To kompozycja rzeźbiarska „Umierający lew”. Co prawda dzieło wykonał szwajcarski rzeźbiarz Lukas Ahorn, ale według szkicu B. Thorvaldsena.
B. Thorvaldsen, L. Ahorn „Umierający lew” (Lucerna)
Kompozycja poświęcona jest pamięci Gwardii Szwajcarskiej, która poległa podczas szturmu na Pałac Tuileries w dniu powstania 10 sierpnia 1792 roku.
Przyjrzyj się bliżej tej rzeźbie: mimika zwierzęcia wyraża niemal ludzkie cierpienie.
Kompozycja jest płaskorzeźbą wyrzeźbioną w stromym zboczu skalnym za stawem. Pomnik (9 m) znajduje się w niszy o długości 13 m i wysokości 6 m. Umierający lew leży z głową na prawej łapie, która spoczywa na tarczy z wizerunkiem lilii – symbolu króla Francji. , którego chronili bohaterscy strażnicy. Na głowie lwa znajduje się kolejna tarcza z herbem Szwajcarii. Lewe ramię lew przebity włócznią.
Nad płaskorzeźbą w skale wyryty jest łaciński napis HELVETIORUM FIDEI AC VIRTUTI („Za lojalność i odwagę Szwajcarów”); poniżej płaskorzeźby Cyfry łacińskie 760 i 350 (liczba poległych i ocalałych żołnierzy). U stóp pomnika wyryte są w kamieniu nazwiska poległych żołnierzy i oficerów.
Ogólny widok kompozycji
Opisał to Aleksander Herzen w „Przeszłości i myślach”. kompozycja rzeźbiarska: „W Lucernie znajduje się niesamowity pomnik; jest wykonany przez Thorvaldsena w dzikiej skale. W zagłębieniu leży umierający lew; jest śmiertelnie ranny, z rany, z której wystaje fragment strzały, wypływa krew; opiera swoją dzielną głowę na łapie, jęczy, jego spojrzenie wyraża nieznośny ból; Dookoła pusto, poniżej staw; wszystko to ukryte jest za górami, drzewami, zielenią.”
Biografia Bertela Thorvaldsena (1770-1844)
Johanna Gertnera. Portret Thorvaldsena (1839)
Urodzony w Kopenhadze w 1768 r. (według innych źródeł w 1770 r.). Jego ojciec, pochodzący z Islandii, był rzeźbiarzem w drewnie.
Po ukończeniu Akademii Sztuk Pięknych w Kopenhadze Bertel w 1797 roku wyjechał do Rzymu, aby studiować sztukę starożytną. Zmieniło to wszystkie jego wyobrażenia o pięknie i całe życie – we Włoszech spędził 40 lat.
W latach 1802–1803 stworzył rzeźbę „Jazon ze złotym runem”, co zostało wysoko ocenione przez A. Canovę. Utrzymany znany rzeźbiarz, Thorvaldsen szybko zyskał wielką sławę. Jego styl wyróżniał się harmonią, wdziękiem i pewną idealizacją - wszystkie te cechy zapożyczył od starożytnych autorów. Prawie wszystkie jego najlepsze dzieła opierają się na tematyce starożytnej.
B. Thorvaldsen „Wenus z jabłkiem”. Marmur. Wysokość 160,8 cm
Bogini niezgody Eris poczuła się urażona, że nie została zaproszona uczta weselna Peleusa. Postanowiła zemścić się na bogach i po cichu rzuciła ją na stół złote jabłko z napisem „najpiękniejsza”. Powstał spór pomiędzy trzema boginiami (żoną Zeusa Herą, boginią miłości Afrodytą i wojowniczką Ateną): kto jest prawowitym właścicielem złotego jabłka? Boginie zwróciły się do Zeusa, ale on nie chciał być sędzią. Najpiękniejszą z trzech bogiń miał wybrać syn króla Troi, Paryż. Paryż dał jabłko Afrodycie (w mitologii rzymskiej – Wenus).
Krytycy sztuki zauważają samowystarczalność obrazów Thorvaldsena; zdają się one nie potrzebować widza, żyją same. To „Wenus z jabłkiem”.
Thorvaldsen otrzymywał prestiżowe zlecenia, tworząc figury z marmuru lub brązu grupy rzeźbiarskie do ozdabiania architektury, portretów, pomników i nagrobków, które zazwyczaj przepojone były wzniosłym i szlachetnym duchem.
B. Thorvaldsen „Ganimedes karmiący orła Zeusa” (1817)
Ganimedes jest synem króla trojańskiego Trosa i nimfy Callirhoe. Uwiedziony niezwykłą urodą młodzieńca Zeus porwał go, wysyłając za nim orła (lub sam zamienił się w orła). Ganimedes wstąpił na Olimp, gdzie został podczaszym: nalał bogom nektaru i ofiarował ambrozję.
Elegancka kompozycja wyróżnia się naturalnością i wdziękiem.
