łacina

Od IX wieku Zaczynają się wpływy arabskie. Na dworze Fryderyka wpłynęło to nie tylko na wykwintny luksus i orientalne zwyczaje ale także znajomość edukacji arabskiej. Jeszcze wcześniej „Optyka” Ptolemeusza została przetłumaczona z arabskiego; Michaił Scott (ur.) po raz pierwszy przedstawił Europę Arystotelesowi, tłumacząc jego dzieła z arabskiego na łacinę; w mieście tłumaczenia te zostały umieszczone na włoskich uniwersytetach. Wiele książek medycznych i matematycznych zostało również przetłumaczonych z języka arabskiego.

Trzeci wpływ w kręgu literackim Fryderyka miał wpływ prowansalski. Trubadurzy z Prowansji od dawna przebywają we Włoszech; zostali przyjęci przez dwór margrabiego Montferratu i hrabiego d'Este. Po wojnie albigensów, szczególnie wielu trubadurów napłynęło do Włoch i innych sąsiednich krajów. Podróżując po całym świecie, często ingerowali w politykę: na przykład Peyre Vidal pisał przeciwko Genui, a cesarz Peyre Guillem de Lucerne postawił Fryderyka przeciwko Mediolanowi. Zbliżając do siebie trubadurów, Fryderyk miał na myśli nie tylko cele literackie, ale i polityczne: korzystne dla niego było wspieranie tych trubadurów, którzy zirytowani wojną albigensów byli wrogo nastawieni do papieża, jak np. Guillem Figueira. W tym czasie było też wielu włoskich trubadurów piszących po prowansalsku: Albert Malaspina, Romberto Bivalello, Ferrari, Sordello di Goito, śpiewane przez Dantego w czyśćcu.

Nagromadzenie różnych elementów edukacyjnych, zdaniem A. N. Veselovsky'ego, „powinno wpłynąć na obszarach dostępnych dla ich wpływu na silną fermentację myśli emancypacyjnej, krytycznej. Głębokie pytania filozoficznych i religijnych wątpliwości zapadły w duszę Fryderyka II; korespondował o nich z arabskim uczonym Ibn-Sabinem... Jego ideałem jest ideał chrześcijańskiego kalifatu; ale jego złote augusty obnażają smak antycznych, nieznanych artyści z północy. Wokół niego gromadzą się poeci, naśladowcy trubadurów, którzy po raz pierwszy śpiewali po włosku. Była to literacka manifestacja włoskiej samoświadomości. Fryderyk II uczestniczy w jego organizacji i sam komponuje pieśni o najwyższej miłości. Centrum zostało odnalezione: na jego dworze, gdzie docierali poeci z innych części Włoch, rodziły się włoskie teksty.

T. rz. sycylijska szkoła poezji jest reprezentowana w żywym i oryginalnym dziele.

Osobno stoi „Contrasto” Cielo d'Alcamo. Opisuje rozmowę dziewczyny z młodym mężczyzną poszukującym jej miłości; dziewczyna próbuje ją odrzucić różnymi argumentami, ale sprawa kończy się pełnym sukcesem kochanka (Contrasto oznacza dialog, spór). Forma ta, niewątpliwie pochodzenia ludowego, była dość powszechna w średniowieczu; są to: „Spór między zimą a latem”, „Spór między duszą a ciałem”, „Spór między brunetką a blondynką”, „Frywolny i mądry” itp. Dzieło Cielo częściowo przypomina stare francuskie duszpasterstwa.

Dała początek wielu różnym interpretacjom: niektórzy skłonni są widzieć w nim dzieło czysto ludowe, pozostałość niezależnych tekstów I.; inni wręcz przeciwnie, uważają ją za naśladowczą i należącą do „szkoły sycylijskiej”. Lub opis prawdziwe wydarzenie. Jest napisany w języku sycylijskim, z latynizmami i prowansalizmami.

Sycylijska szkoła poezji utorowała drogę do powstania literackiego języka włoskiego i rozwinęła główne typy włoskich tekstów: canzone i sonet. Canzone odpowiada tej samej formie w tekstach francuskich (chanson, prz. canzo). Od samego początku włoska canzone była taka sama jak Petrarka, czyli wtedy znana była już jej jedenasto- i siedmiostopowa forma. Sonet jest, ściśle rzecz biorąc, fragmentem piosenki. Prowansalczycy nazywali takie sztuki „strofami szkicowymi” (coblas esparsas) i często wykorzystywali je do przedstawień moralizatorskich.

Literatura francusko-wenecka

Statua Petrarki przed Uffizi, Florencja

W szkole sycylijskiej ta forma jest wciąż rzadka. Wszystko w. Włoch nie można nazwać tak zdecydowanym centrum, jak na południu. Istniał jednak osobliwy nurt literacki, w którego rozwoju brały udział Wenecja, Padwa, Werona, Bolonia i wiele miast Lombardii. Bliskość Francji i być może duży napływ francuskich krzyżowców zmierzających do Wenecji przyczyniły się do rozpowszechnienia tu literatury francuskiej. Biblioteka św. Marek w Wenecji zachował wiele francuskich romansów rycerskich. W Bolonii zabroniono śpiewakom ulicznym śpiewać francuskie piosenki (chansons de geste). Były też takie lokalne dzieła: "Entrée de Spagne" i "Prise de Pampelune". Autor większości pierwszego wiersza nazywa siebie Padwą; koniec pierwszego i całość drugiego napisał Mikołaj z Werony. Oba wiersze są częścią literatury włoskiej, chociaż śpiewają o rzekomym podboju Hiszpanii przez Karola Wielkiego. Akcja często przenosi się do Włoch, Roland okazuje się rzymskim konsulem, Longobardowie to najodważniejsi ludzie.

Obie sztuki napisane są w mieszanym dialekcie francusko-włoskim; autor oczywiście chciał pisać po francusku, ale nie wszędzie mógł. W bibliotece św. Ocena. Nie mniej niż prowansalski. (langue d'oc) było znane we Włoszech i północnofrancuskim (langue d'oil), które uważano za szczególnie odpowiednie dla literatury narracyjnej: Brunetto Latini uzasadnia to, pisząc swój „Trésor” po francusku; tak samo Rusticiano, który, według Marco Polo, spisał swoją podróż. Dante miał ten sam pogląd. W języku francusko-włoskim, ale dla włoskiej publiczności, pisano także powieści o bardziej ludowym charakterze, Bovo d'Antona, Macher i Raiyaardo e Lesengrino. Powieści francusko-włoskie są interesujące ze względu na bliskość rycerskiego eposu renesansu (Boiardo, Pulci, Ariosto), który wiele od nich zapożyczył.

literatura religijna

Utwory religijne i obyczajowe w języku włoskim przyszły do ​​nas także z północnych Włoch. Ich autorzy: Girardo Patekio z Cremony, Pietro di Barzegane, Fra Giacomino z Werony i Fra Bonvezin da Riva. Ten ostatni napisał do duch ludowy; jego utwory śpiewano na placach. Dzieła świeckie I. XIII wieku. nic do nas nie dotarło, z wyjątkiem weneckiej pieśni opłakującej drogiego krzyżowca; znajduje się w jednym dokumencie biznesowym. W środkowych Włoszech, w Umbrii, w pierwszej połowie XIII wieku. było silne podniecenie religijne. Jednym z jej głównych rzeczników był św. Franciszek z Asyżu (1182-1226), założyciel zakonu żebraczego (franciszkanie). Jego wiersz o „Słońcu” jest napisany w w ojczystym języku. Jego uczniowie zakładali spacery religijne i poetyckie: wędrowali wszędzie, śpiewając pieśni, ubrani w łachmany, jedząc jałmużnę. Pierwsi naśladowcy Franciszka nadal pisali po łacinie; w ten sposób słynne „Dies irae, dies illa” przypisuje się Tomazowi Gelano.

Podniecenie religijne wzrosło w mieście pod wpływem klęsk narodowych: pojawili się biczowani (Disciplinati di Gesú Cristo). Piosenki, które śpiewali, nazywano pochwałą. Ich autorzy są nieznani, poza jednym – Fra Jacopone da Todi. Jego asceza doszła do punktu, w którym szukał wszelkiego rodzaju kłopotów i trudów, ale nie przeszkadzał mu komponować pieśni miłosne. Pisał potocznie, wystrzegając się mądrości książkowej, choć znał łacinę i był wykształconym prawnikiem. Jego skrajne franciszkańskie poglądy sprawiły, że zderzył się z bardziej umiarkowanymi elementami tego zakonu, których pociągał papież Bonifacy VIII. Jacopone walczył z papieżem, a nawet komponował sztuki satyryczne o nim i wyższym duchowieństwo. Za to został uwięziony i ekskomunikowany z kościoła. Lauda czasami przybierała formę tańca Piosenka ludowa(ballata), czasami forma sporu (dusza z ciałem). Te pochwały też były udramatyzowane, w Perugii było dla nich coś na kształt sceny. Postrzegane są jako cela, z której rozwinął się teatr ludowy. W Toskanii pod koniec XIII wieku. pojawiło się wielu poetów, naśladowców „szkoły sycylijskiej”. Wielu z nich pisało jednocześnie po prowansalsku i po włosku.

Nowy słodki styl

W XV wieku. jest nowy rodzaj twórczości poetyckiej - dramat. Dramatyczny Dzieła rozwinęły się z ludowej pieśni religijnej (lauda) w XV wieku. przybrał formę „Representatione sacre”, przedstawiającą sceny z Pisma Świętego; najstarszy z tych dramatów „Abramo ed Isac” odnosi się do miasta. Bliskość tych sztuk do laude jest wyraźnie widoczna w tożsamości autorów obu typów Belcari, Castellano, Pulci (brat w/w poety) i sam Lorenzo de' Medici. Początkowo dramat religijny był uważany za święty jak nabożeństwo, ale stopniowo zaczęły do ​​niego wkraczać elementy świeckie: Judasza, Heroda i diabłów zaczęto przedstawiać w formie komicznej. Tłumaczy to między innymi, że diabeł Allikino (Piekło, XXII, 118) stał się błaznem w sztukach XVI wieku. Szczególnie realistyczne były Miracoli di Nostra Donna i sceny z życia świętych. Tak więc życie św. Oliva jest jak opowieść o Stelli albo prześladowanej piękności, a Stella to pierwszy świecki dramat we Włoszech. Przedstawienia te były po prostu udramatyzowaną opowieścią; nie było jeszcze koncentracji działań. Orfeusz Poliziano, napisany na ucztę dworską, też nie jest doskonały. Obok dramatu autogenerującego, w XV wieku. humaniści zaczęli aktualizować teatr klasyczny. Takie są sztuki Antony'ego Loscha „Achillesa” i Gregory'ego Carraro „Progne”, naśladujące Senekę; tak jest Filodoksos, alegoryczny dramat Albertiego. Na dworze w Ferrarze w drugiej połowie XV wieku grano sztuki Plauta i Terence'a. W Rzymie humanista Pomponiusz Les wystawiał przedstawienia klasyczne. Dramat klasyczny również zaczął odgrywać znaczącą rolę w instytucjach edukacyjnych; w ten sposób Pier Paolo Bergherio napisał sztukę: „Paulus, comoedia ad juvenum mores corregendos”. W dalszym rozwoju oba kierunki, ściśle klasyczny i popularny, połączyły się i stworzyły nurt literacki, który rozprzestrzenił się szeroko w wykształconym świecie, zwykle nazywany pseudoklasycznym; ale na początku nie była tak wyjątkowa, jak stała się w siedemnastym, a zwłaszcza w osiemnastym wieku.

16 wiek

Połączenie nurtów klasycznych i narodowych znalazło odzwierciedlenie przede wszystkim w szerokim literackim rozpowszechnianiu języka indyjskiego. Kaznodzieja praw I. lang., który w XV wieku. był Alberti, na przełomie XVI i XVI wieku. Pojawił się Pietro Bembo. Jego pierwszy wiersz: „Gli Asolani” traktuje o platońskiej miłości rycerskiej, tak jak ją wówczas rozumiało wyższe społeczeństwo. Na błyskotliwym i uczonym dworze papieża Leona X było wielu poetów łacińskich, którzy kontynuowali tradycję Pontano: Ercole Strozzi, Flaminio, Andrea Novagero i inni. założyciele petrarchizmu, który uzyskał prawo naśladowania klasyków, że nawet Du Bellay, jeden z pierwszych przedstawicieli pseudoklasycyzmu we Francji, rozpoznał sonet i canzone obok łacińskich typów liryki. Miłość Bembo do ojczystego języka została również wyrażona w „Regole Grammaticali della Volgar Lingua”, pierwszej próbie naukowej gramatyki języka włoskiego.

Pochodzący z Wenecji Bembo próbował pisać po florencku, gdyż nie wątpił w uznanie dialektu florenckiego za język literacki Włoch. Idea narodowości jest teraz mocno zakorzeniona we Włoszech. Jej najwybitniejszym okazicielem był słynny Niccolo Machiavelli. Obok niego stoi Guicardini. Machiavelli, surowy i troskliwy patriota, z niepokojem w sercu śledzący losy swojej ojczyzny, często przeciwstawia się Ariosto, nadwornemu wesołkowi, jakby nie zauważając otaczających go wielkich wydarzeń. W mieście napisał odę po łacinie, wychwalając samotność na łonie natury. Ta oda zawiera strofy mówiące o trudnej sytuacji ojczyzny pod rządami tyranów, niemniej jednak niecałe pięć lat później Ariosto wstąpił na służbę jednego z tych tyranów – kardynała Ippolito d'Este, biskupa Ferrary. Dla rozrywki patrona pisał komedie naśladujące Plauta: „Suppositi”, „Cassandra” itp. Łacińskie satyry Ariosta są poważniejsze, w formie listów adresowanych do przyjaciół. Tutaj stara się zrzucić ubranie dworzanina i jest łagodnym i życzliwym człowiekiem, pozbawionym energii i surowych zasad. Jego „Wściekły Roland” jest kontynuacją „Zakochanego Rolanda” Boyardo. Wiersz Ariosta nie wyznacza żadnych alegorycznych zadań, nie realizuje żadnych celów moralnych i pouczających. Ariosto jest niesamowitym gawędziarzem, który potrafi ożywić i uwiarygodnić najdziwniejsze sceny swojej niestrudzonej fikcji. Subtelny humor, rozlany w całym wierszu, nadaje opowieści wdzięczną lekkość i słodką frywolność. Typowy dla XVI wieku. Stosunek Ariosta do tematów klasycznych: nie przerabia już starożytnych na rycerski sposób, co robi Boiardo; jego starożytni bohaterowie okazują się wykształconymi humanistami, obnoszącymi się ze swoją wiedzą archeologiczną.

