Nonkonformizm to zaprzeczanie ogólnie przyjętym regułom i zasadom, które utrwaliły się w określonej grupie lub społeczności. Ale ludzie, którzy są zwolennikami tego, można rzec, stylu życia, nie tylko po prostu nie zgadzają się z żadnymi postanowieniami, ale także oferują własną wizję sytuacji. Najpierw jednak najważniejsze.
Jeden przeciwko wszystkim
Bardziej na temat w prostych słowach, to nonkonformizm to wybranie własnej drogi, a nie podążanie tą, którą narzuca społeczeństwo. Tacy ludzie nie akceptują tego, co dyktuje tłum. A przykładów takich osobowości jest naprawdę mnóstwo – można je przytaczać ze sfer nauki, sztuki, polityki, kultury i po prostu życie publiczne. Na przykład ten sam Giordano Bruno, odrzucony przez społeczeństwo, był nonkonformistą. Dlaczego? Tak, ponieważ podobnie jak Galileusz wyprzedził swoją epokę w swoich odkryciach. Społeczeństwo tego nie zaakceptowało, odrzuciło zarówno jednego, jak i drugiego naukowca.
Filozofia nonkonformizmu
Nonkonformizm to postawa mająca określony punkt widzenia. I w związku z tym ma swoją własną filozofię. Co to jest? Pierwszą rzeczą, na którą należy zwrócić uwagę, jest to, że istnieją dwa rodzaje nonkonformizmu. Pierwszy jest normalny, a drugi wymuszony. Zatem prosty nonkonformizm to odrzucenie, a także niezgoda na pewne wartości i normy dominujące w społeczeństwie. Drugi zaś, przymusowy, polega na presji wywieranej na jednostkę przez tę czy inną grupę społeczną. Inaczej mówiąc, wspólnota ludzi poprzez swoją presję zmusza człowieka do odstąpienia od jego oczekiwań.
Ogólnie rzecz biorąc, normalne jest, że nie zgadzamy się i protestujemy przeciwko czemuś. W końcu to te cechy wymusiły prymitywny człowiek rozwijać się i postępować. Czasy się zmieniły, ale zasada nonkonformizmu nie. Przez cały czas poszukiwacze przygód, buntownicy, a nawet wyrzutki byli tymi, za którymi stała inicjatywa rewolucji całej ludzkości.
Nonkonformiści są również często nazywani opozycjonistami. Dzieje się tak dlatego, że nie kierują się bezmyślnie ogólnie przyjętymi normami – wręcz przeciwnie, z nimi walczą. Na tym polega ich wyjątkowość. Nonkonformista to osoba, która nie odrzuca pewnych norm, a jedynie wyraża na ich temat odmienne zdanie.
Dwa przeciwieństwa
Konformizm i nonkonformizm to dwa powiązane ze sobą pojęcia. Ale zupełnie odwrotnie. Dlatego w niektórych przypadkach często można spotkać konformizm i nonkonformizm grupy społeczne. I przeważnie ludzie, którzy są zwolennikami tego czy innego punktu widzenia, można znaleźć w społeczności o raczej przyziemnym rozwoju psychologicznym i społecznym. Rzeczywiście, im więcej, tym mniej nieodłącznego nonkonformizmu lub konformizmu. Co jest dla niego charakterystyczne w tym przypadku? To jest darmowe samostanowienie. Oznacza to, że są to ludzie, którzy niezależnie decydują, co robić, a czego nie. Nie branie pod uwagę niczyjej opinii, ufanie tylko własnym odczuciom. Są to osoby, dla których ważne jest, aby wynik był zgodny z ich oczekiwaniami, a nie podważał ani nie potwierdzał ustalonych w społeczeństwie praw. Można powiedzieć – złoty środek.
Wyrzutki czy po prostu wyjątkowi?
Nonkonformizm... W psychologii oznacza to także reakcję protestacyjną wobec życia. „Aby nie być jak wszyscy” – tak często myślą niektórzy zwolennicy tego punktu widzenia. W rzeczywistości zarówno konformiści, jak i nonkonformiści myślą w ten sam sposób. Dlaczego? Bo jedni myślą jak wszyscy (pierwsi), a inni myślą na odwrót, wręcz przeciwnie (drugi).
Czym jest negatywizm behawioralny? Być może w umyśle nonkonformisty. Staje się taki celowo, mając na celu bycie i bycie uważanym za innego niż inni. Często zdarza się, że tacy ludzie stają się wyrzutkami społeczeństwa. Która grupa chciałaby, żeby dołączyła do niej osoba, która zaprzecza wszystkiemu, czego wyznaje? Ale są też tacy, którzy nie zachowują się w ten sposób celowo. To są tak naprawdę ich niezależne wnioski. Oni naprawdę myślą inaczej. Wyznają zupełnie inne wartości i szczerze nie podzielają innych, bardziej powszechnych. Można powiedzieć, że tacy ludzie mają swój własny świat.
Tworzenie
Należy zauważyć, że nonkonformizm w sztuce występuje dość często. A większość estetów uważa ten styl za bardzo atrakcyjny. Co jest złego w tym, że twórcy (nonkonformizm najczęściej spotykany jest w malarstwie) wnoszą do sztuki coś własnego? Można w ten sposób go rozcieńczyć, zapobiec stagnacji i stanie się banalnym i nieciekawym. To jest naprawdę ważne. Z drugiej strony nonkonformizm można postrzegać jako odwieczne poszukiwanie czegoś świeżego i nowego. W ten sposób możesz poszerzyć swój zakres i własną wizję pewnych rzeczy. Na przykład ten sam dom artystyczny, który ze względu na stereotypy szerzące się w społeczeństwie z prędkością światła może być całkiem atrakcyjny i interesujący. Ale zwolennicy tego stylu są też swego rodzaju nonkonformistami.
Konformiści i nonkonformiści - czy można razem istnieć?
