Renesans - czas rozkwitu intelektualnego we Włoszech, który wpłynął na rozwój ludzkości. Ten wspaniały czas rozpoczął się w XIV wieku i zaczął upadać w XVI wieku. Nie da się znaleźć ani jednego obszaru działalności człowieka, na który renesans nie wpłynął. Rozkwit ludzkiej kultury, twórczości, sztuki, nauki. Polityka, filozofia, literatura, architektura, malarstwo – wszystko to nabrało nowego oddechu i zaczęło się rozwijać w niezwykle szybkim tempie. Większość największych artystów, którzy w swoich dziełach pozostawili po sobie wieczną pamięć i którzy wypracowali większość zasad i praw malarstwa, żyła i tworzyła właśnie w tym czasie. Renesans stał się łykiem dla ludzi świeże powietrze i początek nowego życia, prawdziwa rewolucja kulturalna. Zasady życia średniowiecza upadły, a człowiek zaczął dążyć do wyżyn, jakby realizując swój prawdziwy cel na Ziemi - tworzenie i rozwój.

Odrodzenie to nic innego jak powrót do wartości z przeszłości. Na nowo przemyśleno wartości z przeszłości, m.in. takie jak wiara i szczera miłość do sztuki, twórczości i twórczości. Świadomość człowieka we wszechświecie: człowiek jako korona natury, korona boskiego stworzenia, sam będąc twórcą.

Najbardziej znanymi artystami renesansu są Alberti, Michał Anioł, Rafael, Albrecht Durer i wielu innych. Swoją twórczością wyrazili ogólną koncepcję wszechświata, koncepcje pochodzenia człowieka, które opierały się na religii i mitach. Można powiedzieć, że to właśnie wtedy zrodziło się w artystach pragnienie uczenia się tworzenia realistyczny obraz osoba, przyroda, rzeczy, a także zjawiska niematerialne - uczucia, emocje, nastrój itp. Początkowo Florencja była uważana za centrum renesansu, ale w XVI wieku zdobyła Wenecję. To właśnie w Wenecji mieścili się najważniejsi dobroczyńcy czy mecenasi renesansu, tacy jak Medyceusze, papieże i inni.

Nie ma wątpliwości, że renesans wpłynął na bieg rozwoju całej ludzkości w każdym tego słowa znaczeniu. Dzieła sztuki z tamtego okresu do dziś należą do najdroższych, a ich autorzy na zawsze zapisali się w historii. Malarstwo i rzeźba renesansu uważane są za bezcenne arcydzieła i do dziś stanowią przewodnik i przykład dla każdego artysty. Wyjątkowa sztuka zachwyca pięknem i głębią designu. Każdy człowiek powinien wiedzieć o tym niezwykłym momencie w historii naszej przeszłości, bez którego dziedzictwa nie sposób wyobrazić sobie naszej teraźniejszości i przyszłości.

Leonardo da Vinci – Mona Lisa (La Gioconda)

Rafael Santi – Madonna

Renesans lub renesans - historyczny kamień milowy w kultura europejska. To fatalny etap rozwoju cywilizacji światowej, który zastąpił ciemność i obskurantyzm średniowiecza i poprzedził narodziny Wartości kulturowe Nowy czas. Dziedzictwo renesansu cechuje antropocentryzm, czyli orientacja na człowieka, jego życie i działalność. Oddalając się od dogmatów i tematów kościelnych, sztuka nabrała świeckiego charakteru, a nazwa epoki nawiązuje do odrodzenia się w sztuce motywów antycznych.

Renesans, którego korzenie sięgają Włoch, dzieli się zwykle na trzy etapy: wczesny („quattrocento”), wysoki i późniejszy. Rozważmy cechy twórczości wielkich mistrzów, którzy pracowali w tych starożytnych, ale znaczących czasach.

Przede wszystkim należy zauważyć, że twórcy renesansu nie tylko zajmowali się „czystą” sztuką piękną, ale także okazali się utalentowanymi badaczami i odkrywcami. Na przykład architekt z Florencji Filippo Brunelleschi opisał zbiór zasad konstruowania perspektywy liniowej. Sformułowane przez niego prawa pozwoliły na dokładne przedstawienie trójwymiarowego świata na płótnie. Wraz z ucieleśnieniem postępowych idei w malarstwie zmieniła się sama jego treść ideologiczna - bohaterowie obrazów stali się bardziej „ziemscy”, z wyraźnymi cechami osobistymi i charakterami. Dotyczyło to nawet dzieł o tematyce związanej z religią.

Wybitne nazwiska z okresu Quattrocento (druga połowa XV w.) – Botticelli, Masaccio, Masolino, Gozzoli i inne – słusznie zabezpieczone miejsce honorowe w skarbnicy kultury światowej.

Podczas Wysoki renesans(pierwsza połowa XVI w.) ujawnił się w pełni cały potencjał ideowy i twórczy artystów. Cechą charakterystyczną tego czasu jest nawiązanie w sztuce do epoki starożytności. Artyści jednak wcale nie zajmują się ślepym kopiowaniem starożytnych tematów, lecz raczej wykorzystują je do tworzenia i rozwijania własnych. unikalne style. Dzięki temu sztuka plastyczna nabiera konsekwencji i rygoru, ustępując miejsca pewnej frywolności poprzedniego okresu. Architektura, rzeźba i malarstwo tego czasu harmonijnie się uzupełniały. Budynki, freski i obrazy powstałe w szczytowym okresie renesansu to prawdziwe arcydzieła. Świecą nazwiska powszechnie uznanych geniuszy: Leonardo da Vinci, Rafael Santi, Michelangelo Buonarotti.

Na szczególną uwagę zasługuje osobowość Leonarda da Vinci. Mówi się o nim, że jest człowiekiem wyprzedzającym swoją epokę. Artysta, architekt, inżynier, wynalazca - daleko od pełna lista hipostazy tej wieloaspektowej osobowości.

Współczesny człowiek ulicy zna Leonarda da Vinci przede wszystkim jako malarza. Jego najbardziej znanym dziełem jest Mona Lisa. Na jej przykładzie widz może docenić innowacyjność techniki autora: dzięki swojej wyjątkowej odwadze i swobodnemu myśleniu Leonardo opracował zasadniczo nowe sposoby „rewitalizacji” obrazu.

Wykorzystując zjawisko rozproszenia światła, uzyskał zmniejszenie kontrastu drobnych szczegółów, co podniosło realizm obrazu na nowy poziom. Mistrz zwrócił niezwykłą uwagę na anatomiczną dokładność ucieleśnienia ciała w malarstwie i grafice - proporcje „idealnej” sylwetki są zapisane w „Człowieku witruwiańskim”.

Drugi połowa XVI a pierwszą połowę XVII wieku nazywa się zwykle późnym renesansem. Okres ten charakteryzował się bardzo zróżnicowanymi nurtami kulturowymi i twórczymi, dlatego trudno go jednoznacznie ocenić. Trendy religijne południowej Europy, ucieleśnione w kontrreformacji, doprowadziły do ​​abstrakcji od celebracji ludzkiego piękna i starożytne ideały. Sprzeczność takich poglądów z utrwaloną ideologią renesansu doprowadziła do powstania manieryzmu florenckiego. Malarstwo w tym stylu charakteryzuje się wymyślną paletą barw i przerywanymi liniami. Ówcześni mistrzowie weneccy – Tycjan i Palladio – wypracowali własne kierunki rozwoju, które niewiele miały punktów stycznych z przejawami kryzysu w sztuce.

