Mistyczne obrazy rosyjskich artystów. Najbardziej tajemnicze obrazy w historii

Zobaczmy, jakie były inne historie związane z obrazami i artystami.

Sztukę piękną zawsze uważano za ściśle związaną ze sferą mistyczną. Przecież każdy obraz jest energetycznym odciskiem oryginału, szczególnie jeśli chodzi o portrety. Uważa się, że są w stanie wpłynąć nie tylko na tych, od których są napisane, ale także na innych ludzi. Przykładów nie trzeba szukać daleko: przejdźmy do języka rosyjskiego obrazy z XIX wieku- początek XX wieku.

5 sierpnia 1844 roku urodził się słynny rosyjski artysta wędrowny Ilja Repin. Tworzył prawdziwie realistyczne płótna, które do dziś stanowią złoty środek galerii sztuki. Repin nazywany jest artystą mistycznym. Prezentuję wybór z niewyjaśnione fakty kojarzona z malarstwem malarza.

Ilya Repin - burza z piorunami dla opiekunów?

I. Repin „Portret kompozytora M.P. Musorgskiego”

Trzeba od razu powiedzieć, że Repin namalował portret swojego przyjaciela nawet wtedy, gdy umierał. Wiedzieli o tym doświadczeni lekarze w Szpitalu Morskim Nikolaev. Sam kompozytor wiedział. Artysta też wiedział. Inspirowany portret stworzony przez Repina zrobił oszałamiające wrażenie. Portret powstał w ciągu 4 dni.
Zmarły właśnie genialny rosyjski kompozytor pojawił się przed wszystkimi jak żywy. Ożywiony i uwieczniony pędzlem mistrza.
Prawda psychologiczna. Głębokie podobieństwo. Na zdjęciu odzwierciedlona jest sama natura gigantycznego muzyka. Teraz, niestety, ukazała się gigantyczna skala zjawiska w kulturze narodowej, jakie reprezentował Musorgski.
Płótno zostało natychmiast przeniesione na telefon komórkowy.
Stasow prosto z nabożeństwa pogrzebowego pobiegł na wystawę, aby przyspieszyć wystawę portretu. Nie było ramki.
Postanowiliśmy udrapować płótno czarnym materiałem.
Pierwszą rzeczą, którą zobaczył Stasow, była skamieniała postać Kramskoja. Siedział na krześle.
Przysunął się do obrazu i pochłonął go oczami:
„To, co dzisiaj robi Repin” – wykrzyknął – „jest po prostu niezrozumiałe. Tutaj ma kilka niespotykanych technik, których nikt nigdy nie próbował. Ten portret został namalowany Bóg wie jak szybko, ogniście. Ale jak wszystko jest narysowane, jaką ręką mistrza, jak wyrzeźbione, jak napisane! Spójrz na te oczy: wyglądają, jakby były żywe, są zamyślone, przedstawiają całą wewnętrzną, duchową pracę tej chwili i ile jest na świecie portretów z takim wyrazem! A ciało i policzki, czoło, nos, usta - żywa, całkowicie żywa twarz, a wszystko w świetle, od pierwszej do ostatniej kreski, wszystko w słońcu, bez jednego cienia - co za stworzenie!
Tretiakow wysłał dzień wcześniej telegram, w którym poinformował go, że za kulisami prosi o pozostawienie portretu.
Akt ten zawierał w sobie wszelki charakter wyjątkowego kolekcjonera.
Od pierwszych chwil wszyscy, którzy zobaczyli portret, zszokowani tym, co powstało, „jednym głosem trąbili chwałę Repina”.
X artysta Ilya Efimovich Repin, portret chirurga N.I. Pirogova

Portret N. I. Pirogowa został namalowany w maju 1881 roku, na kilka miesięcy przed śmiercią wielkiego rosyjskiego chirurga i naukowca. W tych dniach w Moskwie uroczyście obchodzono pięćdziesiątą rocznicę działalności zawodowej Pirogowa. Mimo to genialny chirurg zgodził się pozować Repinowi napięty harmonogram wydarzenia.
Następnie Repin przypomniał sobie, jak urzekł go talent i wyjątkowa osobowość portretowanej osoby oraz jak łatwo i szybko pracował. Aby stworzyć oszałamiający, gotowy portret, potrzebne były tylko trzy sesje.
Pirogov zmarł w listopadzie 1881 roku na raka szczęki.
Artysta Ilya Efimovich Repin, Portret pisarza A.F. Pisemsky'ego. 1880

Repin namalował także portret Pisemskiego, gdy ten był chory. Repin znał go osobiście i dobrze znał zjadliwy sarkastyczny charakter tego pisarza; czasami w jego pracach celowo pojawiała się nieprzyjazna kpina i sceptycyzm - wszystko to można odczuć na portrecie. Pisemski nie jest już młody i chory i widz też to widzi. Jego wysokie, inteligentne czoło, worki pod oczami, chorowita twarz, ale żywe oczy, jakby wpatrujące się z ciekawością w tych, którzy na niego patrzą... Widz czuje wnikliwość tego człowieka, a także jego pogardę dla swojego wyglądu i wrażenie, jakie zrobi na otaczających ludzi: Pisemski jest przedstawiony siedzącego, wspartego na sękatym kiju. Jego broda jest zaniedbana, a nad czołem widnieje uparta kępka; kokarda pod kołnierzykiem wyszła z mody, podobnie jak luźna marynarka... Chore, złe przeczucia rychła śmierć, Pisemski jest tu przedstawiony siedzący na krześle i oparty obiema rękami na kiju. Ci, którzy znali Pisemskiego, osobiście zauważyli prawdziwość artystycznej charakterystyki pisarza, dokładne przedstawienie wyglądu tego człowieka i jego wewnętrznego świata.
Repin znał także dramatyczne okoliczności życia Pisemskiego: jeden z jego synów popełnił samobójstwo, a drugi był śmiertelnie chory. Ślady tej tragedii są także obecne na portrecie... Nawiasem mówiąc, trzeba powiedzieć, że ten portret powstał na zamówienie Tretiakowa, który chciał zebrać portrety wszystkich wybitnych współczesnych.
Ilia Repin. Portret I.S. Turgieniewa. 1874

Turgieniew nie był usatysfakcjonowany tym portretem, a sam Repinowi nie podobał się portret, o którym artysta otwarcie powiedział Tretiakowowi, wziął na siebie ten „grzech” i pocieszył się nadzieją, że pewnego dnia naprawi ten „prawie mimowolny” błąd. Repin mówił o przyczynach tego „mimowolnego” błędu, za który winę ponosił przede wszystkim sam Turgieniew, na krótko przed śmiercią.
„Pierwsza sesja była tak udana” – powiedział Repin – „że I.S. zatriumfował nad moim sukcesem”. Ale przed drugą sesją Repin otrzymał od Turgieniewa „długą” i „niespokojną” notatkę, w której ostro zmienił swoją początkową opinię na temat rozpoczętego portretu (był to „całkowicie nieudany początek”) i poprosił artystę o rozpoczęcie znowu na innym płótnie. Tę natychmiastową zmianę opinii tłumaczy się, jak argumentował Repin, tym, że Pauline Viardot, słynna francuska piosenkarka, przyjaciółka Turgieniewa, której gust i sądy były dla Iwana Siergiejewicza najwyższym autorytetem, odrzuciła zaczęty przez niego portret i poleciła namalowanie nowy, w innym kierunku. Bez względu na to, jak bardzo artysta próbował przekonać Turgieniewa, że nic z tego nie wyniknie, nie pomogło. „I, och, moja głupota, pochopnie odwróciłem głowę w dół i zacząłem od innego zakrętu… Niestety, portret wyszedł suchy i nudny.”
A jednak Repin spotkał się z Turgieniewem w Abramcewie i nawet zaczął malować jego nowy portret. Winowajcą tego był P. M. Tretiakow, który wykorzystując przyjazd Turgieniewa do Moskwy, poprosił Repina, aby „naciskał” na pisarza w celu ponownego namalowania jego portretu.
Repin zgodził się napisać nowy portret Turgieniew napisał ją na początku 1879 r.
Artysta Ilja Efimowicz Repin, Portret Iwana Turgieniewa. 1879

Zaledwie 5 lat później Repinowi udało się namalować nowy portret, na którym widać ludzkiego, majestatycznego i mądrego pisarza. Obraz trąci psychologizmem - cała kompozycja jest tak przemyślana, że twarz i dłonie wydają się nie narysowane, ale wyrzeźbione z żywego plastiku. Obraz drugiego portretu jest monumentalny ze względu na obniżony horyzont, czarną marynarkę, pomalowaną szerokimi pociągnięciami i podkreślającą gładką sylwetkę postaci. Na płótnie tylko ręce i głowa są lekkie – w ten sposób Repin równoważy kompozycję. Od 1882 r. Turgieniewa zaczęły zmagać się z chorobami: dną moczanową, dusznicą bolesną, nerwobólami. W wyniku bolesnej choroby (mięsaka) zmarł 22 sierpnia (3 września) 1883 roku w Bougival (przedmieście Paryża). Śmierć poprzedziła ponad półtoraroczna bolesna choroba (rak rdzenia kręgowego).

Jeśli chodzi o portret Tyutczewa, nie jest to chęć samego artysty namalowania portretu, ale znowu rozkaz Tretiakowa. Ale Repin nie miał nawet czasu na rozpoczęcie pracy. Pisarz zmarł. Ale najbardziej tragiczna historia z portretem Fiodora Wasiljewicza Czyżowa.
Ilja Efimowicz Repin. Śmierć Fiodora Wasiljewicza Czyżowa.
Fiodor Wasiliewicz Czyżow (1811-1877) – rosyjski przemysłowiec, osoba publiczna, naukowiec. Zwolennik słowianofilów, wydawca i redaktor czasopism i gazet społeczno-politycznych, organizator budowy kolei, filantrop.

Repin spotkał go we Francji u Polenowa. IT Chizhov niejednokrotnie prosił obu artystów o namalowanie jego portretu. I obaj odmówili pod pretekstem braku czasu.
Ale w listopadzie 1877 r., dowiedziawszy się, że Czyżow jest w Moskwie, Repin postanowił spełnić swoją obietnicę. Artysta spieszy do Czyżowa, zabierając ze sobą ołówek i ołówki. Ale dzieje się coś nieoczekiwanego. Znajduje Czyżowa siedzącego na krześle przy stole… właśnie nagle zmarł…
Tak pojawił się rysunek zmarłego Chizhova, który Repin następnie przedstawił Savvie Mamontovowi.
Co to jest? Skała, szansa, śmiertelność?

Fiodor Wasiliewicz Czyżow zmarł 26 listopada 1877 roku w Moskwie. Bóg dał mu łatwy koniec – zmarł w ramionach przyjaciół i uczniów na tętniaka aorty. Czyżow zapisał, że na własny pogrzeb wyda zaledwie 150 rubli, oddając prawie całą swoją stolicę prowincji Kostroma.
Został pochowany w klasztorze św. Daniela w Moskwie, w pobliżu grobu N.V. Gogola. W 1931 roku w związku z otwarciem w klasztorze kolonii dla nieletnich prochy Gogola przeniesiono do Cmentarz Nowodziewiczy, a grób Czyżowa zaginął.

Oczywiście we wszystkich przypadkach istniały obiektywne przyczyny śmierci, ale tutaj są zbiegi okoliczności... Mówi się, że nawet potężni mężczyźni, którzy pozowali Repinowi do płótna „Przewoźnicy barek na Wołdze”, przedwcześnie oddali swoje dusze Bogu.
„Przewoźnicy barek na Wołdze”, 1870-1873

Jednak najbardziej nieprzyjemna historia wydarzyła się z obrazem „Iwan Groźny i jego syn Iwan 16 listopada 1581 r.”, który w naszych czasach jest lepiej znany jako „Iwan Groźny zabija swojego syna”. Nawet zrównoważeni ludzie czuli się nieswojo, patrząc na płótno: scena morderstwa została namalowana zbyt realistycznie, na płótnie było za dużo krwi, która wydawała się realna.

Płótno wystawione w Galerii Trietiakowskiej zrobiło na zwiedzających dziwne wrażenie. Niektórzy płakali przed obrazem, inni popadali w odrętwienie, a jeszcze inni mieli ataki histerii. A młody malarz ikon Abram Balashov przeciął płótno nożem 16 stycznia 1913 roku. Został wysłany do szpitala psychiatrycznego, gdzie zmarł. Płótno zostało odnowione. Po ataku na obraz doszło do kolejnej tragedii. Popełnił samobójstwo główny kustosz Artysta Galerii Trietiakowskiej Chrusłow.
Powiedziawszy w galerii, że za pół godziny go nie będzie, wyjechał do Sokolnik i rzucił się pod pociąg. Ale co ma z tym wspólnego Repin? Chrusłow, człowiek oddany swojej pracy, zdaniem jego kolegów, uważał się za winnego zaistniałego aktu wandalizmu.
„Iwan Groźny zabija syna”, 1883–1885

Wiadomo, że Repin długo myślał, zanim wziął się za film o Iwanie Groźnym. I nie bez powodu. Artysta Myasojedow, z którego namalowano wizerunek cara, wkrótce w gniewie prawie zabił swojego młodego syna, zwanego także Iwanem, podobnie jak zamordowany carewicz. Wizerunek tego ostatniego wzorowany był na pisarzu Wsiewołodzie Garszynie, który później oszalał i popełnił samobójstwo, rzucając się na klatkę schodową... Zbiegi okoliczności... ale niektóre bardzo przerażające!

Morderstwo, które nigdy nie miało miejsca

Historia, że Iwan Groźny jest zabójcą synów, to tylko mit.

Uważa się, że Iwan Groźny zabił swojego syna w przypływie gniewu uderzeniem laski w świątynię. Różni badacze podają różne przyczyny: od kłótni domowej po tarcia polityczne. Tymczasem żadne ze źródeł nie podaje wprost, że książę i następca tronu został zabity przez własnego ojca!

„Kronikarz Piskarewski” podaje: „O godzinie 12 w nocy letniego listopada 7090 r., dnia 17... śmierć carewicza Jana Ioannowicza”. Nowogrodzka Czwarta Kronika podaje: „W tym samym roku (7090) carewicz Jan Ioannowicz odpoczywał w Jutrzni w Słobodzie”. Przyczyna śmierci nie została ogłoszona.
W latach 60. ubiegłego wieku otwarto groby Iwana Groźnego i jego syna. Na czaszce księcia nie stwierdzono uszkodzeń charakterystycznych dla urazu mózgu. Zatem nie było synobójstwa?! Skąd jednak wzięła się legenda o nim?
Antonio Possevino – przedstawiciel Watykanu w Rosji w czasach Iwana Groźnego i wielkich kłopotów

Jej autorem jest jezuita mnich Antoni Possevino (Antonio Possevino), wysłany do Moskwy jako ambasador od papieża z propozycją poddania Cerkwi prawosławnej pod zwierzchnictwo Watykanu. Pomysł nie spotkał się z poparciem cara Rosji. Tymczasem Possevin rzekomo stał się naocznym świadkiem rodzinnego skandalu. Cesarz był zły na swoją ciężarną synową, żonę jego syna Iwana, za jej „nieprzyzwoity wygląd” - albo zapomniała założyć pasek, albo założyła tylko jedną koszulę, kiedy miała nosić cztery. W ferworze teść zaczął bić nieszczęsną kobietę laską. Książę stanął w obronie swojej żony: wcześniej jego ojciec wysłał już do klasztoru swoje dwie pierwsze żony, które nie mogły od niego począć. Jan Młodszy nie bezpodstawnie obawiał się, że straci trzecią – jej ojciec po prostu ją zabije. Rzucił się na kapłana i w przypływie przemocy uderzył laską i przebił skroń syna. Jednak poza Possevinem żadne źródło nie potwierdza tej wersji, chociaż później chętnie ją podchwycili inni historycy – Staden i Karamzin.

Współcześni badacze sugerują, że jezuita stworzył legendę w zemście za to, że musiał do niej wrócić sąd papieski„sioranie niesolone”.

Podczas ekshumacji w tkankach kostnych księcia odnaleziono pozostałości trucizn. Może to wskazywać, że Jan Młodszy zmarł w wyniku otrucia (co w tamtych czasach nie było rzadkością), a nie w wyniku uderzenia twardym przedmiotem!

Niemniej jednak na obrazie Repina widzimy właśnie wersję synobójstwa. Jest to wykonane z tak niezwykłą prawdopodobieństwem, że nie można oprzeć się wrażeniu, że to wszystko wydarzyło się naprawdę. Stąd oczywiście „zabójcza” energia.

I znowu Repin się wyróżnił Autoportret Repina

Kto wie – może gdyby Ilya Repin nie był tak utalentowany, tragedie nie miałyby miejsca. Już w XV wieku naukowiec, filozof, alchemik i mag Cornelius Agrippa z Nettesheim napisał: „Uważaj na pędzel malarza – jego portret może okazać się żywszy od oryginału”. P. A. Stołypin. Portret autorstwa I. Repina (1910)

Wiadomo, że z powodu ciągłego przepracowania prawa ręka słynnego malarza zaczęła boleć, a następnie całkowicie przestała pracować. Na jakiś czas Repin przestał tworzyć i popadł w depresję. Według wersji mistycznej ręka artysty przestała działać po namalowaniu obrazu „Iwan Groźny i jego syn Iwan” w 1885 roku. Mistycy łączą te dwa fakty z biografii artysty z faktem, że namalowany przez niego obraz był przeklęty. Mówią, że Repin odzwierciedlił na obrazie nieistniejące wydarzenie historyczne i z tego powodu został przeklęty. Jednak później Ilya Efimovich nauczył się malować lewą ręką.

Kolejny mistyczny incydent, który wpłynął na zdrowie artysty, przydarzył mu się w jego rodzinnym mieście Czuguew. Tam namalował obraz „Człowiek o złym oku”. Autorem portretu był daleki krewny Repina, złotnik Iwan Radow. Człowiek ten był znany w mieście jako czarownik. Po namalowaniu portretu Radowa przez Ilję Efimowicza on, nie stary i całkiem zdrowy mężczyzna, zachorował. „W wiosce złapałem cholerną gorączkę” – poskarżył się Repin swoim przyjaciołom – „Być może moja choroba jest związana z tym czarnoksiężnikiem. Sam doświadczyłem siły tego człowieka i to dwukrotnie.”