B. Thorvaldsena. Pomnik Mikołaja Kopernika w Warszawie
W 1838 r. B. Thorvaldsen powrócił do ojczyzny i zamieszkał w Kopenhadze. Był pierwszym duńskim artystą, który zyskał szerokie międzynarodowe uznanie. Thorvaldsen dbał o rozwój sztuki w swoim kraju, dlatego w 1833 roku stał na czele Kopenhaskiej Akademii Sztuk Pięknych. Zgromadził cenną kolekcję antyków, którą umieścił wraz z modelami swoich dzieł w specjalnie wybudowanym w tym celu neoklasycystycznym budynku (1839-1848, architekt M. G. Binnesböhl), gdzie zapisał się na pochówek; otwarto tu muzeum Thorvaldsena i sztuki jego czasów.
Muzeum Thorvaldsena (Kopenhaga)
Thorvaldsen zmarł w Kopenhadze 24 marca 1844 r.
Wyidealizowane popiersia portretowe Thorvaldsena były popularne w Europie. Tworzył marmurowe popiersia monarchów i licznych przedstawicieli arystokracji różnych państw (w tym rosyjskiej). Jednym z jego najlepszych obrazów portretowych jest autoportret.
B. Thorvaldsena. Autoportret (1839)
B. Thorvaldsena. Popiersie Aleksandra I
Uważa się, że okoliczności, w jakich ukształtował się charakter przyszłego cesarza, przyczyniły się do rozwinięcia w nim cech niezdecydowania, dwoistości i podejrzliwości. Te cechy również zostały zauważone Duński rzeźbiarz B. Thorvaldsen tworzący swoje popiersie oraz A.S. Puszkin napisał fraszkę „Do popiersia zdobywcy”:
Na próżno widzisz błąd tutaj:
Ręka sztuki prowadziła
Na marmurze tych ust uśmiech,
I złość na zimny połysk brwi.
Nic dziwnego, że ta twarz jest dwujęzyczna.
Taki był ten władca:
Przyzwyczajony do przeciwstawnych uczuć,
W twarzy i życiu jest arlekin.
B. Thorvaldsen zajmował się także tematyką biblijną i chrześcijańską.
Posągi apostołów w katedra Kopenhaga
Duński rzeźbiarz Bertel (Albert) Thorvaldsen urodził się w Kopenhadze w rodzinie snycerza pochodzenia islandzkiego. Od jedenastego roku życia studiował w Duńskiej Akademii Sztuk. W 1793 roku młody rzeźbiarz został odznaczony Wielkim Złotym Medalem, co dało mu prawo do stażu zagranicznego. Jednak trudności finansowe zmusiły mnie do przełożenia wyjazdu.
Bertela Thorvaldsena. Rzeźby włączone historie mitologiczne: 
W 1797 Thorvaldsen przybył do Rzymu. Spotkanie młodego rzeźbiarza z Wieczne Miasto przyćmił fakt, że większość słynnych antyków ze zbiorów rzymskich została wówczas wywieziona przez Francuzów. Jednak duński mistrz potrafił odczuć wielkość starożytnej rzeźby nawet bez klasycznych przykładów. Przekonuje nas o tym posąg Jazona ze Złotym Runem (1802-1803). Niegodny pozazdroszczenia Antonio Cacova, widząc tę rzeźbę, nazwał ją początkiem „nowego, wspaniałego stylu”.
Pierwsze lata XIX wieku. stały się dla Thorvaldsena czasami kreatywnymi kolorami; pracował w Rzymie (w 1808 został przyjęty do Akademii św. Łukasza) i Neapolu. W 1811 roku z okazji przybycia Napoleona ukończył płaskorzeźbę „Wejście Aleksandra Wielkiego do Babilonu” dla Pałacu Kwirynalskiego w Rzymie. W centrum kompozycji spotykają się dwie wielopostaciowe procesje – armia grecka i witający ją mieszkańcy; pomiędzy nimi znajduje się alegoryczna figura Świata.
Bertela Thorvaldsena. Popiersie Aleksandra Pierwszego: 
Osobliwością obrazów Thorvaldsena jest ich samowystarczalność: zdają się żyć same, nie potrzebując widza. To „Wenus z jabłkiem” (1813-1816). Cicha, cnotliwa, patrząca ze zdziwieniem na otrzymany owoc, szczególnie wygrywa w porównaniu z arogancką i zimną Wenus – Paoliną Boghese z Canova.
Kompozycja „Ganimedes karmiący orła Zeusa” (1817) została wykonana z niezrównanym wdziękiem i naturalnością. Pełen wdzięku ciało młodego mężczyzny i potężna sylwetka ptaka łączą się w symetryczną, ale swobodną grupę.
Bertela Thorvaldsena. Bogini dnia: 
Thorvaldsen zręcznie bawił się kontrastami i zawsze uzyskiwał harmonijną całość obrazu. Jego dłuto oddaje niestabilne stany przejścia od spoczynku do ruchu z zadziwiającą prawdopodobieństwem. To postać boga Merkurego (1818), który uśpiwszy grając na flecie olbrzyma Argusa, nadal trzyma go w pogotowiu, a wolnym ma zamiar podnieść miecz, by pokonać wroga.