Oprócz renesansu włoskiego należy zwrócić uwagę na renesans północny. Artyści mieszkający na północ od Alpejskie góry, miały mniejszy wpływ starożytna sztuka. W ich twórczości widoczne są wpływy stylu gotyckiego, który przetrwał aż do nadejścia epoki baroku. Wielkimi postaciami renesansu północnego są Albrecht Durer, Lucas Cranach Starszy, Pieter Bruegel Starszy.

Dziedzictwo kulturowe wielkich artystów renesansu jest bezcenne. Imię każdego z nich jest z czcią i pieczołowitością zachowane w pamięci ludzkości, ponieważ osoba, która je nosiła, była wyjątkowym diamentem o wielu fasetach.

Narody Europy starały się wskrzesić skarby i tradycje utracone w wyniku niekończących się wojen eksterminacyjnych. Wojny zabrały z powierzchni ziemi ludzi i wielkie rzeczy, które ludzie stworzyli. Idea odrodzenia wysokiej cywilizacji świat starożytny powołał do życia filozofię, literaturę, muzykę, rozwój nauk przyrodniczych i przede wszystkim rozkwit sztuki. Epoka wymagała ludzi silnych, wykształconych, nie bających się żadnej pracy. To właśnie wśród nich możliwe stało się wyłonienie tych nielicznych geniuszy, których nazywa się „tytanami renesansu”. Ci sami, których nazywamy tylko po imieniu.

Renesans był przede wszystkim włoski. Nic więc dziwnego, że to właśnie we Włoszech sztuka osiągnęła w tym okresie najwyższy rozkwit i rozkwit. To tutaj pojawiają się dziesiątki nazwisk tytanów, geniuszy, wielkich i po prostu utalentowanych artystów.

MUZYKA LEONARDA.

Co za szczęściarz! – powie o nim wielu. Obdarzony rzadkim zdrowiem, przystojny, wysoki i miał niebieskie oczy. W młodości nosił blond loki, jego dumny wygląd przypominał Świętego Jerzego Donatella. Miał niesłychaną, odważną siłę i męskie męstwo. Wspaniale śpiewał, komponował melodie i wiersze przed swoją publicznością. Grał na każdym instrumencie muzycznym, a ponadto sam je stworzył.

Dla sztuki Leonarda da Vinci współcześni i potomkowie nigdy nie znaleźli innych definicji niż „genialny”, „boski” i „wielki”. Te same słowa odnoszą się do jego odkryć naukowych: wynalazł czołg, koparkę, helikopter, łódź podwodną, ​​spadochron, broń automatyczną, hełm do nurkowania, windę, rozwiązał najbardziej złożone problemy akustyki, botaniki, medycyny, kosmografii , stworzył projekt okrągłego teatru, wynaleziony sto lat wcześniej, niż Galileusz, wahadło zegarowe, narysował współczesne narty wodne, rozwinął teorię mechaniki.

Co za szczęściarz! - wielu powie o nim i zacznie wspominać jego ukochanych książąt i królów, którzy szukali z nim znajomości, przedstawień i wakacji, które wymyślił jako artysta, dramaturg, aktor, architekt i bawił się przy nich jak dziecko.

Czy jednak szczęśliwy był niepohamowany stulatek Leonardo, którego każdy dzień dostarczał ludziom i światu wizji i spostrzeżeń? Przewidział straszny los swoich dzieł: zniszczenie Ostatniej Wieczerzy, zestrzelenie pomnika Franceski Sforzy, niski handel i podłe kradzieże jego pamiętników i zeszytów ćwiczeń. W sumie do dziś przetrwało jedynie szesnaście obrazów. Niewiele rzeźb. Ale rysunków, zakodowanych rysunków było mnóstwo: niczym bohaterowie współczesnej fantastyki naukowej zmienił szczegół w swoim projekcie, tak jakby inny nie mógł z niego skorzystać.

Leonardo da Vinci zajmował się różnymi rodzajami i gatunkami sztuki, jednak największą sławę przyniosło mu malarstwo.

Jednym z najwcześniejszych obrazów Leonarda jest Madonna Kwiatowa lub Madonna Benois. Już tutaj artysta zachowuje się jak prawdziwy innowator. Przełamuje ramy tradycyjnej fabuły i nadaje obrazowi szersze, uniwersalne znaczenie, jakim jest macierzyńska radość i miłość. W tym dziele wyraźnie zamanifestowało się wiele cech twórczości artysty: wyraźna kompozycja postaci i objętość form, chęć zwięzłości i uogólnienia, psychologiczna ekspresja.

Kontynuacją rozpoczętego tematu był obraz „Madonna Litta”, w którym wyraźnie ujawniła się kolejna cecha twórczości artystki – gra kontrastami. Dopełnieniem tematu był obraz „Madonna w grocie”, w którym odnotowano idealne rozwiązanie kompozycyjne, dzięki któremu przedstawione postacie Madonny, Chrystusa i aniołów łączą się z krajobrazem w jedną całość, obdarzoną spokojną równowagą i harmonią .

Jednym ze szczytów twórczości Leonarda jest fresk „Ostatnia wieczerza” w refektarzu klasztoru Santa Maria Della Grazie. Ta praca jest nie tylko niesamowita ogólny skład, ale także dokładność. Leonardo nie tylko oddaje stan psychiczny apostołów, ale robi to w momencie, gdy osiąga on punkt krytyczny, przeradza się w psychologiczną eksplozję i konflikt. Wybuch ten jest spowodowany słowami Chrystusa: „Jeden z was mnie zdradzi”. W tej pracy Leonardo w pełni wykorzystał technikę specyficznego porównywania postaci, dzięki czemu każda postać jawi się jako niepowtarzalna indywidualność i osobowość.

Drugim szczytem twórczości Leonarda był słynny portret Mony Lisy, czyli La Gioconda. Dzieło to zapoczątkowało gatunek portret psychologiczny V Sztuka europejska. Podczas jego tworzenia Wielki mistrz znakomicie wykorzystał cały arsenał środków artystycznego wyrazu: ostre kontrasty i miękkie półtony, zamrożony bezruch oraz ogólną płynność i zmienność, subtelne psychologiczne niuanse i przejścia. Cały geniusz Leonarda tkwi w niesamowicie żywym spojrzeniu Mony Lisy, jej tajemniczym i enigmatycznym uśmiechu, mistycznej mgle spowijającej krajobraz. Dzieło to jest jednym z najrzadszych arcydzieł sztuki.

Każdy, kto widział „La Giocondę” przywiezioną z Luwru w Moskwie, pamięta chwile całkowitej głuchoty przy tym małym płótnie, napięcie tego, co najlepsze w sobie. Gioconda wydawał się „Marsjaninem”, przedstawicielem nieznanego – zapewne przyszłości, a nie przeszłości ludzkiego plemienia, ucieleśnieniem harmonii, o której świat nie jest zmęczony i nie znudzi się marzyć.

Można o nim powiedzieć dużo więcej. Dziwię się, że to nie fikcja ani fantasy. Pamiętacie na przykład, jak proponował przeniesienie katedry San Giovanni – takie dzieło zadziwia nas, mieszkańców XX wieku.

Leonardo powiedział: „Dobry artysta musi umieć namalować dwie główne rzeczy: osobę i przedstawienie jej duszy. A może mówi się o „Orliku” z Ermitażu w Petersburgu? Niektórzy badacze nazywają ją, a nie płótno Luwru, „La Gioconda”.

