; libretto: C. Sterbini na podstawie komedii P.-O. Carona de Beaumarchais „Cyrulik sewilski, czyli próżna ostrożność”.
Pierwsza inscenizacja: Rzym, Teatro Argentina, 20 lutego 1816.

Pismo: Count Almaviva (tenor), Bartolo (bas), Rosina (mezzosopran), Figaro (baryton), Don Basilio (bas), Fiorello (baryton), Ambrogio (bas), Berta (sopran), Oficer (bas); alcalde, notariusz, alguacils, żołnierze, muzycy.

Akt pierwszy

Zdjęcie pierwsze. Plac w Sewilli o świcie. Przed domem doktora Bartolo hrabia Almaviva wraz z grupą muzyków śpiewa serenadę uczennicy Bartola Rosinie („Ecco ridente in cielo”; „Wkrótce wschód zajaśnieje złotym świtem”). Nikt nie wychodzi na balkon. Pojawia się cyrulik Figaro, dawny znajomy hrabiego („Largo al factotum”; „Miejsce! Otwórzcie się szerzej, ludzie!”). Rosina wychodzi na balkon i bezskutecznie trzymana przez Bartola rzuca list do hrabiego. Hrabia nie chce zdradzać swojej wysokiej pozycji, dlatego Figaro radzi mu, aby nazywał się studentem Lindorem. Następnie udziela hrabiemu sprytnej rady, aby udawał pijanego żołnierza i zażądał zajazdu w domu Bartola („All’idea di quel metallo”; „Jedna myśl – zdobyć metal”).

Zdjęcie drugie. Pokój w domu Bartolo. Rosina pragnie przekazać Lindorowi notatkę („Una voce poco fa”; „W ciszy północy”). Bartolo chce się z nią szybko ożenić, zwłaszcza że nauczyciel muzyki Don Basilio opowiada mu, że widział w mieście Almavivę, wieloletnią wielbicielkę Rosiny. Przeciw niemu – radzi Basilio – należy szerzyć oszczerstwa („La calunnia e un venticello”; „Oszczerstwo na początku jest słodkie”). Rosinie udaje się przekazać wiadomość Figaro, który jest zaskoczony jej pomysłowością (duet „Dunque io son”; „Czy to ja? Och, to cudownie”). Bartolo zauważa, że ​​Rosina pisze list i wpada w złość („A un dottor della mia sorte”; „Nie na darmo jestem bystrym lekarzem”). Do środka wpada hrabia przebrany za żołnierza („Ehi di casa”; „Hej, noclegownia”). Udaje mu się także przekazać notatkę Rozynie, ale to nie umknie uwadze Bartolo. Robi się zamieszanie, przybiegają żołnierze, żeby zaprowadzić porządek, ale hrabia cicho wymawia swoje imię oficerowi i wśród zdziwienia wszystkich z szacunkiem pozdrawia go.

Akt drugi

Zdjęcie pierwsze. Bartolo siedzi w swoim biurze. Pojawia się młody człowiek, który podaje się za Don Alonso: zamiast chorego Basilio przyszedł dać lekcję muzyki Rosinie (duet „Pace e gioia sia con voi”; „Niech spoczywa w pokoju i radości”). To znowu Hrabia w przebraniu. Figaro goli lekarza, próbując przejąć w posiadanie klucz do pokoju Rosiny na przyszłość. Pojawia się niczego niepodejrzewający Don Basilio, Figaro przekonuje go, że wygląda bardzo źle i powinien natychmiast iść spać. Podczas lekcji muzyki Bartolo zaczynają nękać podejrzenia, w końcu wyjawia prawdę i rozprasza wszystkich. Stara panna Berta opowiada o głupiej miłości swego pana („Il vecchiotto cerca moglie”; „Starzec postanowił się ożenić”).

Zdjęcie drugie. Bartolo, chcąc przyspieszyć ślub, posyła po notariusza. Rosina, którą przekonał o oszustwie Lindora, zgadza się poślubić jej opiekunkę. Nagle pojawiają się Figaro i Hrabia, ujawniając swoje prawdziwe imię. Rosina jest szczęśliwa (terzetto „Ach, qual colpo inaspettato”; „Ach, cieszę się”). Kochankowie próbują uciec, ale okazuje się, że Bartolo usunął drabinę umieszczoną przy oknie. Wszystko w porządku, uspokaja ich Figaro, to tylko notariusz i Basilio jako świadek. Umowa małżeńska zostaje natychmiast podpisana przez Rosinę i Almavivę. Kiedy Bartolo wraca ze strażnikami, czyn jest już dokonany. Starca pociesza jednak fakt, że Almaviva odmawia posagu Rozynie. Figaro odchodzi: zrobił wszystko, co mógł (zespół z chórem „Di si felice innesto”; „Troski i zmartwienia, a na zakończenie wesele”).

G. Marchesi (w przekładzie E. Greceanii)

Cyrulik Sewilski (Il barbiere di Siviglia) - komedia G. Rossiniego w 2 aktach (3 sceny), libretto C. Sterbiniego na podstawie komedii P. Beaumarchaisa „Cyrulik sewilski, czyli próżna ostrożność”. Premiera: Rzym, Teatro Argentino, 20 lutego 1816

Duże zainteresowanie wzbudziła komedia P. Beaumarchaisa (1775), w której Figaro po raz pierwszy pojawił się na scenie. W 1782 r. w Petersburgu odbyło się wystawienie opery G. Paisiello „Cyrulik sewilski”, które miało miejsce wielki sukces. O tej samej fabule pisali także opery inni kompozytorzy, np. F. L. Benda (1776), N. Izouard (1796) itd. Jednak najpopularniejszą adaptacją operową „Cyrulika sewilskiego” przed Rossinim pozostała twórczość Paisiello – jedna z najdoskonalszych przykładów opery buffa z XVIII wieku. Jego popularność była tak wielka, że ​​decyzję Rossiniego o napisaniu muzyki do tej fabuły uznano za bezczelną.

Rossini w 1816 roku podjął się pisania na karnawał w Rzymie nową operę jednak cenzura, która panowała we Włoszech, zakazała wszelkich proponowanych im librett. Czasu pozostało bardzo mało, a potem zdecydowano się wykorzystać ocenzurowany temat. Tak narodził się pomysł „Cyrulika Sewilskiego”. Rossini zwrócił się do Paisiello o pozwolenie, a ten odpowiedział życzliwą zgodą, nie wątpiąc w porażkę opery aroganckiej młodzieży. Nowe libretto napisał C. Sterbini, wykorzystując nie tylko komedię Beaumarchais, ale także libretto G. Petroselliniego do opery Paisiello. Rossini generalnie komponował szybko. Ale tempo, z jakim powstawał Cyrulik sewilski, jest zdumiewające (choć kompozytor korzystał z wielu swoich wcześniejszych dzieł). Kompozycja i instrumentacja trwały trzynaście dni. Opera pierwotnie nosiła tytuł Almaviva, czyli próżna ostrożność.

Premiera zakończyła się fiaskiem. Powody były splotem niesprzyjających okoliczności: wykonawca partii Almavivy zapomniał zabrać ze sobą gitary podczas serenady, Don Basilio zaczepił się o gwóźdź i nie mógł się ruszyć; na domiar złego na scenę wbiegł kot i oślepiony światłem biegał w poszukiwaniu wyjścia. Wszystkie te „wypadki” były zamierzone, podobnie jak ostro wrogie zachowanie publiczności towarzyszącej operze od pierwszych taktów. Zwolennicy Paisiello i wrogowie Rossiniego, przedstawiciele konkurencyjnych przedsiębiorstw, zorganizowali skandal niespotykany w annałach teatru. Skandal ten zakłócił występ (Rossini uciekł już pierwszego dnia). Kolejne przedstawienia przyniosły operze sukces.