W 1819 roku Thorvaldsen odwiedził Kopenhagę, otrzymując zamówienie na dekorację kościoła Najświętszej Marii Panny (1811 - 1829), zbudowanego w stylu neoklasycystycznym. Rzeźbiarz ozdobił fronton głównego wejścia do świątyni figurą głoszącego Jana Chrzciciela, kruchtę płaskorzeźbą „Wejście do Jerozolimy”, wnętrze posągami apostołów, ołtarz z kolosalną figurą Chrystusa i płaskorzeźba „Procesja na Kalwarię”.
Jan Chrzciciel (Poprzednik) – w tradycji chrześcijańskiej zwiastun przyjścia Mesjasza – pośrednika między Bogiem a ludźmi, Zbawiciela ludzkości. Jan Chrzciciel rozpoznał Mesjasza w Jezusie Chrystusie, który przyszedł do Niego, aby przyjąć chrzest nad rzeką Jordan w Palestynie,
Do posągu Chrystusa Thorvaldsen wykonał sześć wersji przygotowawczych, próbując znaleźć obraz, który harmonijnie łączy majestatyczny heroizm Zeusa w twórczości starożytnych greckich rzeźbiarzy z wyraźną i głęboką duchową mocą Zbawiciela.
Kanał obok Muzeum Thorvaldsena w Kopenhadze
Od lat 20. XIX wiek Cała Europa znała już Thorvaldsena. Rywalizowali ze sobą, aby zamówić dla niego pomniki dla różnych miast. Pomniki astronoma Mikołaja Kopernika dla Krakowa w Polsce (1822), wynalazcy druku Johannesa Guttenberga dla Moguncji w Niemczech (1833), poety George'a Gordona Byrona dla Cambridge w Anglii (1831) są podobne do innych europejskich pomników tamtych lat . Wyjątkiem jest „Ranny Lew” (1820-1821) w Lucernie (Szwajcaria) - pomnik szwajcarskiej gwardii króla Ludwika XVI, który zginął podczas Rewolucji Francuskiej. To jaskinia w dzikiej skale, oddzielona od widza niewielkim stawem; leży w nim ranny lew. Obraz cierpiącej, słabnącej, ale wciąż wrażliwej i wytrwałej bestii zadziwia swoją mocą.
Bertela Thorvaldsena. Ranny lew. 1820-1821 Lucerna. 
W 1838 Thorvaldsen wrócił do Kopenhagi i kierował tam Akademią Sztuk Pięknych. Rzeźbiarz przekazał większość swojego dziedzictwa ojczyźnie, która stała się podstawą jego muzeum pamięci.
Bertel Thorvaldsen to duński artysta i rzeźbiarz. Bertel Thorvaldsen urodził się 19 listopada 1770 roku w Kopenhadze. Jego ojciec, z urodzenia Islandczyk, był rzeźbiarzem. Nie miał wielkiego talentu, ale udało mu się zaszczepić w synu zainteresowanie rzeźbą i rysunkiem. W 1781 roku Bertel został studentem Królewskiej Akademii Sztuk w Kopenhadze. Wkrótce młody człowiek został nagrodzony małym i dużym srebrnym medalem w klasie rzeźby, a w 1791 r. - małym złotym medalem. Pomaga jednemu ze swoich nauczycieli, Nikołajowi Abilgorowi, przy urządzaniu rezydencji królewskiej w Kopenhadze – Amalienborgu. Jego głównym mentorem w Kopenhadze był utalentowany duński rzeźbiarz Videvelt, który nauczył Thorvaldsena kochać i rozumieć sztukę starożytną. W 1793 roku Thorvaldsen otrzymał Wielki Złoty Medal za ulgę „Piotr uzdrawia kulawego”, a wraz z nim prawo do emerytury we Włoszech. Umożliwiło to otrzymanie stypendium i kontynuację nauki we Włoszech. Jednak Thorvaldsenowi udało się przybyć do Rzymu dopiero 8 marca 1797 r. Odtąd obchodzi ten dzień jako swoje urodziny.