Chłopiec Nardo, tak miał na imię w Vinci: nieślubny syn notariusza literackiego, który uważał ptaki i konie za najlepsze stworzenia na Ziemi. Kochany przez wszystkich i samotny, który wyginał stalowe miecze i malował wisielców. Wymyślił most na Bosforze i idealne miasto, piękniejsze od Corbusiera i Niemeyera. Śpiewał delikatnym barytonem i wywoływał uśmiech Mony Lisy. W jednym ze swoich ostatnich notatników ten szczęściarz napisał: „Wydawało mi się, że uczę się żyć, ale uczę się umierać”. Następnie jednak podsumował to: „Dobrze przeżyte życie to długie życie”.

Czy można nie zgodzić się z Leonardem?

SANDRO BOTTICELLI.

Sandro Botticelli urodził się we Florencji w 1445 roku w rodzinie garbarza skórzanego.

Za pierwsze oryginalne dzieło Botticellego uważa się „Pokłon Trzech Króli” (ok. 1740 r.), w którym główne cechy jego oryginalnego sposobu bycia – senność i subtelna poezja – zostały już w pełni odzwierciedlone. Miał wrodzony zmysł poezji, ale dosłownie we wszystkim przenikał go wyraźny dotyk kontemplacyjnego smutku. Nawet święty Sebastian, dręczony strzałami swoich oprawców, wygląda na zamyślonego i oderwanego od niego.

Pod koniec lat 70. XIV w. Botticelli zbliżył się do kręgu faktycznego władcy Florencji, Lorenza Medici, zwanego Wspaniałym. W luksusowych ogrodach Lorenzo zgromadziło się towarzystwo ludzi, prawdopodobnie najbardziej światłych i utalentowanych we Florencji. Byli tam filozofowie, poeci i muzycy. Panowała atmosfera zachwytu nad pięknem, ceniono nie tylko piękno sztuki, ale także piękno życia. Za prototyp idealnej sztuki i idealnego życia uważano antyk, postrzegany jednak przez pryzmat późniejszych warstw filozoficznych. Bez wątpienia pod wpływem tej atmosfery pierwsi Duży obraz Botticelli „Primavera (wiosna)”. To zjawiskowa, wykwintna, cudownie piękna alegoria odwiecznego cyklu, ciągłej odnowy natury. Przesiąknięty jest złożonym i kapryśnym rytmem muzycznym. Ozdobiona kwiatami postać Flory i tańczące wdzięki w Ogrodzie Eden przedstawiały obrazy piękna, jakiego wówczas jeszcze nie widziano, i dlatego wywoływały szczególnie urzekające wrażenie. Młody Botticelli natychmiast zajął czołowe miejsce wśród mistrzów swoich czasów.

To właśnie wysoka reputacja młodego malarza zapewniła mu zamówienie na freski biblijne do watykańskiej Kaplicy Sykstyńskiej, które stworzył na początku lat osiemdziesiątych XIV wieku w Rzymie. Napisał „Sceny z życia Mojżesza”, „Karę Koracha, Datana i Abirona”, wykazując się niesamowitym kunsztem kompozytorskim. Klasyczny spokój starożytnych budowli, na tle którego Botticelli umieścił akcję, ostro kontrastuje z dramatycznym rytmem przedstawionych postaci i namiętności; ruch ciał ludzkich jest złożony, zagmatwany, nasycony siłą wybuchową; stwarza wrażenie trzęsącej się harmonii, bezbronności widzialny świat przed szybką presją czasu i ludzkiej woli. Freski Kaplicy Sykstyńskiej po raz pierwszy wyraziły głęboki niepokój, który żył w duszy Botticellego, który z czasem nasilał się. Te same freski odzwierciedlały niesamowity talent Botticellego jako malarza portretów: każda z wielu namalowanych twarzy jest całkowicie oryginalna, niepowtarzalna i niezapomniana...

W latach osiemdziesiątych XIV wieku, wracając do Florencji, Botticelli kontynuował niestrudzoną pracę, ale spokojna przejrzystość Primery była już daleko w tyle. W połowie dekady napisał swoje słynne „Narodziny Wenus”. Naukowcy zauważają w później działa mistrzowie niezwykłego dla niego wcześniej moralizmu i egzaltacji religijnej.

Może bardziej znaczące niż późne malowanie, rysunki Botticellego z lat 90. - ilustracje do „Boskiej komedii” Dantego. Malował z wyraźnym i nieskrywanym zachwytem; Wizje wielkiego poety z miłością i pieczołowitością oddają doskonałe proporcje licznych postaci, przemyślana organizacja przestrzeni, niewyczerpana zaradność w poszukiwaniu wizualnych odpowiedników słowa poetyckiego...

Mimo wszelkich burz i kryzysów psychicznych Botticelli do końca pozostał wielkim artystą, mistrzem swojej sztuki (zmarł w 1510 r.). Dobitnie o tym świadczy szlachetna rzeźba twarzy w „Portrecie młody człowiek", wyrazista cecha modelu, nie pozostawiająca wątpliwości co do jego wysokości godność człowieka, solidny rysunek mistrza i jego przyjazne spojrzenie.

Pierwsze zwiastuny sztuki renesansowej pojawiły się we Włoszech w XIV wieku. Artyści tamtych czasów, Pietro Cavallini (1259-1344), Simone Martini (1284-1344) i (przede wszystkim) Giotto (1267-1337) tworząc obrazy o tradycyjnej tematyce religijnej, zaczęli stosować nowe techniki artystyczne: budowanie trójwymiarowej kompozycji, wykorzystywanie pejzażu w tle, co pozwalało im na urealnienie i ożywienie obrazów. To wyraźnie oddzieliło ich twórczość od dotychczasowej tradycji ikonograficznej, pełnej konwencji obrazu.
Termin używany do określenia ich kreatywności Protorenesans (1300 - „Trecento”) .

Giotto di Bondone (ok. 1267-1337) – włoski artysta i architekt epoki prarenesansowej. Jedna z kluczowych postaci w historii sztuki zachodniej. Pokonawszy tradycję bizantyjskiego malowania ikon, stał się prawdziwym założycielem całkowicie rozwiniętej włoskiej szkoły malarstwa nowe podejście do obrazu przestrzeni. Prace Giotta inspirowane były twórczością Leonarda da Vinci, Rafaela, Michała Anioła.


Wczesny renesans (XV w. – Quattrocento).

Na początku XV wieku Filippo Brunelleschiego (1377-1446), florencki naukowiec i architekt.
Brunelleschi chciał, aby postrzeganie zrekonstruowanych przez niego łaźni i teatrów było bardziej wizualne i próbował stworzyć obrazy z geometryczną perspektywą na podstawie swoich planów z określonego punktu widzenia. W trakcie tych poszukiwań odkryto bezpośrednia perspektywa.

Pozwoliło to artystom uzyskać doskonałe obrazy trójwymiarowej przestrzeni na płaskim płótnie malarskim.

_________

Kolejnym ważnym krokiem na drodze do renesansu było pojawienie się sztuki niereligijnej, świeckiej. Portret i krajobraz stały się niezależnymi gatunkami. Nawet tematy religijne zyskały inną interpretację - artyści renesansu zaczęli uważać swoje postacie za bohaterów o wyraźnym charakterze indywidualne cechy i motywacja człowieka do działania.

Bardzo znany artysta ten okres - Masaccio (1401-1428), Masolino (1383-1440), Benozzo Gozzoli (1420-1497), Piero Della Francesco (1420-1492), Andrea Mantegna (1431-1506), Giovanniego Belliniego (1430-1516), Antonello z Messyny (1430-1479), Domenico Ghirlandaio (1449-1494), Sandro Botticellego (1447-1515).

Masaccio (1401-1428) – słynny malarz włoski, największy mistrz szkoły florenckiej, reformator malarstwa epoki Quattrocento.

