Leonardo da Vinci „La Gioconda”:
Historia malarstwa

22 sierpnia 1911 roku z Sali Kwadratowej Luwru zniknął światowej sławy obraz Leonarda da Vinci „La Gioconda”. O 13:00, kiedy muzeum zostało otwarte dla zwiedzających, jej tam nie było. Wśród pracowników Luwru zaczęło się zamieszanie. Sieć podała, że ​​muzeum będzie zamknięte na cały dzień z powodu awarii wodociągu.

Pojawił się prefekt policji z oddziałem inspektorów. Zamknięto wszystkie wyjścia z Luwru i zaczęto przeszukiwać muzeum. Nie da się jednak w ciągu jednego dnia zwiedzić starożytnego pałacu królów francuskich o powierzchni 198 metrów kwadratowych. Jednak pod koniec dnia policji udało się znaleźć szklaną gablotę i ramę Mona Lisy na podeście małej klatki schodowej. Sam obraz – prostokąt o wymiarach 54x79 centymetrów – zniknął bez śladu.

„Utrata La Giocondy to klęska narodowa” – napisano we francuskim czasopiśmie „Ilustracja”, „ponieważ jest prawie pewne, że ktokolwiek dopuścił się tej kradzieży, nie może odnieść z niej żadnej korzyści. Należy się obawiać, że w obawie przed złapaniem może zniszczyć to kruche dzieło”.

Magazyn ogłosił nagrodę: „40 000 franków dla tego, kto przyniesie „La Giocondę” do redakcji pisma. 20 000 franków dla każdego, kto wskaże, gdzie można znaleźć obraz. 45 000 temu, kto zwróci La Giocondę przed 1 września”. Minął pierwszy września, a obrazu nie było. Następnie Illustration opublikował nowe zdanie: „Redakcja gwarantuje kompletna tajemnica temu, który przynosi „La Giocondę”. Dadzą mu 45 000 w gotówce i nawet nie zapytają, jak się nazywa”. Ale nikt nie przyszedł.

Minął miesiąc za miesiącem. Przez cały ten czas portret pięknej florenckiej kobiety leżał ukryty w kupie śmieci na trzecim piętrze dużego paryskiego domu „Cité du Heroes”, w którym mieszkali włoscy pracownicy sezonowi.

Minęło jeszcze kilka miesięcy, rok, dwa...
Pewnego dnia włoski handlarz antykami Alfredo Geri otrzymał list z Paryża. Na kiepskiej szkolnej gazetce, niezdarnymi listami, niejaki Vincenzo Leopardi zaproponował handlarzowi antykami portret Mony Lisy, który zniknął z Luwru. Leopardi napisał, że pragnie zwrócić ojczyźnie jedno z najlepszych dzieł sztuki włoskiej.
List ten został wysłany w listopadzie 1913 r.
Kiedy po długich negocjacjach, korespondencji i spotkaniach Leopardi dostarczył obraz do Galerii Uffizi we Florencji, powiedział:
„To dobra i święta rzecz! Luwr jest pełen skarbów, które słusznie należą do Włoch. Nie byłbym Włochem, gdybym patrzył na to obojętnie!”

Na szczęście dwa lata i trzy miesiące, które Mona Lisa spędziła w niewoli, nie wpłynęły na obraz. Pod ochroną policji La Gioconda była wystawiana w Rzymie, Florencji, Mediolanie i później uroczysta ceremonia wyjazd do Paryża.

Śledztwo w sprawie Perugii (tak brzmi prawdziwe nazwisko porywacza) trwało kilka miesięcy. Aresztowany mężczyzna niczego nie ukrywał i twierdził, że okresowo pracował w Luwrze jako szklarz. W tym czasie zwiedzał sale Galeria Sztuki i spotkałem wielu pracowników muzeum. Otwarcie stwierdził, że już dawno podjął decyzję o kradzieży La Giocondy.

Peruggi nie znał dobrze historii malarstwa. Szczerze i naiwnie wierzył, że La Gioconda została zabrana Włochom za czasów Napoleona.
Tymczasem sam Leonardo da Vinci przywiózł go do Francji i sprzedał królowi Francji Franciszkowi I za 4000 ecu – wówczas ogromną kwotę. Obraz ten przez długi czas zdobił Złoty Gabinet zamku królewskiego w Fontainebleau; za panowania Ludwika XIV został przeniesiony do Wersalu, a po rewolucji do Luwru.

Po 20 latach pobytu w Mediolanie Leonardo da Vinci wrócił do Florencji. Jak wszystko się dla niego zmieniło rodzinne miasto! Ci, których tu pozostawił, byli już u szczytu swej chwały; a on, który niegdyś cieszył się powszechnym kultem, został prawie zapomniany. Jego starzy przyjaciele, w wirze niepokoju i niepokoju, bardzo się zmienili... Jeden z nich został mnichem; inny, zrozpaczony śmiercią szalonego Savonaroli, porzucił malarstwo i resztę swoich dni postanowił spędzić w szpitalu Santa Maria Novella; trzeci, stary na duchu i ciele, nie mógł już być byłym towarzyszem Leonarda.

Dopiero doświadczony już w codziennych sprawach P. Perugino rozmawiał z Leonardem po staremu i dał mu przydatne porady. Jego słowa były prawdziwe i Leonardo da Vinci również bardzo potrzebował tych wskazówek. W służbie księcia nie zarabiał pieniędzy na wygodne życie i ze skromnymi funduszami wrócił do Florencji. Leonardo nigdy nawet nie myślał o dużych i poważnych dziełach i nikt mu ich nie zamawiał. Aby pisać na własne ryzyko z miłości do sztuki, nie miał ani pieniędzy, ani czasu. Cała florencka szlachta zabiegała o miernych mistrzów, a genialny da Vinci żył w biedzie, zadowalając się okruchami, które spadały mu z rozkazów szczęśliwych braci.
Ale we Florencji Leonardo da Vinci stworzył swoje arcydzieło - słynny obraz „La Gioconda”.

Radziecki krytyk sztuki I. Dołgopołow zauważył, że pisanie o tym obrazie „jest po prostu przerażające, ponieważ poeci, prozaicy i krytycy sztuki napisali o nim setki książek. Istnieje niezliczona ilość publikacji, w których dokładnie przestudiowano każdy centymetr tego obrazu. I choć historia jego powstania jest dość dobrze znana, to nazwa obrazu, data jego namalowania, a nawet miasto, w którym wielkiego Leonarda Spotkałem swoją modelkę.”

Giorgio Vasari w swoich „Biografiach” tak opisuje ten obraz: „Leonardo podjął się wykonania dla Francesco del Giocondo portretu Mony Lisy, swojej żony”.
Jak obecnie sugerują niektórzy badacze, Vasari najwyraźniej się mylił. Z najnowszych badań wynika, że ​​obraz nie przedstawia żony florenckiego szlachcica del Giocondo, ale inną wysoką damę. MAMA. Na przykład Gukowski kilkadziesiąt lat temu napisał, że ten portret oddaje cechy jednej z wielu dam serca Giulia Medici i został wykonany na jego zamówienie. Jednoznacznie stwierdza to Antonio de Beatis, który widział portret w pracowni Leonarda we Francji.

W swoim dzienniku datowanym na 10 października 1517 roku zapisuje: „Na jedno z przedmieść pan kardynał udał się z nami, grzesznikami, do pana Luonardo Vinci, Florentczyka… znakomitego malarza naszych czasów. Ten ostatni pokazał jego lordowskiej mości trzy obrazy – jeden przedstawiający pewną florencką damę, namalowany z życia na zlecenie zmarłego Wspaniałego Giulio Medici.

Wielu badaczy było zdumionych, dlaczego kupiec del Giocondo nie zostawił portretu swojej żony. Rzeczywiście portret stał się własnością artysty. I fakt ten przez niektórych jest odbierany jako argument na rzecz tego, że Leonardo nie przedstawił Mony Lisy. Ale może Florentyńczyk był dość zdumiony i zaskoczony? Może po prostu nie rozpoznał w przedstawionej bogini swojej młodej żony Mony Lisy Gherardini? Ale sam Leonardo, który malował portret przez cztery lata i tyle w niego inwestował, nie mógł się z nim rozstać i zabrał obraz z Florencji?

