widza widać małżeństwo z dziećmi, które próbuje uciec przed lawą, a na pierwszym planie kobieta przytulająca córki... Obok niej chrześcijański ksiądz, który już zawierzył swój los Bogu i dlatego jest spokój. W głębi obrazu widzimy pogańskiego księdza rzymskiego, który próbuje uciec, zabierając kosztowności rytualne. Tutaj Bryullov nawiązuje do upadku starożytnego pogańskiego świata Rzymian i początku ery chrześcijańskiej.

Po prawej stronie obrazu, w tle, jeździec na koniu, który stanął dęba. A bliżej widza ogarnięty przerażeniem pan młody, który próbuje trzymać w ramionach narzeczoną (ma na sobie wianek z róż), która straciła przytomność. Na pierwszym planie dwóch synów niesie na rękach starego ojca. A obok nich młody mężczyzna, błaga matkę, aby wstała i uciekła dalej od tego pochłaniającego wszystko żywiołu. Swoją drogą ten młody człowiek to nikt inny jak Pliniusz Młodszy, który faktycznie uciekł i zostawił wspomnienia z tragedii. Oto fragment jego listu do Tacyta: „Patrzę wstecz. Ogarnęła nas gęsta czarna mgła, rozprzestrzeniająca się niczym strumień po ziemi. Wszędzie wokół zapadła noc, w przeciwieństwie do nocy bezksiężycowej czy pochmurnej: ciemno robi się tylko w zamkniętym pokoju przy zgaszonym świetle. Słychać było krzyki kobiet, piski dzieci i krzyki mężczyzn; niektórzy wołali do rodziców, inni do dzieci lub żon i próbowali ich rozpoznać po głosach. Niektórzy opłakiwali własną śmierć, inni śmierć bliskich, niektórzy w obawie przed śmiercią modlili się o śmierć; wielu podniosło ręce do bogów; większość wyjaśniała, że ​​bogów nigdzie nie ma i dla świata była to ostatnia wieczna noc”..

Na zdjęciu nie ma głównego bohatera, ale są centralni: złotowłose dziecko przy leżącym na ziemi ciele zmarłej matki w żółtej tunice - symbol upadku starego świata i narodzin nowego, to jest przeciwieństwo życia i śmierci – w najlepsze tradycje romantyzm.

Na tym zdjęciu Bryullov pokazał się także jako innowator, wykorzystując dwa źródła światła - gorące czerwone światło w tle, oddające wrażenie zbliżającej się lawy i zimne zielonkawo-niebieskie na pierwszym planie, dodając dodatkowego dramatyzmu fabule.

Jasna i bogata kolorystyka tego obrazu narusza także klasyczne tradycje i pozwala mówić o artyście jako o romantyku.

Malowanie procesji triumfalnej

Karl Bryullov pracował na płótnie przez sześć lat – od 1827 do 1833 roku.

Obraz został po raz pierwszy zaprezentowany publiczności w 1833 roku na wystawie w Mediolanie – i od razu wywołał sensację. Artystę uhonorowano rzymskim triumfem, a w prasie pojawiły się pochwalne recenzje obrazu. Bryullowa witano brawami na ulicy, a podczas jego podróży po granicach włoskich księstw nie potrzebowali paszportu: wierzono, że każdy Włoch znał go już z widzenia.

W 1834 roku na Salonie Paryskim zaprezentowano Ostatni dzień Pompejów. Krytyka francuska okazał się bardziej powściągliwy niż włoski. Ale profesjonaliści docenili tę pracę, wręczając Bryullovowi złoty medal Francuskiej Akademii Sztuk.

Płótno wywołało sensację w Europie i było niecierpliwie oczekiwane w Rosji. W tym samym roku został wysłany do Petersburga. Po obejrzeniu obrazu Mikołaj I wyraził chęć osobistego spotkania z autorem, jednak artysta udał się z hrabią Władimirem Davydowem w podróż do Grecji i wrócił do ojczyzny dopiero w grudniu 1835 roku.

11 czerwca 1836 roku honorowi goście, członkowie Akademii, artyści i po prostu miłośnicy sztuki zebrali się w Sali Okrągłej Rosyjskiej Akademii Sztuk, gdzie wystawiony został obraz „Ostatni dzień Pompejów”. Autor obrazu, „wielki Karol”, został wniesiony do sali na rękach przy entuzjastycznych krzykach gości. „Tłumy gości, można powiedzieć, wdzierały się do sal Akademii, żeby popatrzeć na Pompeje”., pisze współczesny i świadek sukcesu, jakiego nie znał żaden rosyjski artysta.

