Jest ich wiele fakty historyczne, związane z posągami greckimi (którymi nie będziemy się zagłębiać w tym zbiorze). Jednak nie trzeba mieć dyplomu z historii, aby podziwiać niesamowite kunszt tych wspaniałych rzeźb. Te 25 najbardziej legendarnych greckich posągów to prawdziwie ponadczasowe dzieła sztuki, arcydzieła o różnych proporcjach.

Sportowiec z Fano

Znana pod włoską nazwą Sportowiec z Fano, Zwycięska Młodzież to grecka rzeźba z brązu, która została znaleziona w Morzu Fano na wybrzeżu Adriatyku we Włoszech. Fano Athlete został zbudowany między 300 a 100 rokiem p.n.e. i obecnie znajduje się w zbiorach Muzeum J. Paula Getty'ego w Kalifornii. Historycy uważają, że posąg był kiedyś częścią grupy rzeźb przedstawiających zwycięskich sportowców w Olimpii i Delfach. Włochy nadal chcą zwrotu rzeźby i kwestionują jej usunięcie z Włoch.

Posejdon z Przylądka Artemizjon
Starożytna grecka rzeźba, która została znaleziona i odrestaurowana w pobliżu morza na Przylądku Artemision. Uważa się, że Artemizja z brązu przedstawia Zeusa lub Posejdona. Nadal toczy się debata na temat tej rzeźby, ponieważ brakujące uderzenia piorunów wykluczają możliwość, że jest to Zeus, a brakujący trójząb również wyklucza możliwość, że jest to Posejdon. Rzeźba zawsze była kojarzona ze starożytnymi rzeźbiarzami Myronem i Onatasem.

Posąg Zeusa w Olimpii
Posąg Zeusa w Olimpii to 13-metrowy posąg z gigantyczną postacią siedzącą na tronie. Rzeźba ta została wykonana przez greckiego rzeźbiarza Fidiasza i obecnie znajduje się w Świątyni Zeusa w Olimpii w Grecji. Posąg wykonany jest z kości słoniowej i drewna i przedstawia grecki bóg Zeus zasiadający na cedrowym tronie ozdobionym złotem, hebanem i innymi drogimi kamieniami.

Atena Partenon
Atena z Partenonu – gigantyczny posąg wykonany ze złota i kości słoniowej greckiej bogini Ateny, odkryty w Partenonie w Atenach. Wykonany ze srebra, kości słoniowej i złota, został stworzony przez słynnego starożytnego greckiego rzeźbiarza Fidiasza i jest dziś uważany za najsłynniejszy kultowy symbol Aten. Rzeźba została zniszczona przez pożar, który miał miejsce w 165 roku p.n.e., ale w V wieku została odrestaurowana i umieszczona w Partenonie.

Pani z Auxerre
75-centymetrowa Dama z Auxerre to kreteńska rzeźba znajdująca się obecnie w Luwrze w Paryżu. Przedstawia archaiczną grecką boginię z VI wieku, Persefonę. Kustosz Luwru Maxime Collignon znalazł minifigurkę w skarbcu Muzeum Auxerre w 1907 roku. Historycy uważają, że rzeźba powstała w VII wieku, podczas greckiego okresu przejściowego.

Antinousa Mondragona
Marmurowy posąg o wysokości 0,95 metra przedstawia boga Antinousa w ogromnej grupie kultowe posągi, zbudowany, aby czcić Antinousa jako greckiego boga. Kiedy rzeźbę odnaleziono we Frascati w XVII wieku, rozpoznano ją po prążkowanych brwiach, poważnym wyrazie twarzy i spojrzeniu w dół. Dzieło to zostało zakupione w 1807 roku dla Napoleona i obecnie jest wystawiane w Luwrze.

Apollo ze Strangfordu
Starożytna grecka rzeźba wykonana z marmuru, Strangford Apollo, została zbudowana w latach 500–490 p.n.e. i powstała na cześć greckiego boga Apolla. Został odkryty na wyspie Anafi i nazwany na cześć dyplomaty Percy'ego Smitha, 6. wicehrabiego Strangforda i prawdziwego właściciela posągu. Apollo mieści się obecnie w sali 15 Muzeum Brytyjskiego.

Kroisos z Anavysos
Odkryty w Attyce Kroisos z Anavysos to marmurowy kouros, który niegdyś służył jako posąg nagrobny Kroisosa, młodego i szlachetnego greckiego wojownika. Posąg słynie z archaicznego uśmiechu. Kroisos to wolnostojąca rzeźba o wysokości 1,95 metra, która została zbudowana w latach 540–515 p.n.e. i jest obecnie wystawiana w Narodowym Muzeum Archeologicznym w Atenach. Napis pod pomnikiem brzmi: „Zatrzymajcie się i opłakujcie grobowiec Kroisosa, który został zabity przez wściekłego Aresa, gdy był w pierwszych szeregach”.

Biton i Kleobis
Stworzone przez greckiego rzeźbiarza Polymidisa, Bitona i Kleobisa, to para archaicznych greckich posągów stworzonych przez Argiwów w 580 rpne, aby oddać cześć dwóm braciom spokrewnionym przez Solona w legendzie zwanej Historiami. Posąg znajduje się obecnie w Muzeum Archeologicznym w Delfach w Grecji. Pierwotnie zbudowane w Argos na Peloponezie, w Delfach znaleziono parę posągów z napisami na podstawie identyfikującymi je jako Kleobis i Biton.

Hermes z małym Dionizosem
Stworzony na cześć greckiego boga Hermesa, Hermes Praksytelesa przedstawia Hermesa niosącego inną popularną postać z mitologii greckiej, małego Dionizosa. Posąg został wykonany z marmuru paryskiego. Według historyków został zbudowany przez starożytnych Greków w roku 330 p.n.e. Jest dziś znany jako jedno z najbardziej oryginalnych arcydzieł wielkiego greckiego rzeźbiarza Praksytelesa i obecnie mieści się w Muzeum Archeologicznym w Olimpii w Grecji.

Aleksander Wielki
W pałacu w Pelli w Grecji odkryto posąg Aleksandra Wielkiego. Pokryty i wykonany z marmuru posąg został zbudowany w 280 rpne na cześć Aleksandra Wielkiego, popularnego greckiego bohatera, który zyskał sławę w kilku częściach świata i brał udział w bitwach przeciwko armiom perskim, szczególnie pod Granisus, Issuai i Gagamela. Posąg Aleksandra Wielkiego znajduje się obecnie w zbiorach sztuki greckiej Muzeum Archeologicznego w Pelli w Grecji.

Kora w Peplosie
Odrestaurowany z Akropolu w Atenach, Kore w Peplos jest stylizowanym wizerunkiem greckiej bogini Ateny. Historycy uważają, że posąg został stworzony, aby służyć jako wotum w czasach starożytnych. Wykonane podczas Okres archaiczny W historii sztuki greckiej Kora charakteryzuje się sztywną i formalną pozą Ateny, jej majestatycznymi lokami i archaicznym uśmiechem. Pierwotnie posąg występował w różnych kolorach, ale dziś można zaobserwować jedynie ślady jego oryginalnych kolorów.

Efebe z Antykithiry
Wykonany ze szlachetnego brązu Efeb z Antykithiry jest posągiem młodego mężczyzny, boga lub bohatera, trzymającego w prawej ręce kulisty przedmiot. Posąg ten, będący dziełem rzeźby z brązu z Peloponezu, został wydobyty z wraku statku w pobliżu wyspy Antikythera. Uważa się, że jest to jedno z dzieł znany rzeźbiarz Efranora. Efeb jest obecnie wystawiany w Narodowym Muzeum Archeologicznym w Atenach.

Delficki woźnica
Lepiej znany jako Heniokos, woźnica Delf jest jednym z najpopularniejszych posągów, które przetrwały starożytną Grecję. Ten naturalnej wielkości posąg z brązu przedstawia woźnicę rydwanu, który został odrestaurowany w 1896 roku w Sanktuarium Apolla w Delfach. Tutaj został wzniesiony w IV wieku dla upamiętnienia zwycięstwa drużyny rydwanów w starożytnych sportach. Pierwotnie część ogromnej grupy rzeźb, Delficki Woźnica jest obecnie wystawiany w Muzeum Archeologicznym w Delfach.

Harmodius i Arystogeiton
Harmodiusz i Arystogeiton powstały po ustanowieniu demokracji w Grecji. Stworzone przez greckiego rzeźbiarza Antenora posągi zostały wykonane z brązu. Były to pierwsze posągi w Grecji, które opłacono ze środków publicznych. Celem kreacji było uhonorowanie obu mężczyzn, których starożytni Ateńczycy uznawali za wybitne symbole demokracji. Pierwotnym miejscem instalacji było Kerameikos w 509 r. wraz z innymi bohaterami Grecji.

Afrodyta z Knidos
Znana jako jedna z najpopularniejszych rzeźb stworzonych przez starożytnego greckiego rzeźbiarza Praksytelesa, Afrodyta z Knidos była pierwszym przedstawieniem nagiej Afrodyty naturalnej wielkości. Praksyteles zbudował posąg na zlecenie Kosa, aby stworzył posąg przedstawiający piękną boginię Afrodytę. Oprócz statusu obrazu kultowego, arcydzieło stało się punktem orientacyjnym w Grecji. Jego oryginalna kopia nie przetrwała potężnego pożaru, który miał kiedyś miejsce w starożytnej Grecji, ale jej replika znajduje się obecnie w British Museum.

Skrzydlate zwycięstwo Samotraki
Stworzony w 200 roku p.n.e. Skrzydlate Zwycięstwo Samotraki, przedstawiające grecką boginię Nike, uważane jest dziś za największe arcydzieło rzeźby hellenistycznej. Obecnie jest wystawiany w Luwrze wśród najsłynniejszych oryginalnych posągów na świecie. Powstał pomiędzy 200 a 190 rokiem p.n.e. nie na cześć greckiej bogini Nike, ale na cześć bitwy morskiej. Winged Victory zostało założone przez macedońskiego generała Demetriusa po jego zwycięstwie morskim na Cyprze.

