Botticelli Sandro [właściwie Alessandro di Mariano Filipepi, Alessandro di Mariano Filipepi] (1445, Florencja - 17 maja 1510, Florencja), włoski malarz tamtej epoki Wczesny renesans, przedstawiciel szkoły florenckiej. Sandro Botticelli jest jednym z najbardziej bystrzy artyści Włoski renesans. Tworzył obrazy alegoryczne, urzekające wzniosłością i dał światu ideał kobiece piękno. Urodzony w rodzinie garbarza skór Mariano di Vanni Filipepi; Przydomek „Botticello” - „beczka” - odziedziczył po swoim starszym bracie Giovannim. Jedną z pierwszych informacji o artyście jest wpis w katastrze z 1458 roku, dokonany przez jego ojca o jego złym stanie zdrowia. najmłodszy syn. Po ukończeniu studiów Botticelli został terminatorem w warsztacie jubilerskim swojego brata Antonia, ale nie pozostał tam długo i około 1464 roku został uczniem mnicha Fra Filippo Lippi z klasztoru Carmine, jednego z najbardziej znani artyści tamtego czasu.

Styl Filippo Lippiego wywarł na Botticellego ogromny wpływ, przejawiający się głównie w określonych typach twarzy (w zwrocie trzy czwarte), zdobniczych i zdobniczych wzorach draperii, dłoni, zamiłowaniu do detalu i miękkiej, rozjaśnionej barwy, w jej „woskowy” blask. Nie ma dokładnych informacji o okresie studiów Botticellego u Filippo Lippi i o ich relacjach osobistych, można jednak przypuszczać, że dobrze się ze sobą dogadywali, gdyż kilka lat później uczniem Botticellego został syn Lippiego. Ich współpraca trwała do 1467 roku, kiedy Filippo przeniósł się do Spoleto, a Botticelli otworzył swój warsztat we Florencji. W dziełach końca lat sześćdziesiątych XIV wieku krucha, płaska liniowość i wdzięk przejęte od Filippo Lippiego zostają zastąpione obszerniejszą interpretacją postaci. Mniej więcej w tym samym czasie Botticelli zaczął używać cieni w kolorze ochry, aby oddać cieliste odcienie, co stało się charakterystyczną cechą jego stylu. Wczesne prace Sandro Botticelli charakteryzuje się klarowną konstrukcją przestrzeni, wyraźnym modelowaniem cięcia i cienia oraz zainteresowaniem szczegółami życia codziennego („Pokłon Trzech Króli”, ok. 1474–1475, Uffizi).

Od końca lat 70. XIV wieku, po zbliżeniu Botticellego z dworem Medyceuszy władców Florencji i kręgiem florenckich humanistów, w jego twórczości nasiliły się cechy arystokracji i wyrafinowania, pojawiły się obrazy o tematyce antycznej i alegorycznej, w których zmysłowe wizerunki pogańskie przepojone są wzniosłą, a zarazem poetycką, liryczną duchowością („Wiosna”, ok. 1477–1478, „Narodziny Wenus”, ok. 1482–1483, oba w Uffizi). Animacja pejzażu, kruche piękno postaci, muzykalność światła, drżące linie, przezroczystość wykwintnych kolorów, jakby utkanych z odruchów, tworzą w nich atmosferę senności i lekkiego smutku.

Portrety sztalugowe artysty (portret mężczyzny z medalem, 1474, Galeria Uffizi, Florencja; portret Giuliano Medici, lata 70. XIV w., Bergamo i inne) charakteryzują się połączeniem subtelnych niuansów stanu wewnętrznego dusza ludzka i wyraźne przedstawienie przedstawionych postaci. Dzięki Medyceuszom Botticelli bliżej zapoznał się z ideami humanistów (znaczna ich liczba należała do kręgu Medyceuszy, swego rodzaju elitarnego centrum intelektualnego renesansowej Florencji), z których wiele znalazło odzwierciedlenie w jego twórczości. Na przykład obrazy mitologiczne („Pallas Atena i centaur”, 1482; „Wenus i Mars”, 1483 i inne) zostały oczywiście namalowane przez artystę Botticellego na zlecenie elity kulturalnej i miały ozdobić pałac lub wille szlacheckich klientów florenckich. Przed czasami Sandro Botticellego motywy mitologiczne w malarstwie znajdowano w dekoracyjnych dekoracjach i przedmiotach ślubnych sztuka stosowana, tylko sporadycznie stając się przedmiotem malarstwa.