Genialna muzyka otworzyła nowe ścieżki w historii gatunku, łączy w sobie odważny slapstick, liryzm, dramat, błyskotliwą zabawę i satyrę. Miejsce starych operowych masek zastąpili prawdziwi ludzie. Oczywiście nie ma co porównywać dzieła Rossiniego z „Weselem Figara” Mozarta, ale arcydzieło Rossiniego jest mu bliższe niż twórczości Paisiello. Opera buffa nie znała dotąd niczego, co pod względem złożoności i różnorodności wykorzystania zespołu dorównywałoby finałowi pierwszego aktu (we współczesnych wykonaniach drugiego aktu), tak samo jak nigdy nie znała takiego bogactwa emocjonalnego i wyrazistości charakter. Rossini wykorzystał wiele technik i środków opery seria w operze buffa, nie obciążając jej stylu. Dlatego jego śmiech jest nie tylko beztroski, radosny i pogodny, ale także brzmi oskarżycielsko - na przykład w arii o oszczerstwie. A cały wizerunek Don Basilio nie jest bynajmniej konwencjonalną maską komiksową. To nie drobny łobuz, oszczerca, donosiciel, ale ideolog podłości. Wszyscy bohaterowie opery, choć genetycznie związani z tradycją, zostają ukazani w nowym świetle. Rosina nie jest zatem „wyimaginowaną prostaczką”, jaką przedstawia ją Paisiello, ale dziewczyną walczącą o swoje szczęście. Rossini podkreślił nową funkcję obrazu, pisząc partię bohaterki na mezzosopran: zwykle kontraltowi i mezzosopranowi przypisywano rolę natur namiętnych, porywczych. To nie przypadek, że pierwsi słuchacze opery, zdaniem Stendhala, byli oburzeni faktem, że kompozytor zamienił Rozynę w „chłopiec-kobietę”. Bogactwo i różnorodność kolorów wyróżniają wizerunki wszystkich postaci. Rossini hojnie wykorzystywał w swojej muzyce pieśni i tańce ludowe, melodie, gatunki i formy życia codziennego. Opera bogata jest w taneczne rytmy – od saltarelli po walc. Na koniec pojawia się rosyjska melodia piosenka ludowa„Och, po co ogrodzić ogród”: Rossini wykorzystał muzykę własnej kantaty „Aurora”, dedykowanej wdowie po wielkim rosyjskim dowódcy M. Kutuzowie.

„Cyrulik sewilski” – najlepszy z opery komiczne Rossiniego i być może najlepsza opera komiczna XIX wieku. do Falstaffa Verdiego. Wkrótce wystawiano go w innych miastach Włoch, a potem na innych scenach w Europie, stając się jednym z najpopularniejszych. Występowały tam najwybitniejsze śpiewaczki świata, od P. Viardot-Garcia, G. Roubini, A. Tamburini, L. Lablache po nasze współczesne. W Rosji „Cyrulik sewilski” został po raz pierwszy wykonany w Odessie w 1821 r. Przez włoską trupę, na scenie rosyjskiej - w Teatrze Bolszoj w Petersburgu 27 listopada 1822 r. (G. Klimovsky - Almaviva, I. Gulyaev - Bartolo , V. Shemaev – Figaro, N. Semenova – Rosina, E. Sandunova – Marcelina, A. Efremov – Don Basilio). 17 stycznia 1829 roku operę zaprezentowała w Petersburgu trupa włoska. 31 stycznia 1831 r. nastąpiło wznowienie na scenie rosyjskiej; role wykonali O. Petrov – Figaro, N. Dur – Bartolo, A. Efremov – Basilio, S. Birkina (Karatygina – 2. miejsce) – Rosina; w kolejnych przedstawieniach wystąpili L. Leonov - Almaviva, E. Lebedeva, M. Stepanova - Rosina.

„Cyrulik sewilski” z wielkim sukcesem wystawiony został w latach 40. przez trupę Cesarskiej Opery Włoskiej w Petersburgu; Wystąpili: P. Viardot – Rosina (był to debiut wspaniałej śpiewaczki w Rosji), G. Roubini – Almaviva, A. Tamburini – Figaro. W roli Rosiny wystąpiły później soprany koloraturowe, m.in. Giulia Grisi i A. Patti. Włoski „Cyrulik” tymczasowo wyparł operę z repertuaru rosyjskiego. Dzieła Rossiniego nie wystawiano na scenie rosyjskiej w latach 1839–1882, kiedy to wielki sukces odnowiony (P. Lodius – Almaviva, F. Strawiński – Bartolo, M. Koryakin – Don Basilio, I. Pryanishnikov – Figaro, M. Slavina – Rosina). To był występ wyjątkowy pod każdym względem. Rolę Rozyny, zgodnie z zamysłem autora, śpiewała mezzosopranistka.

Najlepszymi wykonawcami głównych ról na scenie krajowej są I. Melnikov, I. Tartakov, O. Kamionsky, A. Bragin, M. Karakash (Figaro); F. Shalyapin, M. Koryakin, P. Zhuravlenko, G. Bosse, A. Pirogov, M. Reisen (Don Basilio); S. Chromczenko, S. Lemeszew, I. Kozłowski (Almaviva). Rola Rosiny w Rosji była mocno zakorzeniona w lekkich sopranach, wśród których wyróżniali się E. Pawłowska, E. Mrawina, L. Lipkowska, A. Nieżdanowa i R. Gorskaja. O ile wybitni śpiewacy rosyjscy skutecznie konkurowali ze śpiewakami włoskimi w odgrywaniu głównych ról, o tyle F. Chaliapin, który zdefiniował sceniczną tradycję roli Don Basilio, był bezkonkurencyjny.

W XX wieku Po raz pierwszy od wielu lat krajowa publiczność usłyszała rolę Rosiny w jej oryginalnej formie w wykonaniu mezzosopranistki F. Cossotto podczas tournee po teatrze La Scala w Moskwie w 1964 roku. najlepsze produkcje ostatnie dekady - występ na Festiwalu w Salzburgu w 1968 (pod dyrekcją C. Abbado, reżyseria J. P. Ponnelle). Najlepsi wykonawcy Role Rosiny w XX wieku. - C. Supervia, M. Horn i C. Bartoli, role Figara - T. Ruffo, T. Gobbi i L. Nucci.

W 1947 r. nakręcono operę w reżyserii M. Costy z T. Gobbi, F. Tagliavinim i I. Tayo w rolach głównych; Rosinę grała I. Jenny, a L. Palyugi śpiewał. Był to pierwszy pełnometrażowy film operowy.

Wykłady na literaturę muzyczną:Rossini

Twórczość Rossiniego (1792-1868) rozwijała się w burzliwym czasie, gdy zacofane, podzielone Włochy, pod potrójnym uciskiem Hiszpanii, Francji i Austrii, wkroczyły na drogę walki narodowowyzwoleńczej. Rewolucyjna atmosfera ożywiła wszystkie dziedziny sztuki włoskiej, łącznie z operą. Stała się prawdziwą platformą promowania zaawansowanych pomysłów. Pojawił się nowy szkoła operowa, odzwierciedlając te pomysły. Rossini stał u jego początków. Podsumowując wszystko, co najlepsze we włoskiej operze XVIII wieku, to on stworzył podstawy do jej dalszego owocnego rozwoju.

