Każdego roku arcydzieło podziwia ponad osiem milionów odwiedzających. Jednak to, co widzimy dzisiaj, tylko w niewielkim stopniu przypomina oryginalne stworzenie. Od chwili powstania obrazu dzieli nas ponad 500 lat...

OBRAZ ZMIENIA SIĘ PRZEZ LATA

Mona Lisa zmienia się jak prawdziwa kobieta... Przecież dzisiaj mamy przed sobą obraz wyblakłej, wyblakłej twarzy kobiety, pożółkłej i pociemniałej w miejscach, gdzie wcześniej widz mógł dostrzec odcienie brązu i zieleni (nie bez powodu Współcześni Leonarda niejednokrotnie podziwiali świeże i jasne kolory włoskiego artysty malarstwa).

Portret nie uniknął niszczącego działania czasu i zniszczeń spowodowanych licznymi renowacjami. A drewniane podpory pomarszczyły się i pokryły pęknięcia. Właściwości pigmentów, spoiw i lakierów ulegają na przestrzeni lat zmianom pod wpływem reakcji chemicznych.

Zaszczytne prawo do stworzenia serii zdjęć Mony Lisy w najwyższej rozdzielczości otrzymał francuski inżynier Pascal Cotte, wynalazca kamery wielospektralnej. Efektem jego pracy były szczegółowe zdjęcia obrazu w zakresie od ultrafioletu po podczerwień.

Warto dodać, że Pascal spędził około trzech godzin na tworzeniu fotografii „nagiego” obrazu, czyli bez ramy i szkła ochronnego. Jednocześnie korzystał z unikalnego skanera własnego wynalazku. Efektem pracy było 13 fotografii arcydzieła o rozdzielczości 240 megapikseli. Jakość tych obrazów jest absolutnie wyjątkowa. Analiza i weryfikacja uzyskanych danych zajęła dwa lata.

ZREkonstruowane piękno

W 2007 roku na wystawie „Geniusz Da Vinci” po raz pierwszy ujawniono 25 tajemnic obrazu. Tutaj po raz pierwszy zwiedzający mogli cieszyć się oryginalnym kolorem farb Mony Lisy (czyli kolorem oryginalnych pigmentów, których użył da Vinci).

Fotografie przedstawiały czytelnikom obraz w oryginalnej formie, podobnej do tej, jaką widzieli współcześni Leonarda: niebo w kolorze lapis lazuli, karnacja w ciepłym różu, wyraźnie zarysowane góry, zielone drzewa...

Fotografie Pascala Cotteta wykazały, że Leonardo nie ukończył obrazu. Obserwujemy zmiany w ułożeniu dłoni modelki. Widać, że początkowo Mona Lisa podpierała narzutę dłonią. Można było również zauważyć, że początkowo wyraz twarzy i uśmiech były nieco inne. A plama w kąciku oka to uszkodzenie powłoki lakierniczej przez wodę, najprawdopodobniej na skutek wisiewania obrazu przez jakiś czas w łazience Napoleona. Możemy również stwierdzić, że niektóre fragmenty obrazu z biegiem czasu stały się przezroczyste. I zobacz, że wbrew współczesnej opinii Mona Lisa miała brwi i rzęsy!

KTO JEST NA ZDJĘCIU

„Leonardo podjął się wykonania portretu Mony Lisy, swojej żony, dla Francesco Giocondo i po czterech latach pracy pozostawił go niedokończonego. Podczas malowania portretu kazał ludziom grać na lirze lub śpiewać, a zawsze trafiali się błazny odsunął ją od melancholii i sprawił, że była pogodna, dlatego jej uśmiech jest taki przyjemny.

Jedyny dowód na to, jak powstał obraz, należy do współczesnego da Vinci, artysty i pisarza Giorgio Vasariego (choć w chwili śmierci Leonarda miał zaledwie osiem lat). Na podstawie jego słów od kilku stuleci portret kobiecy, nad którym mistrz pracował w latach 1503-1506, uważany jest za wizerunek 25-letniej Lisy, żony florenckiego magnata Francesco del Giocondo. Tak napisał Vasari – i wszyscy w to wierzyli. Ale najprawdopodobniej jest to pomyłka i na portrecie jest inna kobieta.

Dowodów jest wiele: po pierwsze, nakrycie głowy to welon żałobny wdowy (w międzyczasie Francesco del Giocondo żył długo), a po drugie, jeśli był klient, to dlaczego Leonardo nie dał mu tej pracy? Wiadomo, że artysta zatrzymał obraz w swoim posiadaniu, a w 1516 roku opuszczając Włochy wywiózł go do Francji, król Franciszek I zapłacił za niego w 1517 roku 4000 złotych florenów, co było wówczas fantastyczną sumą. Nie dostał jednak także „La Giocondy”.

Artysta nie rozstał się z portretem aż do śmierci. W 1925 roku historycy sztuki sugerowali, że połowa przedstawia księżną Konstancję d'Avalos – wdowę po Federico del Balzo, kochance Giuliano Medici (bracie papieża Leona X). Podstawą hipotezy był sonet poety Eneo Irpino. który wspomina jej portret autorstwa Leonarda. W 1957 roku Włoch Carlo Pedretti przedstawił inną wersję: w rzeczywistości była to Pacifica Brandano, kolejna kochanka Giuliano Medici, wdowa po hiszpańskim szlachcicu, która miała łagodne i pogodne usposobienie. dobrze wykształcona i potrafiła ożywić każde towarzystwo. Nic dziwnego, że tak wesoła osoba, jak Giuliano, zbliżyła się do niej, dzięki czemu urodził się ich syn Ippolito.

W pałacu papieskim Leonardo otrzymał pracownię z ruchomymi stołami i rozproszonym światłem, które tak uwielbiał. Artysta pracował powoli, szczegółowo dopracowując szczegóły, zwłaszcza twarz i oczy. Pacifica (jeśli to ona) wyszła na zdjęciu jak żywa. Widzowie byli zdumieni, a często przerażeni: wydawało im się, że zamiast kobiety na zdjęciu pojawi się potwór, coś w rodzaju syreny morskiej. Nawet krajobraz za nią zawierał coś tajemniczego. Słynny uśmiech nie był w żaden sposób kojarzony z ideą prawości. Było tu raczej coś z dziedziny czarów. To właśnie ten tajemniczy uśmiech zatrzymuje, niepokoi, fascynuje i przywołuje widza, jakby zmuszając go do wejścia w telepatyczne połączenie.

Artyści renesansu maksymalnie poszerzyli filozoficzne i artystyczne horyzonty twórczości. Człowiek wszedł w konkurencję z Bogiem, naśladuje Go, ma obsesję na punkcie wielkiego pragnienia tworzenia. Zostaje przez niego schwytany prawdziwy świat, od którego średniowiecze odwróciło się na rzecz świata duchowego.

Leonardo da Vinci dokonał sekcji zwłok. Marzył o przejęciu władzy nad naturą poprzez naukę zmiany kierunku rzek i osuszania bagien, chciał ukraść ptakom sztukę lotu; Malarstwo było dla niego eksperymentalnym laboratorium, w którym nieustannie poszukiwał nowych i nowych środków wyrazu. Geniusz artysty pozwolił mu dostrzec prawdziwą istotę natury za żywą fizycznością form. I tutaj nie sposób nie wspomnieć o ulubionym subtelnym światłocieniu (sfumato) mistrza, który był dla niego rodzajem aureoli, zastępującej średniowieczną aureolę: jest to jednocześnie sakrament bosko-ludzki i naturalny.

Technika sfumato pozwoliła ożywić krajobrazy i zaskakująco subtelnie oddać grę uczuć na twarzach w całej jej zmienności i złożoności. Czego Leonardo nie wymyślił, mając nadzieję na realizację swoich planów! Mistrz niestrudzenie miesza różne substancje, próbując uzyskać wieczne kolory. Jego pędzel jest tak lekki, tak przezroczysty, że w XX wieku nawet analiza rentgenowska nie ujawniła śladów jego uderzenia. Po kilku pociągnięciach odkłada obraz do wyschnięcia. Jego oko dostrzega najmniejsze niuanse: blask słońca i cienie jednych obiektów na innych, cień na chodniku i cień smutku lub uśmiechu na twarzy. Prawa ogólne rysowanie, konstruowanie perspektywy jedynie sugeruje ścieżkę. Z naszych własnych poszukiwań wynika, że ​​światło ma zdolność zaginania i prostowania linii: „Zanurzenie obiektów w środowisku świetlno-powietrznym oznacza w istocie zanurzenie ich w nieskończoności”.

CZEŚĆ

Zdaniem ekspertów nazywała się Mona Lisa Gherardini del Giocondo,… Choć może Isabella Gualando, Isabella d’Este, Filiberta Sabaudii, Constance d’Avalos, Pacifica Brandano… Kto wie?

Dwuznaczność jego pochodzenia tylko przyczyniła się do jego sławy. Przeszła przez wieki w blasku swojej tajemnicy. Przez wiele lat portret „dworskiej damy w przezroczystym welonie” był ozdobą zbiorów królewskich. Widziano ją albo w sypialni Madame de Maintenon, albo w komnatach Napoleona w Tuileries. Ludwik XIII, który jako dziecko bawił się w Wielkiej Galerii, gdzie wisiał, nie zgodził się oddać go księciu Buckingham, mówiąc: „Nie da się rozstać z obrazem, który uważany jest za najlepszy na świecie”. Wszędzie – zarówno na zamkach, jak i w kamienicach – próbowano „nauczyć” swoje córki słynnego uśmiechu.

W ten sposób piękny wizerunek zamienił się w modny znaczek. U profesjonalni artyści Popularność obrazu zawsze była duża (znanych jest ponad 200 egzemplarzy La Giocondy). Dała początek całej szkole, inspirując takich mistrzów jak Raphael, Ingres, David, Corot. Od końca XIX wieku do „Mony Lisy” zaczęto wysyłać listy z wyznaniami miłości. A jednak w dziwnie rozwijających się losach obrazu brakowało jakiegoś dotyku, jakiegoś oszałamiającego wydarzenia. I tak się stało!

21 sierpnia 1911 r. w gazetach ukazał się sensacyjny nagłówek: „La Gioconda” została skradziona!”. Energicznie szukano obrazu. Opłakiwano go. Obawiano się, że zdechł, spalony przez niezdarnego fotografa, który go fotografował. błysk magnezu pod na wolnym powietrzu. We Francji nawet uliczni muzycy opłakiwali La Giocondę. „Baldassare Castiglione” Raphaela, zainstalowany w Luwrze na miejscu zaginionego, nikomu nie odpowiadał – w końcu było to po prostu „zwykłe” arcydzieło.

La Giocondę odnaleziono w styczniu 1913 roku, ukrytą w skrytce pod łóżkiem. Złodziej, biedny włoski emigrant, chciał zwrócić obraz swojej ojczyźnie, Włochom.

Kiedy idol wieków powrócił do Luwru, pisarz Théophile Gautier sarkastycznie zauważył, że uśmiech stał się „szyderczy”, a nawet „triumfujący”? szczególnie w przypadkach, gdy adresowany był do osób, które nie są skłonne ufać anielskim uśmiechom. Społeczeństwo podzieliło się na dwa walczące obozy. Jeśli dla niektórych był to tylko obraz, choć doskonały, to dla innych było to prawie bóstwo. W 1920 roku na łamach magazynu Dada awangardowy artysta Marcel Duchamp dodał do fotografii „najbardziej tajemniczego z uśmiechów” krzaczaste wąsy i dołączył do karykatury początkowe litery słów „ona nie może tego znieść”. W tej formie przeciwnicy bałwochwalstwa wyrażali swoją irytację.