Pomnik Leonidasa I w Termopilach
Pomnik spartańskiego króla Leonidasa I w Termopilach wzniesiono w 1955 roku ku pamięci bohaterskiego króla Leonidasa, który wyróżnił się podczas bitwy z Persami w 480 roku p.n.e. Pod posągiem umieszczono tablicę z napisem: „Przyjdź i weź to”. To właśnie powiedział Leonidas, gdy król Kserkses i jego armia poprosili ich o złożenie broni.

Ranny Achilles
Ranny Achilles to przedstawienie bohatera Iliady o imieniu Achilles. Ten starożytny greckie arcydzieło przekazuje swoją agonię przed śmiercią, zraniony śmiertelną strzałą. Wykonany z alabastrowego kamienia oryginalny posąg znajduje się obecnie w rezydencji Achilleion królowej Elżbiety Austrii w Kofu w Grecji.

Umierający Gal
Znany również jako Śmierć Galacjana lub Umierający Gladiator, Umierający Gal to starożytna hellenistyczna rzeźba, która powstała między 230 rokiem p.n.e. i 220 p.n.e dla Attalusa I z Pergamonu, aby uczcić zwycięstwo swojej grupy nad Galami w Anatolii. Uważa się, że posąg wykonał Epigonus, rzeźbiarz z dynastii Attalidów. Posąg przedstawia umierającego celtyckiego wojownika leżącego na upadłej tarczy obok miecza.

Laokoona i jego synów
Posąg znajdujący się obecnie w Muzeum Watykańskim w Rzymie, Laokoon i jego Synowie, znany jest również jako Grupa Laokoona i został pierwotnie stworzony przez trzech wielkich greckich rzeźbiarzy z wyspy Rodos, Agesendera, Polydorusa i Atenodorosa. Ta naturalnej wielkości statua wykonana jest z marmuru i przedstawia trojańskiego kapłana imieniem Laokoon wraz z jego synami Timbraeusem i Antyfantesem, uduszonych przez węże morskie.

Kolos z Rodos
Posąg przedstawiający greckiego Tytana o imieniu Helios, Kolos Rodyjski, został po raz pierwszy wzniesiony w mieście Rodos między 292 a 280 rokiem p.n.e. Uznawany dziś za jeden z Siedmiu Cudów Starożytny Świat, pomnik wzniesiono dla uczczenia zwycięstwa Rodos nad władcą Cypru w II wieku. Znany jako jeden z najwyższych posągów starożytnej Grecji, oryginalny posąg został zniszczony przez trzęsienie ziemi, które nawiedziło Rodos w 226 rpne.

Dyskobolista
Zbudowany przez jednego z najlepsi rzeźbiarze Starożytna Grecja w V wieku - Myron, Dyskobol był posągiem pierwotnie umieszczonym przy wejściu na stadion Panathinaikon w Atenach w Grecji, gdzie odbyły się pierwsze igrzyska olimpijskie. Oryginalna statua, wykonana z kamienia alabastrowego, nie przetrwała zniszczeń Grecji i nigdy nie została odrestaurowana.

Diadumen
Znaleziony na wyspie Tilos Diadumen to starożytna grecka rzeźba, która powstała w V wieku. Oryginalny posąg, który został odrestaurowany w Tilos, znajduje się obecnie w zbiorach Narodowego Muzeum Archeologicznego w Atenach.

Koń trojański
Wykonany z marmuru i pokryty specjalną powłoką z brązu, Koń Trojański to starożytna grecka rzeźba, która została zbudowana w latach 470-460 p.n.e. i przedstawiała Konia Trojańskiego z Iliady Homera. Oryginalne arcydzieło przetrwało zniszczenia starożytnej Grecji i obecnie znajduje się w Muzeum Archeologicznym w Olimpii w Grecji.

W konfrontacji ze sztuką grecką wiele wybitnych umysłów wyrażało autentyczny podziw. Jeden z najsłynniejszych badaczy sztuki, Johann Winckelmann (1717-1768) tak mówi o rzeźbie greckiej: „Koneserzy i naśladowcy dzieł greckich odnajdują w swoich mistrzowskich dziełach nie tylko najpiękniejszą naturę, ale także coś więcej niż naturę, mianowicie pewne idealne piękno który powstaje z obrazów naszkicowanych przez umysł.”

Notują w nim wszyscy, którzy piszą o sztuce greckiej niesamowita kombinacja naiwna spontaniczność i głębia, rzeczywistość i fikcja. Szczególnie w rzeźbie uosabia ideał człowieka. Jaka jest cecha ideału? Dlaczego tak oczarował ludzi, że sędziwy Goethe płakał w Luwrze przed rzeźbą Afrodyty?

Grecy zawsze wierzyli, że tylko w pięknym ciele może żyć piękna dusza. Dlatego harmonia ciała, doskonałość zewnętrzna jest nieodzownym warunkiem i podstawą idealna osoba. Grecki ideał definiuje się terminem kalokagathia (gr. kalos – piękny + agathos dobry). Ponieważ kalokagathia obejmuje doskonałość zarówno konstytucji fizycznej, jak i charakteru duchowego i moralnego, to jednocześnie wraz z pięknem i siłą ideał niesie ze sobą sprawiedliwość, czystość, odwagę i racjonalność. To właśnie sprawia, że ​​rzeźby wykonane przez starożytnych rzeźbiarzy są wyjątkowo piękne.

Najlepsze zabytki starożytnej rzeźby greckiej powstały w V wieku. PRZED CHRYSTUSEM Ale wcześniejsze prace dotarły także do nas. Posągi z VII - VI wieku. PRZED CHRYSTUSEM symetryczny: jedna połowa ciała jest lustrzanym odbiciem drugiej. Spętana postawa, wyciągnięte ramiona dociśnięte do muskularnego ciała. Nie najmniejsze przechylenie czy obrót głowy, ale usta otwarte w uśmiechu. Uśmiech zdaje się rozświetlać rzeźbę od wewnątrz wyrazem radości życia.

Później, w okresie klasycyzmu, posągi nabrały większej różnorodności form. Podejmowano próby algebraicznego konceptualizacji harmonii. Pierwszy badania Pitagoras podjął się tego, czym jest harmonia. Założona przez niego szkoła zajmowała się zagadnieniami natury filozoficznej i matematycznej, stosując obliczenia matematyczne do wszystkich aspektów rzeczywistości. Ani harmonia muzyczna, ani harmonia ludzkie ciało lub konstrukcję architektoniczną.

Szkoła pitagorejska uważała liczbę za podstawę i początek świata. Co teoria liczb ma wspólnego ze sztuką grecką? Okazuje się, że jest to najbardziej bezpośrednie, ponieważ harmonia sfer Wszechświata i harmonia całego świata wyrażają się tymi samymi stosunkami liczb, z których głównymi są stosunki 2/1, 3/2 i 4/3 (w muzyce są to odpowiednio oktawa, piąta i czwarta). Ponadto harmonia zakłada możliwość obliczenia dowolnej korelacji części każdego przedmiotu, w tym rzeźby, według następującej proporcji: a / b = b / c, gdzie a to dowolna mniejsza część przedmiotu, b to dowolna część większa, c to całość.

Na tej podstawie wielki grecki rzeźbiarz Poliklet (V w. p.n.e.) stworzył rzeźbę młodego dzierżącego włócznię (V w. p.n.e.), zwaną od tytułu „Doriphoros” („Włóczniarz”) lub „Kanon”. dzieła rzeźbiarza, w którym omawiając teorię sztuki, zastanawia się nad prawami przedstawiania osoby doskonałej. Uważa się, że rozumowanie artysty można zastosować w jego rzeźbie. Posągi Polikleita tętnią intensywnym życiem. Polikleit uwielbiał przedstawiać sportowców w stanie spoczynku. Weź tego samego „Włócznika”. Ten potężnie zbudowany mężczyzna jest pełen poczucia własnej wartości. Stoi nieruchomo przed widzem. Ale to nie jest statyczny spokój starożytne posągi egipskie. Jak człowiek umiejętnie i łatwo kontrolujący swoje ciało, włócznik lekko ugiął jedną nogę i przeniósł ciężar ciała na drugą. Wydaje się, że minie chwila, a on zrobi krok do przodu, odwróci głowę, dumny ze swojej urody i siły. Przed nami mężczyzna silny, przystojny, wolny od strachu, dumny, powściągliwy - ucieleśnienie greckich ideałów.

W przeciwieństwie do współczesnego mu Polikleita Myron uwielbiał przedstawiać swoje posągi w ruchu. Oto na przykład posąg „Dyskobola” (V w. p.n.e.; Muzeum Termalne, Rzym). Jego autor, wielki rzeźbiarz Myron przedstawił pięknego młodzieńca w chwili machania ciężkim dyskiem. Jego ciało, złapane w ruch, jest wygięte i napięte, jak sprężyna gotowa się rozwinąć. Pod elastyczną skórą naciągniętego ramienia nabrzmiewały wytrenowane mięśnie. Palce, tworząc niezawodne podparcie, wcisnęły się głęboko w piasek. Posągi Myrona i Polikleita odlano z brązu, ale do nas dotarły jedynie marmurowe kopie starożytnych greckich oryginałów wykonane przez Rzymian.

Grecy uważali Fidiasza za największego rzeźbiarza swoich czasów, który ozdobił Partenon rzeźbami z marmuru. Jego rzeźby odzwierciedlały postrzeganie bogów przez starożytnych Greków jako obrazu idealnej osoby. Najlepiej zachowaną marmurową wstęgą płaskorzeźby jest fryz o długości 160 m. Przedstawia on procesję zmierzającą do świątyni bogini Ateny – Partenonu. Rzeźba Partenonu została poważnie zniszczona. A posąg „Ateny Partenos” zginął w starożytności. Stała wewnątrz świątyni i była niesamowicie piękna. Głowę bogini z niskim, gładkim czołem i zaokrąglonym podbródkiem, szyją i ramionami wykonano z kości słoniowej, a jej włosy, ubranie, tarczę i hełm wybito z arkuszy złota.

Na zdjęciu: Atena Partenos, rzeźbiarz Fidiasz. Kopia. Odrestaurowany zgodnie z opisami. Narodowe Muzeum Archeologiczne w Atenach.