Tak czy inaczej, dzięki D. Vasariemu ten kobiecy wizerunek wszedł do historii kultury światowej pod nazwą „Mona Lisa” lub „Gioconda”. Czy była piękna? Prawdopodobnie, ale we Florencji było wiele kobiet piękniejszych od niej.
Jednak Mona Lisa była zaskakująco atrakcyjna, choć jej rysy twarzy nie były harmonijne. Małe uśmiechnięte usta, miękkie włosy opadające na ramiona...
„Ale jej w pełni rozwinięta sylwetka” – pisze M. Alpatov – „była idealna, a jej zadbane dłonie miały szczególnie doskonały kształt. Ale to, co było w niej niezwykłe, pomimo bogactwa, modnie wyczesanych brwi, różu i dużej ilości biżuterii na dłoniach i szyi, to prostota i naturalność rozlewająca się po całym jej wyglądzie...
A potem jej twarz rozjaśniła się uśmiechem i stała się dla artysty niezwykle atrakcyjna – zawstydzona i nieco przebiegła, jakby wróciła do niego utracona żartobliwość młodości i coś ukrytego w głębi duszy, nierozwiązanego.”

Leonardo uciekał się do najróżniejszych trików, aby jego model nie nudził się podczas sesji. W pięknie udekorowanej sali, wśród kwiatów i luksusowych mebli, siedzieli muzycy, ciesząc uszy śpiewem i muzyką, a piękna, wyrafinowana artystka wypatrywała cudownego uśmiechu na twarzy Mony Lisy.
Zapraszał błaznów i klaunów, ale muzyka nie do końca zadowalała Monę Lisę. Słuchała znanych utworów ze znudzoną miną, a magik-żongler też jej nie ożywił. A potem Leonardo opowiedział jej bajkę.

Dawno, dawno temu żył biedny człowiek i miał czterech synów; trzech było mądrych, a jeden był tym i tamtym. - ani inteligencja, ani głupota. Tak, jednak nie potrafili właściwie ocenić jego inteligencji: był cichszy i lubił chodzić po polu, nad morze, słuchać i myśleć o sobie; Uwielbiałam też patrzeć na gwiazdy nocą.

A potem śmierć przyszła po ojca. Zanim odebrał sobie życie, przywołał do siebie swoje dzieci i powiedział im:
„Moi synowie, wkrótce umrę. Jak tylko mnie pochowasz, zamknij chatę i udaj się na koniec świata w poszukiwaniu szczęścia dla siebie. Niech każdy się czegoś nauczy, żeby mógł się wyżywić”.

Ojciec umarł, a synowie, pochowawszy go, udali się na krańce świata w poszukiwaniu szczęścia i zgodzili się, że za trzy lata wrócą na polanę w swoim rodzinnym gaju, gdzie udali się po martwe drewno, i powiedzą sobie nawzajem inni, którzy nauczyli się czego przez te trzy lata.
Minęły trzy lata i pamiętając o porozumieniu, bracia wrócili z końca świata na polanę do swojego rodzinnego gaju. Przyszedł pierwszy brat i nauczył się stolarki. Z nudów ściął drzewo i ociosał je, robiąc z niego kobietę. Odszedł kawałek i czekał.
Drugi brat wrócił, zobaczył drewnianą kobietę, a ponieważ był krawcem, postanowił ją ubrać i w tej właśnie chwili niczym wprawny rzemieślnik uszył jej piękną jedwabną suknię.
Przyszedł trzeci syn i ozdobił drewnianą dziewczynę złotem i drogimi kamieniami, ponieważ był jubilerem i udało mu się zgromadzić ogromne bogactwo.

I przyszedł czwarty brat. Nie umiał ani cieśli, ani szyć - umiał jedynie słuchać tego, co mówi ziemia, co mówią drzewa, zioła, zwierzęta i ptaki, znał bieg planet niebieskich, a także umiał śpiewać wspaniałe pieśni. Zobaczył drewnianą dziewczynę w luksusowych strojach, złocie i kamienie szlachetne. Ona jednak była głucha i niema i nie poruszała się. Potem zebrał całą swoją sztukę - w końcu nauczył się rozmawiać ze wszystkim, co jest na ziemi, nauczył się swoją pieśnią ożywiać kamienie... I zaśpiewał piękną pieśń, z której płakali bracia kryjący się za krzakami, i tą piosenką tchnął duszę w drewnianą kobietę. A ona uśmiechnęła się i westchnęła...

Wtedy bracia podbiegli do niej i krzyknęli:
- Stworzyłem cię, powinnaś być moją żoną!
- Musisz być moją żoną, ubrałem cię, nagą i nędzną!
- I uczyniłem cię bogatym, powinnaś zostać moją żoną!

Ale dziewczyna odpowiedziała:
- Stworzyłeś mnie - bądź moim ojcem. Ubraliście mnie i ozdobiliście – bądźcie moimi braćmi. A Ty, który tchnąłeś we mnie duszę moją i nauczyłeś cieszyć się życiem, Ty jeden będziesz moim mężem na całe życie...
A drzewa i kwiaty, i cała ziemia wraz z ptakami zaśpiewały im hymn miłości...

Skończywszy opowieść, Leonardo spojrzał na Monę Lisę. Boże, co się stało z jej twarzą! Wydawało się, że jest oświetlone światłem, oczy błyszczały. Uśmiech błogości, powoli znikający z jej twarzy, pozostał w kącikach jej ust i drżał, nadając mu niesamowity, tajemniczy i nieco przebiegły wyraz.

Już dawno Leonardo da Vinci nie doświadczył tak ogromnego przypływu twórczej energii. Wszystko, co było w nim najweselszego, najjaśniejszego i jasnego, włożył w swoją pracę.
Aby podkreślić wrażenie twarzy, Leonardo ubrał Monę Lisę w prostą sukienkę, pozbawioną wszelkich ozdób, skromną i ciemną. Wrażenie prostoty i naturalności potęgują umiejętnie pomalowane fałdy sukni i lekka chusta.

Artyści i miłośnicy sztuki, którzy czasami odwiedzali Leonarda, zobaczyli La Giocondę i byli zachwyceni:
- Jaką magiczną umiejętność posiada Messer Leonardo w przedstawianiu tego żywego blasku, tej wilgoci w oczach!
- Na pewno oddycha!
- Teraz będzie się śmiać!
- Niemal czuć żywą skórę tej uroczej twarzy... Wydaje się, że w zagłębieniu szyi widać bicie pulsu.
- Jaki ona ma dziwny uśmiech. Jakby o czymś myślała i nic nie mówiła...

Rzeczywiście, w oczach „La Gioconda” jest światło i wilgotny połysk, jak w żywych oczach, a na powiekach widoczne są najdelikatniejsze liliowe żyłki. Ale wspaniały artysta stworzył rzecz niespotykaną: malował także powietrze przesiąknięte wilgotnymi oparami i spowijające postać przejrzystą mgłą.

Najsłynniejszy, badany i wielokrotnie opisywany we wszystkich językach świata „La Gioconda” do dziś pozostaje najbardziej tajemniczym obrazem wielkiego da Vinci. Wciąż pozostaje niezrozumiały i od kilku stuleci nie przestaje niepokoić wyobraźni, może właśnie dlatego, że nie jest to portret w potocznym znaczeniu tego słowa. Leonardo da Vinci napisał go wbrew samej koncepcji „portretu”, która zakłada wizerunek rzeczywistej osoby, podobnej do oryginału i posiadającej cechy ją charakteryzujące (przynajmniej pośrednio).
To, co napisał artysta, wykracza daleko poza to prosty portret. Każdy odcień skóry, każdy fałd ubrania, ciepły blask oczu, życie tętnic i żył – to wszystko artysta wyposażył swoje malarstwo. Ale przed widzem w tle pojawia się także stromy łańcuch skał z oblodzonymi szczytami u podnóża gór, tafla wody, z której wypływa szeroka i kręta rzeka, która zwężając się pod mostkiem, skręca w miniaturowy wodospad, znikający poza obrazem.

Złociste, ciepłe światło włoskiego wieczoru i magiczny urok obrazów Leonarda da Vinci zalewają widza. Uważnie, wszystko rozumiejąc, „La Gioconda” patrzy na świat i ludzi. Od chwili stworzenia przez artystę minęło ponad stulecie, a za ostatnim dotknięciem pędzla Leonarda stało się ono wiecznie żywe. On sam od dawna czuł, że Mona Lisa żyła wbrew jego woli.

Jak pisze krytyk sztuki W. Lipatow:
„La Gioconda” była kopiowana wielokrotnie i zawsze bezskutecznie: była nieuchwytna, nawet w najmniejszym stopniu nie pojawiała się na cudzym płótnie, pozostając wierna swemu twórcy.
Próbowali ją rozerwać, zabrać i powtórzyć przynajmniej jej wieczny uśmiech, ale na obrazach jej uczniów i naśladowców uśmiech przygasł, stał się fałszywy, umarł jak istota uwięziona w niewoli.”
Rzeczywiście, żadna reprodukcja nie odda nawet jednej tysięcznej uroku, jaki płynie z portretu.