Na " Wściekły Roland”, a następnie wiele podobnych powieści, które służyły jako zabawna lektura dla wyższych sfer. Hrabia Vicenzo Brusantini w mieście rozpoczął nawet kontynuację wiersza Ariosta zatytułowanego „Zakochana Angelica”, a Ludovico Dolce napisał wstęp do „Zakochanego Rolanda” Boiarda, zatytułowany „Prime Imprese di Orlando Innamorato”. Romans targowy, podrabiany, w przeciwieństwie do wyższych sfer, na gust mieszczański, pełen zabawnych przygód, szorstkich sztuczek przypominających fablio, znalazł kontynuację także w XVI wieku. Takie są powieści Teofilo Falengo Macaronicae Merlini Cocaji, Zanitonella, Orlandino, Chaos del Triperuno. Pierwsza z nich jest napisana po łacinie, pozostałe - w dziwnie niedbałym języku włoskim, często niepodlegającym już rozpoznanym wpływom toskańskim; mają dużo entuzjazmu i świeżego humoru.

Bardziej interesujące są nowe próby włoskiego eposu Giangiorgio Trissino. Jego poemat epicki: „Wyzwolenie Włoch od Gotów” przypomina pod względem nauki „Afrykę” Petrarki; zdecydowanie nie odniósł sukcesu, nawet wśród współczesnych. Inny poeta epicki, Luigi Alamanni, chciał połączyć oba gatunki narracyjne: romans rycerski i epopeję klasyczną. Jego wiersze „Girone il Cortese” i „Avarchide” również nie można nazwać udanymi. Ten ostatni dotyczy oblężenia miasta Avorco przez króla Artura, z Lancelotem w roli Achillesa w Homerze. Trzecim pisarzem z tego samego rodzaju jest Bernardo Tasso, ojciec słynnego Torquato Tasso. Treść powieści B. Tasso „Amadiji” została zaczerpnięta z języka hiszpańskiego („Amadis de Craula”). Niepowodzenia jego poprzedników dobrze mu służyły; nie ulega też wątpliwości, że wpłynęły na niego Rozprawy o teorii powieści Giraldiego, w których po raz pierwszy wskazuje się na różnicę między powieścią a eposem. Mieszkający na dworze Urbino hrabia Baldazaro Castiglione napisał „Cortegiano”, w którym zmusza swego patrona, księcia Guidobaldo, w towarzystwie wytwornych dżentelmenów papieża Juliusza II, do mówienia o tym, jaki powinien być doskonały dworzanin. Do obowiązków dworzanina należy m.in. służba damy. W XVI wieku. była rozumiana jako miłość platoniczna, w stylu Petrarki. Wśród najstarszych poetów petrarchistycznych jest Francesco-Maria Molza. Zostawił żonę i dzieci, zakochał się w kurtyzanie i śpiewał o niej w swoich wierszach. Jego zmienność w miłości jest przysłowiowa. Giovanni della Casa jest uważany za wynalazcę nowy sposób, polegający na mylącym i oryginalnym układzie słów. Trissino wprowadził również nowość, próbując pisać metrum klasycznym; Bernardo Tasso również próbował tego samego, ale doszedł do wniosku, że język włoski powinien mieć własną wersyfikację. Miłość platońska osiąga apogeum w pieśniach Tansillo, słynącego z satyrów w stylu Ariosta. Petrarchiści nie śpiewali wyłącznie o miłości: były też na przykład sztuki patriotyczne. Giovanni Guidicioni z Lukki i Galeazzo di Tapc oraz Kalabrii. Sztuki słynnego Michała Anioła są szczególnie interesujące, gdy nawiązują do jego dzieł rzeźbiarskich. Wśród Petrarchistek było wiele dam, czasem bardzo szlachetnego pochodzenia: Vittoria Colonna, która śpiewała o swoim mężu generała w armii Karola V, Weroniki Gambara, Giulii Gonzagi, Gaspara Stampy i innych.Poeta Francesco Berni stoi osobno. Pisał śmieszne piosenki w stylu ludowym i uważany jest za założyciela poesia bernesca.

połączenie kierunek klasyczny z narodowym, charakterystycznym dla XVI wieku. , szczególnie w dramacie. Tragedie zazwyczaj imitowały Sofoklesa, ale pisane były trzymetrowym pustym wierszem. Pierwsze tragedie pisane w ten sposób: Sofonizba - Trissino, Rosamund i Orestes - Rucellai, Tullia - Ludovico Martelli, Dido in Carta gine - Alessandro Pozzi Medici itd. Wszystko to są nieśmiałe i mierne imitacje sztuki greckiej. Szczególnie dziwny okazuje się chór na I scenie. Trudno też było podstawić cokolwiek pasującego do idei losu, która odgrywa tak ważną rolę wśród Greków. Tragedia była zwykle rozumiana jako horror morderstw i tortur, które jednak miały miejsce za kulisami. Gianbattista Giraldi przedstawił imitację Seneki. Jego sztuki „Tieste” i „Orbekke” pełne są trzeszczących monologów w duchu rzymskiego retora. Liczba tragedii, które nastąpiły później, była bardzo duża; najważniejsze z nich: "Canache" - Sperone Speroni, "Orazia" - Aretina (jedna z najbardziej udanych sztuk), "Marianna" - Dolce, "Adriana" - niewidomy poeta Luigi Groto, "Gismonda" - Asinari, " Torrismondo” - Torquato Tasso i inni. Włosi wnieśli do komedii znacznie więcej oryginalności. Komedia zaczęła się także od naśladowania Plauta. W tym samym czasie powstały () „Suppositi” Ariosto i „Calandria” kardynała Bernardo Dovizi. Trzy lata później pojawiła się Machiavelli's Mandragola, jeden z najciekawszych włoskich psów. repertuar czasu. Autorowi udało się zawrzeć w nim satyrę współczesnego życia i wznieść się ponad zwykłą imitację. Mniej udana jest jego inna sztuka "Klitsia". Komedia Aridosia Lorenziniego Medyceusza również wnosi dużo czystego włoskiego do tradycyjnych rzymskich typów. Szczególnie wyróżniają się komedie Pietro Aretino: Ipocrito, Cortegiana, Talanta, Marescalco. To samo można powiedzieć o Ragged Man Annibala Caro i Assinola Cecchiego. Fabuła tych dwóch ostatnich komedii nie jest już zaczerpnięta z Plauta, ale bezpośrednio z życia. Taka jest także komedia Giordano Bruno „Candellaio” (); w jej bezpośrednim realizmie autorowi udało się nadać głębszy sens. Większość wymienionych dramatów i komedii grano na dworze papieskim w Rzymie. Leo X szczególnie lubił dramatyczne występy. Na innych dworach, zwłaszcza w Ferrarze, stało się też zwyczajem organizowanie przedstawień z okazji różnych uroczystości. Przedstawienia wystawiali zazwyczaj amatorzy; tak na przykład niewidomy Groto przedstawił Teresę w Królu Edypie; ale bardzo wcześnie we Włoszech zaczęli pojawiać się profesjonalni aktorzy, których poziom wykształcenia był najwyraźniej bardzo wysoki. W kobiecych rolach wcielali się chłopcy. Scena miała zwykle kształt kwadratu (piazza) i nigdy się nie zmieniała. Klasyczny postulat jedności miejsca zbiegł się z przyzwyczajeniami włoskiego życia. Ogólnie komedia Plavtova przyzwyczaiła się do włoskich zwyczajów i stworzyła coś nowego; ulubieni bohaterowie komedii: Dottore, Pedant, Skąpiec, Zakochany Starzec, Chłopiec, Chlubny Kapitan i niewolnicy błaznów są wprost zabrani Plautowi, ale wszyscy stali się prawdziwymi Włochami. Fabuły sztuk z wiecznymi przebraniami, porywaniem dzieci przez rabusiów, nieoczekiwanymi zeznaniami itp. też są zapożyczone, ale z drugiej strony nadmorskie miasta, w których toczy się akcja, z kupcami handlującymi za oceanem, kurtyzanami i wszelkiego rodzaju łotrów, przedstawianych prawdziwych Włochów. miasta. Laska, autorka „La Gelosia” (), „La Strega”, „La Sibilla” itp., domagała się większej naturalności w działaniu; on sam jednak nie spełnił tego żądania. Oprócz komedii literackiej we Włoszech istniała też popularna jej forma - farsa. Zazwyczaj przedstawiano tu sceny z życia ludowego. Autor jednej z najsłynniejszych fars: „I l Colt lellino” () – Niccolò Campani, który żył jak błazen w domach bogatych ludzi. Innym autorem fars, populistą w gustach i sympatiach, jest Angelo Beolco, nazywany Ruzzante; on jednak był również pod wpływem Plauta. Inna forma komedii istniała tylko we Włoszech: „Commedia dell'arte”. Była to komedia bez tekstu pisanego, w której każdy aktor przywdział pewną typową maskę jednego z rodzajów komedii pisanej i musiał sam wymyślać dialogi: sztuka była rozgrywana według krótkiego streszczenia (scenariusza). Pomimo bezruchu masek dialog był tu szczególnie żywy, gra jest żywa i naturalna. W Commedia dell'arte po raz pierwszy kobiece role odegrały kobiety. Zespoły tego typu jeździły po całej Europie i wywarły, nawiasem mówiąc, wielki wpływ na teatr we Francji. Szczególnie znana była trupa Andreiniego z Wenecji.

Pozycja społeczna pisarzy XVI wieku. we Włoszech, pomimo bardzo rozwiniętej literatury, nie wzrosła ona szczególnie. W większości przypadków musieli być na jakimś dworze jako sekretarz lub poeta dworski. Mimo druku, nadzieje na dochody z książek były niewielkie, dlatego autor musiał ofiarować i zadedykować pracę jakiejś ważnej osobie, która zapłaciła autorowi za jego pracę. Oryginał wśród pisarzy XVI wieku. postać Pietro Aretino, który jako dramaturg jest wymieniony powyżej. Każdy mógł, za określoną cenę, otrzymać od niego pochwałę. Był bombardowany najbardziej dochodowymi zamówieniami, a jego wpływy były ogromne nawet poza Włochami. 16 wiek , który rozpoczął się jasnymi utopiami prawdy i dobra, zakończył się wściekłym prześladowaniem niezależnej myśli. Szczególnie silnie odbiło się to w życiu społecznym Włoch, które po traktacie w Cato-Cambresi niemal całkowicie znalazły się pod panowaniem króla hiszpańskiego. Życie polityczne i społeczne Włoch zatrzymało się w dusznej atmosferze jezuityzmu i obcego jarzma. Typowym rzecznikiem tej smutnej epoki jest Torquato Tasso (1544-1595). Mój działalność literacka Tasso rozpoczął od naśladowania Ariosta w wierszu „Ruggiero”; potem następują jego dwa dramaty, tragedia „Torrismondo” i komedia pasterska „Aminto”, które nie przedstawiają niczego wybitnego. Głównym dziełem Tasso jest Jerusalem Delivered, długi poemat epicki celebrujący krucjatę Godfrieda z Bouillon. Ideą przewodnią tego dzieła jest walka chrześcijaństwa z mahometanizmem wspieranym przez wszystkie siły piekielne. W przeddzień bitwy pod Lepanto () taki motyw był oczywiście nowoczesny; ale chrześcijaństwo pojawia się w Tasso nie jako wielka nauka moralna, ale jako kult, jako dobrze znany zespół mitycznych i mistycznych idei. Ogólną ideę przesłaniają zresztą miłosne i heroiczne przygody w stylu Ariosta, które stanowią główny urok wiersza. Świeckie zdjęcia „Jerusalem Delivered” później bardzo zawstydziły Tasso; myślał nawet o przepisaniu swojego wiersza i nazwaniu go „Podbita Jerozolima”. Jeśli Tasso można uznać jedynie za pośrednią ofiarę jezuityzmu, to Giordano Bruno bezpośrednio cierpiał z powodu panującej wówczas inercji; został spalony przez Inkwizycję. Jako poeta znany jest z komedii „Il Candellaio”, wiersza „Spaccio della bestia trionfante”, dialogu „L'Asino Cillenico” oraz zbioru sonetów „Furori poetici”. Autor Pastora Fido, Guarini, wprowadza nas w wiek konwencji i manieryzmu, pozorów i hipokryzji, czyli w XVII wiek. we Włoszech.

XVII wiek

Ani „Mariniści”, ani „Pindariści” nie są dwiema szkołami, na które podzieleni są poeci XVII wieku. - nie przyniósł dużej sławy rodzima literatura. Kierownikiem pierwszej szkoły był Giovan Battista Marini, który napisał wiersz Adone. Testi-Gabriello Chiabrera, założyciel drugiej szkoły, był bardzo płodny i oprócz poematów epickich: „La Guerra dei Goti”, „L'Amadeide”, „La Firenze” i sztuk pastoralnych, pisał także ody naśladujące Pindara. Obok niego stoi poetka Felicja. Różnica między tymi szkołami sprowadza się do kwestii formy i technicznych wynalazków. W przeciwieństwie do malarzy morskich, w Neapolu powstało koło, które założyło Acad. Arkadia; zebrał się wokół byłej szwedzkiej królowej Christiny. Do Arkadii Acad. należą do Kreshimbeni, Muratori i wielu innych. Jako satyrycy znani są Menzini i słynny malarz Salvator Rosa. O wiele ważniejsza jest reakcja na marynizm, wyrażona w wierszach Campanelli, przepełnionych prawdziwym patriotyzmem i człowieczeństwem. Hiszpanie włoscy z XVII wieku. zwykle szukali pomocy we Francji, podobnie jak Tassoni, wybitny satyryk ("Skradziona beczka").