Istnieje wersja, że ​​ten rysunek jest wczesną wersją Mony Lisy. Co ciekawe, tutaj kobieta trzyma w rękach bujną gałąź. Zdjęcie: Wikipedia.

GŁÓWNY SEKRET...

...Ukryty, oczywiście, w jej uśmiechu. Jak wiadomo, są różne uśmiechy: szczęśliwy, smutny, zawstydzony, uwodzicielski, kwaśny, sarkastyczny. Ale żadna z tych definicji nie jest odpowiednia w tym przypadku. W archiwach Muzeum Leonarda da Vinci we Francji można znaleźć wiele różnych interpretacji zagadki słynnego portretu.

Pewien „ogólny specjalista” zapewnia, że ​​osoba przedstawiona na zdjęciu jest w ciąży; jej uśmiech jest próbą uchwycenia ruchu płodu. Kolejna upiera się, że uśmiecha się do swojego kochanka... Leonarda. Niektórzy nawet uważają, że obraz przedstawia mężczyznę, ponieważ „jego uśmiech jest bardzo atrakcyjny dla homoseksualistów”.

Według brytyjskiego psychologa Digby'ego Questegi, zwolennika tej drugiej wersji, Leonardo pokazał w tej pracy swój utajony (ukryty) homoseksualizm. Uśmiech „La Giocondy” wyraża całą gamę uczuć: od zażenowania i niezdecydowania (co powiedzą współcześni i potomkowie?), po nadzieję na zrozumienie i przychylność.

Z punktu widzenia dzisiejszej etyki założenie to wygląda całkiem przekonująco. Pamiętajmy jednak, że moralność w okresie renesansu była znacznie bardziej wyzwolona niż obecnie, a Leonardo nie robił tajemnicy ze swojej orientacji seksualnej. Jego uczniowie zawsze byli piękniejsi niż utalentowani; Jego sługa Giacomo Salai cieszył się szczególną łaską. Inna podobna wersja? „Mona Lisa” to autoportret artystki. Ostatnie porównanie na komputerze cechy anatomiczne twarze Giocondy i Leonarda da Vinci (na podstawie autoportretu artysty wykonanego czerwonym ołówkiem) pokazały, że geometrycznie pasują idealnie. Zatem Giocondę można nazwać żeńską formą geniuszu!.. Ale przecież uśmiech Giocondy jest jego uśmiechem.

Taki tajemniczy uśmiech był rzeczywiście charakterystyczny dla Leonarda; o czym świadczy choćby obraz Verrocchio „Tobiasz z rybą”, na którym Archanioł Michał jest namalowany wraz z Leonardem da Vinci.

Zygmunt Freud również wyraził swoją opinię na temat portretu (oczywiście w duchu freudyzmu): „Uśmiech Giocondy jest uśmiechem matki artysty”. Ideę twórcy psychoanalizy poparł później Salvador Dali: „We współczesnym świecie istnieje prawdziwy kult kultu Giocondy. Było wiele zamachów na życie La Giocondy, kilka lat temu zdarzały się nawet próby rzucania kamieniami u niej - wyraźne podobieństwo do agresywnego zachowania wobec własnej matki. Jeśli pamięta się, co pisał o Leonardo da Vinci Freudzie, a także wszystko, co jego obrazy mówią o podświadomości artysty, łatwo możemy dojść do wniosku, że kiedy Leonardo pracował nad La. Gioconda, zakochany w swojej matce, zupełnie nieświadomie namalował nową istotę, obdarzoną wszelkimi możliwymi oznakami macierzyństwa, a jednocześnie uśmiechała się jakoś dwuznacznie. Cały świat widział i nadal widzi w tym dwuznacznym uśmiechu określony odcień erotyzmu. A co dzieje się z nieszczęsnym widzem, który wpada w objęcia kompleksu Edypa? Muzeum jest w jego podświadomości po prostu burdelem burdel. I w tym właśnie burdelu widzi obraz będący prototypem zbiorowego wizerunku wszystkich matek. Bolesna obecność własnej matki, rzucającej łagodne spojrzenie i obdarzającej dwuznacznym uśmiechem, popycha go do popełnienia przestępstwa. Łapie pierwszą rzecz, jaka mu wpadnie w ręce, powiedzmy kamień, i rozdziera obraz, popełniając tym samym akt matkobójstwa”.

LEKARZE stawiają diagnozę na podstawie uśmiechu...

Z jakiegoś powodu uśmiech Giocondy szczególnie niepokoi lekarzy. Dla nich portret Mony Lisy jest idealną okazją do przećwiczenia stawiania diagnozy bez obawy o konsekwencje błędu medycznego.

Tym samym słynny amerykański otolaryngolog Christopher Adur z Oakland (USA) ogłosił, że Gioconda ma paraliż twarzy. W swojej praktyce paraliż ten nazwał nawet „chorobą Mony Lisy”, osiągając najwyraźniej efekt psychoterapeutyczny poprzez zaszczepianie pacjentom poczucia zaangażowania w sztukę wysoką. Pewien japoński lekarz jest absolutnie pewien, że Mona Lisa miała wysoki poziom cholesterolu. Dowodem na to jest typowy dla tej choroby guzek na skórze pomiędzy lewą powieką a podstawą nosa. Co oznacza: Mona Lisa nie jadła dobrze.

Joseph Borkowski, amerykański dentysta i znawca malarstwa, uważa, że ​​kobieta na obrazie, sądząc po wyrazie jej twarzy, straciła wiele zębów. Studiując powiększone fotografie arcydzieła Borkowski odkrył blizny wokół ust Mony Lisy. „Wyraz jej twarzy jest typowy dla osób, które utraciły przednie zęby” – mówi ekspert. Do rozwiązania zagadki przyczynili się także neurofizjolodzy. Ich zdaniem nie chodzi tu o modelkę czy artystę, ale o publiczność. Dlaczego wydaje nam się, że uśmiech Mony Lisy blednie, a potem pojawia się ponownie? Neurofizjolog z Uniwersytetu Harvarda, Margaret Livingston, uważa, że ​​​​przyczyną tego nie jest magia sztuki Leonarda da Vinci, ale specyfika ludzkiego wzroku: pojawianie się i znikanie uśmiechu zależy od tego, na którą część twarzy Mony Lisy skierowany jest wzrok. Istnieją dwa rodzaje widzenia: centralne, zorientowane na szczegóły i peryferyjne, mniej wyraźne. Jeśli nie skupiasz się na oczach „natury” lub starasz się objąć wzrokiem całą jej twarz, Gioconda uśmiecha się do Ciebie. Jednak gdy tylko skupisz wzrok na ustach, uśmiech natychmiast znika. Co więcej, uśmiech Mony Lisy można odtworzyć, mówi Margaret Livingston. Dlaczego pracując nad kopią, musisz spróbować „narysować usta, nie patrząc na nie”. Ale wydawało się, że tylko wielki Leonardo wie, jak to zrobić.

Istnieje wersja, w której sam artysta jest przedstawiony na obrazie. Zdjęcie: Wikipedia.

Niektórzy praktykujący psychologowie twierdzą, że Sekret Mony Lisy jest prosty: uśmiecha się do siebie. Właściwie to jest rada dawana współczesnym kobietom: pomyśl, jaka jesteś cudowna, słodka, miła, wyjątkowa - warto się radować i uśmiechać do siebie. Noś swój uśmiech naturalnie, niech będzie szczery i otwarty, płynący z głębi Twojej duszy. Uśmiech złagodzi się twoja twarz, usunie z niego ślady zmęczenia, niedostępności, sztywności, które tak odstraszają mężczyzn. Nada Twojej twarzy tajemniczy wyraz. A wtedy będziesz mieć tylu fanów, co Mona Lisa.

SEKRET CIEN I ODCIENI

Tajemnice nieśmiertelnego stworzenia od wielu lat nękają naukowców z całego świata. Naukowcy wykorzystali wcześniej promienie rentgenowskie, aby zrozumieć, w jaki sposób Leonardo da Vinci tworzył cienie na swoim wielkim dziele. Mona Lisa była jednym z siedmiu dzieł Da Vinci badanych przez naukowca Philipa Waltera i jego współpracowników. Badanie pokazało, w jaki sposób zastosowano ultracienkie warstwy glazury i farby, aby uzyskać płynne przejście od światła do ciemności. Wiązka promieni rentgenowskich pozwala na badanie warstw bez uszkadzania płótna

Technika używana przez Da Vinci i innych artystów renesansu znana jest jako sfumato. Za jego pomocą można było stworzyć na płótnie płynne przejścia tonów lub kolorów.

Jednym z najbardziej szokujących odkryć naszych badań jest to, że na płótnie nie widać ani jednej kreski ani odcisku palca” – powiedział członek grupy Waltera.

Wszystko jest takie idealne! Dlatego obrazów Da Vinci nie dało się poddać analizie – nie dawały łatwych wskazówek” – kontynuowała.

Wcześniejsze badania ustaliły już podstawowe aspekty technologii sfumato, ale zespół Waltera odkrył nowe szczegóły dotyczące tego, w jaki sposób wielkiemu mistrzowi udało się osiągnąć taki efekt. Zespół wykorzystał promieniowanie rentgenowskie do określenia grubości każdej warstwy nałożonej na płótno. W efekcie udało się ustalić, że Leonardo da Vinci potrafił nakładać warstwy o grubości zaledwie kilku mikrometrów (tysięcznych milimetra), przy czym łączna grubość warstwy nie przekraczała 30 – 40 mikrometrów.

TAJEMNICZNY KRAJOBRAZ

Za Moną Lisą legendarne płótno Leonarda da Vinci przedstawia nie abstrakcyjny, ale bardzo konkretny krajobraz – obrzeża północnowłoskiego miasta Bobbio – mówi badaczka Carla Glori, której argumenty przytacza w poniedziałek 10 stycznia dziennik Daily Gazeta telegraficzna.

Glory doszła do takich wniosków po tym, jak dziennikarz, pisarz, odkrywca grobu Caravaggia i szef Włoskiego Narodowego Komitetu Ochrony dziedzictwo kulturowe Silvano Vinceti poinformował, że widział na płótnie Leonarda tajemnicze litery i cyfry. W szczególności pod łukiem mostu znajdującego się na lewo od Mony Lisy (czyli z punktu widzenia widza po prawej stronie zdjęcia) odkryto cyfry „72”. Sam Vinceti uważa je za nawiązanie do niektórych mistycznych teorii Leonarda. Według Glory jest to wskazówka na rok 1472, kiedy przepływająca obok Bobbio rzeka Trebbia wylała z brzegów, zburzyła stary most i zmusiła rządzącą w tych stronach rodzinę Visconti do zbudowania nowego. Resztę widoku uważa za krajobraz, który otwierał się z okien miejscowego zamku.

Wcześniej Bobbio było znane przede wszystkim jako miejsce, w którym znajduje się ogromny klasztor San Colombano, który stał się jednym z prototypów „Imienia róży” Umberto Eco.

W swoich wnioskach Carla Glory idzie jeszcze dalej: jeśli scena nie znajduje się w centrum Włoch, jak wcześniej sądzili naukowcy, opierając się na fakcie, że Leonardo rozpoczął pracę na płótnie w latach 1503-1504 we Florencji, ale na północy, to jego model nie jest jego żoną kupiecką Lisą del Giocondo, a córką księcia Mediolanu Bianki Giovanna Sforza.