Fresk. Cud ze statrem.

Obraz. Ukrzyżowanie.

Piero Della Francesco (1420-1492). Prace mistrza wyróżnia majestatyczna powaga, szlachetność i harmonia obrazów, uogólnione formy, równowaga kompozycyjna, proporcjonalność, precyzja konstrukcji perspektywicznych oraz miękka paleta pełna światła.

Fresk. Historia królowej Saby. Kościół San Francesco w Arezzo

Sandro Botticellego(1445-1510) – wielki malarz włoski, przedstawiciel szkoły malarstwa florenckiego.

Wiosna.

Narodziny Wenus.

Wysoki renesans („Cinquecento”).
Nastąpił największy rozkwit sztuki renesansowej dla pierwszej ćwierci XVI w.
Pracuje Sansovino (1486-1570), Leonardo da Vinci (1452-1519), Rafał Santi (1483-1520), Michał Anioł Buonarotti (1475-1564), Giorgione (1476-1510), tycjanowski (1477-1576), Antonio Correggio (1489-1534) stanowią złoty fundusz sztuki europejskiej.

Leonardo di Ser Piero da Vinci (Florencja) (1452-1519) – włoski artysta (malarz, rzeźbiarz, architekt) i naukowiec (anatom, przyrodnik), wynalazca, pisarz.

Autoportret

Dama z gronostajem. 1490. Muzeum Czartoryskich, Kraków

Mona Lisa (1503-1505/1506)

Leonardo da Vinci osiągnął ogromną umiejętność oddania mimiki ludzkiej twarzy i ciała, sposobów przekazywania przestrzeni i konstruowania kompozycji. Jednocześnie jego prace tworzą harmonijny obraz człowieka spełniającego humanistyczne ideały.

Madonna Litta. 1490-1491. Muzeum Ermitażu.

Madonna Benois (Madonna z kwiatem). 1478-1480

Madonna z goździkiem. 1478

W ciągu swojego życia Leonardo da Vinci sporządził tysiące notatek i rysunków na temat anatomii, ale swojej pracy nie opublikował. Dokonując sekcji ciał ludzi i zwierząt, dokładnie oddał budowę szkieletu i narządów wewnętrznych, z uwzględnieniem drobnych szczegółów. Według profesora anatomii klinicznej Petera Abramsa: Praca naukowa da Vinci wyprzedziła swoje czasy o 300 lat i pod wieloma względami przewyższała słynną „Anatomię Graya”.

Lista wynalazków, zarówno rzeczywistych, jak i przypisywanych mu:

Spadochron, doZamek Olessovo, wrower, tanka, llekkie mosty przenośne dla wojska, sprojektor, doatakult, roba, DTeleskop Vuhlensa.

Następnie opracowano te innowacje Rafał Santi (1483-1520) – wielki malarz, grafik i architekt, przedstawiciel szkoły umbryjskiej.

Autoportret. 1483

Michelangelo di Lodovico di Leonardo di Buonarroti Simoni(1475-1564) – włoski rzeźbiarz, artysta, architekt, poeta, myśliciel.

Obrazy i rzeźby Michała Anioła Buonarottiego są pełne heroicznego patosu, a zarazem tragicznego poczucia kryzysu humanizmu. Jego obrazy gloryfikują siłę i moc człowieka, piękno jego ciała, podkreślając jednocześnie jego samotność w świecie.

Geniusz Michała Anioła odcisnął piętno nie tylko na sztuce renesansu, ale także na całej późniejszej kulturze światowej. Jego działalność związana jest głównie z dwoma włoskimi miastami – Florencją i Rzymem.

Jednak najbardziej ambitne plany artysta mógł zrealizować właśnie w malarstwie, gdzie dał się poznać jako prawdziwy innowator koloru i formy.
Na zlecenie papieża Juliusza II namalował sufit Kaplicy Sykstyńskiej (1508-1512), przedstawiający biblijną historię od stworzenia świata do potopu i zawierający ponad 300 postaci. W latach 1534-1541 w tym samym Kaplica Sykstyńska dla papieża Pawła III wykonał wspaniały, dramatyczny fresk „Sąd Ostateczny”.
Kaplica Sykstyńska 3D.

Twórczość Giorgione i Tycjana wyróżnia zainteresowanie pejzażem i poetyka fabuły. Obaj artyści osiągnęli wielkie mistrzostwo w sztuce portretu, za pomocą którego przekazali charakter i bogactwo. wewnętrzny świat ich postacie.

Giorgio Barbarelli da Castelfranco ( Giorgione) (1476/147-1510) – artysta włoski, przedstawiciel szkoła wenecka obraz.

Śpiąca Wenus. 1510

Judyta. 1504g

Tycjan Vecellio (1488/1490-1576) – malarz włoski, największy przedstawiciel szkoły weneckiej wysokiego i późnego renesansu.

Tycjan malował obrazy oparte na biblijnych i historie mitologiczne zasłynął także jako portrecista. Otrzymywał rozkazy od królów i papieży, kardynałów, książąt i książąt. Tycjan nie miał nawet trzydziestu lat, kiedy został uznany za najlepszego malarza Wenecji.

Autoportret. 1567

Wenus z Urbino. 1538

Portret Tommaso Mostiego. 1520

Późny renesans.
Po splądrowaniu Rzymu przez wojska cesarskie w 1527 r. włoski renesans wszedł w okres kryzysu. Już w twórczości zmarłego Rafaela zarysowała się nowa linia artystyczna, tzw manieryzm.
Epokę tę charakteryzują nadmuchane i przerywane linie, wydłużone lub nawet zdeformowane postacie, często nagie, napięte i nienaturalne pozy, niezwykłe lub dziwaczne efekty związane z rozmiarem, oświetleniem lub perspektywą, stosowaniem żrącej gamy chromatycznej, przeładowaną kompozycją itp. pierwsi mistrzowie manieryzmu Parmigianino , Pontormo , Bronzino- mieszkał i pracował na dworze książąt Medyceuszy we Florencji. Moda manierystyczna rozprzestrzeniła się później w całych Włoszech i poza nimi.

Girolamo Francesco Maria Mazzola (Parmigianino - „mieszkaniec Parmy”) (1503-1540) Włoski artysta i rytownik, przedstawiciel manieryzmu.

Autoportret. 1540

Portret kobiety. 1530.

Pontormo (1494-1557) – malarz włoski, przedstawiciel szkoły florenckiej, jeden z twórców manieryzmu.


W latach dziewięćdziesiątych XVI wieku sztuka zastąpiła manieryzm barokowy (dane przejściowe - Tintoretto I El Greco ).

Jacopo Robusti, lepiej znany jako Tintoretto (1518 lub 1519-1594) - malarz szkoły weneckiej późnego renesansu.

Ostatnia Wieczerza. 1592-1594. Kościół San Giorgio Maggiore w Wenecji.

El Greco ("Grecki" Domenikos Theotokopoulos ) (1541-1614) – artysta hiszpański. Z pochodzenia - Grek, pochodzący z Krety.
El Greco nie miał współczesnych naśladowców, a jego geniusz odkryto na nowo prawie 300 lat po jego śmierci.
El Greco uczył się w pracowni Tycjana, jednak jego technika malarska znacznie różni się od techniki jego nauczyciela. Prace El Greco charakteryzują się szybkością i wyrazistością wykonania, co zbliża je do malarstwa współczesnego.

Chrystus na krzyżu. OK. 1577. Zbiory prywatne.

Trójca. 1579 Prado.