W Rzymie Thorvaldsen stał się częścią najbliższego kręgu przyjaciół samego Goethego, skupionego wokół Wilhelma von Humboldta. Thorvaldsen spędza także dużo czasu w galeriach watykańskich. Thorvaldsen spędził większość swojego życia we Włoszech, około czterdziestu lat, nigdy nie zapominając o swojej małej ojczyźnie. Był stale związany z Kopenhagą, wysyłał tam zakupione antyki, a przed śmiercią zapisał miastu wszystkie swoje dzieła. Do sukcesu w Rzymie i przedłużenia podróży służbowej przyczyniło się utworzenie grupy „Bachus i Ariadna”, a zwłaszcza rzeźby „Jazon” (1803). „Jazon” zaprezentował wszystkie główne cechy stylu wielkiego mistrza – doskonałą prostotę i klarowność konstrukcja kompozycyjna, preferencja dla rodzaju męskiego i szlachetne postacie; mocne, pewne rzeźbienie formy. Dzięki Jasonowi młody rzeźbiarz szybko zyskał sławę wśród miłośników sztuki. Otrzymuje wiele zleceń. Artystę odwiedzają znani podróżnicy, posiada fundusze na rozbudowę swojego warsztatu i przyciąganie do pracy studentów i praktykantów. Przy całej swojej miłości do twórczości starożytnych rzeźbiarzy, na przykład Fidiasza czy Praksytelesa, Thorvaldsen nie stał się jednak ich ślepym naśladowcą. Sztuka antyczna był w istocie jedynie źródłem inspiracji dla Thorvaldsena, jednak w samej swojej twórczości pozostawał on zawsze wysoce indywidualny, wierny swojemu wyjątkowemu geniuszowi, równie mocny w dziedzinie posągów, jak i w dziedzinie reliefu. Aby wyrazić moc pomysły artystyczne służył Thorvaldsenowi duże posągi ulga zrodziła całą masę pełnych wdzięku zabawnych, czule kochających i innych myśli i uczuć, które nieustannie pobudzały jego wyobraźnię. Thorvaldsen pracował niestrudzenie i zwykle przed przystąpieniem do projektowania wymyślonego modelu szkicował go ołówkiem i rozwijał w szkicach, czasem nawet dwadzieścia i więcej razy. Od 1803 do 1819 roku Thorvaldsen wykonał wiele dużych i małych posągów oraz płaskorzeźb. W szczególności stworzył „Kupidyna i Psyche”, „Adonisa”, „Marsa i Kupidyna”, „Wenus z jabłkiem”, „Hebe”, „Ganimedsorlom”, „Pasterza”, „Marsz Aleksandra Wielkiego”, „Tancerze”, „Trzy Gracje”; płaskorzeźby „Achilles i Bresenda”, „Priam błagający o ciało Hektora” i wiele innych. W 1818 roku Thorvaldsen ukończył prace nad rzeźbą „Merkury z fajką”. Historia powstania tego niesamowitego posągu jest bardzo istotna dla zrozumienia sposobu działania Thorvaldsena. Któregoś dnia, idąc na kolację, Thorvaldsen zauważył młodego Włocha, na wpół siedzącego, na wpół stojącego w drzwiach domu. Piękno i oryginalność pozy zadziwiły rzeźbiarza. Przeszedł obok, ale wrócił w połowie drogi i zastając młodego człowieka wciąż w tej samej pozycji, nie zwlekał z dokładnym przypomnieniem sobie szczegółów sytuacji. Następnie, po szybkim lunchu, Thorvaldsen wrócił do domu, aby rozpocząć szkicowanie nowego posągu, a następnego dnia zaczął poważnie pracować nad modelem Merkurego. W 1820 roku Thorvaldsenowi powierzono projekt rzeźbiarski głównej katedry w Kopenhadze - Katedry Najświętszej Marii Panny. Artysta tworzy zespół, na który składa się dwanaście postaci apostołów umieszczonych wzdłuż ścian nawy głównej katedry, figura Chrystusa w absydzie oraz wizerunek klęczącego anioła. Thorvaldsen wykonał wszystkie posągi większe niż naturalnej wielkości. W tym samym dwudziestym roku Thorvaldsen wrócił do Włoch, gdzie dużo pracował na zamówieniach dla różnych Kraje europejskie Polska, Niemcy, Anglia, Włochy, Dania. Są to przede wszystkim pomniki Kopernika dla katedry krakowskiej (1823), Schillera w Stuttgarcie (1835), Byrona w Cambridge (1831), papieża Piusa VII w katedrze św. Piotra w Rzymie (1824-1831) itp.
Thorvaldsen dał się także poznać jako genialny portrecista. Stworzył wiele wspaniałych portretów. Wśród tych, których przedstawił rzeźbiarz, znalazły się osoby panujące - Napoleon, Aleksander I, król polski Poniatowski, a także wielcy poeci - Lord Byron, Schiller. Rzeczywiście, portret księżniczki Marii Fiodorowna Bariatyńskiej, żony słynnego rosyjskiego dyplomaty I. I. Bariatyńskiego, stał się przykładem harmonii, przejrzystości i czystości formy. W 1825 r. Thorvaldsen został wybrany na prezesa Akademii św. Łukasza w Rzymie, a w 1833 r. na prezesa Akademii Sztuk Pięknych w Kopenhadze. Był także członkiem honorowym Francji i Akademie Rosyjskie sztuki, akademie w Berlinie, Monachium, Florencji, Mediolanie. W 1838 roku Thorvaldsen zdecydował się ostatecznie wrócić do ojczyzny. Tutaj spotkało go huczne przyjęcie. Resztę mojego życia wielki rzeźbiarz oddany ojczyźnie. Jego najważniejszymi dziełami z tego okresu są fryzy „Wejście Chrystusa do Jerozolimy” i „Procesja na Kalwarię”. Oprócz nich wykonał wiele drobnych prac, intensywnie zaangażował się w opracowanie planu i zorganizowanie (ze środków zebranych z powszechnej subskrypcji) muzeum, w którym miały znajdować się wszystkie jego dzieła. Thorvaldsen zmarł w Kopenhadze 24 marca 1844 roku podczas wieczornego przedstawienia w Teatrze Królewskim. Ciało Thorvaldsena pochowano pod prostą kamienną płytą pośrodku dziedzińca utworzonego przez cztery skrzydła muzeum nazwanego jego imieniem, w którym znajduje się 80 posągów, 130 popiersi i 240 płaskorzeźb słynnego mistrza.