Jej ojciec, Lodovico Sforza, był jednym z głównych klientów Leonarda i znanym filantropem.
Glory uważa, że ​​artysta i wynalazca odwiedził go nie tylko w Mediolanie, ale także w Bobbio, miasteczku ze słynną w tamtych czasach biblioteką, również podlegającą mediolańskim władcom, jednak sceptyczni eksperci twierdzą, że zarówno cyfry, jak i litery zostały odkryte przez Vincetiego w źrenicach Mony Lisy nic innego jak pęknięcia, które powstały na płótnie na przestrzeni wieków... Nikt nie może jednak wykluczyć, że zostały one specjalnie naniesione na płótno...

CZY SEKRET WYJAŚNIONY?

W zeszłym roku profesor Margaret Livingston z Uniwersytetu Harvarda stwierdziła, że ​​uśmiech Mony Lisy jest widoczny tylko wtedy, gdy spojrzy się na inne rysy jej twarzy, a nie na usta kobiety przedstawionej na portrecie.

Margaret Livingston przedstawiła swoją teorię na dorocznym spotkaniu Amerykańskiego Stowarzyszenia na rzecz Postępu Nauki w Denver w Kolorado.

Zanik uśmiechu przy zmianie kąta widzenia wynika ze sposobu, w jaki ludzkie oko przetwarza informacje wzrokowe – twierdzi amerykański naukowiec.

Istnieją dwa rodzaje widzenia: bezpośrednie i peryferyjne. Direct dobrze dostrzega szczegóły, gorzej - cienie.

Nieuchwytny charakter uśmiechu Mony Lisy można wytłumaczyć faktem, że prawie w całości zlokalizowany jest w zakresie niskich częstotliwości światła i jest dobrze postrzegany jedynie przez widzenie peryferyjne – stwierdziła Margaret Livingston.

Im częściej patrzysz bezpośrednio na swoją twarz, tym mniej wykorzystujesz widzenie peryferyjne.

To samo dzieje się, jeśli spojrzysz na jedną literę drukowanego tekstu. Jednocześnie inne litery są postrzegane gorzej, nawet z bliskiej odległości.

Da Vinci zastosował tę zasadę i dlatego uśmiech Mony Lisy jest widoczny tylko wtedy, gdy spojrzy się na oczy lub inne części twarzy kobiety przedstawionej na portrecie...

Leonarda da Vinci. Portret Lisy Gherardini, żony Francesco Giocondo (Mona Lisa lub Gioconda). 1503-1519 Luwr, Paryż

Mona Lisa Leonarda da Vinci to najbardziej tajemniczy obraz. Ponieważ jest bardzo popularna. Kiedy jest tak dużo uwagi, pojawia się niewyobrażalna liczba tajemnic i spekulacji.

Nie mogłem więc oprzeć się próbie rozwiązania jednej z tych zagadek. Nie, nie będę szukać zaszyfrowanych kodów. Nie będę rozwikłać tajemnicy jej uśmiechu.

Martwię się o coś innego. Dlaczego opis portretu Mony Lisy autorstwa współczesnych Leonarda nie pokrywa się z tym, co widzimy na portrecie z Luwru? Czy w Luwrze rzeczywiście wisi portret Lisy Gherardini, żony kupca jedwabiu Francesco del Giocondo? A jeśli to nie jest Mona Lisa, to gdzie trzymana jest prawdziwa Gioconda?

Autorstwo Leonarda jest niepodważalne

Prawie nikt nie wątpi, że sam namalował Luwr Mona Lisa. To na tym portrecie metoda sfumato mistrza (bardzo subtelne przejścia od światła do cienia) została maksymalnie ujawniona. Ledwo wyczuwalna mgiełka cieniująca linie sprawia, że ​​Mona Lisa jest niemal żywa. Wygląda na to, że jej usta zaraz się rozejdą. Ona westchnie. Klatka piersiowa się podniesie.

Niewielu mogło konkurować z Leonardem w tworzeniu takiego realizmu. Chyba że... Ale w stosowaniu tej metody sfumato wciąż był od niego gorszy.

Nawet w porównaniu z wcześniejszymi portretami samego Leonarda Luwr Mona Lisa stanowi wyraźny postęp.

Leonarda da Vinci. Po lewej: Portret Ginervy Benci. 1476 Galeria Narodowa Waszyngton. Po środku: Dama z gronostajem. 1490 Muzeum Czartoryskich, Kraków. Po prawej: Mona Lisa. 1503-1519 Luwr, Paryż

Współcześni Leonardo opisali zupełnie inną Mona Lisę

Nie ma wątpliwości co do autorstwa Leonarda. Ale czy słuszne jest nazywanie damy w Luwrze Mona Lisą? Każdy może mieć co do tego wątpliwości. Wystarczy przeczytać opis portretu młodszego współczesnego Leonarda da Vinci. Oto co napisał w roku 1550, 30 lat po śmierci mistrza:

„Leonardo podjął się wykonania portretu Mony Lisy, swojej żony, dla Francesco del Giocondo i po czterech latach pracy nad nim pozostawił go niedokończonego… Oczy mają ten blask i tę wilgoć, która zwykle jest widoczna w żywym osoba... Brwi nie mogą być bardziej naturalne: włosy rosną gęsto w jednym miejscu, a rzadziej w innym, zgodnie z porami skóry... Usta lekko otwarte, a brzegi łączy zaczerwienienie warg ... Mona Lisa była bardzo piękna... jej uśmiech jest tak przyjemny, że wydaje się, jakbyś kontemplował istotę boską, a nie ludzką... ”

Zwróć uwagę, jak wiele szczegółów z opisu Vasariego nie zgadza się z Mona Lisą z Luwru.

W momencie malowania portretu Lisa miała nie więcej niż 25 lat. Mona Lisa z Luwru jest wyraźnie starsza. To kobieta w wieku powyżej 30-35 lat.

Vasari mówi także o brwiach. Czego nie ma Mona Lisa. Można to jednak przypisać kiepskiej renowacji. Istnieje wersja, w której zostały one usunięte w wyniku nieudanego czyszczenia obrazu.
Leonarda da Vinci. Mona Lisa (fragment). 1503-1519

Na portrecie w Luwrze całkowicie nie ma szkarłatnych ust z lekko otwartymi ustami.

Można też spierać się o czarujący uśmiech boskiej istoty. Nie każdemu to się tak wydaje. Czasem porównuje się go nawet do uśmiechu pewnego siebie drapieżnika. Ale to kwestia gustu. Można też spierać się o urodę Mony Lisy, o której wspomniał Vasari.

Najważniejsze, że Luwr Mona Lisa jest całkowicie ukończony. Vasari twierdzi, że portret został porzucony w stanie niedokończonym. Teraz jest to poważna niespójność.

Gdzie jest prawdziwa Mona Lisa?

Jeśli więc nie jest to Mona Lisa wisząca w Luwrze, to gdzie ona jest?

wiem od co najmniej trzy portrety, które znacznie bardziej pasują do opisu Vasariego. Ponadto wszystkie powstały w tych samych latach, co portret w Luwrze.

1. Mona Lisa z Prado

Nieznany artysta(uczeń Leonarda da Vinci). Mona Lisa. 1503-1519

Ta Mona Lisa nie cieszyła się dużym zainteresowaniem aż do 2012 roku. Aż pewnego dnia restauratorzy oczyścili czarne tło. I oto! Pod ciemna farba Okazało się, że jest to krajobraz – dokładna kopia tła Luwru.

Pradovskaya Mona Lisa młodszy niż lata przez 10 konkurentów z Luwru. Co odpowiada prawdziwemu wiekowi prawdziwej Lisy. Wygląda ładniej. W końcu ma brwi.

Eksperci nie rościli sobie jednak tytułu główne zdjęcie pokój. Przyznali, że pracę wykonał jeden z uczniów Leonarda.

Dzięki tej pracy możemy sobie wyobrazić, jak wyglądał Luwr Mona Lisa 500 lat temu. W końcu portret z Prado jest znacznie lepiej zachowany. W wyniku ciągłych eksperymentów Leonarda z farbami i lakierem Mona Lisa stała się bardzo ciemna. Najprawdopodobniej ona też kiedyś nosiła czerwoną sukienkę, a nie złotobrązową.

2. Flora z Ermitażu

Francesco Melzi. Flora (Orlik). 1510-1515 , Sankt Petersburg

Flora bardzo dobrze pasuje do opisu Vasariego. Młoda, bardzo piękna, z niezwykle przyjemnym uśmiechem szkarłatnych ust.

Poza tym dokładnie tak sam Melzi opisał ulubione dzieło swojego nauczyciela Leonarda. W korespondencji nazywa ją Giocondą. Obraz, powiedział, przedstawiał dziewczynę o niesamowitej urodzie z kwiatem orlika w dłoni.

Nie widzimy jednak jej „mokrych” oczu. Ponadto jest mało prawdopodobne, aby Signor Giocondo pozwolił swojej żonie pozować z odsłoniętymi piersiami.

Dlaczego więc Melzi nazywa ją La Gioconda? Przecież to właśnie ta nazwa prowadzi niektórych ekspertów do przekonania, że ​​prawdziwa Mona Lisa nie znajduje się w Luwrze, ale w.

Być może przez te 500 lat doszło do pewnego zamieszania. Z włoskiego „Gioconda” tłumaczy się jako „Wesołych”. Być może tak uczniowie i sam Leonardo nazwali swoją Florę. Tak się jednak złożyło, że słowo to zbiegło się z nazwiskiem klienta portretu, Giocondo.

Nieznany artysta (Leonardo da Vinci?). Isleworth Mona Lisa. 1503-1507 Kolekcja prywatna

Portret ten został ujawniony opinii publicznej około 100 lat temu. Angielski kolekcjoner kupił go od włoskich właścicieli w 1914 roku. Podobno nie mieli pojęcia, jaki mają skarb.

Zaproponowano wersję, że jest to ta sama Mona Lisa, którą Leonardo namalował na zamówienie dla Signora Giocondo. Ale nie dokończył.

Przyjmuje się również, że Mona Lisa wisząca w Luwrze została namalowana przez Leonarda już 10 lat później. Już dla siebie. Opierając się na znanym już wizerunku Signory Giocondo. Na potrzeby własnych eksperymentów artystycznych. Żeby nikt mu nie przeszkadzał i nie żądał obrazu.

Wersja wygląda wiarygodnie. Ponadto Mona Lisa Islewortha jest niedokończona. Pisałem o tym. Zwróć uwagę, jak nierozwinięta jest szyja kobiety i krajobraz za nią. Wygląda też młodziej niż jej rywalka z Luwru. To tak, jakby naprawdę sportretowali tę samą kobietę w odstępie 10–15 lat.

Wersja jest bardzo ciekawa. Gdyby nie jedno wielkie ALE. Mona Lisa Islewortha została namalowana na płótnie. Natomiast Leonardo da Vinci pisał wyłącznie na tablicy. W tym Luwr Mona Lisa.

Zbrodnia stulecia. Porwanie Mony Lisy z Luwru

Być może prawdziwa Mona Lisa wisi w Luwrze. Ale Vasari opisał to zbyt niedokładnie. A Leonardo nie ma nic wspólnego z trzema powyższymi obrazami.

Jednak w XX wieku miał miejsce incydent, który do dziś poddaje w wątpliwość to, czy w Luwrze wisi prawdziwa Mona Lisa.

W sierpniu 1911 roku Mona Lisa zniknęła z muzeum. Szukali jej przez 3 lata. Dopóki przestępca nie ujawnił się w najgłupszy sposób. Zamieścił w gazecie ogłoszenie o sprzedaży obrazu. Kolekcjoner przyszedł obejrzeć obraz i przekonał się, że osoba, która zamieściła ogłoszenie, nie jest szalona. Pod jego materacem znajdowała się Mona Lisa zbierająca kurz.
Żaluzja. Zdjęcie miejsca zbrodni (Mona Lisa zniknęła). 1911

Sprawcą okazał się Włoch Vincenzo Perugia. Był szklarzem i artystą. Przez kilka tygodni pracował w Luwrze przy szklanych pudełkach ochronnych do obrazów.