Z całą pewnością możemy powiedzieć, że jest to możliwe. Chociaż będziesz musiał ciężko pracować zarówno dla jednego, jak i drugiego. Przecież oba zjawiska kojarzą się z kontaktem społecznym. Nawet osoba, która nie zgadza się ze zdaniem większości i nie otrzymuje od niej aprobaty i wsparcia, może zaprzyjaźnić się z konformistami. Często takie osoby są przydatne dla zespołu. Bo to nonkonformiści są generatorami nowych, świeżych pomysłów. Przeciwna opinia jest zawsze ważna. Po pierwsze dla porównania. Po drugie, aby opracować inne rozwiązanie konkretnego problemu lub sytuacji. Taki, który będzie odpowiadał każdemu. Krótko mówiąc, nonkonformiści pomagają spojrzeć na sprawy innymi oczami i skłaniają do myślenia.
Z kolei konformiści mogą nauczyć takich ludzi interakcji z innymi bez naruszania ich interesów i najważniejszego - wzajemnego pożądania.
W ZSRR artystom tym nie pozwolono nie tylko pracować, ale także normalnie żyć. Wyrzucano ich z uniwersytetów, nie dopuszczano do związków twórczych, a nawet umieszczano w szpitalach psychiatrycznych. A dzieje się tak tylko dlatego, że nie postępowali zgodnie z zaleceniami.
Maksym Kantor. „Czerwony dom”
„Malarstwo z czasów głasnosti” („Malerei der Glasnost-Zeit”) to tytuł wystawy, która odbywa się w Dolnej Saksonii Emden, w Kunsthalle Museum of Contemporary Art, które w tym roku obchodzi swoje 25-lecie. Nonkonformistyczni artyści, zakazani w ZSRR, których prace tu prezentowane, zostali odkryci w latach 80. dla Zachodu przez twórcę tego muzeum, jednocześnie założyciela i byłego redaktora naczelnego słynnego niemieckiego magazynu Stern, Henri Nannena. Ale w jaki sposób dzieła te trafiły do Niemiec? Jak udało im się wydostać ich z ZSRR? I dlaczego znaleźli swoją „rejestrację” w Emden?
Pacjenci psychiatryczni
Oddział szpitalny. Podłoga wyłożona zimnymi płytkami. Słabe łóżka wzdłuż ścian. Nieszczęśni pacjenci tego najprawdopodobniej szpitala psychiatrycznego leżą i siadają na nich. Siedmiu mężczyzn pochylało się przy stole nad gazetą z krzyżówką – wydawało się, że to jedyny powód do przemyśleń. Ta siódemka nie jest jak inni pacjenci: ich twarze są zbyt wyraziste, ich oczy są zbyt inteligentne... Czy naprawdę są zajęci rozwiązywaniem krzyżówki? A może jest to tajne zgromadzenie dysydentów ukryte w szpitalu psychiatrycznym? Autor obrazu „Krzyżówka” Maksym Kantor nie udziela bezpośredniej odpowiedzi. Musimy to zrobić.
Maksym Kantor. „Krzyżówka” (1985)
Prace Kantora stanowią trzon wystawy „Malarstwo z czasów głasnosti”. Kunsthalle po raz pierwszy zaprezentowało wiele swoich eksponatów już w latach 80-tych. Pierwsza ekspozycja poświęcony kreatywności właśnie wtedy zorganizowali się młodzi ekspresjoniści, realiści i spirytyści Moskwy i Leningradu (jak Niemcy klasyfikowali sowieckich nonkomformistów).
Prace artystów, którzy odważyli się nie tworzyć zgodnie z odgórnymi zaleceniami, ale dokonali bezkompromisowego wyboru na rzecz swobodnej twórczości, wywołały prawdziwą sensację. Media zachodnioniemieckie entuzjastycznie wypowiadały się o Maksymie Kantorze, Leonidzie Puryginie, Lwie Tabenkinie, Aleksieju Sundukowie. Dziś ich nazwiska są znane na całym świecie. A potem fakt, że w Związku Radzieckim byli tak odważni, a jednocześnie niezwykle utalentowani mistrzowie, stał się dla Zachodu prawdziwym odkryciem. Przecież zwykle sztuka radziecka kojarzy się z nudą i pretensjonalnością socrealizm.
„Rejs” po pracowni zakazanych artystów
Jak powiedziała kuratorka wystawy, krytyczka sztuki Lena Nievers, obrazy trafiły do Emden dzięki Henriemu Nannenowi, pochodzącemu z tego miasta, znany dziennikarz, założyciel i wieloletni redaktor naczelny magazynu Stern. Często chodził Związek Radziecki, gdzie zbierał materiał do swoich reportaży. Swego czasu towarzyszył nawet kanclerzowi Niemiec Konradowi Adenauerowi podczas jego pierwszego spotkania z Chruszczowem w Moskwie.
Przez lata utworzył krąg przyjaciół w stolicy ZSRR. Za ich pośrednictwem Nannen, wielki miłośnik sztuki i właściciel znakomitej kolekcji obrazów, nawiązał kontakt z przedstawicielami sztuki „nieoficjalnej” w ZSRR.
Na początku lat 80. Henry Nannen odbył swego rodzaju 14-dniowy „rejs” po półpodziemnych warsztatach 50 nieformalnych artystów w Moskwie i Leningradzie. A to, co zobaczył w tych nędznych piwnicach, powaliło go na miejscu. Kupił wszystko, co się dało, a nawet udało mu się wywieźć obrazy do Niemiec. To prawda, że w tym celu musiał pokonać wiele progów i wykorzystać wszystkie swoje moskiewskie połączenia. W 1982 roku Nannen zorganizował wystawę, która odwiedziła Monachium, Stuttgart, Düsseldorf, Wiesbaden i oczywiście Emden i okazała się ogromnym sukcesem.