Renesans przyniósł głębokie zmiany we wszystkich dziedzinach kultury – filozofii, nauce i sztuce. Jeden z nich jest. która staje się coraz bardziej niezależna od religii, przestaje być „służebnicą teologii”, choć wciąż daleka jest od całkowitej niezależności. Podobnie jak w innych dziedzinach kultury, w filozofii odradzają się nauki myślicieli starożytnych, przede wszystkim Platona i Arystotelesa. Marsilio Ficino założył Akademię Platońską we Florencji i przetłumaczył dzieła wielkiego Greka na łacinę. Idee Arystotelesa powróciły do ​​Europy jeszcze wcześniej, przed renesansem. W epoce renesansu, zdaniem Lutra, to on, a nie Chrystus, „rządził na europejskich uniwersytetach”.

Wraz ze starożytnymi naukami, filozofia naturalna lub filozofia przyrody. Głoszą ją tacy filozofowie jak B. Telesio, T. Campanella, D. Bruno. W ich dziełach rozwijają się idee, że filozofia powinna badać nie nadprzyrodzonego Boga, ale samą naturę, że natura przestrzega swoich wewnętrznych praw, że podstawą poznania jest doświadczenie i obserwacja, a nie boskie objawienie, że człowiek jest częścią natury.

Rozprzestrzenianiu się naturalnych poglądów filozoficznych sprzyjały m.in naukowy odkrycia. Głównym był teoria heliocentryczna N. Kopernika, który dokonał prawdziwej rewolucji w poglądach na świat.

Należy jednak zaznaczyć, że ówczesne poglądy naukowe i filozoficzne nadal pozostają pod wyraźnym wpływem religii i teologii. Tego rodzaju pogląd często przybiera formę panteizm, w którym nie zaprzecza się istnieniu Boga, lecz On rozpuszcza się w naturze i utożsamia się z nią. Do tego musimy dodać wpływ tak zwanych nauk okultystycznych – astrologii, alchemii, mistycyzmu, magii itp. Wszystko to dzieje się nawet u takiego filozofa jak D. Bruno.

Najbardziej znaczące zmiany, jakie przyniósł renesans, to kultura artystyczna, sztuka. To właśnie na tym obszarze zerwanie ze średniowieczem okazało się najgłębsze i radykalne.

Sztuka w średniowieczu miała w dużej mierze charakter użytkowy, była wpleciona w samo życie i miała je ozdabiać. W okresie renesansu sztuka po raz pierwszy nabrała samoistnej wartości; stała się niezależnym obszarem piękna. Jednocześnie u postrzegającego widza po raz pierwszy powstaje czysto artystyczne, estetyczne uczucie, po raz pierwszy budzi się miłość do sztuki samej w sobie, a nie celu, któremu służy.

Nigdy wcześniej sztuka nie cieszyła się tak wielkim honorem i szacunkiem. Nawet w starożytna Grecja Twórczość artysty w swym znaczeniu społecznym wyraźnie ustępowała działalności polityka i obywatela. Artysta zajmował jeszcze skromniejsze miejsce w starożytnym Rzymie.

Teraz miejsce i rola artysty w społeczeństwie wzrasta niepomiernie. Po raz pierwszy postrzegany jest jako niezależny i szanowany profesjonalista, naukowiec i myśliciel, wyjątkowa jednostka. W okresie renesansu sztukę postrzegano jako jeden z najpotężniejszych środków wiedzy i jako taką utożsamiano ją z nauką. Leonardo da Vinci postrzega naukę i sztukę jako dwa całkowicie równe sposoby studiowania przyrody. Pisze: „Malarstwo jest nauką i prawowitą córką natury”.

Sztuka jako kreatywność jest jeszcze bardziej ceniona. Według ich własnych możliwości twórcze artysta renesansowy utożsamiany jest z Bogiem stwórcą. Stąd jasne jest, dlaczego Rafael otrzymał do swojego imienia dodatek „Boski”. Z tych samych powodów „Komedia” Dantego nazywana była także „Boską”.

Głębokie zmiany zachodzą w samej sztuce. Dokonuje zdecydowanego zwrotu od średniowiecznego symbolu i znaku do obrazu realistycznego i wiarygodnego. Środki wyrazu artystycznego stają się nowe. Opierają się obecnie na perspektywie liniowej i powietrznej, trójwymiarowości objętości i doktrynie proporcji. Sztuka dąży we wszystkim do wierności rzeczywistości, do osiągnięcia obiektywności, autentyczności i witalności.

Renesans był przede wszystkim włoski. Nic więc dziwnego, że to właśnie we Włoszech sztuka osiągnęła w tym okresie najwyższy rozkwit i rozkwit. To tutaj pojawiają się dziesiątki nazwisk tytanów, geniuszy, wielkich i po prostu utalentowanych artystów. Świetne nazwiska są też w innych krajach, ale Włochy są bezkonkurencyjne.

Włoski renesans dzieli się zwykle na kilka etapów:

• Protorenesans: druga połowa XIII wieku. - XIV wiek
• Wczesny renesans: prawie cały XV wiek.
• Wysoki renesans: koniec XV wieku. - pierwsza tercja XVI w.
• Późny renesans: ostatnie dwie trzecie XVI wieku.

Głównymi postaciami prarenesansu są poeta Dante Alighieri (1265-1321) i malarz Giotto (1266/67-1337).

Los poddał Dantego wielu próbom. Za udział w walce politycznej był prześladowany, błąkał się i zmarł na obcej ziemi, w Rawennie. Jego wkład w kulturę wykracza poza poezję. Pisał nie tylko teksty miłosne, ale także traktaty filozoficzne i polityczne. Dante jest twórcą włoskiego języka literackiego. Czasem się to nazywa ostatni poetaŚredniowiecze i pierwszy poeta New Age. Te dwie zasady – stara i nowa – są rzeczywiście ściśle ze sobą powiązane w jego twórczości.

Pierwsze dzieła Dantego – „Nowe życie” i „Uczta” – to liryczne wiersze o treści miłosnej, dedykowane jego ukochanej Beatrice, którą poznał raz we Florencji i która zmarła siedem lat po ich spotkaniu. Poeta zachował tę miłość do końca życia. Teksty Dantego pod względem gatunkowym nawiązują do średniowiecznej poezji dworskiej, gdzie przedmiotem śpiewu jest wizerunek „Pięknej Pani”. Jednak uczucia wyrażone przez poetę należą już do renesansu. Są spowodowane prawdziwymi spotkaniami i wydarzeniami, przepełnionymi szczerym ciepłem i naznaczonymi wyjątkową osobowością.

Szczytem twórczości Dantego był « Boska Komedia ”, który zajął szczególne miejsce w historii kultury światowej. Wiersz ten w swej konstrukcji wpisuje się także w tradycje średniowieczne. Opowiada o przygodach człowieka, który trafia do zaświatów. Wiersz składa się z trzech części – Piekło, Czyściec i Niebo, z których każda zawiera 33 pieśni zapisane w trzywersowych zwrotkach.

Powtarzająca się cyfra „trzy” bezpośrednio odbija się echem Nauczanie chrześcijańskie o Trójcy. W trakcie opowieści Dante ściśle przestrzega wielu wymagań chrześcijaństwa. W szczególności nie pozwala swemu towarzyszowi przez dziewięć kręgów piekła i czyśćca – rzymskiemu poecie Wergiliuszowi – wejść do nieba, gdyż poganin jest pozbawiony takiego prawa. Poecie towarzyszy tu jego zmarła ukochana Beatrice.