Klient i właściciel obrazu, Anatolij Demidow, podarował go cesarzowi, a Mikołaj I umieścił go w Ermitażu, gdzie pozostawał przez 60 lat. A w 1897 roku został przeniesiony do Muzeum Rosyjskiego.

Zdjęcie dosłownie podekscytowało wszystko społeczeństwo rosyjskie I najlepsze umysły tamtego czasu.

Trofea pokojowe sztuki
Przyniosłeś to pod baldachim swojego ojca.
I był „Ostatni dzień Pompejów”
Pierwszy dzień rosyjskiego pędzla! -

o obrazie pisał poeta Jewgienij Boratyński.

Aleksander Puszkin poświęcił jej także wiersze:

Wezuwiusz otworzył usta - dym uniósł się w chmurze, płomienie
Szeroko rozwinięta jako flaga bojowa.
Ziemia jest wzburzona - od chwiejnych kolumn
Idole upadają! Naród napędzany strachem
Pod kamiennym deszczem, pod płonącym popiołem,
Tłumy, stare i młode, wybiegają z miasta.

Michaił Lermontow wspomina także „Ostatni dzień Pompejów” w powieści „Księżniczka Ligowska”: „Jeśli kochasz sztukę, to mam dla ciebie bardzo dobrą wiadomość: obraz Bryullowa „Ostatni dzień Pompejów” jedzie do Petersburga. Wiedziały o niej całe Włochy, Francuzi ją skarcili., - Lermontow wyraźnie wiedział o recenzjach paryskiej prasy.

Rosyjski historyk i podróżnik Aleksander Turgieniew powiedział, że ten obraz był chwałą Rosji i Włoch.

A Mikołaj Gogol poświęcił obrazowi długi artykuł, pisząc: „Jego pędzel zawiera tę poezję, którą tylko czujesz i którą zawsze możesz rozpoznać: nasze uczucia zawsze wiedzą i widzą nawet charakterystyczne cechy, ale ich słowa nigdy tego nie powiedzą. Jego kolor jest tak jasny, że prawie nigdy wcześniej nie był, jego kolory płoną i rzucają się w oczy. Byliby nie do zniesienia, gdyby artysta pojawił się na poziomie niższym niż Bryullow, ale wraz z nim odziani są w tę harmonię i oddychają tą wewnętrzną muzyką, którą wypełnione są żywe przedmioty natury”..

L. Osipowa

Aleksander Bryulłow. Autoportret. 1830.

„Karl, wyobraź sobie – osiemnaście wieków temu wszystko było dokładnie tak samo: słońce świeciło oślepiająco, sosny czerniały na brzegach drogi, a obciążone bagażami osły potykały się o kamienie. Jesteśmy na głównej drodze prowadzącej do Pompei. To są ruiny - wiejski dom bogatego Diomedesa, nadal trwają tu wykopaliska, dalej znajduje się Willa Cycerona. Dalej jest hotel, tutaj znaleźli dużo naczyń ceramicznych, zapraw marmurowych, na kamiennej desce był ślad czegoś, co wyglądało jak przed chwilą rozlany płyn, a w piwnicach były ziarna pszenicy. Gdyby je rozdrobnić i upiec, można było skosztować najbardziej klasycznego chleba, który w naszych czasach romantyzmu, jak sądzę, wielu zadziwił swoim smakiem. Ba, nie sądzisz, że wszystko stało się bardzo ożywione? Tłumy ludzi pędzą do miasta. Tutaj niosą na noszach jakiegoś ważnego pana. Ma na sobie tunikę o olśniewającej bieli, spiętą na ramieniu złotą klamrą, w sandałach do kolan ozdobionych diamentami, a za nim idzie cały orszak służby. Czy słyszysz krzyki tłumu? Pojawiły się rydwany, ale poruszanie się było dla nich tak trudne, że wszystkie wąskie uliczki były zatłoczone ludźmi. Wszystko jest jasne – wszyscy pędzą do amfiteatru. Na dziś zaplanowano walki gladiatorów z dzikimi zwierzętami.

A może sędziowie skazali jednego ze winnych na dokończenie życia na arenie w walce z lwami sprowadzonymi właśnie z Afryki? Och, oczywiście, to widok, którego nie może przegapić żaden Pompejusz.