Kilka lat później dziennikarz wraz z żoną Eske Ebert-Nannen i słynnym krytykiem sztuki Gerhardem Finkiem ponownie pojechali do pracowni w Moskwie i Leningradzie. W sumie w latach 80. nabył tam ponad 100 dzieł. W 1986 roku filantrop sfinansował utworzenie Kunsthalle w Emden. Przy budowie tego muzeum, które stało się prezentem od Nannen rodzinne miasto, miłośnik sztuki, zainwestował prawie wszystkie swoje oszczędności. W 1996 roku zmarł Henry Nannen, a Kunsthalle kierowała wdowa po nim.
Nie znając strachu
„Ta wystawa mnie zszokowała. W czasie II wojny światowej walczyłem Front Wschodni, następnie znalazł się w niewoli sowieckiej. I co teraz? My, pokonani, od dawna cieszymy się życiem i wolnością. A oni, zwycięzcy, przez tyle lat żyli jak w obozie.”
„Niesamowite, wręcz rozdzierające serce płótna W czasach sowieckiej dyktatury mogły to stworzyć tylko ludzie, którzy nie znali strachu i głęboko kochali swoją ojczyznę”.
Takie recenzje wystawy „Malarstwo czasów Głasnosti” można przeczytać w Księdze Recenzji Muzeum Emden.
Na pniu znajduje się kot z szeroko otwartymi oczami z przerażenia. Próbuje wyrwać się z rąk dziewczynki. Ona także umiera ze strachu i stara się nie patrzeć na biedne zwierzę, ale z całych sił przyciska je do drzewa. W pobliżu jest strasznie chuda kobieta. Już podniosła topór. „Chcę żyć...” to tytuł obrazu namalowanego przez Leninę Nikitinę, ocalałą z oblężenia Leningradu, przedstawicielkę starszego pokolenia sowieckiego podziemia.
Aleksiej Sundukow. „Przejście” (1988)
„Przejście” Aleksieja Sundukowa. Szerokie przejście do metra z trudem pomieści ciasno stłoczony tłum. Każdy jest ubrany inaczej: jedni w zimowych, inni w letnich. Nie jest jasne, jaka jest pora roku. Istnieją skórzane płaszcze przeciwdeszczowe i płaszcze futrzany kołnierz i mundury oficerskie oraz otwarte lekkie sukienki. Wiejskie szaliki, czapki robione na drutach, czapki. Łyse głowy, eleganckie fryzury, skromne fryzury. Obraz jest przesycony obrazami. Jest światło na końcu tunelu. Ludzie idą w jego stronę. Chociaż - czy się poruszają? A może po prostu tam stoją? Przedstawione są tylko plecy, głowy i ramiona. Nogi – podobnie jak twarze – nie są widoczne. Dlatego pozostaje tajemnicą, czy tłum ten przejdzie do nowego stanu, czy zostanie schwytany jasne światło wolność.
11 lutego w Galerii Victoria otwarta zostanie wystawa „Nonkonformizm jako punkt odniesienia”, na której znajdą się dzieła nieoficjalnej sztuki rosyjskiej drugiej połowy XX wieku ze zbiorów Moskiewskiego Muzeum Sztuki Nowoczesnej. Na niespotykanej dla Samary skali wystawie zaprezentuje się ponad 30 autorów, którzy zaprezentują całe spektrum rosyjskiej sztuki nieoficjalnej od lat 50. XX wieku po współczesność. Kurator galerii Siergiej Balandin na zlecenie Wielkiej Wsi przygotował program edukacyjny do nowej wystawy.
O czym rozmawiali nonkonformiści?
Bardzo wczesna praca Na wystawie prezentowany był obraz „Wiosna” z 1950 roku Borys Swiesznikow. Napisał ją w wieku 23 lat, podczas odbywania kary w obozie. Dla Swiesznikowa, podobnie jak dla większości nonformistów, ważne jest odwołanie się do duchowej istoty człowieka. W warunkach sowieckiej bezbożności wymyślili własne obrazy, co nadawało im sakralne znaczenie: malarstwo było dla nich czymś w rodzaju mistycznej przysięgi. Nonkonformiści to krąg artystów reprezentujących nieoficjalną sztukę ZSRR: samoucy, dysydenci, filozofowie – do sztuki podchodzili różnymi drogami. , ale łączy ich chęć znalezienia własnego, nieoficjalnego języka artystycznego.
Borys Swiesznikow
Do przedstawicieli nonkonformizmu zaliczają się także Michaił Szwartman, Marlena Spindler, Dmitrij Krasnopewcew, Władimir Jakowlew
Wielu „nieoficjalnych” artystów pozostawało pod wpływem Kazimierza Malewicza, jak na przykład Władimir Sterligow, który był jego bezpośrednim uczniem. W „Rodzinie” nietrudno dostrzec kompozycje suprematystyczne w twórczości Eduarda Steinberga; Oleg Cełkowa„Chłopów” Malewicza trzeba zobaczyć: płaskie twarze, postacie wydające się zakrzywione jak blacha lub folia, jasne kolory aniliny, małe oczy - artysta zrobił wszystko, aby z sowieckiej konstruktywistycznej utopii zrobić boleśnie monotonne i nudne piekło. W 1977 roku artysta opuścił kraj i przez 38 lat żył jako bezpaństwowiec.
Oleg Cielkow. Rodzina. 1985 Na wystawie prezentowane są także prace Grishy Bruskina, Piotra Belenoka i Jewgienija Rukhina
Aleksander Roginski niektórzy uważają go za jedynego przedstawiciela pop-artu w Rosji. Na długo przed Sots Art zaczął przedstawiać życie społeczne Człowiek radziecki: „Czerwone drzwi” wiszące na ścianie, „Czerwona ściana” z rozetą, „Podłoga” wyłożona kafelkami to jego najsłynniejsze dzieła. Nie śmieje się i nie naśmiewa z siebie jak artyści Sotsa; w biedzie kuchni sowieckiej widzi szczególną filozofię i tajemnicę rosyjskiego życia.