Hiszpański filozof Ortega y Gasset napisał, że w La Giocondzie można poczuć pragnienie wewnętrznego wyzwolenia:
„Patrzcie, jak napięte są jej skronie i gładko wygolone brwi, jak mocno zaciśnięte są jej usta, z jakim ukrytym wysiłkiem próbuje unieść ciężki ładunek melancholijnego smutku. Jednak to napięcie jest na tyle niewyczuwalne, cała jej postać oddycha takim wdzięcznym spokojem, a cała jej istota wypełniona jest takim bezruchem, że ten wewnętrzny wysiłek jest raczej odgadnięty przez widza niż świadomie wyrażony przez mistrza. Wije się, gryzie ogon jak wąż, a kończąc ruch po okręgu, dając w końcu upust rozpaczy, objawia się słynnym uśmiechem Mony Lisy.

Wyjątkowa „La Giaconda” Leonarda da Vinci o wiele stuleci wyprzedziła rozwój malarstwa. Próbując wyjaśnić tajemnicę jego czarodziejskiego uroku, napisano o obrazie nieskończoną ilość. Przyjęli najbardziej niewiarygodne założenia (że „La Gioconda” jest w ciąży, że jest przekrzywiona, że ​​to mężczyzna w przebraniu, że to autoportret samego artysty), ale mało prawdopodobne, że kiedykolwiek tak się stanie można w pełni wyjaśnić, dlaczego to dzieło, stworzone przez Leonarda w jego schyłkowych latach, ma tak niesamowite i siła przyciągania Bo to płótno jest dziełem prawdziwie boskiej, a nie ludzkiej ręki.
„Sto wielkich obrazów” N.A. Ionina, Wydawnictwo Veche, 2002

Mona Lisa Leonarda da Vinci to jedno z najsłynniejszych dzieł malarstwa na całym świecie.

Obecnie obraz ten znajduje się w paryskim Luwrze.

Powstanie obrazu i przedstawiony na nim model owiane były wieloma legendami i plotkami i nawet dziś, gdy w historii La Giocondy nie ma już praktycznie białych plam, wśród wielu niezbyt wykształconych osób nadal krążą mity i legendy .

Kim jest Mona Lisa?

Tożsamość przedstawionej dziewczyny jest dziś dość znana. Uważa się, że jest to Lisa Gherardini, słynna mieszkanka Florencji, należąca do arystokratycznej, ale zubożałej rodziny.

Najwyraźniej Gioconda to jej nazwisko po mężu; Jej mężem był odnoszący sukcesy handlarz jedwabiem, Francesco di Bartolomeo di Zanobi del Giocondo. Wiadomo, że Lisa i jej mąż urodzili sześcioro dzieci i prowadzili miarowe życie, typowe dla zamożnych obywateli Florencji.

Można by pomyśleć, że małżeństwo zostało zawarte z miłości, ale jednocześnie przyniosło też dodatkowe korzyści dla obojga małżonków: Lisa wyszła za mąż za przedstawiciela bogatszej rodziny, a za jej pośrednictwem Francesco związał się ze starą rodziną. Niedawno, w 2015 roku, naukowcy odkryli grób Lisy Gherardini – w pobliżu jednego ze starożytnych włoskich kościołów.

Tworzenie obrazu

Leonardo da Vinci od razu podjął się tego zlecenia i poświęcił się mu całkowicie, dosłownie, z jakąś pasją. A w przyszłości artysta był mocno przywiązany do swojego portretu, nosił go wszędzie ze sobą, a gdy w późnym wieku zdecydował się wyjechać z Włoch do Francji, zabrał ze sobą „La Giocondę” wraz z kilkoma wybranymi dziełami jego.

Jaki był powód stosunku Leonarda do tego obrazu? Uważa się, że wielki artysta miał romans z Lisą. Możliwe jednak, że malarz cenił ten obraz jako przykład największego rozkwitu swojego talentu: „La Gioconda” okazała się naprawdę niezwykła jak na swoje czasy.

Fotka Mona Lisy (La Gioconda).

Co ciekawe, Leonardo nigdy nie oddał portretu zleceniodawcy, lecz zabrał go ze sobą do Francji, gdzie jego pierwszym właścicielem był król Franciszek I. Być może mogło to wynikać z tego, że mistrz nie ukończył płótna na czas i kontynuował malowanie obrazu już po wyjeździe: słynny renesansowy pisarz Giorgio Vasari podaje, że Leonardo „nigdy nie ukończył” swojego obrazu.

Vasari w swojej biografii Leonarda podaje wiele faktów dotyczących malowania tego obrazu, ale nie wszystkie z nich są wiarygodne. Pisze zatem, że artysta tworzył obraz przez cztery lata, co jest wyraźną przesadą.

Pisze też, że gdy Lisa pozowała, w studiu zabawiała dziewczynę cała grupa błaznów, dzięki czemu Leonardo potrafił ukazać uśmiech na jej twarzy, a nie typowy wówczas smutek. Jednak najprawdopodobniej Vasari sam skomponował opowieść o błaznach dla rozrywki czytelników, używając nazwiska dziewczyny - w końcu „Gioconda” oznacza „bawić się”, „śmiech”.

Można jednak zauważyć, że Vasariego przyciągnął ten obraz nie tyle realizm jako taki, ale niesamowite odwzorowanie efektów fizycznych i najdrobniejsze szczegóły obrazu. Najwyraźniej pisarz opisał obraz z pamięci lub z opowieści innych naocznych świadków.

Kilka mitów na temat malarstwa

Także w koniec XIX wieku Gruye napisał, że „La Gioconda” od kilku stuleci dosłownie pozbawia ludzi rozumu. Wiele osób zastanawiało się, kontemplując ten niesamowity portret, dlatego otoczyło go wiele legend.

• Według jednego z nich, Leonardo na portrecie alegorycznie przedstawił... siebie, co rzekomo potwierdza zbieżność drobnych szczegółów twarzy;
• Według innego obraz przedstawia młodego mężczyznę w kobiecym przebraniu – na przykład Salai, ucznia Leonarda;
• Inna wersja mówi, że zdjęcie po prostu przedstawia idealna kobieta, jakiś abstrakcyjny obraz. Wszystkie te wersje są obecnie uznawane za błędne.

Spędził nad tym sporo czasu i opuszczając Włochy dojrzały wiek, zabrał ze sobą do Francji wśród kilku innych wybranych obrazów. Da Vinci darzył ten portret szczególnym sentymentem, a także wiele myślał w trakcie jego powstawania, w „Traktacie o malarstwie” oraz w tych, które nie zostały w nim zawarte, o technikach malarskich, można znaleźć wiele wskazówek, które niewątpliwie odnoszą się do „La Giocondy””.

Wiadomość Vasariego

„Studio Leonarda da Vinci” na rycinie z 1845 r.: Giocondę bawią błazny i muzycy

Ten rysunek z kolekcji Hyde'a w Nowym Jorku może być autorstwa Leonarda da Vinci i stanowi wstępny szkic portretu Mony Lisy. W tym przypadku ciekawe, że początkowo zamierzał złożyć w jej rękach wspaniałą gałąź.

Najprawdopodobniej Vasari po prostu dodał historię o błaznach, aby zabawić czytelników. W tekście Vasariego znajduje się także dokładny opis brakujących na obrazie brwi. Ta niedokładność mogła powstać tylko wtedy, gdy autor opisał obraz z pamięci lub z opowieści innych osób. Aleksiej Dżiwelegow pisze, że stwierdzenie Vasariego, że „prace nad portretem trwały cztery lata, jest wyraźnie przesadzone: Leonardo po powrocie z Cezara Borgii nie przebywał we Florencji tak długo, a gdyby zaczął malować portret przed wyjazdem do Cezara, Vasari prawdopodobnie powiedziałbym, że pisał to przez pięć lat.” Naukowiec pisze także o błędnym wskazaniu niedokończonego charakteru portretu – „malowanie portretu niewątpliwie trwało długo i zostało ukończone, niezależnie od tego, co mówił Vasari, który w swojej biografii Leonarda stylizował go na artystę, który w w zasadzie nie mógł dokończyć żadnej większej pracy. I nie tylko został ukończony, ale jest jednym z najstaranniej ukończonych dzieł Leonarda.

Ciekawostką jest to, że Vasari w swoim opisie podziwia talent Leonarda do przekazywania zjawisk fizycznych, a nie podobieństwo modela do obrazu. Wydaje się, że właśnie ta „fizyczna” cecha arcydzieła wywarła głębokie wrażenie na osobach odwiedzających pracownię artysty i dotarła do Vasariego prawie pięćdziesiąt lat później.

Obraz był dobrze znany miłośnikom sztuki, choć Leonardo w 1516 roku opuścił Włochy i udał się do Francji, zabierając obraz ze sobą. Według źródeł włoskich znajdował się on od tego czasu w kolekcji króla Francji Franciszka I, nie jest jednak jasne, kiedy i w jaki sposób go nabył oraz dlaczego Leonardo nie zwrócił go klientowi.