Dla mojego twórcze życie Rossini napisał 38 oper z gatunku seria i buffa. Na początku XIX wieku oba te gatunki znajdowały się w stanie upadku. Opera seria utknęła w szponach wielu przestarzałych stereotypów. Publiczność ceniła przede wszystkim wirtuozerię wokalną, dlatego kompozytor musiał zadowolić wszystkich głównych wykonawców. Opera buffa była bardziej opłacalna, ale i tutaj panowało niezdrowe nastawienie do bezmyślnej rozrywki. Dzięki Rossiniemu opera włoska odzyskała dawną świetność.

Rossini był z natury niezwykle hojnie utalentowany: był przystojny, czarujący i dowcipny, miał wspaniały głos i komponował z niewiarygodną swobodą („Cyrulik sewilski” powstał w 18 dni) i w każdej scenerii.

Zadebiutował jako kompozytor operowy w 1810 roku przez operę „Weksel wekslowy dla małżeństwa”. W krótkoterminowy zyskał ogromną popularność. Zauważył to Puszkin w „Eugeniuszu Onieginie”: „zachwycający Rossini, ulubieniec Europy, Orfeusz”. Najbardziej owocne lata działalność kompozytorska Rossini kojarzy się z Neapolem, z Teatro San Carlo. Tutaj jest napisany „Cyrulik sewilski”. najlepsze dzieło kompozytor gatunku buffa (1816). Razem z Cyrulikiem Sewilskim na najwyższym poziomie osiągnięcia twórcze Rossini nawiązuje „William Tell”. Kompozytor stworzył go w 1829 roku, mieszkając już w Paryżu. Nowe arcydzieło był zupełnie inny niż poprzedni. Na podstawie legenda ludowa O bohater narodowy Szwajcarzy Rossini stworzyli pierwszą ludowo-patriotyczną operę epoki romantyzmu.

Po Williamie Tellu kompozytor nie skomponował już kolejnej opery, choć żył jeszcze 40 lat. Wśród nielicznych dzieł powstałych w drugiej połowie jego życia wyróżniają się dwa dzieła duchowe – Stabat Mater i okazała Msza św.

„Cyrulik sewilski”- jedna z najlepszych oper komicznych - powstała w zdumiewająco krótkim czasie na noworoczny karnawał w Rzymie. Opera była komponowana i próbowana niemal jednocześnie. Co prawda kompozytor częściowo wykorzystał materiał swoich wcześniejszych dzieł, ale oryginalność i świeżość opery nie ucierpiała na tym.

Podstawa działka położył podwaliny pod pierwszą część słynnej trylogii Beaumarchais o Figarze – „Cyrulik sewilski, czyli próżna ostrożność”. Przed Rossinim napisano na tej fabule wiele oper. Wśród nich zdecydowanie najpopularniejszą była opera Paisiello. Jego sukces był tak duży, że wielu uznało decyzję Rossiniego o wykorzystaniu tej samej fabuły za bezczelną.

Premiera opera się nie udała. Zwolennicy Paisiello zorganizowali skandal niespotykany w historii opery. Obawiając się wygwizdania przez temperamentną włoską publiczność, Rossini uciekł po pierwszym akcie. Jednak już kolejne przedstawienie, na którym pojawiła się zwykła, otwarta publiczność, przyniosło nowej operze zasłużony sukces. Publiczność zorganizowała nawet procesję z pochodniami do domu Rossiniego, który tym razem na wszelki wypadek nie pojawił się na przedstawieniu.

Bardzo szybko „Cyrulik Sewilski” został rozpoznany w innych Kraje europejskie, w tym Rosja. Do Dzisiaj to jedna z najbardziej repertuarowych oper. W jego wykonaniu wzięli udział najwybitniejsi śpiewacy świata, m.in. F. Chaliapin w roli Basilio.

Libretto Opera została napisana przez Cesare Sterbiniego. Różni się znacznie od francuskiego oryginału. Czasem piszą, że tendencje polityczne sztuki Beaumarchais okazały się w operze nieco wygładzone. Jest to tylko częściowo prawdą. W operze właściwie nie ma satyry społecznej. Komedia francuska. Twórcy opery celowo uwydatnili w niej to, co wydawało im się ważniejsze dla włoskiej publiczności. Inaczej niż we Francji w przededniu rewolucyjnego zamachu stanu w 1789 r., we Włoszech początek XIX wieków sprzeczności klasowe nie były tak ostro wyrażane. W ruchu narodowowyzwoleńczym działały w tym okresie wszystkie klasy włoskiego społeczeństwa razem. Orientacja ideowa komedii Beaumarchais przybrała nieco inny obrót, zbliżony do Rossiniego. Nie stworzył satyry antyfeudalnej, ale typową Teatr włoski komedia obyczajowa. Jego muzyka podkreślała komediowość wątków, pogodny humor, a co najważniejsze bardzo trafnie oddawała charaktery bohaterów, a nawet ich zewnętrzne zwyczaje.

Opera gloryfikuje witalność i przedsiębiorczość, delikatne uczucia kochanków, wyśmiewa hipokryzję i obłudę - takie jest jej postępowe znaczenie.

Genre opery - buffa, skończony mistrz którym był Rossini. Tutaj czuł się najbardziej naturalnie: wiadomo, że twórczy sukces w komedii był dla niego znacznie łatwiejszy niż w sztuce heroicznej. Sztuka Rossiniego jest w muzyce synonimem zabawy i swobodnego dowcipu. Odzwierciedliło to niesamowitą szybkość, z jaką pisano Cyrulik sewilski szczęśliwa zgodność natury talentu kompozytora z wybraną fabułą, jej obrazami i gatunkiem. Wyglądają na stworzonych dla siebie.

– podkreślił Rossini tradycje narodowe operybufa:

1 . Typowe codzienne konflikty i obrazy pismo, przypominający bohaterów włoskiej komedii ludowej: szczęście zakochanej pary zakłóca nudny opiekun, który marzy o pokaźnym spadku dla swojej ślicznej podopiecznej. Pomaga mu stary przyjaciel – drobny łobuz i hipokryta. A po stronie kochanków stoi sprytny i zaradny sługa, podobny do wielu bystrych służących, znacznie bardziej przedsiębiorczych niż ich panowie (jak np. Truffaldino z komedii Goldoniego „Sługa dwóch panów”). Pamiętam też bohaterów pierwszej opery buffa – „Pokojówek i kochanek” Pergolesiego. Można poprowadzić wyraźne linie od Serpiny do Rosiny, od Uberto do Bartolo.

2 . Tradycją jest zastępowanie numerów utworów (solowych i zespołowych) recytatywami secco.

3 . Zachowana jest także typowa dla buffy dwuaktowa konstrukcja z charakterystycznymi finałowymi obsadami i szybką dynamiką rozwoju akcji: wydarzenia toczą się z niezwykłą szybkością, nie ma tu nic zbędnego, wszystko prowadzi do celu. Rossini wiedział, jak tak skonstruować akcję, aby zainteresowanie słuchacza ani na chwilę nie osłabło, cały czas rosło, nie bez powodu nazywano go „maestro crescendo”.

4 . Narodowość wywodzi się także z tradycji opery komicznej język muzyczny, oparcie się na gatunku i formach życia codziennego (od tarantelli po walc). Finałem jest melodia rosyjskiej pieśni ludowej „I przyszedł czas na ogrodzenie ogrodu”.

Jednocześnie kompozytor nie tylko powtórzył tradycyjne techniki dawnej opery buffa, ale je zaktualizował i wzbogacił. Jego wielką zasługą było przeniesienie dorobku operowego Mozarta na ziemię włoską.