- Uspokój się, wyobraźnia zaczyna cię gryźć! Spójrzcie tylko, a sami zostaniemy potępieni. - Śmieją się bracia Bryullov i siadając na przydrożnym kamieniu, pogrążają się w ciszy, przerywanej jedynie szelestem jaszczurek i szelestem kolczastej trawy...
Aleksander wstaje i po znalezieniu wygodnego miejsca na zniszczonych schodach otwiera się duży album i zaczyna rysować. Nieco później dołącza do niego Karl. Ale rysują inaczej. Aleksandra jako architekta interesują relacje części, proporcje, które budowniczowie Pompejów przejęli od Greków. Co jakiś czas podbiega do Karola i prosi, aby zwrócił uwagę na tę prostotę i elegancję linii, połączoną z bogactwem, a nawet wyrafinowaniem dekoracji – kapitele kolumn mają albo formę splecionych delfinów, albo grupę faunów, z których jeden uczy drugiego grać na fajce, to splot fantastycznych owoców i liści... Wyrafinowanie, nadmiar wyobraźni - to już fenomen czasów nowożytnych, wpływ Rzymu. I tak jest z Pompejuszami we wszystkim: w najbogatszych domach wszystkie pomieszczenia, nawet sale bankietowe, są na wzór grecki bardzo małe – wszak liczba gości musi odpowiadać liczbie łask (trzy ) lub liczba muz (dziewięć). Tymczasem wiadomo, że Pompeje nie słynęły z umiaru w jedzeniu i przyjemnościach. Odwrotnie. Na tutejsze biesiady podawano polędwicę z lwa afrykańskiego, wędzone udka wielbłąda, lisy karmione winogronami, aromatyczne króliki, sos z mózgów strusia, ziemne pająki, nie wspominając o winach mrożonych pachnących aromatycznymi ziołami... Nie, nasza wyobraźnia jest bezsilna wyobraźcie sobie to wszystko... Tak, Grecja i Rzym spotkały się w Pompejach, aby zostać pogrzebane w popiele i kamieniach na wiele stuleci po erupcji Wezuwiusza w sierpniu 79 r., po narodzinach Chrystusa...
Karl słucha brata pół ucha. W albumie szkicuje ołówkiem, żałując, że nie zabrał ze sobą farb. Ma już władzę nad żywym pięknem, cieszy się.
Jak niesamowity jest tutaj efekt światła, przenikliwy i miękki! A przejrzystość marmuru pozostawia wrażenie delikatności. Tors Wenus, posąg sportowca, niedawno odkopany, oczyszczony z ziemi, wydaje się bardziej autentyczny, naturalny niż żywi ludzie - to jest najlepsi ludzie. Oto jest - ten świat, który zaczął pojmować od dzieciństwa.
Ojciec - Paweł Iwanowicz Bryulłow, akademik rzeźby ozdobnej, zmusił dzieci do rysowania z antyków, gdy tylko nauczyły się trzymać ołówek w rękach. W wieku dziesięciu lat Karl został przyjęty na studenta Akademii Sztuk Pięknych w Petersburgu, a w wieku czternastu lat otrzymał srebrny medal za rysunek, w którym zdaniem wszystkich ożywił czasy Fidiasza i Polikleta. W martwy świat marmuru, czuł się, jakby przynależał, bo całą swą istotą czuł prawa, według których ten świat został stworzony. Och, jak on teraz uwierzył we własną siłę! Objąć wszystkie przedmioty, ubrać je w harmonię, zamienić wszystkie uczucia widza w spokojną i niekończącą się radość piękna. Stworzyć sztukę, która przenikałaby wszędzie: do chaty biedaka, pod marmurowe kolumny, na plac pełen ludzi – jak to było w tym mieście, jak było w odległej, jasnej Grecji…
...Minęło kilka lat. Aleksander wyjechał do Paryża, aby doskonalić swoją wiedzę i talent. Miał też jeszcze jeden zamiar, który wkrótce szczęśliwie zrealizował. Wydał książkę o wykopaliskach w Pompejach – na luksusowym papierze, z własnymi rysunkami i rysunkami. Walory książki doceniono tak bardzo, że już po krótkim czasie jej autor został wybrany na członka Królewskiego Instytutu Architektury w Londynie i mediolańskiej Akademii Sztuk. Aleksander nie tyle rozkoszował się sławą, co radował - w końcu miał coś do doniesienia Towarzystwu Zachęty Artystów, które siedem lat temu, w 1822 roku, po ukończeniu petersburskiej Akademii Sztuk Pięknych wysłało go i jego brata za granicę za granicę Sztuka. Ale Karl... Mój Boże, jakie plotki o nim dotarły z Rzymu! Udało mu się zasłynąć jako wspaniały portrecista, a każdy wybitny rosyjski dżentelmen, który przyjeżdżał do Włoch, spieszył się, aby zamówić u niego jego portret. Ale katastrofą byłoby, gdyby ten człowiek zaczął budzić w Karlu niechęć. Mógł go przyjąć (jak to było w przypadku hrabiego Orłowa-Davydowa) w najbardziej swobodnym garniturze i najbardziej swobodnej pozie i spokojnie oznajmić, że nie ma dziś nastroju do pracy. Skandal!..