W 1481 roku Sandro Botticelli otrzymał honorowe zlecenie od papieża Sykstusa IV. Papież właśnie zakończył budowę Kaplicy Sykstyńskiej w Pałacu Watykańskim i tego sobie życzył najlepsi artyści ozdobili go swoimi freskami. Wraz z najsłynniejszych mistrzów monumentalne malarstwoówczesnych - Perugino, Cosimo Rossellini, Domenico Ghirlandaio, Pinturicchino i Signorelli - na polecenie papieża zaproszony został także Botticelli. Na freskach wykonanych przez Sandro Botticellego w latach 1481–1482 Kaplica Sykstyńska w Watykanie („Sceny z życia Mojżesza”, „Kara Koracha, Datana i Abirona”, „Uzdrowienie trędowatego i kuszenie Chrystusa”) majestatyczna harmonia krajobrazu i starożytna architektura w połączeniu z wewnętrznym napięciem fabularnym i ostrymi cechami portretu. We wszystkich trzech freskach artysta po mistrzowsku rozwiązał problem przedstawienia złożonego programu teologicznego w jasnych, lekkich i żywych scenach dramatycznych; pozwala to w pełni wykorzystać efekty kompozycyjne.

Botticelli wrócił do Florencji latem 1482 roku, być może z powodu śmierci ojca, ale najprawdopodobniej w interesach we własnym pracowitym warsztacie. W latach 1480-1490 jego sława osiągnęła apogeum i zaczął otrzymywać tak ogromną liczbę zamówień, że sam był prawie niemożliwy do ich wykonania, dlatego większość obrazów Madonny z Dzieciątkiem została wykonana przez jego uczniów, pilnie, ale nie zawsze błyskotliwie, którzy naśladowali styl swojego mistrza. W tych latach Sandro Botticelli namalował dla Medyceuszy kilka fresków w Villa Spedaletto w Volterra (1483–84), obraz do niszy ołtarza w kaplicy Bardi w kościele Santo Spirito (1485) i kilka alegorycznych fresków w Willi Lemmi. Magiczny wdzięk, piękno, bogactwo wyobraźni i genialne wykonanie właściwe obrazom o tematyce mitologicznej są także obecne w kilku słynnych ołtarzach Botticellego namalowanych w latach osiemdziesiątych XIV wieku. Do najlepszych należą ołtarz Bardi z wizerunkiem Madonny z Dzieciątkiem ze świętymi Janem Chrzcicielem i Janem Ewangelistą (1485) oraz „Zwiastowanie Cestello” (1489–1490, Uffizi).

W latach 90. XIX w., w epoce niepokojów społecznych i mistyczno-ascetycznych kazań mnicha Savonaroli, które wstrząsnęły Florencją, w twórczości Botticellego pojawiły się nuty dramatu, moralizatorstwa i religijnej egzaltacji („Lamentacja Chrystusa”, po 1490 r., Muzeum Poldi Pezzoli, Mediolan ; „Oszczerstwo”, po 1495, Uffizi). Ostre kontrasty jasnych plam barwnych, wewnętrzne napięcie rysunku, dynamika i ekspresja obrazów wskazują na niezwykłą zmianę światopoglądu artysty – w kierunku większej religijności, a nawet swego rodzaju mistycyzmu. Jednak jego rysunki do „Boskiej komedii” Dantego (1492–1497, Gabinet rytowniczy, Berlin i Biblioteka Watykańska), charakteryzujące się ostrą ekspresją emocjonalną, zachowują lekkość linii i renesansową klarowność obrazów.

W ostatnich latach życia artysty jego sława malała: nadchodziła era nowej sztuki i odpowiednio nowa moda i nowe smaki. W 1505 roku został członkiem komisji miejskiej, która miała ustalić miejsce ustawienia pomnika Michała Anioła – jego „Dawida”, poza tym jednak inne informacje na temat ostatnich lat życia Botticellego nie są znane . Warto zauważyć, że gdy w 1502 roku Isabella d'Este szukała dla siebie florenckiego artysty, a Botticelli zgodził się na to dzieło, ta odrzuciła jego usługi. Vasari w swoich Żywotach... namalował przygnębiający obraz ostatnie latażycie artysty, określając go jako człowieka biednego, „starego i bezużytecznego”, niezdolnego do ustania na nogach bez pomocy kul. Najprawdopodobniej obraz całkowicie zapomnianego i biednego artysty to dzieło Vasariego, który w biografiach artystów miał skłonność do skrajności.

Sandro Botticelli zmarł w 1510 r.; Tak zakończyło się Quattrocento – najszczęśliwsza era w sztuce florenckiej. Botticelli zmarł w wieku 65 lat i został pochowany na cmentarzu florenckiego kościoła Ognissanti. Aż do XIX wieku, kiedy jego twórczość została na nowo odkryta przez prerafaelickiego artystę Dantego Gabriela Rossettiego i krytycy sztuki Waltera Patera i Johna Ruskina, jego nazwisko zostało praktycznie zapomniane w historii sztuki. U Botticellego dostrzegli coś zbliżonego do preferencji swojej epoki - duchowy wdzięk i melancholię, „współczucie dla ludzkości w jej niestabilnych stanach”, cechy chorobowości i dekadencji. Kolejne pokolenie badaczy malarstwa Botticellego, na przykład Herbert Horn piszący w pierwszych dekadach XX wieku, dostrzegło w nim coś innego – umiejętność oddania plastyczności i proporcji figury – czyli oznak energetycznego język charakterystyczny dla sztuki wczesnego renesansu. Mamy zupełnie inne szacunki. Co definiuje sztukę Botticellego? Wiek XX zrobił wiele, aby przybliżyć nas do jego zrozumienia. Obrazy mistrza zostały organicznie wpisane w kontekst swoich czasów, nawiązując do nich życie artystyczne, literatura i idee humanistyczne Florencji. Malarstwo Botticellego, atrakcyjne i tajemnicze, wpisuje się w światopogląd nie tylko wczesnego renesansu, ale także naszych czasów.