Rossini uwielbiał Mozarta i zebrał kolekcję jego portretów. Zasłynął z powiedzenia: „Beethoven jest dla mnie przede wszystkim, ale Mozart jest jedyny”. Na jednym z portretów Mozarta Rossini napisał: „Był idolem w mojej młodości, rozpaczą w dojrzałości i pocieszeniem na starość”.

Najważniejszą rzeczą, którą Rossini pożycza od Mozarta, jest mistrzostwo zespołu operowego.

1 . Zespół, podobnie jak recytatyw, staje się centrum akcji. Uderzającym przykładem tak skutecznego zespołu jest finałIdziałania. Typowo błazna, pełna jest zamieszania i nieporozumień: Almaviva ubrana w strój kawalerii przychodzi do domu doktora Bartolo i wywołuje prawdziwą awanturę. Rozpoczyna się niesamowity zamęt, zbudowany na stopniowym włączaniu wszystkich bohaterów, a jednocześnie wszystko układa się w nienaganną harmonijną formę.

2 . I podobnie jak Mozart, nawet w skomplikowanym zespole przeplatającym się głosami, charaktery bohaterów są wyraźnie wyróżnione. W tym samym finale I aktu każdy z bohaterów otrzymuje indywidualną charakterystykę: występowi Almavivy towarzyszy przesadnie głośny, parodyczny marsz; Basilio charakteryzuje się komicznym solfeżem, Figaro rytmami tanecznymi.

W Cyruliku sewilskim dominuje wirtuozowski śpiew solowy. Rossini nigdy nie porzucił głównej „broni” włoskiego teatru operowego - wszystkie części opery są przesiąknięte wirtuozerią. Jednak z niesamowitą umiejętnością dał sobie radę balansować dekoracyjny początek o charakterze wyrazistym, psychologicznym: koloratura nie jest celem samym w sobie, służy tworzeniu jasności muzyczne portrety postaci.

Główne cechy Figara- „bulgocząca” radość i niewyczerpany optymizm. Rossini oparł swój muzyczny charakter na żywiołowej taneczności i energicznym marszu. Jego partia jest zdominowana szybkie tempo i wyraźne rytmy. Wszystkie główne cechy charakteru Figara zawarte są w jego pierwszym numerze – słynnym Cavatina z rysunku I. Przypomina temperamentną, ognistą włoską tarantellę: elastyczny, dobitnie pulsujący rytm; non-stop tupot w partii wokalnej (bardzo skomplikowany technicznie), ruch szybki.

Pomimo tego, że sztuka jest francuska, a akcja rozgrywa się w Hiszpanii, wizerunek Figara można uznać za bardzo uderzający przejaw zasady narodowej w muzyce. Jeśli zestawić Figara Rossiniego obok Mozarta, nie trudno wyraźnie wyczuć różnicę w ich charakterach. Figaro Rossini ma prawdziwy południowy temperament, mówi bez przerwy, a w tym szybkim tupotu słychać intonacje temperamentnej mowy włoskiej.

W formie cavatina jest swobodną kompozycją opartą na kilku tematach, której realizacja nie przebiega według tradycyjnych schematów. Orkiestra odgrywa ogromną rolę.

Przez całą operę Figaro występuje w różne sytuacje, wchodząc w interakcję z innymi postaciami. Nowe akcenty wydają się uzupełniać ten obraz, ale prawie go nie zmieniają jakościowo.

Rozyna- nie tylko „wyimaginowany głupek”, jak w operze Paisiello, ale dziewczyna walcząca o swoje szczęście. Rossini podkreślił nową funkcję wodza kobiecy wizerunek, powierzając rolę Rozyny mezzosopranowi koloraturowemu. Rosina jest piękna, wesoła i choć zamknięta przez swojego opiekuna w czterech ścianach, biada temu, kto ją rozzłości. Już w swojej pierwszej arii deklaruje, że jest łagodna tylko do pewnych granic. Jeśli Rosina czegoś chce, będzie w stanie sama nalegać.

Głównym numerem Rosiny jest jej cavatina z drugiego obrazu „In the Silence of Midnight”, który zawiera cechy różnych aspektów jej wyglądu. Ma 3 części: I - kantylenna, światło - oddaje senność dziewczyny; II opiera się na pełnej wdzięku taneczności („Jestem taki zrezygnowany”); Część III („Ale obrażaj się”) błyszczy wirtuozerią.

Wykres Almaviva - postać liryczna, młody i żarliwy kochanek, a nie rozpustny pan feudalny, jak w komedii Beaumarchais. Podstawą jego charakterystyki jest liryczna kantylena, ozdobiona wirtuozerskimi ozdobnikami typowymi dla stylu bel canto. Są to przede wszystkim obie „serenady” w wykonaniu Almavivy pod oknami Rozyny w I scenie: cavatina „Wkrótce Wschód zabłyśnie złotem o świcie” (pierwszy portret charakterystyczny dla tej postaci) oraz canzone „Jeśli chcesz wiedzieć.” Ich muzyka jest bliska lirycznej Włoskie piosenki: zaokrąglone, plastyczne intonacje, forma wersetu.

Później to właśnie Almaviva kojarzona była ze scenami „przebierania się” typowymi dla gatunku buffa. Występuje albo jako pijany żołnierz (finał I aktu), albo jako kawaler – nauczyciel śpiewu, uczeń Don Basilio (duettino z Bartolo na samym początku II aktu), albo w prawdziwej roli bogatego arystokraty (pod koniec opery). Dla każdej z reinkarnacji Rossini znajduje własną „skórkę”, wyrazisty, jasny dotyk. Tym samym żołnierza Almavivę charakteryzuje marsz komediowy i bojowy. Almaviva, młody ksiądz, dręczy Bartola, powtarzając na różne sposoby krótkie uwagi psalmodyczne. Almaviva – szlachetny szlachcic obdarzony jest genialną wirtuozowską arią.

Charakteryzując postacie negatywne, dowcip Rossiniego przybiera czasami formy satyryczne. Taki jest sławny aria o oszczerstwie Don Basilio, w którym zawarta jest cała filozofia życia (pochwała podłości). Polega na stopniowym rozwijaniu jednego tematu. Z początku insynuująca, melodia, ostrożnie wspinająca się ku górze, zdaje się „puchnąć” z każdym wykonaniem. Towarzyszy mu miarowe, dynamiczne i orkiestrowe crescendo, osiągające w kulminacyjnym momencie grzmiące grzmoty („i jak wybuch bomby”). Basilio, przedstawiając swoją „teorię oszczerstwa”, jest absolutnie poważny, niczym bohater opery seria, ale w tej sytuacji jego zapał wywołuje efekt komediowy. Podobnie jak cavatina Figara, aria zniesławiająca jest konstruowana dowolnie.

Bartolo charakteryzuje się przede wszystkim numerami zespołów i małą ariettą, stylizowaną na starą, uroczą piosenkę o miłości.

Biorąc pod uwagę wiodącą rolę elementu wokalnego w Cyruliku sewilskim, znaczenie partii orkiestrowej jest wyjątkowo duże. Orkiestra pomaga podkreślić komizm danej sytuacji, wyjaśnić podtekst i nadać charakter bardziej wyrazisty. Głównym numerem orkiestrowym opery jest obraz burzy z 4 scen.

Wśród nich: „Włoch w Algierii”, „Otello”, „Kopciuszek”, „Sroka złodziejka”, „Mojżesz w Egipcie”.

Od 1824 roku Rossini mieszkał w Paryżu. Po śmierci kompozytora jego prochy przewieziono do ojczyzny, pochowano we Florencji obok Michała Anioła i Galileusza.