Naukowcy, badając widmowe obrazy obrazów, doszli do wniosku, że na przykład „Dziewiąta fala” Aiwazowskiego, „Lilie wodne” impresjonisty Claude’a Moneta, „Wenus z lustrem” Velazqueza i wielu innych znanych obrazy mają tę samą negatywną aurę.

Wśród obrazów, z którymi kojarzą się mistyczne legendy, chciałbym zwrócić uwagę na obrazy artysty Iwana Kramskoja. Jego prace cieszyły się dużym uznaniem współczesnych i wzbudziły wiele plotek o jego mistycznym wpływie na widza.
Portret Iwana Kramskoja – Ilya Repin

Mistyczny obraz „Obcy” Iwana Kramskoja

Obraz cudem przetrwał dwa okresy zainteresowanie masowe dla siebie i to całkowicie różne epoki. Po raz pierwszy, po napisaniu w 1883 roku, uznano ją za ucieleśnienie arystokracji i cieszyła się dużą popularnością wśród wyrafinowanej publiczności petersburskiej.
Nieoczekiwanie w drugiej połowie XX wieku nastąpił kolejny wzrost zainteresowania „Nieznanym”. Mieszkania ozdobiono reprodukcjami prac Kramskoja wyciętymi z czasopism, a egzemplarze „Nieznanego” były jednym z najpopularniejszych zamówień artystów wszystkich szczebli. To prawda, że \u200b\u200bz jakiegoś powodu obraz był już znany pod nazwą „Stranger”, być może pod wpływem dzieła Bloka o tym samym tytule. Nawet cukierki „Stranger” zostały stworzone z obrazem Kramskoya na pudełku. Tym samym błędny tytuł dzieła wreszcie „ożył”.
Wieloletnie badania nad tym, „kogo przedstawia obraz Kramskoja”, nie przyniosły rezultatów. Według jednej wersji prototypem „symbolu arystokracji” była wieśniaczka o imieniu Matryona, która wyszła za mąż za szlachcica Bestużewa.

„Nieznajomy” Iwana Kramskoja to jedno z najbardziej tajemniczych arcydzieł malarstwa rosyjskiego.

Na pierwszy rzut oka w portrecie nie ma nic mistycznego: piękność jedzie otwartym powozem po Newskim Prospekcie.

Wielu uważało bohaterkę Kramskoja za arystokratkę, ale modny aksamitny płaszcz obszyty futrem i niebieskimi satynowymi wstążkami oraz stylowy beret w połączeniu z narysowanymi ołówkiem brwiami, szminką na ustach i rumieńcem na policzkach wyróżniają ją jako damę ówczesnego demi -monde. Nie prostytutka, ale najwyraźniej utrzymana kobieta jakiegoś szlachcica lub bogatego mężczyzny.

Kiedy jednak artystę zapytano, czy ta kobieta istnieje w rzeczywistości, tylko uśmiechnął się i wzruszył ramionami. W każdym razie nikt nigdy nie widział oryginału.
Tymczasem Paweł Tretiakow odmówił zakupu portretu do swojej galerii - być może obawiał się przekonania, że portrety piękności „wysysają siłę” z żywych ludzi. Iwan Nikołajewicz Kramskoj

„Nieznajomy” zaczął podróżować na prywatne spotkania. I bardzo szybko zyskała sławę. Odeszła od niego żona pierwszego właściciela, dom drugiego spłonął, a trzeci zbankrutował. Wszystkie te nieszczęścia przypisywano fatalnemu obrazowi.

„Przeklęty” obraz poszedł za granicę. Mówią, że tam sprawiała właścicielom wszelkiego rodzaju kłopoty. W 1925 r. „Nieznajomy” powrócił do Rosji, ale mimo to zajął swoje miejsce w Galerii Trietiakowskiej. Od tego czasu nie doszło do żadnych dalszych incydentów.

Może chodzi o to, że portret powinien od samego początku zająć należne mu miejsce?

„Obcy” lub „Nieznany”, (1883)

Zdjęcie wywołało burzliwą dyskusję – kim jest ta tajemnicza osoba spoglądająca z góry na publiczność? Arystokratka czy dama półświata?

„Jej strój to kapelusz „Franciszek” obszyty eleganckimi jasnymi piórami, „szwedzkie” rękawiczki wykonane z najlepszej skóry, płaszcz „Skobelev”, ozdobiony sobolowym futrem i niebieskimi satynowymi wstążkami, mufka, złota bransoletka - to wszystko to modne detale stroju kobiecego z lat 80. XIX wieku, uchodzące za kosztowną elegancję. Nie oznaczało to jednak przynależności do wyższe społeczeństwo wręcz przeciwnie, kodeks niepisanych zasad wykluczał ścisłe przestrzeganie mody w najwyższych kręgach rosyjskiego społeczeństwa”.

Uważa się, że do namalowania obrazu Kramskoja zainspirowała historia wieśniaczki Matryony Sawiszny, w której zakochał się szlachcic Bestużew. Młody mistrz przybył do wioski, aby odwiedzić ciotkę i był zafascynowany młodą pokojówką Matryoną, która została zabrana ze wsi. Bestużew zdecydował się poślubić Matryonę pomimo potępienia społeczeństwa. Jego krewni w Petersburgu uczyli dziewczyny prostej etykiety i tańca. Była dama spotkała kiedyś Matryonę w Petersburgu, ale służąca, która stała się damą szlachecką, dumnie przejechała obok swojej pani.

Artysta usłyszał tę historię od Matryony podczas wizyty u Bestużywów. „Och, co za spotkanie właśnie odbyłem!” – przechwalała się Matryona, opowiadając o tym, jak przejeżdżała obok pani.
Iwan Kramskoj. Autoportret, 1874

Artystka postanowiła przedstawić na zdjęciu epizod, w którym była służąca spotyka swoją kochankę i rzuca jej aroganckie spojrzenie.

Mówiono, że miłość do „nieznajomego” nie przyniosła szczęścia Bestużewowi, często musiał toczyć pojedynki z obsesyjnymi wielbicielami swojej żony, a wielu nieszczęśników popełniało samobójstwa z powodu dumnej urody. Miała niesamowity magiczny wpływ na mężczyzn.

Zaniepokojeni krewni Bestużewa doprowadzili do unieważnienia małżeństwa. „Nieznajoma” wróciła do rodzinnej wioski, gdzie wkrótce zmarła.

Fatalna sława namalowanego „obcego” stworzyła miano obrazu przeklętego.

Mówiono, że nabywców obrazu nękają nieszczęścia - ruina, nagła śmierć bliskich, szaleństwo. Nieszczęśni właściciele twierdzili, że obraz wysysa z nich całą witalność. Nawet filantrop Tretiakow odmówił zakupu obrazu, obawiając się klątwy. Obraz trafił do zbiorów Galerii Trietiakowskiej w 1925 roku.

Według jednej z legend Kramskoja utrzymywana kobieta przemysłowca Sawwy Morozowa pozowała „Nieznajomemu”, który zginął pod kołami powozu, a teraz jej duch wędruje po ulicach Moskwy.

Twierdzono, że na rodzinę Kramskoja spadła klątwa; jego synowie zmarli w ciągu roku od namalowania fatalnego obrazu. Jeśli spojrzysz na daty śmierci dzieci Kramskoja, legendę tę łatwo obalić. Najmłodszy syn Marek zmarł w 1876 roku, na długo przed napisaniem „Nieznajomego”. Najstarsi synowie: Mikołaj (1863–1938) i Anatolij (1865–1941) przeżyli ojca.

„Nieukojony smutek” (1884)

Ku pamięci zmarłego najmłodszy syn Kramskoy stworzył obraz „Niepocieszony żal”, który przedstawia pogrążoną w żałobie kobietę przy trumnie.

„Kobieta w czarnej sukni niezaprzeczalnie prosto, w sposób naturalny zatrzymała się przy skrzynce z kwiatami, o krok od widza, w jedynym fatalnym kroku oddzielającym smutek od tego, który współczuje smutkowi – zadziwiająco wyraźnie i całkowicie położyła się na zdjęciu w przed kobietą, to spojrzenie tylko zarysowane. Spojrzenie kobiety (jej oczy nie są tragicznie ciemne, ale od niechcenia czerwone) władczo przyciąga wzrok widza, ale nie reaguje na nie w głębi pomieszczenia, po lewej stronie, za kurtyna (nie za zasłoną-dekoracją, ale zasłona - zwykły i niepozorny mebel) są lekko uchylone drzwi, a także pustka, niezwykle wyrazista, wąska, wysoka pustka, przesiąknięta matowym czerwonym płomieniem. świece woskowe(wszystko, co pozostało z efektu świetlnego)”- napisał krytyk Władimir Porudominski.

Szkic obrazu

Kramskoy podarował obraz Galerii Trietiakowskiej. „Przyjmij ten tragiczny obraz w prezencie ode mnie, jeśli nie jest on zbędny w malarstwie rosyjskim i znajdzie miejsce w twojej galerii”.– napisał artysta. Szlachetny Tretiakow przyjął obraz i uparcie przekazał wynagrodzenie Kramskojowi.

„Nie spieszyłem się z zakupem tego obrazu w Petersburgu, wiedząc zapewne, że ze względu na swoją treść nie znajdzie on nabywców, ale wtedy zdecydowałem się go kupić”.- napisał Tretiakow.

„To całkowicie sprawiedliwe, że mój obraz „Niepocieszony żal” nie znajdzie nabywcy, wiem to równie dobrze, może nawet lepiej, ale rosyjski artysta wciąż jest na drodze do celu, o ile wierzy, że służenie sztuce to jego zadanie, dopóki wszystkiego nie opanuje, nie jest jeszcze zepsuty i dlatego nadal jest w stanie coś napisać, nie licząc na sprzedaż. Niezależnie od tego, czy mam rację, czy nie, w tym przypadku chciałem jedynie służyć sztuce. Jeśli obraz nie jest teraz nikomu potrzebny, nie jest on w ogóle zbędny w szkole malarstwa rosyjskiego. To nie jest samooszukiwanie, bo szczerze współczułam smutkowi mamy, długo szukałam czystej formy i w końcu zdecydowałam się na tę formę, bo przez ponad 2 lata ta forma nie wzbudziła we mnie krytyki…”– argumentował artysta.

Szkic obrazu
„To nie jest obraz, ale rzeczywistość”- Repin podziwiał przedstawioną głębię uczuć.

Legenda o upiornej kobiecie w czerni, która straciła dziecko, szybko rozprzestrzeniła się w folklorze.
Wspomina się o niej w wierszu „Moskwa-Pietuszki” i ściga przestraszonego bohatera w wagonie kolejowym „kobieta, cała od stóp do głów ubrana na czarno, stanęła przy oknie i patrząc obojętnie na ciemność za oknem, przycisnęła do ust koronkową chusteczkę”.

Przejdźmy do innego obrazu.

„Księżycowa noc” (1880)
Światło księżyca przyciągnęło artystę, który chciał „złapać księżyc”. Co ciekawe, do zdjęcia pozowały dwie panie. Pierwszą modelką artysty była Anna Popova (żona Mendelejewa), a następnie do obrazu pozowała Elena Matwiejewa (żona Tretiakowa).

Gra światła księżyca na zdjęciu po prostu urzeka widza. Kobieta w milczeniu patrzy na taflę wody, jest smutna i pragnie samotności, bo nawet wiatr nie ma odwagi zakłócić rozświetlonego księżycem parku. Artysta potrafił bardzo wiernie i trafnie oddać całą naturalność otaczającej przyrody, wykorzystując blask księżyca oświetlający zarówno piaszczystą ścieżkę, jak i uśpione w wodzie trzciny. Następnie artysta wykorzystuje te opracowania do namalowania obrazu, który przez długi czas nosił znamiona mistycyzmu.

Na zakończenie chciałbym dodać, że Iwan Kramskoj stworzył portrety rodziny królewskiej. Członkowie rodziny królewskiej wysoko cenili talent Kramskoja. Zlecono mu namalowanie portretów członków rodziny królewskiej i powierzono mu udzielanie lekcji malarstwa córkom cesarza.

Portret cesarza Aleksandra III

Portret cesarzowej Marii Fiodorowna, żony Aleksandra III

Portret cesarzowej Marii Aleksandrownej, matki Aleksandra III

Obraz „Syreny” powstał na podstawie opowiadania Mikołaja Gogola „Noc majowa, czyli utopiona kobieta”. Obraz przedstawia utopione dziewczynki, które według słowiańskich wierzeń po śmierci zamieniły się w syreny.

Iwan Kramskoj, „Syreny” (1871)

Pracując na płótnie artysta postawił sobie za zadanie przekazać wyjątkowe pięknoświatło księżyca. „Nadal próbuję złapać księżyc... Księżyc to trudna sprawa…”- napisał Kramskoj.

Przesądni współcześni obawiali się, że spisek Gogola doprowadzi artystę do szaleństwa. Na jego obrazie świat duchów ożywa w blasku księżyca. Nad stawem przed widzem pojawiają się goście z innego świata - syreny. Kramskoyowi udało się stworzyć fantastyczny obraz.

„Cieszę się, że nie skręciłem karku do końca taką fabułą, a jeśli nie złapałem księżyca, to i tak wyszło coś fantastycznego…”– zauważył artysta.

„Niezwykła prawdziwość fantastycznego snu” – napisali entuzjastycznie krytycy.

Opinia publiczna, zmęczona modnym realizmem satyrycznym, z zainteresowaniem przyjęła twórczość Kramskoya.
„Jesteśmy tak zmęczeni tymi wszystkimi szarymi chłopami, niezdarnymi wiejskimi kobietami, wyczerpanymi urzędnikami… że pojawienie się takiego dzieła jak „Noc majowa” powinno wywrzeć na publiczności jak najbardziej przyjemne, orzeźwiające wrażenie”.

Wkrótce tajemniczy księżycowy obraz miał swoje własne legendy. Mówiono, że na wystawie obok „Syrenek” wisiał obraz Savrasowa „Gawny”, który nagle w nocy spadł ze ściany.

W nocy w holu galerii Trietiakowskiej, która kupiła obraz, słychać było smutny, śmiertelny śpiew i można było poczuć nagły chłód, jak od nocnego stawu. Mówiono, że młode panie, które długo patrzyły na obraz, oszalały i rzuciły się do rzeki.

Stara panna poradziła mistrzowi, aby powiesił obraz w odległym kącie, aby w ciągu dnia nie padało na niego światło. Stara twierdziła, że wtedy syreny przestaną straszyć żywych. Co zaskakujące, gdy tylko obraz został usunięty w ciemność, śpiew zaświatów ustał.

Cóż, jeszcze kilka faktów na temat plotek mających wpływ na obrazy rosyjskich artystów. Zacznijmy od „Trojki” Wasilija Perowa.

Perow długo nie mógł znaleźć opiekunki dla centralnego chłopca, dopóki nie spotkał kobiety, która podróżowała przez Moskwę z pielgrzymką ze swoim 12-letnim synem Wasią. Artystce udało się namówić kobietę, aby pozwoliła Wasilijowi pozować do zdjęcia. Kilka lat później Perow ponownie spotkał się z tą kobietą. Okazało się, że rok po namalowaniu Wasenka zmarł, a jego matka specjalnie przyszła do artysty, aby za ostatnie pieniądze kupić obraz. Ale płótno zostało już zakupione i wystawione w Galerii Trietiakowskiej. Kiedy kobieta zobaczyła Trojkę, upadła na kolana i zaczęła się modlić. Wzruszona artystka namalowała dla kobiety portret syna.

Demon zostaje pokonany. Michaił Wrubel

Syn Vrubela, Savva, zmarł nagle wkrótce po ukończeniu przez artystę portretu chłopca. Śmierć syna była dla Vrubela ciosem, dlatego skupił się na swoim ostatnim obrazie „Pokonany demon”. Chęć dokończenia obrazu przerodziła się w obsesję. Vrubel kontynuował dokończenie obrazu, nawet gdy został wysłany na wystawę. Nie zwracając uwagi na zwiedzających, artysta przyszedł do galerii, wyjął pędzle i kontynuował pracę. Zaniepokojeni krewni skontaktowali się z lekarzem, ale było już za późno – urazy rdzenia kręgowego sprowadziły Vrubela do grobu pomimo leczenia.

Po śmierci Aleksandra III. Iwan Aiwazowski Gdy artysta dowiedział się o śmierci cesarza Aleksandra III, był zszokowany i namalował obraz bez żadnego zamówienia. Według Aiwazowskiego obraz miał symbolizować triumf życia nad śmiercią. Ale po ukończeniu obrazu Aiwazowski ukrył go i nikomu nie pokazał. Obraz po raz pierwszy wystawiono na widok publiczny dopiero 100 lat później. Obraz jest rozbity na fragmenty, płótno przedstawia krzyż, Twierdzę Piotra i Pawła oraz postać kobiety w czerni. Dziwny efekt jest taki, że pod pewnym kątem kobieca postać zmienia się w roześmianego mężczyznę. Niektórzy widzą w tej sylwetce Mikołaja II, inni zaś widzą Pakhoma Andreyushkina, jednego z tych terrorystów, którym nie udało się dokonać zamachu na cesarza w 1887 roku.