Jazona, 1803-1803. Muzeum Thorvaldsena w Kopenhadze
Hebe, 1806. Muzeum Thorvaldsena w Kopenhadze
Ganimedes karmiący orła Zeusa, 1817 r. Muzeum Thorvaldsena
Opublikowano zgodnie z tekstem książki: Lunacharsky A.V sztuki piękne, tom 1, s. 117-124.
Na tym rozwinął się talent Thorvaldsena najciekawsza epoka, który można nazwać drugim renesansem Europy. Jak wiadomo, istotą renesansu z społeczno-historycznego punktu widzenia było wyłonienie się burżuazji jako zwycięskiej siły, rozwinięcie przez tego nowego mistrza życia własnego światopoglądu, niezależnego od tradycji feudalno-katolickiej. Jeżeli proces ten ze szczególnych powodów zakończył się niepowodzeniem po zawrotnych sukcesach politycznych i kulturalnych w samych Włoszech, wówczas jeszcze smutniejszy los czekał renesans w Niemczech. Tutaj spotkał się i zmieszał z falami innego nurtu - Reformacji, a w straszliwych wstrząsach i klęskach wojny trzydziestoletniej popadał przez wiele dziesięcioleci. Drugi po wielkich Niemcach połowa XVIII wieki musiały budować swoją kulturę na nowo.
Potężnymi zwiastunami tego nowego renesansu, którego centrum znajdowało się w Niemczech, byli Winckelmann i Lessing, szczytami byli Schiller i Goethe, artystycznymi przedstawicielami form plastycznych byli Carstens i Cornelius, Canova i Thorvaldsen.
Nowy renesans, już we Francji, w epoce przedrewolucyjnej i rewolucyjnej, zaczął czerpać swoje formy z tego samego klasycznego źródła grecko-rzymskiego, które ożywiało dusze bohaterów Włoski renesans. Centrum sztukiŚwiat grecko-rzymski był niewątpliwie rzeźbą. Marmurowi bogowie wyzwoleni spod stert śmieci mieli w XV w XVI wieki nie mniej ważne niż pisma starożytnych autorów wyzwolone z klasztornych bazgrołów. Tak więc teraz wielki Winckelmann, niosąc przed innymi pochodnię humanizmu w ciemność niemieckiego filistynizmu, oświetlił nią przede wszystkim odwieczne marmurowe wizerunki olimpijczyków. To było w jego entuzjazmie akceptowane przez społeczeństwo historia rzeźba grecka Oświecona burżuazja niemiecka odnalazła na pewien czas swoją ewangelię piękna i wolności. Charakterystyczne jest także to, że cały swój system estetyczny Lessing rozwinął w nawiązaniu do posągu Laokoona i na przykładach rzeźby, którą stawia niepomiernie wyżej od malarstwa.
Sam Goethe żałował, że nie może zostać rzeźbiarzem. Rysunki Carstensa, zadziwiające czystością linii i klasyczną plastyką, są w istocie studiami nad płaskorzeźbą. A same obrazy Corneliusa wyróżniają się niezaprzeczalną jakością rzeźbiarską, podczas gdy ich walory czysto malarskie są prawie zerowe.
Czy w takiej epoce nie mogło być wielkich rzeźbiarzy? Można się raczej dziwić, że nie było w nim największego rzeźbiarza, przedstawiciela i przywódcy całej kultury swoich czasów, nowego Fidiasza, nowego Michała Anioła, rzeźbiarza na poziomie Goethego.
Jeśli jednak głębiej zastanowimy się nad tą kwestią, zobaczymy, że coś takiego nie mogło mieć miejsca.
Tak naprawdę fascynacja rzeźbą całego społeczeństwa była w istocie formalna i, że tak powiem, oparta na nieporozumieniu. Podobał im się klasycyzm, wolność i wyrafinowanie Aten, w przeciwieństwie do niewolnictwa i surowej moralności ówczesnych Niemiec; Poniosła ich wielkość i uczciwość Rzymian, w których cnotach oświecona burżuazja widziała swój pierwowzór i wielki wyrzut dla rozpusty i hańby dworów europejskich. Rzeźba wydawała się najlepszym wyrazem ducha klasycyzmu – stąd zachwyt nad nią. Ale o ile epoka Fidiasza mogła ucieleśniać w swoich dziełach wszystkie swoje ideały, o tyle już epoka Michała Anioła, wlewającego w marmury swoją wzburzoną duszę, której biegunami byli Borgia i Savonarola, musiała naruszyć podstawowe warunki formalne rzeźby klasycznej. Jeśli Michał Anioł mógł być nadal syntetycznym geniuszem swoich czasów, to tylko za cenę stworzenia zupełnie nowych zasad rzeźby, co uderzało w starożytne tradycje, przesuwając środek ciężkości z pięknej formy na głębię treści, na koszt zostania ojcem baroku, w którym rzeźba umierała w skurczach.