18 wiek

Szereg znanych pisarzy dramatycznych XVIII wieku. zaczyna Antonio-Dominico Trapassi, nazywany Metastasio. W jego poezji króluje umiar i powierzchowność, dobry smak i elegancja formy. Nie ma fabuły historycznej, wielkiej tragedii, niczego, co wykraczałoby poza to, co przyjemne i spokojnie fascynujące. Ale wyraźny i wyrazisty styl, harmonia całości bez nadmiernej pedanterii, lekkość i wiarygodność fabuły - to wszystko po raz pierwszy wprowadził na scenę włoską Metastasio. jego opery są nadal wystawiane we Włoszech, jak dramaty. Najlepsze z nich: „Porzucona Dido”, „Atilla the King”, „Tit's Mercy”.

Innym wielkim pisarzem dramatycznym tamtych czasów jest Goldoni. Oddzielił muzykę od dramatu, od dążenia do prawdziwości. Z tego samego powodu nie dostrzegał jedności miejsca, podobnie jak nie dostrzegał jej również Metastasio. Nie powinna, jego zdaniem, jak Hiszpanie przenosić akcji z Madrytu na Sycylię iz Neapolu do Londynu, ale też nie powinna być przykuta do jednego miejsca, do jednego pokoju, czy na przykład. na plac, jak za dawnych czasów. Społeczne sympatie autora znalazły również odzwierciedlenie w komediach Goldoniego: lubi mieszczaństwo żyjącego w dobrych obyczajach przodków; szlachta nadęta własną pychą i kupiec, który wzbogacił się ponad miarę, wspinając się na szlachtę, są dla niego równie śmieszni. Zwykli ludzie znajdują się wśród Goldoni głównie jako służący (zanni).

Dramatycznym innowacjom Goldoniego sprzeciwili się Chiaro i Gozzi, którzy próbowali wskrzesić stare formy włoskiej komedii. Trzeci wielki dramaturg XVIII wieku. - Hrabia Vittorio Alfieri. Wymuszona jedność działania, jego zbyt pospieszny rozwój, często ubóstwo obrazów, okrutna siła myśli, monotonia typów, monotonia uczuć, zamiłowanie do katastrof scenicznych, przewaga politycznego rozumienia wydarzeń nad filozoficznym, przewaga bohater nad człowiekiem, ojczyzna nad rodziną, bohaterstwo nad miłością, mężczyźni nad kobietą, straszne nad wzruszeniem - to główne cechy tragedii Alfieriego, w których jednak czuje się wrzące serce, oryginalny umysł, odważny charakter . Francuscy tragicy z XVII i XVIII wieku byli wzorami dla Alfieriego. Był gorącym patriotą i wielbicielem ideałów wychowawczych XVIII wieku. Z zadowoleniem przyjął wyzwolenie Ameryki i rewolucję miasta, ale po terrorze zaczął nienawidzić demokracji, co znalazło odzwierciedlenie w jego tragedii Mesogallo. Zainwestował swoje republikańskie sympatie w Brutusa: morderca Juliusza Cezara jest odnowicielem starożytnej wolności. Włoscy patrioci z późniejszego okresu wychowali się na Alfierim, ale on sam nie poszedł dalej niż Wolter ani w sztuce dramatycznej, ani w politycznym wolnomyślicielstwie.

Pod wpływem romantyzmu odradza się zainteresowanie literaturą narodową; tym samym Vincenzo Monti był szczególnie ostrożny w Boskiej Komedii, którą naśladował w wierszu Bossviliana, skierowanym przeciwko „wielkiej rewolucji” i nieukończonym ze względu na zwycięstwa rewolucyjnych armii. Jego drugi wiersz, Prometeusz, powstał pod wpływem Dantego.

Włochy są magazynem sztuki zachodniej cywilizacji. Nie jest to zaskakujące, ponieważ Włochy to kraj o bardzo bogatej historii, w której literatura od wieków jest ważną częścią. Język włoski staje się literacki stosunkowo późno – w XIII wieku. Inne języki neołacińskie oddzieliły się już wcześniej o prawie dwa stulecia. Zjawisko to tłumaczy się trwałością tradycji łacińskiej we Włoszech. Nigdzie łacina nie była tak wytrwała, nigdzie nie była tak szeroko stosowana jak we Włoszech. Źródłem znajomości języka łacińskiego we Włoszech były szkoły. Miały one stosunkowo świecki i praktyczny charakter: zostały skompilowane praktyczne przewodniki pisząc po łacinie (Ars dictaminis lub Breviarium de dictamine Albericha z Montecassino) więcej uwagi poświęcono rozwojowi stylu i retoryki niż gramatycznej znajomości języka. Łacinnicy niemieccy znali język wyraźniej, Włosi zadowalali się jego ogólnym opanowaniem.
Wielcy włoscy pisarze uczynili ze słowa sztukę. Wergiliusz, Owidiusz, Horacy, Liwiusz i Cyceron, Dante, Petrarka, Boccaccio, Fisino, Mirandola i Visari pochodzili z Włoch. Porozmawiajmy o niektórych z nich na tej stronie.

Najwybitniejszy poeta starożytnego Rzymu – Wergiliusz, urodził się w 70 rpne w starożytnym rzymskim mieście Andach w pobliżu miasta Mantua. Pierwszym znaczącym dziełem Wergiliusza jest Bucolica (Bucoliki). Po nim, na prośbę tego samego Mecenasa, napisał „Georgica” (Georgia). I po długich i żmudnych wstępnych szkicach, w 29 pne zaczął pisać triumfalną Eneidę, nad którą pracował przez kilka lat. To największy wiersz Wergiliusza, ma zupełnie wyjątkową, nieporównywalną reputację i historyczne przeznaczenie. A w starożytnym Rzymie i we wszystkich następnych stuleciach zdecydowanie i niewątpliwie należała do największych i najwspanialszych dzieł światowej fikcji. A przy tym nigdy nie brakowało jej ostrej krytyki, nagany, drwin. Definicja „sztucznego” mocno przylgnęła do „Eneidy”. A jednak w głównym dziele Virgila jest coś, co pozwala mu podróżować przez stulecia, tysiąclecia, kraje, imperia i kontynenty.

Owidiusz, Publiusz Owidiusz Nason, wielki rzymski poeta urodził się w 43 pne. mi. Mieszkał w Rzymie i prowadził beztroskie życie bogatego człowieka, robiąc to, co lubił - poezję. Jego pierwszymi znanymi utworami są wiersze erotyczne „Nauka o miłości” i „Lekarstwo na miłość”. Nie są obce naturalizmowi i są rodzajem instrukcji w różnych sprawach relacji miłosnych. W swoim wielkim poemacie epickim „Metamorfozy” Owidiusz wykorzystał znaczący materiał folklorystyczny i mitologiczny - 250 wątków poświęconych przemianie ludzi, dzikich zwierząt, zwierząt domowych w rośliny i kamienie, przedmioty, konstelacje itp. Na wygnaniu napisał jeszcze dwie książki : „Smutne elegie” i „Orędzia pontyjskie”. Tytuły tych dwóch książek zdawały się antycypować przyszłość poety. Jego przeznaczeniem było umrzeć z dala od Rzymu, wśród barbarzyńców.

Quintus Horace Flaccus (8 grudnia 65 pne, Wenusia - 27 listopada 8 pne, Rzym) jest starożytnym rzymskim poetą „złotego wieku” literatury rzymskiej. Jego twórczość przypada na epokę wojen domowych pod koniec republiki i pierwsze dziesięciolecia nowego reżimu Oktawiana Augusta.
Horacy pozostawił po sobie znaczącą spuściznę literacką: satyry, liryki (ody), przesłania filozoficzne, rozumowanie i instrukcje planu codzienno-filozoficznego w duchu epikureizmu i stoicyzmu), które miały ogromny wpływ na późniejsze ukształtowanie się klasycyzmu.
I jego wyraz twarzy złoty środek„stało się chwytliwym frazesem, ucieleśniało testament starożytnej cywilizacji do New Age. Ten kult miary i umiaru był oczywiście daleki od pełnego wyrazu starożytnego humanizmu, ale zawierał lekcję rozsądnej harmonii, która stała się istotną częścią zarówno estetycznego, jak i etycznego ideału człowieka. Horacego dużo czytano nie tylko w starożytności, ale także w czasach nowożytnych, więc wszystkie jego dzieła sprowadzają się do nas: zbiór wierszy „Yamba”, czyli „Epodes”, dwie księgi satyrów („Rozmowy”), cztery księgi wierszy lirycznych znanych jako „Ody”, jubileuszowy hymn „Pieśń stulecia” i dwie księgi przesłań.
Peru Horacy posiada również popularne wyrażenia:
Carpe diem - "chwyć dzień" (Carmina I 11, 8). W całości: „carpe diem quam minimum credula postero”, „używaj (każdego) dnia, opierając się jak najmniej na następnym”.
Dulce et decorum est pro patria mori – „Pięknie i słodko umierać za ojczyznę” (Carmina III 2, 13). Często używany slogan w gazetach z I wojny światowej; także tytuł gorzko-ironicznego poematu angielskiego poety Wilfreda Owena „Dulce et Decorum Est” o tej wojnie.
Sapere aude - "zdecyduj się być mądrym" (Epistulae I 2, 40). Powiedzenie to zostało zaakceptowane przez Immanuela Kanta i stało się swoistym hasłem Wieku Oświecenia. To powiedzenie jest mottem Moskiewskiego Instytutu Fizyki i Technologii (opcja „odważ się wiedzieć”).

Tytus Liwiusz (Titus Liwiusz) - największy historyk starożytnego Rzymu, urodził się w mieście Patavia (współczesna Padwa; później w jego języku odnaleziono jakiś lokalny smak). Jego rodzinne miasto, które wzięło udział w wojnie domowej po stronie Pompejusza, wzbudziło republikańskie sympatie przyszłego historyka. Stał się twórcą tzw. historii alternatywnej, retorycznie opisującej możliwą walkę Rzymu z Aleksandrem Wielkim, gdyby ten ostatni żył dłużej. Livy nazwał Demostenesa i Ciceron przykładami idealnego stylu. Liwiusz pochodził z zamożnej rodziny, w młodym wieku przybył do Rzymu, gdzie otrzymał dobre wykształcenie, po czym zajął się filozofią, historią i retoryką. Chociaż miał bliski związek z Augustem, Liwiusz nie brał aktywnego udziału w życiu politycznym.
„Annały” – największy praca historyczna zawierał historię Rzymu od legendarnego założenia miasta do 9 pne. mi. Skompletowanie Roczników zajęło 45 lat. W Rocznikach, które obejmują 142 księgi, Liwiusz podał szczegółowy opis historii Rzymu. Niestety w całości zachowało się do nas tylko 35 ksiąg (opis wydarzeń do 293 p.n.e. i 218-168 p.n.e.), pozostałe znane są w krótkiej transkrypcji. Ale mimo to największą wartość w kulturze starożytności mają „Roczniki”, nazwane podczas ich późniejszej reprodukcji „historią rzymską od założenia miasta”.

Cicero Marcus Tullius (Cicero Marcus Tullius) - rzymski polityk, mówca, filozof i pisarz. Zwolennik systemu republikańskiego. Z jego pism zachowało się 58 przemówień sądowych i politycznych, 19 traktatów o retoryce, polityce, filozofii i ponad 800 listów. Pisma Cycerona są źródłem informacji o czasach wojen domowych w Rzymie.
Cyceron urodził się 3 stycznia 106 r. w Arpin (Włochy), 120 km na południowy wschód od Rzymu, w rodzinie jeźdźców. Od 90 roku życia mieszkał w Rzymie, ucząc się elokwencji od prawnika Mucius Scaevola Augur. W 76 został wybrany kwestorem i pełnił funkcję sędziego w prowincji Sycylii. Jako kwestor, po ukończeniu magistratu, został członkiem Senatu i przeszedł wszystkie etapy kariery senackiej: 69 lat – edyl, 66 lat – pretor, 63 lata – konsul. Jako konsul, Cyceron stłumił antysenacki spisek Katyliny, otrzymując honorowy tytuł Ojca Ojczyzny w uznaniu jego zasług (po raz pierwszy w historii Rzymu nadano go nie za wyczyny militarne). Mark Tullius Cicero został nauczycielem oratorium dla wielu pokoleń prawników, którzy studiowali w szczególności takie techniki Cycerona jak lamentacja. Zachowało się również ponad 800 listów Cycerona, zawierających wiele informacji biograficznych i wiele cennych informacji o społeczeństwie rzymskim pod koniec okresu republiki. Jego traktaty filozoficzne, które nie zawierają nowych idei, są cenne, ponieważ szczegółowo i bez zniekształceń przedstawiają nauki czołowych szkół filozoficznych jego czasów: stoików, akademików i epikurejczyków.
Twórczość Cycerona wywarła silny wpływ na myślicieli religijnych, w szczególności św. Augustyna, przedstawicieli odrodzenia i humanizmu (Petrarcha, Erazm z Rotterdamu, Boccaccio), francuskich oświeconych (Didro, Wolter, Rousseau, Monteskiusz) i wielu innych.