Historia sztuki pełna jest mistycznych tajemnic związanych z niektórymi obrazami.
Wielu artystów ciągnęło za sobą szlak o wątpliwej sławie, przez co bohaterowie, których malowali na swoich obrazach, później zmarli. Na przykład wiele modeli Serowa zmarło wkrótce po sesjach pozowania. Najbardziej tajemnicza była śmierć modelki ze słynnego obrazu „Dziewczyna z brzoskwiniami”.
W ciągu zaledwie miesiąca jedyna miłość Konstantina Somowa, która pozowała mu do obrazu „Dama w błękicie”, spłonęła na śmierć z powodu nagłej konsumpcji.
I chociaż większość artystów widzi w tych przykładach jedynie serię fatalnych zbiegów okoliczności, wielu nie ryzykuje nazywania bliskich osób opiekunami. Tak więc tylko jedna rzeźba słynnego białoruskiego mistrza Władimira Żbanowa okazała się mieć prawdziwy prototyp - producenta filmowego Władimira Gołyńskiego. Chcąc jak najdokładniej oddać podobieństwo portretu, rzeźbiarz zdjął z twarzy Gołyńskiego gipsową maskę. A kiedy figurka słynnej „Zapalniczki” była już gotowa, jej prototyp już nie żył…

Ciekawa historia wiąże się z obrazem „Maslenica”, który przez długi czas zdobił hol hotelu Ukraina. Wisiał i wisiał, nikt tak naprawdę na niego nie patrzył, aż nagle stało się jasne, że autorem tego dzieła jest osoba chora psychicznie o imieniu Kuplin, która na swój sposób skopiowała obraz artysty Antonowa. Właściwie na obrazie osoby chorej psychicznie nie ma nic szczególnie strasznego ani wybitnego, ale przez sześć miesięcy ekscytowało to ogrom Runeta. Malarstwo Antonowa:

Jeden ze studentów napisał o niej post na blogu w 2006 roku. Jej istota sprowadzała się do tego, że zdaniem profesora jednego z moskiewskich uniwersytetów na obrazie znajduje się stuprocentowy, choć nieoczywisty znak, po którym od razu widać, że artysta jest szalony. I nawet rzekomo na podstawie tego znaku możesz natychmiast postawić prawidłową diagnozę. Ale, jak napisał student, przebiegły profesor nie odkrył znaku, a jedynie dał niejasne wskazówki. I tak mówią ludzie, pomagajcie, kto może, bo sama nie mogę znaleźć, jestem cała wyczerpana i zmęczona. Nietrudno sobie wyobrazić, co się tutaj zaczęło. Post rozprzestrzenił się po sieci, wielu użytkowników rzuciło się w poszukiwaniu odpowiedzi i zbeształo profesora. Zdjęcie zyskało ogromną popularność, podobnie jak blog studenta i nazwisko profesora. Zagadki nikt nie był w stanie rozwiązać, a na koniec, gdy już wszyscy znudzili się tą historią, zdecydowali:

1. Nie ma żadnego znaku, a profesor celowo „wprowadził” studentów w błąd, aby nie opuszczali wykładów.
2. Profesor sam jest psycholem (przytaczano nawet fakty, że faktycznie leczył się za granicą).
3. Kuplin związał się z bałwanem pojawiającym się w tle obrazu i to jest główne rozwiązanie zagadki.
4. Nie było profesora, a cała historia była genialnym flash mobem.
Nawiasem mówiąc, podano także wiele oryginalnych domysłów dotyczących tego znaku, ale żaden z nich nie został uznany za poprawny. Historia stopniowo zanikała, choć nawet teraz w RuNet można czasem natknąć się na jej echa. Jeśli chodzi o obraz, na niektórych naprawdę robi to niesamowite wrażenie i powoduje nieprzyjemne doznania.

Oto kolejna bardzo interesująca historia.

Ikona dla wróżek

Dyrekcja Ermitażu wysłuchała opinii swoich pracowników i podjęła decyzję o usunięciu z wystawy starożytnej ikony przedstawiającej Chrystusa. Ten krok był podyktowany faktem, że pole energetyczne ikony zabijało pracowników muzeum. Według pracowników Ermitażu długotrwałe narażenie na wizerunek Chrystusa spowodowało już śmierć kilku pracowników.
Już w trakcie snuto założenia dotyczące negatywnego wpływu ikony na organizm ludzki Władza radziecka jednak w tamtym czasie po prostu nie można było tego oficjalnie zadeklarować.
Niemniej jednak opiekunowie sali, w której wystawiono arcydzieło starożytnego artysty, umierali jeden po drugim bez wyraźnego powodu. Ale gdy tylko ich krzesła zostały przeniesione w inne miejsce, wszystkie problemy ustały.

Specjalista zaproszony do badania wpływu ikony na ludzi przeprowadził badanie i stwierdził, że choć najprawdopodobniej ikona nie jest bezpośrednio odpowiedzialna za zły stan zdrowia pracowników, to jednak roztacza wokół siebie energię, która sprawia, że ludzki mózg wibrują z dużą częstotliwością, co zdaniem eksperta nie każdy jest w stanie wytrzymać.
W związku z tym zasugerowano, że ikona została namalowana przez potężne medium i pierwotnie była przeznaczona dla nielicznych wybranych o wysokiej percepcji pozazmysłowej. Dlatego ciągłe oglądanie tego przez zwykłych ludzi jest dość niebezpieczne. Biorąc pod uwagę opinię specjalisty, dyrekcja muzeum podjęła decyzję o przechowaniu ikony i zaprzestaniu jej eksponowania.

http://ilya-repin.ru/man_n/repin2.php

Włoscy naukowcy twierdzą, że znaleźli szczątki, które mogą należeć do Lisy del Giocondo. Być może tajemnica Mony Lisy zostanie ujawniona. Na cześć tego pamiętajmy najbardziej tajemnicze obrazy w historii.

1. Gioconda
Pierwszą rzeczą, która przychodzi na myśl, jeśli chodzi o tajemnicze obrazy lub tajemnicze obrazy, jest „Mona Lisa”, namalowana przez Leonarda da Vinci w latach 1503-1505. Gruye napisał, że to zdjęcie może doprowadzić do szaleństwa każdego, kto po wystarczającym obejrzeniu zacznie o nim mówić.
W tym dziele da Vinci jest wiele „tajemnic”. Krytycy sztuki piszą rozprawy na temat pochylenia dłoni Mony Lisy, lekarze stawiają diagnozy (od tego, że Mona Lisa nie ma przednich zębów, po to, że Mona Lisa jest mężczyzną). Istnieje nawet wersja, w której Gioconda jest autoportretem artysty.
Nawiasem mówiąc, obraz zyskał szczególną popularność dopiero w 1911 roku, kiedy został skradziony przez Włocha Vincenzo Peruggio. Znaleźli go na podstawie odcisków palców. Tym samym „Mona Lisa” stała się także pierwszym sukcesem pobierania odcisków palców i ogromnym sukcesem marketingowym na rynku sztuki.

2. Czarny kwadrat

Wszyscy wiedzą, że „Czarny kwadrat” nie jest tak naprawdę czarny, ani nie jest kwadratem. To naprawdę nie jest kwadrat. W katalogu wystawy Malewicz określił go jako „czworokąt”. I naprawdę nie czarny. Artysta nie użył czarnej farby.
Mniej wiadomo, że Malewicz uważał „Czarny kwadrat” za swoje najlepsze dzieło. Kiedy artysta był pochowany, u szczytu trumny stał „Czarny kwadrat” (1923), ciało Malewicza przykryto białym płótnem z wszytym kwadratem, czarny kwadrat namalowano także na wieczku trumny. Nawet pociąg i tył ciężarówki miały czarne kwadraty.

3. Krzycz

Tajemnicze w obrazie „Krzyk” nie leży w tym, że rzekomo wywiera on silny wpływ na ludzi, zmuszając ich niemal do popełnienia samobójstwa, ale w tym, że obraz ten jest w istocie realizmem dla Edvarda Muncha, który w chwili pisania tego arcydzieła cierpiał na psychoza maniakalno-depresyjna. Pamiętał nawet dokładnie, jak widział to, co napisał.
„Szedłem z dwójką przyjaciół ścieżką - zachodziło słońce - nagle niebo zrobiło się krwistoczerwone, zatrzymałem się, czując zmęczenie, oparłem się o płot - spojrzałem na krew i płomienie nad niebiesko-czarnym fiordem i miasto – moi przyjaciele poszli dalej, a ja stałam, drżąc z podniecenia, czując niekończący się płacz przeszywający naturę.”

4. Guernika

Picasso namalował Guernicę w 1937 roku. Obraz poświęcony bombardowaniu miasta Guernica. Mówią, że gdy w 1940 roku Picasso został wezwany do gestapo i zapytany o Guernicę: „Czy ty to zrobiłeś?”, artysta odpowiedział: „Nie, zrobiłeś to”.
Picasso namalował ogromny fresk w nie więcej niż miesiąc, pracując 10-12 godzin dziennie. „Guernica” uważana jest za odzwierciedlenie horroru faszyzmu i nieludzkiego okrucieństwa. Ci, którzy widzieli ten obraz na własne oczy, twierdzą, że wywołuje on niepokój, a czasem panikę.

5. Iwan Groźny i jego syn Iwan

Wszyscy znamy obraz „Iwan Groźny i jego syn Iwan”, zwykle nazywając go „Iwan Groźny zabija swojego syna”.
Tymczasem zamordowanie przez Iwana Wasiljewicza jego spadkobiercy jest faktem bardzo kontrowersyjnym. Tak więc w 1963 r. Otwarto groby Iwana Groźnego i jego syna w Katedrze Archanioła na Kremlu moskiewskim. Badania pozwoliły stwierdzić, że Carewicz Jan został otruty.
Zawartość trucizny w jego szczątkach wielokrotnie przekraczała dopuszczalny limit. Co ciekawe, tę samą truciznę znaleziono w kościach Iwana Wasiljewicza. Naukowcy doszli do takiego wniosku rodzina królewska od kilkudziesięciu lat jest ofiarą trucicieli.
Iwan Groźny nie zabił swojego syna. Właśnie tej wersji broni na przykład Naczelny Prokurator Świętego Synodu Konstantin Pobiedonoscew. Widząc na wystawie słynny obraz Repina, był oburzony i napisał do cesarza Aleksander III: „Nie można nazwać tego zdjęcia historycznym, ponieważ ta chwila... jest po prostu fantastyczna”. Wersja morderstwa została oparta na opowieściach legata papieskiego Antonio Possevino, którego trudno nazwać osobą bezinteresowną.
Kiedyś doszło do prawdziwego zamachu na obraz.
16 stycznia 1913 roku dwudziestodziewięcioletni staroobrzędowy malarz ikon Abram Balashov trzykrotnie dźgnął ją nożem, po czym Ilja Repin musiał praktycznie od nowa zamalować twarze Iwanowów przedstawionych na obrazie. Po zdarzeniu ówczesny kustosz Galerii Trietiakowskiej Chrusłow, dowiedziawszy się o wandalizmie, rzucił się pod pociąg.

6. Ręce mu się opierają

Obraz Billa Stonehama, namalowany w 1972 roku, nie cieszy się, szczerze mówiąc, najlepszą opinią. Z informacji zamieszczonych na E-bayu wynika, że obraz jakiś czas po zakupie znalazł się na wysypisku śmieci. Już pierwszej nocy, gdy obraz znalazł się w domu rodziny, która go znalazła, córka ze łzami w oczach pobiegła do rodziców, skarżąc się, że „dzieci na obrazie kłócą się”.
Od tego czasu obraz cieszy się bardzo złą sławą. Kim Smith, który kupił go w 2000 roku, nieustannie otrzymuje gniewne listy z żądaniem spalenia obrazu. Gazety pisały także, że duchy pojawiają się czasami na wzgórzach Kalifornii, jak dwa groszki w strąku, jak dzieci z obrazu Stonehama.

7. Portret Lopukhiny

Wreszcie „zły obraz” - portret Łopuchiny, namalowany przez Władimira Borowikowskiego w 1797 r., po pewnym czasie zaczął mieć złą reputację. Portret przedstawiał Marię Lopukhinę, która zmarła wkrótce po namalowaniu portretu. Zaczęto mówić, że obraz „odbiera młodość”, a nawet „zabiera do grobu”.
Nie wiadomo na pewno, kto puścił taką plotkę, ale gdy Paweł Tretiakow „odważnie” nabył portret do swojej galerii, rozmowy o „tajemnicy obrazu” ucichły.

Portret Władimira Borowikowskiego przedstawia Marię Łopuchinę, która wcześnie zmarła na gruźlicę.

O portrecie Marii Łopuchiny autorstwa Władimira Borowikowskiego opowiadano straszne historie w czasach Puszkina. Został napisany z córką szlachcica Iwana Tołstoja, mistyka i mistrza loży masońskiej, który wcześnie zmarł na suchoty. Krążyły pogłoski, że jeśli młoda dziewczyna spojrzy na obraz, wkrótce odda duszę Bogu. Na salonach szeptano, że ofiarami diabelskiego portretu padło co najmniej kilkanaście szlachetnych dziewcząt w wieku małżeńskim. Mówią, że mieszka tam dusza zmarłej Lopukhiny, a ona zabiera dusze.
Po wystawieniu obrazu w galerii, rozmowy na temat klątwy nieco ucichły. Chociaż zgodnie z tradycją portret nadal uważany jest za „pechowy”.W 1880 roku płótno nabył m.in znany filantrop Tretiakow. Paweł Tretiakow powiesił w swojej galerii dwie piękne prace artysty Borowikowskiego Włodzimierz Łukicz(1757-1826) - portret świeckiej piękności Łopuchina i książę Kurakin obok siebie. Portrety były malowane jedną ręką, dlatego kolekcjoner umieścił je blisko siebie, ale tak się nie stało, rano znaleziono na podłodze portret nieszczęsnego Kurakina z rozbitą ramą. Uparty piękno księcia nie podobało się bliskości księcia Tretiakowowi, bez zastanowienia zaczął studiować historię życia ludzi, których zdjęcia nabył do swojej kolekcji i odkrył ciekawy fakt, że nawet za ich życia młoda piękność Lopukhina mogła. nie znosić starzejącego się księcia, który polował na kobiety.

Sztukę piękną zawsze uważano za ściśle związaną ze sferą mistyczną. Przecież każdy obraz jest energetycznym odciskiem oryginału, szczególnie jeśli chodzi o portrety. Uważa się, że są w stanie wpłynąć nie tylko na tych, od których są napisane, ale także na innych ludzi. Przykładów nie trzeba daleko szukać: przejdźmy do malarstwa rosyjskiego XIX i początku XX wieku.

Ilya Repin - burza z piorunami dla opiekunów?

Portret pisarza A.F. Pisemsky'ego

Jest mało prawdopodobne, aby ktokolwiek twierdził, że Ilya Efimovich Repin jest jednym z najwybitniejszych rosyjskich malarzy. Ale jest jedna dziwna i tragiczna okoliczność: wielu, którzy mieli zaszczyt być jego opiekunami, wkrótce zmarło. Są wśród nich Musorgski, Pisemski, Pirogow i włoski aktor Mercy d’Argenteau. Gdy tylko artysta podjął się portretu Fiodora Tyutczewa, on również zmarł. Oczywiście we wszystkich przypadkach istniały obiektywne przyczyny śmierci, ale tutaj są zbiegi okoliczności... Mówi się, że nawet potężni mężczyźni, którzy pozowali Repinowi do płótna „Przewoźnicy barek na Wołdze”, przedwcześnie oddali swoje dusze Bogu.

Iwan Groźny nie zabił swojego syna!

Historia, że Iwan Groźny jest zabójcą synów, to tylko mit. Uważa się, że Iwan Groźny zabił swojego syna w przypływie gniewu uderzeniem laski w świątynię. Różni badacze podają różne przyczyny: od kłótni domowej po tarcia polityczne. Tymczasem żadne ze źródeł nie podaje wprost, że książę i następca tronu został zabity przez własnego ojca! „Kronikarz Piskarewski” podaje: „O godzinie 12 w nocy letniego listopada 7090 r., dnia 17... śmierć carewicza Jana Ioannowicza”. Nowogrodzka Czwarta Kronika podaje: „W tym samym roku (7090) carewicz Jan Ioannowicz odpoczywał w Jutrzni w Słobodzie”. Przyczyna śmierci nie została ogłoszona. W latach 60. ubiegłego wieku otwarto groby Iwana Groźnego i jego syna. Na czaszce księcia nie stwierdzono uszkodzeń charakterystycznych dla urazu mózgu. Zatem nie było synobójstwa?! Skąd jednak wzięła się legenda o nim? Jej autorem jest jezuita mnich Antoni Possevino (Antonio Possevino), wysłany do Moskwy jako ambasador od papieża z propozycją poddania Cerkwi prawosławnej pod zwierzchnictwo Watykanu. Pomysł nie spotkał się z poparciem cara Rosji. Tymczasem Possevin rzekomo stał się naocznym świadkiem rodzinnego skandalu. Cesarz był zły na swoją ciężarną synową, żonę jego syna Iwana, za jej „nieprzyzwoity wygląd” - albo zapomniała założyć pasek, albo założyła tylko jedną koszulę, kiedy miała nosić cztery. W ferworze teść zaczął bić nieszczęsną kobietę laską. Książę stanął w obronie swojej żony: wcześniej jego ojciec wysłał już do klasztoru swoje dwie pierwsze żony, które nie mogły od niego począć. Jan Młodszy nie bezpodstawnie obawiał się, że straci trzecią – jej ojciec po prostu ją zabije. Rzucił się na kapłana i w przypływie przemocy uderzył laską i przebił skroń syna. Jednak poza Possevinem żadne źródło nie potwierdza tej wersji, chociaż później chętnie ją podchwycili inni historycy – Staden i Karamzin. Współcześni badacze sugerują, że jezuita stworzył legendę w odwecie za to, że musiał wrócić na dwór papieski z pustymi rękami. Podczas ekshumacji w tkankach kostnych księcia odnaleziono pozostałości trucizn. Może to wskazywać, że Jan Młodszy zmarł w wyniku otrucia (co w tamtych czasach nie było rzadkością), a nie w wyniku uderzenia twardym przedmiotem! Niemniej jednak na obrazie Repina widzimy właśnie wersję synobójstwa. Jest to wykonane z tak niezwykłą prawdopodobieństwem, że nie można oprzeć się wrażeniu, że dokładnie to wydarzyło się w rzeczywistości. Stąd oczywiście „zabójcza” energia. W 1963 roku w Soborze Archanioła na Kremlu otwarto grób Iwana Groźnego i jego syna Carewicza Jana. Badania nie wykazały żadnych uszkodzeń czaszki księcia. Pojawił się jednak inny ciekawy fakt - rtęć odkryto w kościach księcia, samego Iwana Groźnego, a następnie jego matki i pierwszej żony Anastazji Romanowej. Dużo rtęci - ilość wielokrotnie większa niż dawka śmiertelna. Okazuje się, że dynastia była przez długi czas systematycznie prześladowana. Może Iwan Groźny wcale nie był taki groźny?