Czy jakikolwiek rzeźbiarz mógłby wyrazić w marmurze wszystko, co żyło w faustowskiej duszy ludzi New Age? Oczywiście, że nie. To w pewnym sensie symbol: Goethe, który chciałby być rzeźbiarzem, zostaje poetą i naukowcem – jako symbol, a Goethe ze zdziwieniem i niechęcią ustępuje miejsca rozczochranemu i ponuremu Beethovenowi.
Ale jeśli nowa era klasycyzm nie miał największych rzeźbiarzy, miał jednak dwóch, którzy pozostali w oczach wielu niezrównani mistrzowie Czasy współczesne i w oczach wszystkich pełnoprawni członkowie rodziny najsilniejszych mistrzów tej sztuki ostatnich trzech stuleci.
Aby zrozumieć bogatą treść kulturową zawartą w posągach i płaskorzeźbach Thorvaldsena, najlepiej porównać jego ducha z manierą jego współczesnego, rywala i przyjaciela, Canovy.
Sam Thorvaldsen w następujący sposób opowiada charakterystyczne rzeczy o swoim związku z Canovą:
„Kiedy Canova kończył jakąś pracę, zwykle prosił mnie, żebym go odwiedził, aby ją sprawdzić. Chciał poznać moją opinię na jej temat. Jeśli robiłam jakieś uwagi, że ta czy inna część garderoby będzie lepsza, taka czy inna, całkowicie się ze mną zgadzał, serdecznie mnie przytulał i dziękował. Ale nigdy niczego nie poprawiałem. Z grzeczności zaprosiłem go do swojego warsztatu. Kiedy przybył, wybuchnął okrzykiem: „Wspaniałe, niesamowite, nic nie można dodać, odjąć ani zmienić”.
Tutaj można wyczuć różnicę w naturze hrabiego Canovy, pochlebnego i optymistycznego Włocha, akceptowanego na wszystkich dworach, ulubieńca królowych, i mieszkańca północy Thorvaldsena, syna przewoźnika, który wciąż cuchnie niedźwiedziem.
Kiedy przyjrzysz się uważnie eleganckim, wypolerowanym marmurom z Canova, w dziewięciu przypadkach na dziesięć zauważysz, że te Gracje, te Kupidyny i Psyche nie są tak odległe od pikantnych manier mistrzów francuskiego monarchicznego rokoka. Oczywiście są stylizowane, są bardziej rygorystyczne, prostsze, bardziej klasyczne. Canova już zrozumiał znaczenie prostoty i wartość powściągliwości. Uczy się już od Greków. Burżuazja przyniosła ze sobą tego ducha umiaru i starożytnej harmonii, który po raz pierwszy został wyrażony w takich rzeźbiarskich obrazach Dawida; stopniowo, poprzez Dyrekcję, Konsulat i Cesarstwo, przedostała się do najbardziej arystokratycznych kręgów Europy i stała się modą absolutnie dominującą.
Na czym polega „klasycyzm” Canovy? Są to formalnie piękne, wewnętrznie raczej puste posągi do ozdabiania pałaców, podające jedną rękę figlarnym siostrom z czasów Ludwika, a drugą próbującą narzucić na siebie surowy płaszcz w stylu Empire.
Oczywiście wysoki talent Canovy pozwalał mu od czasu do czasu osiągać bardzo znaczące wyniki nawet poza rodzimym obszarem eleganckiego neoklasycznego piękna. Udało mu się też wyrazić siłę, jak na przykład w wiedeńskim Tezeuszu. Ale często tutaj cierpiał z powodu niepowodzeń Watykanu. Stworzył arcydzieło uroczystego i smutnego nagrobka w Augustinerkirche i na grobie Leonarda da Vinci. Zmodernizowana odmiana Bartolome'a nie wydaje mi się wcale głębsza i szlachetniejsza; a jednak dążąc do dotyku, Canova jest często słodka.
Thorvaldsen to zupełnie inna sprawa. Thorvaldsen jest kupcem, Duńczykiem, kupcem północnym, przedstawicielem nowego renesansu Winckelmanna i Carstena, Schillera i Goethego. W swojej Danii był przepojony duchem cnót protestanckich, zdrowych, choć wąskich życie rodzinne, idealizm, który stanowił podstawę nowej etyki, kontrastował z frywolnością arystokracji z jednej strony, a służalczością i chamstwem upokorzonych mas z drugiej. Na pierwszy rzut oka wydaje się dziwne, jak moralność rodzinną i cnotę mieszczańską można połączyć z podziwem dla klasycznego piękna. Dla nas teraz Ateny i kuchnia dobrodusznej duńskiej gospodyni domowej to raczej rzeczy nie do pogodzenia. A jednak epoka ta napisała na swoim sztandarze monogram, w którym splatała się idealizacja filistynizmu i nieco oswojonego klasycyzmu.
Swoista synteza nepotyzmu, z której szczycił się przedstawiciel stanu trzeciego formy klasyczne było już widoczne podczas kolosalnych, ludowych uroczystości Rewolucji Francuskiej, co nadało mu tak wyjątkowy charakter estetyczny.