Według jego wersji obudziły się w nim uczucia patriotyczne. Postanowił zwrócić Włochom obraz skradziony przez Napoleona. Z jakiegoś powodu był pewien, że wszystkie obrazy włoskich mistrzów w Luwrze zostały skradzione przez tego dyktatora.

Historia jest bardzo podejrzana. Dlaczego przez 3 lata nie dał nikomu znać o sobie? Możliwe, że on lub jego klient potrzebowali czasu na wykonanie kopii Mony Lisy. Gdy tylko kopia była gotowa, złodziej wydał oświadczenie, które w oczywisty sposób doprowadziło do jego aresztowania. Swoją drogą został skazany na absurdalny wyrok. Niecały rok później Perugia była już wolna.

Możliwe więc, że Luwr otrzymał podróbkę bardzo wysokiej jakości. W tym czasie nauczyli się już sztucznie starzeć obrazy i podawać je jako oryginały.

Mona Lisa Leonarda da Vinci jest jedną z najbardziej znanych słynne dzieła malarstwo na całym świecie.

Obecnie obraz ten znajduje się w paryskim Luwrze.

Powstanie obrazu i przedstawiony na nim model owiane były wieloma legendami i plotkami i nawet dziś, gdy w historii La Giocondy nie ma już praktycznie białych plam, wśród wielu niezbyt wykształconych osób nadal krążą mity i legendy .

Kim jest Mona Lisa?

Tożsamość przedstawionej dziewczyny jest dziś dość znana. Uważa się, że jest to Lisa Gherardini, słynna mieszkanka Florencji, należąca do arystokratycznej, ale zubożałej rodziny.

Najwyraźniej Gioconda to jej nazwisko po mężu; Jej mężem był odnoszący sukcesy handlarz jedwabiem, Francesco di Bartolomeo di Zanobi del Giocondo. Wiadomo, że Lisa i jej mąż urodzili sześcioro dzieci i prowadzili miarowe życie, typowe dla zamożnych mieszkańców Florencji.

Można by pomyśleć, że małżeństwo zostało zawarte z miłości, ale jednocześnie przyniosło też dodatkowe korzyści dla obojga małżonków: Lisa wyszła za mąż za przedstawiciela bogatszej rodziny, a za jej pośrednictwem Francesco związał się ze starą rodziną. Niedawno, w 2015 roku, naukowcy odkryli grób Lisy Gherardini – w pobliżu jednego ze starożytnych włoskich kościołów.

Tworzenie obrazu

Leonardo da Vinci od razu podjął się tego zlecenia i poświęcił się mu całkowicie, dosłownie, z jakąś pasją. A w przyszłości artysta był mocno przywiązany do swojego portretu, nosił go wszędzie ze sobą, a gdy w późnym wieku zdecydował się wyjechać z Włoch do Francji, zabrał ze sobą „La Giocondę” wraz z kilkoma wybranymi dziełami jego.

Jaki był powód stosunku Leonarda do tego obrazu? Uważa się, że wielki artysta miał romans z Lisą. Możliwe jednak, że malarz cenił ten obraz jako przykład najwyższego rozkwitu swojego talentu: „La Gioconda” okazała się naprawdę niezwykła jak na swoje czasy.

Fotka Mona Lisy (La Gioconda).

Co ciekawe, Leonardo nigdy nie oddał portretu zleceniodawcy, lecz zabrał go ze sobą do Francji, gdzie jego pierwszym właścicielem był król Franciszek I. Być może mogło to wynikać z tego, że mistrz nie ukończył płótna na czas i kontynuował malowanie obrazu już po wyjeździe: słynny renesansowy pisarz Giorgio Vasari podaje, że Leonardo „nigdy nie ukończył” swojego obrazu.

Vasari w swojej biografii Leonarda podaje wiele faktów dotyczących malowania tego obrazu, ale nie wszystkie z nich są wiarygodne. Pisze zatem, że artysta tworzył obraz przez cztery lata, co jest wyraźną przesadą.

Pisze też, że gdy Lisa pozowała, w studiu zabawiała dziewczynę cała grupa błaznów, dzięki czemu Leonardo potrafił ukazać uśmiech na jej twarzy, a nie typowy wówczas smutek. Jednak najprawdopodobniej Vasari sam skomponował opowieść o błaznach dla rozrywki czytelników, używając nazwiska dziewczyny - w końcu „Gioconda” oznacza „bawić się”, „śmiech”.

Można jednak zauważyć, że Vasariego przyciągnął ten obraz nie tyle realizm jako taki, ale niesamowite odwzorowanie efektów fizycznych i najdrobniejsze szczegóły obrazu. Najwyraźniej pisarz opisał obraz z pamięci lub z opowieści innych naocznych świadków.

Kilka mitów na temat malarstwa

Już pod koniec XIX wieku Gruye pisał, że „La Gioconda” od kilku stuleci dosłownie pozbawia ludzi rozumu. Wiele osób zastanawiało się, kontemplując ten niesamowity portret, dlatego otoczyło go wiele legend.

• Według jednego z nich, Leonardo na portrecie alegorycznie przedstawił... siebie, co rzekomo potwierdza zbieżność drobnych szczegółów twarzy;
• Według innego obraz przedstawia młodego mężczyznę w kobiecym przebraniu – na przykład Salai, ucznia Leonarda;
• Inna wersja mówi, że obraz przedstawia po prostu idealną kobietę, jakiś abstrakcyjny obraz. Wszystkie te wersje są obecnie uznawane za błędne.

„Z medycznego punktu widzenia nie jest jasne, jak ta kobieta w ogóle żyła”.

Jej tajemniczy uśmiech urzeka. Niektórzy postrzegają to jako boskie piękno, inni jako tajne znaki, a jeszcze inni jako wyzwanie dla norm i społeczeństwa. Ale wszyscy są zgodni co do jednego – jest w niej coś tajemniczego i atrakcyjnego. Mowa oczywiście o Mona Lisie – ulubionym dziele wielkiego Leonarda. Portret bogaty w mitologię. Jaki jest sekret Mony Lisy? Istnieje niezliczona ilość wersji. Wybraliśmy dziesięć najpopularniejszych i najbardziej intrygujących.

Dziś obraz ten o wymiarach 77x53 cm przechowywany jest w Luwrze za grubym, kuloodpornym szkłem. Obraz wykonany na desce topolowej pokryty jest siecią spękań. Przeszedł wiele niezbyt udanych renowacji i przez pięć stuleci wyraźnie pociemniał. Jednak im starszy staje się obraz, tym więcej ludzi przyciąga: Luwr odwiedza rocznie 8-9 milionów osób.

A sam Leonardo nie chciał rozstać się z Moną Lisą i być może jest to pierwszy raz w historii, kiedy autor nie oddał dzieła klientowi, mimo że pobrał za to wynagrodzenie. Portretem zachwycił się także pierwszy właściciel obrazu – po autorze – król Francji Franciszek I. Kupił go od da Vinci za niewiarygodne wówczas pieniądze – 4000 złotych monet i umieścił w Fontainebleau.

Napoleon również był zafascynowany Madame Lisą (jak nazywał Giocondę) i zabrał ją do swoich komnat w Pałacu Tuileries. A Włoch Vincenzo Perugia ukradł w 1911 roku arcydzieło z Luwru, zabrał je do domu i ukrywał się u niej przez całe dwa lata, aż do zatrzymania przy próbie przekazania obrazu dyrektorowi Galerii Uffizi... Jednym słowem: przez cały czas portret florenckiej damy przyciągał, hipnotyzował i zachwycał.

Jaki jest sekret jej atrakcyjności?

Wersja nr 1: klasyczna

Pierwszą wzmiankę o Mona Lisie znajdziemy u autora słynnych Żywotów, Giorgio Vasariego. Z jego twórczości dowiadujemy się, że Leonardo podjął się „wykonania dla Francesco del Giocondo portretu Mony Lisy, jego żony, a po czterech latach pracy nad nim pozostawił go niedokończonego”.

Pisarz podziwia kunszt artysty, umiejętność ukazywania „najdrobniejszych szczegółów, jakie potrafi przekazać subtelność malarstwa”, a co najważniejsze, uśmiech, który „jest tak przyjemny, że sprawia wrażenie, jakby kontemplowano boskość, a nie bóstwo”. istota ludzka.” Historyk sztuki wyjaśnia tajemnicę jej uroku, stwierdzając, że „malując portret, on (Leonardo) trzymał ludzi grających na lirze lub śpiewających, a zawsze byli też błazny, którzy ją pocieszali i usuwali melancholię, jaką malarstwo zwykle wnosi portrety są malowane.” Nie ma wątpliwości: Leonardo jest niedoścignionym mistrzem, a koroną jego mistrzostwa jest ten boski portret. W obrazie jego bohaterki istnieje dwoistość związana z samym życiem: skromność pozy łączy się z odważnym uśmiechem, który staje się swego rodzaju wyzwaniem dla społeczeństwa, kanonów, sztuki...

Ale czy to naprawdę żona handlarza jedwabiem Francesco del Giocondo, którego nazwisko stało się drugim imieniem tej tajemniczej damy? Czy to prawda, że ​​historia o muzykach, którzy stworzyli odpowiedni nastrój naszej bohaterce? Sceptycy kwestionują to wszystko, powołując się na fakt, że Vasari miał 8 lat, gdy zmarł Leonardo. Nie mógł osobiście znać artysty ani jego modela, dlatego przedstawił jedynie informacje podane przez anonimowego autora pierwszej biografii Leonarda. Tymczasem pisarz napotyka także kontrowersyjne fragmenty w innych biografiach. Weźmy na przykład historię złamanego nosa Michała Anioła. Vasari pisze, że Pietro Torrigiani uderzył kolegę z klasy, ponieważ pociągał go jego talent, a Benvenuto Cellini tłumaczy tę urazę swoją arogancją i bezczelnością: kopiując freski Masaccia, podczas lekcji wyśmiewał każdy obraz, za co otrzymał cios w nos z Torrigianiego. Cellini opowiada się za tą wersją złożony charakter Buonarroti, o którym krążyły legendy.

Wersja nr 2: Matka Chińska

To naprawdę istniało. Włoscy archeolodzy twierdzą nawet, że odnaleźli jej grób w klasztorze św. Urszuli we Florencji. Ale czy ona jest na zdjęciu? Wielu badaczy twierdzi, że Leonardo namalował portret z kilku modeli, ponieważ kiedy odmówił oddania obrazu handlarzowi tkanin Giocondo, pozostał on niedokończony. Mistrz całe życie ulepszał swoje dzieło, dodając elementy z innych modeli – uzyskując w ten sposób zbiorowy portret idealnej kobiety swojej epoki.

Włoski naukowiec Angelo Paratico poszedł dalej. Jest pewien, że Mona Lisa to matka Leonarda, który w rzeczywistości był… Chińczykiem. Badacz spędził 20 lat na Wschodzie, badając powiązania lokalnych tradycji z włoskim renesansem i odkrył dokumenty wskazujące, że ojciec Leonarda, notariusz Piero, miał bogatego klienta, a on miał niewolnika, którego sprowadził z Chin. Miała na imię Katerina - została matką geniusza renesansu. To właśnie fakt, że w żyłach Leonarda płynęła wschodnia krew, badacz wyjaśnia słynne „pismo Leonarda” – umiejętność mistrza pisania od prawej do lewej (tak dokonywano wpisów w jego pamiętnikach). Badacz dostrzegł także orientalne rysy na twarzy modelki i w krajobrazie za nią. Paratico sugeruje ekshumację szczątków Leonarda i przetestowanie jego DNA, aby potwierdzić jego teorię.