Jednak najstraszniejsza historia wydarzyła się z obrazem „Iwan Groźny i jego syn Iwan 16 listopada 1581 r.”, który w naszych czasach jest lepiej znany jako „Iwan Groźny zabija swojego syna”. Nawet zrównoważeni ludzie czuli się nieswojo, patrząc na płótno: scena morderstwa została namalowana zbyt realistycznie, na płótnie było za dużo krwi, która wydawała się realna.
Płótno wystawione w Galerii Trietiakowskiej zrobiło na zwiedzających dziwne wrażenie. Niektórzy płakali przed obrazem, inni popadali w odrętwienie, a jeszcze inni dostawali ataków histerii. A młody malarz ikon Abram Balashov przeciął płótno nożem 16 stycznia 1913 roku. Został wysłany do szpitala psychiatrycznego, gdzie zmarł. Płótno zostało odnowione.
Wiadomo, że Repin długo myślał, zanim wziął się za film o Iwanie Groźnym. I nie bez powodu. Artysta Myasojedow, z którego namalowano wizerunek cara, wkrótce w gniewie prawie zabił swojego młodego syna, zwanego także Iwanem, podobnie jak zamordowany carewicz. Wizerunek tego ostatniego został oparty na pisarzu Wsiewołodzie Garszynie, który następnie oszalał i popełnił samobójstwo, rzucając się na schody... Pisarz Garszin, przedstawiony przez Repina na obrazie Carewicza Iwana w filmie „Iwan Straszny i jego syn Iwan”, zmarł wyraźnie przedwcześnie: w wieku 33 lat popełnił samobójstwo, rzucając się z najwyższego podestu schody do otworu między lotami. Urazowy uraz mózgu okazał się śmiertelny, jednak najbardziej zaskakujące było to, że Garszyn złamał głowę w tym samym miejscu, które artysta na słynnym płótnie wskazał na dwa lata przed samobójstwem pisarza – Iwan Groźny uderzył syna, który gdyż Garshin stał się symbolem jego nieszczęsnego losu, po lewej stronie świątyni. Artysta albo przewidział, albo N przerysowany dalszy los Garshin, który zagrał główną rolę w najbardziej rozdzierającym serce filmie Repina.
Mistyczna zbieżność dat dopełnia morderczość pozornych zbiegów okoliczności: Garszyn popełnił samobójstwo 5 kwietnia 1888 roku w wieku 33 lat, dokładnie w dzień urodzin Iwana Ioannowicza, syna Iwana Groźnego, urodzonego 5 kwietnia 1554 roku. duch zamordowanego księcia, wskrzeszony na płótnie Repina, przywołał duszę pisarza, który odważył się zostać opiekunem artysty, który nieświadomie dopuścił się aktu inwolty (magicznego zabicia przedstawionej osoby).

Koszmar ministrów

Kiedyś Repinowi zlecono stworzenie ogromnego monumentalnego obrazu „Uroczyste posiedzenie Rady Państwa”.
Obraz ukończono pod koniec 1903 roku. A w 1905 roku wybuchła pierwsza rewolucja rosyjska, podczas której spadły głowy urzędników przedstawionych na płótnie. Niektórzy stracili stanowiska i tytuły, inni nawet przypłacili to życiem: minister V.K. Plehwe i wielki książę Siergiej Aleksandrowicz, były generalny gubernator Moskwy, zostali zabici przez terrorystów.
W 1909 roku artysta zlecił Dumie Miejskiej Saratowa namalowanie portretu premiera Stołypina.
Ledwo skończył swoją pracę, gdy Stołypin został zastrzelony w Kijowie.
Kto wie – może gdyby Ilya Repin nie był tak utalentowany, tragedie nie miałyby miejsca. Już w XV wieku naukowiec, filozof, alchemik i mag Cornelius Agrippa z Nettesheim napisał: „Uważaj na pędzel malarza – jego portret może okazać się żywszy od oryginału”.

Katastrofalny „Obcy”

„Nieznajomy” Iwana Kramskoja przyniósł nieszczęście swoim właścicielom

„Obcy” Iwana Kramskoja (oryginalny tytuł „Nieznany”) to jedno z najbardziej tajemniczych arcydzieł malarstwa rosyjskiego. Na pierwszy rzut oka w portrecie nie ma nic mistycznego: piękność jedzie otwartym powozem po Newskim Prospekcie.
Wielu uważało bohaterkę Kramskoja za arystokratkę, ale modny aksamitny płaszcz obszyty futrem i niebieskimi satynowymi wstążkami oraz stylowy beret w połączeniu z narysowanymi ołówkiem brwiami, szminką i różem na policzkach wyróżniają ją jako damę ówczesnego półświatka. Nie prostytutka, ale najwyraźniej utrzymana kobieta jakiegoś szlachcica lub bogatego mężczyzny. Kiedy jednak artystę zapytano, czy ta kobieta istnieje w rzeczywistości, tylko uśmiechnął się i wzruszył ramionami. W każdym razie nikt nigdy nie widział oryginału.
Tymczasem Paweł Tretiakow odmówił zakupu portretu do swojej galerii - być może obawiał się przekonania, że portrety piękności „wysysają siłę” z żywych ludzi. „Nieznajomy” zaczął podróżować na prywatne spotkania. I bardzo szybko zyskała rozgłos. Odeszła od niego żona pierwszego właściciela, dom drugiego spłonął, a trzeci zbankrutował. Wszystkie te nieszczęścia przypisywano fatalnemu obrazowi.
Sam Kramskoy nie uniknął klątwy. Niecały rok po powstaniu „Unknown” jeden po drugim zmarli jego dwaj synowie.
„Przeklęty” obraz poszedł za granicę. Mówią, że tam sprawiała właścicielom wszelkiego rodzaju kłopoty. W 1925 r. „Nieznajomy” powrócił do Rosji, a mimo to zajął swoje miejsce w Galerii Trietiakowskiej. Od tego czasu nie doszło do żadnych dalszych incydentów.
Może chodzi o to, że portret powinien od samego początku zająć należne mu miejsce?

Karol Pawłowicz Bryulłow „Jeździec”

Historia malarstwa opowiada losy siostrzenicy genialnego włoskiego kompozytora N. Pacciniego, której portret namalował wspaniały artysta w 1832 roku Karol Pawłowicz Bryulłow(1799-1852). Na zdjęciu” Jeździec„przedstawia młodą Giovanninę Paccini z wdziękiem paradującą na koniu o cienkich nogach. W Rzymie mówiono, że młoda Giovannina miała szczęście, bo po śmierci wuja przyjęła ją bogata rosyjska hrabina Julia Samoilova, ale szczęście nie trwało długo – dziewczyna została stratowana przez konia.

„Nierówne małżeństwo”, Wasilij Pukirew

Pukirev napisał „Nierówne małżeństwo” w 1862 roku, kiedy miał dokładnie 30 lat. Film został odebrany inaczej. Niektórzy mówili, że „bardzo dobra rama, nikt takiej nie ma”. Inni nazywali „ tragiczny obraz szkoła rosyjska”. Jednak ani jedna galeria nie chciała zdobyć tego dzieła, więc Pukirev cieszył się, że artysta A. Borysowski nabył płótno w przyjazny sposób. I dopiero 10 lat później „Nierówne małżeństwo” kupił Tretiakow. Zapłaciłem 1500 rubli w srebrze, powiesiłem, żeby wszyscy mogli zobaczyć - i zaczęło się dziać coś dziwnego.

Patrząc żałośnie na płótno, Moskale opowiadali sobie, że autor przedstawił na obrazie swój własny smutek - jego ukochana dziewczyna została przymusowo wydana za mąż za bogatego dostojnika. Co mógł zrobić biedny artysta?! Po prostu wyobraź sobie siebie obok ukochanej osoby. Czy widzisz młodego czarnobrodego mężczyznę o płonącym spojrzeniu, stojącego ze skrzyżowanymi rękami w prawym rogu zdjęcia? To jest on...

I te pogłoski były prawdziwe! Dlatego obraz jest tak przejmujący. Najwyraźniej artysta pracując nad nim, najlepiej jak mógł, zemścił się na przeklętym bogaczu - postarzał go do niemożliwości. I co zdumiewające, wkrótce zmarł. Ale to też nie pomogło - ukochany nie wrócił do malarza, ale poszedł do klasztoru. Artysta zaczął mieć gorączkę, twierdził, że prześladuje go jego własny obraz. Jedną po drugiej wykonywał ich kopie, z których jedną podpisał węglem bezpośrednio na swoim wizerunku. Pukirew powoli popadł w alkoholizm, żył z datków od przyjaciół i zmarł w biedzie i zapomnieniu 1 czerwca 1890 roku…

Moskale opowiadali sobie nawzajem, że samo malarstwo Pukirewa ma mistyczny wpływ. Starzy mężczyźni przygotowujący się do zawarcia małżeństwa z młodymi ludźmi zupełnie nie są w stanie stanąć przed nimi - głowa jednego zaczyna bieleć, serce drugiego zaczyna bieleć, a niektórzy nawet tracą przytomność. Nic dziwnego, że widzowie nadali obrazowi przydomek „Koshchey with the Bride”. Nawiasem mówiąc, słynny pisarz-historyk N. Kostomarow wyznał swoim przyjaciołom, że po obejrzeniu obrazu Pukirewa porzucił zamiar poślubienia młodej dziewczyny.

A z dziewczynami w wieku małżeńskim, które spojrzały na zdjęcie, zaczęło się dziać coś dziwnego. Albo ślub się nie uda, albo małżeństwo będzie nieszczęśliwe. Cóż, kiedy jedna studentka, przygotowując się do ślubu, wychodząc z galerii, rzuciła się pod koła przejeżdżającego konia zaprzężonego w konie, wśród moskiewskich narzeczonych mocno ugruntowało się przekonanie - nie należy patrzeć na obraz Pukirewa przed ślubem!

„Demon pokonany”

Jeden z najzdolniejszych i najbardziej niezwykłych geniuszy malarstwa rosyjskiego, Michaił Vrubel, ma dzieła, które kojarzą się także z osobistymi tragediami samego artysty. „Pokonany demon” wywarł szkodliwy wpływ na psychikę i zdrowie samego Vrubela Nie mogąc oderwać się od obrazu, kontynuował dodawanie twarzy pokonanemu Duchowi, a także zmianę kolorystyki. „Pokonany demon” wisiał już na wystawie, a Vrubel co chwila wchodził do sali, nie zwracając uwagi na zwiedzających, siadał przed obrazem i jak opętany dalej pracował. Bliscy zaniepokoili się jego stanem, dlatego zbadał go słynny rosyjski psychiatra Bechterew. Diagnoza była straszna – urazy rdzenia kręgowego, bliskie szaleństwa i śmierci. Vrubel został przyjęty do szpitala, ale leczenie nie pomogło i wkrótce zmarł.

„Syreny”, Iwan Kramskoj cyce

Iwan Nikołajewicz Kramskoj jest tradycyjnie uważany za szefa rosyjskiego malarstwa realistycznego, przywódcę Wędrowców. Ale zadziwiające jest to, że spośród setek realistycznych dzieł Kramskoya najbardziej znane i atrakcyjne były mistyczne i tajemnicze obrazy. To prawda, że Kramskoy nie myślał o mistyce. Ich „Syreny” pojmował to jako płótno „wg motywy ludowe", zaczerpnięte z "Nocy majowej" Gogola. Po prostu okazało się to trochę dziwne - ciężkie światło księżyca, magiczne jezioro, upiorne syreny wychodzące na nocny brzeg... Organizatorzy pierwszej wystawy Stowarzyszenia Wędrowców (1871) zawiesili to zdjęcie obok wzruszającego krajobrazu Savrasova „Przybyły gawrony”. I stało się coś bezprecedensowego – nocne syreny nie lubiły dziennych ptaków – już pierwszej nocy krajobraz spadł ze ściany.

„Przybyły wieże”, Aleksiej Sawrasow cyce

Tretiakow kupił oba obrazy. Udekorował swoje biuro „Gawronami”, ale nie mógł znaleźć miejsca na „Syreny” - wieszał je z pokoju do pokoju. Spotkał już wcześniej kapryśne stworzenia. Jeśli któryś z obrazów nie spodobał się „sąsiadowi”, obrazy zaczęły „walczyć” – pękała farba, pękała rama, a nawet jeden z obrazów opadał na podłogę. Ale „Rusałkowie” zachowali się najgorzej – z sali, w której je zainstalował Tretiakow, w nocy słychać było cichy, żałobny śpiew. Sprzątaczki nie chciały tam pracować, a dzieci Tretiakowa bały się nawet przejść obok. Sam Tretiakow zaczął zauważać, że gdy tylko pozostał dłużej w pobliżu „Syren”, poczuł straszliwe zmęczenie. Wtedy zwiedzający zaczęli opowiadać, że oglądanie sceny z „Nocy majowej” było trudne. A potem po Moskwie rozeszła się plotka, że jakaś młoda dama, obejrzawszy dość malarstwa Kramskoja, utopiła się w Yauzie. Dobrze, że stara niania, która mieszkała w rodzinie Tretiakowów, poradziła: „Zawieś to w najdalszym kącie, aby nie padało na niego światło. Syrenom nie jest łatwo w pełnym słońcu, dlatego nawet w nocy nie potrafią się uspokoić. A gdy tylko znajdą się w cieniu, natychmiast przestaną gadać!” I tak też zrobili. Od tego czasu, jeśli panny rzeczne są na płótnie i śpiewają swoje pieśni o syrenach, nie przeszkadza to odwiedzającym.

„Kobieta Deszczu”

Teraz wisi skromnie bez ramy w jednym ze sklepów w Winnicy. „Rain Woman” jest najdroższym ze wszystkich dzieł: kosztuje 500 dolarów. Według sprzedawców obraz był już trzykrotnie kupowany i zwracany. Klienci tłumaczą, że o niej marzą. I ktoś nawet mówi, że zna tę panią, ale nie pamięta gdzie. A każdy, kto kiedykolwiek spojrzał w jej białe oczy, na zawsze zapamięta uczucie deszczowego dnia, ciszy, niepokoju i strachu.

Skąd to się wzięło? niezwykły obraz, powiedziała jego autorka, winnicka artystka Swietłana Telets. „W 1996 roku ukończyłem Odessę uniwersytet artystyczny ich. Grekova” – wspomina Swietłana. „A sześć miesięcy przed narodzinami „Kobiety” zawsze wydawało mi się, że ktoś mnie ciągle obserwuje. Odgoniłem od siebie takie myśli i pewnego dnia, nawiasem mówiąc, wcale nie deszczowego, usiadłem przed czystym płótnem i myślałem, co narysować. I nagle wyraźnie zobaczyłem kontury kobiety, jej twarz, kolory, odcienie. W jednej chwili zauważyłem wszystkie szczegóły obrazu. Najważniejsze napisałem szybko – skończyłem w około pięć godzin. Wydawało mi się, że ktoś prowadził moją rękę. A potem skończyłem malować przez kolejny miesiąc.
Po przybyciu do Winnicy Swietłana wystawiła obraz w lokalnym salonie sztuki. Co jakiś czas podchodzili do niej koneserzy sztuki i dzielili się tymi samymi przemyśleniami, jakie ona sama towarzyszyła jej podczas swojej pracy.
„Ciekawie było obserwować” – mówi artysta – „jak subtelnie dana rzecz może urzeczywistnić myśl i zainspirować ją u innych ludzi”.
Kilka lat temu pojawił się pierwszy klient. Samotna bizneswoman długo chodziła po korytarzach, przyglądając się uważnie. Kupiwszy „Kobietę” powiesiłam ją w sypialni.
Dwa tygodnie później w mieszkaniu Swietłany zadzwonił nocny telefon: „Proszę ją odebrać. Nie mogę spać. Wygląda na to, że w mieszkaniu jest ktoś oprócz mnie. Nawet zdjąłem go ze ściany i schowałem za szafą, ale nadal nie mogę tego zrobić.
Potem pojawił się drugi kupujący. Wtedy młody człowiek kupił obraz. I też nie mogłam tego długo znieść. Sam przyniósł go artyście. I nawet nie wziął pieniędzy.
„Śnię o niej” – poskarżył się. - Każdej nocy pojawia się i krąży wokół mnie jak cień. Zaczynam wariować. Boję się tego zdjęcia!
Trzeci kupujący, dowiedziawszy się o sławie „Kobiety”, po prostu machnął ręką. Powiedział nawet, że według niego twarz tej złowrogiej kobiety jest urocza. I prawdopodobnie będzie się z nim dogadywać.
Nie dogadywaliśmy się.
„Na początku nie zauważyłem, jak białe były jej oczy” – wspomina. - A potem zaczęli pojawiać się wszędzie. Zaczęły się bóle głowy, bezprzyczynowe zmartwienia. Czy tego potrzebuję?!
Zatem „Rain Woman” ponownie wróciła do artysty. Po mieście rozeszła się wieść, że obraz ten jest przeklęty. Potrafi doprowadzić Cię do szaleństwa w ciągu jednej nocy. Sama artystka nie jest już szczęśliwa, że namalowała taki horror. Jednak Sveta nie traci jeszcze optymizmu:
- Każdy obraz rodzi się dla konkretnej osoby. Wierzę, że znajdzie się ktoś, dla kogo „Kobieta” została napisana. Ktoś jej szuka – tak jak ona szuka jego.

Anna Achmatowa powiedziała kiedyś: „Kiedy człowiek umiera, jego portrety się zmieniają”. Malowniczy portret lub obraz to potężna struktura energetyczna. Artysta nie tylko maluje płótno na konkretny temat - przekazuje swoje uczucia, przemyślenia, światopogląd i co najważniejsze - nastrój, który tworzy energię artystycznego płótna. Nazywa się to także „katharsis”. Jeśli fabuła obrazu jest jawnie agresywna, powoduje to agresję u widza. Należy zauważyć, że obrazy i portrety niosą ze sobą inną energię. Czasami artysta, nie zdając sobie z tego sprawy, „ładuje” widza swoich obrazów katharsis, z którego sam zostaje uwolniony w procesie tworzenia płótna.