Bogini w formie piękna kobieta- personifikacja Aten. Z tą rzeźbą wiąże się wiele historii. Powstałe arcydzieło było tak wielkie i sławne, że jego autorowi od razu zazdrościło wielu ludzi. Próbowano na wszelkie możliwe sposoby zirytować rzeźbiarza i szukano różnych powodów, dla których można by go o coś oskarżyć. Mówią, że Fidiasza oskarżano o rzekome ukrywanie części złota przekazanego jako materiał do dekoracji bogini. Aby udowodnić swoją niewinność, Fidiasz wyjął z rzeźby wszystkie złote przedmioty i zważył je. Waga dokładnie pokrywała się z wagą złota podaną do rzeźby.

Następnie Fidiasz został oskarżony o ateizm. Powodem tego była tarcza Ateny. Przedstawiała fabułę bitwy pomiędzy Grekami a Amazonkami. Wśród Greków Fidiasz przedstawiał siebie i swojego ukochanego Peryklesa. Przyczyną konfliktu stał się wizerunek Fidiasza na tarczy. Pomimo wszystkich osiągnięć Fidiasza, greckie społeczeństwo było w stanie zwrócić się przeciwko niemu. Życie wielkiego rzeźbiarza zakończyło się brutalną egzekucją.

Osiągnięcia Fidiasza w Partenonie nie były jedynymi w jego twórczości. Rzeźbiarz stworzył wiele innych dzieł, z których najlepszym była kolosalna figura Ateny Promachos z brązu, wzniesiona na Akropolu około 460 roku p.n.e. oraz równie ogromną figurę Zeusa z kości słoniowej i złota dla świątyni w Olimpii.

Tak można opisać posąg Zeusa dla świątyni w Olimpii: Ogromny 14-metrowy bóg siedział na złotym tronie i wydawało się, że gdyby wstał, wyprostował szerokie ramiona, poczułby się ciasno w ogromnej sali a sufit byłby niski. Głowę Zeusa ozdobiono wieńcem z gałązek oliwnych - znak spokoju potężnego boga. Twarz, ramiona, ramiona i klatka piersiowa były wykonane z kości słoniowej, a płaszcz był narzucony lewe ramię. Koronę i brodę Zeusa wykonano z błyszczącego złota. Fidiasz obdarzył Zeusa ludzką szlachetnością. Jego przystojna twarz, otoczona kędzierzawą brodą i kręconymi włosami, była nie tylko surowa, ale i życzliwa, jego postawa była uroczysta, dostojna i spokojna. Połączenie piękna fizycznego i dobroci duszy podkreślało jego boską idealność. Posąg zrobił takie wrażenie, że według starożytnego autora ludzie przygnębieni żalem szukali pocieszenia w kontemplacji stworzenia Fidiasza. Plotka głosiła, że ​​posąg Zeusa jest jednym z „siedmiu cudów świata”.

Niestety oryginalne dzieła już nie istnieją i nie możemy na własne oczy zobaczyć wspaniałych dzieł sztuki starożytnej Grecji. Pozostały jedynie ich opisy i kopie. Było to w dużej mierze spowodowane fanatycznym niszczeniem posągów przez wierzących chrześcijan.

Prace wszystkich trzech rzeźbiarzy były podobne w tym sensie, że wszyscy przedstawiali harmonię piękne ciało i życzliwa dusza w nim zawarta. To był wówczas główny trend. Oczywiście normy i wytyczne w sztuce greckiej zmieniały się na przestrzeni dziejów. Sztuka archaiczna była prostsza, brakowało jej głębokiego znaczenia niedopowiedzenia, które zachwycało ludzkość w okresie klasyki greckiej.

W epoce hellenistycznej, kiedy człowiek utracił poczucie stabilności świata, sztuka utraciła swoje dawne ideały. Zaczęło odzwierciedlać poczucie niepewności co do przyszłości, które panowało w ówczesnych trendach społecznych. Jedno łączyło wszystkie okresy rozwoju greckiego społeczeństwa i sztuki: była to szczególna pasja do sztuk plastycznych, do sztuk przestrzennych.

Takie upodobanie jest zrozumiałe: ogromne rezerwy różnokolorowego, szlachetnego i idealnego materiału - marmuru - zapewniły szerokie możliwości jego realizacji. Choć większość rzeźb greckich wykonano z brązu, gdyż marmur był kruchy, to właśnie faktura marmuru wraz ze swoją barwą i dekoracyjnością pozwoliła z największą wyrazistością odtworzyć piękno ludzkiego ciała.

Starożytna Grecja była jednym z największych państw na świecie. W czasie jego istnienia i na jego terenie położono podwaliny Sztuka europejska. Zachowane zabytki kultury tego okresu świadczą o najwyższych osiągnięciach Greków w dziedzinie architektury, myśli filozoficznej, poezji i oczywiście rzeźby. Zachowało się niewiele oryginałów: czas nie oszczędza nawet najbardziej unikalnych dzieł. O kunszcie, z jakiego słynęli starożytni rzeźbiarze, wiemy w dużej mierze dzięki źródłom pisanym i późniejszym kopiom rzymskim. Jednak ta informacja wystarczy, aby zrozumieć znaczenie wkładu mieszkańców Peloponezu w kulturę światową.

Okresy

Rzeźbiarze starożytnej Grecji nie zawsze byli wielkimi twórcami. Epokę rozkwitu ich umiejętności poprzedził okres archaiczny (VII-VI wiek p.n.e.). Rzeźby, które do nas dotarły z tego czasu, wyróżniają się symetrią i statycznością. Nie mają tej witalności i ukrytego ruchu wewnętrznego, który sprawia, że ​​posągi wyglądają jak zamarznięci ludzie. Całe piękno tych wczesnych dzieł wyraża się poprzez twarz. Nie jest już tak statyczny jak ciało: uśmiech emanuje poczuciem radości i spokoju, nadając całej rzeźbie szczególny wydźwięk.

Po zakończeniu okresu archaicznego następuje najbardziej owocny czas, w którym starożytni rzeźbiarze starożytnej Grecji stworzyli swoje najwspanialsze dzieła. słynne dzieła. Dzieli się na kilka okresów:

• wczesny klasyk - początek V wieku. PRZED CHRYSTUSEM mi.;
• wysoki klasyk - V wiek PRZED CHRYSTUSEM mi.;
• późnoklasyczny - IV wiek. PRZED CHRYSTUSEM mi.;
• Hellenizm - koniec IV wieku. PRZED CHRYSTUSEM mi. - I wiek N. mi.

Czas przejścia

Wczesna klasyka to okres, w którym rzeźbiarze starożytnej Grecji zaczęli odchodzić od statycznej pozycji ciała i szukać nowych sposobów wyrażania swoich pomysłów. Proporcje są wypełnione naturalnym pięknem, pozy stają się bardziej dynamiczne, a twarze wyraziste.

Rzeźbiarz starożytnej Grecji Myron tworzył właśnie w tym okresie. W źródłach pisanych określany jest jako mistrz oddania anatomicznie prawidłowej budowy ciała, potrafiący z dużą dokładnością uchwycić rzeczywistość. Współcześni Myronowi zwracali także uwagę na jego wady: ich zdaniem rzeźbiarz nie wiedział, jak nadać twarzom swoich dzieł piękno i żywotność.

Posągi mistrza uosabiają bohaterów, bogów i zwierzęta. Jednak rzeźbiarz starożytnej Grecji Myron najbardziej preferował przedstawianie sportowców podczas ich osiągnięć na zawodach. Słynny „Dyskobol” jest jego dziełem. Rzeźba w oryginale nie zachowała się do dziś, istnieje jednak kilka jej kopii. „Miotacz dyskotekowy” przedstawia sportowca przygotowującego się do wystrzelenia pocisku. Ciało sportowca jest znakomicie wykonane: napięte mięśnie świadczą o ciężkości dysku, skręcone ciało przypomina gotową do rozłożenia sprężynę. Wydaje się, że wystarczy sekunda, a zawodnik rzuci pocisk.

Za znakomicie wykonane przez Myrona uważa się także posągi „Atena” i „Marsjasz”, które również dotarły do ​​nas dopiero w postaci późniejszych kopii.

Szczyt

Przez cały okres wysokiej klasyki pracowali wybitni rzeźbiarze starożytnej Grecji. W tej chwili mistrzowie tworzenia płaskorzeźb i posągów rozumieją zarówno metody przekazywania ruchu, jak i podstawy harmonii i proporcji. Wysoka klasyka to okres kształtowania się tych podstaw rzeźby greckiej, która później stała się standardem dla wielu pokoleń mistrzów, w tym twórców renesansu.

W tym czasie pracowali rzeźbiarz starożytnej Grecji Polykleitos i genialny Fidiasz. Obaj zachwycali się ludźmi przez całe życie i nie zostali zapomniani przez wieki.

Pokój i Harmonia

Poliklet działał w drugiej połowie V wieku. PRZED CHRYSTUSEM mi. Zasłynął jako mistrz tworzenia rzeźb przedstawiających sportowców w spoczynku. W przeciwieństwie do „Disco Throwera” Mirona, jego sportowcy nie są spięci, ale zrelaksowani, ale jednocześnie widz nie ma wątpliwości co do ich siły i możliwości.

Polikleitos jako pierwszy zastosował specjalną pozycję ciała: jego bohaterowie często spoczywali na cokole, mając tylko jedną nogę. Ta poza stwarzała poczucie naturalnego relaksu, charakterystyczne dla odpoczywającej osoby.

Kanon

Za najsłynniejszą rzeźbę Polikletosa uważa się „Doriphoros”, czyli „Włócznik”. Utwór nazywany jest także kanonem mistrzowskim, gdyż ucieleśnia niektóre zasady pitagoreizmu i jest przykładem szczególnego sposobu stawiania figury, kontrapostu. Kompozycja opiera się na zasadzie krzyżowo-nierównego ruchu ciała: lewa strona(ręka trzymająca włócznię i noga cofnięta) jest rozluźniona, ale jednocześnie w ruchu, w przeciwieństwie do napiętej i statycznej prawej strony (noga podpierająca i ramię wyprostowane wzdłuż ciała).