Inny

Być może artysta rzeczywiście nie dokończył obrazu we Florencji, lecz zabrał go ze sobą wyjeżdżając w 1516 roku i wykonał ostatnią kreskę pod nieobecność świadków, którzy mogliby o tym opowiedzieć Vasariemu. Jeśli tak, ukończył ją na krótko przed śmiercią w 1519 roku. (We Francji mieszkał w Clos Luce, niedaleko zamku królewskiego w Amboise).

Choć Vasari podaje informacje na temat tożsamości kobiety, przez długi czas panowała co do niej niepewność i wyrażano wiele wersji:

O prawidłowej identyfikacji modelu Mony Lisy świadczyła notatka na marginesie.

Według jednej z proponowanych wersji „Mona Lisa” jest autoportretem artystki

Uważa się jednak, że wersja o zgodności ogólnie przyjętej nazwy obrazu z osobowością modelki z 2005 roku znalazła ostateczne potwierdzenie. Naukowcy z Uniwersytetu w Heidelbergu zbadali notatki znajdujące się na marginesach księgi, której właścicielem był florencki urzędnik, osobisty znajomy artysty Agostino Vespucciego. W notatkach na marginesach książki porównuje Leonarda ze słynnym starożytnym greckim malarzem Apellesem i zauważa, że „da Vinci pracuje obecnie nad trzema obrazami, z których jeden to portret Lisy Gherardini”. Tak więc Mona Lisa naprawdę okazała się żoną florenckiego kupca Francesco del Giocondo - Lisą Gherardini. Obraz, jak dowodzą w tym przypadku uczeni, został zamówiony przez Leonarda do nowego domu młodej rodziny i dla upamiętnienia narodzin ich drugiego syna, imieniem Andrea.

Obraz

Opis

Kopia Mony Lisy z kolekcji Wallace'a (Baltimore) została wykonana przed przycięciem krawędzi oryginału i pozwala zobaczyć utracone kolumny

Prostokątny obraz przedstawia kobietę w ciemnym ubraniu, odwróconą do połowy. Siedzi na krześle ze splecionymi rękami, jedną ręką opierając się na podłokietniku, drugą na górze, obracając się na krześle niemal twarzą do widza. Włosy z przedziałkiem, gładko i płasko układające się, widoczne przez narzucony na nie przezroczysty welon (według niektórych założeń – atrybut wdowieństwa), opadają na ramiona w dwóch cienkich, lekko falujących pasmach. Zielona sukienka w cienkie falbany, z żółtymi plisowanymi rękawami, wycięta na białej, niskiej piersi. Głowa jest lekko obrócona.

Fragment Mona Lisy z pozostałościami podstawy kolumny

Dolna krawędź obrazu odcina drugą połowę jej ciała, zatem portret jest niemal w połowie długości. Krzesło, na którym siedzi modelka, stoi na balkonie lub loggii, której linia parapetu jest widoczna za jej łokciami. Uważa się, że wcześniejsze zdjęcie mogła być szersza i pomieścić dwie boczne kolumny loggii, z której ten moment zachowały się dwie podstawy kolumn, których fragmenty widoczne są wzdłuż krawędzi attyki.

Loggia wychodzi na opuszczoną pustynię z wijącymi się strumieniami i jeziorem otoczonym ośnieżonymi górami, które rozciągają się na wysoką panoramę za postacią. „Mona Lisa ukazana jest w pozycji siedzącej na krześle na tle pejzażu, a samo zestawienie jej postaci, bardzo blisko widza, z krajobrazem widocznym z daleka niczym potężna góra, nadaje obrazowi niezwykłej wielkości. To samo wrażenie wywołuje kontrast wzmożonej plastyczności postaci i jej gładkiej, uogólnionej sylwetki z wizjonerskim krajobrazem rozciągającym się w mglistą dal, z dziwacznymi skałami i wijącymi się między nimi kanałami wodnymi.

Kompozycja

Portret Giocondy jest jednym z najlepszych przykładów gatunku portretu włoskiego renesansu.

Boris Vipper pisze, że pomimo śladów Quattrocento „w swoim ubraniu z małym wycięciem na piersi i rękawami w luźnych fałdach, podobnie jak przy wyprostowanej postawie, lekkim skręcie ciała i delikatnym geście rąk, Mona Lisa należy w całości do epoki stylu klasycznego.” Michaił Ałpatow zauważa, że ​​„Gioconda jest doskonale wpisana w ściśle proporcjonalny prostokąt, jej półpostać tworzy pewną całość, złożone dłonie nadają jej obrazowi pełnię. Oczywiście nie mogło być mowy o fantazyjnych lokach wczesnego „Zwiastowania”. Jednak niezależnie od tego, jak złagodzone są wszystkie kontury, faliste pasmo włosów Mony Lisy współgra z przezroczystym welonem, a wiszący materiał przerzucony przez ramię odnajduje echo w gładkich zakrętach odległej drogi. W tym wszystkim Leonardo demonstruje umiejętność tworzenia zgodnie z prawami rytmu i harmonii.”

Stan aktulany

„Mona Lisa” stała się bardzo ciemna, co uważa się za wynik wrodzonej skłonności autora do eksperymentowania z farbami, przez co fresk „Ostatnia wieczerza” praktycznie umarł. Współcześni artyście potrafili jednak wyrazić swój zachwyt nie tylko kompozycją, projektem i grą światłocienia – ale także kolorystyką dzieła. Zakłada się np., że rękawy jej sukni mogły pierwotnie być czerwone – co widać na kopii obrazu z Prado.

Obecny stan obrazu jest dość zły, dlatego pracownicy Luwru ogłosili, że nie będą już przekazywać go na wystawy: „W obrazie powstały pęknięcia, a jedno z nich kończy się kilka milimetrów nad głową Mony Lisy”.

Analiza

Technika

Jak zauważa Dzivelegov, do czasu powstania Mony Lisy mistrzostwo Leonarda „weszło już w fazę takiej dojrzałości, kiedy zostały postawione i rozwiązane wszystkie formalne zadania o charakterze kompozycyjnym i innym, kiedy Leonardo zaczął sądzić, że tylko ostatnie, najtrudniejsze zadania technika artystyczna zasługują na uwagę. A kiedy znalazł w osobie Mony Lisy model, który zaspokoił jego potrzeby, próbował rozwiązać niektóre z najwyższych i najtrudniejszych problemów techniki malarskiej, których jeszcze nie rozwiązał. Chciał, za pomocą technik, które już wcześniej opracował i wypróbował, zwłaszcza przy pomocy swojej sławy sfumato, który wcześniej dawał niezwykłe efekty, zrobić więcej niż dotychczas: stworzyć żywą twarz żywej osoby i tak odtworzyć rysy i wyraz tej twarzy, aby ujawniały się do końca wewnętrzny świat osoba."

Krajobraz za Mona Lisą

Boris Vipper zadaje pytanie „w jaki sposób osiągnięto tę duchowość, tę nieśmiertelną iskrę świadomości w obrazie Mony Lisy, wówczas należy wymienić dwa główne środki. Jednym z nich jest wspaniałe sfumato Leonarda. Nic dziwnego, że Leonardo lubił mawiać, że „modelowanie jest duszą malarstwa”. To sfumato tworzy wilgotne spojrzenie Giocondy, jej uśmiech lekki jak wiatr i niezrównaną pieszczotliwą miękkość dotyku jej dłoni. Sfumato to subtelna mgiełka, która otula twarz i sylwetkę, zmiękczając kontury i cienie. W tym celu Leonardo zalecał umieszczenie, jak to określił, „rodzaju mgły” pomiędzy źródłem światła a ciałami.

Rothenberg pisze, że „Leonardo zdołał wprowadzić do swojej twórczości taki stopień uogólnienia, który pozwala uznać go za obraz człowieka renesansu jako całości. Ten wysoki stopień uogólnienia znajduje odzwierciedlenie we wszystkich elementach malarskiego języka obrazu, w jego poszczególnych motywach - w sposobie, w jaki lekki, przezroczysty welon, okrywający głowę i ramiona Mony Lisy, spaja starannie zaczesane pasma włosów i małe fałdy sukienki tworzące ogólnie gładki kontur; wyczuwalne jest to w niezrównanej miękkości modelowania twarzy (z której zgodnie z ówczesną modą usunięto brwi) i pięknych, smukłych dłoniach.”