Rosyjscy naukowcy, badając „widmowe” obrazy obrazów, doszli do wniosku, że „Dziewiąta fala” Aiwazowskiego i wiele innych słynnych obrazów również ma silną negatywną aurę. A podczas badania energii „Czarnego kwadratu” Kazimierza Malewicza jeden z naukowców… stracił przytomność. „To jedna wielka bryła ciemnej siły i energii, jakby malowali obraz w podziemnym świecie” – przyznał naukowiec, gdy ledwo udało mu się odzyskać przytomność. O obrazie Malewicza „Czarny kwadrat” mówiono już wcześniej i mówi się o nim także dzisiaj. I to nie tylko po to, by podnieść cenę. Do tej pory nikt nie wie, co oznaczał ten kwadrat i co Malewicz chciał nim wyrazić. „Czarny kwadrat” to „czarna dziura” w malarstwie, wysysająca pozytywną energię i wyrzucająca negatywną, co silnie oddziałuje na psychikę widza.

Plac Czarnych Suprematystów, 1915

Artysta wiedział, że jego syn panicznie boi się ognia, ale sztuka była mu droższa niż nerwy własnego dziecka i nadal z niego drwił. Któregoś dnia doprowadzone do histerii dziecko nie mogło wytrzymać i krzyknęło, zalewając się łzami: „Sparz się!” Ta klątwa nie musiała długo czekać na spełnienie się – dwa tygodnie później chłopiec zmarł na zapalenie płuc, a wkrótce także jego ojciec spalił się żywcem we własnym domu… Oto historia. Obraz, a właściwie jego reprodukcja, swoją złowrogą sławę zyskał w 1985 roku w Anglii.

Stało się to dzięki serii dziwnych zbiegów okoliczności – w północnej Anglii zaczęły jeden po drugim dochodzić do pożarów budynków mieszkalnych. Były ofiary w ludziach. Niektóre ofiary wspominały, że z całego majątku ocalała cudem jedynie tania reprodukcja przedstawiająca płaczące dziecko. A takich doniesień było coraz więcej, aż w końcu jeden z inspektorów straży pożarnej ogłosił publicznie, że we wszystkich bez wyjątku spalonych domach odnaleziono „Płaczącego Chłopca” w stanie nienaruszonym.

Natychmiast gazety zalała fala listów donoszących o różnych wypadkach, ofiarach śmiertelnych i pożarach, które miały miejsce po zakupie tego obrazu przez właścicieli. Oczywiście „Płaczącego chłopca” od razu zaczęto uważać za przeklęty, historia jego powstania wyszła na jaw i obrosła plotkami i fikcją... W rezultacie jedna z gazet opublikowała oficjalne oświadczenie, że każdy, kto posiada tę reprodukcję, musi natychmiast się go pozbądź, a władze Odtąd zabrania się kupowania i trzymania go w domu.

Do dziś „Płaczący chłopiec” cieszy się sławą, szczególnie w północnej Anglii. Nawiasem mówiąc, oryginału jeszcze nie odnaleziono. To prawda, że \u200b\u200bniektórzy wątpiący (szczególnie tutaj, w Rosji) celowo zawiesili ten portret na ścianie i wydaje się, że nikt nie został spalony. Jednak wciąż niewiele osób chce sprawdzić legendę w praktyce.

Innym słynnym „ognistym arcydziełem” impresjonista Monet uważa „Lilie wodne”. Jako pierwszy ucierpiał na tym sam artysta – jego warsztat z nieznanych przyczyn niemal spłonął.

Następnie spłonęli nowi właściciele „Lilii wodnych” – kabaret na Montmartre, dom francuskiego filantropa, a nawet nowojorskie Muzeum Sztuki Nowoczesnej. Obecnie obraz znajduje się w Muzeum Mormoton we Francji i nie wykazuje swoich właściwości „niebezpiecznych pożarowo”. Do widzenia.

Inny, mniej znany i na zewnątrz niepozorny obraz, „podpalacz”, wisi w Muzeum Królewskim w Edynburgu. Jest to portret starszego mężczyzny z wyciągniętą ręką. Według legendy czasami palce na dłoni starca namalowanego olejem zaczynają się poruszać. I ten, który to widział niezwykłe zjawisko, z pewnością zginie od pożaru w najbliższej przyszłości.

Dwie znane ofiary portretu to Lord Seymour i kapitan morski Belfast. Oboje twierdzili, że widzieli, jak starzec poruszał palcami, po czym obaj zginęli w pożarze. Przesądni mieszczanie żądali nawet, aby dyrektor muzeum usunął niebezpieczny obraz w bezpieczne miejsce, ale on oczywiście się nie zgodził – to właśnie ten niepozorny portret, który nie ma szczególnej wartości, przyciąga większość zwiedzających.

Słynna „La Gioconda” Leonarda da Vinci nie tylko zachwyca, ale i przeraża. Oprócz przypuszczeń, fikcji, legend o samym dziele i o uśmiechu Mony Lisy, istnieje teoria, że ten najsłynniejszy portret na świecie ma niezwykle negatywny wpływ na patrzącego. Oficjalnie zarejestrowano na przykład ponad sto przypadków, w których zwiedzający, którzy przez długi czas patrzyli na obraz, tracili przytomność.

Najbardziej znany przypadek miał miejsce z Francuski pisarz Stendhala, który zemdlał podziwiając arcydzieło. Wiadomo, że sama Mona Lisa, która pozowała artyście, zmarła młodo, w wieku 28 lat. A sam wielki mistrz Leonardo nie pracował nad żadnym ze swoich dzieł tak długo i starannie, jak nad La Giocondą. Przez sześć lat, aż do śmierci, Leonardo przepisywał i poprawiał obraz, ale nigdy nie osiągnął w pełni tego, czego chciał.

Obraz Velazqueza „Wenus z lustrem” również zasłużenie cieszył się złą sławą. Każdy, kto go kupił, albo zbankrutował, albo umarł śmiercią gwałtowną. Nawet muzea nie bardzo chciały uwzględnić jego główną kompozycję, a obraz stale zmieniał swoją „rejestrację”. Skończyło się na tym, że pewnego dnia szalony gość zaatakował płótno i przeciął je nożem.

Innym „przeklętym” obrazem, który jest powszechnie znany, jest dzieło kalifornijskiego artysty surrealisty „Hands Resist Him” autorstwa Billa Stonehama. Artysta namalował go w 1972 roku na podstawie fotografii, na której on i jego młodsza siostra stoją przed domem.

Na obrazie chłopiec o niewyraźnych rysach twarzy i lalka wielkości żywej dziewczynki zamarł przed szklanymi drzwiami, do których od wewnątrz przyciskane są małe rączki dzieci. Z tym zdjęciem jest wiele wspólnego. przerażające historie. Wszystko zaczęło się od tego, że nagle zmarł pierwszy krytyk sztuki, który zobaczył i docenił dzieło.

Następnie obraz kupił amerykański aktor, który również nie żył długo. Po jego śmierci dzieło na krótki czas zaginęło, ale potem przypadkowo odnaleziono je na śmietniku. Rodzina, która odebrała koszmarne arcydzieło, pomyślała o powieszeniu go w pokoju dziecinnym. W rezultacie córeczka zaczęła co noc wpadać do sypialni rodziców i krzyczeć, że dzieci na zdjęciu kłócą się i zmieniają miejsce zamieszkania. Mój ojciec zainstalował w pokoju kamerę wykrywającą ruch, która w nocy włączała się kilka razy.

Oczywiście rodzina pospieszyła z pozbyciem się takiego daru losu i wkrótce Hands Resist Him zostało wystawione na aukcji internetowej. A potem do organizatorów napływały liczne listy ze skargami, że podczas oglądania filmu ludzie chorowali, a niektórzy nawet mieli zawał serca. Kupił go właściciel prywatnej galerii sztuki, a teraz zaczęły napływać do niego skargi. Zwróciło się do niego nawet dwóch amerykańskich egzorcystów z ofertami swoich usług. A wróżki, które widziały ten obraz, jednomyślnie twierdzą, że emanuje z niego zło.

Zdjęcie – prototyp obrazu „Ręce mu się opierają”:

Istnieje kilka arcydzieł malarstwa rosyjskiego, które mają również smutne historie. Na przykład obraz „Trojka” Perowa, znany wszystkim ze szkoły. Na tym wzruszającym i smutny obraz ukazano trójkę chłopskich dzieci z biednych rodzin, które ciągną ciężki ładunek, zaprzęgniętych do niego na wzór koni pociągowych.

Pośrodku stoi mały blond chłopiec. Perow szukał dziecka do zdjęcia, dopóki nie spotkał kobiety z 12-letnim synem o imieniu Wasia, którzy spacerowali z pielgrzymką po Moskwie.

Wasia pozostała jedyną pociechą swojej matki, która pochowała męża i inne dzieci. Początkowo nie chciała, aby jej syn pozował dla malarza, ale potem się zgodziła. Jednak wkrótce po ukończeniu obrazu chłopiec zmarł... Wiadomo, że po śmierci syna do Perowa przyszła biedna kobieta, prosząc go, aby sprzedał jej portret jej ukochanego dziecka, ale obraz był już wisi w Galerii Trietiakowskiej. To prawda, że \u200b\u200bPierow odpowiedział na smutek matki i specjalnie dla niej namalował portret Wasi.

Jeden z najzdolniejszych i najbardziej niezwykłych geniuszy malarstwa rosyjskiego, Michaił Wrubel, ma prace, które kojarzą się także z osobistymi tragediami samego artysty. Tym samym portret jego ukochanego syna Savvy został przez niego namalowany na krótko przed śmiercią dziecka. Co więcej, chłopiec niespodziewanie zachorował i nagle zmarł. A „Pokonany demon” miał szkodliwy wpływ na psychikę i zdrowie samego Vrubela.

Artysta nie mógł oderwać się od obrazu, nadal dodawał oblicze pokonanego Ducha, a także zmieniał kolor. „Pokonany demon” wisiał już na wystawie, a Vrubel co chwila wchodził do sali, nie zwracając uwagi na zwiedzających, siadał przed obrazem i jak opętany dalej pracował.

Bliscy zaniepokoili się jego stanem, dlatego zbadał go słynny rosyjski psychiatra Bechterew. Diagnoza była straszna – urazy rdzenia kręgowego, bliskie szaleństwa i śmierci. Vrubel został przyjęty do szpitala, ale leczenie nie pomogło i wkrótce zmarł.

Malarstwo Antonowa

obraz Kuplina

Ale, jak napisał student, przebiegły profesor nie odkrył znaku, a jedynie dał niejasne wskazówki. I tak mówią ludzie, pomagajcie, kto może, bo sama nie mogę znaleźć, jestem cała wyczerpana i zmęczona. Nietrudno sobie wyobrazić, co się tutaj zaczęło.

Post rozprzestrzenił się po sieci, wielu użytkowników rzuciło się w poszukiwaniu odpowiedzi i zbeształo profesora. Zdjęcie zyskało ogromną popularność, podobnie jak blog studenta i nazwisko profesora. Zagadki nikt nie był w stanie rozwiązać, a na koniec, gdy już wszyscy znudzili się tą historią, zdecydowali:

Nawiasem mówiąc, podano także wiele oryginalnych domysłów dotyczących tego znaku, ale żaden z nich nie został uznany za poprawny. Historia stopniowo zanikała, choć nawet teraz w RuNet można czasem natknąć się na jej echa. Jeśli chodzi o obraz, na niektórych naprawdę robi to niesamowite wrażenie i powoduje nieprzyjemne doznania.

W czasach Puszkina portret Marii Lopukhiny był jedną z głównych „horrorów”. Dziewczyna żyła krótko i nieszczęśliwie, a po namalowaniu portretu zmarła na gruźlicę. Jej ojciec Iwan Łopukhin był znanym mistykiem i mistrzem loży masońskiej.

Dlatego rozeszły się pogłoski, że udało mu się zwabić do tego portretu ducha swojej zmarłej córki. I że jeśli młode dziewczyny spojrzą na zdjęcie, wkrótce umrą. Według plotek salonowych portret Marii zniszczył co najmniej dziesięć szlachcianek w wieku zdatnym do zawarcia małżeństwa...

Pogłoski rozwiał filantrop Tretiakow, który w 1880 roku kupił portret do swojej galerii. Nie stwierdzono istotnej śmiertelności wśród odwiedzających płci żeńskiej. Rozmowy ucichły. Ale pozostałość pozostała.

Dziesiątki osób, które w ten czy inny sposób zetknęły się z obrazem Edvarda Muncha „Krzyk”, którego wartość eksperci szacują na 70 milionów dolarów, spotkał zły los: zachorowali, pokłócili się z bliskimi, popadli w ciężką depresję lub nawet nagle zmarł. Wszystko to sprawiło, że obraz zyskał złą sławę, dlatego zwiedzający muzeum patrzyli na niego ostrożnie, pamiętając straszne historie opowiadane o arcydziele.

Pewnego dnia pracownik muzeum przez przypadek upuścił obraz. Po pewnym czasie zaczął mieć straszne bóle głowy. Trzeba powiedzieć, że przed tym incydentem nie miał pojęcia, co to jest ból głowy. Ataki migreny stawały się coraz częstsze i dotkliwsze, a zakończyły się samobójstwem biednego człowieka.

Innym razem pracownik muzeum upuścił obraz zawieszany na ścianie. Tydzień później śnił mu się koszmar wypadek samochodowy w wyniku czego złamano mu nogi, ręce i kilka żeber, doznał złamania miednicy i ciężkiego wstrząśnienia mózgu.

Jeden z zwiedzających muzeum próbował dotknąć obrazu palcem. Kilka dni później w jego domu wybuchł pożar, w wyniku którego mężczyzna spłonął żywcem.

Życie samego Edvarda Muncha, urodzonego w 1863 roku, było pasmem niekończących się tragedii i wstrząsów. Choroba, śmierć bliskich, szaleństwo. Jego matka zmarła na gruźlicę, gdy dziecko miało 5 lat. Dziewięć lat później ukochana siostra Edwarda, Sophia, zmarła na poważną chorobę. Potem zmarł brat Andreas i jego młodsza siostra Lekarze zdiagnozowali u niego schizofrenię.

Na początku lat 90. Munch doznał ciężkiego załamania nerwowego i przez długi czas poddawany był leczeniu elektrowstrząsami. Nigdy się nie ożenił, bo przerażała go myśl o seksie. Zmarł w wieku 81 lat, pozostawiając w darze miastu Oslo ogromne dziedzictwo twórcze: 1200 obrazów, 4500 szkiców i 18 tys. prace graficzne. Ale szczytem jego twórczości pozostaje oczywiście „Krzyk”.

Holenderski artysta Pieter Bruegel Starszy pisał Pokłon Trzech Króli przez dwa lata. „Skopiował” Dziewicę Maryję od swojego kuzyna. Była kobietą bezpłodną, za co otrzymywała ciągłe ciosy ze strony męża. To ona, jak plotkował prosty średniowieczny Holender, „zaraziła” obraz. „Mędrcy” czterokrotnie kupowani byli przez prywatnych kolekcjonerów. I za każdym razem powtarzała się ta sama historia: przez 10-12 lat w rodzinie nie urodziło się żadne dziecko...

Ostatecznie w 1637 roku obraz kupił architekt Jacob van Kampen. W tym czasie miał już troje dzieci, więc klątwa nie przeraziła go szczególnie.

Prawdopodobnie najsłynniejszy zły obraz przestrzeni Internetu z następującą historią: Pewna uczennica (często wspomina się Japonkę) narysowała ten obrazek przed podcięciem sobie żył (wyrzuceniem się przez okno, zażyciem tabletek, powieszeniem się, utonięciem w wannie ).

Jeśli będziesz na nią patrzeć przez 5 minut z rzędu, dziewczyna się zmieni (jej oczy zmienią kolor na czerwony, włosy staną się czarne, pojawią się kły). W rzeczywistości jasne jest, że obraz wyraźnie nie został narysowany ręcznie, jak twierdzi wiele osób. Chociaż nikt nie daje jasnych odpowiedzi na pytanie, jak pojawił się ten obraz.

Poniższy obraz wisi skromnie bez ramy w jednym ze sklepów w Winnicy. „Rain Woman” jest najdroższym ze wszystkich dzieł: kosztuje 500 dolarów. Według sprzedawców obraz był już trzykrotnie kupowany i zwracany. Klienci tłumaczą, że o niej marzą. I ktoś nawet mówi, że zna tę panią, ale nie pamięta gdzie. A każdy, kto kiedykolwiek spojrzał w jej białe oczy, na zawsze zapamięta uczucie deszczowego dnia, ciszy, niepokoju i strachu.

Jego autorka, winnicka artystka Svetlana Telets, opowiedziała, skąd wziął się niezwykły obraz. „W 1996 roku ukończyłem Uniwersytet Artystyczny w Odessie. Grekova” – wspomina Swietłana. „A sześć miesięcy przed narodzinami „Kobiety” zawsze wydawało mi się, że ktoś mnie ciągle obserwuje.

Odgoniłem od siebie takie myśli i pewnego dnia, nawiasem mówiąc, wcale nie deszczowego, usiadłem przed czystym płótnem i myślałem, co narysować. I nagle wyraźnie zobaczyłem kontury kobiety, jej twarz, kolory, odcienie. W jednej chwili zauważyłem wszystkie szczegóły obrazu. Najważniejsze napisałem szybko – skończyłem w około pięć godzin.
Wydawało mi się, że ktoś prowadził moją rękę. A potem skończyłem malować przez kolejny miesiąc.

Po przybyciu do Winnicy Swietłana wystawiła obraz w lokalnym salonie sztuki. Co jakiś czas podchodzili do niej koneserzy sztuki i dzielili się tymi samymi przemyśleniami, jakie ona sama towarzyszyła jej podczas swojej pracy.

„Ciekawie było obserwować” – mówi artysta – „jak subtelnie dana rzecz może urzeczywistnić myśl i zainspirować ją u innych ludzi”.