Madonna z Dzieciątkiem – Sandro Botticelli. Około 1467 r. Panel, tempera. 51x71cm

Wśród wielu obrazów Sandro Botticellego o tematyce klasycznej biblijnej, przede wszystkim znajdują się obrazy przedstawiające Madonnę z Dzieciątkiem Jezus na rękach. Temat ten jest niezwykle popularny w sztuce i pozwolił wielu znanym artystom ujawnić swój talent. Ale ten obraz różni się nieco od wszystkich przedstawień biblijnych Botticellego.

Warto zacząć od nietypowego koloru płótna. W przeciwieństwie do większości jego obrazów, które charakteryzują się bogatą, choć nieco stonowaną, delikatną i delikatną kolorystyką, ten charakteryzuje się niesamowicie nasyconymi dominującymi odcieniami błękitu. Spektakularne formy architektoniczne w tle w postaci szerokiego zaokrąglonego łuku z otworem pomalowane są na biało i lekko turkusowy odcień błękitu.

Więcej bogaty kolor ma płaszcz Matki Bożej. Tworzy swego rodzaju dolną ramę płótna, natomiast łuk staje się ramą dla najdelikatniejszego portretu rodzinnego.

Nie tylko intensywny błękit zaskakuje na tym obrazie. Twarz Madonny jest bardzo delikatna, porcelanowo blada, o pięknych, choć nieco nieregularnych rysach. Odnosi się wyraźne wrażenie, że został namalowany z życia i oddaje wygląd prawdziwej kobiety – nie ma w nim stylizacji charakterystycznej dla rozpoznawalnych twarzy bohaterów z obrazów Botticellego.

Blond Madonna przyciąga uwagę nie tylko porcelanową, delikatną skórą, ale także niezwykłą fryzurą, ozdobioną bogatymi lamówkami i falbankami z lekkiego materiału niczym na czapce. Najlżejszy welon, przezroczysty, zwiewny i ledwo zauważalny, opada na ramiona kobiety. Madonna ubrana jest w czerwoną halkę z wieloma fałdami i marszczeniami. Tutaj artysta nie odstąpił ani na jotę od kanonów – wg zasady kościelne Matka Boża jest zawsze przedstawiana w ubraniach łączących czerwień i niebieskie odcienie. Dzieciątko Chrystus ubrany jest w śnieżnobiałą togę owiniętą wokół jego pulchnego, delikatnego ciała.

W tle widać krajobraz, jakby otoczony zarysami potężnego łuku. Jest to dość tradycyjne dla obrazów z tego okresu. Krajobraz przedstawia dość wysokie, samotne drzewo na skraju klifu i fantastyczny zamek z cienkimi wieżami wznoszącymi się w górę z bardzo długimi iglicami. Krajobraz wykonany jest w bardzo powściągliwym i szlachetnym, stonowanym tonie. schemat kolorów, w tym odcienie zieleni i brązu. Dzięki skromnemu doborowi tonacji obraz ten nie konkuruje z intensywną kolorystyką pierwszego planu, zwłaszcza błękitnego chitonu Matki Bożej.

Szczególnie interesująca jest jednak interpretacja obrazu Madonny z Dzieciątkiem Chrystus. Na większości obrazów o tej tematyce obie postacie przyjmują sztywne, statyczne pozy, a dziecko wygląda nienaturalnie, jak miniaturowa kopia osoby dorosłej. Na tym samym zdjęciu widzimy młodą, uroczą matkę bawiącą się ze swoim dzieckiem, które z miłością wyciąga do niej swoje pulchne rączki. Wzruszający gest – dłoń Madonny delikatnie dotykająca pulchnego policzka dziecka – sprawia, że ​​obraz ten jest bardzo żywy, naturalny i niezwykle efektowny.

Kontynuujemy opowieść o twórczości Sandro Botticellego.

Dwa z najsłynniejszych obrazów Botticellego, tzw.” Primavera„ („Wiosna”) i „ Narodziny Wenus" zostały zamówione przez Medyceuszy i ucieleśniają atmosferę kulturową, jaka narodziła się w środowisku medycznym. Historycy sztuki są zgodni prace te datowane są na lata 1477-1478 . Obrazy zostały namalowane dla Giovanniego i Lorenzo di Pierfrancesco – synów brata Piero „Gouty’ego”. Później, po śmierci Wawrzyńca Wspaniałego, ta gałąź rodu Medyceuszy wystąpiła w opozycji do rządów jego syna Piera, za co zasłużyli sobie na przydomek „dei Popolani” (Popolanskaya). Lorenzo di Pierfrancesco był uczniem Marsilio Ficino. Dla twojego wille w Castello zamówił u artystki freski i te dwa obrazy były również przeznaczone dla niej.