Dante urodził się i mieszkał we Florencji, został wybrany do władz miasta. Później musiał się dowiedzieć, jak ciężki jest los wygnania, jak gorzki jest chleb na obcej ziemi. Przez prawie dwadzieścia lat poeta wędrował po różnych miastach Włoch z nadzieją i rozpaczą, i zmarł w 1321 r. w Rawennie, nigdy nie przekraczając granic rodzinnej Florencji. Dante Alighieri był osobą ściśle religijną i nie przetrwał tych ostrych wahań moralnych i psychicznych, których odbicie widać w jego twórczości.
Kiedy młody Dante zaczął pisać wiersze, poeci starej szkoły woleli łacinę, której już nie mówiono. Dante miał czelność uczynić swoim obowiązkiem pisanie po włosku potocznym. Wersetem i prozą dwudziestosześcioletni Dante napisał o swojej miłości do Beatrice i nazwał tę książkę „ Nowe życie».
W ostatnich latach swojego trudnego i burzliwego życia Dante napisał wiersz, który zgodnie z ówczesnym zwyczajem nazwał „Komedią”. Aby napisać tak wielki wiersz w tertsinas, trzeba było opanować wszystkie bogactwa języka ojczystego. Dante, wyrażając w wierszu przytłaczające mu myśli o losach ojczyzny, wykorzystał wszystkie możliwości – słownictwo, rytm, muzykalność. Potomkowie docenili głębię dzieła, talent autora i, aby wyrazić swój podziw, nazwali go „Boską Komedią”. W sensie alegorycznym fabułą Boskiej Komedii jest człowiek. A ponieważ człowiek postępuje sprawiedliwie lub niesprawiedliwie na mocy swojej wolnej woli, podlega sprawiedliwości nagradzającej lub karzącej. Celem wiersza jest „wyprowadzenie ludzi ze stanu niepokoju do stanu błogości”. Tak mówi w przesłaniu do Can Grande della Scala, władcy Werony, któremu Dante podobno dedykował ostatnią część swojej komedii, interpretując jej dosłowne i ukryte alegoryczne znaczenie. Podejrzewa się, że ta wiadomość pochodzi od Dantego. Ale używali go już najdawniejsi komentatorzy komedii, w tym syn Dantego, choć bez podania autora.

"Milczę o Twojej urodzie wierszem. I czując głębokie zakłopotanie, chcę naprawić to przeoczenie I lecę pamięcią do pierwszego spotkania". Te piękne wiersze, które każdy kochanek ma zaszczyt przeczytać swojej ukochanej, zostały napisane 700 lat temu przez Francesco Petrarcę, którego wszyscy znają jako jednego z najwspanialszych poetów lirycznych wszechczasów i narodów. Tę sławę przyniosły mu wiersze o pięknej Laurze. Była mężatką, ale to nie przeszkodziło zakochanej poecie śpiewać jej piękno przez 21 lat i opłakiwać jej śmierć przez wiele kolejnych lat. Petrarka kochała swój kraj, jego wiersze wychwalające Włochy stały się na wieki hymnem włoskich patriotów. Petrarka nazywana jest pierwszym humanistą renesansu, ale niewiele osób wie, że samo słowo „humanista” zawdzięcza swoje pochodzenie Petrarki. Jako pierwszy przeciwstawił się średniowiecznej nauce, którą wówczas nazywano „boską wiedzą”, nauką o człowieku, nazywając ją „wiedzą ludzką”. Po łacinie wymawia się go jako „studio humana”. Stąd słowo „humanizm”. Dzieła Petrarki dzielą się na dwie nierówne części: poezję włoską („Canzoniere”) i różne dzieła pisane po łacinie. Jeśli łacińskie dzieła Petrarki mają bardziej historyczne znaczenie, to jego światowa sława jako poety opiera się wyłącznie na jego włoskich wierszach. Sam Petrarka traktował je z pogardą, jako „drobiazgi”, „błyskotki”, które pisał nie dla publiczności, ale dla siebie, starając się „jakoś, nie dla sławy, ulżyć żałobnemu sercu”. Bezpośredniość, głęboka szczerość włoskich wierszy Petrarki zadecydowała o ich ogromnym wpływie na współczesnych i późniejsze pokolenia.

Boccaccio Giovanni Boccaccio był nieślubnym synem kupca florenckiego i Francuzki, urodził się latem 1313 roku (nie wiadomo dokładnie). Jego rodzina pochodziła z Certaldo, dlatego nazywał siebie Boccaccio da Certaldo. Skłonność Giovanniego do poezji przejawiała się we wczesnym dzieciństwie. Ale kiedy chłopiec miał dziesięć lat, jego ojciec uczył go u kupca.
Giovanni Boccaccio jest autorem szeregu dzieł historycznych i mitologicznych po łacinie. Głównym dziełem Boccaccia, który uwiecznił jego imię, był jego słynny i gloryfikowany Dekameron, czyli cykl subtelnych, ironicznych opowiadań nasyconych humanistycznymi ideami, duchem wolnomyślicielstwa i antyklerykalizmu oraz odrzuceniem ascetycznej moralności. Zdjęcia erotyczne, afirmujący życie humor bardzo nieoczekiwanie ukazują nam obyczaje XIV wieku.
Boccaccio jest autorem szeregu dzieł historycznych i mitologicznych po łacinie. Wśród nich jest praca encyklopedyczna „Genealogia pogańskich bogów” w 15 księgach („De genealogia deorum gentilium”, pierwsze wydanie około 1360 r., traktaty „O górach, lasach, źródłach, jeziorach, rzekach, bagnach i morzach” („De montibus , silvis, fontibus, lacubus, fluminibus, stagnis seu paludibus et de nominibus maris”, rozpoczęte ok. 1355-1357); 9 książek „O nieszczęściach sławni ludzie” („De casibus virorum et feminarum illustrium”, pierwsze wydanie około 1360 r.). Książka "O sławnych kobietach" ("De claris mulieribus", rozpoczęta ok. 1361) zawiera 106 biografii kobiecych - od Ewy po królową Joannę Neapolitańską.

Pico della Mirandola był włoskim filozofem renesansu i humanistą, wyznawcą Platona. Miał tytuł hrabstwa i mówił kilkoma językami. W 1489 opublikował swoje „900 Tez”. Współcześni nazywali Pico „boskim”, widzieli w nim ucieleśnienie wysokich aspiracji kultury humanistycznej. Jego osobowość i dzieła znane były w całej wykształconej Europie. Zmarł w młodym wieku, Pico zasłynął książęcą hojnością, radosnym wyglądem, ale przede wszystkim niezwykłą różnorodnością zdolności, zainteresowań i wiedzy.
Zasymilowane różnorodne wpływy duchowe posłużyły jako punkt wyjścia dla rozwoju własnego systemu filozoficznego Pico della Mirandola. W grudniu 1486 roku 23-letni filozof skompilował „900 tez o dialektyce, moralności, fizyce, matematyce do publicznej dyskusji”, mając nadzieję na ich obronę podczas debaty filozoficznej w Rzymie. Debata, do udziału w której zaproszono naukowców z całej Europy (autor tez zobowiązał się opłacić podróż w obie strony), miała rozpocząć przemówieniem Pico, któremu nadano później nazwę „Przemówienie o Godność człowieka” (opublikowana w 1496 r.). Przypominając manifest, a nie przemówienie wprowadzające, „Mowa” poświęcona była dwóm głównym tematom: szczególnemu celowi człowieka we wszechświecie oraz pierwotnej wewnętrznej jedności wszelkich przepisów ludzkiej myśli. W 900 tezach cały program filozofii Pico został zamknięty w skondensowanej formie, której nigdy nie miał szansy w pełni zrealizować w pozostałych niepełnych 8 latach życia.

Włochy to bajeczny kraj, który dał światu wielu poetów, pisarzy i dramaturgów, których twórczość stała się standardem sztuki literackiej.

Do tej pory naukowiec i pisarz Umberto Eco(ur. 1932) jest dziś najbardziej poczytnym włoskim pisarzem na świecie. Oprócz znanych powieści Imię róży (1980), Wahadło Foucaulta (1988), Wyspa wigilii (1995) i Baudolino (2000) pisał także książki o historii kultury średniowiecznej, problematyce semiotyka oraz zbiór esejów Wędrówka w hiperrzeczywistość” (1986).

Następne pokolenie współczesnych włoskich prozaików to Roberto Calasso(ur. 1941), autor Ruiny Kas (1963), Brudny szaleniec (1974), Zaręczyny Kadmusa i harmonii (1988) oraz Antonio Tabucchi(ur. 1943), autor powieści Czarny anioł (1991) i Ostatnie trzy dni Fernando Pessoa (1993).

We Włoszech pracuje obecnie wielu utalentowanych pisarzy, którzy zdobyli sławę nie tylko w kraju, ale i za granicą. Wśród nich najpopularniejsze Alessandro Baricco(ur. 1958), autor Castles of Fury (1991), Sea-Ocean (1993) oraz Giuseppe Culicchia(ur. 1965), autor powieści You Can Drive Anyway (1994), Paso Doble (1995), Chatter (1997), Barnyard (2000), Walking with Anselm (2001).

Jesteśmy przekonani, że Włochy dadzą światu ponad stu wybitnych pisarzy, poetów i pisarzy. A skarby jej literatury na zawsze zachwycą człowieka swoim wdziękiem i pięknem!