Alpatov dodaje, że „w delikatnie topniejącej mgle spowijającej twarz i sylwetkę Leonardo zdołał sprawić, że odczuto nieograniczoną zmienność ludzkiej mimiki. Choć oczy Giocondy patrzą na widza uważnie i spokojnie, to dzięki przyciemnieniu oczodołów można odnieść wrażenie, że lekko się marszczą; jej usta są zaciśnięte, ale w ich kącikach znajdują się subtelne cienie, które sprawiają, że wierzysz, że co minutę będą się otwierać, uśmiechać i mówić. Sam kontrast między jej spojrzeniem a półuśmiechem na ustach daje wyobrażenie o niespójności jej doświadczeń. (...) Leonardo pracował nad tym kilka lat, dbając o to, aby na obrazie nie pozostał ani jeden ostry pociąg, ani jeden zakrzywiony kontur; i choć krawędzie znajdujących się w nim obiektów są wyraźnie wyczuwalne, wszystkie rozpływają się w najsubtelniejszych przejściach od półcienia do półświatła.”

Sceneria

Krytycy sztuki podkreślają organiczny charakter, z jakim artysta się połączył charakterystyka portretu osobowość z pejzażem pełnym szczególnego nastroju i jak bardzo podniosło to dostojeństwo portretu.

Wczesna kopia Mony Lisy z Prado pokazuje, jak wiele traci obraz portretowy umieszczony na ciemnym, neutralnym tle

W 2012 roku wyczyszczono kopię „Mony Lisy” z Prado, a pod późniejszymi nagraniami pojawiło się tło krajobrazowe – odczucie płótna natychmiast się zmienia.

Whipper uważa krajobraz za drugie medium tworzące duchowość obrazu: „Drugim medium jest relacja pomiędzy figurą a tłem. Fantastyczny, skalisty krajobraz, widziany jakby przez morską wodę, na portrecie Mony Lisy ma inną rzeczywistość niż sama postać. Mona Lisa ma rzeczywistość życia, krajobraz ma rzeczywistość snu. Dzięki temu kontrastowi Mona Lisa wydaje się niezwykle bliska i namacalna, a my postrzegamy ten krajobraz jako promieniowanie jej własnych snów.”

Badacz sztuki renesansu Wiktor Graszczenkow pisze, że Leonardo także dzięki pejzażowi zdołał stworzyć nie portret konkretnej osoby, ale obraz uniwersalny: „W tym tajemniczy obraz stworzył coś więcej niż portret nieznanej florenckiej Mony Lisy, trzeciej żony Francesco del Giocondo. Wygląd i struktura mentalna konkretnej osoby są przez niego przekazywane z niespotykaną dotąd syntetycznością. Ten bezosobowy psychologizm nawiązuje do kosmicznej abstrakcji krajobrazu, niemal całkowicie pozbawionego jakichkolwiek oznak obecności człowieka. W przydymionym światłocieniu złagodzone zostają nie tylko wszelkie zarysy postaci i krajobrazu, ale także wszystkie tony kolorystyczne. W subtelnych, prawie niezauważalnych dla oka przejściach od światła do cienia, w wibracji Leonardowskiego „sfumato”, wszelka określoność indywidualności i jej stanu psychicznego mięknie do granic możliwości, topnieje i gotowa jest zniknąć. (…) „La Gioconda” nie jest portretem. Jest to widzialny symbol samego życia człowieka i natury, zjednoczonych w jedną całość i przedstawiony abstrakcyjnie od jej indywidualnej, konkretnej formy. Ale za ledwo zauważalnym ruchem, który niczym fale światła przebiega po nieruchomej powierzchni tego harmonijnego świata, można dostrzec całe bogactwo możliwości istnienia fizycznego i duchowego.

„Mona Lisa” została zaprojektowana w złocistobrązowych i czerwonawych odcieniach na pierwszym planie oraz szmaragdowo zielonych odcieniach w tle. „Przezroczyste, jak szkło, kolory tworzą stop, jakby stworzony nie ręką ludzką, ale przez nią wewnętrzna siła materia, która z roztworu rodzi kryształy o doskonałym kształcie.” Podobnie jak wiele dzieł Leonarda, to dzieło z biegiem czasu pociemniało, a relacje kolorystyczne nieco się zmieniły, ale nawet teraz wyraźnie można dostrzec przemyślane zestawienia odcieni goździków i ubioru oraz ich ogólny kontrast z niebiesko-zielonym, „podwodny” ton krajobrazu .

Miejsce malarstwa w rozwoju gatunku portretu

„Mona Lisa” uważana jest za jedno z najlepszych dzieł w gatunku portretu, które wywarło wpływ na twórczość Wysoki renesans i pośrednio przez nich - na cały dalszy rozwój gatunku, który „zawsze musi powracać do La Giocondy jako przykład nieosiągalny, ale obowiązkowy”.

Historycy sztuki zauważają, że portret Mony Lisy był decydującym krokiem w rozwoju portretu renesansowego. Rothenberg pisze: „chociaż malarze Quattrocento pozostawili po sobie wielu znaczące dzieła tego gatunku, choć ich osiągnięcia w portrecie były, by tak rzec, nieproporcjonalne do osiągnięć w głównych gatunkach malarstwa – w kompozycjach o tematyce religijnej i mitologicznej. Nierówność gatunek portretowy znalazło odzwierciedlenie już w samej „ikonografii” obrazów portretowych. Rzeczywiste dzieła portretowe XV wieku, mimo niezaprzeczalnego podobieństwa fizjonomicznego i emanującego z nich poczucia wewnętrznej siły, wyróżniały się także przymusem zewnętrznym i wewnętrznym. Całe to bogactwo ludzkie uczucia i doświadczenia, które charakteryzują biblijne i obrazy mitologiczne malarzy XV w., zwykle nie była własnością ich dzieł portretowych. Echa tego widać we wcześniejszych portretach samego Leonarda, wykonanych przez niego w pierwszych latach pobytu w Mediolanie. (...) Dla porównania portret Mony Lisy jawi się jako wynik gigantycznej zmiany jakościowej. Po raz pierwszy obraz portretowy pod względem znaczenia dorównał najbardziej jasne obrazy inne gatunki malarskie”.

„Donna Nuda” (czyli „Naga Donna”). Nieznany artysta, koniec XVI wieku, Ermitaż

W swojej nowatorskiej pracy Leonardo przeniósł główny środek ciężkości na twarz portretu. Jednocześnie używał rąk jako potężnego środka charakterystyki psychologicznej. Nadając portretowi pokoleniowy format, artysta mógł zaprezentować szerszą gamę technik artystycznych. I najważniejsze w strukturę figuratywną Portret jest podporządkowaniem wszystkich szczegółów przewodniej idei. „Głowa i dłonie są niewątpliwym centrum obrazu, któremu poświęcane są pozostałe jego elementy. Bajeczny krajobraz wydaje się prześwitywać wody morskie wydaje się takie odległe i nieuchwytne. Jego główny cel- nie odwracaj uwagi widza od twarzy. I taką samą rolę ma pełnić ubranie, które układa się w najmniejsze fałdy. Leonardo celowo unika ciężkich draperiów, które mogłyby zaciemnić wyrazistość jego dłoni i twarzy. Zmusza więc tych ostatnich do występów ze szczególną siłą, tym większą, im skromniejszy i bardziej neutralny jest krajobraz i strój, porównywany do cichego, ledwo zauważalnego akompaniamentu.

Uczniowie i naśladowcy Leonarda stworzyli liczne repliki Mony Lisy. Część z nich (ze zbiorów Vernona w USA, z kolekcji Waltera w Baltimore w USA, a także przez pewien czas z Isleworth Mona Lisa w Szwajcarii) przez swoich właścicieli uważana jest za autentyczną, a obraz znajdujący się w Luwrze za kopię. Pojawia się także ikonografia „nagiej Mony Lisy”, prezentowana w kilku wersjach („Piękna Gabrielle”, „Monna Vanna”, Ermitaż „Donna Nuda”), najwyraźniej autorstwa własnych uczniów artysty. Duża ich liczba dała początek niemożliwej do udowodnienia wersji, że istnieje wersja nagiej Mony Lisy, namalowana przez samego mistrza.

Renoma obrazu

„Mona Lisa” za kuloodporną szybą w Luwrze i tłoczący się w pobliżu goście muzeum

Mimo że Mona Lisa cieszyła się dużym uznaniem współczesnych artysty, jej sława później przygasła. Obraz nie został szczególnie zapamiętany aż do połowy XIX wieku, kiedy artyści bliscy nurtowi symbolistycznemu zaczęli go wychwalać, kojarząc ze swoimi wyobrażeniami o kobiecej mistyce. Krytyk Walter Pater wyraził swoją opinię w swoim eseju o da Vinci z 1867 roku, opisując postać na obrazie jako swego rodzaju mityczne ucieleśnienie wiecznej kobiecości, która jest „starsza niż skały, między którymi siedzi” i która „umarła wiele razy i poznałam tajemnice życia pozagrobowego.” .