W badaniach historii sztuki dokonuje się interpretacji treści tych obrazów na różne sposoby, w tym kojarzony jest z poezją klasyczną, w szczególności z wersami Horacego i Owidiusza. Ale wraz z tym koncepcja kompozycji Botticella powinna była odzwierciedlać idee Ficino, które znalazły swoje poetyckie ucieleśnienie w Poliziano.

Obecność Wenus nie symbolizuje tutaj miłości zmysłowej w jej pogańskim rozumieniu, ale działa jako humanistyczny ideał miłości duchowej ”. to świadome lub półświadome dążenie duszy w górę, które oczyszcza wszystko w jej ruchu„(Chastel). W związku z tym obrazy wiosny mają charakter kosmologiczno-duchowy. Zapłodniony Zefir jednoczy się z Florą, rodząc Primaverę, Wiosnę - symbol życiodajnych sił Natury. Wenus w centrum kompozycji (nad nią Kupidyn z zawiązanymi oczami) - zidentyfikowany z Humanitas - zespół duchowych właściwości człowieka , czego przejawy reprezentują trzy Łaski; Merkury, patrząc w górę, rozprasza chmury swoim kaduceuszem.

Jak piękna jest każda grupa na słynnym obrazie Sandro Botticellego „Wiosna” (również na Uffizi), zjednoczona, pełna rytmicznego ruchu, błogo splatająca się ze wszystkimi liniami sąsiednich postaci. Być może starożytne sceny tych kompozycji zasugerował poeta Poliziano, pracujący na dworze Lorenza. Ale ich rytm i urok to wyłącznie Botticelli.

Portret BotticellegoZefir ściga nimfę Chloris , z ich związku powstajeFlora;

wtedy widzimy Wenus,taniec trzech łask

i wreszcie Merkury, który patrząc w górę, swoim kaduceuszem usuwa zasłonę chmur uniemożliwiającą kontemplację.

Jaka jest treść obrazu? Badacze zaproponowali kilka interpretacji. Tematem kompozycji jest wiosna i towarzyszące jej starożytne bóstwa. Centrum konstrukcji stanowi Wenus - nie ucieleśnienie niskiej namiętności, ale szlachetna bogini kwitnienia i wszelkiej dobrej woli na ziemi; jest to obraz neoplatoński. Rozkładanie dany kontekst– twierdzili naukowcy obraz odzwierciedla ideę powstawania piękna przez światło boskiej miłości i kontemplację tego piękna, prowadzącą od ziemskiego do naziemnego .

W literaturze poświęconej Botticelliemu często się to zdarza inna interpretacja trzy wymienione postacie: uważa się, że są tu reprezentowani Zefir, nimfa Chloris i bogini kwitnącej Flory, urodzone w związku Chloris z Zemphyrem.

Wenus, centralna postać kompozycji, stoi pod baldachimem drzew w tej zaczarowanej przestrzeni wiosennego lasu. Jej suknia wykonana z najlepszej tkaniny ze złotymi nitkami dekoracji i luksusowy szkarłatny płaszcz, symbolizujący miłość, wskazują, że przed nami stoi bogini miłości i piękna. Ale w jej delikatnym wyglądzie pojawiają się także inne cechy. Pochyloną głowę przykrywa się kocem z gazy, takim, jakim Sandro lubił ubierać swoje Madonny. Twarz Wenus z pytająco uniesionymi brwiami wyraża smutek i skromność; znaczenie jej gestu jest niejasne – czy jest to powitanie, nieśmiała obrona czy błoga akceptacja?

Postać przypomina Matkę Boską w temacie Zwiastowania (np. na obrazie Alesso Baldovinettiego). Poganin i chrześcijanin są ukryci w uduchowionym obrazie.

Na innych rycinach uchwycono także kompozycje skojarzenia o pobudkach religijnych. Więc, wizerunki Zefira i nimfy Chloris powtórzyć średniowiecze obraz diabła nie wpuszczającego dusz do Raju .

Łaski, towarzyszki i służebnice Wenus, - cnoty zrodzone przez Piękno, ich imiona - Czystość, miłość, przyjemność . Przedstawienie pięknej triady przez Botticellego jest ucieleśnieniem tańca. Smukłe figury o wydłużonych, delikatnie zakrzywionych formach splecionych w rytmiczną sekwencję okrężnego ruchu. Artysta wykazuje się niezwykłą pomysłowością w interpretacji fryzur, przekazując włosy jednocześnie jako element naturalny i materiał dekoracyjny. Włosy Grace są zebrane w pasma, czasem delikatnie kręcone, czasem opadające falami, czasem rozsypane na ramionach niczym złote strumienie.