- prace pisane w języku włoskim głównie przez Włochów, a także autorów innych narodowości zamieszkujących tereny współczesnych Włoch. Literatura włoska ma długą i wpływową historię. W tym czasie prawie wszystkie dzieła literackie średniowiecza zostały napisane po łacinie. Ponadto prace te miały głównie charakter praktyczny: ich autorzy studiowali w szkołach teologicznych. Literatura w języku włoskim rozwinęła się później niż literatura francuska i prowansalska (odpowiednio języki północnej i południowej Francji). Odnaleziono jedynie niewielkie fragmenty włoskiej poezji wernakularnej sprzed końca XII wieku (chociaż wiele dokumentów prawnych zawierało również sekcje w języku włoskim).
Obraz z XIV-wiecznego rękopisu przedstawiający Boecjusza nauczającego swoich uczniów (1385). Po upadku Cesarstwa Zachodniorzymskiego tradycję łacińską wspierało wielu pisarzy i poetów. W Rawennie rozkwitła humanistyka, a królowie gotyccy otoczyli się mistrzami retoryki i gramatyki.
Włosi zainteresowani teologią przenieśli się do Paryża. Ci, którzy pozostali, zwykle studiowali prawo rzymskie. Przyczyniło się to do powstania średniowiecznych uniwersytetów w Bolonii, Padwie, Neapolu, Salerno, Modenie i Parmie. Pomogli szerzyć kulturę i przygotowali grunt, na którym mogła się rozwijać nowa kultura. literatura ludowa. Tradycje klasyczne nie zniknęły, a przywiązanie do pamięci Rzymu, zaabsorbowanie polityką i prymat praktyki nad teorią wpłynęły na rozwój literatury włoskiej.
W przeciwieństwie do innych krajów, Włochy nie miały wystarczającej ilości legend, opowiadań, poematów i satyr, więc literatura włoska początkowo była pod silnym wpływem źródeł zagranicznych. Historia de excidio Trojae, co przypisuje się Dares of Troy, który stvrezhuvav, że był naocznym świadkiem wojny trojańskiej. Inspirował autorów z innych krajów, takich jak Benoit de Sainte-Maur, Herbort von Fritzlar i Kondrad von Würzburg. Podczas gdy Benoit pisał po francusku, zaczerpnął swój materiał z historii łaciny. Herbort i Conrad wykorzystali francuskie źródło, aby uczynić to niemal oryginalne dzieło własnym. własny język. Guido delle Colonna z Mesyny, jeden z poetów szkoły sycylijskiej, skomponował wiersz Historia zniszczenia to Troiae. W swoim wierszu Guido naśladował poezję prowansalską, ale w tej książce zamienił francuski romans Benoit w poważną rzymską historię.
Prawie to samo stało się z innymi głównymi legendami. Qualicino Arezzo napisał rymowany dwuwiersz o legendzie Aleksandra Wielkiego. Europa pełna była legend arturiańskich, ale Włosi zadowolili się tłumaczeniami i skrótami powieści francuskich.
Język łaciński nie zniknął we Włoszech. Używanie rodzimych dialektów w literaturze włoskiej było początkowo rzadkie, głównie w języku francuskim lub prowansalskim. Było wielu Włochów, którzy pisali poematy prowansalskie, takich jak markiz Alberto Malaspina (XII wiek), Maestro Ferrari Ferrara, Chigala z Genui, Zorzi z Wenecji, Sordello, Buvarelo z Bolonii i inni. Ich poezja miłosna nauczyła ludzi nowych dźwięków i harmonii.
W tym samym czasie poezję epicką pisano w mieszanym języku: dialekcie włoskim zmieszanym z francuskim. Słowa hybrydowe czytano zgodnie z regułami obu języków, słowa te miały francuskie korzenie i włoskie końcówki. Krótko mówiąc, eposy zostały napisane w języku hybrydowym. Wszystko to poprzedziło pojawienie się wyłącznie literatury włoskiej.
wpływy francuskie
proza ​​francuska i romanse rycerskie były popularne we Włoszech w XII i XIV wieku. Historie z cyklów karolińskich i arturiańskich były często czytane przez osoby piśmienne, a francuscy minstrele recytowali poezję w miejscach publicznych w północnych Włoszech.
Do XIII wieku rozwinęła się literatura „francusko-wenecka”, w większości anonimowa; Włosi kopiowali francuskie opowiadania, często adaptując i rozbudowując niektóre odcinki, a czasem tworząc nowe dzieła na podstawie francuskich.
Choć literatura ta została napisana po francusku, autorzy często świadomie lub nieświadomie wprowadzali elementy z własnych dialektów północnowłoskich, tworząc hybrydę językową. Autorzy ważnych dzieł prozatorskich, takich jak wenecki kanał Martino da i florencki Brunetto Latine (ich najsłynniejsze dzieła „Les estoires de Wenecja (1275, „Historia Wenecji”) i „Livres dou tresor” (1260; „Księgi skarbów”) odpowiednio) - znali język francuski lepiej niż tacy poeci, jak np. Sordello Mantua, który pisał wiersze po prowansalsku. Prowansalskie wiersze miłosne były zresztą równie popularne jak romanse francuskie.
Szkoła sycylijska
Pałac Normanów, jedno z miejsc spotkań poetów Fryderyka II W kulturowym otoczeniu sycylijskiego dworu cesarza Fryderyka II Hohenstaufów, który rządził królestwem sycylijskim w latach 1208-1250, teksty zostały napisane w wyrafinowanej wersji lokalnego dialekt. Poezja była uważana za ozdobę dworu i ucieczkę od życiowych problemów.
Najważniejszym z tych poetów był notariusz Jacopo da Lentini, uważany za wynalazcę odmiany sonetowej. Niestety, cała poezja szkoły sycylijskiej zachowała się jedynie w późnotoskańskich kopiach, które bardziej niż w rzeczywistości przypominają współczesne włoskie.
toskańscy poeci
Po śmierci Fryderyka II nadal pisano poezję sycylijską, ale centrum działalności literackiej przeniosło się do Toskanii, gdzie zainteresowanie tekstami prowansalskimi i sycylijskimi skłoniło toskańskiego poetę Guyttone d'Arezzo i jego zwolenników do jej naśladowania. formy wersetu według Dantego in De vulgari eloquentia,„jego mowa mieszała elementy dialektalne z latynizmami i prowansalizmami i nie miała piękna szkoły południowej”. W rzeczywistości Guittone był energicznym i złożonym poetą, którego reputacja nie mogła wytrzymać wpływu Dantego.
Nowy styl
Podczas gdy Guitton i jego zwolennicy jeszcze pisali, w poezji miłosnej pojawił się nowy kierunek, naznaczony troską o trafne i szczere wypowiedzi oraz nowym, poważnym podejściem do miłości. Przyjęło się powszechnie nazywać tę szkołę Dolce Stil Nuovo lub novo ("Słodkie nowy styl»), wyrażenie użyte przez Dante Alighieri w Boskiej komedii (Czyściec, Kanto XXIV, w. 27), gdzie podkreślał delikatność wypowiedzi właściwej dla obiektu miłości. Głównymi poetami tej szkoły byli Guido Guiniceli z Bolonii, Guido Cavalcanti, Dante, a także mniej znani poeci Gianni Lapo, Gianni Alfano i Dino Frescobaldi.
Ci poeci byli pod wpływem swoich dzieł. Guido Guinitzeli jest najbardziej znany ze swojej kanzony lub wiersza, który został nazwany „Al cor gentil rempaira semper amore” („Miłość zawsze znajduje schronienie w dobrym sercu”), która postawiła pytanie o problematyczną relację między miłością do kobiety a miłością do Boga. Jego poezję wysoko ocenił Cavalcanti, poważny i niezwykle utalentowany autor tekstów. Większość wierszy Cavalcantiego była tragiczna i zaprzeczała uszlachetniającemu działaniu miłości proponowanemu przez Guinitzeliego. Dante bardzo lubił Cavalcanti, którego później nazwał swoim „pierwszym przyjacielem”, ale jego własna koncepcja miłości, która zainspirowała jego miłość do zmarłej młodo (w 1290 r.) Beatrice, niewiele miała wspólnego z koncepcjami Guinitzeli. Vita Nowa Dante (1293; Nowe życie) to retrospektywna opowieść o jego miłości we wcześniej skomponowanych powiązanych ze sobą wierszach.
wiersz komiksowy
Poesia giocoso(wiersz realistyczny lub komiczny) był całkowitym przeciwieństwem poważnej poezji miłosnej. Język był często celowo niewybredny, potoczny, a czasem nieprzyzwoity. Ten rodzaj wiersza należy do starożytnych Europejska tradycja powstała w XII i XIII wieku, kiedy poeci pisali wiersze po łacinie, by wychwalać rozrywkę, oczernianie kobiet, ich osobistych wrogów lub Kościół. Chociaż postacie poetów tej szkoły są często surowe, a nawet okrutne, poeci komicy, których zwykłą formą poematu był sonet, byli kulturalnymi, wykształconymi literacko ludźmi, a nie buntownikami proletariackimi, jak sądzili ich krytycy.
Pierwszym poetą tego gatunku był Rustik di Filippo, który pisał zarówno wyrafinowaną poezję miłosną, jak i ordynarną, czasem nieprzyzwoitą poezję typu „realistycznego”. Najsłynniejszym poetą komiksowym jest Cecchi Angiolieri, którego ulubiona Becchina była parodią boskich kobiet nowego stylu.
literatura religijna
W XIII wieku we Włoszech miał miejsce ruch religijny wraz z pojawieniem się zakonów dominikanów i franciszkanów. Poezję pisał także Franciszek z Asyżu, mistyk i reformator Kościoła katolickiego, założyciel zakonu franciszkanów. Chociaż był wykształcony, poezja Franciszka była mniej oczyszczona z kolokwializmu niż twórczość poetów na dworze Fryderyka II. Według legendy Franciszek podyktował hymn kościelny Cantico del Sole w osiemnastym roku skruchy prawie pogrążył się w ekstazie, ale wątpliwości pozostają co do autentyczności tej legendy. Było to pierwsze duże dzieło poetyckie w północnych Włoszech, napisane w formie wiersza naznaczonego konsonansem, metodą poetycką rozpowszechnioną w północnej Europie. Inne wiersze, które wcześniej przypisywano Franciszkowi, są obecnie uznawane za niewystarczająco wiarygodne.
Jacopone da Then był poetą reprezentującym uczucia religijne, które w Umbrii odniosły wielki sukces. Jacopone miał obsesję na punkcie mistycyzmu św. Franciszka, ale był też satyrykiem, który wyśmiewał zepsucie i hipokryzję Kościoła. Kiedy zmarła żona Jacopone'a, smutek jego nagłej śmierci doprowadził go do sprzedania wszystkiego, co posiadał, i rozdania pieniędzy biednym. Jacopone okrył się szmatami, wstąpił do III Zakonu Świętego Franciszka. W drodze towarzyszył mu tłum ludzi, którzy wyśmiewali go i krzyczeli Jakopone, Jakopone. Majał przez lata, poddając się najcięższym cierpieniom i dając upust religijnemu upojeniu w swoich wierszach. Jacopone był mistykiem, który patrzył na świat przez swoją pustelnię.
W północnych Włoszech poezja religijna była przede wszystkim moralistyczna i pogrążona w pesymizmie, zakorzenionym w heretyckich ideach wywodzących się z manicheizmu. Wybitnymi poetami tego gatunku byli Bonvincine de la Riva (Libro delle tre scritture, v. „Księga Trzech Świętych” Pisma”), Giacomino da Verona, autor De Jerusalem Celesti ("Na niebiański Jerozolima”) i De Babilonia civitate infernali ("Na Piekielna ziemia babilońska »).
wczesna proza
Język włoski literacki powstał w XIII wieku, chociaż język łaciński nadal był używany do pisania prac z zakresu teologii, filozofii, prawa, polityki i nauki.
Twórca włoskiego stylu prozy artystycznej, boloński profesor retoryki bay Faba, który swoje opowiadania ilustrował przykładami tłumaczonymi z łaciny. Guittone d'Arezzo, jego najsłynniejszy zwolennik, skłaniał się do bujnego stylu wypełnionego retorycznymi obrazami.W przeciwieństwie do stylu Guittone, Ristori d'Arezzo pisał czystą prozę naukową (Della composizione del mondo, t. „O budowaniu świata”). Arcydzieło XIII-wiecznej prozy - Vita Nowa Dantego. Dante połączył prostotę z wielką elegancją i poetycką energią.
Czternasty wiek uważany jest za początek renesansu we Włoszech. Trzej główni autorzy tego okresu to Dante Alighieri, Francesco Petrarca i Giovanni Boccaccio.
Dante
Dante Alighieri Dante Alighieri jest jednym z najważniejszych i najbardziej wpływowych nazwisk w całej literaturze europejskiej, ale wszystkie swoje dzieła napisał dopiero po wyrzuceniu z rodzinnej Florencji w wieku 37 lat (1302). Rozprawa naukowa Convivio (1304-07; "Bankiet") wykazał się szczegółową znajomością filozofii scholastycznej i był pierwszym ważnym traktatem napisanym w języku ojczystym: jego język unikał otwartości popularnych autorów i sztuczności tłumaczy z łaciny. De vulgari eloquentia ( „O ludowej elokwencji”)- traktat pisany w tym samym czasie, ale po łacinie, zawierał pierwszą dyskusję teoretyczną i definicję włoskiego języka literackiego. Obie te prace pozostały niedokończone. W późniejszym dziele dogmatycznym, także po łacinie, De monarchia(zapisany w 1313), Dante przedstawia swoje teorie polityczne opisujące koordynację dwóch średniowiecznych mocarstw, papieża i cesarza.
Boska Komedia
Geniusz Dantego objawia się w pełni w jego Divina Commedia(1308-21 lat; Boska Komedia), alegoryczny poemat tertsiny (strofy trzech linijek po 11 kompozycji każda, rymowane aba, bcb, cdc itd.), arcydzieło literackie średniowiecza i jedno z najlepszych dzieł w całej historii ludzkości. Wiersz opowiada o podróży poety przez trzy królestwa zmarłych - Piekło, Czyściec i Raj pod przewodnictwem rzymskiego poety Wergiliusza. Każda sekcja składa się z 33 piosenek. Alegoryczne znaczenie ukryte jest głęboko w samym wierszu. Dante podróżujący przez Piekło, Czyściec i Raj jest symbolem ludzkości, której celem jest osiągnięcie tymczasowego i wiecznego szczęścia. Las, w którym zgubił się poeta, symbolizuje niepokoje społeczne i religijne w społeczeństwie pozbawionym dwóch przywódców, cesarza i papieża. Oświetlona słońcem góra to monarchia uniwersalna. Trzy bestie to trzy wady i trzy siły, które stworzyły największe przeszkody dla intencji Dantego. Virgil reprezentuje rozsądek i imperium. Beatrice jest symbolem nadprzyrodzonej pomocy, bez której człowiek nie może osiągnąć najwyższego celu, którym jest Bóg.
Zasługa wiersza nie leży w alegorii, która nadal łączy go z literaturą średniowieczną. Dante znany jest z wielkości i delikatności swojej sztuki. Materiały do ​​swojego wiersza o teologii, filozofii, historii i mitologii, ale przede wszystkim czerpał z własnych pasji, z nienawiści i miłości. Okres po napisaniu wiersza uważany jest za okres renesansu w literaturze włoskiej. Ta praca została napisana w okresie romantyzmu i nadal wpływa na współczesnych poetów zarówno we Włoszech, jak i za granicą.
Petrarka
Petrarka, na fresku André di Bartholian di Bargiglia (około 1450) intelektualne roboty Francesco Petrarki były literackie i retoryczne, a nie logiczne i filozoficzne, jego poglądy polityczne były bardziej ryzykowne niż te z Dantego. Wpływ Petrarki na literaturę był ogromny, od włoskich humanistów następnego stulecia po poetów i uczonych w całej zachodniej Europie. Odrzucił średniowieczną scholastykę i wziął za wzór klasycznych autorów rzymskich. Ta zbieżność interesów jest widoczna w jego etycznych i dzieła religijne. Ideały humanistyczne inspirowały jego wiersz „Afryka” (1338) i dzieła historyczne, ale dialog autobiograficzny sekret mem(1342-58) jest najważniejszy dla pełnego zrozumienia jego sprzecznych ideałów. Canzoniere to zbiór sonetów, pieśni, sestin, ballad i madrygałów, nad którymi pracował niestrudzenie od 1330 roku aż do śmierci. Chociaż ten zbiór wierszy ludowych miał opowiedzieć historię jego miłości do Laury, w rzeczywistości był to analiza nie prawdziwej miłości, ale pasji, którą zdobył. Oprócz Canzoniere Petrarka napisał alegoryczny poemat Trionfi(1351-74; Triumfy) w tradycji średniowiecznej, ale brakowało jej moralnej i poetyckiej inspiracji wielkiego poematu Dantego.
Fenomen literacki znany jako Petrarchizm rozprzestrzenił się za życia poety i rozwijał się przez następne trzy stulecia, głęboko wpływając na literaturę Włoch, Hiszpanii, Francji i Anglii.
Boccaccio