Jednak w swoich myślach i sądach, w postawie wobec przedstawionych postaci i ich grzechów. Dante często i bardzo znacząco odbiega od nauczania chrześcijańskiego. Więc. zamiast chrześcijańskiego potępienia miłości zmysłowej jako grzechu mówi o „prawie miłości”, zgodnie z którym miłość zmysłowa jest zawarta w naturze samego życia. Dante traktuje miłość Franceski i Paola ze zrozumieniem i współczuciem. choć ich miłość wiąże się ze zdradą męża przez Francescę. Duch renesansu triumfuje u Dantego także w innych przypadkach.

Wśród wybitnych poetów włoskich jest także Francesco Petrarca. W kulturze światowej znany jest przede wszystkim ze swoich sonety. Jednocześnie był wszechstronnym myślicielem, filozofem i historykiem. Słusznie uważany jest za twórcę całej kultury renesansu.

Twórczość Petrarki także częściowo wpisuje się w ramy średniowiecznego liryzmu dworskiego. Podobnie jak Dante miał kochankę o imieniu Laura, której zadedykował swoją Księgę Pieśni. Jednocześnie Petrarka bardziej zdecydowanie zrywa związki z kulturą średniowieczną. W jego pracach wyrażane uczucia – miłość, ból, rozpacz, melancholia – pojawiają się znacznie dotkliwiej i nago. Element osobowy jest w nich silniejszy.

Innym wybitnym przedstawicielem literatury był Giovanniego Boccaccio (1313-1375). autor światowej sławy Dekameron.” Boccaccio zapożycza zasadę konstruowania swojego zbioru opowiadań i zarys fabuły ze średniowiecza. Wszystko inne jest przesiąknięte duchem renesansu.

Główni bohaterowie opowiadań są zwyczajni i prości ludzie. Są napisane niezwykle jasno, żywo, język mówiony. Nie ma w nich nudnego moralizowania, wręcz przeciwnie, wiele opowiadań dosłownie błyszczy miłością do życia i zabawy. Fabuła niektórych z nich ma charakter miłosny i erotyczny. Oprócz Dekameronu Boccaccio napisał także opowiadanie Fiametta, które jest uważane za pierwsze powieść psychologiczna Literatura zachodnia.

Giotto di Bondone jest najwybitniejszym przedstawicielem włoskiego protorenesansu sztuki piękne. Jego głównym gatunkiem było malarstwo freskowe. Wszystkie napisane są o tematyce biblijnej i mitologicznej, przedstawiają sceny z życia Świętej Rodziny, ewangelistów i świętych. Jednak w interpretacji tych wątków wyraźnie dominuje zasada renesansu. Giotto w swojej twórczości porzuca średniowieczne konwencje na rzecz realizmu i prawdopodobieństwa. To jemu przypisuje się zasługę wskrzeszenia malarstwa jako odrębnej wartości artystycznej.

Jego prace dość realistycznie przedstawiają naturalny krajobraz, w którym wyraźnie widać drzewa, skały i świątynie. Wszystkie uczestniczące postacie, w tym sami święci, jawią się jako żywe osoby, obdarzone fizycznym ciałem, ludzkimi uczuciami i namiętnościami. Zarys ich ubrań naturalne formy ich ciała. Prace Giotta cechuje jasna barwa i malowniczość, subtelna plastyczność.

Głównym dziełem Giotta jest obraz przedstawiający kaplicę del Arena w Padwie, który opowiada o wydarzeniach z życia Świętej Rodziny. Bardzo mocne wrażenie tworzy cykl ścienny zawierający sceny z „Ucieczki do Egiptu”, „Pocałunku Judasza” i „Opłakiwania Chrystusa”.

Wszystkie postacie przedstawione na obrazach wyglądają naturalnie i wiarygodnie. Położenie ich ciał, gesty, stan emocjonalny, spojrzenia, twarze – wszystko to ukazane jest z rzadką psychologiczną perswazją. Jednocześnie zachowanie każdego jest ściśle zgodne z przypisaną mu rolą. Każda scena ma swój niepowtarzalny klimat.

Dlatego w scenie „Ucieczka do Egiptu” dominuje powściągliwy i ogólnie spokojny ton emocjonalny. „Pocałunek Judasza” przepełniony jest burzliwą dynamiką, ostrymi i zdecydowanymi działaniami bohaterów, którzy dosłownie zmagali się ze sobą. I tylko dwaj główni uczestnicy – ​​Judasz i Chrystus – zamarli w bezruchu i walczyli oczami.

Szczególną dramaturgię naznaczona jest scena „Opłakiwanie Chrystusa”. Przepełniona jest tragiczną rozpaczą, nieznośnym bólem i cierpieniem, niepocieszonym żalem i smutkiem.

W końcu powstał wczesny renesans nowa estetyka i zasady artystyczne sztuka. Jednocześnie historie biblijne nadal cieszą się dużą popularnością. Jednak ich interpretacja staje się zupełnie inna; ze średniowiecza niewiele w nim zostało.

Ojczyzna Wczesny renesans Florencja stała się, a architekt uważany jest za „ojców renesansu” Philippe’a Brunelleschiego(1377-1446), rzeźbiarz Donatello(1386-1466). malarz Masaccio (1401 -1428).

Brunelleschi wniósł ogromny wkład w rozwój architektury. Położył podwaliny architektury renesansowej i odkrył nowe formy, które przetrwały wieki. Zrobił wiele, aby opracować prawa perspektywy.

Najważniejszym dziełem Brunelleschiego było wzniesienie kopuły nad ukończoną już konstrukcją katedry Santa Maria del Fiore we Florencji. stał przed nim wyłącznie trudne zadanie, ponieważ wymagana kopuła musiała być ogromna - około 50 m średnicy. Dzięki pomysłowemu projektowi wychodzi genialnie trudna sytuacja. Dzięki znalezionemu rozwiązaniu nie tylko sama kopuła okazała się zaskakująco lekka i jakby unosiła się nad miastem, ale cała budowla katedry nabrała harmonii i majestatu.

Nie mniej pięknym dziełem Brunelleschiego była słynna Kaplica Pazzi, wzniesiona na dziedzińcu kościoła Santa Croce we Florencji. Jest to niewielka budowla na planie prostokąta, nakryta pośrodku kopułą. Wnętrze wyłożone jest białym marmurem. Podobnie jak inne budynki Brunelleschi, kaplica wyróżnia się prostotą i przejrzystością, elegancją i wdziękiem.

Twórczość Brunelleschiego wyróżnia się tym, że wykracza poza budynki sakralne i tworzy wspaniałe budowle architektury świeckiej. Doskonałym przykładem takiej architektury jest dom schroniska edukacyjnego, zbudowany na planie litery „P”, z zadaszoną galerią-loggią.

Florencki rzeźbiarz Donatello jest jednym z najwybitniejszych twórców wczesnego renesansu. Pracował najwięcej różne gatunki, pokazując wszędzie prawdziwą innowację. Donatello w swojej twórczości wykorzystuje dziedzictwo starożytne, opierając się na głębokim badaniu natury, odważnie aktualizując środki wyrazu artystycznego.

Bierze udział w rozwoju teorii perspektywy linearnej, ożywia rzeźbiarski portret i obraz nagiego ciała, odlewa pierwszy pomnik z brązu. Tworzone przez niego obrazy są harmonijnym ucieleśnieniem ideału humanizmu rozwinięta osobowość. Donatello swoją twórczością wywarł ogromny wpływ na dalszy rozwój rzeźby europejskiej.