Cztery części finału przypominają charakterem 4 części cyklu sonatowo-symfonicznego, zależnością temp i tonacji. W szybko I„część” toczy się główna akcja – pojawiają się hrabia, Bartolo, Rosina, Basilio. Część II, podobnie jak scherzo, jest zabawna i szybka. To wyjście Figara, który rzekomo chce wszystkich uspokoić, ale w wyniku jego działań do domu przychodzi patrol wojskowy. Potem następuje moment ogólnego zdumienia – niczym powolna, melodyjna część III. Ostatnia część, w której wszyscy odzyskują rozsądek i wyrażają sprzeczne uczucia, stanowi szybki finał.

W współczesne produkcje jej partię wykonuje sopran koloraturowy

Cyrulik z Sewilli

Ale niebieski wieczór robi się ciemny,

Pora jechać szybko do Opery:

Jest rozkoszny Rossini,

Ulubieniec Europy – Orfeusz.

Nie zważając na ostrą krytykę,

On jest na zawsze ten sam, na zawsze nowy,

Nalewa dźwięki - gotują się,

Płyną, płoną,

Jak młode pocałunki

Wszystko jest w błogości, w płomieniu miłości,

Jak wrząca Ai

Złoty strumień i plamy...

AS GunsN

Te entuzjastyczne wersety „Eugeniusza Oniegina” zaskakująco trafnie odzwierciedlają cały urok muzyki Rossiniego, jej młodzieńczą świeżość i piękno.

Rossini był idolem uniwersalnym; Niewielu kompozytorów zyskało w ciągu swojego życia tak ogromną popularność. „Po śmierci Napoleona była jeszcze jedna osoba, o której wszędzie mówiono nieustannie: w Moskwie i Neapolu, w Londynie i Wiedniu, w Paryżu i Kalkucie. Sławę tego człowieka ograniczają jedynie granice cywilizacji, a ma on dopiero 32 lata.”, Stendhal, zagorzały wielbiciel jego talentu, pisał o Rossinim. Wielu było dumnych, że znało Rossiniego. Liszt pokazywał mu swoje dzieła, Weber, Wagner, Saint-Saens zabiegał o spotkania z włoskim mistrzem; ten ostatni napisał to pod koniec lat pięćdziesiątych XIX wieku „cały Paryż domagał się zaszczytu przyjęcia go w jego luksusowym apartamencie z wysokimi oknami”. Wśród gości jego salonu byli znani kompozytorzy: Aubert, Meyerbeer, Gounod, Thomas, Verdi. Na uroczystych wieczorach Rossiniego można było usłyszeć znakomitych śpiewaków i wybitnych wirtuozów: Grisi, Patti, Nilsson, Tamburini, Tamberlik, Anton Rubinstein, Joachim, Thalberg. „Nieustanne pochlebstwa otaczały mistrza” – wspomina kompozytor Saint-Saëns – „ale wcale go to nie dotknęło, ponieważ znał jego wartość, a górował nad otaczającym go otoczeniem wyższością umysłu, którą jednak pokazał , nie na oczach wszystkich.”. Wrażliwi i uważni współcześni widzieli w Rossinim człowieka głębokiego, wnikliwego i spostrzegawczego, o subtelnym, bystrym umyśle, żywo zainteresowanym otaczającym go światem, widzieli w nim wielkiego artystę, który rozumiał

nowe problemy sztuki i jej ewolucji, broniąc jednak jej ideałów estetycznych. O Rossinim w liście do Glinki relacjonował I. V. Stasow: „Odnalazłam w nim duszę artystyczną, piękną i prostą...”. A R. Wagner po rozmowie z Rossinim w 1860 r. mówił: „Muszę przyznać, że ze wszystkich muzyków, których poznałem w Paryżu, tylko on jest naprawdę wspaniały!”

W 1868 roku, kiedy zmarł Rossini, Verdi z goryczą powiedział jednemu ze swoich przyjaciół: „Wielkie imię wymarło na świecie! To było najbardziej popularne imię nasza era, najszersza sława - i to była chwała Włoch!. Droga życiowa i twórcza G. Rossiniego jest równie niezwykła, jak jego niezrównany sukces: szybki wzrost na wyżyny sławy, a potem przez około trzydzieści lat - niemal całkowita cisza.

Pierwszym dziełem scenicznym Rossiniego, które ujrzało światło sceny, była farsa muzyczna „The Marriage Bill”. Przyniósł do młodego autora sławę, wkrótce zaczął otrzymywać zamówienia na opery buffa z teatrów w Bolonii, Wenecji i Mediolanie. Jego muzyka, błyskotliwa i dowcipna, szybko podbiła włoską publiczność. Ale szerokie uznanie zyskał Rossini dopiero po wystawieniu „Tancred” i „Włocha w Algierze” w 1813 r. - uczynili go ulubieńcem północnych Włoch, a dwa lata później podbił Neapol, wystawiając operę „Elżbieta, królowa Anglii” " Tam.

Jesienią 1815 roku Rossini wyjechał do Rzymu, aby pracować nad nową operą „Torvaldo” i „Dorlisca”, ale jeszcze przed jej premierą impresario jednego z rzymskich teatrów zaprosił go do skomponowania opery buffa. Rozpoczęły się poszukiwania działki; Ostatecznie kompozytor zdecydował się na komedię słynnego francuskiego dramaturga Beaumarchais „Cyrulik sewilski”. Odpowiedzialność była ogromna: już w 1782 roku Paisiello stworzył swoją operę na tej samej działce w Petersburgu i przez ponad trzydzieści lat cieszyła się pełnym szacunkiem melomanów we Włoszech.

Libretto opery napisał na zlecenie C. Sterbini. Prace postępowały szybko, równolegle z tekstem komponowano muzykę i po około dziewiętnastu do dwudziestu dniach opera była gotowa.

Rosina-Adele Patti

Rosina-Montano

Rosina – Giulietta Simionato, Bartolo – Melchiore Luisa. Teatr La Scala, 1952.

Librecista zachował fabułę i hiszpański charakter dzieła Beaumarchais, osłabiając jednak jego ideologiczną koncentrację. Od politycznie pikantna zabawa stworzył wesołą włoską komedię obyczajową, choć demokratyczną, o motywach antyklerykalnych i jasno określonych postaciach.

Premiera „Cyrulika sewilskiego” odbyła się 20 lutego 1816 roku, a śpiewali wybitni śpiewacy tamtych czasów: Rosina – Geltrude Righetti-Giorgi (przyjaciółka Rossiniego z dzieciństwa), hrabia Almaviva – Manuel Garcia, Figaro – Luigi Zamboni. Cyrulik sewilski podczas swojego pierwszego przedstawienia okazał się całkowitą porażką. Publiczność krzyczała i gwizdała... Zdenerwowany kompozytor opuścił teatr, nie czekając na koniec przedstawienia. Intrygi, a może i wielbiciele Paisiello, nie mogły pozwolić sobie na uznanie nowej opery powstałej na tej samej fabule, choć Rossini, spodziewając się wrogich ataków, przy pierwszych przedstawieniach nazwał ją „Almavivą, czyli próżną ostrożnością”. Kiedy jednak namiętności opadły i na kolejnym występie publiczność uważnie wysłuchała całej muzyki, była nią zachwycona.