Polikleitos później zastosował podobną technikę w wielu swoich dziełach. Jej podstawowe założenia zostały określone w traktacie o estetyce, który do nas nie dotarł, napisanym przez rzeźbiarza i zatytułowanym „Kanon”. Polikleitos poświęcił w nim dość duże miejsce zasadzie, którą z powodzeniem stosował także w swoich dziełach, gdy zasada ta nie była sprzeczna z naturalnymi parametrami ciała.

Uznany geniusz

Wszyscy starożytni rzeźbiarze starożytnej Grecji w okresie wysokiego klasycyzmu pozostawili po sobie godne podziwu dzieła. Jednak najwybitniejszym z nich był Fidiasz, słusznie uważany za twórcę sztuki europejskiej. Niestety większość dzieł mistrza przetrwała do dziś jedynie w postaci kopii lub opisów na kartach traktatów autorów starożytnych.

Fidiasz pracował przy dekorowaniu ateńskiego Partenonu. Dziś wyobrażenie o kunszcie rzeźbiarza daje zachowany marmurowy płaskorzeźba o długości 1,6 m, przedstawiająca licznych pielgrzymów udających się do reszty dekoracji Partenonu. Ten sam los spotkał ustawiony tu posąg Ateny, stworzony przez Fidiasza. Bogini wykonana z kości słoniowej i złota symbolizowała samo miasto, jego potęgę i wielkość.

Cud świata

Inni wybitni rzeźbiarze starożytnej Grecji mogli być niewiele gorsi od Fidiasza, ale żaden z nich nie mógł poszczycić się stworzeniem cudu świata. Olympic został wykonany przez mistrza dla miasta, w którym powstał słynne igrzyska. Wysokość Gromowładnego zasiadającego na złotym tronie była niesamowita (14 metrów). Pomimo takiej mocy bóg nie wyglądał groźnie: Fidiasz stworzył spokojnego, majestatycznego i uroczystego Zeusa, nieco surowego, ale jednocześnie życzliwego. Przed śmiercią posąg przez dziewięć stuleci przyciągał wielu pielgrzymów szukających pocieszenia.

Późny klasyk

Z końcem V wieku. PRZED CHRYSTUSEM mi. Rzeźbiarze starożytnej Grecji nie wyschli. Imiona Scopas, Praxiteles i Lysippos są znane każdemu zainteresowanemu sztuką starożytną. Powstały one w kolejnym okresie, zwanym późną klasyką. Dzieła tych mistrzów rozwijają i uzupełniają dorobek poprzedniej epoki. Każdy na swój sposób przekształca rzeźbę, wzbogacając ją o nowe tematy, sposoby pracy z materiałem i możliwości przekazywania emocji.

Wrzące namiętności

Skopas można nazwać innowatorem z kilku powodów. Wielcy rzeźbiarze starożytnej Grecji, którzy go poprzedzili, woleli używać brązu jako materiału. Skopas swoje dzieła tworzył głównie z marmuru. Zamiast tradycyjnego spokoju i harmonii, jakie wypełniały jego prace w starożytnej Grecji, mistrz wybrał ekspresję. Jego dzieła są pełne pasji i emocji, są bardziej podobne prawdziwi ludzie, a nie na niewzruszonych bogach.

Fryz mauzoleum w Halikarnasie uważany jest za najsłynniejsze dzieło Skopasa. Przedstawia Amazonomachię – walkę bohaterów mitów greckich z wojowniczymi Amazonkami. Główne cechy stylu mistrza są wyraźnie widoczne w zachowanych fragmentach tej twórczości.

Gładkość

Za najlepszego greckiego mistrza w przekazywaniu wdzięku ciała i wewnętrznej duchowości uważany jest inny rzeźbiarz tego okresu, Praksyteles. Jedno z jego wybitnych dzieł – Afrodyta z Knidos – zostało uznane przez współczesnych mistrzowi za najlepsze dzieło, jakie kiedykolwiek powstało. bogini stała się pierwszym monumentalnym przedstawieniem nagiego kobiecego ciała. Oryginał do nas nie dotarł.

Cechy stylu charakterystycznego dla Praksytelesa są w pełni widoczne w posągu Hermesa. Dzięki specjalnemu ułożeniu nagiego ciała, gładkości linii i miękkości półtonów marmuru mistrzowi udało się stworzyć nieco senny nastrój, który dosłownie otacza rzeźbę.

Dbałość o szczegóły

Na koniec pewnej ery późny klasyk Pracował inny znany grecki rzeźbiarz, Lysippos. Jego twórczość wyróżniała się szczególnym naturalizmem, starannym opracowaniem szczegółów i pewnym wydłużeniem proporcji. Lysippos starał się tworzyć posągi pełne wdzięku i elegancji. Swoje umiejętności doskonalił studiując kanon Polikleta. Współcześni zauważali, że dzieła Lysipposa, w przeciwieństwie do Doryphorosa, sprawiały wrażenie bardziej zwartych i zrównoważonych. Według legendy mistrz był ulubionym twórcą Aleksandra Wielkiego.

Wpływy Wschodu

Nowy etap w rozwoju rzeźby rozpoczyna się pod koniec IV wieku. PRZED CHRYSTUSEM mi. Za granicę obu okresów uważa się czas podbojów Aleksandra Wielkiego. Wraz z nimi właściwie zaczyna się era hellenizmu, która była połączeniem sztuki starożytnej Grecji i krajów wschodnich.

Rzeźby z tego okresu wzorują się na dorobku mistrzów poprzednich stuleci. Sztuka hellenistyczna dała światu takie dzieła jak Wenus z Milo. W tym samym czasie pojawiły się słynne płaskorzeźby Ołtarza Pergamońskiego. W niektórych dziełach późnego hellenizmu zauważalne jest odwoływanie się do codziennych tematów i szczegółów. Kultura starożytnej Grecji w tym czasie wywarła silny wpływ na rozwój sztuki Cesarstwa Rzymskiego.

Podsumowując

Nie do przecenienia jest znaczenie starożytności jako źródła ideałów duchowych i estetycznych. Starożytni rzeźbiarze w starożytnej Grecji położyli nie tylko podwaliny własnego rzemiosła, ale także standardy zrozumienia piękna ludzkiego ciała. Udało im się rozwiązać problem przedstawienia ruchu, zmieniając pozę i przesuwając środek ciężkości. Starożytni rzeźbiarze starożytnej Grecji nauczyli się przekazywać emocje i doświadczenia za pomocą przetworzonego kamienia, tworzyć nie tylko posągi, ale praktycznie żywe postacie, gotowe w każdej chwili się ruszyć, westchnąć, uśmiechnąć się. Wszystkie te osiągnięcia będą stanowić podstawę rozkwitu kultury w okresie renesansu.

Prawie żadne z dzieł greckich rzeźbiarzy nie dotarło do nas. Znamy jedynie ich opisy i ich rzymskie kopie. Jednak kopia, nawet umiejętnie wykonana, zniekształca oryginał. Najczęściej dostępnych jest kilka kopii zaginionego oryginału. Następnie trzeba starannie złożyć rzeźbę w części, które lepiej zachowają się w tym czy innym egzemplarzu. W rezultacie dziś podziwiamy pewien uogólniony obraz starożytnej rzeźby greckiej.

Periodyzacja sztuka starożytnej Grecji dzieli się na okres archaiczny (VIII - VI wiek p.n.e.), klasyczny (V - IV wiek p.n.e.) i hellenistyczny (IV - II wiek p.n.e.).

Naród grecki jest synem krainy niemal całkowicie skalistej. I z tej ziemi greccy artyści wydobyli najpiękniejszy materiał do rzeźby - marmur. Rzeźba rozwinęła się na wyspach Morza Egejskiego – odkryto tu bogate złoża marmuru, zwłaszcza na wyspie Paros. Ponadto greccy rzemieślnicy tworzyli rzeźby z wapienia, drewna, kości słoniowej i wypalanej gliny.

Zarówno w architekturze, jak i rzeźbie wyłoniły się dwa kierunki twórczości: dorycki i joński. Na terenach doryckich słynęły szkoły rzeźbiarskie w Argos i Koryncie, na ziemiach jońskich – szkoły wyspiarskie w Naxos i Paros autorstwa Kazimierza Kumaneckiego. Historia kultury starożytnej Grecji i Rzymu. Z. 83.

Jak już wspomniano, rzeźba grecka odzwierciedla dwa światy: mitologiczny i rzeczywisty.

Okres archaiczny to okres powstawania sztuki, w szczególności rzeźby. Był to czas ucieleśnienia idei mitologicznych istniejących wśród mas. W tym czasie po raz pierwszy powstały wizerunki bogów, bohaterów i wydarzeń mitologicznych, co jest jedną z cech sztuki tego okresu. Rzeźba świątynna charakteryzuje się motywami mitologicznymi. Istotą kompozycji był pokaz boskiej mocy; dynamiczne sceny odzwierciedlały mitologiczne opowieści o zwycięstwie nad siłami zła. Posągi zostały wyrzeźbione odważną, ale wciąż niedoświadczoną ręką. W monumentalnych rzeźbach z marmuru uderzają cechy konwencji obrazu, przywołujące na myśl sztukę starożytny Egipt. Były to kompozycje planarne; liniowy wygląd konturów postaci, ruch fałd odzieży i inne detale stworzyły szczególny urok archaicznej sztuki M. M. Kobylina. Rola tradycji w sztuce greckiej. Z. 23. Kształty pismo przysadzisty, solidny i wykonany w nieco naiwny sposób.

Sztuka archaiczna szczególnie preferowała dwa typy: kouros – nagą młodzież i kore – ubrana dziewczyna Andre Bonnarda. Cywilizacja grecka. 1992. s. 46, 55..

Tworząc kouros, rzeźbiarze ucieleśniali pewne doskonały obraz, nie obciążony wątpliwościami lub indywidualne cechy osobnik. Czasami w literaturze można znaleźć inną nazwę kouros - Apollo. W ten sposób Grecy starali się nadać wyidealizowanemu obrazowi pewne boskie cechy. Posągi młodych sportowców bez brody powstały pod wrażeniem wyglądu żywych ludzi; w takim czy innym przypadku kilku różnych młodych mężczyzn mogłoby służyć jako modele.