Portret Giovanniego Boccaccia Wczesne dzieła Boccaccia były wyłącznie literackie, bez znaczenia dydaktycznego. Jego pierwsza praca prozatorska, Il filocolo („Praca miłości”), zaczerpnięty z francuskiej powieści Floire i Blancheflor i był ważnym eksperymentem literackim. Nieumiejętność pisania w epickiej skali była widoczna w dwóch jego wierszach. Il filostrato (1338), „Smutny z miłości”) oraz Tesejdzie. Dekameron (1348-53; „Dekameron”) zbiór prozą 100 opowiadań opowiedzianych przez dziesięciu bajarzy - 3 mężczyzn i 7 kobiet w 10 dni, był najbardziej dojrzałym i najważniejszym dziełem Boccaccia. Jego stosunek do współczesnego społeczeństwa miejskiego wahał się od humorystycznego do tragicznego. Stylistycznie to najlepszy przykład włoskiego proza ​​klasyczna zbiór ten wywarł również ogromny wpływ na literaturę renesansu.
Jako wyznawca Petrarki, Boccaccio podzielał zainteresowania humanistów swoich czasów, co widać w jego łacińskich listach i traktatach encyklopedycznych. Jako gorący zwolennik Dantego pisał także „Traktat Pochwały Dantego”.
Dni humanizmu
Europejski renesans („Odrodzenie” klasycznej przeszłości) faktycznie rozpoczął się we Włoszech w XIV wieku wraz z przybyciem Petrarki i Boccaccio. Ogromne znaczenie miał wiek XV, ponieważ były to wieki, w których stopniowo wyraża się nowa wizja życia ludzkiego, obejmująca odmienną koncepcję człowieka, a także współczesne zasady etyki i polityki. Było to z jednej strony wynikiem sytuacji politycznej, która była zupełnie inna niż sytuacja tych, którzy odeszli, a z drugiej strony ponownego odkrycia starożytności klasycznej. Jeśli chodzi o pierwszy punkt, prawie wszyscy włoscy książęta rywalizowali ze sobą w XV wieku: wspierali kulturę poprzez protekcjonalne badania, oferowanie gościnności i wsparcia finansowego osobom piśmiennym swoich czasów oraz zakładanie bibliotek. W konsekwencji ich dziedzińce stały się ośrodkami studiów i dyskusji, a tym samym umożliwiły wielki renesans kulturowy. Najsłynniejszymi dworami były dwory książęce Florencji, pod wodzą Lorenzo de' Medici "Pięknego"; Neapol; Mediolan, najpierw pod panowaniem wicehrabiego, a potem rodu Sforzów, wreszcie na dworze papieskim w Rzymie, który zapewniał ochronę i wsparcie dużej liczbie uczonych włoskich i bizantyjskich. Jeśli chodzi o drugi punkt, poszukiwania zaginionych rękopisów starożytnych autorów, rozpoczęte przez Petrarkę w poprzednim stuleciu, doprowadziły do ​​niezwykłego ożywienia zainteresowania klasyczną starożytnością, w szczególności wiele badań poświęcono starożytnej filozofii, zwłaszcza Platona, fakt miało to głęboki wpływ na ogólne myślenie o renesansie.
Ogólnie, nowa kultura Wiek XV był przewartościowaniem człowieka. Humanizm sprzeciwiał się średniowiecznemu przedstawianiu człowieka jako istoty o stosunkowo niewielkiej wartości. Artyści renesansu wychwalali ją jako centrum wszechświata, siłę jej duszy jako połączenie doczesnego i duchowego oraz ziemskie życie jako królestwo, w którym dusza sprawuje swoją władzę. Pojęcia te, wywodzące się w przeważającej mierze z nowego zainteresowania Platonem, były przedmiotem wielu traktatów, z których głównym był Giannozzo Manetti De dignitate et excellentia hominis(ukończony w 1452, „O cnotach człowieka”) Giannozzo Menetti i Oratio de hominis dignitate(napisana w 1486 r.; Oracja o godności człowieka) Giovanniego Pico della Mirandola. Humanistyczna wizja ewoluowała w tym okresie, potępiając wielu Poglądów religijnych O średniowieczu, które wciąż były rozpowszechnione: monastyczne ideały izolacji i obojętności na sprawy świata były krytykowane na przykład przez Leonardo Bruni, Lorenzo Vallę i Gian Francesco Poggio Brachiolini. Pomimo tych ataków humanizm nie był zasadniczo antychrześcijański, ponieważ generalnie pozostawał oddany wierze chrześcijańskiej.
W pierwszej połowie XV wieku humaniści, z entuzjazmem dla literatury łacińskiej i greckiej, gardzili włoskimi gwarami. Pisali głównie prozą łacińską. Pisząc martwym językiem i podążając za kulturą, jako poeci rzadko wykazywali się oryginalnością. Pod koniec XV wieku znane były tylko wyjątki Giovanniego Pontano, Michele Marullo Tarcanioty i Jacopo Sannazzaro. Poeci ci odnieśli sukces w tworzeniu prawdziwej poezji, w której nowe lub mniej nowe tematy wyrażane były z nową intymnością i pasją.
Rozwój literatury w języku ojczystym
W połowie XV wieku język włoski zaczął wypierać łacinę jako język literacki. W 1441 r. we Florencji odbył się konkurs poetów, którego celem było udowodnienie, że mówiony włoski w niczym nie ustępuje łacinie. W drugiej połowie stulecia powstało tam wiele dzieł, które inspirowały średniowieczne legendy rycerskie czy nową kulturę humanistyczną.
Nowe ideały humanistów dopełniły się w twórczości trzech wybitnych postaci Angelo Poliziano, Jacopo Sannazzaro i Leona Battisty Albertiego, łączących szeroką wiedzę o starożytności z głęboką inspiracją. Bardzo ważna praca Poliziano - niedokończone S tanze cominciate per la giostra del Magnifico Giuliano de "Medici (1475-78; „Strofy rozpoczęte na Turniej Piękna Giulino de' Medici”)- Dedykowane Lorenzo, bratu Giulino Medici.
Pietro Bembo z Wenecji opublikował swoją Prose della volgar lingua („Pismo w języku ojczystym”) w 1525. W tej pracy, która była jedną z pierwszych historycznych gramatyk włoskich, Bembo użył literackiego języka włoskiego opartego na XIV-wiecznym dialekcie toskańskim, używanym zwłaszcza przez Petrarchę i Boccaccio. Doszedł do wniosku, że praca Dantego była nierówna stylistycznie i nie dość przyzwoita. Bembo sprzeciwiał się tym, którzy uważali, że język literacki powinien opierać się na współczesnym użyciu, zwłaszcza Gian Giorgio Trissino, który rozwinął teorie Dantego dotyczące włoskiego jako języka literackiego. W praktyce problem był zarówno językowy, jak i stylistyczny, a w pierwszej połowie XVI wieku wielu innych uczonych przedstawiało własne wersje, choć w drugiej połowie stulecia ostatecznie zwyciężyła teoria Bembo. Było to w dużej mierze spowodowane działaniami Accademia della Crusca we Florencji, a to bardziej naukowe podejście do kwestii języka doprowadziło do pierwszej publikacji na uczelni francuskiego słownika w 1612 roku.
W pierwszych dziesięcioleciach XVI wieku podręczniki do poezji były jeszcze komponowane według idei humanistów i nauk rzymskiego poety Horacego. Dopiero po 1536 roku oryginalny tekst klasyczny został opublikowany po raz pierwszy w niekompletnej grece. Poetyka Arystoteles i stopniowy rozwój uwidaczniają się w teorii estetycznej.
Polityczne, historyczne, biograficzne i literatura moralna
Prace Niccolo Machiavelliego odzwierciedlały rozważania renesansowe w oryginalnych aspektach, zwłaszcza w obiektywnej analizie natury ludzkiej. Machiavelli jest uważany za twórcę nowej politologii: polityki oddzielonej od etyki. U podstaw jego idei leżało jego własne doświadczenie polityczne, które rozwijał zgodnie z takimi ogólnymi zasadami, jak koncepcja virtu ("inicjatywa indywidualna") i fortuny. Słynny traktat Machiavelli Il Principe (książę) został napisany w 1513 roku. Przekazuje w nim swoje przekonanie o przewadze virtu i ujawnia swoją profetyczną postawę, opartą na czytaniu historii i obserwowaniu współczesnych starć politycznych. Jego opis wzorowego władcy stał się na dwa stulecia kodeksem posiadaczy absolutnej władzy w całej Europie. Siedem ksiąg Machiavellego Dell „arte della guerra (1521), "Sztuka wojny") zajmował się tworzeniem nowoczesnej armii i był bardziej wyspecjalizowany, podczas gdy jego prace historyczne w szczególności Historia fiorentine (1520-25, „Historia Florencji” zilustrował teorie nakreślone w jego pracach naukowych. Machiavelli pisał także fikcję, w szczególności swoją słynną sztukę La Mandragola(1518) to jedna z największych komedii stulecia.
Chociaż Francesco Gucciardini był bardziej realistą (lub pesymistą) niż Machiavelli, był jedynym historykiem XVI wieku, którego można było umieścić w konstruowanych przez niego teoriach politycznych. Gucchiardini zwrócił uwagę na egoizm osób zaangażowanych w działalność polityczną i sprawił, że teorie Machiavellego wydawały się idealistyczne w porównaniu z jego. Jedno z głównych dzieł Gucciardiniego his Ricordi (1512-30; „Notatki”) należy do najbardziej oryginalnych pism politycznych stulecia. Gucchiardini był także pierwszym, który stworzył prawdziwie narodową historię Włoch, umieszczając ją w kontekście europejskim i podejmując próbę bezstronnej analizy przyczyn i konsekwencji.
Vite de "piu eccellenti architetti, pittori et scultori italiani da Cimabue insino a" tempi nostri (1568, „Życie wybitnych malarze, rzeźbiarze i architekci”) Giorgio Vasari zawierał ponad 200 biografii i był pierwszym krytycznym i ocena historyczna Sztuka włoska.
Wysokie aspiracje moralne Renesansu, wyrażone w: Baldassare Castiglione Cortegiano(opublikowany w 1528 r. „Sąd”). Ta praca opowiada o doskonałym dworzaninu, szlachetnej damie i związku między dworzaninem a księciem. Była to jedna z najbardziej wpływowych książek stulecia. Giovanni della Casa był także autorem innego słynnego dzieła, Galateo(1551-54; Galatea to imię głównego mówcy). Była to książka o uprzejmości, w której w pełni wyraża się dowcipny umysł autora i oczyszczenie współczesnego włoskiego społeczeństwa.
Poezja
Poezja liryczna w XVI wieku to prawie wszystko najlepsi autorzy wieki pisały poezję liryczną w stylu Petrarki. Zaskakująca oryginalność była tylko w wierszach Della Casa i Galeazzo di Tarsia, które u współczesnych widziały energicznym stylem. Na uwagę zasługują także pełne pasji sonety poety z Padwy Gaspari Stampy.
Tradycja poematu humorystycznego i satyrycznego została utrzymana także w XVI wieku. Znanym poetą tego gatunku był w tym czasie Francesco Berni, którego parodystyczne wiersze, o nieprzyzwoitych lub błahych tematach, wykazywały dowcip i stylistykę. W tym okresie popularna była także poezja dydaktyczna, rozwijana już przez humanistów.
Najczystszym wyrazem klasycznego smaku renesansu była praca Ludovico Ariosto Orlando furioso(1516), "Orlando the Mad"), łączący wiele epizodów zaczerpniętych z popularnych eposów średniowiecza i wczesnego renesansu. Wiersz jest właściwie kontynuacją Boiardo Orlando innamorato. Orlando furioso był pięknym wyrazem trendów literackich włoski renesans i miał ogromny wpływ na późniejszą europejską literaturę renesansową. Ariosto pisał także komedie, które na wzór komedii rzymskich stały się podwalinami włoskiego dramatu.
Podejmowano również próby przywrócenia gatunku poematów epopei na „regułach” kompozycji wierszowej Arystotelesa. Teoretyk języka Gian Giorgio Trissino napisał wiersz Italia liberalata da Goti(„Włochy wyzwolone od Gotów”) zgodnie ze ścisłymi zasadami Arystotelesa, podczas gdy Almanni starał się skoncentrować historię na jednej postaci w Girone il cortese(1548, „Girone Grzeczny”) i Awarchide (1570)).
W ciągu stulecia wynaleziono dwie parodyczne formy połączenia wersetów. Wiersze Fidenziana bierze swoją nazwę od twórczości Camilla Scrofa, poety, który pisał parodie dzieła Petrarki, łącząc łacińskie słowa i składnia włoska. Z drugiej strony werset makaroński to termin nadany temu wersecie, składający się z włoskich słów i łacińskiej składni. Teofilo Folegno, mnich benedyktyński, był najlepszym przedstawicielem literatury makaronowej. Jego arcydziełem był wiersz w 20 książkach Baldusa (1517).
Torcuato Tasso, syn poety Bernarda Tasso, był ostatnim wielkim poetą włoskiego renesansu i jednym z najsłynniejszych we włoskiej literaturze. W swoim epickim wierszu Gerusalemme liberalata (1581), „Wyzwolona Jerozolima” podsumował tradycję literacką typową dla renesansu: klasyczną epopeję wskrzeszoną zgodnie z duchowymi zainteresowaniami swoich czasów. Tematem wiersza jest pierwsza krucjata, której zadaniem było odzyskanie Jerozolimy. Struktura wiersza dramatyzuje walkę. Jej patos polega na ogromnym koszcie samo-panowania. L „Aminta(1573), radosny i niestrumieniowy dramat, był najlepszym przykładem młodzieńczej poezji Tasso i należał do nowego gatunku literackiego – pasterstwa (mówiącego o wyidealizowanej sile życia). Gerusalemme liberata była jednak wynikiem równowagi w spornych dążeniach poety. W następnym wierszu Gerusalemme conquistata (1593, „Pokonana Jerozolima”) Tasso naśladował Homera i przepisał jego wiersz zgodnie ze sztywnymi regułami Arystotelesa i ideałami reakcji Kościoła rzymskokatolickiego na protestancką reformację, zwaną kontrreformacją. Konflikt Tasso zakończył się zwycięstwem zasady moralistycznej: nowy wiersz nie powiodło się.
Dramat
Sofonisba Giana Giorgio Trissino (napisana w latach 1514-15; imię to imię głównego bohatera) była pierwszą tragedią w języku włoskim, inspirowała literaturę klasyczną, jej struktura wywodziła się z wzorców greckich, ale jej walory poetyckie były nieco mierne . W połowie XVI wieku Gimbattista Giraldi sprzeciwiał się imitacji dramatu greckiego, proponując jako nowy wzór rzymskiego tragika Senekę, a w dziewięciu tragediach i tragikomedii napisanych w latach 1541-1549 wykazał pewną niezależność od reguł Arystotelesa. Giraldi miał wielki wpływ na dramat europejski, zwłaszcza na teatr angielski okresu elżbietańskiego.
Włoskie komedie tego stulecia, które inspirowały rzymskie modele, miały świetne wartość artystyczna niż tragedie i pełniej odzwierciedlały ówczesne życie. Te komedie były punktem wyjścia dla nowoczesnego dramatu europejskiego.
Od połowy XX wieku aktor Angelo Beolco jest uznawany za jednego z najlepszych dramaturgów XVI wieku. Jego prace, często monologi pisane w wiejskim dialekcie padewskim, z realizmem i głęboką powagą podejmują problematykę pogardy chłopa. Innym znanym dramatopisarzem tego stulecia jest wenecki Andre Calm, który wykazał się wielkim talentem do tworzenia postaci w swoich komediach o skomplikowanych romansach.
Wiek XVII w literaturze włoskiej tradycyjnie przedstawiany jest jako okres „upadku”, w którym pisarze pozbawieni sentymentalizmu uciekali się do przesady i maskowali ubóstwo swoich tematów nadmiarem form. Okres ten był jednak niezwykle ważny.
Poezja i proza
Popularność satyry była reakcją na te warunki. Wybitny w tym gatunku był neapolitański Salvador Rosa, który napisał siedem satyr na przywary i przywary epoki. Alessandro Tasoni zyskał wielką sławę dzięki satyrycznemu pseudo-heroicznemu wierszowi La secchia rapita (1622; Kradzież wiadra). Najbardziej poetą tego okresu był Tommaso Campanella, dominikanin, który spędził większość swojego życia wiek dojrzały skazany za działalność antyrządową. Campanella jest prawdopodobnie mniej znany ze swojej humorystycznej poezji filozoficznej niż for Citta del sole(1602; Miasto Słońca), wizja politycznej utopii, w której opowiadał się za zjednoczeniem ludzkości przez teokrację opartą na religii naturalnej.
Włochy słyną z gatunku Giallo w literaturze i kinie. To rodzaj kryminału z elementami horroru. W XXI wieku gatunek ten nabrał nowych nowoczesnych form zarówno tworzenia, jak i komponowania dzieł oraz ich kompozycji. Jednym z najbardziej znanych pisarzy i artystów współczesnego włoskiego horroru jest Giovanni Budza. Jego prace pełne są licznych sztuk motywy folklorystyczne zarówno starożytne, jak i współczesne. Niepokój i smutek przeszywają z przerażeniem każdą powieść pisarza w każdym opowiadaniu. Giovanni Budza jest ceniony nie mniej niż Howard Lovecraft czy Clive Barker. To jest prawdziwe współczesny autor z własnym niedoskonałym smakiem i silną estetyką.