Lekkie zakręty i obroty postaci, dialog spojrzeń, wdzięczne połączenie rąk i ułożenie stóp – wszystko to oddaje progresywny rytm tańca. Relacje jej uczestników odzwierciedlają klasyczną formułę i jednocześnie neoplatońskie rozumienie Erosa: Miłość prowadzi czystość do przyjemności i wiąże im ręce . Na obrazie Botticellego ożywa idea mitologicznego blasku, ale jego obrazy są zabarwione prawdziwą czystością.

Przejdźmy do drugiego zdjęcia. (była już publikacja o tym zdjęciu na stronach społeczności , ale spróbuję zatrzymać się tutaj nad tymi kwestiami, które nie zostały poruszone w poprzedniej publikacji)

"Narodziny Wenus„około 1477-85 Galeria Uffizi, Florencja

„Narodziny Wenus” Botticellego w Uffizi – jeden z najbardziej słynne obrazy na świecie. Spójrz na tę Wenus, na tę nieśmiałą dziewczynę, w której oczach błąka się nieśmiały smutek. Poczuj rytm kompozycji, który tkwi w krzywiźnie jej młodego ciała i w skręconych pasmach jej złotych włosów, tak pięknie rozwianych na wietrze, i w ogólnej spójności linii jej dłoni, jej lekko rozstawionej nogi , obrót jej głowy i postacie, które ją otaczają.

Obraz ten kojarzony jest z poezją klasyczną. Ale wraz ze wspomnieniami kultury rzymskiej, idee Ficino, które odnalazły swoje poetyckie ucieleśnienie Poliziano.

Fabuła arcydzieła Botticellego zostaje wskrzeszona jedna z najbardziej poetyckich legend Starożytna Grecja . Bogini miłości Afrodyta w mitologii rzymskiej – Wenus) narodził się z pianki fale morskie w pobliżu wyspy Cypr. Ptasie mleczko(wiatr zachodni) wieje na muszlę z młodą pięknością i wyrzuca ją na brzeg. Róże spadają z jego oddechu i zdają się wypełniać obraz subtelnym zapachem. Zefir jest przedstawiony w ramionach swojej żony Chloris(nazywali to Rzymianie Flora), pani królestwa roślin. Wiosna czeka na Wenus, gotową narzucić boginię miłości królewskie stroje, aby ukryć idealne piękno jej ciała. Szyję wiosny zdobi girlanda z wiecznie zielonego mirtu, symbolizująca wieczną miłość.

Artysta wykorzystuje delikatne odcienie świtu bardziej w goździkach postaci niż w interpretacji otaczającego ich otoczenia przestrzennego; oddany jest także lekkim ubraniom, ożywionym najdrobniejszym wzorem chabrów i stokrotek. Optymizm mitu humanistycznego organicznie w połączeniu z lekką melancholią charakterystyczną dla sztuki Botticellego. Ale po powstaniu tych obrazów sprzeczności w kulturze i kulturze stopniowo się pogłębiały sztuki piękne Renesans dotknął także artystę. Pierwsze oznaki tego stają się zauważalne w jego twórczości na początku lat osiemdziesiątych XIV wieku.

Do obrazu artystka wybrała pozę „czystej Wenus”, nieśmiało zasłaniając swoją zniewalającą nagość. Prototypem bogini z twarzą Madonny była ponownie Simonetta Vespucci.

Jak zauważono w poście Ten obraz Botticellego zainspirował wielu poetów podczas tworzenia swoich dzieł. Wiersze zostały podane w oznaczonym poście Powieści Matveevy I Fields Waleria. Podam Ci tutaj kolejny wiersz. Sara Bernhardt „Narodziny Wenus”

Uderzyło. narzekał. Zniknęło.
Z dna wznosiło się wiele rzędów trąb powietrznych.
Wypłynął z mlecznobiałej piany
narodzona Wenus... Natychmiast zrobiło się cicho,

trzymając się jej boskich stóp.
Słony język pieści nagość...
Pianki płyną do brzegów
jej łódź. Na ziemi zakochany

spotyka nimfę. W powietrzu unoszą się kwiaty
wiruje i cicho leci do wody...
Jej twarz jest pełna marzeń -
och, zmysłowość wglądu Natury.

Bogini miłości: złote włosy,
twarz nastolatka, ciało bez wad -
przeczucie namiętności... Ciche pytanie -
czy zależy jej na tych śmiertelnikach?

Źródła wykorzystane do przygotowania publikacji zostały podane w dwóch poprzednich wpisach. Tutaj dodatkowo zaznaczę, że niedawno pojawiła się publikacja w LiRu „Alegoria wiosny” Na Wiśnia_LG, a także wspomniana wyżej publikacja na temat twórczości Botticellego w poście NADYNROM .

Dalszy ciąg opowieści o twórczości Sandro Botticellego można spodziewać się w następnym poście.