Oficjalna wersja mówi, że Leonardo był synem notariusza Piero i „miejscowej wieśniaczki” Kateriny. Nie mógł poślubić kobiety pozbawionej korzeni, ale wziął za żonę dziewczynę z rodziny szlacheckiej z posagiem, która okazała się jednak bezpłodna. Katerina wychowywała dziecko przez kilka pierwszych lat jego życia, a następnie ojciec przyjął syna do swojego domu. Prawie nic nie wiadomo o matce Leonarda. Ale rzeczywiście istnieje opinia, że ​​​​artysta oddzielił się od matki wczesne dzieciństwo przez całe życie starał się odtworzyć na swoich obrazach wizerunek i uśmiech swojej matki. Założenie to przyjął Zygmunt Freud w swojej książce „Wspomnienia z dzieciństwa. Leonardo da Vinci” i zyskała wielu zwolenników wśród historyków sztuki.

Wersja nr 3: Mona Lisa jest mężczyzną

Widzowie często zauważają, że na wizerunku Mony Lisy, pomimo całej delikatności i skromności, jest pewien rodzaj męskości, a twarz młodej modelki, niemal pozbawiona brwi i rzęs, wydaje się chłopięca. Słynny badacz Mony Lisy, Silvano Vincenti, uważa, że ​​to nie przypadek. Jest pewien, że Leonardo pozował… jako młody mężczyzna w kobiecej sukni. A to nie kto inny jak Salai – uczeń da Vinci, którego namalował na obrazach „Jan Chrzciciel” i „Anioł w ciele”, gdzie młody człowiek obdarzony jest tym samym uśmiechem co Mona Lisa. Historyk sztuki doszedł jednak do takiego wniosku nie tylko ze względu na zewnętrzne podobieństwo modeli, ale po przestudiowaniu zdjęć w wysokiej rozdzielczości, które pozwoliły zobaczyć Vincentiego w oczach modelki L i S – pierwszych liter imion zdaniem biegłego autor zdjęcia i przedstawiony na nim młody mężczyzna.

„Jan Chrzciciel” Leonarda Da Vinci (Luwr)

Za tą wersją przemawia także szczególna relacja – o której także wspomniał Vasari – pomiędzy modelką a artystą, która być może łączyła Leonarda i Salaia. Da Vinci nie był żonaty i nie miał dzieci. Jednocześnie istnieje dokument donosowy, w którym anonimowa osoba oskarża artystę o sodomię wobec pewnego 17-letniego chłopca Jacopo Saltarelliego.

Według wielu badaczy Leonardo miał kilku uczniów, a z niektórymi z nich był więcej niż blisko. Freud omawia także homoseksualizm Leonarda, potwierdzając tę ​​wersję psychiatryczną analizą jego biografii i pamiętnika geniusza renesansu. Notatki Da Vinci na temat Salai są również uważane za argument na korzyść. Istnieje nawet wersja, że ​​da Vinci pozostawił portret Salaia (ponieważ obraz jest wymieniony w testamencie ucznia mistrza), i od niego obraz trafił do Franciszka I.

Nawiasem mówiąc, ten sam Silvano Vincenti wysunął jeszcze jedno założenie: że obraz przedstawia pewną kobietę z orszaku Ludwika Sforzy, na którego dworze w Mediolanie Leonardo pracował w latach 1482–1499 jako architekt i inżynier. Wersja ta pojawiła się po tym, jak Vincenti zobaczył na odwrocie płótna cyfry 149. Jest to według badacza data namalowania obrazu, jedynie ostatnia cyfra została usunięta. Tradycyjnie uważa się, że mistrz zaczął malować Giocondę w 1503 roku.

Kandydatek do tytułu Mony Lisy konkurujących z Salaiem jest jednak wielu innych: są to Isabella Gualandi, Ginevra Benci, Constanza d'Avalos, libertynka Caterina Sforza, pewna tajemnicza kochanka Lorenza de' Medici, a nawet pielęgniarka Leonarda.

Wersja nr 4: Gioconda to Leonardo

Kolejna nieoczekiwana teoria, na którą nawiązał Freud, znalazła potwierdzenie w badaniach Amerykanki Lillian Schwartz. Lilian jest pewna, że ​​Mona Lisa to autoportret. Artystka i konsultantka graficzna w School of Visual Arts w Nowym Jorku w latach 80. XX wieku, porównała słynny „Autoportret Turyński” autorstwa artysty w bardzo średnim wieku z portretem Mony Lisy i stwierdziła, że ​​proporcje twarzy ( kształt głowy, rozstaw oczu, wysokość czoła) były takie same.

A w 2009 roku Lilian wraz z historyczką-amatorką Lynn Picknett sprawiły społeczeństwu kolejną niesamowitą sensację: twierdzi, że Całun Turyński to nic innego jak odcisk twarzy Leonarda wykonany przy użyciu siarczanu srebra przy użyciu zasady Camera obscura.

Jednak niewielu wspierało Lilian w jej badaniach – teorie te nie należą do najpopularniejszych, wbrew poniższemu założeniu.

Wersja nr 5: arcydzieło z zespołem Downa

Gioconda cierpiał na chorobę Downa – do takiego wniosku doszedł w latach 70. angielski fotograf Leo Vala, gdy wymyślił sposób na „obrócenie” Mony Lisy z profilu.

W tym samym czasie duński lekarz Finn Becker-Christiansson zdiagnozował u Giocondy wrodzone porażenie twarzy. Jego zdaniem asymetryczny uśmiech mówi o odchyleniach psychicznych, aż do idiotyzmu włącznie.

W 1991 roku francuski rzeźbiarz Alain Roche postanowił ucieleśnić Mona Lisę w marmurze, ale nie wyszło. Okazało się, że z fizjologicznego punktu widzenia wszystko w modelu jest nie tak: twarz, ramiona i ramiona. Następnie rzeźbiarz zwrócił się do fizjologa, profesora Henri Greppo, i pozyskał specjalistę w dziedzinie mikrochirurgii ręki, Jean-Jacquesa Conte. Razem doszli do wniosku, że prawa ręka tajemnicza kobieta nie opiera się na lewej stronie, ponieważ jest prawdopodobnie krótszy i może powodować drgawki. Wniosek: prawa połowa ciała modelki jest sparaliżowana, co oznacza, że ​​tajemniczy uśmiech to także tylko spazm.

Pełną „dokumentację medyczną” Giocondy zebrał ginekolog Julio Cruz y Hermida w swojej książce „Spojrzenie na Giocondę oczami lekarza”. Rezultat był taki straszny obrazże nie jest jasne, jak ta kobieta w ogóle żyła. Według różnych badaczy cierpiała na łysienie (wypadanie włosów), wysoki poziom cholesterolu we krwi, odsłonięcia szyjek zębów, ich rozchwiania i utraty, a nawet alkoholizmu. Miała chorobę Parkinsona, tłuszczaka (łagodny guz tłuszczowy na prawym ramieniu), zeza, zaćmę i heterochromię tęczówki (różne kolory oczu) oraz astmę.

Kto jednak powiedział, że Leonardo był anatomicznie dokładny – a co jeśli tajemnica geniuszu tkwi właśnie w tej dysproporcji?

Wersja nr 6: dziecko pod sercem

Istnieje inna polarna wersja „medyczna” - ciąża. Amerykański ginekolog Kenneth D. Keel jest pewien, że Mona Lisa odruchowo skrzyżowała ramiona na brzuchu, próbując chronić swoje nienarodzone dziecko. Prawdopodobieństwo jest wysokie, ponieważ Lisa Gherardini miała pięcioro dzieci (nawiasem mówiąc, pierworodny miał na imię Pierrot). Wskazówkę na zasadność tej wersji można znaleźć w tytule portretu: Ritratto di Monna Lisa del Giocondo (włoski) - „Portret pani Lisy Giocondo”. Monna to skrót od ma donna – Madonna, Matka Boża (choć oznacza także „moją panią”, panią). Krytycy sztuki często tłumaczą geniusz obrazu właśnie tym, że przedstawia ziemską kobietę na obraz Matki Bożej.

Wersja nr 7: ikonograficzna

Jednak popularna sama w sobie jest teoria, że ​​Mona Lisa jest ikoną, w której ziemska kobieta zajęła miejsce Matki Bożej. Na tym polega geniusz dzieła i dlatego stało się ono symbolem początku nowa era w sztuce. Wcześniej sztuka służyła kościołowi, rządowi i szlachcie. Leonardo udowadnia, że ​​ponad tym wszystkim stoi artysta, że ​​najcenniejsza jest twórcza idea mistrza. A świetnym pomysłem jest ukazanie dwoistości świata, a środkiem do tego jest wizerunek Mony Lisy, która łączy piękno boskie i ziemskie.

Wersja nr 8: Leonardo - twórca 3D

To połączenie zostało osiągnięte dzięki specjalnej technice wymyślonej przez Leonarda - sfumato (z włoskiego - „znikający jak dym”). To właśnie ta technika malowania, polegająca na nakładaniu farb warstwa po warstwie, pozwoliła Leonardo stworzyć na obrazie perspektywę powietrzną. Artysta nałożył ich niezliczoną ilość warstw, a każda z nich była niemal przezroczysta. Dzięki tej technice światło odbija się i rozprasza na płótnie w różny sposób, w zależności od kąta patrzenia i kąta padania światła. Dlatego wyraz twarzy modelki ciągle się zmienia.

Badacze dochodzą do wniosku. Kolejny przełom techniczny geniusza, który przewidział i próbował wdrożyć wiele wynalazków, które wdrożono wieki później (samolot, czołg, kombinezon do nurkowania itp.). Świadczy o tym wersja portretu przechowywana w Muzeum Prado w Madrycie, namalowana albo przez samego da Vinci, albo przez jego ucznia. Przedstawia ten sam model - tylko kąt jest przesunięty o 69 cm. Dlatego eksperci uważają, że poszukiwano pożądanego punktu na obrazie, który da efekt 3D.

Wersja nr 9: tajne znaki

Tajne znaki- ulubiony temat badaczy Mony Lisy. Leonardo to nie tylko artysta, to inżynier, wynalazca, naukowiec, pisarz i zapewne w swoim najlepszym obrazie zaszyfrował jakieś uniwersalne tajemnice. Najbardziej odważna i niesamowita wersja została wyrażona w książce, a następnie w filmie „Kod Da Vinci”. Jest to oczywiście powieść obyczajowa. Jednak badacze nieustannie wyciągają równie fantastyczne założenia w oparciu o pewne symbole znalezione na obrazie.

Wiele spekulacji wynika z faktu, że istnieje inny ukryty wizerunek Mony Lisy. Na przykład postać anioła lub pióro w rękach modelki. Istnieje również interesująca wersja Walerija Czudinowa, który odkrył w Mona Lisie słowa Yara Mara – imię rosyjskiej pogańskiej bogini.

Wersja nr 10: krajobraz przycięty

Wiele wersji nawiązuje także do krajobrazu, na tle którego ukazana jest Mona Lisa. Badacz Igor Ladov odkrył w nim cykliczność: wydaje się, że warto narysować kilka linii, aby połączyć krawędzie krajobrazu. Do złożenia wszystkiego brakuje zaledwie kilku centymetrów. Ale w wersji obrazu z Muzeum Prado znajdują się kolumny, które najwyraźniej były również w oryginale. Nikt nie wie, kto przyciął zdjęcie. Jeśli je zwrócisz, obraz rozwinie się w cykliczny krajobraz, który symbolizuje co życie ludzkie(w sensie globalnym) zaczarowany tak jak wszystko w naturze...