Aleksander Roginski. Mosgaz. 1964 Lianozowitowie i ich „mały człowiek”
Na wystawie znajdują się prace Włodzimierza Niemuchina, który także jest członkiem lianozowitów
Tak nazywano poetów i artystów, przyjaciół rodziny Kropiwnickich, którzy gromadzili się w swoim mieszkaniu w domu typu koszarowego nr 2 na stacji Lianozovo na przedmieściach Moskwy. Wyróżnia ich dbałość o codzienną rzeczywistość, z której budują, za pomocą bezpośrednich cytatów, skąpy i absurdalny świat nowego „ mały człowiek" Najbardziej aktywny z nich i najsłynniejszy stał się później Oskar Rabin. To on zorganizował słynną „Wystawę Buldożerów”, zniszczoną przez władze, a następnie zmusił je do zatwierdzenia wystawy w Park Izmailowski. Nieugięty, silny charakter artysty, który pokazał jako ambasador niezależnych artystów, zdaje się nie mieć w ogóle odzwierciedlenia w jego pracach: pozbawione radości, czarne, jakby zwęglone pejzaże z widokami na przedmieścia.
Oskar Rabin Fikcyjny świat moskiewskich konceptualistów
Do konceptualistów zaliczają się także dzieła Wiktora Piwowarowa, Igora Makarewicza, Andrieja Monastyrskiego
Słynny krytyk Boris Groys nazwał konceptualizm w Rosji „romantycznym”, ponieważ jego przedstawiciele nie robili nic innego, jak tylko fantazjowali. Uciekali od Radziecka rzeczywistość w jakiś spekulacyjny świat, który zamieszkiwały zupełnie niezwykłe postacie.
Najwybitniejszym wizjonerem w historii sztuki był Ilia Kabakow. Wymyślił „siedzącego Primakowa w szafie”, „dekoratora Malygina”, który rysował tylko marginesy, nawet jeśli kartka była pusta, „człowieka, który ze swojego mieszkania poleciał w kosmos” i wiele innych historii i zagadek dla publiczności. Ostatecznie wszedł do historii sztuki światowej jako twórca „instalacji totalnej”, czyli instalacji, w której człowiek czuje się całkowicie otoczony, do tego stopnia, że może nawet zapomnieć, gdzie dokładnie się znajduje. A wszyscy bohaterowie Kabakowa, podobnie jak on sam, to ludzie chcący uciec od rzeczywistości.
Ilia Kabakow. Vala nadchodzi. 1972 Inny konceptualista - Dmitrij Prigow - prawdziwa osoba Renesans: artysta, poeta, myśliciel, jako aktor filmowy odgrywał epizodyczne role u Lungina i Germana. Jego słynny cykl wierszy o „milicjancie” był kultowy w środowiskach dysydenckich, a w rysowanych przez niego długopisem grafikach i projektach wielkoformatowych instalacji jednym z najważniejszych obrazów był „wszech- widzące oko.” Wielki Brat jest tu spleciony w mistyczny węzeł, utkany z archetypowych potworów i symboli, których, podobnie jak Boscha, po prostu nie da się złamać.
Dmitrij Prigow Ponowne przemyślenie życia mieszkańców Sretensky
Inni artyści tego ruchu: Oleg Wasiliew, Siergiej Szablawin, Eduard Steinberg
Grupa Sretensky Boulevard skupiała artystów, których warsztaty znajdowały się w pobliżu. Często zbierając i dyskutując o sztuce, wywierali na siebie wpływ, testowali te same techniki, uzyskując różne rezultaty. Przede wszystkim w centrum uwagi tej grupy znalazła się praca z przestrzenią: zarówno przestrzenią domu, jak i przestrzenią krajobrazu. Zaczynał jako surrealista typu jungowskiego, Władimir Jankilewski w swoich pracach łączy fragmenty codzienności: wagon metra, windę, korytarz, toaletę itp. - z symbolami archetypowymi lub abstrakcyjnymi, tak że jeśli jego bohaterowie gdzieś się poruszają, to okazuje się, że ruch ten następuje w kole samsary.
Władimir Jankilewski. Dedykowany rodzicom moich rodziców. 1972 Iwan Czuikow bawi się elementami otoczenia domu: oknami, drzwiami, gniazdkami, szafkami - zamieniając je w dzieła z gatunku klasycznego: portrety, pejzaże, martwe natury, łączące obiekty życie codzienne z obrazami rzeczywistości artystycznej.
Iwan Czuikow. Okno LXIV. 2002 Zabawa artystów Nowej Fali
Kolejnym przedstawicielem kierunku jest Vadim Zakharov
„Nowa fala”, która zastąpiła starsze pokolenie konceptualistów, nazywana jest zwykle „marzycielami”, których obrazy od filozoficznych i marzycielskich stały się otwarcie hedonistyczne, absurdalne i pogodne. Zamiast „historii” oferują widzom „halucynacje”. Jeszcze jedno cecha charakterystyczna istniała twórczość zbiorowa. Jedną z najbardziej znanych tego typu grup artystycznych były „Grzyby”, z których później wyłonił się artysta Konstantin Zvezdochetov. W jego jasne obrazy Bohaterowie humorystycznego magazynu „Krokodyl” i obrazy rosyjskiego malarstwa klasycznego, bohaterowie Repina i Serowa, swobodnie się łączą. Śmiech artysty powinien obnażać i podważać powagę panującą w świecie.
Konstantin Zvezdochetov. Kozacy piszą list. 2005 Satyra na świat konsumpcji artystów socjalistycznych
Innymi przedstawicielami kierunku są Borys Orłow i Aleksander Kosolapow
Artyści, którzy postanowili przenieść amerykański pop-art do sowieckiej rzeczywistości, stali się założycielami nowego kierunku „sots art”, który nie tyle polegał na rozumienie filozoficzne konsumpcjonizm w równym stopniu jak satyra na estetyczną nędzę kultura popularna oraz dostarczanie materiału ideologicznego do ZSRR. W pracach artystów socjalistycznych często wykorzystuje się obrazy sławni ludzie, zwłaszcza obrazy przywódców. Rzeźbiarz Leonid Sokow odtwarza zasadę języka rosyjskiego zabawki ludowe z mężczyzną i niedźwiedziem, którzy piłują kłodę i układają ją postacie z bajek Stalin i Hitler - tyrani pobili świat. Sokowa wyróżnia klarowność i bezpośredniość przekazu, ironiczny dydaktyk oraz trafny dobór formy artystycznej.