Świat twórczości Botticellego jest różnorodny. W następnej wiadomości I Chcę zatrzymać się nad tą stroną jego twórczości, która dotyczy portretów współczesnych. Muszę powiedzieć, że ten obszar jest najmniej odzwierciedlony w Internecie i nie mogłem znaleźć opisów dużej liczby portretów, które namalował, więc skupię się tylko na tym, co wiem. Jeśli czytelnicy społeczności mają dodatkowe informacje- Będzie mi miło, jeśli zobaczę to w komentarzach, chętnie zobaczę też nowe linki do źródeł informacji.

Zacznijmy więc historię.

Już we wczesnej młodości Sandro Botticelli zdobył duże doświadczenie w malowaniu portretów. W tamtych czasach we Włoszech portret dla artysty był jak sprawdzian umiejętności. Wspaniały cechy portretu dają nam możliwość poznania rodziny Medyceuszy, ich nadwornych filozofów i poetów, członków władz miejskich i innych przedstawicieli społeczeństwa.

Portret młody człowiek, około 1469, Galleria Palatina (Pałac Pitti), Florencja, Włochy

Portret prawdopodobnie przedstawia Gianlorenza de' Medici i jest jednym z pierwszych dzieł zamówionych przez Botticellego. Sądząc po fryzurze i ubiorze, portret został namalowany nie później niż w 1469 roku.

Na kolejnym portrecie, który wszedł do zbiorów Luwru w 1888 roku i należy do dzieł młodego Botticellego, przedstawia także młodego mężczyznę, najwyraźniej z środowisko rodziny Medici. Kompozycja obrazu jest niezwykle wyraźna. Na prostym tle w kolorze ochry ciemny garnitur i włosy młodego mężczyzny wyróżniają się wyraźną sylwetką. Cera jest tylko nieznacznie jaśniejsza niż tło. Artysta bardzo oszczędnie wykorzystuje światłocień jako narzędzie modelowania. Zdecydowanie odrzuca głębokie cienie, które w większym stopniu oddają wrażenie fizyczności. Światło na jego portrecie jest rozproszone i nie tworzy tak ostrych cieni. W tym okresie twórczości Botticellego główne zadanie było to odnalezienie ucieleśnienia wiecznego piękna.

Portret mężczyzny, Luwr, Paryż

W tym samym okresie powstał „Portret damy”, który najprawdopodobniej przedstawia Smeraldę Brandini.

Portret damy, 1470-1475, Muzeum Wiktorii i Alberta w Londynie, Anglia

Okres po 1475 roku był dla Botticellego szczególnie owocny pod względem portretowym. W tym okresie powstały jego dzieła m.in " Portret mężczyzny z medalem”, "Portret młoda kobieta", "Portret Giuliano Medici"

W „Portrecie mężczyzny z medalem” widzimy młodego mężczyznę trzymającego medal z wizerunkiem Kosmy Medyceusza Starszego, zwanego Ojcem Ojczyzny.

1475, Galeria Uffizi, Florencja, Włochy

Ten portret jest niezwykły, ponieważ jego głównym szczegółem jest medal, który przedstawia Cosimo de' Medici, który rządził Florencją w epoce jej największego rozkwitu artystycznego. Chociaż niewiele pozostaje informacji na temat pracy Botticellego dla Medyceuszy, nie ma wątpliwości, że on jest jednym z znani artyści Florence, cieszyła się ich patronatem. Umieścił portrety Cosimo i innych członków rodziny w Pokłonie Trzech Króli, zamówionym przez Gaspare di Zanobi del Lama. Niemniej jednak ten portret, również niezwykły ze względu na izolację w epoce, w której portret nadal istniał jako część wielofigurowego fresku. Tożsamość przedstawionego mężczyzny pozostaje nieznana. Według badaczy jest to Bertoldo di Giovanni, kolega brata Sandro Botticellego. Medal jest gipsową i złoconą repliką medalu odlanego na cześć Cosimo około 1465 roku. Podczas przygotowania deski do malowania pozostawiono na niej okrągły występ, na który nałożono formę gipsową.

Portret młodej kobiety, 1475, Galleria Palatina (Pałac Pitti), Florencja, Włochy

Istnieje kilka wersji dotyczących tożsamości tej młodej kobiety (Simonetta Vespucci, Clarice Orsini, Fioretta Gorini itp.). Obraz został częściowo przemalowany. Rękaw ubrania zamyka się lewa ręka w bardzo nienaturalny sposób.

Większość badaczy uważa ten surowy, brązowy portret młodej kobiety za wizerunek ukochanej Simonetty Vespucci Giuliano de' Medici. Obraz wygląda znacznie bardziej ponuro niż na innym rzekomym portrecie Simonetty i prawie nie odpowiada wielkiej pasji opisanej w wierszu Poliziano „Turniej” - pasji Giuliano, który zorganizował prawdziwy konkurs rycerski na cześć Simonetty. Wydaje się, że żaden z tych portretów tak naprawdę jej nie przedstawia: Simonetta była tak piękna, że ​​Botticelli chciał w swoim obrazie „Wiosna” uchwycić piękno kobiety, która już wtedy nie żyła. Vasari pogłębił zamieszanie wokół portretów Simonetty, donosząc, że w garderobie Cosimo de' Medici znajdowały się dwa wizerunki kobiet - Simonetty i żony Lorenza de' Medici.