Statystyki postawy kouros miały wskazywać siłę chodu i hart ducha. Lewa noga została przedstawiona koniecznie wysunięta do przodu, twarz rozświetliła odległy, tajemniczy uśmiech (tzw. „Uśmiech archaiczny”). Cała uwaga autorów prac skupiona była na starannym wyrzeźbieniu głowy, mięśni brzucha, rzepek kolanowych oraz na głównych liniach reliefowych.

Korsy pochodziły z rejonów Jońskich i wyróżniały się podkreśloną surowością i elegancją linii. Wykonane są z marmuru paryskiego, którego faktura jest w stanie oddać pewną przezroczystość kobiecej skóry, a także najdrobniejsze odcienie i zmiany kolorów, i która nadaje się do najlepszej obróbki, co umożliwiło oddanie wszystkich krzywizn sylwetki , loki włosów, fałdy odzieży. Ionianie nie przywiązywali dużej wagi do proporcji ludzkiego ciała, ale dbali o gładkość konturów i łagodną interpretację draperii. Kory służyły do ​​podtrzymywania dachu świątyni, ale czasami były montowane osobno i przedstawiane jako trzymające jabłko lub granat jako prezent dla bóstwa.

Za panowania Pizystratydów rzeźbiarze jońscy rozszerzyli swoją działalność na Ateny. Jednak rzeźbę na poddaszu wyróżnia pewna surowość: loki umiejętnie „zwinięte” dłutem znikają, w postawie postaci pojawia się niezwykła powaga, kapryśne draperie zastępują proste linie powiewnych szat. Kora ateńska jest pełna wdzięku i wdzięku, głowy ozdobione są lokami, same posągi są bogato ubarwione wieloma kolorami; jednocześnie w ich postaciach widać powagę i dostojeństwo Kazimierza Kumaneckiego. Historia kultury starożytnej Grecji i Rzymu. Z. 84.

W epoce archaicznej rzeźbiarz nie wyobrażał sobie ciała w ruchu. W VI wieku. PRZED CHRYSTUSEM mi. wciąż był daleki od dokładnego uchwycenia gry mięśni ludzkiego ciała. Ani jednego obrotu w prawo ani w lewo, ani najmniejszego pochylenia głowy, anatomia jest najbardziej elementarna. Artysta nie dążył do tego, aby posąg przypominał żywą osobę, Andre Bonnarda. Cywilizacja grecka. 1992. s. 55, 58..

Pod koniec ery archaicznej mistrzowie osiągnęli niesamowitą umiejętność tworzenia detali, bardzo wyrazistych fragmentów posągów, zwłaszcza dłoni i głów. Dokładność i wyrafinowanie w przedstawieniu części postaci u rzeźbiarzy archaicznych jest znacznie wyższa niż u mistrzów epoki klasycznej, jednak posągi są postrzegane jako rozczłonkowane, pozbawione harmonii i integralności.

Okres klasyczny to czas dobrobytu. A. Bonnard zdefiniował klasycyzm jako połączenie wybranych przez artystę cech, form i póz, oparte na prawdziwym realizmie. Ta era jest bardziej humanitarna; nie jest już całkowicie przepojona boskością; reprezentuje człowieka wyniesionego do poziomu boga. W tej epoce następuje zerwanie z archaiczną symetrią: linie przestają być poziome, nie są względem siebie symetryczne.

W V wieku PRZED CHRYSTUSEM mi. rzeźba przeszła istotne zmiany. Jej główne tematy pozostały niezmienione: wizerunek bóstw i bohaterów – patronów polis, „pięknych i walecznych” obywateli oraz zwycięskich sportowców, a także nagrobki zmarłych. Ale teraz bóg jest prostym, nagim młodzieńcem, boginią jest dziewczyna, pięknie ubrana i o przyjemnej twarzy.

Na tych obrazach nie było już zamrożonego odrętwienia; przełamany zostaje schematyzm archaicznych rzeźb. W rzeźbach okresu klasycyzmu podjęto próbę przełamania bezruchu i oddania żywego ruchu. Nowa harmonia okresu klasycznego zbudowana jest na kontraście: dzięki napięciu prawej nogi i lewego ramienia oraz świadomemu odciążeniu lewej nogi i prawego ramienia sylwetka jest harmonijna, przepełniona spokojem, wielkością, swobodą Kumanetsky K. Historia kultury starożytnej Grecji i Rzymu: Tłum. z podłogi - M.: Szkoła wyższa, 1990. s. 119. Realizm opiera się na dokładnej znajomości budowy szkieletu i pracy mięśni. Następuje humanizacja obrazu bóstwa, złagodzenie idealnych cech i podkreślenie w nich cech czysto ludzkich. Odwaga objawia się teraz spokojną twarzą. Ten spokój jest oznaką osiągniętego panowania nad osobistymi namiętnościami, oznaką siły duchowej, doskonałości ducha, którą niegdyś posiadali bogowie.

Z powodzeniem przekazał to rzeźbiarz Myron z Eleuthera (Grecja Środkowa) w swoim „Dyskobolu” (połowa V wieku p.n.e., nieco wcześniej niż 450). Warto zaznaczyć, że jest to posąg człowieka, a nie boga. Postać sportowca ukazana jest w trudnej pozycji w momencie rzucenia dyskiem. Ciało ugina się w wyniku ruchu, który je chwycił, palce lewej stopy opierają się na podłożu, aby zapewnić bardzo napiętej osobie w niestabilnej pozycji mocny punkt podparcia, prawa ręka - trzymająca dysk - zostaje odrzucona do tyłu, ale w następnej chwili zostanie rzucony do przodu, aby rzucić swój ładunek, lewa ręka i prawa noga wydają się nieaktywne, ale w rzeczywistości są zaangażowane w działanie. Tym samym „Disco Thrower” jest ucieleśnieniem ruchu Andre Bonnarda. Cywilizacja grecka. 1992. s. 63.

Największą rolę w powstaniu rzeźby klasycznej przypadł los Polikleita, mistrza peloponeskiego połowy i drugiej połowy V wieku. PRZED CHRYSTUSEM mi. Dążył do stworzenia typowego wizerunku sportowca obywatelskiego. Poliklet wiedział o znaczeniu liczb w strukturze istot żywych i powiedział: „Sukces dzieła sztuki zależy od wielu relacji liczbowych, a liczy się każdy szczegół” Andre Bonnard. Cywilizacja grecka. 1992. s. 68. Rozumiał zatem swoje zadanie jako stworzenie kanonu – pewnych zależności matematycznych, na podstawie których powinno być budowane ciało ludzkie. Według tego kanonu długość stopy powinna wynosić 1/6 długości tułowia, wysokość głowy - 1/8 Kumanetsky K. Historia kultury starożytnej Grecji i Rzymu: Tłum. z podłogi - M.: Szkoła wyższa, 1990. s. 119. Starał się stworzyć iluzję ciągłości ruchu. Jego posąg „Doriphoros” (Nosiciel włóczni) zdaje się chodzić, przenosząc cały ciężar swego ciała na prawa noga, wysunięty do przodu, natomiast lewy jest lekko przesunięty do tyłu i jednym palcem dotyka ziemi. Bardziej zgięte kolano, bardziej przykurczone biodro po lewej stronie odpowiada bardziej uniesionemu ramieniu i odwrotnie.

Inny rzeźbiarz Fidiasz, według A. Bonnarda, pozwolił ludzkości rozkwitnąć w boskich formach. Bogowie Fidiasza są obecni w naturze, są naturalni. Dobrym przykładem jest fryz w świątyni przedstawiający zastępy bogów. Ale Hefajstos, bóg ognia i rzemiosła, oraz Atena, bogini rzemiosła, są przedstawieni jako stojący obok siebie. Tutaj rozmawiają ze sobą prosto i przyjaźnie, jak robotnicy pod koniec dnia pracy. W tych bogach nie ma nic nadprzyrodzonego, ale jest ludzkość wyniesiona do najwyższego poziomu doskonałości. Jest to cecha charakteryzująca epokę wczesnego klasycyzmu.

Nie mogła królować sztywna orientacja na ideał, harmonię i równowagę. W IV wieku. PRZED CHRYSTUSEM mi. majestat, dostojeństwo i powaga szły w parze z potrzebami czysto estetycznymi, które stały się decydujące w twórczości rzeźbiarza.

Widzimy to w rzeźbach Praksytelesa. Spod jego siekacza wyłaniały się nowe, smukłe i pełne wdzięku, miękkie i łagodne twarze oraz postacie bogów i bogiń. Gładkie i elastyczne linie jego posągów wyznaczają nadejście nowej ery. Pełen wdzięku i szczerości styl Paraksytelesa jest intymny: po raz pierwszy w historii rzeźby greckiej przedstawia Afrodytę w jej pięknej i wysublimowanej nagości.

Wielki rzeźbiarz Lizyp (IV wp.n.e.) pozostawił swoim potomkom nie tylko piękne popiersie Aleksandra Wielkiego (zachowane jedynie w rzymskiej kopii), ale także opracował nowy kanon plastikowy, który zastąpił kanon Polikleitosa. Charakteryzując swoją działalność, Lysippos powiedział: „Polikleitos przedstawiał ludzi takimi, jakimi są w rzeczywistości, a ja przedstawiałem ludzi takimi, jakimi się wydają”. Jego posągi różnią się proporcjami: mają bardzo długie, smukłe nogi, szczupłą, pełną wdzięku sylwetkę i bardzo małą głowę. To nowy plastikowy ideał piękna Kumanetsky K. Historia kultury starożytnej Grecji i Rzymu: Trans. z podłogi - M.: Szkoła wyższa, 1990. s. 141.

W tym okresie nowe stały się nie tylko proporcje postaci, ale przede wszystkim niespotykana dotąd swoboda w przedstawianiu objętości ludzkiego ciała. Dopiero teraz dzieła rzeźby stały się trójwymiarowe, doskonałe plastycznie.

Greccy mistrzowie czasów klasycznych nauczyli się przekazywać w solidnym materiale wiele odcieni ludzkich warunków, ich posągi są pełne życia i ruchu.