Leonid Sokow. Hitlera i Stalina. 2006 Narodowe gotowe produkty Leningradu „Nowi artyści”
„Nowi Artyści” – plejada artystów samouków pod przewodnictwem Timur Nowikow i który celowo pracował brudno i wyraziście. Tymczasem twórczość Novikova dążyła do umiaru, lakonizmu i czystych kolorów. Artysta szczególnie intensywnie pracował z tkaniną, która w jego interpretacji stała się albo zasłoną, gobelinem, albo sztandarem. Jednocześnie wykorzystuje fabryczny wzór czy fakturę tkanin, zestawia obrazy z magazynów i albumów, stając się rosyjskim Duchampem i wymyślając narodowy Ready Made.
Timur Nowikow. Z cyklu „Zapomniane ideały” szczęśliwe dzieciństwo" 2000 Prace krajobrazowe z artystami lądowymi
Od lutego 1974 roku władze rozpoczęły akcję za akcją mającą na celu tłumienie ruchu artystów nonkonformistów, czyli tych malarzy, rzeźbiarzy i grafików, którzy nie akceptowali założeń martwej sztuki socrealizmu i bronili prawa do wolność kreatywności.
A wcześniej, przez prawie dwadzieścia lat, próby wystawiania tych artystów poszły na marne. Ich wystawy natychmiast zamknięto, a prasa nazwała nonkonformistów albo „dyrygentami burżuazyjnej ideologii”, albo „beztalentnymi partaczami”, albo wręcz zdrajcami Ojczyzny. Można więc tylko dziwić się odwadze i wytrwałości tych mistrzów, którzy mimo wszystko pozostali wierni sobie i swojej sztuce.
I tak w 1974 roku rzucono przeciwko nim siły KGB. Artystów przetrzymywano na ulicach, grożono i wywożono na Łubiankę w Moskwie oraz do Duży dom w Leningradzie, szantażowany, próbował przekupić.
Zdając sobie sprawę, że jeśli będą milczeć, zostaną uduszeni, grupa nieoficjalnych malarzy zorganizowała 15 września 1974 roku wystawę plenerową na pustej działce w rejonie Belyaevo-Bogorodskoye. Przeciwko tej wystawie wysłano buldożery, maszyny do podlewania wody i policję. Trzy obrazy zginęły pod gąsienicami, dwa spłonęły w płomieniach, które tam rozpalono, a wiele zostało okaleczonych. Inicjator tej wystawy, przywódca moskiewskich artystów nonkonformistów Oskar Rabin i czterech innych malarzy zostali aresztowani.
Ten pogrom buldożerowy, który przeszedł do historii sztuki rosyjskiej, wywołał eksplozję oburzenia na Zachodzie. Następnego dnia artyści ogłosili, że za dwa tygodnie ponownie wyjdą z obrazami w to samo miejsce. I w tej sytuacji rządzący się wycofali. 29 września w Parku Izmailowskim odbyła się pierwsza oficjalnie dozwolona wystawa nieoficjalnej sztuki rosyjskiej, w której wzięło udział nie dwunastu, ale ponad siedemdziesięciu malarzy.
Ale oczywiście ci, którzy postanowili rozprawić się z wolną sztuką rosyjską, nie złożyli broni. Zaraz po wystawie w Izmailowie w czasopismach i gazetach ponownie pojawiły się oszczercze artykuły na temat nieoficjalnych artystów, a karne władze zaatakowały szczególnie aktywnych artystów i kolekcjonerów, którzy brali udział w organizacji dwóch wrześniowych wystaw plenerowych. A tak na marginesie, to właśnie w latach 1974-1980 większość mistrzów mieszkających obecnie na Zachodzie opuściła kraj. Było ich ponad pięćdziesięciu, w tym Ernst Nieizwestny, Oleg Tselkow, Lidia Masterkowa, Michaił Roginski, Witalij Komar i Aleksander Melamid, Aleksander Leonow, Jurij Żarkich i wielu innych. Oscar Rabin został pozbawiony obywatelstwa sowieckiego w 1978 r. (W 1990 r. dekretem prezydenta przywrócono mu obywatelstwo radzieckie). Jeszcze wcześniej, na początku lat siedemdziesiątych, Michaił Szemyakin i Jurij Cooper osiedlili się w Europie.
Z pewnością, duża grupa nasi wspaniali nieoficjalni malarze pozostali w Rosji (Władimir Niemukhin, Ilja Kabakow, Dmitrij Krasnopewcew, Eduard Steinberg, Borys Swiesznikow, Władimir Jankilewski, Wiaczesław Kalinin, Dmitrij Pławinski, Aleksander Kharitonow i inni), ale praktycznie nie było już naprawdę bezpłatnych wystaw i uporczywie O tych, którzy wyjechali, krążyły pogłoski (nawet wysyłano listy z Zachodu), że nikt w Europie i USA ich nie potrzebuje, nikt nie jest zainteresowany ich pracą, prawie umierają z głodu. Przedstawiciele władz artystycznych ostrzegli tych, którzy pozostali: „Jeśli zaczniecie się buntować, wykopiemy was, będziecie tam biedni”.