Jeden ze szkiców do obrazu „Ostatni dzień Pompei”.

Jednak do Aleksandra dotarła wiadomość, że Karol ostatnio robił szkice do dużego płótna, które zaproponował nazwać „Ostatnim dniem Pompejów”. Uszczęśliwiło go to do tego stopnia, że ​​natychmiast zasiadł do napisania listu, w którym z zapałem pytał, czy jego brat zamierza używać źródła historyczne albo będzie to owoc jego wolnej wyobraźni; Czy nie sądzi, że śmierć Pompejów była z góry przewidziana: Pompejańczycy pławili się w luksusie i zabawach, lekkomyślnie lekceważąc wszelkie znaki i przepowiednie, marnując w więzieniu pierwszych chrześcijan; gdzie sugeruje scenę obrazu; a co najważniejsze, niech, na litość boską, nie odrywa się od wielkiego dzieła, które być może ma na celu pokazanie całego swojego geniuszu całemu światu.
List jego brata wpadł w gniew Karla. Przeszedł już od szkiców do płótna. Był ogromny – miał 29 metrów kwadratowych. Pracował żarliwie, niemal bez przerwy, aż do całkowitego wyczerpania, przez co często wynoszono go z warsztatu. A potem przyszedł właściciel i poprosił o zapłacenie rachunków. . .
Oczywiście wszyscy już wątpią, że jest w stanie stworzyć coś wartościowego. Towarzystwo Zachęty Artystów już drugi rok nie wypłaca mu emerytury. Po prostu plotkują o jego niepoważnym i nieostrożnym usposobieniu. Ale brat powinien wiedzieć, że jeśli pracuje z pasji, to nawet jeśli go owiniesz całunem, nie przestanie pracować.

K. P. Bryullov „Ostatni dzień Pompejów”, 1830–1833. Państwowe Muzeum Rosyjskie w Petersburgu.

Karl sięgał po pióro i atrament tylko w skrajnych przypadkach. A potem zdecydował: napisze teraz - zarówno do swoich braci (brat Fedor, także artysta, mieszkał w Petersburgu), jak i do Towarzystwa Zachęty. „Krajobraz... Wziąłem wszystko z życia, nie wycofując się ani nic nie dodając, stojąc tyłem do bram miasta, aby zobaczyć część Wezuwiusza jako główną przyczynę – bez czego wyglądałoby to jak pożar? po prawej stronie kładę na kolanach grupę matek z dwiema córkami (w tej pozycji odnaleziono te szkielety); za tą grupą widać grupę tłoczącą się na schodach... zakrywającą głowy stołkami i wazonami (rzeczy wszystkie ocalone zostały przeze mnie zabrane z muzeum – rodzina biegająca, myśląca o schronieniu się w mieście: mąż zakrywający siebie i żonę płaszczem, trzymający dziecko, drugą ręką zakrywający najstarszego syna, leżąca u stóp ojca; pośrodku obrazu upadła, pozbawiona uczuć kobieta, na piersi, nie wspierana już przez rękę matki, ściskając jej ubranie, spokojnie patrzy na żywą scenę śmierci. .”
Dziesiątki szkiców i szkiców, kilka lat wyczerpującej pracy. Nie, nie pisał o grozy zagłady, ani o bliskości śmierci. „Namiętność, prawdziwe, ogniste uczucia wyrażają się w tak pięknym wyglądzie, w takim cudowna osoba„który cieszy cię aż do zachwytu” – powiedział Gogol, gdy zobaczył obraz Śmierć zmysłowo pięknego, nieodwołalnego świata. Tak, sława przyszła do artysty na ulicach, w teatrze W Petersburgu złożono mu na głowę wieniec laurowy, w pismach pisano, że jego prace były pierwszymi, które artysta mógł zrozumieć wyższy rozwój gustu i nie wiedzieć, co to jest sztuka.
Cóż, Bryullov traktował sławę jako coś oczywistego, jako ciężar, wcale nie uciążliwy. Śmiał się beztrosko, gdy Aleksander, obejmując go łzami, upierał się, że zrobił dla Pompejów więcej niż jakikolwiek archeolog czy naukowiec…

Prawie 2000 lat temu erupcja Wezuwiusza zniszczyła kilka starożytnych rzymskich osad, w tym miasta Pompeje i Herkulanum. „Futurysta” jest kroniką wydarzeń z 24-25 sierpnia 79 r. n.e.