Hellenizm uznawany jest za czas kryzysu rzeźby. Cechą charakterystyczną tego okresu było przemieszanie się tradycji archaicznych z osiągnięciami sztuki helleńskiej. Powodem tego jest poznawanie obcych kultur poprzez ekspansję szlaków handlowych i więzi kulturowych. Prace tego okresu miały charakter półrękodzielniczy. Jest w nich zapomnienie o oryginale typ tradycyjny obrazów widać wypaczenia szkoły archaicznej. Jednocześnie pojawia się wiele replik tej samej działki o różnej jakości wykonania.

Doprowadzono do hellenizmu pierwszoplanowy nowe ośrodki twórczości rzeźbiarskiej, takie jak Pergamon, Rodos i Antiochia.

Szczególnie znaczący rozkwit przeżywała w tym okresie sztuka rzeźbiarska. Teraz posągi wykonano w sposób naturalistyczny, podkreślając indywidualność przedstawianej osoby. Rzeźbiarze tworzyli posągi i płaskorzeźby przedstawiające ludzi w różnym wieku – od niemowląt po zgrzybiałe staruszki i kobiety, starannie podkreślając cechy etniczne i etnograficzne.

Greccy rzeźbiarze stworzyli i wychwalali ideał obywatela, który realistycznie odzwierciedlał polityczną i społeczną dominację obywatelskiej klasy średniej. Rzeźbiarze hellenistyczni stworzyli posągi i grupy rzeźb przedstawiające fizyczne i psychiczne cierpienie, walkę, zwycięstwo i śmierć. Obraz pejzażu i szczegółów życia codziennego pojawił się także jako tło, na którym rozgrywał się główny wątek dzieła.

W rzeźbie z tego okresu można prześledzić kilka szkół.

W Atenach i Aleksandrii opracowano fabuły i techniki, których początki sięgają Praksytelesa, zaprojektowane z myślą o gustach zamożnych ludzi, którzy chcieli cieszyć się życiem i postrzegali dzieła sztuki jako przedmiot podziwu.

Szkoła rodezyjska sięga czasów Lysipposa. Rzeźbiarze przedstawiali potężnych sportowców, wojowników i sceny walki. Ale teraz to nie jest spokojny i waleczny sportowiec - obywatel czasów klasycznych, ale władca o władczym, aroganckim spojrzeniu, zdradzający ogromną siłę woli. Do tej szkoły należy słynny 31-metrowy Colos z Rodos i posąg dobrotliwie siedzącej bogini Tyche.

Szkoła pergamońska, której początki sięgają Skopasa, jest pełna dramatyzmu. Szkołę tę cechuje duża intensywność uczuć. Widać to w rzeźbach umierającego Gala, Gala, który zabił swoją żonę i dźgnął się nożem, aby uniknąć schwytania itp., w których widzimy patos: mękę umierających wojowników, cierpienie pokonanych barbarzyńców.

Pod koniec okresu hellenistycznego patos rzeźby hellenistycznej zaczął przeradzać się w nadmierną pasję do okropnych tematów i manier.

W drugiej połowie okresu hellenistycznego w rzeźbie nasiliła się chęć powrotu do wyidealizowanych form klasyki. Pomnikiem tej szkoły jest posąg Afrodyty z Milo, który łączy w sobie idealność klasycznych form i nowe osiągnięcia w pozowaniu postaci.

W okresie hellenistycznym rzeźby zdobiły domy prywatne, budynki użyteczności publicznej, place, akropole, skrzyżowania i tereny parkowe. Obfitość posągów była typowa nawet dla tak małych miasteczek jak Terme. Ale ta obfitość doprowadziła do masowej produkcji artystycznej. Przedmiotem takiej produkcji były figurki z terakoty – drobne dzieła sztuki rzeźbiarskiej, które odlano w specjalnie przygotowanych formach. Są to z reguły eleganckie figurki o charakterze codziennym, posiadające niezależną wartość artystyczną Bławatska V.D., Pikus N.N. Historia starożytnej Grecji. wyd. V. I. Avdiev i N. N. Pikus. Moskwa - 1962 s. 485. Przedstawiały zwykłych obywateli i sceny z życia codziennego, były tanie i dostępne i bardzo podobały się zwykłym mieszkańcom greckich miast. Jednym z takich miast było miasto Tanagra. Dlatego też figurki te często nazywane są terakotami Tanagra. Ale produkcja masowa z kolei doprowadziło do wymarcia kreatywności.

Mistrzowie hellenistyczni nie chcieli stworzyć obrazów pięknego i walecznego, nieco wyidealizowanego obywatela. Zmienił się także stosunek do bogów. Teraz bóstwo nie jest spokojną, piękną, potężną i życzliwą istotą, ale kapryśną i potężną siłą.

Rzeźba starożytnej Grecji jest doskonałym wytworem kultury starożytnej, obok eposu, teatru i architektury, i pod wieloma względami nadal zachowuje wartość normy i wzoru.

Marmurowe i brązowe posągi mistrzów starożytnej Hellady, płaskorzeźby i płaskorzeźby, wielofigurowe kompozycje zdobiące frontony greckich świątyń pozwalają wyobrazić sobie początek cywilizacji europejskiej.

Mapa starożytnej Grecji Jesteśmy przyzwyczajeni do oglądania starożytnych obrazów, szlachetnie spokojnych w swojej marmurowej bieli. Dla rosyjskiego widza dużą rolę odgrywają w tym słynne odlewy gipsowe, wykonane według starożytnych wzorów dla celów edukacyjnych z inicjatywy I.V. Cwietajewa i położył podwaliny pod spotkanie Muzeum Państwowe sztuki piękne (1).

ich. JAK. Puszkin. W rzeczywistości większość starożytnych greckich rzeźb była pomalowana na jaskrawe kolory, a ich części (lejce, wodze koni, drobne ozdoby na ubraniach) wykonano z pozłacanego brązu. Dlatego procesja obywateli Aten w dzień święta wielkiej Panathenaia na płaskorzeźbionym fryzie Partenonu powinna raczej przypominać współczesnemu widzowi wielobarwny obóz cygański, w którym mieszały się rydwany, jeźdźcy, bogowie - proste i dostępne, jak ludzie, a Hellenowie - piękni jak bogowie(1) Fidiasz. Nośniki wody.

V wiek PRZED CHRYSTUSEM Muzeum Akropolu w Atenach Ale nawet bez farby te marmurowe płaskorzeźby (wysokie na jeden metr) były transportowane muzea na całym świecie

, budzą podziw. Nic dziwnego, że profesor B. Farmakovsky porównał je do muzyki. Na wykładzie na Uniwersytecie w Petersburgu w 1909 roku powiedział: „Piękno fryzu Partenonu zadziwi wszystkie stulecia i narody; wykracza poza miejsce i czas, jak piękno IX Symfonii Beethovena czy Requiem Mozarta”. Nowoczesne reprezentacje informacje o rzeźbie greckiej są niekompletne; wiele zabytków uległo zniszczeniu podczas śródziemnomorskiej redystrybucji świata, dlatego możemy je oceniać jedynie na podstawie kopii rzymskich mistrzów z okresu świetności imperium (I–II w. n.e.), którymi dekorowali Rzymianie ich domy i świątynie. I chociaż często umieszczano w nich posągi muskularnych olimpijczyków autorstwa Myrona i Praxitelesa miejsca publiczne (2) , ma charakter bardziej rzymski i imperialny niż demokratyczna greka.

(2) Praksyteles. Odpoczywający Satyr.
IV wiek PRZED CHRYSTUSEM Państwowe Muzeum Ermitażu w Petersburgu

Sztafeta na rzecz zachowania sztuki starożytnej Grecji Starożytny Rzym Włochy przyjęły renesans. W tym momencie zaczyna się zbieranie. starożytne zabytki. A w połowie XVIII w. Niemiecki pedagog J. Winckelmann opublikował pracę „Historia sztuki starożytnej” - pierwsze naukowe opracowanie pomników rzeźby starożytnej.

W początek XIX XX wieku, zwłaszcza w okresie kampanii napoleońskich we Włoszech i Afryce, ponownie wzrosło zainteresowanie sztuką starożytną. W Europie powstają główne muzea antyków. Liczne wykopaliska prowadzone są nie tylko w warstwach pokrywających starożytne miasta, ale także w morzu. Posągi z brązu – greckie oryginały – wciąż są wydobywane z dna Morza Śródziemnego.

Informacje o starożytnych rzeźbach greckich można uzyskać także za pomocą numizmatyki. Grupa Rzeźba„Atena i Marsjasz” Myrona dla ateńskiego akropolu można zrekonstruować na podstawie płaskorzeźby na starożytnej monecie ateńskiej.

Główny temat

W historii rzeźby starożytnej Grecji można wyróżnić cztery okresy: archaiczny (VII–VI wiek p.n.e.); styl wczesnoklasyczny, czyli ścisły (pierwsza połowa V w. p.n.e.); klasyczny (druga połowa V – początek IV w. p.n.e.);

Późnoklasyczny (IV wiek p.n.e.). Granice okresów są niejasne, gdyż twórczość rzeźbiarzy mogła zarówno „wyprzedzić” swój czas, jak i „pozostać” w tyle. Najważniejsze jest to, że rzeźba grecka rozwinęła się w jednym kierunku - realistycznym. Starożytny mistrz w swojej twórczości myślał konkretnymi obrazami na zasadzie naśladowania natury (według Arystotelesa). Ze względu na ciągłość okresów rzeźba zmieniała się, zachowując jednak specyficzne cechy stylistyczne.

Główny temat Uważny widz zawsze dostrzeże kamienie milowe w historii rzeźby greckiej i nie pomyli dekoracyjności archaicznej kory i kouros ze ścisłymi analitycznymi posągami Polikleitosa, ani harmonii wysokiej klasyki Fidiasza z późnoklasycznymi, namiętnymi dziełami Skopasa.

Sztuka plastyczna starożytnej Grecji – człowiek – została opracowana i udoskonalona przez greckich rzeźbiarzy. Rzeźba z reguły miała charakter publiczny. Otrzymując zamówienie na posąg, mistrz starał się ucieleśnić w nim ideał estetyczny zrozumiały dla wszystkich jego współczesnych. Konstrukcja logiczna przyczyniły się do łatwości jego zrozumienia, co z kolei narzuciło ścisły rytm i klarowność kompozycji. Tak powstała sztuka, zasadniczo bardziej racjonalistyczna niż emocjonalna, chociaż z każdym nowym okresem dodawały się uczucia.