Tymczasem na Zachodzie właśnie w tym czasie (druga połowa - koniec lat 70.) zainteresowanie nieoficjalną sztuką rosyjską było szczególnie duże. Jedna po drugiej ogromne wystawy rosyjskich artystów odbywały się w muzeach i salach wystawowych Paryża, Londynu, Berlina Zachodniego, Tokio, Waszyngtonu i Nowego Jorku. W 1978 r. z wielki sukces W Wenecji odbyło się Biennale Rosyjskiej Sztuki Nieoficjalnej. W ciągu miesiąca wystawę odwiedziło 160 000 osób. „Już dawno nie mieliśmy tylu widzów” – powiedział Prezydent Biennale Carlo Rippe di Meanno.
To prawda, sceptycy argumentowali, że to zainteresowanie ma charakter czysto polityczny: mówią, że musimy zobaczyć, jakie to obrazy są zakazane w ZSRR. Kiedy jednak przypomniano im o zachodnich kolekcjonerach, którzy coraz chętniej zaczęli nabywać obrazy i grafiki rosyjskich artystów, sceptycy ucichli. Rozumieli, że żaden kolekcjoner nie będzie wydawał pieniędzy na obrazy ze względów politycznych. Tym bardziej, że z takich powodów zachodnie galerie nie będą współpracować z artystami. I oczywiście, ze względów politycznych, poważni krytycy sztuki nie będą pisać monografii ani artykułów o żadnym artyście. Ale wiele takich artykułów zostało opublikowanych. Opublikowano w różne kraje monografie twórczości Ernsta Nieizwiestnego, Olega Tselkowa, Witalija Komara i Aleksandra Melamida, Michaiła Szemyakina. Wydano kilkadziesiąt cenionych katalogów wystaw indywidualnych i zbiorowych.
Gdzieś pod koniec lat 70. w jednym z francuskich magazynów artystycznych ukazał się artykuł „Front rosyjski w postępie”. Jej publikacja wynikała z faktu, że w tym czasie w Paryżu odbywały się jednocześnie trzy wystawy współczesnej sztuki rosyjskiej. Czy to wygląda na brak zainteresowania?
W Paryżu, jak mówią, mieszka i pracuje około stu tysięcy artystów. W Nowym Jorku jest ich jeszcze więcej. Każdy chce współpracować z galeriami. Konkurencja jest trudna. Jednocześnie wielu rosyjskich artystów-emigrantów albo ma stałe kontrakty z galeriami w Paryżu i Nowym Jorku, albo regularnie wystawia w niektórych galeriach w Europie i USA.
Przez wiele lat Yuri Cooper, Boris Zaborov, Yuri Zharkikh, Michaił Shemyakin (przed przeprowadzką do USA) pracowali i nadal współpracują ze słynnymi paryskimi galeriami. W Nowym Jorku kontrakty z galeriami związani są Witalij Komar i Aleksander Melamid, Ernst Neizvestny i Shemyakin. Paryżanin Oleg Tselkov od wielu lat współpracuje z nowojorską galerią Eduarda Nakhamkina. Kolejny rosyjski „Francuz” Oskar Rabin podpisał kontrakt z jedną z paryskich galerii.
Stale i często z sukcesem Władimir Titow, Michaił Roginski, Aleksander Rabin wystawiają w europejskich galeriach. W USA Lev Mezhberg, Leonid Sokov i inni malarze i graficy z powodzeniem współpracują z galeriami.
W wielu prywatnych kolekcjach francuskich i amerykańskich wielokrotnie spotykałem dzieła wszystkich powyższych mistrzów, a także Włodzimierza Grigorowicza, Walentyny Kropiwnickiej, Witalija Długiej, Walentyny Szapiro... Co więcej, ciekawe jest to, że na Zachodzie, zwłaszcza w Paryżu, już w połowie lat 70. zaczęli pojawiać się kolekcjonerzy wolnej sztuki rosyjskiej.
„Jak żyją ci artyści i gdzie pracują?” – może zapytać czytelnik.
Odpowiem, że jeśli chodzi o mieszkanie i przestrzeń do pracy, wszystko jest przyzwoicie zaaranżowane. W najgorszym przypadku jeden z pokoi w mieszkaniu służy artyście za pracownię. Wielu ma osobne studia - powiedzmy Komar, Melamid, Shemyakin, Zaborov, Sokov. A niektórzy wolą nawet mieć mieszkanie i warsztat w jednym miejscu, że tak powiem, bez marnowania czasu w drodze (Nieznany, Cooper, O. Rabin, Mezhberg).
„Czy to naprawdę możliwe” – zapyta z niedowierzaniem czytelnik – „czy wszystko jest tak dobre dla artystów-emigrantów, ciągłe sukcesy i osiągnięcia?”
Oczywiście, że nie. Niektórzy z naszych utalentowanych mistrzów nie mogli odnaleźć się na Zachodzie, nie wytrzymali konkurencji i załamali się. Nie chcę tu wymieniać nazwisk – to już jest dla ludzi trudne psychicznie.
Są oczywiście artyści, którzy nie są w stanie utrzymać się ze sprzedaży swoich dzieł. Są zmuszeni zarabiać na życie inną pracą. Ale wśród zachodnich malarzy i grafików jest ich bardzo wielu. Można się tylko dziwić, ilu rosyjskich mistrzów, w porównaniu z malarzami zachodnimi (w procentach), już od dawna żyje na Zachodzie wyłącznie dzięki swojej twórczości.
Ale ciekawe, że nawet ci z naszych artystów, którzy wylądowali na Zachodzie, nie są obecni lepsza sytuacja finansowo i zmuszeni są zarabiać na życie albo wzornictwem przemysłowym, albo projektowaniem gazet czy książek, albo w inny sposób, nadal nie żałują swojego losu. Dlaczego?