W tym czasie namalowano także portret Giuliano de' Medici. Zczyta się, że jest to najbardziej podobny portret Giuliano. Napisane po jego śmierci. Wskazują na to symbole śmierci (gołąb siedzący na suchej gałęzi i na wpół otwarte drzwi).

Portret Giuliano de' Medici, ok. 1478 r., Galeria Narodowa sztuki, Waszyngton

Z kolei w Bergamo, Accademia Carraro we Włoszech, znajduje się bardzo podobny portret Giuliano de' Medici.

Portret Giuliano de' Medici, 1476-78, Bergamo, Accademia Carraro, Włochy

Historycy sztuki kwestionują, czy ten portret rzeczywiście przedstawia Giuliano, który zginął podczas ataku spisku Pazzi na braci Medici podczas modlitwy w katedrze w 1478 roku. Profil nie przypomina ani portretu Giuliana zawartego w Pokłonie Trzech Króli, ani jego pośmiertnego medalu. Jednak plotki zawsze uważały, że ten obraz jest portretem Giuliano; zachowało się nawet kilka jego kopii, najwyraźniej pochodzących z XIX w. i uznawanych także za wizerunki księcia. Mówili o miłości Giuliano do Simonetty Vespucci, żony jego przyjaciela, ale tutaj mogliśmy mówić o miłości wyidealizowanej, która nie wymaga posiadania, tak samo jak pasja Dantego do Beatrice czy Petrarki do Laury.

Najbardziej słynne portrety Botticelli nawiązuje do „Portretu młodej kobiety”, który zwykle przypisywany jest wizerunkowi Simonetty Vespucci.

Portret młodej kobiety, po 1480 r., Muzeum Narodowe sztuki, Berlin, Niemcy

Przedstawia Simonettę Caetano (1453, Genua lub Portovenere - 26.4.1476, Florencja). W 1468 roku, po ślubie z Marco Vespuccim, kuzynem słynnego nawigatora Amerigo Vespucciego, przeprowadziła się do Florencji. W 1475 roku podczas turnieju rycerskiego poznała Giuliano Medici, którego wkrótce została kochanką. Za swoją urodę otrzymała tytuł „Niezrównana”. Podziwiali ją artyści i książęta, zmarła jednak bardzo młodo, dlatego pozostała w pamięci potomków jako symbol wiecznej młodości. Istnieje wersja, w której to ona posłużyła za modelkę do obrazu Sandro Botticellego „Narodziny Wenus”. Jednak większość jej portretów została namalowana już po jej śmierci. Jeden z jej portretów cytowałam już w poście poświęconym twórczości Piero di Cosimo.

Wielu badaczy przypisuje także inny portret Botticellego wizerunkowi Simonetty Vespucci.

Portret młodej kobiety, 1475-80, Narodowe Muzeum Sztuki, Frankfurt nad Menem, Niemcy

Wikipedia podaje taki opis tego zdjęcia. „Portret młodej kobiety” (w języku włoskim) Ritratto di dama ) to obraz malarza szkoły toskańskiej Sandro Botticellego, namalowany w latach 1480-1485. Portret przechowywany jest w Instytucie Sztuki Städel we Frankfurcie nad Menem.

Za modelkę młodej kobiety przedstawionej na obrazie uważa się Simonettę Vespucci, jedną z najpiękniejszych kobiet renesansu florenckiego. Medalion na szyi kobiety wskazuje na związek z rodziną Medyceuszy, gdyż ustalono, że kamea w medalionie pochodzi z kolekcji kamienie szlachetne Medycyna. Jednak nawet jeśli modelką była Simonetta Vespucci, Botticelli nie stworzył jej portretu w ścisłym tego słowa znaczeniu, ale portret „ idealna kobieta”, ucieleśnienie pewnego mitologicznego obrazu.

Mniej więcej w tym samym czasie, gdy Botticelli pracował nad freskami w Kaplicy Sykstyńskiej w Rzymie, namalował kilka młodzieńczych portretów, w tym ten przedstawiający młodego mężczyznę w czerwonym nakryciu głowy.

Portret młodego mężczyzny, ok. 1483 r., Londyn, National Gallery

Tożsamość modeli nie została ustalona; Byli to prawdopodobnie artyści, którzy pracowali obok Botticellego lub jego rzymskich przyjaciół. Portrety sprawiają wrażenie malowanych z życia, a bezpośrednie, otwarte spojrzenie świadczy o bliskiej znajomości bohaterów z artystą. W odróżnieniu od portretów ukazujących status społeczny czy osobowość klienta, te zaskakują widza poczuciem swobody modelek, nie dbając o to, jak będą wyglądać na zdjęciu.

Przytoczę tutaj reprodukcję innego portretu z tej serii.