I tak w opisie jednego z tych wielu festiwali, obchodzonych zwykle przez Chéniera lub Davida, czytamy:
„Matki z delikatnym uśmiechem ozdobią kręcone głowy swoich nieśmiałych i czystych córek pochylonych przed nimi trójkolorową wstążką. Biorąc je za rękę, pójdą do stogów siana pełnych braterskich ludzi, z miłością tulących do piersi dzieci ozdobione polnymi kwiatami. Ojcowie, jedną ręką błogosławiąc pełnych odwagi młodych synów, drugą będą im podawać broń, aby bronili wolnej ojczyzny i bali się tyranów. Czcigodni starcy, przystrojeni siwymi włosami, w zamkniętym chórze, wszędzie witani ze znakami szacunku, również pójdą do miejsca, gdzie stoi już ołtarz ozdobiony kwiatami” itp.
Możesz przeczytać dowolną liczbę podobnych opisów ciekawa książka Tiersot „Muzyka i uroczystości podczas rewolucji francuskiej”. Ma się wrażenie, że tutejsza rodzina mieszczańska została wyniesiona do poziomu fundamentów ojczyzny i że całemu opisowi nadano charakter klasyczny i, że tak powiem, płaskorzeźbiony. To samo pragnienie płaskorzeźby, jak gdyby odzwierciedlonego piękna fryzu panatenajskiego Fidiasza, odnajdziecie w „Hermannie i Dorothei” Goethego, w „Dzwonie” Schillera i wielu innych dziełach tamtej epoki. Pożegnanie Hektora z Andromachą, „Idylle” Teokryta, „Bukoliki” Wergiliusza, „Dafnis i Chloe” – to właśnie poruszyło ponad wszelką miarę ówczesnych ludzi.
Widzimy tu zatem prawdziwe skrzyżowanie, w którym zdrowy filistynizm, pełen osobliwego samozadowolenia, łączy się ze wspomnieniami grecko-rzymskimi. Czy można się dziwić, że sztuka, formy zwracania się, pismo, częściowo kostiumy, a w dużej mierze myśli i uczucia zaawansowanych Niemiec przybrały formy przeciwzapalne, gdy wszyscy rewolucja francuska Czy XVIII wiek miał trudności z naciągnięciem rzymskiej togi na swoje tytaniczne ciało?
Rzeźba Thorvaldsena jest bezpośrednim wyrazem tej mentalności. Przywiózł ze sobą do Rzymu z Danii nie tylko duszę przesiąkniętą najnowszym na owe czasy sentymentalizmem – bynajmniej nie sztuczną, a zaczerpniętą z samego źródła silnego filistynizmu – ale także entuzjastyczną miłość do człowieka, do tego, co najpiękniejsze. rzecz, którą oko widzi na świecie: harmonijnie rozwinięta ludzkie ciało. Żaden filistynizm nie mógł przyćmić głównej nuty nowego renesansu - estetyzmu i humanizmu!
Tutaj, w Rzymie, Thorvaldsen nie tylko mógł dość zobaczyć greckie piękno, ale także wpadł w najbliższe grono przyjaciół samego Goethego, skupione wokół takiej osoby jak Wilhelm von Humboldt. Warunki były zatem niezwykle sprzyjające rozwojowi jego talentu.
Kopenhaga, miejsce urodzenia Thorvaldsena, jest na ogół miastem niezwykle eleganckim i bogatym w skarby artystyczne. Znajdują się tu także dwa wspaniałe muzea, których pozazdroszczy każda stolica świata: Nowy Glyptotek i Muzeum Thorvaldsena.
Niezwykle interesujące jest bezpośrednie porównanie wrażenia luksusowej kolekcji nowoczesne rzeźby, zgromadzonych w gliptotece oraz z populacji marmurów w Muzeum Thorvaldsena.
W gliptotece, w kopiach z brązu i marmuru wykonanych w naturalnej wielkości pod okiem samych mistrzów, znajdziesz wszystko najlepsze prace rzeźba czasów współczesnych – zarówno francuska z Rodinem na czele, jak i niemiecka, belgijska i angielska. Do tego trzeba dodać jeszcze najciekawszego w swoim rodzaju (według niektórych wspaniałego) skandynawskiego Sindinga. Wrażenie wywołane tymi wszystkimi arcydziełami jest głębokie, niemal oszałamiające, ale bolesne. To arcydzieła stulecia neurasteników i histeryków, stulecia szaleńczej zmysłowości, pogoni za efektem, stulecia niespotykanego wszerz, ale i w eklektyzmie rynku artystycznego. Są rzeczy niewątpliwie genialne – jak na przykład „Obywatele [miasta] Calais” Rodina czy „Mały męczennik” Falliera. Ale im bardziej genialna rzecz, tym bardziej jest bolesna.