Kilka lat temu pojawił się pierwszy klient. Samotna bizneswoman długo chodziła po korytarzach, przyglądając się uważnie. Kupiwszy „Kobietę” powiesiłam ją w sypialni.
Dwa tygodnie później w mieszkaniu Swietłany zadzwonił nocny telefon: „Proszę ją odebrać. Nie mogę spać. Wygląda na to, że w mieszkaniu jest ktoś oprócz mnie. Nawet zdjąłem go ze ściany i schowałem za szafą, ale nadal nie mogę.

Potem pojawił się drugi kupujący. Wtedy młody człowiek kupił obraz. I też nie mogłam tego długo znieść. Sam przyniósł go artyście. I nawet nie wziął pieniędzy. „Śnię o niej” – poskarżył się. - Każdej nocy pojawia się i krąży wokół mnie jak cień. Zaczynam wariować. Boję się tego zdjęcia!

Trzeci kupujący, dowiedziawszy się o sławie „Kobiety”, po prostu machnął ręką. Powiedział nawet, że według niego twarz tej złowrogiej kobiety jest urocza. I prawdopodobnie będzie się z nim dogadywać. Nie dogadywaliśmy się.
„Na początku nie zauważyłem, jak białe były jej oczy” – wspomina. „A potem zaczęli pojawiać się wszędzie.” Zaczęły się bóle głowy, bezprzyczynowe zmartwienia. Czy tego potrzebuję?!

Zatem „Rain Woman” ponownie wróciła do artysty. Po mieście rozeszła się wieść, że obraz ten jest przeklęty. Potrafi doprowadzić Cię do szaleństwa w ciągu jednej nocy. Sama artystka nie jest już szczęśliwa, że namalowała taki horror.

Jednak Sveta nie traci jeszcze optymizmu:
- Każdy obraz rodzi się dla konkretnej osoby. Wierzę, że znajdzie się ktoś, dla kogo „Kobieta” została napisana. Ktoś jej szuka – tak jak ona szuka jego.

Przekleństwa zabójczych obrazów

Z wieloma dziełami malarstwa związane są mistyczne historie i tajemnice. Co więcej, niektórzy eksperci uważają, że w tworzenie wielu obrazów zaangażowane są mroczne i tajne siły. Istnieją podstawy do takiego stwierdzenia. Zbyt często zdarzały się te fatalne arcydzieła niesamowite fakty i niewytłumaczalne zdarzenia - pożary, śmierć, szaleństwo autorów...

Jednym z najbardziej znanych „przeklętych” obrazów jest „Płaczący chłopiec” - reprodukcja obrazu hiszpańskiego artysty Giovanniego Bragolina. Historia jego powstania jest następująca: artysta zapragnął namalować portret płaczącego dziecka i za opiekunkę zabrał swojego synka. Ponieważ jednak dziecko nie mogło płakać na żądanie, ojciec celowo doprowadził je do łez, zapalając zapałki przed jego twarzą. Artysta wiedział, że jego syn panicznie boi się ognia, ale sztuka była mu droższa niż nerwy własnego dziecka i nadal z niego drwił.
Któregoś dnia doprowadzone do histerii dziecko nie mogło wytrzymać i krzyknęło, zalewając się łzami: „Sparz się!” Ta klątwa nie musiała długo czekać na spełnienie się – dwa tygodnie później chłopiec zmarł na zapalenie płuc, a wkrótce także jego ojciec spalił się żywcem we własnym domu… Oto historia. Obraz, a właściwie jego reprodukcja, swoją złowrogą sławę zyskał w 1985 roku w Anglii.
Stało się to dzięki serii dziwnych zbiegów okoliczności – w północnej Anglii zaczęły jeden po drugim dochodzić do pożarów budynków mieszkalnych. Były ofiary w ludziach. Niektóre ofiary wspominały, że z całego majątku ocalała cudem jedynie tania reprodukcja przedstawiająca płaczące dziecko. A takich doniesień było coraz więcej, aż w końcu jeden z inspektorów straży pożarnej ogłosił publicznie, że we wszystkich bez wyjątku spalonych domach odnaleziono „Płaczącego Chłopca” w stanie nienaruszonym.
Natychmiast gazety zalała fala listów donoszących o różnych wypadkach, ofiarach śmiertelnych i pożarach, które miały miejsce po zakupie tego obrazu przez właścicieli. Oczywiście „Płaczącego chłopca” od razu zaczęto uważać za przeklęty, historia jego powstania wyszła na jaw i obrosła plotkami i fikcją... W rezultacie jedna z gazet opublikowała oficjalne oświadczenie, że każdy, kto posiada tę reprodukcję, musi natychmiast się go pozbądź, a władze Odtąd zabrania się kupowania i trzymania go w domu.
Do dziś „Płaczący chłopiec” cieszy się sławą, szczególnie w północnej Anglii. Nawiasem mówiąc, oryginału jeszcze nie odnaleziono. To prawda, że \u200b\u200bniektórzy wątpiący (szczególnie tutaj, w Rosji) celowo zawiesili ten portret na ścianie i wydaje się, że nikt nie został spalony. Jednak wciąż niewiele osób chce sprawdzić legendę w praktyce.

Założenie

Amerykańscy astronomowie rozwiązali zagadkę obrazu „Krzyk” norweskiego artysty Edvarda Muncha. Znaleźli odpowiedź na pytanie, które od dawna dręczyło historyków sztuki: dlaczego niebo na słynnym obrazie Muncha z 1893 roku ma tak dziwny i niepowtarzalny płomienny czerwony kolor.

Jak się okazało, kolorystyka obrazu nie jest bynajmniej wytworem wyobraźni, ale całkowicie realistycznym przedstawieniem zachodów słońca w ówczesnej Europie. Zupełnie nieoczekiwany kolor nabrały po erupcji wulkanu Krakatoa, która miała miejsce w Indonezji w sierpniu 1883 roku, kiedy to został wrzucony do atmosfery planety ogromna ilość proch. Erupcja ta jest uważana za jedną z najpotężniejszych i najbardziej tragicznych w historii ludzkości.

Naukowcy z Uniwersytetu w Teksasie przeprowadzili szczegółową analizę pamiętników Muncha, materiałów dotyczących erupcji Krakatoa i przestudiowali doniesienia z norweskich gazet z 1883 roku. „Nasza podróż badawcza do Oslo osiągnęła punkt kulminacyjny, gdy odkryliśmy zakręt na drodze i zdaliśmy sobie sprawę, że jesteśmy dokładnie w tym samym miejscu, w którym 120 lat temu stał Munch” – powiedział kierownik badania Donald Olson, profesor fizyki i astronomii na uniwersytecie. Zdaliśmy sobie sprawę, że spoglądał na południowy zachód. Patrząc w tym kierunku, można było zobaczyć zachody słońca związane z erupcją Krakatoa zimą 1883-84.
**********************
Holenderski artysta Pieter Bruegel Starszy malował „Pokłon Trzech Króli” przez dwa lata. „Skopiował” Dziewicę Maryję od swojego kuzyna. Była kobietą bezpłodną, za co otrzymywała ciągłe ciosy ze strony męża. To ona, jak plotkował prosty średniowieczny Holender, „zaraziła” obraz. „Mędrcy” czterokrotnie kupowani byli przez prywatnych kolekcjonerów. I za każdym razem powtarzała się ta sama historia: przez 10-12 lat w rodzinie nie urodziło się żadne dziecko...

Ostatecznie w 1637 roku obraz kupił architekt Jacob van Kampen. W tym czasie miał już troje dzieci, więc klątwa nie przeraziła go szczególnie.

*******************

Prawdopodobnie najsłynniejszy kiepski obrazek w Internecie z następującą historią: Pewna uczennica (często wspomina się Japonkę) narysowała ten obrazek przed podcięciem żył (wyrzuceniem się przez okno, zażyciem tabletek, powieszeniem się, utonięciem w wannie) .

Jeśli spojrzysz na nią przez 5 minut z rzędu, dziewczyna się zmieni (jej oczy stają się czerwone, włosy stają się czarne, pojawiają się kły).
W rzeczywistości jasne jest, że obraz wyraźnie nie został narysowany ręcznie, jak twierdzi wiele osób. Chociaż nikt nie daje jasnych odpowiedzi na pytanie, jak pojawił się ten obraz.

**********************

8. Teraz wisi skromnie bez ramy w jednym ze sklepów w Winnicy. „Rain Woman” jest najdroższym ze wszystkich dzieł: kosztuje 500 dolarów. Według sprzedawców obraz był już trzykrotnie kupowany i zwracany. Klienci tłumaczą, że o niej marzą. I ktoś nawet mówi, że zna tę panią, ale nie pamięta gdzie. A każdy, kto kiedykolwiek spojrzał w jej białe oczy, na zawsze zapamięta uczucie deszczowego dnia, ciszy, niepokoju i strachu.

Eksponaty zostały skradzione z muzeum, zlokalizowanego w bliskiej odległości od centralnego placu Tahrir, gdzie odbywały się masowe demonstracje przeciwko były władca Egipt Hosni Mubarak.

Rabusie przedostali się do muzeum 28 stycznia, wykorzystując chaos, jaki panował podczas masowych zamieszek, podaje AFP, cytując egipskiego Ministra Starożytności Zahi Hawassa.

Wśród skradzionych przedmiotów wartość kulturowa wymieniony jest posąg młodego starożytnego egipskiego faraona Tutanchamona wykonany ze złoconego drewna oraz część innego posągu tego samego władcy.

Przeklęty skarb

Ponadto złodzieje ukradli wapienne rzeźby faraona Echnatona i jego żony Nefertiti, popiersie księżniczki Amarany, amulet w kształcie skarabeusza zawieszony na mumii oraz szereg innych przedmiotów kultury starożytnej.

W sprawie kradzieży wszczęto już sprawę karną, a lokalna policja przesłuchuje obecnie podejrzanych.

„Funkcjonariusze organów ścigania i wojsko planują przesłuchać przestępców, którzy są już w areszcie” – zapewnił Hawass.

Muzeum, założone w 1858 roku przez francuskiego egiptologa Auguste’a Mariette’a, przez trzy tygodnie po rozpoczęciu protestów było chronione przez ochotników wojskowych i cywilnych.

W budynku znajduje się około 100 tysięcy eksponatów, z których chyba najbardziej znanym jest rzekomo przeklęty skarb z grobowca Tutanchamona.

Zdjęcia pojawiły się ponownie.

Dodano po 42 minutach i 59 sekundach
Anna Achmatowa powiedziała kiedyś: „Kiedy człowiek umiera, jego portrety się zmieniają”. Malowniczy portret lub obraz to potężna struktura energetyczna. Artysta nie tylko maluje płótno na konkretny temat - przekazuje swoje uczucia, przemyślenia, światopogląd i co najważniejsze - nastrój, który tworzy energię artystycznego płótna. Nazywa się to także „katharsis”. Jeśli fabuła obrazu jest jawnie agresywna, powoduje to agresję u widza. Należy zauważyć, że obrazy i portrety niosą ze sobą inną energię. Czasami artysta, nie zdając sobie z tego sprawy, „ładuje” widza swoich obrazów katharsis, z którego sam zostaje uwolniony w procesie tworzenia płótna.

Wszyscy znają fakt wandalizmu związanego z obrazem Ilji Repina „Iwan Groźny zabija syna”. Ale niewielu wie, że Repin przez długi czas nie był w stanie namalować „żywej” krwi sączącej się przez palce jego morderczego ojca. I wtedy artysta na własne oczy zobaczył to na twarzy kobiety, która wpadła pod powóz, pobiegł do domu i kilkoma pociągnięciami „ożywił” ją na płótnie.
Kiedy krew ludzi lub zwierząt wypływa z organizmu, w pierwszych minutach tego procesu emituje promieniowanie o szczególnej sile.
Upływ krwi i szalone spojrzenie zabójcy wpłynęły na psychikę ucznia Bałaszowa: w przypływie wściekłości podarł słynny obraz Repina. Przestępcę uznano później za niepoczytalnego. Poeta Maksymilian Wołoszyn w przemówieniu na rozprawie na temat tego zdarzenia oskarżył Repina o podświadome stawianie na agresję. To ona wstrząsnęła chorą i wrażliwą wyobraźnią Balashova. Wtedy nie słuchali Wołoszyna, zarzucając mu niepotwierdzenie jego teorii, ale historia powtórzyła się w latach 80. – tym razem z obrazem Rembrandta „Danae”. Został niemal doszczętnie zniszczony przez szalonego fanatyka z krajów bałtyckich używającego kwasu siarkowego.

Głoszący wolność twórczą Aleksander Benois, z przekonania kosmopolita, nagle ostro sprzeciwił się kosmopolityzmowi Malewicza, nazywając go „Czarnym kwadratem” ikoną ofiarowaną w miejsce Madonny. Malewicz obudził się sławny w 1915 roku, kiedy wystawił na wystawie „0,10” – „Czarny kwadrat” – ostatni obraz na świecie, jak sam go nazwał. Tu kończy się sztuka. Malewicz zmarł w 1935 roku na raka. Urnę z prochami złożono na otwartym polu w pobliżu daczy w Niemczinówce. Na grobie umieścili sześcian z czarnym kwadratem.

Dodano po 17 godzinach 50 minutach 27 sekundach
Michaił Aleksandrowicz Wrubel i jego demon

Po tym zdjęciu zaczęto o nim mówić na całym świecie. Z nieznanego studenta stał się artystą kultowym, ikoną swoich czasów.
Mówimy o Michaiłu Vrubelu. Zdecydował się na niezwykle buntowniczy i odważny czyn – podważył obowiązujący od lat zakaz nieportretowania Demona.
Uczynił Demona głównym bohaterem swoich obrazów, ale czekała go za to kara. Vrubel nie mógł sobie nawet wyobrazić, że klątwy się spełnią, a Demon przejmie świadomość swojego twórcy.
Moskiewska publiczność zobaczy obraz „Demon, który siedzi”, a następnego ranka Michaił Wrubel obudzi się sławny. A wiele lat później te same gazety, które go wychwalały, napiszą: „Demon zabija swojego autora”.
Jego obraz wisiał na wystawie, ale Demon był jakby nierozerwalnie związany z duszą artysty, a kiedy Vrubel próbował go złamać i zniszczyć w sobie, trafił do domu wariatów, gdzie zmarł.
Ale czy to mistyczne połączenie z obrazem rzeczywiście istniało? Za co tak naprawdę zapłacił Michaił Wrubel?

Żaden z diabłów stworzonych wcześniej przez artystów nie miał żywego prototypu. I Demon Michaiła Vrubela tak, ponieważ został napisany za pomocą prawdziwa osoba, a także kobietę, którą kocha.
Rysując swojego Demona, artysta miał konkretny cel – zemścić się na tej kobiecie. Jeden obraz uczynił Vrubela artystą światowej sławy.
Jego Demona zna dziś każdy student ASP. Mało kto jednak zdaje sobie sprawę, że obraz miał konkretny prototyp.
Była to kobieta z Kijowa, a spotkanie z nią uczyniło Vrubela genialnym artystą i głęboko nieszczęśliwym człowiekiem. Wrubel, gdy przybył do Kijowa, był, mówiąc w przenośni, nikim.
Był wczoraj studentem Akademii i bez przesady można powiedzieć, że wszyscy trzej punkty zwrotne jego charakter: jako człowieka, jako chorego i jako wielkiego artysty ukształtował się w Kijowie. Ta femme fatale i śmiertelna miłość, która rozbłysła w jego duszy do tej kobiety, odegrały w tym znaczącą rolę.

Niezwykłe szczęście sprowadziło do Kijowa nieznanego artystę Michaiła Vrubela. W 1860 roku w jednym z kościołów kijowskich miało miejsce cudowne zjawisko. W kościele św. Cyryla nagle ukazały się ludziom starożytne malowidła.
Ksiądz natrafił na te wyjątkowe freski przez przypadek. Podczas Wielkiego Nabożeństwa odpadł kawałek tynku ze ściany i wszyscy widzieli, że Anioł patrzył na trzodę. Następnie ksiądz usunął ze ściany kolejny kawałek tynku, a pod nim znajdowały się starożytne malowidła, które jak się okazało miały ponad 700 lat.
Te freski wymagały pilnej renowacji. Przecież wystawione na działanie powietrza unikalne obrazy mogą się zawalić. Jednak znalezienie mistrza od tego nie było takie proste.
Artyści jeden po drugim porzucali to dzieło. A głównym powodem była zła, bardzo zła reputacja Kościoła Cyryla.
Cerkiew Kirillovskaya znajdowała się na terenie szpitala psychiatrycznego. Zasadniczo ktokolwiek pracuje w tym kościele, tak naprawdę będzie pracował w szpitalu psychiatrycznym.
Od dawna nie mogli znaleźć odnowiciela kościoła Cyryla. Do czasu, gdy w Kijowie pojawił się nieznany student petersburskiej Akademii Sztuk Pięknych Michaił Wrubel.
Skromny, szczupły młodzieniec w ciemnym garniturze, zaproszony przez słynnego krytyka sztuki Adriana Prachowa do renowacji tajemniczych malowideł znalezionych w kościele św. Cyryla. I nie mylił się. Vrubel znakomicie poradził sobie z zadaniem, ale zarówno Vrubel, jak i Prakhov będą musieli zapłacić zbyt wysoką cenę.
Słynny szpital Pawłowka, do którego od dawna przywożono i opuszczano ludzi chorych psychicznie, błogosławionych i świętych głupców. Kijowie zawsze unikali tego miejsca. W tamtych czasach osób chorych psychicznie nie uważano za chore. Zrównano ich z przestępcami i na zawsze wyrzucono ze społeczeństwa.
Było to miejsce za panowania Katarzyny II. Ale w XIX wieku psychiatria stała się przedmiotem badań naukowych. Lekarze rozpoczną badania pacjentów Pawłowki. Kiedy Vrubel tu przybył, straszne więzienie dla szaleńców zamieniło się już w szpital.
Ale jej zła reputacja pozostała równie straszna. Mieszkańcy Kijowa widzieli, że dziwni ludzie z szaleństwem i straszne oczy. Skaczą, płaczą i śmieją się strasznie. Kiedy Vrubel po raz pierwszy wszedł na teren szpitala, uderzyły go oczy pacjentów. Przez wiele lat nie będzie mógł zapomnieć ich wyrazu i będzie go wielokrotnie reprodukował na płótnie.
Ale na początku Vrubel nie będzie zwracał uwagi na uprzedzenia. To dla niego fenomenalna szansa. Przecież jemu, studentowi czwartego roku, powierzono cenne freski, które miały już 700 lat. Już pierwszego dnia rozpoczyna prace renowacyjne, nawet nie odwiedzając mieszkania, które zaoferował mu Prahov, a jedynie prosi o przesłanie tam swoich rzeczy.
Sam Vrubel został zabrany do kościoła św. Cyryla. A kiedy Vrubel wspiął się na risztówkę, poczuł mistyczne drżenie - otworzył się przed nim inny świat: patrzyły na niego twarze świętych, których ludzie czcili 700 lat temu. Vrubel przerysowuje freski w album, szczegółowo opisując każdy rys twarzy, każdy fałd ubrania. Aby nie tracić czasu na jedzenie, zabiera ze sobą do risztowa dzbanek wody i kawałek chleba.