Starożytny rzymski pisarz i prawnik Pliniusz Młodszy podał, że stało się to 24 sierpnia o siódmej godzinie po wschodzie słońca (około południa). Jego matka wskazała jego wujowi, Pliniuszowi Starszemu, chmurę niezwykłej wielkości i kształtu, która pojawiła się na szczycie góry. Pliniusz Starszy, który w tym czasie był dowódcą floty rzymskiej, udał się do Misenum na obserwacje rzadkie zjawisko natura. W ciągu następnych dwóch dni zginęło 16 tysięcy mieszkańców rzymskich osad Pompeje, Herkulanum i Stabiae: ich ciała pogrzebano pod warstwą popiołu, kamieni i pumeksu wyrzuconych przez szalejący wulkan Wezuwiusz.

Odlewy ciał znalezionych podczas wykopalisk można teraz oglądać w Łaźniach Stabiana na stanowisku archeologicznym w Pompejach

Od tego czasu zainteresowanie Pompejami nie maleje: współcześni badacze rysują cyfrowe mapy zniszczonego miasta i wyruszają na wyprawy archeologiczne, aby pokazać nam codzienne życie ludzi, którzy zginęli u podnóża wulkanu.

Listy Pliniusza Młodszego do historyka Tacyta, wyniki wykopalisk i dowody wulkanologiczne pozwalają naukowcom zrekonstruować harmonogram erupcji.

Ruiny Pompejów z Wezuwiuszem w tle

12:02 Matka Pliniusza opowiada wujowi Pliniuszowi Starszemu o dziwnej chmurze, która pojawiła się nad Wezuwiuszem. Wcześniej miastem przez kilka dni wstrząsały wstrząsy, choć było to nietypowe dla regionu Kampanii. Pliniusz Młodszy opisał później to zjawisko w następujący sposób:

„szybko zbliżała się ogromna czarna chmura... długie, fantastyczne płomienie co jakiś czas buchały z niej, przypominające błyskawice, tyle że znacznie większe”...

Wiatry przenoszą większość popiołu na południowy wschód. Rozpoczyna się „faza pliniańska” erupcji.

13:00 Na wschód od wulkanu zaczyna opadać popiół. Pompeje znajdują się zaledwie sześć mil od Wezuwiusza.

14:00 Najpierw spada popiół na Pompeje, a potem biały pumeks. Warstwa osadów wulkanicznych pokrywająca ziemię rośnie w tempie 10-15 cm na godzinę. Docelowo grubość warstwy pumeksu wyniesie 280 cm.

Ostatni dzień Pompejów, obraz Karola Pawłowicza Bryulłowa, namalowany w latach 1830-1833.

17:00 Dachy zapadają się pod masą osadów wulkanicznych w Pompejach. Kamienie wielkości pięści spadają na miasto z prędkością 50 m/s. Słońce zakryło się popielatą zasłoną i ludzie szukają schronienia w ciemnościach. Wielu spieszy do portu w Pompejach. Wieczorem przyszła kolej na szary pumeks.

23:15 Rozpoczyna się „erupcja Peleiana”, której pierwsza fala uderzyła w Herkulanum, Boscoreale i Oplontis.

00:00 Kolumna popiołu o długości 14 km wzrosła do 33 km. Pumeks i popiół przedostają się do stratosfery. W ciągu następnych siedmiu godzin w ten obszar uderzy sześć fal piroklastycznych (wypełniony gazem strumień popiołu, pumeksu i lawy). Wszędzie ludzie stoją w obliczu śmierci. Tak wulkanolog Giuseppe Mastrolorenzo opisuje tę noc dla „National Geographic”:

„Temperatura na zewnątrz i wewnątrz wzrosła do 300°C. To więcej niż wystarczy, aby zabić setki ludzi w ułamku sekundy. Kiedy fala piroklastyczna zalała Pompeje, ludzie nie mieli czasu się udusić. Zniekształcone postawy ciał ofiar nie są konsekwencją długotrwałej agonii, ale spazmu wywołanego szokiem cieplnym, który zginał już martwe kończyny”.