Z tego piekła, gdzie skurcze bólu, ciała zniszczone starością lub chorobą, postaci arbitralnie stylizowane przez mistrza, szabat zmysłowych, ekstatycznych i naturalistycznych niezdarnych póz męczyły duszę nie do uwierzenia, można przejść z głębokim westchnienie ulgi w czysty, śnieżnobiały, piękny w ciele, szlachetny nastrój świata Thorvaldsena.
Wydaje się, że żaden artysta, z wyjątkiem Belga Wirtza, nie ma takiego pomnika, jaki Duńczycy zaczęli stawiać dla Thorvaldsena za jego życia. W ogromnych salach muzeum gromadzone są wszystkie bez wyjątku jego dzieła, w większości przypadków w oryginałach, często w dokładnych reprodukcjach marmuru, a tylko w wyjątkowych przypadkach w postaci bardzo umiejętnych odlewów gipsowych.
Cały Thorvaldsen jest tutaj. Jego dusza jest zachowana w marmurach, a to, czym było jego ciało, spoczywa w grobowcu w centrum muzeum.
Wrażenie ze spaceru po tym muzeum to „duchowa kąpiel”. Sam wychodzisz czystszy, nie tylko dzięki zetknięciu z wiecznym pięknem człowieka, jak je sobie uświadamiali i odtwarzali wielcy helleńscy rzeźbiarze, a po nich ich daleki i dostojny potomek, ale także dzięki zetknięciu z tym duchem mieszczańskiej czystości, który jest tak wzruszająco, tak majestatycznie poetyckie przez to, co jest umieszczone w tych doskonałych kulkach.
Spójrzmy na przykład na Hebe Thorvaldsena. Jej figura i strój są greckie lub, jeśli wolisz, olimpijskie, jej wyraz twarzy jest północny, skandynawski, mieszczański. Daje zupełne złudzenie uroczej, niewinnej córki właściciela jakiegoś gościnnego, pracowitego i cnotliwego domu, która na polecenie ojca, ze spuszczonymi oczami, skromna, nieświadoma całej swojej wonnej urody wiosennego pączka, powoli zbliża się do Ciebie z powitalną filiżanką starego Renu.
Nawet sama naga Wenus z jabłkiem Paryża w dłoniach – które może być jednocześnie symbolem wiecznej kusicielki Ewy – jest pełna szlachetnej i prostej skromności. Nie ta skromność, która u późniejszych Greków nabrała już charakteru flirtującej kokieterii, ale jakaś bezpośrednia świadomość naturalności i godności swojej promiennej nagości, bez jakiejkolwiek dumy, nawet bez boskiej obojętności, która oddziela Bogini Milo od nas z taką przepaścią. „Wenus” Thorvaldsena nie jest boginią, jest jedynie kobietą idealnie harmonijną, zjawiskiem pełnym prawdziwie estetycznej boskości.
Brak miejsca nie pozwala mi rozwodzić się nad innymi posągami Thorvaldsena, z których prawie wszystkie cieszą oko i duszę. Ale może nawet więcej znakomity rzemieślnik Wielki Duńczyk ukazuje się na płaskorzeźbach. Stworzyli dla niego nieśmiertelność nie tylko naukową, nie tylko w sercach estetów, ale także wśród szerokich mas całego duńsko-skandynawskiego świata. W rzadkiej rodzinie mieszczańskiej ściany nie są ozdobione reprodukcjami tych płaskorzeźb, urzekających swoją prostotą, przekonywalnością i przejrzystym pięknem dla każdego. Takie fotografie kupują nawet zamożne rodziny pracujące.
Thorvaldsen szczególnie umiłował w swoich płaskorzeźbach tematy idylliczne, zbliżające się do gatunku pompejańskiego: amorki, dziewczynki, rybacy, pasterze, pełne wdzięku tańce, sceny czułości, zamyślenia, smutku czy dziecięcej radości – to główne tematy. Ale Thorvaldsen wiedział, jak dramatyzować - na przykład w kilku pięknych płaskorzeźbach ilustrujących Iliadę.
Najpopularniejsze są cztery płaskorzeźby, przedstawiające jednocześnie cztery pory roku i cztery okresy życie ludzkie. Thorvaldsen jawi się tutaj jako poeta idylliczny, nie mniej idylliczny niż jego dawni i obecni bracia.
Cały chór rzeźb i płaskorzeźb Thorvaldsena jest nieśmiertelnym pomnikiem tego, co w mieszczańskim życiu najlepsze, wzruszające, godne i mocne, czego on w tym kolosalnym nagrobek wyidealizowany na zawsze. I lepiej oczywiście nie porównywać tego wzdętego i zgniłego żywego trupa, który swoim zepsutym oddechem zaraża nowoczesność, zasiadającego na złotym tronie; lepiej nie porównywać z tym nowoczesnej, rozłożonej ekonomicznie i ideologicznie burżuazji pomnik grobowy jej młode nadzieje, jej dawno wygasłe cnoty.
Wirtz Antoine Joseph (1806-1865) był belgijskim malarzem, autorem obrazów o tematyce historycznej, alegorycznej, religijnej i współczesnej. Za publiczne pieniądze Wirtz, który malował kolosalne płótna, kazał zbudować warsztat, który zamienił w swoje muzeum.