Dążenie Donatello do idealizowania portretowanej osoby jest wyraźnie widoczne w posąg młodego Dawida. W tej pracy David jawi się jako młody, piękny młodzieniec, pełen siły psychicznej i fizycznej. Piękno jego nagiego ciała podkreśla wdzięcznie wygięty tors. Młoda twarz wyraża zamyślenie i smutek. Po tym posągu pojawiło się wiele nagich postaci w rzeźbie renesansowej.

Zasada bohaterstwa brzmi mocno i wyraźnie posąg św. Jerzy, który stał się jednym ze szczytów twórczości Donatello. Tutaj w pełni udało mu się ucieleśnić ideę silnej osobowości. Przed nami wysoki, szczupły, odważny, spokojny i pewny siebie wojownik. W tej pracy mistrz twórczo rozwija najlepsze tradycje rzeźby starożytnej.

Klasycznym dziełem Donatello jest brązowy posąg dowódcy Gattamelatty, pierwszy pomnik jeździecki w sztuce renesansu. Tutaj wielki rzeźbiarz osiąga najwyższy poziom uogólnienia artystycznego i filozoficznego, co przybliża to dzieło do starożytności.

Jednocześnie Donatello stworzył portret specyficznej i niepowtarzalnej osobowości. Dowódca jawi się jako prawdziwy bohater renesansu, osoba odważna, spokojna, pewna siebie. Posąg wyróżnia lakoniczna forma, wyraźna i wyraźna plastyczność oraz naturalność pozy jeźdźca i konia. Dzięki temu pomnik stał się prawdziwym arcydziełem rzeźby monumentalnej.

W ostatnim okresie swojej twórczości Donatello tworzy brązową grupę „Judith and Holofernes”. Dzieło to jest pełne dynamiki i dramatyzmu: Judyta ukazana jest w momencie, gdy podnosi miecz nad już rannym Holofernesem. żeby go wykończyć.

Masaccio słusznie uważany jest za jedną z głównych postaci wczesnego renesansu. Kontynuuje i rozwija trendy wywodzące się od Giotto. Masaccio żył zaledwie 27 lat i niewiele udało mu się zrobić. Jednak stworzone przez niego freski stały się prawdziwą szkołą malarstwa dla kolejnych Włoscy artyści. Według Vasariego, współczesnego renesansu i autorytatywnego krytyka, „żaden mistrz nie był tak bliski osiągnięcia współcześni mistrzowie jak Masaccio.”

Głównym dziełem Masaccio są freski w kaplicy Brancaccich w kościele Santa Maria del Carmine we Florencji, opowiadające o epizodach z legend o św. Piotrze, a także przedstawiające dwie sceny biblijne - „Upadek” i „Wypędzenie z raju”. ”

Choć freski opowiadają o cudach dokonanych przez św. Piotrze, nie ma w nich nic nadprzyrodzonego ani mistycznego. Przedstawieni Chrystus, Piotr, apostołowie i inni uczestnicy wydarzeń sprawiają wrażenie całkowicie ziemskich ludzi. Są obdarzeni indywidualnymi cechami i zachowują się całkowicie naturalnie i po ludzku. Szczególnie w scenie „Chrztu” zaskakująco wiarygodnie ukazano nagiego młodzieńca drżącego z zimna. Masaccio buduje swoją kompozycję wykorzystując nie tylko perspektywę linearną, ale także powietrzną.

Z całego cyklu zasługuje na szczególne wyróżnienie fresk „Wypędzenie z raju”. To prawdziwe arcydzieło malarstwa. Fresk jest niezwykle lakoniczny, nie ma w nim nic zbędnego. Na tle niewyraźnego krajobrazu wyraźnie widać postacie Adama i Ewy, które opuściły bramy Raju, nad którymi unosi się anioł z mieczem. Cała uwaga skupiona jest na Mamie i Ewie.

Masaccio jako pierwszy w historii malarstwa namalował nagie ciało w sposób tak przekonujący i autentyczny, oddający jego naturalne proporcje, nadający mu stabilność i ruch. Równie przekonujący i jasno wyrażony jest stan wewnętrzny bohaterów. Idąc szeroko, Adam ze wstydem spuścił głowę i zakrył twarz rękami. Łkająca Ewa odchyliła głowę w rozpaczy z otwartymi ustami. Ten fresk odkrywa Nowa era w sztuce.

To, co zrobił Masaccio, było kontynuowane przez takich artystów jak Andrea Mantegna(1431 -1506) i Sandro Botticellego(1455-1510). Pierwsza zasłynęła przede wszystkim dzięki malarstwu, wśród których szczególne miejsce zajmują freski opowiadające o ostatnich epizodach z życia św. Jakuba – procesja na egzekucję i sama egzekucja. Preferowany Botticelli malarstwo sztalugowe. Jego najbardziej znane obrazy to „Wiosna” i „Narodziny Wenus”.

Od końca XV wieku, kiedy sztuka włoska osiągnęła swój najwyższy rozkwit, Wysoki renesans. Dla Włochów okres ten okazał się niezwykle trudny. Rozdrobniony, a przez to bezbronny, został dosłownie zdewastowany, splądrowany i wykrwawiony przez najazdy Francji, Hiszpanii, Niemiec i Turcji. Jednak sztuka w tym okresie, co dziwne, doświadczyła niespotykanego rozkwitu. To właśnie w tym czasie stworzyli tytani tacy jak Leonardo da Vinci. Rafał. Michał Anioł, Tycjan.

W architekturze początek wysokiego renesansu kojarzony jest z kreatywnością Donato Bramante(1444-1514). To on stworzył styl, który zadecydował o rozwoju architektury tego okresu.

Jednym z jego wczesnych dzieł był kościół klasztoru Santa Maria della Grazie w Mediolanie, w którego refektarzu Leonardo da Vinci namalował swój słynny fresk „Ostatnia wieczerza”. Jego sława zaczyna się od małej kaplicy zwanej Tempetto(1502), zbudowany w Rzymie, który stał się swego rodzaju „manifestem” Wysokiego Renesansu. Kaplica ma kształt rotundy, wyróżnia się prostotą środków architektonicznych, harmonią części i rzadką wyrazistością. To naprawdę małe arcydzieło.

Szczytem twórczości Bramantego jest rekonstrukcja Watykanu i przekształcenie jego budynków w jeden zespół. Opracował także projekt katedry św. Piotra, w którym Michał Anioł dokona zmian i zacznie je wdrażać.

Zobacz też: Michał Anioł Buonarroti

W sztuce włoskiego renesansu szczególne miejsce zajmuje Wenecja. Szkoła, która się tu rozwinęła, znacznie różniła się od szkół we Florencji, Rzymie, Mediolanie czy Bolonii. Ci drudzy skłaniali się ku stabilnym tradycjom i ciągłości, nie byli skłonni do radykalnej odnowy. To na tych szkołach opierał się klasycyzm XVII wieku. i neoklasycyzm kolejnych wieków.

Szkoła wenecka stanowiła dla nich swego rodzaju przeciwwagę i antypod. Panował tu duch innowacji i radykalnej, rewolucyjnej odnowy. Od przedstawicieli innych Szkoły włoskie Leonardo był najbliżej Wenecji. Być może właśnie tutaj jego pasja poszukiwań i eksperymentów znalazła należyte zrozumienie i uznanie. W słynnym sporze pomiędzy „starymi i nowymi” artystami, ten ostatni oparł się na przykładzie Wenecji. To tu zrodziły się tendencje, które doprowadziły do ​​baroku i romantyzmu. I choć romantycy czcili Rafaela, ich prawdziwymi bogami byli Tycjan i Weronese. W Wenecji El Greco otrzymał ładunek twórczy, który pozwolił mu wstrząsnąć malarstwem hiszpańskim. Velázquez przejeżdżał przez Wenecję. To samo można powiedzieć o artyści flamandzcy Rubensa i Van Dycka.