Opera była nadal wystawiana z wielkim sukcesem. Jedna z gazet w Rzymie napisała: „O ile na premierze „Cyrulik sewilski” nie spotkał się z aprobatą publiczności, to za drugim razem i przy kolejnych przedstawieniach został doceniony i wzbudził taki entuzjazm, że cały teatr zatrząsł się od „Evvivy!” pod adresem Maestro Rossiniego. Kilka razy wzywano go na scenę i w końcu przy świetle pochodni prowadzono go do domu!”. Sukces Cyrulika sewilskiego przyćmił wszystkie dotychczasowe triumfy kompozytora. Nowa opera rozpoczęła swój zwycięski marsz po wielu miastach Europy: rok po premierze wystawiono ją w Barcelonie, w 1818 w Londynie, następnie w Paryżu i Wiedniu, a w 1822 wystawiono ją w Petersburgu.

Akcja opery rozgrywa się w Sewilli. Młody hrabia Almaviva zakochuje się w uroczej młodej Rosinie i jest gotowy ją poślubić. Ale jej opiekun, stary doktor Bartolo, sam zamierza zawrzeć umowę małżeńską ze swoim uczniem. Z pomocą hrabiemu przychodzi sprytny, niewyczerpany fryzjer Figaro. Dzięki jego duchowi przedsiębiorczości młodzi kochankowie osiągają szczęście. Opera rozpoczyna się wspaniałą uwerturą, pełną ognistego blasku i energii. Uwertura ta została skomponowana do nieudanej opery Aurelian w Palmyrze, po czym kompozytor przekazał ją królowej Anglii Elżbiecie. W tamtym czasie uwertury nie były kojarzone materiał muzyczny z operami, a Rossini zdecydował się na wykorzystanie starej uwertury, która w swoim charakterze okazała się bliska komediowej i pasjonującej intrygi Cyrulika sewilskiego.

Głównym bohaterem opery jest Figaro, niewątpliwy „potomek” inteligentnych, zaradnych sług włoskiej komedii ludowej. Jego pierwszy występ na scenie z zapalającą cavatiną, bystry, pełen temperamentu, bliski porywczości taniec ludowy tarantella, urzeka i urzeka. Charakterystyka muzyczna Figaro nie zmienia się przez całą akcję. Figaro jest zręczny, energiczny, drwiący, a czasem wręcz światowo zamyślony – tak jest w duetach z Hrabią, Rozyną czy w scenach z Bartolem. To prawda, że ​​energia Figara nie jest skierowana na żadne wzniosłe cele. Cyrulik w operze nie jest obdarzony głębią cechy ludzkie jako bohater komedii nie ma w nim ani goryczy rozczarowania, ani zwątpienia, a jeśli w Beaumarchais jest typowym mieszkańcem niższych klas, za wszelką cenę starającym się dostać na wyższy szczebel drabiny społecznej, to u Rossiniego Figaro jest bardziej jednoznaczny, pewnie patrzy w przyszłość i żyje każdą chwilą teraźniejszości.

Rosina - R.G. Gorskaya.

Don Basilio - P.M. Żurawlenko.

Leningradzki Teatr Opery i Baletu im. S.M. Kirowa.

Hrabia Almaviva jest inny niż ten z komedii Beaumarchais. Ujawnia się on lirycznie – jest zagorzałym kochankiem (canzone I aktu), choć w miarę postępu akcji hrabia przemienia się albo w pijanego żołnierza, albo w nauczyciela muzyki, a wówczas jego melodia z gładkiej i plastycznej staje się albo „szorstką ” lub „pobożnie pokorny” ”

Renesans

Pełen wdzięku, zalotny Rosina (aria z II aktu) jest urocza, ale jej pełna wdzięku kantylena ma także zdecydowaną intonację – jest wytrwała i wie, jak walczyć o swoje szczęście. Napisana na kontralt rola Rozyny jest wirtuozowska i trudna do wykonania. To właśnie jej wizerunek na premierze został poddany największej krytyce: zauważono, że brakuje mu „naiwności i skromności” młodej dziewczyny. Następnie rolę Rosiny zaczęły pełnić soprany koloraturowe.

Najmniej zmian w stosunku do komedii zaszły w operowych obrazach doktora Bartolo i Don Basilio – starego mnicha, zdolnego intryganta. Strażnik jest przez cały czas ukazany w sensie komediowym – w postaci chciwego starca, który służy jako cel wybryków i dowcipów Figara i hrabiego. Przywodzi to na myśl obrazy starych zrzędów z komedii dell'arte oszukiwanych przez służbę.

Don Basilio jest znakomicie zarysowany – ucieleśnienie podłości i zepsucia; jego charakterystyka muzyczna jest bliska charakterowi Beaumarchais. Całe pojawienie się Basilia i słynna aria „Oszczerstwo” obnażają fałszywość moralności klas uprzywilejowanych. Rolę Don Basilio z wielkim kunsztem wykonał wybitny rosyjski śpiewak F. I. Chaliapin, któremu udało się wydobyć ostrą groteskowość tego obrazu.

W Cyruliku sewilskim Rossini szczególnie podkreślił wszystkie komediowe aspekty fabuły, co spowodowało włączenie dodatkowych scen i odcinków, które jasno podkreślają numery liryczne. Już na początku opery wprowadził więź z muzykami, co dało Almavivie nie tylko okazję do zaśpiewania wspaniałej serenady, ale także rozegrało komediowy epizod rozliczenia z muzykami i ich „hałaśliwej” wdzięczności. Druga scena zawiera scenę Almavivy pojawiającej się jako pijany żołnierz i cały chaos. z tym związane skutkuje rozszerzonym zakończeniem. Scena z trzeciego filmu jest dowcipnie napisana: hrabia przebrany za kawalera wita doktora Bartolo. Z tego niepozornego epizodu komediowego powstał duży numer komiksowy, jeden z najlepszych w operze – monotonny nosowy głos kawalera i odpowiedzi zirytowanego Bartola przerywane są zabawnym tupotem. A jeśli w libretto znalazły się publicystyczne momenty komedii Beaumarchais, Rossini nadrabiał je żywotnością. realizm typowo włoskich obrazów, tworząc genialną narodową operę buffa.

Jednak najbardziej zadziwiającą rzeczą w Cyruliku sewilskim pozostają zespoły – centra akcji muzycznej i scenicznej, zwłaszcza finału pierwszego aktu. Łączy różnorodne, szybko zmieniające się epizody; muzyka przekazuje z wyczuciem nieoczekiwane zwroty działania, zachowanie postaci, odcienie nastroju. Opery Rossiniego charakteryzują się szczególnie słynnymi crescendo – imponującym wzrostem dźwięczności w zespołach. Dosłownie hipnotyzowali słuchaczy. Co ciekawe, w finale drugiego aktu Rossini wykorzystał melodię rosyjskiej pieśni tańca ludowego „Och, po co płotować ogród”.

Scena ze spektaklu.

Leningradzki Teatr Opery i Baletu im. S.M. Kirowa

Styl wokalny Rossiniego wyróżnia się integralnością i bogactwem, melodyjnym przepychem i jasną dekoracją. Rossini był mistrzem bel canto, tej wspaniałej sztuki śpiewu. jego słowami „jeden z najpiękniejszych prezentów Włochów!”

„Cyrulik sewilski” zachwycał melomanów i zawodowych muzyków: „...Rossini to artysta tworzący pod wpływem prawdziwej inspiracji, przesiąknięty ideą, który znalazł dla tej idei wyrazistą, elegancką i urzekającą formę – napisał Rosjanin krytyk muzyczny G. A. Laroche.