Wydaje się, że wersji rozwiązania zagadki Mony Lisy jest tyle, ilu ludzi próbuje zgłębić to arcydzieło. Na wszystko było miejsce: od podziwu nieziemskie piękno- do czasu rozpoznania całkowitej patologii. Każdy odnajduje w Mona Lisie coś swojego i być może właśnie tu manifestuje się wielowymiarowość i semantyczna wielowarstwowość płótna, która daje każdemu możliwość uruchomienia wyobraźni. Tymczasem tajemnica Mony Lisy pozostaje własnością tej tajemniczej pani, z lekkim uśmiechem na ustach...

Najprawdopodobniej Vasari po prostu dodał historię o błaznach dla rozrywki czytelników. W tekście Vasariego znajduje się także dokładny opis brakujących na obrazie brwi. Ta niedokładność mogła powstać tylko wtedy, gdy autor opisał obraz z pamięci lub z opowieści innych osób. Aleksiej Dżiwelegow pisze, że stwierdzenie Vasariego, że „prace nad portretem trwały cztery lata, jest wyraźnie przesadzone: Leonardo po powrocie z Cezara Borgii nie przebywał we Florencji tak długo, a gdyby zaczął malować portret przed wyjazdem do Cezara, Vasari prawdopodobnie powiedziałbym, że pisał to przez pięć lat.” Naukowiec pisze także o błędnym wskazaniu niedokończonego charakteru portretu – „malowanie portretu niewątpliwie trwało długo i zostało ukończone, niezależnie od tego, co mówił Vasari, który w swojej biografii Leonarda stylizował go na artystę, który w w zasadzie nie mógł dokończyć żadnej większej pracy. I nie tylko został ukończony, ale jest jednym z najstaranniej ukończonych dzieł Leonarda.

Ciekawostką jest to, że Vasari w swoim opisie podziwia talent Leonarda do przekazywania zjawisk fizycznych, a nie podobieństwo modela do obrazu. Wydaje się, że właśnie ta „fizyczna” cecha arcydzieła wywarła głębokie wrażenie na osobach odwiedzających pracownię artysty i dotarła do Vasariego prawie pięćdziesiąt lat później.

Obraz był dobrze znany miłośnikom sztuki, choć Leonardo w 1516 roku opuścił Włochy i udał się do Francji, zabierając obraz ze sobą. Według źródeł włoskich znajdował się od tego czasu w kolekcji króla Francji Franciszka I, nie jest jednak jasne, kiedy i w jaki sposób go nabył oraz dlaczego Leonardo nie zwrócił go klientowi.

Inny

Być może artysta rzeczywiście nie dokończył obrazu we Florencji, lecz zabrał go ze sobą wyjeżdżając w 1516 roku i wykonał ostatnią kreskę pod nieobecność świadków, którzy mogliby o tym opowiedzieć Vasariemu. Jeśli tak, ukończył ją na krótko przed śmiercią w 1519 roku. (We Francji mieszkał w Clos Luce, niedaleko zamku królewskiego w Amboise).

Choć Vasari podaje informacje na temat tożsamości kobiety, przez długi czas panowała co do niej niepewność i wyrażano wiele wersji:

Uważa się jednak, że wersja o zgodności ogólnie przyjętej nazwy obrazu z osobowością modelki z 2005 roku znalazła ostateczne potwierdzenie. Naukowcy z Uniwersytetu w Heidelbergu zbadali notatki znajdujące się na marginesach księgi, której właścicielem był florencki urzędnik, osobisty znajomy artysty Agostino Vespucciego. W notatkach na marginesach książki porównuje Leonarda ze słynnym starożytnym greckim malarzem Apellesem i zauważa, że „da Vinci pracuje obecnie nad trzema obrazami, z których jeden to portret Lisy Gherardini”. Tak więc Mona Lisa naprawdę okazała się żoną florenckiego kupca Francesco del Giocondo - Lisą Gherardini. Obraz, jak udowadniają w tym przypadku naukowcy, został zamówiony przez Leonarda do nowego domu młodej rodziny i dla upamiętnienia narodzin ich drugiego syna, imieniem Andrea.

• Dolna krawędź obrazu odcina drugą połowę jej ciała, zatem portret jest niemal w połowie długości. Krzesło, na którym siedzi modelka, stoi na balkonie lub loggii, której linia parapetu jest widoczna za jej łokciami. Uważa się, że wcześniej obraz mógł być szerszy i pomieścić dwie boczne kolumny loggii, z których obecnie zachowały się dwie podstawy kolumn, których fragmenty są widoczne wzdłuż krawędzi attyki.

  Loggia wychodzi na opuszczoną pustynię z wijącymi się strumieniami i jeziorem otoczonym ośnieżonymi górami, które rozciągają się na wysoką panoramę za postacią. „Mona Lisa ukazana jest w pozycji siedzącej na krześle na tle pejzażu, a samo zestawienie jej postaci, bardzo blisko widza, z krajobrazem widocznym z daleka niczym potężna góra, nadaje obrazowi niezwykłej wielkości. To samo wrażenie wywołuje kontrast wzmożonej plastyczności postaci i jej gładkiej, uogólnionej sylwetki z wizjonerskim krajobrazem rozciągającym się w mglistą dal, z dziwacznymi skałami i wijącymi się między nimi kanałami wodnymi.

  Kompozycja

  Boris Vipper pisze, że pomimo śladów Quattrocento „w swoim ubraniu z małym wycięciem na piersi i rękawami w luźnych fałdach, podobnie jak w prostej postawie, lekkim skręcie ciała i delikatnym geście rąk, Mona Lisa należy w całości do epoki stylu klasycznego.” Michaił Ałpatow zauważa, że ​​„Gioconda jest doskonale wpisana w ściśle proporcjonalny prostokąt, jej półpostać tworzy pewną całość, złożone dłonie nadają jej obrazowi pełnię. Oczywiście nie mogło być mowy o fantazyjnych lokach wczesnego „Zwiastowania”. Jednak niezależnie od tego, jak złagodzone są wszystkie kontury, faliste pasmo włosów Mony Lisy współgra z przezroczystym welonem, a wiszący materiał przerzucony przez ramię odnajduje echo w gładkich zakrętach odległej drogi. W tym wszystkim Leonardo demonstruje umiejętność tworzenia zgodnie z prawami rytmu i harmonii.”

  Stan obecny

  „Mona Lisa” stała się bardzo ciemna, co uważa się za wynik wrodzonej skłonności autora do eksperymentowania z farbami, przez co fresk „Ostatnia wieczerza” praktycznie umarł. Współcześni artyście potrafili jednak wyrazić swój zachwyt nie tylko kompozycją, projektem i grą światłocienia – ale także kolorystyką dzieła. Zakłada się np., że rękawy jej sukni mogły pierwotnie być czerwone – co widać na kopii obrazu z Prado.

  Obecny stan obrazu jest dość zły, dlatego pracownicy Luwru ogłosili, że nie będą już przekazywać go na wystawy: „W obrazie powstały pęknięcia, a jedno z nich kończy się kilka milimetrów nad głową Mony Lisy”.

  Analiza

  Technika

  Jak zauważa Dzivelegov, do czasu powstania Mony Lisy mistrzostwo Leonarda „weszło już w fazę takiej dojrzałości, kiedy zostały postawione i rozwiązane wszystkie formalne zadania o charakterze kompozycyjnym i innym, kiedy Leonardo zaczął sądzić, że tylko ostatnie, najtrudniejsze zadania technika artystyczna zasługują na uwagę. A kiedy w osobie Mony Lisy znalazł model, który zaspokoił jego potrzeby, próbował rozwiązać niektóre z najwyższych i najtrudniejszych problemów techniki malarskiej, których jeszcze nie rozwiązał. Chciał, używając technik, które już wcześniej opracował i wypróbował, zwłaszcza przy pomocy swojej sławy sfumato, który wcześniej dawał niezwykłe efekty, robi więcej niż wcześniej: tworzy żywa twarzżywą osobę i tak odtworzyć rysy i wyraz tej twarzy, aby odsłoniły się do końca świat wewnętrzny osoba." Boris Vipper zadaje pytanie „w jaki sposób osiągnięto tę duchowość, tę nieśmiertelną iskrę świadomości w obrazie Mony Lisy, wówczas należy wymienić dwa główne środki. Jednym z nich jest wspaniałe sfumato Leonarda. Nic dziwnego, że Leonardo lubił mawiać, że „modelowanie jest duszą malarstwa”. To sfumato tworzy wilgotne spojrzenie Giocondy, jej uśmiech lekki jak wiatr i niezrównaną pieszczotliwą miękkość dotyku jej dłoni. Sfumato to subtelna mgiełka otulająca twarz i sylwetkę, zmiękczająca kontury i cienie. W tym celu Leonardo zalecał umieszczenie, jak to określił, „rodzaju mgły” pomiędzy źródłem światła a ciałami.

  Alpatov dodaje, że „w delikatnie topniejącej mgle spowijającej twarz i sylwetkę Leonardo zdołał sprawić, że odczuto nieograniczoną zmienność ludzkiej mimiki. Choć oczy Giocondy patrzą na widza uważnie i spokojnie, to dzięki przyciemnieniu oczodołów można odnieść wrażenie, że lekko się marszczą; jej usta są zaciśnięte, ale w ich kącikach znajdują się subtelne cienie, które sprawiają, że wierzysz, że co minutę będą się otwierać, uśmiechać i mówić. Sam kontrast między jej spojrzeniem a półuśmiechem na ustach daje wyobrażenie o niespójności jej doświadczeń. (...) Leonardo pracował nad tym kilka lat, dbając o to, aby na obrazie nie pozostał ani jeden ostry pociąg, ani jeden kanciasty zarys; i chociaż krawędzie znajdujących się w nim obiektów są wyraźnie wyczuwalne, wszystkie rozpływają się w najsubtelniejszych przejściach od półcienia do półświatła.”

  Sceneria

  Krytycy sztuki podkreślają w organiczny sposób, w jaki artysta połączył portretową charakterystykę osoby z pejzażem pełnym szczególnego nastroju i jak bardzo podniosło to dostojeństwo portretu.

  Whipper uważa krajobraz za drugie medium tworzące duchowość obrazu: „Drugim medium jest relacja pomiędzy figurą a tłem. Fantastyczny, skalisty krajobraz, widziany jakby przez morską wodę, na portrecie Mony Lisy ma inną rzeczywistość niż sama postać. Mona Lisa ma rzeczywistość życia, krajobraz ma rzeczywistość snu. Dzięki temu kontrastowi Mona Lisa wydaje się niezwykle bliska i namacalna, a my postrzegamy ten krajobraz jako promieniowanie jej własnych snów.”

  Badacz sztuki renesansu Wiktor Graszczenkow pisze, że Leonardo, także dzięki pejzażowi, zdołał stworzyć nie portret konkretnej osoby, ale obraz uniwersalny: „W tym tajemniczy obraz stworzył coś więcej niż portret nieznanej florenckiej Mony Lisy, trzeciej żony Francesco del Giocondo. Wygląd i struktura mentalna konkretnej osoby są przez niego przekazywane z niespotykaną dotąd syntetycznością. Ten bezosobowy psychologizm nawiązuje do kosmicznej abstrakcji krajobrazu, niemal całkowicie pozbawionego jakichkolwiek oznak obecności człowieka. W przydymionym światłocieniu złagodzone zostają nie tylko zarysy postaci i krajobrazu, ale także wszystkie tony kolorystyczne. W subtelnych, prawie niezauważalnych dla oka przejściach od światła do cienia, w wibracji Leonardowskiego „sfumato”, wszelka określoność indywidualności i jej stanu psychicznego mięknie do granic możliwości, topnieje i gotowa jest zniknąć. (…) „La Gioconda” nie jest portretem. Jest to widzialny symbol samego życia człowieka i natury, zjednoczonych w jedną całość i przedstawiony abstrakcyjnie od jej indywidualnej, konkretnej formy. Ale za ledwo zauważalnym ruchem, który niczym fale światła przebiega po nieruchomej powierzchni tego harmonijnego świata, można dostrzec całe bogactwo możliwości istnienia fizycznego i duchowego.