W pierwszych tygodniach pracy prawie nigdy nie opuszcza kościoła św. Cyryla i reaguje na innych ludzi tylko wtedy, gdy idą do risztówki, aby dać artyście nowy ołówek lub mieszaj farby. Jednak pewnego dnia do kościoła przychodzi niezwykły gość – elegancko ubrana kobieta z zakrytą głową. Długo stoi poniżej i próbuje zwrócić na siebie uwagę. A gdy w końcu artysta odrywa się od pracy, władczo prosi go, aby zszedł na dół.
Zewnętrznie nie była piękna. Była niska i miała krępą sylwetkę, ale miała oszałamiające, ogromne oczy niewiarygodnej wielkości, co potwierdzają zachowane zdjęcia. A wyraz tych oczu, spojrzenie, kiedy na nie patrzyła, naprawdę potrafiły czarować i urzekać. Kobieta przedstawiła się jako żona klienta, Emilia Prakhova. Przyszła zaprosić mistrza na zwyczajny rodzinny obiad.
A Vrubel na zawsze zapamięta jej władczy ton i dumną postawę. Później napisze – jeszcze nie wiedział, że jednym zaproszeniem przyszła zmienić jego życie. Tego wieczoru skromny uczeń trafia do baśni. Faktem jest, że Vrubel dorastał w rodzinie surowego oficera, w której, jeśli było przyjęcie towarzyskie, zawsze odbywało się to zgodnie ze wszystkimi zasadami etykiety.
Dom Prachowów wydaje mu się miejscem fantastycznym, terytorium wolności. Tutaj wszystko było inne niż w rodzinie jego rodziców i do tego, do czego był przyzwyczajony jako dziecko. Byli rodziną bohemy, odwiedzaną przez wielu kreatywni ludzie. Przede wszystkim Vrubel została uderzona przez samą gospodynię.
Emilia ma 32 lata i trójkę dzieci. Nie można jej nazwać piękną, ale Michaił Wrubel nigdy nie widział kobiety zachowującej się w ten sposób. Emilia Prahova swoimi manierami nie mieściła się w żadnych ramach tamtych czasów.
Od pierwszego spotkania wizerunek tej kobiety na zawsze pozostanie w wyobraźni Vrubela. I to właśnie ten obraz doprowadzi artystę do niesłychanej sławy i dożywotniego potępienia. Emilia była naturalna w swoich przejawach, a jej działania nie zawsze odpowiadały zasadom postępowania tamtego społeczeństwa i tamtych czasów.
Była ekscentryczną, ekstrawagancką kobietą, która z jednej strony znała kilka języków, a z drugiej mogła sobie pozwolić na wylanie dzbana wody na głowę gościa tylko dlatego, że nie spodobała jej się uwaga gościa.
Nic specjalnego: po prostu kontynuowała z nim rozmowę – dowcipną i swobodną. Ale po tej znajomości Vrubel stracił zainteresowanie pracą konserwatora. Święci i aniołowie Rusi Kijowskiej staną się wobec niego obojętni.
Za kilka dni skromny i wymagający mistrz zamieni się w skandalicznego dandysa, zacznie się wyzywająco ubierać i dziwnie zachowywać, a potem popełni czyn, za który zapłaci do końca życia.
Praktykanci i asystenci nie rozpoznają artysty. Coraz rzadziej pojawia się na risztowcach. Prahova wymyśla dla klienta wymówkę – musi pomyśleć o wizerunku Matki Boskiej, a sam przeliczyć zarobione pieniądze. Prakhov płaci Vrubelowi grosze - w końcu władze miasta nie przeznaczyły prawie nic na renowację fresków.

Ale Vrubela to nie obchodzi. Zostawi wszystkie pieniądze w sklepie odzieżowym i poprosi sprzedawcę, aby ofiarował mu koszulę wykonaną z najlepszego jedwabiu, pochodzącego z samego Paryża. Sprzedawca jest zaskoczony: mówią, dlaczego Vrubel potrzebuje tak drogiej koszuli, która lepiej pasuje do gubernatora, w sklepie jest wiele innych tańszych koszul;
Ale Vrubel upiera się sam, a wieczorem ubiera się jak prawdziwy dandys i jedzie do Prahovów. Emilia zamiast docenić jego elegancję, niespodziewanie udziela artyście reprymendy za wydawanie dodatkowych pieniędzy. Vrubel ledwo dotrwa do końca obiadu, a potem jak kula wybiega za drzwi i ucieka.
Po tym incydencie Vrubel przez dwa dni nie pojawiał się w kościele Cyryla. A kiedy w końcu przychodzi do pracy, niesie w rękach paczkę. Na rogu oddaje paczkę żebrakowi i szybko rusza dalej. Kiedy żebrak rozpakowuje paczkę, widzi w niej piękną jedwabną koszulę. To była pierwsza dziwność Vrubela.
Dwadzieścia lat później, po jego śmierci, Prachowowie przypomną sobie cały szereg takich dziwactw i powiedzą, że choroba Vrubela już się zaczęła. Ale czy to naprawdę były pierwsze oznaki szaleństwa i choroby psychicznej, czy tylko emocje zakochanego mężczyzny?

Vrubel raz po raz próbuje zwrócić na siebie uwagę Prahovej. Któregoś dnia, przygotowując się do powrotu do domu po obiedzie, daje jej akwarelę. Ale Emilia nie przyjmuje prezentu. Tłumaczy, że to dla niej zbyt duży zaszczyt. Takie piękne rzeczy należą do muzeum.
Chciała pochwalić jego talent, ale Vrubel wybucha urazą. Rozdziera akwarelę na kawałki i rzuca ją pod nogi właściciela, a po kilku dniach wraca do Prahovów, tym razem z nosem pomalowanym zieloną farbą.
Kiedy sugerują mu, że niechcący się ubrudził, Vrubel w odpowiedzi tylko się śmieje i wyjaśnia, że odtąd to nowa moda – kobiety noszą makijaż, a mężczyźni rysują nosy. Czerwony pasuje niektórym ludziom, zielony pasuje jemu. Dzieci śmieją się z żartu, a Emilia znów nie rozumie artysty. Karci go za dziecinne zabawy i żąda, aby natychmiast zmył farbę.
Vrubel posłusznie wykonuje polecenie, a następnie składa Emilii Prakhovej dziwną i nieoczekiwaną propozycję - prosi o pozwolenie na narysowanie jej na obrazie Święta Matka Boża- a ona się zgadza.
Zachowały się szkice, a na pierwszym z nich twarz Emilii Prakhowej jest całkowicie kompletna – oczy i nos są nadal ludzkie. Kolejny szkic, będący efektem poszukiwań, ukazuje kanoniczne wcielenie Najświętszej Maryi Panny. To prawda, że oczy są jeszcze większe i mają inny wyraz.
A w ostatecznej wersji i na ikonie oczy są już o połowę mniejsze od twarzy i jest w nich melancholia. Vrubel rysuje szkice w dziwnym stanie - po naszkicowaniu w pośpiechu jednego rysunku, wymazuje go i szkicuje innym rysunkiem. Kolejny szkic pokazywany jest Emilii, a jeśli ma jakieś uwagi, rysuje go ponownie.
To była ich jedyna intymność. Tylko w ten sposób, przyciągając ją, mógł całkowicie zawładnąć tą kobietą. Szkice okazały się tak zmysłowe, że kiedy Adriyan Prakhov je zobaczył, nie mógł tego znieść. W obliczu Matki Bożej rozpoznaje twarz swojej żony. Vrubel pozwolił sobie na zbyt wiele i Prahov postanawia ukarać bezczelnego człowieka.
Ale nie może go po prostu wyrzucić, bo prace w kościele św. Cyryla nie zostały jeszcze zakończone, a następne jest malowanie katedry Włodzimierza. Vrubel jest kierownikiem prac renowacyjnych i ponosi za wszystko pełną odpowiedzialność. Dlatego Prakhov postanawia nie kłócić się z artystą, ale po prostu tymczasowo usunąć go z Emilii.
Musi zniknąć z ich domu, bo kto wie, jaka relacja wywiązała się między jego żoną a artystą podczas pracy nad szkicami. Dlatego Prahov je rozdziela. Pod pretekstem studiowania sztuki wielkich Włoscy mistrzowie i kończąc prace nad ikonami kościoła św. Cyryla, wysłał Vrubela do Wenecji.

Michaił Vrubel ciężko przeżywa rozstanie z Emilią. Nie pociesza go piękno Włoch, serce mu pęka.
Codziennie pisze listy do ukochanej i nie otrzymuje odpowiedzi. Swoją rozpaczliwą melancholię artysta może wyrazić jedynie w ikonie Najświętszej Bogurodzicy, nad którą pracuje na co dzień.
Porównując ikonę Najświętszej Bogurodzicy z wizerunkiem Emilii Prachowej na fotografii, gołym okiem widać, że jest to jedna i ta sama osoba. W rękach trzyma małego Chrystusa, który jak dwa groszki w strąku przypomina najmłodszą córkę Prahovów.

Legenda głosi, że podczas instalowania ikony w ikonostasie do kościoła św. Cyryla weszła kobieta. Chciała pomodlić się do Najświętszej Bogurodzicy, ale kiedy uklękła przed ikoną, nagle krzyknęła – z ikonostasu patrzyła na nią Emilia Prachowa. Jak to jest? Czy naprawdę powinna modlić się za bliźniego?
Kiedy Adrian Prakhov zobaczył ikonę, zrozumiał wszystko – w Wenecji artysta nie zapomniał twarzy swojej żony. Nie dałem się uwieść magicznym wizerunkom kanonicznych Madonn mistrzów renesansu, ale namalowałem Emilię.
W gniewie zleceniodawca renowacji kościoła św. Cyryla i pracodawca Vrubela, Adrian Prachow, zrywają z nim nową, zawartą już umowę na malowanie kolejnego kościoła - katedry św. Włodzimierza i przedstawiają mu opis „nierzetelnego artysta."
Zaraz potem rada artystyczna odrzuca wszystkie szkice Vrubela. W ciągu tygodnia artysta traci prawie wszystkie swoje zamówienia. Galerie odmawiają jego prac. A Vrubel zostaje bez środków do życia.

Ale to wszystko nie ma dla niego znaczenia. Najgorsze jest to, że Emilia nie chce go już widzieć. Vrubel nie mógł tego przeżyć. Współcześni wspominają: „To tak, jakby się uwolnił, pił bez końca, spędza noc w burdelach, gromadzi wokół siebie dziwnych ludzi - Cyganów, bezdomnych, pijaków”.
Pożycza ogromną sumę pięciu tysięcy rubli i urządza huczny bankiet, a gdy tłum pije z pieniędzy artysty, zamyka się w swoim pokoju i brutalnie kaleczy sobie ręce nożem. Bólem fizycznym chce zabić w sobie silniejszy ból - ból utraconej miłości.
Rano jego przyjaciele znajdują Vrubela w jego własnym mieszkaniu, zakrwawionego i nieprzytomnego. A kiedy go opamiętają, donoszą, że swoimi bankietami zaciągnął ogromne długi i pozywają go wierzyciele.
Przyjaciele starają się pomóc artyście. W jego mieszkaniu pozostał tylko jeden niesprzedany obraz – „Modlitwa o Kielich”. Współcześni nazywali ją genialnym dziełem. Aby uchronić ten obraz przed niekontrolowanym napadem gniewu artysty, przyjaciele znajdują kupca. Znany kijowski filantrop płaci artyście z góry 5 tysięcy rubli i chce odebrać obraz następnego dnia.
Kiedy jednak przyjeżdża następnego dnia, widzi: „Modlitwa o kielich” została zniszczona. Zamiast fabuły religijnej płótno przedstawia aktorkę cyrkową. Dzień wcześniej Vrubel zobaczył tę kobietę w cyrku i postanowił natychmiast ją namalować. Nie miał czystego płótna, więc zamalował nim sprzedany obraz.
Teraz, aby spłacić wierzycieli, genialny artysta zmuszony jest podjąć się wszelkiej brudnej roboty. Pracuje jako sprzątacz w tawernach i jako malarz na budowie. Wszystkie zarobione pieniądze wydaje na alkohol i prostytutki. Ale nawet to nie łagodzi jego bólu.
„Pociąłem się nożem. Rozumiesz? Kochałem kobietę – ona mnie nawet nie kochała, ale wiele rzeczy nie pozwalało jej mnie zrozumieć. Cierpiałem, a kiedy się skaleczyłem, cierpienie zmalało ”, z listów Vrubela. W końcu wyczerpany pan postanawia zemścić się na okrutnej kobiecie.
Kiedyś naśmiewał się z ludzi wierzących w mistyczną władzę obrazu nad jego pierwowzorem. A teraz postanawia użyć swojego daru jako broni i narysować Demona z twarzą Emilii Prakhovej.
Pierwszy Demon, którego widział tylko ojciec Vrubela i który podczas pracy nad tym obrazem zastał swojego syna w strasznie chorym, gorączkowym stanie, twierdził, że ten Demon był jak zmysłowa, zła kobieta. Demon okazał się tak straszny, że sam Vrubel przestraszył się swojego dzieła i zniszczył rysunek - podarł go na kawałki, ale było już za późno.
Vrubel złamał zakaz rysowania, opisywania i odgrywania diabła. Narysował Demona o rysach prawdziwej osoby i za to czekała go straszna kara.

Vrubel udał się do Moskwy bolesny stan, ale zaskakująco spokojny. Tutaj spotyka swoich byłych kolegów z klasy. Zorganizowali w mieście koło artystyczne. Patronuje mu Savva Mamontov, słynny moskiewski filantrop.
Mamontow usłyszał o freskach Kirilłowa i chętnie zgadza się wspierać artystę. Vrubelowi wydaje się, że wszystko, czego doświadczył, ma już za sobą. Z radością podejmuje się nowej pracy. Jednak po kilku miesiącach kijowski koszmar urojeniowy powraca do jego życia.
W Moskwie właśnie wtedy przygotowywano do publikacji rocznicową kolekcję Lermontowa i potrzebny był ilustrator. Vrubel zostaje zaproszony do zilustrowania wiersza „Demon”. Pierwszą rzeczą, jaką widzi artysta, jest jego kijowski rysunek i zakaz, który złamał. Tego błędu nie da się powtórzyć.
Potem miał szczęście, wydawało się, że kara go ominęła, ale drugi raz nie mógł podjąć takiego ryzyka. Ale tak naprawdę wybór został już dokonany. Vrubel odrzucił ofertę, ale obraz Demona zaczyna go prześladować. Artysta skarży się przyjaciołom – dręczy go ten sam niepokojący sen: każdej nocy przychodzi do niego piękny Anioł o smutnych oczach.
Artysta próbuje sobie przypomnieć, gdzie widział te oczy. U Emilii Prahovej lub u szaleńców pod kościołem św. Cyryla. Savva Mamontov radzi mu: najłatwiejszym sposobem na pozbycie się snów jest narysowanie obrazu. Powinien zgodzić się z propozycją wydawców, aby zilustrować wiersz Lermontowa i przedstawić w nim Anioła ze swoich snów.
W ten sposób Vrubel stworzył obraz „Siedzący demon”. Obraz ten na zawsze zmienił pojęcie malarstwa. Demon będzie przez większość uważany za wzór do naśladowania znani artyści nowoczesność.

Minęło 25 lat i Vrubel ponownie znalazł się wśród szaleńców. Tylko raz patrzył na pacjentów spoza tej kraty, a teraz sam stał się jednym z nich. Vrubel przestaje rozpoznawać swoich bliskich i nawet nie pamięta, kim jest. Jest przenoszony z kliniki do kliniki. A w każdym z nich zostawia całe stosy rysunków. Te rysunki wcale nie przypominają rysunków szaleńca - wszystkie są lekkie i spokojne.
Po śmierci artysty lekarz leczący Vrubela zapisał w swoim pamiętniku: „Vrubel zmarł jako ciężko chory człowiek, ale jako artysta był całkowicie zdrowy”. Jak to możliwe? Współcześni psychologowie twierdzą, że Vrubel był leczony swoimi rysunkami, w ten sposób kontrolował chorobę. Intuicyjnie wymyślił to, co 30 lat po jego śmierci nazwano by arteterapią, czyli leczeniem sztuką.
Takie leczenie nie jest w stanie pokonać choroby, ale może znacznie spowolnić jej przebieg i rozwój. A niektórzy pacjenci rzeczywiście czują się lepiej na tyle, że wracają ze szpitala do domu praktycznie zdrowi. W czasach Vrubela arteterapia jeszcze nie istniała.
W klinice Vrubel nieustannie rysuje pejzaże za oknem, lekarzy, współlokatorów i dzieje się coś niesamowitego – Vrubelowi udaje się sprawić, że choroba ustąpi. Opuszcza szpital i udaje się do miejsca, gdzie po raz pierwszy spotkał swojego przyszła żona- do opery.
Podobnie jak w dniu ich spotkania główną rolę odegrała Natalya Zabela. Po występie Vrubel poszedł do garderoby swojej żony, wziął ją za ręce i podziękował. To był ostatni raz, kiedy widział swoją żonę. Kilka tygodni później Vrubel stracił wzrok.