Dalszy wzrost sławy obrazu wiąże się z jego tajemniczym zniknięciem na początku XX wieku i szczęśliwym powrotem do muzeum kilka lat później (patrz poniżej rozdział Kradzież), dzięki czemu nie opuścił on łamów gazet.

Współczesny jej przygoda krytyk Abram Efros napisał: „...muzealny strażnik, który teraz nie odchodzi na krok od obrazu od czasu jego powrotu do Luwru po porwaniu w 1911 roku, nie pilnuje portretu Franceski del Żona Giocondo, ale obraz jakiejś pół-człowieka, pół-węża, stworzenia, uśmiechniętego lub ponurego, dominującego nad zimną, nagą, skalistą przestrzenią rozciągającą się za nim.

„Mona Lisa” jest dziś jedną z najbardziej znane obrazy Sztuka zachodnioeuropejska. Jego znakomita reputacja związana jest nie tylko z wysokimi walorami artystycznymi, ale także z atmosferą tajemniczości otaczającej to dzieło.

Wszyscy wiedzą, jaką nierozwiązywalną zagadkę zadaje Mona Lisa fanom tłoczącym się przed jej wizerunkiem już od niemal czterystu lat. Nigdy wcześniej artystka nie wyraziła istoty kobiecości (cytuję wersety wyrafinowanego pisarza ukrywającego się pod pseudonimem Pierre Corlet): „Czułość i bestialstwo, skromność i ukryta zmysłowość, wielka tajemnica serce, które się powstrzymuje, rozumny umysł, osobowość zamknięta w sobie, pozostawiająca innym kontemplację jedynie jej blasku. (Eugeniusz Muntz).

Jedna z tajemnic wiąże się z głębokim uczuciem, jakim autor darzył to dzieło. Proponowano różne wyjaśnienia, np. romantyczne: Leonardo zakochał się w Monie Lisie i celowo opóźniał pracę, aby zostać z nią na dłużej, a ona drażniła go swoim tajemniczym uśmiechem i doprowadzała do największych twórczych uniesień. Ta wersja jest uważana za zwykłą spekulację. Dzivelegov uważa, że ​​​​to przywiązanie wynika z faktu, że znalazł w niej punkt zastosowania dla wielu swoich kreatywne zadania(patrz sekcja Technika).

Uśmiech Giocondy

Uśmiech Mony Lisy jest jednym z najpiękniejszych słynne zagadki obrazy. Ten lekki, wędrujący uśmiech można odnaleźć w wielu pracach zarówno samego mistrza, jak i Leonardesków, jednak to w Mona Lisie osiągnął on swoją doskonałość.

Widza szczególnie fascynuje demoniczny urok tego uśmiechu. O tej kobiecie pisało setki poetów i pisarzy, która zdaje się uśmiechać się uwodzicielsko lub zamrożona, chłodno i bezdusznie patrzy w przestrzeń i nikt nie rozwikłał jej uśmiechu, nikt nie zinterpretował jej myśli. Wszystko, nawet krajobraz, jest tajemnicze, jak sen, drżące, jak przedburzowa mgła zmysłowości (Muter).

Graszczenkow pisze: „Nieskończona różnorodność ludzkich uczuć i pragnień, przeciwstawnych namiętności i myśli, wygładzonych i stopionych ze sobą, rezonuje w harmonijnie beznamiętnym wyglądzie Giocondy tylko z niepewnością jej uśmiechu, ledwo pojawiającego się i znikającego. Ten bezsensowny, przelotny ruch kącików jej ust, niczym odległe echo złączone w jeden dźwięk, przynosi nam z bezgranicznej odległości barwną polifonię duchowego życia człowieka”.

Krytyk sztuki Rotenberg uważa, że ​​„w całej sztuce światowej niewiele jest portretów, które pod względem siły wyrazu dorównują Mona Lisie”. osobowość człowieka ucieleśniającą się w jedności charakteru i intelektu. To właśnie niezwykły ładunek intelektualny portretu Leonarda odróżnia go od portretów Quattrocento. Ta jego cecha jest postrzegana tym bardziej dotkliwie, że odnosi się do portret kobiety, w którym charakter modelki ujawnił się wcześniej w zupełnie innej, przeważnie lirycznej, figuratywnej tonacji. Poczucie siły emanujące z „Mony Lisy” jest organicznym połączeniem wewnętrznego spokoju i poczucia osobistej wolności, duchowej harmonii osoby opartej na świadomości własnego znaczenia. A sam jej uśmiech wcale nie wyraża wyższości czy pogardy; jest postrzegane jako wynik spokojnej pewności siebie i całkowitej samokontroli.”

Boris Vipper zwraca uwagę, że wspomniany brak brwi i ogolone czoło być może mimowolnie potęgują dziwną tajemniczość w jej wyrazie twarzy. O potędze obrazu pisze dalej: „Jeśli zadamy sobie pytanie, jaka jest wielka siła przyciągania Mony Lisy, jej naprawdę nieporównywalne działanie hipnotyczne, to odpowiedź może być tylko jedna – w jej duchowości. Najbardziej pomysłowe i najbardziej przeciwne interpretacje znalazły się w uśmiechu „La Giocondy”. Chcieli odczytać w nim dumę i czułość, zmysłowość i kokieterię, okrucieństwo i skromność. Błąd polegał po pierwsze na tym, że w obrazie Mony Lisy za wszelką cenę szukano indywidualnych, subiektywnych właściwości duchowych, podczas gdy nie ulega wątpliwości, że Leonardo dążył do typowej duchowości. Po drugie, co może nawet ważniejsze, próbowano przypisać duchowości Mony Lisy treść emocjonalną, podczas gdy w rzeczywistości ma ona korzenie intelektualne. Cud Mony Lisy polega właśnie na tym, że ona myśli; że stojąc przed pożółkłą, popękaną deską nieodparcie odczuwamy obecność istoty obdarzonej inteligencją, istoty, z którą możemy rozmawiać i od której możemy oczekiwać odpowiedzi.

Lazarev przeanalizował to jak naukowiec zajmujący się sztuką: „Ten uśmiech to nie wszystko cecha indywidualna Mona Lisa to typowa formuła psychologicznej rewitalizacji, formuła, która niczym czerwona nić przewija się przez wszystkie młodzieńcze obrazy Leonarda, formuła, która później w rękach jego uczniów i naśladowców stała się tradycyjnym znaczkiem. Podobnie jak proporcje postaci Leonarda, opiera się na najlepszych pomiarach matematycznych, przy ścisłym uwzględnieniu wartości wyrazistych poszczególnych części twarzy. A mimo to ten uśmiech jest absolutnie naturalny i na tym właśnie polega siła jego uroku. Odbiera z twarzy wszystko, co twarde, napięte i zamrożone, zamienia ją w zwierciadło niejasnych, nieokreślonych przeżyć emocjonalnych; w swojej nieuchwytnej lekkości można ją porównać jedynie do fali płynącej po wodzie.

Jej analiza przyciągnęła uwagę nie tylko historyków sztuki, ale także psychologów. Zygmunt Freud pisze: „Kto wyobraża sobie obrazy Leonarda, kojarzy się z dziwnym, urzekającym i tajemniczym uśmiechem ukrytym na ustach jego kobiecych wizerunków. Uśmiech zamrożony na wydłużonych, drżących wargach stał się dla niego charakterystyczny i najczęściej nazywany jest „leonardowskim”. W szczególnie pięknym wyglądzie florenckiej Mony Lisy del Gioconda najbardziej urzeka i pogrąża widza w zamęcie. Ten uśmiech wymagał jednej interpretacji, ale znalazł wiele interpretacji, z których żadna nie była satysfakcjonująca. (...) Wśród wielu krytyków zrodziło się przypuszczenie, że w uśmiechu Mony Lisy połączyły się dwa różne elementy. Dlatego w wyrazie twarzy pięknej Florentynki widzieli najdoskonalszy obraz antagonizmu, jaki panuje kochać życie kobiety, powściągliwość i uwodzenie, ofiarna czułość i lekkomyślne domaganie się zmysłowości, pochłaniające mężczyznę jako coś obcego. (...) Leonardo w osobie Mony Lisy zdołał odtworzyć podwójne znaczenie jej uśmiechu, obietnicę bezgranicznej czułości i złowrogiej groźby.”

Kopia z XVI w. znajdująca się w Ermitażu w Petersburgu

Widza szczególnie fascynuje demoniczny urok tego uśmiechu. O tej kobiecie pisało setki poetów i pisarzy, która zdaje się uśmiechać się uwodzicielsko lub zamrożona, chłodno i bezdusznie patrzy w przestrzeń i nikt nie rozwikłał jej uśmiechu, nikt nie zinterpretował jej myśli. Wszystko, nawet krajobraz, jest tajemnicze, jak sen, drżące, jak przedburzowa mgła zmysłowości (Muter).