Kiedy pisałem książkę o naszych artystach żyjących na Zachodzie, wydaną za granicą w 1986 roku, miałem okazję przeprowadzić całkiem sporo wywiadów. Jeden z malarzy, którego losy w tamtym czasie (połowa lat 80.) nie były zbyt pomyślne, powiedział mi: „Nie, niczego nie żałuję. Czy to jest trudne? Oczywiście, że to trudne. Nieprzyjemne jest to, że muszę się oderwać od sztalugi, żeby zarobić na życie; czasem szkoda, że kolekcjonerzy jeszcze do mnie nie dotarli. Ale czy przyjechaliśmy tu dla pieniędzy? Wyszliśmy po to, abyśmy mogli swobodnie, bez strachu przed kimkolwiek i niczym, pisać co i jak chcemy i swobodnie wystawiać, gdzie chcemy. Pisałem jednak swobodnie także w Rosji. Ale można powiedzieć, że w wystawach nie można było brać udziału. A tu w ciągu czterech lat wystawiałem już jedenaście razy. I nawet sprzedałem trochę rzeczy na tych wystawach. Nie to jest najważniejsze, ale z punktu widzenia podtrzymania ducha jest nadal ważne.
Z różnymi odmianami słyszałem jednak mniej więcej to samo od innych artystów-emigrantów, którzy nie odnieśli na Zachodzie takiego sukcesu jak na przykład Komar i Melamid czy Yuri Cooper.
I nie sądzę, żeby którykolwiek z nich miał, jak to mówią, dobrą minę, kiedy zła gra. W końcu możliwość szerokiej wystawy jest koniecznością dla większości artystów. A dla rosyjskich malarzy, pozbawionych tego w swojej ojczyźnie, czynnik ten jest szczególnie istotny. W latach 1979-1986 prowadziłem statystyczną ewidencję wystaw rosyjskich na Zachodzie. Za każdym razem było ich ponad siedemdziesiąt rocznie. To dużo. A geografia tych wystaw była szeroka. Indywidualne wystawy Shemyakina odbywały się m.in. w Paryżu, Nowym Jorku, Tokio i Londynie; O. Rabin – w Nowym Jorku, Oslo i Paryżu; Cooper – we Francji, USA i Szwajcarii; Zaborov – w Niemczech Zachodnich, USA i Paryżu; Komara i Melamid - w Europie i USA...
I ile na przestrzeni lat odbyło się zbiorowych wystaw współczesnej sztuki rosyjskiej, w których brali udział ci i inni rosyjscy artyści-emigranci. Ich geografia jest również szeroka: Francja, Włochy, Anglia, Kolumbia, USA, Belgia, Japonia, Szwajcaria, Kanada…
I jak już mówiłem, o tych wystawach (zarówno osobistych, jak i zbiorowych) pisali dość dużo zachodni krytycy sztuki i dziennikarze. Niemal każdej większej wystawie towarzyszyło wydanie katalogów. Oto na mojej półce z książkami: Ernst Neizvestny, Yuri Cooper, Oscar Rabin, Michaił Shemyakin, Boris Zaborov, Leonid Sokov, Vladimir Grigorovich, Harry Fife, Vitaly Komar, Alexander Melamid, Valentina Kropivnitskaya... A oto katalogi wystaw zbiorowych ; "Nowoczesny Sztuka rosyjska„(Paryż), „Nowa sztuka rosyjska” (Waszyngton), „Nieoficjalna sztuka rosyjska” (Tokio), „Biennale sztuki rosyjskiej” (Turyn)… A oto książka „Nieoficjalna sztuka rosyjska z ZSRR”, opublikowana w 1977 w Londynie i dalej przyszły rok wznowione w Nowym Jorku.
Jak więc widać, dla rosyjskich artystów-emigrantów może nie dla wszystkich, ale dla większości życie na Zachodzie w ogóle ułożyło się dobrze. Nikt z nich nie głoduje. Mają gdzie mieszkać. Wiele z nich ma warsztaty. Każdy ma możliwość zakupu płócien i farb. Część z nich współpracuje z prestiżowymi galeriami. Wszystko jest odsłonięte.
I jak miło jest wiedzieć, że Twoje obrazy kupują kolekcjonerzy, zwłaszcza muzea lub Ministerstwo Kultury, powiedzmy, we Francji. Nie mniej przyjemnie jest patrzeć, jak miłośnicy sztuki zachodniej stoją bezczynnie przed Twoimi obrazami. Swoją drogą, w przeciwieństwie do krytyków sztuki, których znaczna część nie od razu zaakceptowała niespodziewanie narzuconych na nich rosyjskich artystów, zachodni widzowie bardzo szybko potrafili docenić wolną sztukę rosyjską. Nie raz słyszałem od nich w Paryżu, Brunszwiku i Nowym Jorku, że w tej sztuce rosyjskiej odnajdują coś, czego nie znajdują w sztuce współczesnej. Co dokładnie? Żywy ludzkie uczucia(ból, melancholia, miłość, cierpienie...), a nie zimna twórczość formacyjna, którą niestety tak często można spotkać na wielu wystawach w galeriach Europy i USA.
Innymi słowy, znajdują się w wolnej sztuce rosyjskiej duchowość, co zawsze było charakterystyczne dla prawdziwej sztuki rosyjskiej, nawet najbardziej awangardowej. Nie bez powodu książka wielkiego Wassily’ego Kandinsky’ego nosi tytuł „O duchowości w sztuce”.
W prezentowanych Państwu artykułach występuje 13 artystów. Eseje im poświęcone nie są ułożone alfabetycznie. Dzielą się na trzy grupy, odpowiadające trzem pokoleniom mistrzów nieoficjalnej (jak to nazywano w czasach przedpierestrojkowych) sztuki rosyjskiej.
Mam nadzieję, że dzięki inicjatywie wydawnictwa Znanie miłośnicy sztuki współczesnej poznają losy tych naszych malarzy, którzy w imię wolności twórczej zmuszeni byli kiedyś opuścić ojczyznę.
Stosunek rządu radzieckiego do sztuka współczesna nie zawsze był negatywny. Dość przypomnieć, że w pierwszych latach po rewolucji sztuka awangardowa była niemal państwową oficjalnością. Jej przedstawiciele, jak artysta Malewicz czy architekt Mielnikow, zasłynęli na całym świecie, a jednocześnie byli mile widziani w domu. Jednak wkrótce w kraju zwycięskiego socjalizmu zaawansowana sztuka przestała wpisywać się w ideologię partyjną. Symbolem konfrontacji władzy z artystami w ZSRR stała się słynna „wystawa buldożerów” z 1974 roku.