  „Mona Lisa” została zaprojektowana w złocistobrązowych i czerwonawych odcieniach na pierwszym planie oraz szmaragdowo zielonych odcieniach w tle. „Przezroczyste, jak szkło, kolory tworzą stop, jakby stworzony nie przez ludzką rękę, ale przez nią wewnętrzna siła materia, która z roztworu rodzi kryształy o doskonałym kształcie.” Podobnie jak wiele dzieł Leonarda, to dzieło z biegiem czasu pociemniało, a relacje kolorystyczne nieco się zmieniły, ale nawet teraz wyraźnie można dostrzec przemyślane zestawienia odcieni goździków i ubioru oraz ich ogólny kontrast z niebiesko-zielonym, „podwodny” ton krajobrazu .

  Uśmiech Giocondy

  Krytyk sztuki Rotenberg uważa, że ​​„w całej sztuce światowej niewiele jest portretów dorównujących Mona Lisie pod względem siły wyrazu ludzkiej osobowości, ucieleśnionej w jedności charakteru i intelektu. To niezwykły ładunek intelektualny portretu Leonarda odróżnia go od portretów Quattrocento. Ta cecha jego twórczości jest tym dotkliwiej dostrzegana, że ​​nawiązuje do portretu kobiecego, w którym charakter modelki ujawniał się wcześniej w zupełnie innej, przeważnie lirycznej, figuratywnej tonacji. Poczucie siły emanujące z „Mony Lisy” jest organicznym połączeniem wewnętrznego spokoju i poczucia osobistej wolności, duchowej harmonii osoby opartej na świadomości własnego znaczenia. A sam jej uśmiech wcale nie wyraża wyższości czy pogardy; jest postrzegane jako wynik spokojnej pewności siebie i całkowitej samokontroli.”

  Boris Vipper zwraca uwagę, że wspomniany brak brwi i ogolone czoło być może mimowolnie potęgują dziwną tajemniczość w jej wyrazie twarzy. O potędze obrazu pisze dalej: „Jeśli zadamy sobie pytanie, jaka jest wielka siła przyciągania Mony Lisy, jej naprawdę nieporównywalne działanie hipnotyczne, to odpowiedź może być tylko jedna – w jej duchowości. Najbardziej pomysłowe i najbardziej przeciwne interpretacje znalazły się w uśmiechu „Mony Lisy”. Chcieli odczytać w nim dumę i czułość, zmysłowość i kokieterię, okrucieństwo i skromność. Błąd polegał po pierwsze na tym, że w obrazie Mony Lisy za wszelką cenę szukano indywidualnych, subiektywnych właściwości duchowych, podczas gdy nie ulega wątpliwości, że Leonardo dążył do duchowości typowej. Po drugie, co może nawet ważniejsze, próbowano przypisać duchowości Mony Lisy treść emocjonalną, podczas gdy w rzeczywistości ma ona korzenie intelektualne. Cud Mony Lisy polega właśnie na tym, że ona myśli; że stojąc przed pożółkłą, popękaną deską nieodparcie odczuwamy obecność istoty obdarzonej inteligencją, istoty, z którą możemy rozmawiać i od której możemy oczekiwać odpowiedzi.

  Lazarev analizował to jako naukowiec zajmujący się sztuką: „Ten uśmiech jest nie tyle indywidualną cechą Mony Lisy, ile typową receptą na psychologiczną rewitalizację, formułą, która niczym czerwona nić przebiega przez wszystkie młodzieńcze obrazy Leonarda, formułą, która później stała się w rękach swoich uczniów i naśladowców, w tradycyjny znaczek. Podobnie jak proporcje postaci Leonarda, opiera się na najlepszych pomiarach matematycznych, przy ścisłym uwzględnieniu wartości wyrazistych poszczególnych części twarzy. A mimo to ten uśmiech jest absolutnie naturalny i na tym właśnie polega siła jego uroku. Odbiera z twarzy wszystko, co twarde, napięte i zamrożone, zamienia ją w lustro niejasnych, nieokreślonych przeżyć emocjonalnych; w swojej nieuchwytnej lekkości można ją porównać jedynie do fali płynącej po wodzie.

  Jej analiza przyciągnęła uwagę nie tylko historyków sztuki, ale także psychologów. Zygmunt Freud pisze: „Kto wyobraża sobie obrazy Leonarda, kojarzy się z dziwnym, urzekającym i tajemniczym uśmiechem ukrytym na ustach jego kobiecych wizerunków. Uśmiech zastygły na wydłużonych, drżących wargach stał się dla niego charakterystyczny i najczęściej nazywany jest „leonardowskim”. W szczególnie pięknym wyglądzie florenckiej Mony Lisy del Gioconda najbardziej urzeka i pogrąża widza w zamęcie. Ten uśmiech wymagał jednej interpretacji, ale znalazł wiele interpretacji, z których żadna nie była satysfakcjonująca. (...) Wśród wielu krytyków zrodziło się przypuszczenie, że w uśmiechu Mony Lisy połączyły się dwa różne elementy. Dlatego w wyrazie twarzy pięknej Florentynki widzieli najdoskonalszy obraz antagonizmu, jaki panuje kochaj życie kobiety, powściągliwość i uwodzenie, ofiarna czułość i lekkomyślne żądanie zmysłowości, pochłaniające mężczyznę jako coś obcego. (...) Leonardo w osobie Mony Lisy zdołał odtworzyć podwójne znaczenie jej uśmiechu, obietnicę bezgranicznej czułości i złowrogiej groźby.”

  Widza szczególnie fascynuje demoniczny urok tego uśmiechu. O tej kobiecie pisało setki poetów i pisarzy, która zdaje się uśmiechać się uwodzicielsko lub zamrożona, chłodno i bezdusznie patrzy w przestrzeń i nikt nie rozwikłał jej uśmiechu, nikt nie zinterpretował jej myśli. Wszystko, nawet krajobraz, jest tajemnicze, jak sen, drżące, jak przedburzowa mgła zmysłowości (Muter).

  Miejsce w rozwoju gatunku

  „Mona Lisa” jest uważana za jedną z najlepsze prace w gatunku portretu, który wywarł wpływ na twórczość wysokiego renesansu i pośrednio za ich pośrednictwem na cały późniejszy rozwój gatunku portretu, który „musi zawsze powracać do La Giocondy jako wzór nieosiągalny, ale obowiązkowy”.

  Historycy sztuki zauważają, że portret Mony Lisy był decydującym krokiem w rozwoju portretu renesansowego. Rothenberg pisze: „chociaż malarze Quattrocento pozostawili po sobie wielu znaczące dzieła tego gatunku, choć ich osiągnięcia w portrecie były, by tak rzec, nieproporcjonalne do osiągnięć w głównych gatunkach malarstwa – w kompozycjach o tematyce religijnej i mitologicznej. Nierówność gatunku portretu znalazła już odzwierciedlenie w samej „ikonografii” obrazów portretowych. Rzeczywiste dzieła portretowe z XV wieku, z całym ich niezaprzeczalnym podobieństwem fizjonomicznym i uczuciem, jakie emanują wewnętrzna siła Wyróżniały je także ograniczenia zewnętrzne i wewnętrzne. Całe bogactwo ludzkich uczuć i doświadczeń, charakteryzujące biblijne i mitologiczne wizerunki malarzy XV-wiecznych, zwykle nie było własnością ich dzieł portretowych. Echa tego widać we wcześniejszych portretach samego Leonarda, wykonanych przez niego w pierwszych latach pobytu w Mediolanie. (...) Dla porównania portret Mony Lisy jawi się jako wynik gigantycznej zmiany jakościowej. Po raz pierwszy obraz portretowy pod względem znaczenia dorównał najbardziej jasne obrazy inne gatunki malarskie”.

  W swojej nowatorskiej pracy Leonardo przeniósł główny środek ciężkości na twarz portretu. Jednocześnie używał rąk jako potężnego narzędzia cechy psychologiczne. Nadając portretowi pokoleniowy format, artysta mógł zaprezentować szerszą gamę technik artystycznych. I najważniejsze w strukturę figuratywną Portret jest podporządkowaniem wszystkich szczegółów przewodniej idei. „Głowa i dłonie są niewątpliwym centrum obrazu, któremu poświęcane są pozostałe jego elementy. Bajeczny krajobraz wydaje się prześwitywać wody morskie wydaje się takie odległe i nieuchwytne. Jego głównym celem nie jest odwracanie uwagi widza od twarzy. I taką samą rolę ma pełnić ubranie, które układa się w najmniejsze fałdy. Leonardo celowo unika ciężkich draperiów, które mogłyby zaciemnić wyrazistość jego dłoni i twarzy. Zmusza więc tych ostatnich do występów ze szczególną siłą, tym większą, im skromniejszy i bardziej neutralny jest krajobraz i strój, porównywany do cichego, ledwo zauważalnego akompaniamentu.

  Uczniowie i naśladowcy Leonarda stworzyli liczne repliki Mony Lisy. Część z nich (ze zbiorów Vernona w USA, z kolekcji Waltera w Baltimore w USA, a także przez pewien czas z Isleworth Mona Lisa w Szwajcarii) przez swoich właścicieli uważana jest za autentyczną, a obraz znajdujący się w Luwrze za kopię. Pojawia się także ikonografia „nagiej Mony Lisy”, prezentowana w kilku wersjach („Piękna Gabrielle”, „Monna Vanna”, Ermitaż „Donna Nuda”), najwyraźniej autorstwa własnych uczniów artysty. Duża ich liczba dała początek niemożliwej do udowodnienia wersji, że istnieje wersja nagiej Mony Lisy, namalowana przez samego mistrza.

  • Po tym, jak Mona Lisa zyskała niesamowitą popularność dzięki kradzieży w 1911 r. (patrz sekcja poniżej), artyści zwrócili na nią uwagę, czyniąc ją przedmiotem eksperymentów i nadając jej dalszy impuls popularności. „Malewicz i Duchamp przeciwstawiali swoją antysztukę eksperymentu sztuce tradycyjnej ze wszystkimi jej „burżuazyjnymi” wartościami. Opinia publiczna poczuła się urażona do głębi, a Mona Lisa stała się jeszcze bardziej sławna.

    • W 1914 roku Kazimierz Malewicz wykonał kolaż „Kompozycja z Moną Lisą”, w którym dwukrotnie przekreślił wizerunek jej reprodukcji i dopisał u góry „Częściowe zaćmienie”.
    • Dadaista Marcel Duchamp w 1919 roku stworzył dzieło „L.H.O.O.Q.”, które stało się punktem zwrotnym dla kolejnych dzieł artystów. , co było reprodukcją słynny obraz z zaciągniętymi wąsami. Nazwa ukrywała tłustość: jeśli szybko powiesz „L.H.O.O.Q.”, otrzymasz to wyrażenie po francusku „Elle á chaud au cul”(„ma gorącą dupę”, czyli „dziewczyna jest bardzo napalona”).
    • Fernand Léger namalował „Mona Lisę z kluczami” w 1930 roku.
    • Rene Magritte w 1960 roku stworzył obraz „La Gioconda”, w którym nie ma Mony Lisy, ale jest okno.
    • Salvador Dali namalował Autoportret jako Mona Lisa w 1964 roku.