Dzieje malarstwa w czasach nowożytnych

W chwili jego śmierci w 1525 r. asystent (i być może kochanek) Leonarda imieniem Salai był w posiadaniu, zgodnie z wzmiankami w jego osobistych dokumentach, portretem kobiety o imieniu „La Gioconda” ( quadro de una dona aretata), który został mu przekazany przez nauczyciela. Salai pozostawił obraz swoim siostrom, które mieszkały w Mediolanie. Pozostaje tajemnicą, w jaki sposób w tym przypadku portret przedostał się z Mediolanu do Francji. Nie wiadomo także, kto i kiedy dokładnie obciął krawędzie obrazu z kolumnami, które według większości badaczy, na podstawie porównania z innymi portretami, istniały w wersji oryginalnej. W przeciwieństwie do innego wykadrowanego dzieła Leonarda - „Portret Ginevry Benci”, którego dolna część została przycięta, ponieważ została uszkodzona przez wodę lub ogień, w tym przypadku przyczyny były najprawdopodobniej natury kompozycyjnej. Istnieje wersja, w której zrobił to sam Leonardo da Vinci.

Tłum w Luwrze w pobliżu obrazu, nasze dni

Uważa się, że król Franciszek I kupił obraz od spadkobierców Salaia (za 4000 ecu) i trzymał go w swoim zamku w Fontainebleau, gdzie pozostał do czasów Ludwika XIV. Ten ostatni przewiózł ją do Pałacu Wersalskiego, a potem rewolucja Francuska znalazła się w Luwrze. Napoleon powiesił portret w swojej sypialni w Pałacu Tuileries, po czym wrócił do muzeum.

W czasie II wojny światowej obraz ze względów bezpieczeństwa został przetransportowany z Luwru do zamku Amboise (miejsca śmierci i pochówku Leonarda), następnie do opactwa Loc-Dieu, a w końcu do Muzeum Ingres w Montauban, skąd po zwycięstwie bezpiecznie wrócił na swoje miejsce.

Wandalizm

W 1956 r. dolna część obrazu uległa zniszczeniu, gdy zwiedzający oblał go kwasem. 30 grudnia tego samego roku młody Boliwijczyk Hugo Ungaza Villegas rzucił w nią kamieniem i uszkodził warstwę farby na łokciu (strata została później odnotowana). Następnie Mona Lisa została zabezpieczona kuloodpornym szkłem, które chroniło ją przed dalszymi poważnymi atakami. Mimo to w kwietniu 1974 roku kobieta, zdenerwowana polityką muzeum wobec osób niepełnosprawnych, podczas ekspozycji obrazu w Tokio próbowała spryskać czerwoną farbą z puszki, a 2 kwietnia 2009 roku Rosjanka, która nie otrzymała obywatelstwo francuskie, rzucił w szybę glinianym kubkiem. Oba te przypadki nie zaszkodziły obrazowi.

W sztuce

Kazimierz Malewicz. „Kompozycja z Mona Lisą”.

obraz:

• Kazimierz Malewicz stworzył „Kompozycję z Moną Lisą” w 1914 roku.
• Dadaista Marcel Duchamp w 1919 roku stworzył dzieło „L.H.O.O.Q.”, będące punktem zwrotnym dla kolejnych dzieł artystów. , będący reprodukcją słynnego płótna z narysowanymi wąsami.
• Fernand Léger namalował „Mona Lisę z kluczami” w 1930 roku.
• Rene Magritte w 1960 roku stworzył obraz „La Gioconda”, w którym nie ma Mony Lisy, ale jest okno.
• Andy Warhol w 1963 i 1978 stworzył kompozycję „Cztery Mona Lisy” i „Trzydzieści są lepsze niż jeden Andy Warhol” (1963), „Mona Lisa (dwa razy)” ().
• Salvador Dali namalował Autoportret jako Mona Lisa w 1964 roku.
• Przedstawiciel sztuki figuratywnej Fernando Botero napisał „Mona Lisa, 12 lat” w 1959 r., a w 1963 r. stworzył wizerunek Mony Lisy w charakterystyczny dla siebie sposób,

Leonardo da Vinci. Mona Lisa czy Gioconda

1503-1505. Luwr, Paryż. Renesans.

Obraz Leonarda da Vinci „Mona Lisa” lub „La Gioconda”. Obraz o wymiarach 77 x 53 cm, drewno, olej. Około 1503 roku Leonardo rozpoczął pracę nad portretem Mony Lisy, żony bogatego florenckiego Francesco Giocondo. Dzieło to, znane szerokiej publiczności pod nazwą „La Gioconda”, spotkało się z entuzjastycznym przyjęciem ze strony współczesnych. Sława obrazu była tak wielka, że ​​powstały wokół niego legendy. Poświęcono mu ogromną literaturę, z której większość daleka jest od obiektywnej oceny twórczości Leonarda. Nie sposób nie przyznać, że dzieło to, jako jeden z nielicznych zabytków sztuki światowej, ma naprawdę ogromną siłę przyciągania. Ale ta cecha obrazu nie jest związana z ucieleśnieniem jakiejś tajemniczej zasady ani z innymi podobnymi wynalazkami, ale rodzi się z jego niesamowitej głębi artystycznej. Portret Leonarda da Vinci „Mona Lisa” jest zdecydowanym krokiem w kierunku rozwoju renesansowej sztuki portretowej. Choć malarze Quattrocento pozostawili po sobie wiele znaczących dzieł tego gatunku, ich osiągnięcia w portrecie były, że tak powiem, nieproporcjonalne do osiągnięć w głównych gatunkach malarstwa – w kompozycjach o tematyce religijnej i mitologicznej. Nierówność gatunku portretu znalazła już odzwierciedlenie w samej „ikonografii” obrazów portretowych. Rzeczywiste dzieła portretowe XV wieku, mimo niezaprzeczalnego podobieństwa fizjonomicznego i emanującego z nich poczucia wewnętrznej siły, wyróżniały się także przymusem zewnętrznym i wewnętrznym. Całe bogactwo ludzkich uczuć i doświadczeń, charakteryzujące biblijne i mitologiczne wizerunki malarzy XV wieku, zwykle nie było własnością ich dzieł portretowych. Echa tego widać we wcześniejszych portretach Leonarda da Vinci, wykonanych przez niego w pierwszych latach pobytu w Mediolanie. Jest to „Portret damy z gronostajem” (ok. 1483 r.; Kraków, Muzeum Narodowe ), przedstawiający Cecylię Gallearani, kochankę Lodovico Moro oraz portret muzyka (ok. 1485 r.; Mediolan, Biblioteka Ambrozjańska). Dla porównania portret Mony Lisy postrzegany jest jako wynik gigantycznej zmiany jakościowej. Po raz pierwszy obraz portretowy pod względem znaczenia dorównał najbardziej uderzającym obrazom innych gatunków malarskich. Mona Lisa ukazana jest w pozycji siedzącej na krześle na tle pejzażu, a samo zestawienie jej postaci, bardzo blisko widza, z krajobrazem widocznym z daleka, jakby z ogromnej góry, nadaje obrazowi niezwykłej wielkości. To samo wrażenie wywołuje kontrast wzmożonej plastyczności postaci i jej gładkiej, uogólnionej sylwetki z wizjonerskim krajobrazem rozciągającym się w mglistą dal, z dziwacznymi skałami i wijącymi się między nimi kanałami wodnymi. Ale przede wszystkim przyciąga nas wygląd samej Mony Lisy – jej niezwykłe spojrzenie, jakby nierozerwalnie podążające za widzem, promieniujące inteligencją i wolą oraz subtelny uśmiech, którego znaczenie zdaje się nam umykać – ta nieuchwytność wprowadza w obraz jest odcieniem niewyczerpaności i nieskończonego bogactwa. W całej sztuce światowej niewiele jest portretów dorównujących obrazowi „Mona Lisa” pod względem siły wyrazu ludzkiej osobowości, ucieleśnionej w jedności charakteru i intelektu. To właśnie niezwykły ładunek intelektualny portretu Leonarda odróżnia go od portretów Quattrocento. Ta cecha jego twórczości jest tym dotkliwiej dostrzegana, że ​​nawiązuje do portretu kobiecego, w którym charakter modelki ujawniał się wcześniej w zupełnie innej, przeważnie lirycznej, figuratywnej tonacji. Poczucie siły emanujące z obrazu „Mona Lisa” to organiczne połączenie wewnętrznego spokoju i poczucia osobistej wolności, duchowej harmonii człowieka, opartej na jego świadomości własnego znaczenia. A sam jej uśmiech wcale nie wyraża wyższości czy pogardy; jest postrzegany jako wynik spokojnej pewności siebie i całkowitej samokontroli. Ale malarstwo Mony Lisy ucieleśnia nie tylko racjonalną zasadę - jej wizerunek przepełniony jest wysoką poezją, którą odczuwamy zarówno w jej nieuchwytnym uśmiechu, jak i w tajemnicy na wpół fantastycznego krajobrazu rozwijającego się za nią. Współcześni zachwycali się uderzającym podobieństwem i niezwykłą żywotnością portretu osiągniętego przez artystę. Ale jego znaczenie jest znacznie szersze: wielki malarz Leonardo da Vinci był w stanie wprowadzić do obrazu taki stopień uogólnienia, że ​​pozwala nam uznać go za obraz człowieka renesansu jako całości. Poczucie uogólnienia odbija się we wszystkich elementach malarskiego języka obrazu, w jego poszczególnych motywach - w sposobie, w jaki lekki, przezroczysty welon, okrywający głowę i ramiona Mony Lisy, łączy starannie zaczesane kosmyki włosów i drobne fałdy sukienka w ogólnie gładki kontur; to uczucie tkwi w niezrównanej miękkości wymodelowania twarzy (na której zgodnie z ówczesną modą usunięto brwi) i pięknych, gładkich dłoniach. To modelowanie takie jest mocne wrażenieżywą fizyczność, o której Vasari napisał, że w zagłębieniu szyi Mony Lisy widać bicie pulsu. Jednym ze sposobów na uzyskanie tak subtelnych niuansów plastycznych było charakterystyczne dla Leonarda „sfumato” - subtelna mgiełka otaczająca twarz i sylwetkę, łagodząca kontury i cienie. W tym celu Leonardo da Vinci zaleca umieszczenie, jak to określa, „rodzaju mgły” pomiędzy źródłem światła a ciałami. Prymat modelowania światła i cienia odczuwalny jest także w podporządkowanej kolorystyce obrazu. Podobnie jak wiele dzieł Leonarda da Vinci, ten obraz z biegiem czasu pociemniał, a relacje kolorów nieco się zmieniły, ale nawet teraz można wyraźnie dostrzec przemyślane zestawienia odcieni goździków i ubioru oraz ich ogólny kontrast z niebiesko-zielonym.” podwodny” ton krajobrazu.