Półwysep włoski przyciągał pisarzy epoki carskiej swoim sprzyjającym klimatem, a przede wszystkim dziedzictwem artystycznym i historycznym, którego świadectwa znajdowali dosłownie na każdym kroku. Obsesja na punkcie Włoch i przekleństwo Włoch, pożądanie i nostalgia. Wzywając do siebie lub wywołując pragnienie powrotu, Włochy pozostały przedmiotem pasji, która wypełniała dusze i strony rosyjskich pisarzy. Poetów i prozaików, realistów i romantyków łączyła ta czerwona nić, która przecina cały wiek XIX i częściowo początek następnego stulecia.

Rosja, uznawana we Włoszech za zamkniętą, zaczęła otwierać się na Europę za Piotra Wielkiego, który dekretem z 1696 r. zaprosił dzieci z zamożnych rodzin na edukację na Zachodzie. I wkrótce półwysep włoski stał się pożądanym celem zarówno przelotnych wycieczek – na przykład wyjazdów Antoniego Czechowa, który trzykrotnie odwiedzał „Krainę Czarów”, zatrzymując się zawsze w Wenecji – „pięknym mieście”, jak i długich wizyt, na przykład socjalista Maksym Gorki czy realista Nikołaj Gogol, który powiedział: „Cała Europa, żeby patrzeć, a Włochy, żeby żyć” oraz „Kto był we Włoszech, powiedz „przebacz” innym krajom. Ten, który był w niebie, nie będzie chciał wylądować. „Dążyli tu przede wszystkim ze względu na klimat i zabytki kultury. , niektóre podkopane gruźlicą lub innymi nieszczęściami I tak jak słońce wszystko przesiąknięte historią i sztuką: antyki "rozrzucone pod stopami", place "zrujnowane", galerie sztuki "które można oglądać przez cały rok", ulice „szkoły artystów i rzeźbiarzy w prawie każdych drzwiach” i wielu kościołach, jak „wszędzie na świecie”.

Niestety Rosja nie budziła we Włoszech równie burzliwego podziwu ze względu na swoje oddalenie geograficzne i polityczne. Twierdzę Świętego Przymierza, carskie imperium, uważano za symbol Reakcji, a we Włoszech panowało przekonanie, że pośród politycznego zacofania może istnieć tylko kulturowa bieda. Dlatego twórczość literacka rosyjskich pisarzy tamtej epoki nie wzbudziła dużego zainteresowania. Mimo że literatura rosyjska przeżywała swój największy historyczny rozkwit, w pismach literackich i kulturalnych pierwszej połowy XIX wieku pojawiają się tylko sporadyczne odniesienia do niej. Kilka salonów literackich stało się oazami zainteresowania na pustyni obojętności i ignorancji, na przykład salony Demidowów we Florencji i salony księżnej Wołkońskiej. Dzieła Dostojewskiego i Tołstoja trafiły do ​​obiegu dopiero w drugiej połowie stulecia, a następnie, na potwierdzenie ówczesnej intelektualnej prowincjonalności, za pośrednictwem Francji.

Kontrastowanie nieuwagi włoskiej inteligencji z kulturą rosyjską i bliskość pisarzy carskiej Rosji z kulturą włoską powoduje surrealistyczne spięcia.

Na przykład to we Włoszech Gogol napisał pierwszą część „Martwych dusz” i to właśnie prace Dantego zainspirowały go do włączenia tego wiersza do trylogii. Jednak Włochy nie widziały pojawienia się tego arcydzieła.

Plac Pitti: miejsce, w którym Dostojewski skończył swoją powieść „Idiota”

Będąc we Florencji, trzeba po prostu podążać szlakami spacerowymi pisarza. Tu urodziła się jego córka Ljubow i tu skończył swoją najsłynniejszą powieść.

Florencja, Plac Pitti, Civico 22. Za krótką uroczystością tablicy pamiątkowej kryje się jeden z najbogatszych „okresów włoskich” rosyjskiego pisarza. W tym domu narodził się owoc miłości Fiodora Dostojewskiego i jego żony Anny - córki, której nie bez powodu nazwali Ljubow. W tym samym domu autor „Zbrodni i kary” ukończył dzieło, które „dręczyło go od dawna, bo pomysł na przedstawienie człowieka absolutnie życzliwego” był trudny, takiego współczesnego Jezusa, który stworzył powieść „Idiota” jedna z najsłynniejszych powieści literatury rosyjskiej. Tak więc 1868, era metropolitalnej Florencji. Pałac Pitti - rezydencja króla zjednoczonych Włoch. A Dostojewski, który uciekł do Europy przed moskiewskimi wierzycielami, znajduje dom na słynnym placu, na którym wznosi się Pałac Królewski. „Zmiany znów wywarły korzystny wpływ na mojego męża i zaczęliśmy razem spacerować po kościołach, muzeach i pałacach” – pisze jego żona we wspomnieniach z roku spędzonego we Florencji.

Był to szczęśliwy okres, którego rytm wyznaczały codzienne spacery po Ogrodach Boboli i napięte terminy pisma Russky Vestnik, w którym publikowano rozdziały powieści. Wraz z powrotem Dostojewskiego do Petersburga Włochy nie znikają z jego życia. W artykułach publikowanych przez Dostojewskiego w czasopiśmie Grażdanin można dostrzec poczucie nostalgii za Włochami, których już nie widział: tym „dwutysiącletnim” krajem, w którym Włosi „nosili w sobie uniwersalną… prawdziwą ideę zjednoczenie całego świata”. Pomysł, którego nie ma w „stworzeniu hrabiego Cavoura”, który jest po prostu „zjednoczonym drugorzędnym królestwem, które straciło wszelką ingerencję w świat”, który ma „nie duchową, ale maszynową podstawę”.

Podróż do Rzymu: „ojczyzna duszy” Nikołaja Gogola

Pisarz mieszkał w stolicy Włoch w latach 1837-1841, gdzie natchnął go i napisał „Płaszcz” i pierwszą część „Martwych dusz”.

Każdy świat nieuchronnie ujawnia nam rozczarowujące niuanse, które przeoczyła nasza wyobraźnia, ale z Włochami Nikołaja Gogola tak nie było. Był w niej zakochany, zanim jeszcze ją zobaczył, dedykując jej te wersy ze swojej pierwszej pracy pisanej i jedynej pracy wierszem:

„Włochy to luksusowy kraj!
Jej dusza jęczy i tęskni za tym. Ona jest rajem, cała radość jest pełna,
A w nim wypływa luksusowa miłość... Ten ogród, gdzie w chmurze marzeń
Raphael i Torquat wciąż żyją! Czy zobaczę cię, pełnego oczekiwań?

A kiedy w końcu ją zobaczył, nie zawiódł się. Wręcz przeciwnie: mówił o Włoszech jako „miejscu narodzin jego duszy”, miejscu, w którym żyła przed nim. Rozczarowany nikłym sukcesem inscenizacji komedii Generalny Inspektor w Petersburgu Gogol, po odwiedzinach w Niemczech, Szwajcarii i Francji, w 1837 r. przeniósł się do Włoch. Jednym z powodów był m.in. zły stan zdrowia pisarza. W Rzymie, powiedział, „cała wiorsta człowieka jest bliższa Bogu”, a powietrze jest takie, że „gorączkowe pragnienie przemienienia się w jeden nos… którego nozdrza byłyby dobrymi wiadrami”, aby poczuć, jak „przylatuje co najmniej siedemset aniołów”. Do 1841 roku Gogol mieszkał przy ulicy Santo Isidoro 17, odwiedzając rosyjskich i włoskich pisarzy, takich jak Gioacchino Beli.

Kochał Włochy, podziwiał ich bogactwo historyczne i artystyczne – „wszystko, o czym czytasz w książkach, widzisz tu przed sobą” – ich naturę i ludzi, „którzy mają do tego stopnia zmysł estetyczny”. Tu urodzony na Ukrainie pisarz był szczęśliwy, a Włochy stały się dla niego źródłem inspiracji: tu napisał pierwszą część Dead Souls, Portrait and Coat, szczyt jego lekceważącej komedii. I tutaj zaczął rozwijać ideę oczyszczenia duszy, która następnie wpłynęła na dużą część literatury rosyjskiej.

Literatura włoska zajmuje ważne miejsce w kulturze Europy. Stało się tak pomimo faktu, że sam język włoski nabrał rysów literackich dość późno, około 1250 roku. Wynikało to z silnych wpływów łaciny we Włoszech, gdzie była ona najszerzej używana. W szkołach, które miały przeważnie świecki charakter, wszędzie uczono łaciny. Dopiero gdy udało się pozbyć tego wpływu, zaczęła nabierać kształtu autentyczna literatura.

renesans

Pierwszy znane prace Literatura włoska należy do renesansu. Kiedy sztuka rozkwita w całych Włoszech, literatura stara się nadążyć. Do tego okresu należy jednocześnie kilka znanych na całym świecie nazwisk - Francesco Petrarca, Giovanni Boccaccio, Dante Alighieri. W tym czasie włoska literatura francuska Renesans nadaje ton całej Europie. I nie jest to zaskakujące.

Dante jest słusznie uważany za twórcę włoskiego języka literackiego. Żył i pracował na przełomie XIII-XIV wieku. Jego najsłynniejszym dziełem była Boska Komedia, która zawierała pełną analizę kultury późnego średniowiecza.

W literaturze włoskiej Dante pozostał poetą i myślicielem, który nieustannie szukał czegoś zasadniczo nowego i odmiennego od codzienności. Miał muzę, którą czcił, imieniem Beatrice. Ta miłość w końcu nabrała tajemniczego, a nawet mistycznego znaczenia. W końcu wypełniał nim każdą ze swoich prac. Wyidealizowany wizerunek tej kobiety jest jednym z kluczowych w twórczości Dantego.

Sława przyszła do niego po wydaniu opowiadania „Nowe życie”, które opowiadało o miłości, która odnowiła głównego bohatera, zmuszając go do innego spojrzenia na wszystko dookoła. Składał się z kanzonów, sonetów i opowiadań prozą.

Dużo czasu Dante poświęcił także traktatom politycznym. Ale jego głównym dziełem jest nadal Boska Komedia. To wizja życia pozagrobowego, bardzo popularnego wówczas gatunku w literaturze włoskiej. Wiersz to alegoryczny budynek, w którym gęsty las, gdzie główny bohater, reprezentuje ludzkie grzechy i złudzenia, a najsilniejszymi namiętnościami są duma, zmysłowość i interes własny.

Bohater „Boskiej Komedii” wraz z przewodnikiem wyrusza w podróż przez piekło, czyściec i raj.

Najbardziej kompletny obraz pisarzy i dzieł tego kraju można skompilować z encyklopedii Mokulsky'ego. Literatura włoska na podstawie tego opracowania ukazuje się w pełnej krasie.

Jednym z najbardziej znanych poetów lirycznych we Włoszech jest Francesco Petrarch. Żył w XIV wieku, był wybitnym przedstawicielem pokolenia humanistów. Co ciekawe, pisał nie tylko po włosku, ale także po łacinie. Co więcej, światową sławę zdobył właśnie dzięki włoskiej poezji, którą za życia traktował z pewną dozą pogardy.

W tych pracach regularnie odwołuje się do swojej ukochanej o imieniu Laura. Czytelnik z sonetów Petrarki dowie się, że po raz pierwszy spotkali się w kościele w 1327 roku, a dokładnie 21 lat później jej nie było. Nawet po tym Petrarka śpiewała przez dziesięć lat.

Oprócz wierszy poświęconych miłości do Laury, włoskie cykle zawierają utwory o charakterze religijno-politycznym. Włoska literatura renesansu jest przez wielu postrzegana przez pryzmat poezji Petrarki.

Innym wybitnym przedstawicielem włoskiego renesansu w literaturze jest Giovanni Boccaccio. Swoimi dziełami miał znaczący wpływ na rozwój całej kultury europejskiej. Boccaccio napisał wiele wierszy opartych na tematach z mitologii starożytnej, aktywnie wykorzystywał w swojej pracy gatunek opowieści psychologicznej.

Jego głównym dziełem był zbiór opowiadań „Dekameron”, jedno z najbardziej uderzających dzieł włoskiej literatury renesansu. Opowiadania zawarte w tej książce, jak zauważają krytycy, są nasycone humanistycznymi ideami, duchem wolnej myśli, humorem i pogodą ducha, odzwierciedlają pełną paletę współczesnego autorowi włoskiego społeczeństwa.

Dekameron to zbiór 100 historii opowiadanych sobie przez siedem pań i 13 mężczyzn. Podczas zarazy, która ogarnęła kraj, uciekają do odległej posiadłości na wsi, gdzie spodziewają się przeczekać epidemię.

Wszystkie historie przedstawione są prostym i eleganckim językiem, narracja tchnie różnorodnością i życiową prawdą. Boccaccio używa w tych opowiadaniach wielu technik artystycznych, przedstawiających ludzi o różnym charakterze, w różnym wieku iw różnym stanie.