Łącząc w swoich dziełach idealność formy i wzniosłość treści, greccy mistrzowie preferowali tematy legendarne, rzadziej przedstawiano sceny z życia codziennego i procesów pracy.

Źródłem rzeźby greckiej, z pewnymi zastrzeżeniami (pozostaje zbyt mało dowodów materialnych), można nazwać kulturę kreteńsko-mykeńską. Według legendy pierwszymi rzeźbiarzami Grecji byli Daedalidzi, uczniowie Dedala, utalentowanego architekta i rzeźbiarza króla Minosa. Płyta z płaskorzeźbą Lwiej Bramy akropolu mykeńskiego jest jedynym przykładem monumentalnej rzeźby kamiennej w sztuce świata egejskiego (3) .

(3) Brama Lwa w Mykenach. XIV wiek PRZED CHRYSTUSEM

(4) Zeus w postaci hoplity. VII wiek PRZED CHRYSTUSEM

Od czasu pojawienia się rzeźby (około 670 rpne) udoskonalono obróbkę materiał artystyczny. Posągi odlano z brązu (4) , rzeźbione z piaskowca, wapienia, marmuru, rzeźbione z drewna, rzeźbione z gliny, a następnie wypalane (tzw. terakota). Posągi były wygrawerowane, a oczy, usta i paznokcie były fałszywe. (5) .

Wykorzystano technikę chryzoelefantyny
(5) Głowa dziewczynki (bóstwa?) w technice chryzoelefantyny.

550–530 PRZED CHRYSTUSEM Muzeum Archeologiczne w Delfach

Najpopularniejszym typem archaicznego posągu są stojące postacie męskie i żeńskie ubrane w długie szaty. Reprezentowały bogów, boginie lub ofiary, których imiona wyryto na podstawach lub samych rzeźbach. W VI wieku. Takie rzeźby zdobiły świątynie, place i nekropolie w dużych ilościach. Ich autorami byli mistrzowie jońscy z miast Azji Mniejszej lub z wysp archipelagu jońskiego.(6) Bogini z zającem. Pierwsza połowa VI wieku. Muzeum Pergamońskie

Na przykładzie posągów kobiet znalezionych na wyspie Samos – „Hery z Samos” i „Bogini z zającem” (obie rzeźby zachowały się bez głów) można prześledzić charakterystyczne cechy rzeźby archaicznej. Postać „Bogini z zającem” jest frontalna i nieruchoma; drobne fałdy chitonu, niczym flety kolumny, podkreślają ten bezruch. Ale figurka zająca została stworzona swobodnie i żywo przez greckiego mistrza. To połączenie konwencjonalnych form z żywymi detalami jest charakterystyczne dla archaizmu. Posąg nie był przedstawieniem bogini, przedstawiał kapłankę lub prostą kobietę udającą się z prezentami do bogini Hery od bogatego mężczyzny noszącego azjatyckie imię Kheramius, wyryte na fałdach chitonu (6) .

Kouros, kors, kariatydy

Posągi Kouros ( grecki. - młody mężczyzna) powstały we wszystkich ośrodkach greckiego świata.

Znaczenie tych rzeźb, zwanych także archaicznymi Apollosami, wciąż pozostaje tajemnicą. Niektóre z kouros miały w rękach atrybuty boga Apolla – łuk i strzały, inne przedstawiały zwykłych śmiertelników, a jeszcze inne umieszczano nad pochówkami. Wysokość figurek kouros sięgała trzech metrów. Typ nagiej młodzieży był również powszechny w małych rzeźbach z brązu.

Kourosy były pozbawione brody i długowłose (masa włosów opadających na plecy modelowana była w geometryczny wzór), z mocno podkreślonymi mięśniami. Kuro stali w tych samych statycznych pozach, z jedną nogą wyciągniętą do przodu, ramionami rozciągniętymi wzdłuż ciała, z dłońmi zaciśniętymi w pięści. Rysy twarzy są stylizowane i pozbawione indywidualności. Posągi zostały obrobione ze wszystkich stron.

Rodzaj archaicznych kouros nawiązuje do tradycyjnego wzoru egipskich stojących postaci. Ale grecki artysta zwraca większą uwagę na budowę ciała niż Egipcjanin; starannie przedstawia stopy i palce, co wydaje się nieoczekiwane w ogólnym konwencjonalnym schemacie archaicznej sztuki plastycznej.
(7) Pogrzebowe kouros Anavissii. OK. 530 p.n.e Muzeum Narodowe

, Ateny Przedstawianie kouros jako równie młodzieńczego, smukłego i silnego to początek greckiego programu rządowego związanego z gloryfikacją zdrowia, siły fizycznej i rozwoju (7) gry sportowe grecki. Stylistyczną analogią kurosu jest kora ( (8, 9) .

(8) Antenor. Kora nr 680. Około 530 p.n.e

Muzeum Akropolu w Atenach

Do końca VI wieku. PRZED CHRYSTUSEM Greccy rzeźbiarze stopniowo nauczyli się przezwyciężać statyczność, charakterystyczną początkowo dla ich dzieł.(9) Kora.

478–474 PRZED CHRYSTUSEM Muzeum Akropolu w Atenach

Kariatydy kontynuowały główny temat rzeźby. Sześć kariatyd niesie na głowach architraw południowego portyku świątyni Erechtejon na Akropolu. Wszystkie dziewczyny stoją frontalnie, ale w porównaniu do archaicznej kory ich pozy, dzięki lekko ugiętym kolanom, są bardziej swobodne i realistyczne. Stopniowo greccy rzeźbiarze przełamywali konwencję nieruchomej postaci i ożywili modelowanie ciała. Dążenie do prawdziwy portret

żywa, poruszająca się postać rozwija się w zmaganiach z konwencjonalnym schematem zapożyczonym ze sztuki dworskiej Starożytnego Wschodu.

Formuła piękna

Było to w pierwszej połowie V wieku. PRZED CHRYSTUSEM Greccy filozofowie i artyści, każdy w swojej dziedzinie, opracowali formę wyrażania wieloaspektowego, dynamicznego, nieograniczonego i wiecznego życia. Wychodząc z założenia, że ​​ogólna koncepcja dzieła musi urzeczywistniać się jako harmonijna i racjonalna całość, wyprowadzili formułę na piękno jako równowagę pomiędzy formą i treścią. W rozwiązaniu plastycznym piękno estetyczne stało się wyrazem piękna moralnego, jak w dziełach ateńskich rzeźbiarzy Critiasa „Młody człowiek” i Nesiota „Grupa bojowników tyranów”. (10) Rzadkim przykładem rzeźby z brązu (a nie kamienia) z wczesnych klasyków był „Woźnica”

. Stał na rydwanie, trzymając lejce w dłoniach. Rydwan i konie (prawdopodobnie było ich cztery) zaginęły. Najprawdopodobniej grupę zorganizował Sycylijczyk z miasta Gela na cześć zwycięstwa na igrzyskach pytyjskich podczas wyścigu rydwanów w 476 rpne. Autorowi rzeźby udało się oddać powagę chwili bez patosu, posługując się technikami artystycznymi, wykorzystując harmonię sylwetki i wewnętrzną równowagę wszystkich linii rzeźbiarskich. Sylwetka jest frontalna, ale lekki obrót ramion uwalnia ją od sztywności i nadaje pozie naturalny wygląd. Rysy twarzy kierowcy są harmonijne, spokojne i beznamiętne. Rzeźbiarz stworzył ideał osoby walecznej i pięknej. Loki włosów przenoszone przez gonienie są przechwytywane przez warkocz opaski. Oczy są inkrustowane kolorowym kamieniem; zachowały się najcieńsze brązowe płytki rzęs otaczających powieki.

(10) Woźnica.
478–474 PRZED CHRYSTUSEM Muzeum Archeologiczne w Delfach

Kolejnym krokiem na drodze do plastycznej doskonałości rzeźby greckiej jest posąg Zeusa (lub Posejdona) z brązu z Przylądka Artemizjon na wyspie Eubea (11) . Postać Boga oddaje moment ruchu, który nastąpi osobliwość posągi sportowców Myrona z Elefther, innowatora w rozwiązywaniu problemów ruchu w rzeźbie, mistrza skomplikowanych odlewów z brązu.

Do dziś w oryginalnej formie nie zachowała się ani jedna rzeźba Myrona, jednak jego twórczość cieszyła się w Rzymie tak dużym zainteresowaniem, że zachowało się wiele kopii jego dzieł i recenzji jego dzieł, w tym także krytycznych. Na przykład Pliniusz Starszy (I w. n.e.) powiedział: „Chociaż Myron interesował się ruchem ciała, nie wyrażał uczuć duszy”.

Rzeźba świątyni Zeusa w Olimpii

Dekoracja rzeźbiarska Świątyni Zeusa w Olimpii autorstwa nieznanych mistrzów (być może jednym z nich był Ageladus z Argos) uważana jest za wielkie osiągnięcie okresu wczesnoklasycznego i kamień milowy w rozwoju starożytnej rzeźby greckiej. (12) Płaskorzeźbione metopy wschodniego i zachodniego fryzu świątyni przedstawiały sceny dwunastu prac Herkulesa. Najlepiej zachowaną metopą jest wizerunek Atlasa przynoszącego jabłka Heraklesa z ogrodu Hesperyd.

.
Cechy charakterystyczne dla wczesnego okresu klasycyzmu (pełna, przejrzysta kompozycja, prostota odsłonięcia fabuły, archaiczne przedstawienie szczegółów) w tej i innych metopach łączą się ze znakami sztuki klasycznej - wszystkie trzy postacie ukazane są na różnych planach: z przodu Atena, Herkules z profilu, Atlas w trzech czwartych.

(12) Metopa świątyni Zeusa w Olimpii.