Portret młodego mężczyzny, 1489-90, Narodowa Galeria Sztuki w Waszyngtonie

Nie mogę powstrzymać się od przytoczenia innego „Portretu mężczyzny”, napisanego przez Botticellego w więcej późniejsze lata. Można na nim prześledzić, jak zmienił się styl artysty działa młodzież do dojrzałych.

Portret mężczyzny (Michel Marullo Tarcaganiota-Tarcaganiota?)
1490-1495, kolekcja (Guardans-Cambo), Barcelona, ​​​​Hiszpania

Post robi się strasznie długi, nawet się tego nie spodziewałam, muszę go dokończyć. Ale na zakończenie przytoczę inny słynny portret Dantego, przechowywany obecnie w prywatnej kolekcji w Szwajcarii.

Portret Dantego, 1495 kolekcja prywatna, Genewa, Szwajcaria

Dante Alighieri(1265-1321) - Włoski poeta, twórca języka włoskiego język literacki, ostatni poeta średniowiecza i zarazem pierwszy poeta czasów nowożytnych. Szczytem twórczości Dantego jest wiersz „ Boska Komedia„(1307-21, opublikowana w 1472) w trzech częściach (Piekło, Czyściec, Raj)

Na tym prawdopodobnie zakończę tę historię, choć oczywiście nie jest ona kompletna, ale po zapoznaniu się z portretami Botticellego i zainteresowaniu się nimi, możesz sam kontynuować swoje fascynujące poszukiwania informacji o jego twórczości.

Przygotowując przekaz, wraz z linkami wskazanymi wcześniej w serii wpisów o twórczości Botticellego, wykorzystano także następujące materiały:http://nearyou.ru/bottichelli/0botticelli1.html , http://www.artprojekt.ru/Gallery/Bottichelli/Bot21.html i inne.

Portret młodej kobiety – Sandro Botticelli. 1480-1485. Topola, tempera i olej. 82x54cm

Świadkowie tamtych czasów pamiętają, że Simonetta Vespucci (i to ona jest przedstawiona na przedstawionym portrecie) była bodaj najbardziej piękna kobieta swoich czasów. Podziwiały ją zarówno kobiety, jak i oczywiście mężczyźni, biedni artyści, tacy jak Botticelli, i hojni władcy, tacy jak bracia Lorenzo i Giuliano de' Medici. „Niezrównana”, „Niezrównana”, „Piękna Simonetta” – te pochwalne epitety kierowane pod adresem bohaterki portretu przetrwały do ​​dziś.

Sandro Botticelli nie był zbyt blisko zaznajomiony z główną muzą swojej twórczości, a mianowicie widzimy ją na płótnach, ale to nie przeszkodziło malarzowi w podziwianiu jej piękna. Nigdy nie pozowała mistrzowi – on zawsze odtwarzał jej wizerunek z pamięci, a wiele dzieł powstało już po śmierci fatalnej urody renesansu (Simonetta zmarła w wieku 23 lat z powodu konsumpcji). Około 5-9 lat po tragicznym wydarzeniu, w latach 1480-1485 powstał ten wspaniały portret.

Widzowi ukazuje się piękny profil młodej dziewczyny. Pełna wdzięku sylwetka, namalowana z precyzją i dbałością o każdy szczegół, nawiązuje do tradycyjnych portretów Filippo Lippiego. Jednak Botticelliowi udało się psychologizować swój wizerunek nawet w ramach dość rygorystycznej tradycji. Po stworzeniu z Twojego modelu pewnego doskonały obraz, malarz nadal szyfrował odniesienia do portretowanej osoby. Trzeba tylko umieć na nie patrzeć.

Spojrzenie bohaterki jest uważne i poważne. Historycy wciąż nie doszli do jednoznacznego wniosku, czy dziewczyna była kochanką Giuliano Medici, czy tylko pozwoliła sobie dumnie nosić tytuł „damy serca”, zgodnie z ówczesnymi tradycjami „miłości dworskiej”. Choć jest tu nuta Medyceuszy – jest to naszyjnik z medalionem na szyi Madame Vespucci. Udowodniono, że kamea w medalionie należała do kolekcji kamieni szlachetnych Medyceuszy. Niesforne loki mogą być również oznaką namiętnej natury Simonetty.

Trzeba uczciwie zauważyć, że tożsamość bohaterki obrazu Botticellego jest domysłem krytyków sztuki. późny okres w końcu sam mistrz nigdy nie wspomniał nic o imionach swoich inspirujących muz. W związku z tym dziełem pojawia się kolejna nieoczekiwana opinia, że ​​obraz w ogóle nie należy do Sandra „Beczki”, ale został wykonany przez jego współczesnego Jacopo Del Sellaio lub innego artystę z warsztatu Botticellego.

Tak czy inaczej chcemy wierzyć, że to płótno przedstawia niepowtarzalną Simonettę, a śpiewał ją nikt inny jak świetny Włoch Botticellego. Niech tak będzie...