„Cyrulik sewilski” – jedna z najlepszych oper komicznych – powstał w zadziwiająco krótkim czasie na noworoczny karnawał w Rzymie. Opera była komponowana i próbowana niemal jednocześnie. Co prawda kompozytor częściowo wykorzystał materiał swoich wcześniejszych dzieł, ale oryginalność i świeżość opery nie ucierpiała na tym.
Fabuła oparta jest na pierwszej części słynnej trylogii Beaumarchais o Figarze – „Cyrulik sewilski, czyli próżna ostrożność”. Przed Rossinim napisano na tej fabule wiele oper. Wśród nich zdecydowanie najpopularniejszą była opera Paisiello. Jego sukces był tak duży, że wielu uznało decyzję Rossiniego o wykorzystaniu tej samej fabuły za bezczelną.
Premiera opery zakończyła się fiaskiem. Zwolennicy Paisiello zorganizowali skandal niespotykany w historii opery. Obawiając się wygwizdania przez temperamentną włoską publiczność, Rossini uciekł po pierwszym akcie. Jednak już kolejne przedstawienie, na którym pojawiła się zwykła, otwarta publiczność, przyniosło nowej operze zasłużony sukces. Publiczność zorganizowała nawet procesję z pochodniami do domu Rossiniego, który tym razem na wszelki wypadek nie pojawił się na przedstawieniu.
Bardzo szybko „Cyrulik Sewilski” zyskał uznanie w innych krajach Europy, w tym w Rosji. Do dziś jest to jedna z najczęściej repertuarowych oper. W jego wykonaniu wzięli udział najwybitniejsi śpiewacy świata, m.in. F. Chaliapin w roli Basilio.

Pismo:
Lek. BARTOLO, opiekun Rozyny (bas)
BERTHA, jego gospodyni (mezzosopran)
ROZINA, jego uczennica (mezzosopran)
BASILIO, jej nauczyciel muzyki (bas)
FIGARO, fryzjer (baryton)
Hrabia Almaviva (tenor)
FIORELLO, jego sługa (bas)
Notariusz, żołnierz, muzycy
Czas akcji: XVII wiek.
Lokalizacja: Sewilla.

Streszczenie.

Piękna młoda sierota Rosina zmuszona jest zamieszkać ze swoim opiekunem, doktorem Bartolo, od którego nalegań biedna dziewczyna nie wie, dokąd się udać. Starzec celuje w spory majątek Rozyny, a on sam nie stroni od wspominania swojej młodości i zdobycia takiej piękności jak jego żona. Ale serce Rosiny jest zajęte - a powodem tego jest zakochany w niej młody mężczyzna, o którym tak naprawdę nic nie wie. Pojawia się w przebraniu skromnego kawalera, chociaż w rzeczywistości jest to bogaty hrabia Almaviva. Młodzi ludzie nie mogą się spotykać i rozmawiać – stary opiekun nieustannie obserwuje piękną uczennicę i czuje się zagrożony przez swojego rywala.

W miłości hrabiego Almavivy i Rosiny pomaga znajdujący się w pobliżu fryzjer-fryzjer Figaro. Dzięki przebiegłości i zręczności znajduje okazje, aby wejść do domu, przekazać notatkę i wyeliminować właściwy moment Doktor Bartolo – jednym słowem jest osobą najbardziej niezastąpioną w tej zabawnej komedii. I wszystko kończy się szczęśliwie: Rosina i hrabia Almaviva są już razem na zawsze. A swoje szczęście zawdzięczają oczywiście sprytnemu Figaro.

Opera D. Rossiniego „Cyrulik sewilski”

„Cyrulik sewilski” to błyskotliwa opera komediowa Rossiniego, oparta na sztuce pod tym samym tytułem słynnego dramaturga Beaumarchais. Utwór urzeka dowcipem, wirtuozowskimi wykonaniami wokalnymi i nieoczekiwanymi zwrotami akcji właściwymi tradycyjnemu włoskiemu stylowi operowemu. Opera jest pełna zabawnych przygód, intryg i emocji, a muzyka pełna wdzięku, świeżości i szybkiego temperamentu.

„Cyrulik sewilski” to utwór melodyjny opiewający czułość uczucia miłosne, aktywność i zaradność, opera ma świetną znaczenie społeczne, ponieważ wyśmiewa pozory, rozwiązłość i hipokryzję.

Pismo		Opis
Almaviva	tenor	kochający hrabia
Figara	baryton	fryzjer, wieloletni przyjaciel hrabiego Almavivy
Bartolo	bas	Doktor nauk medycznych, opiekunka Rosiny
Rozyna	sopran	uczeń Bartolo, ukochany hrabiego Almavivy
Bazyli	bas	nauczyciel muzyki
Kołnierz koronkowy	sopran	gospodyni w domu Bartolo
Ambrogio	bas	sługa Bartolo

Streszczenie

Noc w hiszpańskim mieście Sewilla. Kochający hrabia Almaviva w otoczeniu muzyków śpiewa serenadę na balkonie pięknej Rosiny. Szlachcic ukrywa swoje tytuł szlachecki pod kostiumem prostego kawalera, aby zdobyć czystą, bezinteresowną miłość młodej dziewczyny. Wysiłki hrabiego są daremne, gdyż Rosina znajduje się pod ścisłą kontrolą swojego opiekuna, doktora Bartolo. Starzec jest niesamowicie chciwy i trzyma w więzieniu swoją nieszczęsną uczennicę, aby później mógł się z nią ożenić i otrzymać pokaźny posag.

Nagle do hrabiego podchodzi jego dawny znajomy, wesoły Figaro. Joker obiecuje dotrzymać tajemnicy Almavivy i opowiada swoją historię smutnemu kochankowi. Figaro stracił posadę lekarza weterynarii ze względu na sławę literacką i wzmożoną konkurencję w branży środowisko twórcze, wesoły pisarz zmuszony jest zamienić się w podróżującego fryzjera.

Światowa mądrość i dowcip Figara urzekają i inspirują do niesamowitych czynów, dlatego przedsiębiorczy towarzysze decydują się na przebiegłość. Dowiedziawszy się o chwilowej nieobecności Bartolo, Almaviva ponownie śpiewa serenadę miłosną i tym razem przedstawia się jako niejaki Lindor. Rosina jest przychylna nieznajomemu, jednak słysząc kroki w domu, pośpiesznie wychodzi.

Teraz akcja toczy się szybciej. Zgodnie z planem towarzyszy Almaviva powinna wcielić się w pijanego żołnierza wyznaczonego do pilnowania Bartolo. Figaro, będąc fryzjerem i doświadczonym lekarzem, wchodzi do domu zazdrosnego Bartola. Artysta będzie musiał odwrócić uwagę służby.

Dom Bartola. Zakochana Rosina pisze list miłosny do tajemniczego młodzieńca Lindora. Don Basilio informuje Bartolo o namiętnych uczuciach Almavivy do swojego ucznia. Dowiedziawszy się o nieprzyjemnych wiadomościach, starszy kobieciarz zamyka dziewczynę w pokoju, aby zapanować nad sytuacją.

Almaviva pojawia się w przebraniu pijanego żołnierza. Bartolo odmawia przyjęcia nieznajomego jako lokatora, w wyniku czego dochodzi do kłótni. Słysząc głośne krzyki, do domu wchodzi funkcjonariusz z zamiarem aresztowania agresywnego bezczelnego. Jednak po usłyszeniu jego nazwiska od hrabiego funkcjonariusz odchodzi.

Następnym razem Almaviva pojawia się przed Bartolo w przebraniu nauczyciela muzyki, tymczasowo zastępując Basilio. Na zajęciach „nauczyciel” śpiewa z Rosiną, ale Bartolo nie przepada za tym duetem. Nagle pojawia się Figaro i proponuje lekarzowi ogolenie. Podczas gdy Bartolo zajęty jest zabiegami higienicznymi, hrabia namawia ukochaną, by z nim uciekła. Pojawia się Basilio, ale Almaviva niezauważona przez wszystkich przekupuje nauczyciela i zaprasza go do domu, aby „wyzdrowiał”. Bartolo wyczuwa oszustwo i wypędza przebiegłych ludzi.