Vrubel nigdy nie miał czasu dokończyć swojego ostatniego obrazu „Portret poety Bryusowa”.

Niewidomy i dotykiem próbuje wymazać część tła, aby je skorygować, ale przypadkowo wymazuje część postaci. Sanitariusze wyrwą cenny obraz dosłownie spod rąk autora, a potem pożałują swojego czynu: po tym Vrubel już nigdy nie sięgnie po pędzel.
Będzie żył w niewidomości kolejne cztery lata. Artysta nigdy się nie dowie: został wybrany na akademika sztuk pięknych zaocznie. Wystawy jego obrazów podróżują po całej Europie i zyskują światową sławę i uznanie. A w prasie pojawią się publikacje, że Demon zniszczył swojego autora.
Już ślepy Vrubel będzie próbował położyć kres mocy swojego Demona - popełnić samobójstwo. Ale zmarł na ostre zapalenie płuc. Demon Vrubela na tym nie poprzestał. Odebrał mu wzrok i umysł, a swojej fatalnej miłości Emilii Prakhowej – rodzinę i spokój ducha.
Kiedy Vrubel zmarł, ona, wielka dama Kijowa, organizatorka balów i wystawnych przyjęć, została oskarżona o to, że jest winna szaleństwa geniusza. Emilia nie jest w stanie wytrzymać takiej presji. Opuści męża i przeniesie się na prowincję, gdzie zapomniana przez wszystkich i samotna umrze.

Holender Pieter Bruegel Starszy napisał „Pokłon Trzech Króli” w ciągu dwóch lat.

Wzorem Maryi Panny była jego kuzynka, bezpłodna kobieta, która za to była bita przez męża. To ona wywołała złą aurę obrazu. Płótno było czterokrotnie kupowane przez kolekcjonerów i od tego czasu przez 10-12 lat w rodzinach nie urodziło się żadne dziecko. W 1637 roku obraz kupił Jacob van Kampen. W tym czasie miał już trzech potomków, więc nie bał się klątwy.

******************************
Zły duch straconego przestępcy

Zły duch straconego przestępcy
Handlarze antykami zawsze mają mnóstwo obrazów niosących zabójczą energię. Jeden z nich kupiła kiedyś mieszkanka Londynu Dorothy Jenkins w antykwariacie w Fulham.
Był to portret młodej kobiety w czerwonej aksamitnej sukience. Płótno miało cztery stopy kwadratowe i nosiło widoczne ślady pożaru. Pod obrazem znajdował się krótki podpis – „Antoine”.

Obraz natychmiast przyniósł problemy w domu. Początkowo sama Dorota odczuwała ataki załamania nerwowego. Będąc mądrą osobą, zakładała, że jej choroba ma jakiś związek z portretem wiszącym w jej pokoju. Aby w końcu się o to upewnić, Dorota zaprosiła swojego syna Edwarda, aby powiesił obraz na kilka dni w swoim pokoju. Wyniki były natychmiastowe:
Edward, spokojny, melancholijny młody człowiek, czasami miał wrażenie, że przetaczają się przez niego fale niekontrolowanego gniewu.
Dorota zwróciła się o radę do swojego przyjaciela, badacza zjawisk okultystycznych, Philipa Paula. Przyjechał na spotkanie ze słynną londyńską medium Anne Quigt. Paul nie przekazał jej wszystkich informacji dotyczących badanego problemu, a po prostu poprosił ją o „psychometryczne” zbadanie niektórych obiektów w jednej z dzielnic Londynu.
Wraz z parapsychologami do domu Dorothy Jenkins przybyli zastępca redaktora naczelnego „Parapsychology News” Leslie Howard, trzech reporterów prasowych i fotograf, który miał uwiecznić cały proces badawczy.
Aby wyniki eksperymentu były bardziej obiektywne, Paul skierował medium bezpośrednio do dziwnego portretu, mówiąc, oczywiście nieszczerze, że prawdopodobnie najpierw chciałaby przyjrzeć się całkowicie „neutralnym” obiektom w tym domu. Jednak Ann Twigg natychmiast poczuła obok obrazu nieznośną grozę, wpadła w trans i zaczęła niewyraźnie opowiadać o jakichś pomieszanych wydarzeniach, wśród których były dźwięki muzyki i wizja krwi oraz opis jakiegoś wilgotnego, szczurzego -wypełniona cela więzienna, a także szubienica, młoda kobieta z rozwianymi włosami, kat i wielki tłum ludzi na rynku miejskim.
Po eksperymencie Ann twierdziła, że gdy tylko weszła do pokoju, zobaczyła jasny błysk światła przemieszczający się z miejsca na miejsce. Punktem, w którym wybuchła ta epidemia, był obraz Antoine’a. Okazało się, że obraz przedstawiał najprawdopodobniej portret kobiety szlachetne pochodzenie, który w odległym XVIII wieku, po oskarżeniu o jakąś straszliwą zbrodnię, został publicznie powieszony na rynku miejskim.
Jednak jej duch nie uspokoił się po śmierci i osiadł na zawsze w portrecie, negatywnie wpływając na zdrowie właścicieli obrazu. Naturalnie Dorothy Jenkins chciała jak najszybciej pozbyć się tego przeklętego portretu.
Od tak pochopnego kroku odradziła jej jednak Ann Twig. „Duch może się obrazić” – stwierdziło medium – „a konsekwencje tego będą nieprzewidywalne. Dlatego najbardziej neutralną opcją byłoby przeniesienie obrazu gdzieś na strych lub do szafy i pozostawienie go tam na zawsze”. Dorota właśnie to zrobiła i odtąd ani ona, ani jej syn Edward nie byli niepokojeni przez złego ducha.

**********************

Duchy oszalały.

Każdy, kto oglądał bajkę o Harrym Potterze, zapewne pamięta, jak duchy dawno zmarłych ludzi, stale żyjące na ich portretach, regularnie spacerowały po szkole dla młodych czarodziejów, a czasem nawet bez złośliwości płatały figle. Zdaniem dalekich od bajecznych pracowników muzeów podobne przypadki zdarzają się m.in prawdziwe życie. Tak więc w 1996 roku w Muzeum Prado w Madrycie, na oczach oszołomionych turystów z Japonii, infantka zeszła z obrazu Velazqueza i... oddała mocz na podłogę! Potem oczywiście wróciła do obrazu.

A w Muzeum Orsay w Paryżu uroda Renoira przez dziesięć minut szokowała grupę uczniów i ich przewodnika, rozkładając nogi... Warto zauważyć, że w obu przypadkach duchy widzieli tylko ci, którzy znajdowali się w pobliżu obrazów wybryki. Reszta zwiedzających nie zauważyła niczego szczególnego.
... Jak donosiło ostatnio wiele mediów, w jednym z nowojorskich muzeów, niemal tuż przed zamknięciem, kiedy w sali nie było już prawie ludzi, z obrazu autorstwa pędzla nieznanego artysty XIX w. i... udusił stojącego w pobliżu gościa. Opiekunowie muzeum przybyli na miejsce zbrodni, gdy duch powrócił już na swoje miejsce na portrecie...

Moim zdaniem to już za dużo

Mówiono, że artysta zaprzedał duszę diabłu – wszystkie osoby przedstawione na obrazach zmarły wkrótce po pozowaniu. Higginsowie byli pierwsi. Artysta nie udziela wywiadów i nie komentuje tragicznych losów swoich modelek. Co jakiś czas dzwoni do tej czy innej zamożnej osoby, której twarz często pojawia się w gazetach: „Wiesz, mam zamiar zrobić ci portret…” A śmiertelnie przestraszony milioner płaci porządną sumkę, żeby tego nie zrobił To...
*******************************
Istnieją również obrazy mistyczne: przedstawione na nich młode piękności, które zmarły po namalowaniu obrazów, mają pewną moc, która może skrócić życie właścicieli tych obrazów. Starzy kolekcjonerzy, obserwując przez długi czas życie obrazów, zauważyli, że obraz zdawał się oddziaływać na otaczającą przestrzeń i przenosić ukazane na nim wydarzenia w realne życie.

Aura tajemnicy ciągnie się niczym ślad za obrazami wielkiego rosyjskiego artysty Iwana Nikołajewicza Kramskoja (1837-1887). Słynny obraz„Nieznany” to portret prawdziwej, pięknej kobiety. Portret swoim realizmem od kilkudziesięciu lat wywołuje u widzów ekscytację; lekko pogardliwe spojrzenie, lekki rumieniec na policzkach, lekko wygięte usta zdają się wyrażać jej niedostępność dla otaczających ją osób urzeczonych jej urodą. Wydaje się, że Newskim Prospektem powoli jedzie kobieta, otoczona ekscytującym zapachem mistycyzmu i tajemnicy.

Dzisiejsi krytycy i po prostu kontemplacyjni uważają, że przed nimi stoi typowa arystokratka po czubki paznokci, pewna siebie i swojej urody, ale widzowie, współcześni portretowanej kobiecie, od razu zdeterminowani jej strojem i makijażem spójrzmy prawdzie w oczy, że jest przedstawicielką tzw. pań półświata, czyli po prostu utrzymanką. Rozdaje ją połączenie dwóch modnych rzeczy na raz, co było niedopuszczalnym nadmiarem w ubiorze porządnej damy tamtych czasów. Oprócz ubioru kobietę zdradza także makijaż: rumieniec na policzkach, szminka na ustach i wyraźnie zarysowane brwi, co w stosunku do pań z towarzystwa uznawano za nieprzyzwoite.

Artystę dosłownie bombardowano wówczas pytaniami: kto to jest piękny nieznajomy, czy istnieje naprawdę, czy też jest wytworem wyobraźni artysty? Na co Kramskoj odpowiedział z uśmiechem: „Oczywiście, że jest prawdziwa, prawdziwa, istniejąca na płótnie”. Duszący się z przytłaczających emocji widzowie dzielili się wrażeniami i chcieli w jakiś sposób zbliżyć się do rozwiązania zagadki jej urody.

Tylko jedna osoba nie zachwycała się obrazem piękna, wręcz przeciwnie, uważnie wpatrując się w pogardliwe spojrzenie nieznajomego, wykonał ostry skręt i nie oglądając się za siebie, opuścił salę, w której wisiał portret „Nieznajomego”. wystawiany. Tym człowiekiem był słynny kolekcjoner Paweł Michajłowicz Tretiakow. Artysta Kramskoj był bardzo urażony takim zachowaniem kolekcjonera i sprzedał swój obraz małemu kolekcjonerowi. A pan Tretiakow, mając za sobą gorzkie doświadczenia, wiedział, że portrety są piękne femme fatale nie przyniesie nic dobrego.

Wśród kolekcjonerów obrazów panuje przekonanie, że piękności ukazane na obrazach znanych artystów odbierają witalność patrzącym na nie osobom, wiadomo bowiem, że obraz Leonarda nazywa się „La Gioconda”, a obrazy z kobietami Tycjana i Botticellego „ obrazy wampirów” i fanatyczni widzowie Ciągle próbują zepsuć te obrazy, pociąć je, a nawet zniszczyć.

Obraz „Nieznany” również spotkał smutny los: najpierw trafił do nieznanego kolekcjonera, potem, jakby nie uspokojony, przez długi czas przechodził z rąk do rąk. Dochodząc do kolejnej wystawy, obraz wywołał mnóstwo plotek, że sprowadził już na swoich właścicieli wiele nieszczęść. Ale twórcy nieszczęsnego obrazu przydarzyło się naprawdę straszne wydarzenie: niecały rok po napisaniu „Nieznanego” zmarli dwaj synowie Kramskoja. Pogrążony w smutku artysta wyraża głębię tragedii malując kolejne arcydzieło „Niepocieszony żal”: płótno przedstawia płaczącą żonę stojącą pośrodku pustego pokoju. Zdając sobie sprawę, że nikt nie chciałby kupić obrazu z tak szczerym wyrazem żalu, Kramskoy przekazuje go bezpłatnie Galeria Trietiakowska. Jednak pan Tretiakow, uchodzący za osobę porządną i sympatyczną, przekazał rodzinie artysty znaczną opłatę za obraz.

*****************************

Historia malarstwa opowiada o losach siostrzenicy genialnego włoskiego kompozytora N. Pacciniego, której portret namalował w 1832 roku wspaniały artysta Karol Pawłowicz Bryullow (1799-1852).

Obraz „Jeździec” przedstawia młodą Giovanninę Paccini z wdziękiem paradującą na koniu o cienkich nogach. W Rzymie mówiono, że młoda Giovannina miała szczęście, bo po śmierci wuja przyjęła ją bogata rosyjska hrabina Julia Samoilova, ale szczęście nie trwało długo – dziewczyna została stratowana przez konia.

W Kościele katolickim było to dozwolone malarstwo religijne, w ortodoksji uznano malarstwo ikonowe z jeszcze sztywniejszymi granicami obrazu.

W sztuce katolickiej punktem wyjścia do stworzenia wizerunku Matki Boskiej było często pojawienie się kobiety. Wyjątkiem nie była tutaj „Madonna Sykstyńska” Rafaela, w której rysach twarzy rozpoznać można nie tyle czczony przez chrześcijan wizerunek Matki Bożej, co ukazaną na płótnie Margaretę Luti (Luti, Lucci).

Niemal po raz pierwszy w historii sztuk pięknych renesansu Matka Boża nie została przedstawiona w swojej boskiej postaci. Ujawnia się całkowita rozbieżność z ogólnie przyjętymi wizerunkami Madonny - podkreślona prostota pozy, sylwetki, twarzy, ubioru, fryzury, braku butów.

Wydaje się, że nawet papież Sykstus II, przedstawiony obok Madonny, u której stóp znajduje się papieska tiara, symbol mocy duchowej, oraz św. Barbara, ubrana znacznie elegancko i luksusowo niż Matka Boża, są nieco zaskoczeni jej ludzkim bezbronność, otwartość i całkowicie ziemski wygląd chłopskiej dziewczyny. Madonna Sykstyńska nie nosi korony królewskiej ani luksusowych ubrań, nie zasiada majestatycznie na tronie; nawet dziecinnie szeroko otwarte oczy Madonny zdają się kontrastować z mądrym spojrzeniem Dzieciątka Chrystus.

Ukończony obraz wywołał wiele kontrowersji w społeczności kościelnej; klienci odmówili przyjęcia „Madonny Sykstyńskiej”, uznając obraz za wręcz heretycki. Z punktu widzenia księża katoliccy, taki obraz był z natury grzeszny, co oczywiście go nie umniejszało wartość artystyczna.

Informacje o Margaretha Luthi, które przetrwały do dziś, są bardzo skąpe i przypominają raczej legendy. Jej ojciec był piekarzem, który wraz z rodziną przeniósł się ze Sieny do Rzymu. A w Rzymie Rafael Santi poznał Margaretę. Podczas ich znajomości Margareta wyraziła zgodę na pozowanie artyście do stworzenia fresku „Kupid i Psyche”. Młodzi ludzie zakochali się w sobie, lecz jej ojciec był przeciwny ich spotkaniom. Następnie Rafał kupił Małgorzatę od piekarza, płacąc za swoją piękną ukochaną trzy tysiące złotych monet.

Przez dwanaście lat z rzędu (według innych źródeł – sześć lat) Rafał i Małgorzata mieszkali razem, towarzyszyła mu we wszystkich podróżach i była wzorem dla wielu obrazów wielkiego malarza, pomagając mu tworzyć wizerunki Madonn, świętych i mitycznych piękności. Współcześni podkreślali, że Rafael nie rozstał się z nią aż do śmierci i nie mógł pracować, gdyby jej nie było w pobliżu.

Opinie badaczy na temat biografii Margarety Luthi są całkowicie odmienne. Niektórzy twierdzą, że nie była lojalna i często zwracała uwagę zarówno na odbiorców dzieł Rafaela, jak i jego uczniów. Jedna ze słynnych plotek głosi także, że Rafael zmarł w łóżku swojej niewiernej kochanki na zawał serca.

Inni, w tym Paweł Muratow, wskazują, że były one wzniosłe związek miłosny. Małżeństwo artysty z córką piekarza zostało zakazane przez Watykan i w nadziei, że Rafael zostanie nadwornym malarzem, zorganizował jego małżeństwo z siostrzenicą jednego z kardynałów, która została jednak przez Rafaela odrzucona. Wiadomo również, że łkająca Małgorzata została usunięta z pokoju umierającego Rafaela, gdy przybył do niego poseł papieski.

Niejasny jest także los Margarethy Luti po śmierci jej kochanka i patrona. Złe języki twierdzić, że odziedziczyła po Rafaelu duża ilość pieniądze i została kurtyzaną znaną w całym Rzymie. Muratow twierdzi, że Margareta Luti opuściła klasztor, o czym świadczy odpowiedni wpis stwierdzający, że „wdowa po Rafaelu” została tonsurowaną zakonnicą.

Niemal następnego dnia po zakończeniu pracy nad ich portretami zmarli kompozytor Musorgski, chirurg Pirogow i polityk Stołypin. Pisarz Wsiewołod Garszin rzucił się ze schodów po tym, jak Repin namalował za ich pomocą szkic głowy księcia do obrazu „Iwan Groźny zabija swojego syna”. Prawie wszyscy przyjaciele, których przedstawił na innym słynnym płótnie „Kozacy piszący list do tureckiego sułtana”, zmarli z różnych powodów zaraz po pierwszej wystawie dzieła. Przestraszony artysta zamalował wizerunek własnego syna.

Ilya Repin - burza z piorunami dla opiekunów?

Morderstwo, które nigdy nie miało miejsca

Współcześni badacze sugerują, że jezuita stworzył legendę w zemście za to, że musiał do niej wrócić sąd papieski„sioranie niesolone”.

I znowu Repin się wyróżnił Autoportret Repina

Mistyczny obraz „Obcy” Iwana Kramskoja

„Nieznajomy” Iwana Kramskoja to jedno z najbardziej tajemniczych arcydzieł malarstwa rosyjskiego.

Ikona dla wróżek

Możesz być zainteresowany