Pierwsza połowa V wieku PRZED CHRYSTUSEM Muzeum w Olimpii Główną wartością artystyczną rzeźb Świątyni Olimpijskiej są monumentalne grupy frontonów o tematyce mitologicznej. Na fasadzie wschodniej scena z mitu o wyścigu rydwanów pomiędzy bohaterami Pelopsem i Ojnomausem; na zachodzie - „centauromachia”: bitwa centaurów z lapitami. Fabuła frontonów nawiązuje do tematyki jeździeckiej (centaury to pół ludzie, pół konie), która wśród starożytnych Greków symbolizowała los i nieuchronność losu. Rekonstrukcja tych frontonów jest przedmiotem debaty naukowej.

Świątynia Zeusa w Olimpii dopełnia surowy styl w rozwoju rzeźby greckiej. Dwadzieścia lat po jej wybudowaniu Fidiasz stworzył dla świątyni posąg Zeusa wykonany ze złota i kości słoniowej, który w starożytności uznawany był za jeden z siedmiu cudów świata („Sztuka” nr 9/2008).

Fidiasz, przyjaciel Peryklesa

Epoka klasyczna w sztuce starożytnej Grecji rozpoczęła się od zwycięskich wojen z Persami, kiedy Attyka stała się główną na Morzu Śródziemnym. Obciążeni obywatelską odpowiedzialnością rzeźbiarze rzeźbili nie tylko posągi bogów i bohaterów do dekoracji świątyń, ale także mężowie stanu i zwycięzcy Olimpiada na place w pobliżu świątyń, budynków palestr, rynków i teatrów.

Dla Greków nagość była największą godnością. Dla Hellena ciało było pozorem doskonałego kosmosu, a cały otaczający go świat postrzegał przez analogię do siebie w idealnej, posągowej formie. Posągi swoją beznamiętnością i harmonią zbliżały się do wizerunków bogów.

Sztuka Fidiasza łączyła wszystkie osiągnięcia, jakie sztuka grecka zgromadziła do połowy V wieku. PRZED CHRYSTUSEM Dał życie i ruch doskonałej naturze. Jego rzeźby były majestatyczne i wzniosłe, nawiązując do ateńskiej republiki demokratycznej i epoki Peryklesa.

(13) Fidiasz. Walka centaura z lapitem.
Metopa Partenonu. Muzeum Brytyjskie

, Londyn Pod przewodnictwem Fidiasza wykonano liczne skomplikowane dekoracje plastyczne Partenonu i Świątyni Ateny Partenos na Akropolu. W kompozycyjnie (13) przypominają Świątynię Zeusa w Olimpii, choć są bardziej swobodne w aranżacji, a w szczegółach są bardziej żywotne i dynamiczne. Od razu rzuca się w oczy, że kolejnym okresem w dziejach rzeźby antycznej są płaskorzeźby w metopach ze scenami walki centaurów z lapitami (14) .

; wizerunek w rogach frontonu boga słońca Heliosa, powstrzymującego swoje konie, oraz bogini księżyca Selene, zstępującej na rydwanie i znikającej za horyzontem. Zachowana głowa konia z uprzęży Selene uważana jest za jeden z najlepszych rzeźbiarskich wizerunków konia na świecie.

(14) Głowa konia ze wschodniego frontonu Partenonu Arcydzieło sztuka klasyczna (15) .

znajdują się posągi bogiń ze wschodniego frontonu. Charakterystyczny dla Fidiasza sposób umiejętnego zaginania cienkich chitonów nazywano „mokrym ubraniem”.
(15) Hestia, Dione i Afrodyta.

Posąg Ateny Partenos (wysokość 13 m), stworzony dla świątyni, opisany jest w przewodniku Pauzaniasza: „Sama Atena jest wykonana z kości słoniowej i złota... Posąg przedstawia ją w pełnej wysokości w tunice aż do samej stopy. Na jej piersi znajduje się głowa Meduzy wykonana z kości słoniowej. W dłoni trzyma wizerunek Nike o długości około czterech łokci, a w drugiej włócznię. U jej stóp leży tarcza, a obok jej włóczni jest wąż; ten wąż to prawdopodobnie Erichtoniusz. Drewnianą ramę posągu pokryło złoto o wartości 40 talentów i kolorowa kość słoniowa.

Imię Fidiasz, obok imienia Michała Anioła, jest symbolem geniuszu w rzeźbie.

Jego los był tragiczny. Złośliwość, zazdrość i przeciwnicy polityczni prześladowali Fidiasza, który cieszył się całkowitym zaufaniem Peryklesa.

Po ukończeniu budowy Ateny Partenos został oskarżony o kradzież złota i kości słoniowej.

Zniesławiony Fidiasz zmarł w więzieniu w 431 roku p.n.e., kiedy chwała Peryklesa już zaczynała blaknąć.

Zmiana zainteresowań Wojna peloponeska (431–404 p.n.e.) pomiędzy demokratycznymi Atenami a arystokratyczną Ligą Peloponeską pod przewodnictwem Koryntu i Sparty zaostrzyła kryzys greckiej polis i doprowadziła do konfliktów społecznych. Ale w tym samym okresie rozkwitła filozofia idealistyczna. Nadszedł czas na Sokratesa i Platona. Charakterystyczną cechą epoki jest spadek zainteresowania sprawami publicznymi, sztuka stawia przed sobą zadanie odzwierciedlenia wewnętrznego świata duchowego.

Oryginalną szkołę rzeźby stworzył także współczesny Praksytelesowi Joński Skopas (ok. 380–330 p.n.e.). Jego prace odzwierciedlały nowe pragnienie, aby sztuka grecka wyrażała silne, namiętne uczucia i przedstawiała energiczny ruch. Wiadomo, że Skopas pracował jako architekt i rzeźbiarz w świątyni Ateny w Tega (na Peloponezie). Fronton zachodni przedstawiał bitwę Achillesa z Telefosem ( Wojna trojańska

). W zachowanym oryginale – głowie bohatera – cierpienie wyraża cień wystających łuków brwiowych, półotwarte usta z opadającymi kącikami ust. (16) Skopasowi udało się stworzyć dwa bardzo atrakcyjne, różne wizerunki kobiet: boginię Nike rozwiązującą sandał

i taneczna bachantka. Pełen wdzięku poza bogini, ubrania opadające w niedbałych fałdach, podkreślają kształt ciała, nadając całej sylwetce intymny charakter. Za jej ramionami pojawiają się miękkie kontury dużych, rozpostartych skrzydeł.
Przeciwnie, towarzyszka Dionizosa, bachantka, w dzikim tańcu odrzuciła głowę do tyłu, włosy rozsypały się na plecach.

(16) Płaskorzeźba balustrady Świątyni Nike.

Koniec V wieku PRZED CHRYSTUSEM Muzeum Akropolu w Atenach (17) .

Twórczość plastyczna Scopasa nie wyróżnia się charakterystyczną dla Praksytelesa subtelnością modelowania detali, lecz ostre cienie i energetycznie wystające formy stwarzają wrażenie żywego życia i wiecznego ruchu. Sposób przedstawiania ruchu w rzeźbie zmieniał się z biegiem czasu. W rzeźbie archaicznej rodzaj ruchu można by nazwać „ruchem akcji”, uzasadniając to motywem tego działania: bohaterowie biegają, rywalizują, grożą bronią, trzymają przedmioty. Nie ma takiego działania – archaiczny posąg stoi nieruchomo. W okresie klasycznym, począwszy od rzeźb Polikleita, tzw. „ruch przestrzenny” (w rozumieniu Leonarda da Vinci), oznaczający ruch w przestrzeni bez widocznego celu, określonego motywu (jak w posągu Doryphorosa). Korpus posągu porusza się do przodu lub wokół własnej osi („Bachantki” Skopasa)

(17) Bachantka.

IV wiek PRZED CHRYSTUSEM Kopia rzymska. Albertinum w Dreźnie

Patrząc wstecz, widzimy, jak rzeźbiarze starożytnej Grecji zdołali w ciągu zaledwie dwóch stuleci tchnąć życie, niczym Pigmalion, w tajemnicze, ciche, zimne rdzenie i przekształcić je w zmysłowe, wirujące bachantki. WYKORZYSTANE ODNIESIENIA

Alpatow M.V. Problemy artystyczne sztuki starożytnej Grecji. – M.: Sztuka, 1987.

Whipper B.R. Wprowadzenie do historycznych studiów nad sztuką. – M.: AST-Press, 2004.

SŁOWNIK DO ARTYKUŁU

Architraw- belka leżąca na kapitelach kolumn.

Płaskorzeźba– płaskorzeźba, w której wypukły obraz wystaje ponad płaszczyznę tła nie więcej niż o połowę swojej objętości.

Himation- odzież wierzchnia w postaci czworokątnego kawałka tkaniny wełnianej, zakładana na tunikę.

Hoplita- wojownik w ciężkiej broni.

Wypukłorzeźba– wysoki relief, w którym obraz wystaje ponad płaszczyznę tła o ponad połowę swojej objętości.

Kariatydy– stojące posągi kobiece, które służą jako podpora dla belek w budynku.

Być może szlachetne kobiety z Carii, oddane w niewolę Persom, aby ocalić mieszkańców. Ludovisi

- włoska rodzina arystokratyczna, która zyskała na znaczeniu na początku XVII wieku, kiedy kardynał Alessandro Ludovisi został papieżem Grzegorzem XV w 1621 roku. Metopa

- płyta ozdobiona rzeźbą, będąca częścią fryzu doryckiego. Palestra

- prywatna szkoła gimnastyczna, w której uczyli się chłopcy w wieku od 12 do 16 lat. O około. Samos było palestra dla dorosłych mężczyzn.

Panathenaea- w starożytnej Attyce święta ku czci bogini Ateny (wielkie - raz na cztery lata, małe - co roku). W programie: procesja na akropol, ofiara oraz konkursy – gimnastyczne, jeździeckie, poetyckie i muzyczne.

Peplos- długa odzież damska wykonana z wełny, wiązana na ramionach, z wysokim rozcięciem z boku.

Poros– miękki wapień attycki.

Mocny- bóstwo płodności w orszaku Dionizosa.

Tryglif- element fryzu porządku doryckiego, na przemian z metopami.

Chiton (– długa i prosta odzież męska i damska. Chryzoelefantyna grecki– wykonane ze złota i kości słoniowej)