Nonkonformiści z podziemia
Nikita Siergiejewicz Chruszczow, odwiedzając w 1962 roku wystawę artystów awangardowych w Maneżu, nie tylko skrytykował ich twórczość, ale także zażądał „zaprzestania tej hańby”, nazywając obrazy „kilem” i innymi, jeszcze bardziej nieprzyzwoitymi słowami.
Po klęsce Chruszczowa sztuka nieoficjalna wyłoniła się ze sztuki oficjalnej, która także jest nonkonformistyczna, alternatywna, undergroundowa. Żelazna kurtyna nie przeszkodziło artystom w zaistnieniu za granicą, a ich obrazy kupowali zagraniczni kolekcjonerzy i właściciele galerii. Jednak w domu zorganizowanie nawet skromnej wystawy w jakimś ośrodku kultury czy instytucie nie było łatwe.
Kiedy moskiewski artysta Oscar Rabin i jego przyjaciel, poeta i kolekcjoner Aleksander Glezer otworzyli wystawę 12 artystów w klubie Drużba przy autostradzie Entuziastov w Moskwie, została ona zamknięta dwie godziny później przez funkcjonariuszy KGB i pracowników partii. Rabin i Glazer zostali zwolnieni z pracy. Kilka lat później Komitet Partii Miejskiej Moskwy wysłał do ośrodków kulturalnych stolicy instrukcje zakazujące niezależna organizacja wystawy sztuki.
W tych warunkach Rabin wpadł na pomysł wystawienia swoich obrazów na ulicy. Władze nie mogły wydać formalnego zakazu - wolna przestrzeń, a nawet gdzieś na pustej działce, nie należała do nikogo, a artyści nie mogli łamać prawa. Jednak oni też nie chcieli po cichu pokazywać sobie nawzajem swoich prac – potrzebowali uwagi publiczności i dziennikarzy. Dlatego oprócz pisanych na maszynie zaproszeń dla przyjaciół i znajomych organizatorzy „Pierwszego jesiennego pleneru malarskiego” uprzedzili Radę Miasta Moskwy o akcji.
Wystawa przeciwko subbotnikowi
15 września 1974 roku nie tylko 13 ogłoszonych artystów przybyło na pustą działkę w rejonie Bielajewa (w tamtych latach właściwie na przedmieściach Moskwy). Na wystawę czekali zwołani przez nich zagraniczni dziennikarze i dyplomaci, a także oczekiwani policjanci, buldożery, strażacy i wielka brygada pracownicy. Władze postanowiły zapobiec wystawie, organizując w tym dniu dzień sprzątania, aby uporządkować teren.
Oczywiście nie doszło do żadnego pokazu obrazów. Niektórzy, którzy przyszli, nie zdążyli nawet ich rozpakować. Ciężki sprzęt oraz ludzie z łopatami, widłami i grabiami zaczęli wypędzać artystów z pola. Niektórzy stawiali opór: gdy uczestnik zorganizowanych porządków przebił płótno Walentina Worobiowa łopatą, artysta uderzył go w nos, po czym doszło do bójki. Do korespondenta gazety „ Nowy York Times” w bójce wybił sobie ząb własnym aparatem.
Zła pogoda pogorszyła sytuację. Z powodu deszczu, który padał w nocy, pustkowia zasyciły się błotem, w którym deptano przyniesione obrazy. Rabin i dwóch innych artystów próbowało rzucić się na buldożer, ale nie udało im się go zatrzymać. Wkrótce większość uczestników wystawy została zabrana na komisariat, a Worobiow na przykład schronił się w samochodzie niemieckiego przyjaciela.
Już następnego dnia skandaliczna popularność zaczęła nabierać mitologii. Inne prace zaczęto nazywać „buldożerami”, jak zaczęto nazywać obrazy z „wystawy buldożerów”, za które obcokrajowcy byli skłonni zapłacić za nie znaczną sumę. Rozeszły się pogłoski, że w wystawie wzięło udział nie 13, a 24 osoby. Czasem liczba artystów biorących udział w takich rozmowach wzrosła do trzystu!
„Praska Wiosna” za sztukę
Wartość artystyczna Wystawę trudno ocenić – właściwie trwała nie dłużej niż minutę. Ale jest publiczny i znaczenie polityczne przekroczyła wartość zniszczonych obrazów. Relacje z wydarzenia w prasie zachodniej oraz wystawione listy zbiorowe artystów Władza radziecka przed faktem: sztuka będzie istnieć bez ich zgody.
Zaledwie dwa tygodnie później w parku Izmaiłowskim w Moskwie odbyło się oficjalnie autoryzowane wydarzenie. wystawa uliczna. W kolejnych latach sztuka nonkonformistyczna stopniowo przenikała do pawilonu „Pszczelarstwo” na WOGN, do „salonu” na Malajach Gruzińskich i innych miejsc. Odwrót władzy był wymuszony i niezwykle ograniczony. Buldożery stały się w Pradze podczas Praskiej Wiosny takim samym symbolem represji i represji, jak czołgi. Większość uczestników wystawy musiała w ciągu kilku lat wyemigrować.
W końcu zdobyli uznanie: np. obraz Jewgienija Rukhina „Passaty” został sprzedany na aukcji Sotheby’s, prace Władimira Niemukhina trafiły do Metropolitan Museum w Nowym Jorku, a Witalij Komar i Aleksander Melamid stali się najsłynniejszymi na świecie przedstawicielami sztuki społecznej - ruch parodiujący sowiecką oficjalność.
Poniżej prezentujemy reprodukcje niektórych dzieł artystów „buldożerów”. Być może część z nich mogła wylądować na pustkowiu Bielajewskim we wrześniowy poranek 1974 roku.