Jako miasto portowe Wenecja znalazła się na skrzyżowaniu szlaków gospodarczych i handlowych. Był pod wpływem północnych Niemiec, Bizancjum i Wschodu. Wenecja stała się miejscem pielgrzymek wielu artystów. A. Durer był tu dwukrotnie – pod koniec XV wieku. i początek XVI w. Odwiedził ją Goethe (1790). Wagner przysłuchiwał się tu śpiewowi gondolierów (1857), pod którego wpływem napisał drugi akt Tristana i Izoldy. Nietzsche słuchał także śpiewu gondolierów, nazywając go śpiewem duszy.

Bliskość morza przywoływała raczej płynne i ruchome formy niż wyraźne struktury geometryczne. Wenecja skłaniała się nie tyle do rozumu ze swoimi rygorystycznymi zasadami, ile do uczuć, z których narodziła się niesamowita poezja sztuki weneckiej. Tematem tej poezji była natura – jej widzialna i namacalna materialność, kobieta – ekscytujące piękno jej ciała, muzyka – zrodzona z gry kolorów i światła oraz z czarujących dźwięków uduchowionej natury.

Artyści szkoły weneckiej preferowali nie formę i projektowanie, ale kolor, grę światła i cienia. Przedstawiając naturę, starali się oddać jej impulsy i ruch, zmienność i płynność. Uroda kobiece ciało widzieli nie tyle harmonię form i proporcji, ile samo żywe i czujące ciało.

Realistyczna wiarygodność i autentyczność nie były dla nich wystarczające. Starali się odkryć bogactwa tkwiące w samym malarstwie. To Wenecji należy się zasługa odkrycia czystej zasady obrazowości, czyli malowniczości w czystej postaci. Artyści weneccy jako pierwsi pokazali możliwość oddzielenia malarstwa od przedmiotów i formy, możliwość rozwiązywania problemów malarskich za pomocą jednego koloru, środków czysto obrazowych, możliwość traktowania malarstwa jako celu samego w sobie. Całe późniejsze malarstwo, oparte na ekspresji i wyrazistości, będzie podążało tą drogą. Według niektórych ekspertów od Tycjana można przejść do Rubensa i Rembrandta, następnie do Delacroix, a od niego do Gauguina, Van Gogha, Cezanne’a itp.

Założycielem szkoły weneckiej jest Giorgione(1476-1510). W swojej pracy zachował się jak prawdziwy innowator. Jego świecka zasada w końcu zwycięża i zamiast historie biblijne woli pisać o tematyce mitologicznej i wątki literackie. W jego pracy jest stwierdzenie malarstwo sztalugowe, który nie przypomina już ikony ani obrazu ołtarzowego.

Otwiera się Giorgione Nowa era w malarstwie, jako pierwszy zaczął malować od życia. Przedstawiając naturę, po raz pierwszy przenosi nacisk na mobilność, zmienność i płynność. Doskonałym tego przykładem jest jego obraz „Burza z piorunami”. To Giorgione zaczął szukać tajemnicy malarstwa w świetle i jego przejściach, w grze światła i cienia, będąc prekursorem Caravaggia i caravaggizmu.

Giorgione stworzył dzieła różnych gatunków i tematów - „Koncert wiejski” i „Judith”. Jego najsłynniejszym dziełem było „Śpiąca Wenus”" To zdjęcie jest pozbawione jakiejkolwiek fabuły. Gloryfikuje piękno i urok nagiego kobiecego ciała, przedstawiając „nagość samą w sobie”.

Dyrektorem szkoły weneckiej jest tycjanowski(ok. 1489-1576). Jego twórczość – obok dzieł Leonarda, Rafaela i Michała Anioła – jest szczytem sztuki renesansu. Większość swojego długiego życia spędził w okresie późnego renesansu.

W dziele Tycjana sztuka renesansu osiąga swój najwyższy wzrost i rozkwit. Jego prace łączą twórcze poszukiwania i innowację Leonarda, piękno i doskonałość Rafaela, duchową głębię, dramat i tragedię Michała Anioła. Cechuje je niezwykła zmysłowość, dzięki czemu wywierają potężny wpływ na widza. Dzieła Tycjana są zaskakująco muzyczne i melodyjne.

Jak zauważa Rubens, wraz z Tycjanem swój smak nabrało malarstwo, a według Delacroix i Van Gogha muzyka. Jego płótna malowane są otwartą kreską, a jednocześnie lekkie, swobodne i przejrzyste. To właśnie w jego pracach kolor zdaje się rozpuszczać i wchłaniać formę, a zasada obrazowości po raz pierwszy zyskuje autonomię i pojawia się w czystej postaci. Realizm w jego twórczości zamienia się w czarujący i subtelny liryzm.

W dziełach pierwszego okresu Tycjan gloryfikuje beztroską radość życia, korzystanie z dóbr ziemskich. Wychwala zasadę zmysłowości, ludzkie ciało tryskające zdrowiem, wieczne piękno ciała, fizyczną doskonałość człowieka. Temu poświęcone są jego obrazy, takie jak „Miłość ziemska i niebiańska”, „Święto Wenus”, „Bachus i Ariadna”, „Danae”, „Wenus i Adonis”.

Na obrazie dominuje zasada zmysłowości „Pokutująca Magdalena”, chociaż jest poświęcony sytuacji dramatycznej. Ale i tutaj skruszony grzesznik ma zmysłowe ciało, urzekające ciało promieniujące światłem, pełne i zmysłowe usta, różowe policzki i złote włosy. Płótno „Chłopiec z psami” przepełnione jest uduchowionym liryzmem.

W twórczości drugiego okresu zasada zmysłowości zostaje zachowana, ale uzupełnia ją narastający psychologizm i dramatyzm. Ogólnie rzecz biorąc, Tycjan dokonuje stopniowego przejścia od tego, co fizyczne i zmysłowe, do duchowego i dramatycznego. Zachodzące zmiany w twórczości Tycjana są wyraźnie widoczne w ucieleśnieniu tematów i wątków wspaniały artysta skontaktował się dwa razy. Typowym przykładem w tym zakresie jest obraz „Święty Sebastian”. W pierwszej wersji los samotnego cierpiącego, porzuconego przez ludzi, nie wydaje się zbyt smutny. Wręcz przeciwnie, przedstawiony święty jest obdarzony witalnością i pięknem fizycznym. W późniejszej wersji obrazu, znajdującej się w Ermitażu, ten sam obraz nabiera cech tragedii.

Jeszcze bardziej uderzającym przykładem są warianty obrazu „Koronacja cierniowa” poświęconego epizodowi z życia Chrystusa. W pierwszym z nich przechowywanym w Luwrze. Chrystus jawi się jako fizycznie piękny i silny sportowiec, zdolny odeprzeć swoich gwałcicieli. W monachijskiej wersji, powstałej dwadzieścia lat później, ten sam epizod jest przekazywany znacznie głębiej, bardziej kompleksowo i wymownie. Chrystus ukazany jest w białym płaszczu, ma zamknięte oczy, spokojnie znosi bicie i upokorzenie. Teraz najważniejsze nie jest koronacja i bicie, nie zjawisko fizyczne, ale psychiczne i duchowe. Obraz przepełniony jest głęboką tragedią, wyraża triumf ducha, duchowej szlachetności nad siłą fizyczną.

W później działa Tragiczne brzmienie Tycjana staje się coraz bardziej nasilone. Świadczy o tym obraz „Opłakiwanie Chrystusa”.