    Światowe tournee po wystawie Mony Lisy w latach 60. pomogło zglobalizować jej sławę (patrz poniżej). Znalazło to odzwierciedlenie w sztuce: „Amerykańscy artyści awangardowi nie zrzucili La Giocondy z piedestału, jak kiedyś zrobili to ich europejscy koledzy. Wręcz przeciwnie, Andy Warhol, Jasper Johns, Robert Rauschenberg i inne gwiazdy pop-artu zaczęły wykorzystywać wizerunek Mony Lisy w taki sam sposób, jak inne wytwory kultury masowej – od puszki zupy Campbella po Marilyn Monroe.

    • Andy Warhol w 1963 i 1978 stworzył kompozycję „Cztery Mona Lisy” i „Trzydzieści są lepsze niż jeden Andy Warhol” (1963), „Mona Lisa (dwa razy)” ().
    • Przedstawiciel sztuki figuratywnej Fernando Botero napisał „Mona Lisę w wieku dwunastu lat” w 1959 r., a w 1963 r. stworzył wizerunek Mony Lisy w charakterystyczny dla siebie sposób, wyolbrzymiając jej wagę.
    • Jasper Jones użył jej wizerunku na Rysunku 7 w 1968 roku.
    • Robert Rauschenberg stworzył Pneumonia Lisa w 1982 roku.
    • Słynny artysta graffiti Banksy stworzył rysunek Mony Lisy, ukazanej na pełnej wysokości, odwracając ją tyłem do widza, unosząc rąbek i ukazując goły tyłek. Jest także właścicielem „Mona Lisa Mujaheddin” - Mona Lisa z granatnikiem.
    Zobacz także:Mona Lisa repliki i reinterpretacje

    W czasach nowożytnych

    Lokalizacja

    W chwili jego śmierci w 1525 r. asystent (i być może kochanek) Leonarda imieniem Salai był w posiadaniu, zgodnie z wzmiankami w jego osobistych dokumentach, portretem kobiety o imieniu „La Gioconda” ( quadro de una dona aretata), który został mu przekazany przez nauczyciela. Salai pozostawił obraz swoim siostrom, które mieszkały w Mediolanie. Pozostaje tajemnicą, w jaki sposób w tym przypadku portret przedostał się z Mediolanu do Francji. Nie wiadomo także, kto i kiedy dokładnie obciął krawędzie obrazu z kolumnami, które według większości badaczy, na podstawie porównania z innymi portretami, istniały w wersji oryginalnej. W przeciwieństwie do innego wykadrowanego dzieła Leonarda - „Portret Ginevry Benci”, którego dolna część została przycięta, ponieważ została uszkodzona przez wodę lub ogień, w tym przypadku przyczyny były najprawdopodobniej natury kompozycyjnej. Istnieje wersja, w której zrobił to sam Leonardo da Vinci.

    Uważa się, że król Franciszek I kupił obraz od spadkobierców Salaia (za 4000 ecu) i trzymał go w swoim zamku w Fontainebleau, gdzie pozostał do czasów Ludwika XIV. Ten ostatni przewiózł ją do Pałacu Wersalskiego, a potem Rewolucja Francuska trafił do Luwru w 1793 roku. Napoleon powiesił portret w swojej sypialni w Pałacu Tuileries, po czym wrócił do muzeum. W czasie II wojny światowej obraz ze względów bezpieczeństwa został przetransportowany z Luwru do zamku Amboise (miejsca śmierci i pochówku Leonarda), następnie do opactwa Loc-Dieu, a w końcu do Muzeum Ingres w Montauban, skąd po zwycięstwie bezpiecznie wrócił na swoje miejsce.

    Jedna z tajemnic wiąże się z głębokim uczuciem, jakim autor darzył to dzieło. Proponowano różne wyjaśnienia, np. romantyczne: Leonardo zakochał się w Monie Lisie i celowo opóźniał pracę, aby zostać z nią na dłużej, a ona drażniła go swoim tajemniczym uśmiechem i doprowadzała do największych twórczych uniesień. Ta wersja jest uważana za zwykłą spekulację. Dzivelegov uważa, że ​​to przywiązanie wynika z faktu, że znalazł w niej punkt zastosowania dla wielu swoich twórczych poszukiwań (patrz sekcja Technika). Mimo że Mona Lisa cieszyła się dużym uznaniem współczesnych artysty, jej sława później przygasła. Obraz nie został szczególnie zapamiętany aż do połowy XIX wieku, kiedy artyści bliscy ruchowi symbolistycznemu zaczęli go wychwalać, łącząc go ze swoimi wyobrażeniami o kobiecej mistyce. Krytyk Walter Pater wyraził swoją opinię w swoim eseju o da Vinci z 1867 roku, opisując postać na obrazie jako swego rodzaju mityczne ucieleśnienie wiecznej kobiecości, która jest „starsza niż skały, pomiędzy którymi siedzi” i która „umarła wiele lat temu”. razy i poznałem tajemnice życia pozagrobowego.” .

    Dalszy wzrost sławy obrazu wiązał się z jego tajemniczym zniknięciem na początku XX wieku i szczęśliwym powrotem do muzeum kilka lat później, dzięki czemu nigdy nie opuścił łamów gazet. Krytyk sztuki Grigorij Kozlov w swoim opracowaniu „Próba sztuki” w rozdziale „Mona Lisa. Jak zostać gwiazdą” szczegółowo opisuje jej drogę do sławy na przestrzeni wieków. Porównuje jej chwałę do rozchodzenia się zmarszczek na wodzie od upadłego kamienia i wskazuje, że na przestrzeni wieków chwała ta przechodziła przez kilka etapów:

    • I krąg: artyści i krytycy (XVI w.). Współcześni Leonardo zajmujący się sztuką wysoko cenili to dzieło. Wśród fanów Mony Lisy byli Raphael, Vasari i inni.
    • Drugi krąg: królowie (XVI-XVIII w.). Umiejscowienie w zbiorach Franciszka I, króla francuskiego (który powiesił go w swoim ulubionym pokoju – łazience), następnie jego podróż pałace królewskie(Fontainebleau, Luwr, Wersal, Tuileries). Jednak w XVIII wieku pociemniał i został całkowicie zapomniany, ale rewolucja francuska wszystko zmieniła – obraz został skonfiskowany dla pierwszego na świecie muzeum publicznego w Luwrze, gdzie Fragonard go zobaczył i docenił, zaliczając go do najcenniejszych obrazów muzeum. Napoleon po dojściu do władzy zabrał ją do swojej sypialni, która stała się dla niej „odskocznią do chwały”, ale po zostaniu cesarzem po 3 latach zwrócił ją do Luwru, który nazwano jego imieniem. Obraz był jednak znany jedynie koneserom i bynajmniej nie uznawany był za najlepsze dzieło artysty.
    • Krąg trzeci: inteligencja (XIX w.). W Luwrze „Mona Lisa” czołowe miejsce Nie od razu to zrozumiałem – „divą” muzeum była „Wniebowzięcie Najświętszej Marii Panny” Murillo (obecnie w Prado). Po raz pierwszy pojawił się na obrazie przedstawiającym wnętrze Luwru w 1833 r. (szt. S. Morse). Decydującą rolę na tym etapie odegrali pisarze romantyczni, którzy odnaleźli w niej idealną femme fatale stworzoną przez Leonarda, którego czcili (Walter Pater, Théophile Gautier – który „wymyślił” uśmiech, Jules Verne – który wymyślił historię miłość autorki do modelki i trójkąt miłosny z mężem). „Odkrycie” uśmiechu stało się dla intelektualistów „odkryciem” obrazu. Wynalezienie fotografii przyczyniło się do rozpowszechnienia reprodukcji. „Intelektualiści epoki wiktoriańskiej stali się sektą oddającą cześć tajemniczym i... femme fatale, którego zdjęcie zatrzymali biurko. Ich hasłem stały się słowa Waltera Patera: „Ta starsza od skał…”. Europejski bestseller Mereżkowskiego „Zmartwychwstali bogowie” o Leonardzie podjął ten temat.
    • IV krąg: tłum (od 1911 r.). Jakościowy skok w sławie obrazu wiąże się z jego kradzieżą i zwrotem (patrz sekcja poniżej). Wtedy o krok poszli awangardowi artyści, wybierając ją jako obiekt swoich eksperymentów.
    • Krąg V: wiek globalizacji (2. połowa XX w.). Do dalszej sławy przyczynił się De Gaulle, wysyłając obraz w 1962 roku jako „dyplomata” do Stanów Zjednoczonych. Jacqueline Kennedy była osobistą patronką słynne dzieło Leonardo podczas wizyty Mony Lisy, a media porównały obie panie – Giocondę i Jacqueline, nazywając drugą współczesną amerykańsko-francuską Mona Lisą. „Giocondomania” ogarnęła Amerykę, po czym zdjęcie pojawiło się w reklamie i stało się znakiem towarowym. A artyści amerykańscy(Warhol, Rauschenberg itp.) wprowadzili ją w pop-art, podobnie jak Marilyn Monroe. Podczas dalszego tournée po filmie, szczegółowo relacjonowanym przez prasę, obejrzały go miliony, dlatego w ZSRR oglądało go dziennie 4600 osób. Miało miejsce wiele zamachów na jej życie (patrz sekcja „Wandalizm” poniżej), a każdy incydent jeszcze bardziej nakręcał koło zamachowe sławy.

    Kradzież

    Mona Lisa przez długi czas była znana jedynie koneserom sztuki piękne gdyby nie wyjątkowa historia, która zapewniła jej światową sławę.

    Współczesny jej przygoda krytyk Abram Efros napisał: „...muzealny stróż, który teraz nie odstępuje obrazu na krok od jego powrotu do Luwru po porwaniu w 1911 roku, nie pilnuje portretu Francesco żony del Giocondo, ale obraz jakiejś pół-człowieka, pół-węża, stworzenia, uśmiechniętego lub ponurego, dominującego nad zimną, nagą, skalistą przestrzenią rozciągającą się za nim.

    Wandalizm

    • W 1956 r. dolna część obrazu uległa zniszczeniu w wyniku oblania go przez zwiedzającego kwasem.
    • 30 grudnia tego samego roku młody Boliwijczyk Hugo Ungaza Villegas rzucił w nią kamieniem i uszkodził warstwę farby na łokciu (strata została później odnotowana). Następnie Mona Lisa została zabezpieczona kuloodpornym szkłem, co chroniło ją przed dalszymi poważnymi atakami.
    • W kwietniu 1974 roku na wystawie w Tokio kobieta, zdenerwowana polityką muzeum dotyczącą osób niepełnosprawnych (którym nie wpuszczono na wystawę w celu zwiększenia pojemności sali), próbowała spryskać czerwoną farbą z puszki.
    • 2 kwietnia 2009 roku Rosjanka, która nie posiadała obywatelstwa francuskiego, rzuciła w szybę glinianym kubkiem. Oba te przypadki nie zaszkodziły obrazowi.

    W kulturze

    • Na jej cześć nazwano krater Mona Lisa na Wenus.
    Literatura:
    • Kradzież Mony Lisy jest tematem opowiadania Georga Heima „Złodziej” (), które dało tytuł zbiorowi opowiadań pod tym samym tytułem.
    • Władimir Majakowski, „Chmura w spodniach”: „...jesteś Giocondą, którą trzeba ukraść! I ukradli” (napisano pod świeżym wrażeniem kradzieży i zwrotu obrazu).