„Mona Lisa”- portret młodej kobiety, obraz jest jednym z najsłynniejszych dzieł malarstwa na świecie. Należy do renesansu. Wystawiony w Luwrze (Paryż, Francja).

Pełny tytuł obrazu to Portret Lady Lisy del Giocondo.

Kto jest autorem Mony Lisy?

Mona Lisa opis obrazu

Obrazu Mona Lisy nie da się opisać słowami: im dłużej na niego patrzysz, tym bardziej jesteś urzeczony.

Podobnie jak wiele obrazów z tego okresu, ten portret nie uniknął niszczącego działania czasu ze strony nieudolnych konserwatorów. Ale mimo to nie stracił swojego szczególnego piękna i uroku, a jego piękna twarz wciąż emanuje spokojnym i urzekającym uśmiechem.

Wymiary obrazu Mona Lisa to tylko 30 cali wysokości.

Mona Lisa jest pokazana w pozycji siedzącej na niskim składanym krześle; jej ciało jest zwrócone w lewo, prawa ręka opiera się na lewym przedramieniu. Twarz jest zwrócona w stronę widza pod niewielkim kątem, podczas gdy brązowe oczy patrzą prosto na Ciebie.

Brązowe włosy, z przedziałkiem na środku i gładko zaczesane do skroni, opadają na ramiona pięknymi, miękkimi lokami. Przezroczysty welon owinięty jest nad głową i zawija się na ramionach. Sukienka, pierwotnie w zielonkawym kolorze, z głębokim dekoltem, ożywiają jaśniejsze rękawy, które kiedyś musiały być żółte.

W tle fantastyczny krajobraz ze wzgórzami i górami, o ciepłych i delikatnych kolorach, oddalających się w dal, z stopniowo rozjaśniającym się niebem nad nim. Dwie kolumny na obrzeżach krajobrazu są objęte obecną ramą obrazu. Wszystkie szczegóły na tym obrazie są piękne, ale to, co przede wszystkim przyciąga uwagę, to twarz.

Żyjący w tej wspaniałej epoce słynny włoski architekt i historyk Vasari tak pisał o Mona Lisie:

„Leonardo zgodził się namalować portret Mony Lisy, swojej żony, dla Francesco del Giocondo. Pisał ją przez cztery lata, po czym pozostawił ją niedokończoną. Obecnie obraz ten jest własnością francuskiego króla Franciszka. Każdy, kto chce przekonać się, jak blisko sztuka może zbliżyć się do naturalnego oryginału, powinien przyjrzeć się bliżej tej pięknej główce.

Wszystkie jego detale wykonane są z największą starannością. Oczy mają ten sam blask i są tak samo nawilżone jak za życia. Wokół nich widać słabe czerwonawo-niebieskie kółka, a rzęsy można było pomalować jedynie bardzo zręcznym pędzelkiem. Można zauważyć, gdzie brwi są szersze, a gdzie stają się cieńsze, wychodzą z porów skóry i zaokrąglają się w dół. Wszystko jest tak naturalne, jak tylko można to przedstawić. Małe, pięknie rzeźbione nozdrza, różowawe i delikatne, wykonane z największą prawdą. Usta, kąciki ust, gdzie różowy odcień przechodzi w naturalną, żywą cerę, są napisane tak doskonale, że sprawiają wrażenie nie narysowanych, a jakby żywego ciała i krwi.

Każdemu, kto przyjrzy się uważnie zagłębieniu w szyi, zaczyna się wydawać, że za chwilę będzie mógł zobaczyć bicie pulsu. Rzeczywiście, ten portret jest namalowany tak doskonale, że każdy uznany artysta, a nawet każdy, kto na niego spojrzy, drży z podniecenia.

Mona Lisa była niezwykle piękna, a Leonardo zawsze zapraszał na swoje sesje kogoś, kto potrafił grać, śpiewać lub żartować, aby jej twarz nie wyglądała na zmęczoną i matową, co często zdarza się podczas pozowania do portretu.

Wręcz przeciwnie, na tej twarzy igra czarujący uśmiech i wydaje się, że jest to dzieło Nieba, a nie rąk ludzkich i co najbardziej zadziwia, że ​​jest pełne życia.”

To słowa Vasariego, które mają ogromne znaczenie i autentyczność, bo w jego czasach płótno było w doskonałym stanie.

Kto jest przedstawiony na obrazie Mona Lisa?

Mona Lisa miała 24 lata, gdy w 1503 roku zaczęto tworzyć jej portret, a Leonardo miał wtedy 51 lat. Obraz nigdy nie został ukończony i pozostał u Leonarda, a później przeszedł w ręce Franciszka I, króla Francji.

Wielu oddałoby wszystko, żeby mieć ten obraz. Jedną z tych osób był książę Buckingham. Później doprowadziło to do dramatyczna historia kradzież obrazu z Luwru i jego późniejszy zwrot.

Istnienie najwyższy punkt, szczyt twórczości Leonarda, to płótno jest w pewnym sensie krystalizacją jego geniuszu, najskrytszych myśli i inspiracji.

Niewiele wiadomo na temat Mona Lisy poza kilkoma drobnymi faktami, co utrudnia bardzo udzielenie odpowiedzi ważne pytanie, często zadawane i dyskutowane: czy była po prostu pięknym modelem dla Leonarda, czy też była jego muzą, a nawet jego miłością, jak wielu chciałoby wierzyć.

Istnieją pewne fakty potwierdzające słuszność ostatniego założenia, co może wyjaśniać szczególną magię obrazu. Ale nieważne, jaką musiała być niezwykłą osobą, żeby wydobyć z tego giganta renesansu to, co najlepsze! Pomogła temu geniuszowi odejść dla potomności wyjątkowe arcydzieło, inspirując tysiące ludzi na przestrzeni wieków.

Ogromny wpływ otaczających ich ludzi na artystów jest aż nazbyt dobrze znany, nawet jeśli ci ludzie sami pozostawali w cieniu. Interakcja osobowości modelki i artysty, zwłaszcza jeśli łączy je wzajemna sympatia i przyciąganie, często prowadzi do powstania arcydzieł.

W tym przypadku Mona Lisa była w stanie obudzić w Leonardo taką inspirację, że stworzył jeden z najpiękniejszych skarbów na świecie. Nieśmiertelna aureola otaczająca wszystkie dzieła tego największego geniuszu potwierdza jego własne słowa: „Jeśli ktoś jest cnotliwy, nie wypędzaj go, ale okazuj mu szacunek, aby nie miał powodu cię opuszczać. Jeżeli spotkacie takich ludzi, oddawajcie im cześć, gdyż są oni Bogami na tej Ziemi i zasługują na taki sam kult, jak święte posągi i obrazy”.