Drugie piętro domu Bartolo. Zakochany hrabia w towarzystwie Figara wchodzi do domu przez okno; Almaviva ukazuje ukochanej swoje prawdziwe oblicze i namawia ją do ucieczki. Lekarz przewidział taki rozwój wypadków, usunął schody, po których przyjaciele wspinali się do jego uczennicy, i udał się do prawnika, aby natychmiast się z nią zaręczyć.

Basilio i notariusz pojawiają się w domu Bartolo. Hrabia przekupuje ich obu, aby poślubili dziewczynę przed przybyciem lekarza. Ślub odbył się. Rozwścieczony Bartolo wraca wraz ze strażnikiem. Widząc umowę małżeńską, starzec poddaje się swemu losowi. Almaviva ogłasza zrzeczenie się przez młodą żonę posagu i przy uroczystej melodii arii pojednania kończy się przedstawienie.

Zdjęcie:

Ciekawe fakty

• Pierre Augustin Caron de Beaumarchais napisał serię trzy prace o „Figaro”: „Cyrulik sewilski”, „ Wesele Figara” i „Matka-Kryminalna”. Później cała trylogia została przeniesiona na scenę operową.
• Dzieło „Cyrulik sewilski” według Rossiniego znacznie różni się od oryginału. W odróżnieniu od komedii Bormachego, napisanej w przedrewolucyjnym stylu francuskim, libretto kompozytora nie zawiera filozofii retorycznej ani satyry politycznej. „Cyrulik” Rossiniego jest ucieleśnieniem demokracji teatr narodowy z naiwnym humorem, zabawą i komedią. Wizerunek zdecydowanej Rozyny zostaje nieco złagodzony, a pewny siebie hrabia Almaviva jawi się przed widzem jako tradycyjny bohater liryczny.
• „Cyrulik sewilski” to jedna z pierwszych wystawionych oper Teatr Bolszoj po ewakuacji w okresie Wielkiego Wojna Ojczyźniana. Jednak uprzywilejowanie opery zagranicznej kosztem rodzimych dzieł muzycznych stało się powodem potępienia kierownictwa teatru i znaczących zmian personalnych.
• Początkowo opera „Cyrulik sewilski” nosiła inny tytuł: „Almaviva, czyli próżna ostrożność”.
• Podczas premiery opery nieżyczliwi potępili autora. Ponadto wydawało się, że do jego awarii przyczyniło się wiele nieprzyjemnych wypadków. Tak więc Don Basilio podczas upadku doznał kontuzji na scenie, Almaviva zerwał strunę podczas wykonywania serenady, a w pewnym momencie na scenie niespodziewanie pojawił się kot. Podczas kolejnego występu sala była przepełniona. Publiczność chciała się zabawić i jeszcze raz zobaczyć kaskadę absurdów. Tym razem jednak występ dosłownie zadziwił publiczność, która gromkimi brawami nagradzała każdą arię. Rossini był dumny z sukcesu Cyrulika i mówił, że jego operę pokochali nawet najzagorzalsi przeciwnicy operowych nowinek.

• Dzięki kreskówce „Królik Sewilli” wydanej przez Warner Bros. w 1950 roku widzowie telewizyjni mogli na ekranach telewizorów usłyszeć uwerturę do opery, co jeszcze bardziej zwiększyło popularność muzyki Gioachino Rossiniego.
• Włoski kompozytor Giuseppe Verdiego był zachwycony jasnością pomysłów i brzmieniem opery Rossiniego, uznając ją za najlepsze dzieło muzyczne w stylu opery buffa.
• Pod koniec utworu rozbrzmiewa melodia starej rosyjskiej pieśni ludowej: „Och, po co ogrodzić ogród”. Oczywiście rytm utworu został zmieniony, ale rosyjską melodię można rozpoznać po motywie.
• „Cyrulik sewilski” to jeden z najbardziej znanych słynne opery Rossiniego. Dzięki temu dziełu włoski kompozytor zdobył europejską sławę, a jego zamiłowanie do inspirowanych melodii pieśniowych stało się podstawą do honorowego tytułu „Włoskiego Mozarta" Rossiniego z młodzież podziwiał talent wielkiego austriackiego kompozytora, pisząc swoje dzieła, przeniósł dorobek Mozarta sztuki performatywne Włochy, zapożyczył umiejętności zespołu operowego. Dlatego opera buffa „Cyrulik sewilski” zawiera nie tylko tradycyjne techniki operowe, ale jest także wzbogacona innowacjami i zaawansowanymi pomysłami. Pogodny charakter Rossiniego podziwiał także Heinrich Heine, który nazwał kompozytora „Boskim Mistrzem”.

Popularne arie i liczby:

Uwertura (posłuchaj)

Cavatina Figaro „Largo al Factotum” (posłuchaj)

Cavatina Rosina „Una voce poco fa” (posłuchaj)

Aria Rozyny (scena lekcji) „Contro un cor” (posłuchaj)

Aria Berty „Il vecchietto cerca moglie” (posłuchaj)

Canzona Almavivy „Se il mio nome saper voi” (posłuchaj)

Historia stworzenia

Cyrulik sewilski ma ciekawą historię. Zgodnie z umową z teatrem rzymskim Gioachino Rossini podejmuje się napisania nowej opery. Utwór muzyczny poświęcony karnawałowi. Wszystkie przewidziane opcje libretta nie wytrzymały krytyki cenzorów, dlatego w przeddzień święta słynny dramaturg przypomniał sobie komedię Bormashe, wielokrotnie wystawianą na włoskiej scenie. Aby nie zakłócać podpisanej umowy, Rossini postanawia oprzeć się na fabule słynne dzieło. Po uzyskaniu zgody cenzorów kompozytor zabrał się do pracy.

Stworzenie opery komediowej opartej na pierwszej części słynnej trylogii zajęło muzykowi zaledwie 20 dni.

Premiera odbyła się 12 lutego 1816 roku. Pierwsza produkcja zakończyła się fiaskiem i została wygwizdana przez oburzoną publiczność. Faktem jest, że arcydzieło opery opartej na fabule sztuki Bormaschego stworzył już ceniony włoski kompozytor Paisiello. Napisanie kolejnej opery o podobnej fabule publiczność uznała za niewybaczalną bezczelność i brak szacunku wobec starszego dramaturga. Fani Paisiello wywołali bezprecedensowy skandal. Po pierwszej inscenizacji kompozytor musiał uciekać.

Pomimo głośny skandal W okolicach premiery opera „Cyrulik sewilski” odniosła oszałamiający sukces. Bezstronna publiczność wysoko oceniła dzieło i zorganizowała nawet triumfalny pochód z pochodniami do domu Rossiniego, który nie odważył się przyjść na przedstawienie.

Popularność Cyrulika sewilskiego Rossiniego przekroczyła wszelkie oczekiwania. Spektakle z sukcesem wystawiano w wielu krajach Europy, a występy były znakomite śpiewacy operowi. Kompozytor połączył najlepsze funkcje Opera włoska i stworzyła podatny grunt do dalszego szybkiego rozwoju sztuka muzyczna. Podkreślając tradycyjny styl opery buffa, Rossini zachował aktywną strukturę dzieła z szybką dynamiką, naprzemiennością numerów pieśni i typowym codziennym konfliktem.