Miłość, którą maluje Boccaccio, zasadniczo różni się od idei romantycznych związków Petrarki i Dantego. Giovanni ma palącą pasję, która graniczy z erotyzmem, odrzucając ustalone wartości rodzinne. Literatura włoskiego renesansu w dużej mierze opiera się na dekameronie.

Duży wpływ mieli także pisarze innych państw. Bardzo szybko i dynamicznie rozwijała się włoska i francuska literatura renesansu, reprezentowana także przez takie nazwiska jak Pierre de Ronsard i wiele innych.

XVII wiek

Następny kamień milowy- rozwój literatury włoskiej XVII wieku. W tym czasie w kraju istniały dwie szkoły - pindarystów i pejzażowe. Marynistom przewodzi Giambattista Marino. Jego najsłynniejszym dziełem jest wiersz „Adonis”.

Druga szkoła literatury w języku włoskim została założona przez Gabriello Chiabrera. Był bardzo płodnym autorem, spod którego pióra wyszło wiele sztuk duszpasterskich, poematów i odów. W tym samym rzędzie należy wspomnieć o poecie Vincenzo Filicaia.

Co ciekawe, zasadnicza różnica między tymi szkołami polega na technicznych trikach i kwestiach związanych z formą pracy.

Mniej więcej w tym samym czasie w Neapolu pojawia się krąg, z którego wyłania się Akademia Arkadyjska, do której wielu sławni poeci i satyryków tamtego okresu.

W XVIII wieku, po okresie pewnej stagnacji, urodził się wybitny przedstawiciel włoskiej literatury klasycznej, dramaturg i librecista. Na swoim koncie ma ponad 250 sztuk.

Światowa sława Goldoni przynosi komedię „Sługa dwóch mistrzów”, która do dziś znajduje się w repertuarze wielu teatrów na całym świecie. Wydarzenia z tej pracy rozgrywają się w Wenecji. Bohaterem jest Truffaldino, łotr i oszust, któremu udało się uciec z biednego miasta Bergamo do bogatej i odnoszącej sukcesy Wenecji. Tam zostaje zatrudniony jako sługa Signora Rasponiego, który w rzeczywistości jest dziewczyną w przebraniu Beatrice. Pod postacią zmarłego brata poszukuje kochanka, który przez pomyłkę i niesprawiedliwość zostaje oskarżony o morderstwo i zmuszony do opuszczenia Wenecji.

Truffaldino, który chce zarobić jak najwięcej, służy jednocześnie dwóm mistrzom i na początku mu się to udaje.

Giacomo Leopardi

W XIX wieku włoska fikcja wciąż się rozwija, ale nie ma wielkich nazwisk, takich jak Dante czy Goldoni. Możemy zwrócić uwagę na romantycznego poetę Giacomo Leopardiego.

Jego wiersze były bardzo liryczne, choć niewiele pozostawił po sobie - kilkadziesiąt wierszy. Po raz pierwszy światło ujrzały w 1831 roku pod singlem zatytułowanym „Songs”. Wiersze te były całkowicie przesiąknięte pesymizmem, który zabarwił całe życie samego autora.

Leopardi ma nie tylko utwory poetyckie, ale także prozatorskie. Na przykład „Eseje moralne”. Tak nazywa się jego esej filozoficzny, a także formułuje swój światopogląd w „Dzienniku refleksji”.

Przez całe życie poszukiwał i niezmiennie przeżywał rozczarowanie. Twierdził, że potrzebuje miłości, pożądania, ognia i życia, ale na wszystkich pozycjach był zrujnowany. Poeta przez większość życia był niepełnosprawny, więc nie mógł w pełni współpracować z zagranicznymi uczelniami, chociaż regularnie to oferowały. Był również gnębiony ideą, że chrześcijaństwo jest tylko iluzją. A ponieważ Leopardi był z natury mistyczną naturą, często znajdował się w obliczu bolesnej pustki.

W poezji przedstawiał poczucie prawdziwego i naturalnego piękna, będąc zwolennikiem idei Rousseau.

Leopardi był często nazywany wcielonym poetą światowego smutku.

Raffaello Giovagnoli

Klasyka literatury włoskiej zaczyna nabierać kształtów późny XIX wiek. Włoski historyk i powieściopisarz pisze o gladiatorze o tym samym imieniu, który przewodzi powstaniu niewolników w starożytnym Rzymie. Warto zauważyć, że ta postać jest bardzo realna.

Ponadto sama narracja Giovagnoliego, oprócz prawdy historycznej i faktów, jest utkana z lirycznych fabuł, które tak naprawdę nie istniały. Na przykład u włoskiego pisarza Spartak zakochuje się w patrycjuszu Walerii, która traktuje go przychylnie.

Jednocześnie kurtyzana z Grecji Eutibida zakochuje się w samym Spartakusie, którego miłość bohaterka kategorycznie odrzuca. W rezultacie to obrażony Eutibida odgrywa jedną z decydujących ról w pokonaniu armii Spartakusa i jego dalszej śmierci.

Zakończenie jest bardzo wiarygodne. Powstanie niewolników zostało rzeczywiście brutalnie stłumione, a Spartakus został zabity.

Pisarze z południa kraju wnieśli wielki wkład w rozwój włoskiej literatury dziecięcej. Na przykład dziennikarz Carlo Collodi pisze słynną bajkę „Przygody Pinokia. Historia drewnianej lalki”. W Rosji jest to oczywiście lepiej znane w interpretacji Aleksieja Nikołajewicza Tołstoja, autora Złotego klucza, czyli Przygód Pinokia.

Sam Collodi, pochodzący z Florencji, kiedy we Włoszech toczyła się wojna o niepodległość (1848 i 1860), zgłosił się na ochotnika do walki w armii Toskanii.

W literaturze włoskiej XX wieku wyraźnie wyróżnia się na tle innych.To włoski dramaturg i pisarz, laureat literackiej Nagrody Nobla w 1934 roku. Współczesna literatura włoska w osobie Pirandello to fascynująca i odkrywcza narracja, przy pomocy której autor jednocześnie ożywia scenę i dramat.

Absurd ma ogromny wpływ na autora. Spektakl ten pokazuje sprzeczności, jakie powstają między życiem codziennym a sztuką, ten przykład pokazuje tragedię społeczną ludzi, którzy nie potrafią oprzeć się maskom narzucanym im przez społeczeństwo. Sami tylko żądają od autora, aby napisał dla nich sztukę.

Spektakl jest podzielony na plan realny i fantastyczny. W pierwszym działają bohaterowie sztuki, która nie została jeszcze napisana, a już w drugim widz dowiaduje się o tragedii, która ich spotkała.

Pirandello rozpoczął swoją działalność literacką jako autor popularnej w 1889 roku zbioru Radosny ból. W wielu jego wczesnych wierszach łączy się chęć pokazania innym swojego wewnętrznego świata, a także duchowy bunt, który przeciwstawia się beznadziei. otaczające życie. W 1894 roku pisarz wydał zbiór opowiadań „Miłość bez miłości”, a następnie zbiór „Powieści na rok”, w którym starał się połączyć demonstrację wewnętrznego świata małego człowieka z jego duchowym wewnętrznym buntem przeciwko beznadziejnemu życiu. W rezultacie niektóre z prac stały się podstawą kilku sztuk Pirandella.

Pisarz wszedł do literatury jako autor opowiadający o życiu małych miasteczek i wsi na Sycylii, przedstawiający warstwy społeczne mieszkających tam ludzi. Na przykład w słynnych opowiadaniach „Błogosławieństwo” i „Szczęśliwy” wyśmiewa przedstawicieli duchowieństwa, którzy swoją chciwość ukrywają za ostentacyjnym miłosierdziem.

W niektórych swoich pracach świadomie odchodzi od włoskiego tradycjonalizmu. Tak więc w opowiadaniu „Czarny szal” skupia się na portret psychologiczny i działania głównego bohatera, który jest stara panna która postanowiła ułożyć sobie życie, nie zważając na potępienie innych. Jednocześnie autor czasami ostro krytykuje porządek społeczny, kiedy ludzie są gotowi zrobić wszystko dla zysku. Takiej krytyce poddawane są instytucje publiczne w opowiadaniu „Wąski frak”, w którym profesor zostaje zaproszony na wesele swojej uczennicy. Staje się świadkiem tego, jak przez społeczne uprzedzenia niemal zniszczone zostaje przyszłe życie osobiste dziewczyny.

Podobny bunt opisany jest w pracy „Gwizdek na pociąg”. W centrum opowieści znajduje się księgowy, który pod wpływem chwilowego impulsu odczuwa niezadowolenie ze swojego życia. Marzy o podróżach i tułaczkach, rozumie, jak nieważne jest życie wokół niego, przenosi się w iluzoryczny świat, w którym ostatecznie traci rozum.

Pojawiają się w pracach Pirandello i motywy polityczne. Tak więc w opowiadaniach „Głupiec” i „Jego wysokość” ujawniają się subtelne intrygi polityczne, jednocześnie pokazując, jak często bywają małostkowe.

Sprzeczności społeczne często stają się przedmiotem krytyki. W opowiadaniu „Fan” główną bohaterką jest biedna wieśniaczka, która została porzucona przez ukochaną osobę, a kochanka po prostu okradła. Uważa, że ​​samobójstwo to jedyny sposób na rozwiązanie wszystkich jej problemów.

Jednocześnie Pirandello pozostaje humanistą, w swojej twórczości poświęcając główne miejsce rzeczywistości ludzkich uczuć. Opowiadanie „Wszystko jest jak u przyzwoitych ludzi” opowiada o tym, jak bohater podbija swoją ukochaną swoim bezinteresowna miłość wybaczając nawet zdradę, którą popełniła.

Sam Pirandello często woli zagłębiać się w psychologię swoich bohaterów, krytykując rzeczywistość społeczną i posługując się taką techniką jak groteska. Bohaterowie są przedstawiani za pomocą masek społecznych, które muszą zrzucić w trakcie akcji. Na przykład w opowiadaniu „Some Commitments” główny bohater zostaje oszukany przez żonę. Jej kochanek jest urzędnikiem gminy, do którego przychodzi poskarżyć się na niewierność żony. A kiedy dowiaduje się całej prawdy, nie tylko przebacza żonie, ale także pomaga jej kochankowi. W rzeczywistości, jak czytelnik rozumie, nigdy nie był zazdrosny o swoją żonę, jedynie przywdziewając społeczną maskę obrażonego i oszukanego męża. Kochanek również nosił maskę, ale już szanowany urzędnik.

Pirandello używa w swoich pracach groteski bardzo dyskretnie. Na przykład w opowiadaniu „In Silence” ujawnia się tragedia młodego człowieka, który zna całe okrucieństwo świata, co prowadzi go do smutnego, a nawet tragicznego zakończenia. Zmuszony jest popełnić samobójstwo i zabić swojego młodszego brata.

W sumie Pirandello napisał sześć powieści podczas swojej kariery literackiej. W Les Misérables krytykuje społeczne uprzedzenia i społeczeństwo, przedstawiając kobietę, która sama próbuje stać się obiektem krytyki ze strony innych.

I we własnym słynna powieść„Nieżyjący Mattia Pascal” pokazuje rodzącą się sprzeczność między prawdziwym obliczem osoby żyjącej w nowoczesne społeczeństwo i jego maskę społeczną. Jego bohater postanawia zacząć życie od zera, układając wszystko tak, by inni uznali go za zmarłego. Ale w rezultacie przyjmuje tylko nową powłokę, zdając sobie sprawę, że życie poza społeczeństwem jest niemożliwe. Zaczyna być po prostu rozdarty między sobą realnym i fikcyjnym, co symbolizuje przepaść między rzeczywistością a ludzką percepcją.

Literaturę włoską XXI wieku reprezentuje słynny pisarz, nasz współczesny Niccolò Ammaniti. Urodził się w Rzymie, studiował na Wydziale Biologii, ale nigdy nie ukończył. Mówią, że jego teza stała się podstawą jego pierwszej powieści, która nosiła tytuł „Skrzela”. Powieść została opublikowana w 1994 roku. Opowiada o chłopcu z Rzymu, u którego zdiagnozowano guza. Niemal wbrew swojej woli trafia do Indii, gdzie nieustannie znajduje się w najróżniejszych, często nieprzyjemnych sytuacjach. W 1999 roku powieść została nakręcona, ale film nie odniósł dużego sukcesu.

W 1996 roku ukazał się zbiór opowiadań pisarza pod ogólnym tytułem „Brud”, wśród których znalazły się tak znane utwory jak „Ostatni rok ludzkości”, „Żyć i umrzeć w Prenestinie”. Na podstawie opowiadania „Nie będzie wakacji” powstał również film, w którym główną rolę zagrała Monica Bellucci. Ogólnie rzecz biorąc, wiele prac Ammanitiego było wielokrotnie filmowanych.

W 1999 roku współczesny włoski pisarz wydał kolejną ze swoich powieści: „Wezmę cię i zabiorę”. Jego akcja rozgrywa się w fikcyjnym mieście położonym w środkowych Włoszech. Ale prawdziwa chwała przychodzi mu w 2001 roku. Zagrzmiał swoją powieść „Nie boję się”. Dwa lata później nakręcił go reżyser Gabriele Salvatores.

Wydarzenia tego dzieła rozgrywają się w latach 70. XX wieku. Na odległej włoskiej prowincji mieszka 10-letnia Michele, która całe lato spędza na grach z przyjaciółmi.

Pewnego dnia znajdują się w pobliżu opuszczonego domu, w którym znajduje się tajemniczy dół, przykryty pokrywą na górze. Nie mówiąc nikomu o niej, następnego dnia Michele wraca do swojego znaleziska, znajdując tam chłopca siedzącego na łańcuchu. Zaopatruje tajemniczego więźnia w chleb i wodę. Dzieci poznają się. Okazuje się, że chłopiec ma na imię Filippo, został porwany dla okupu. Michele dowiaduje się, że zbrodnię zorganizowała grupa dorosłych, w tym jego własny ojciec.

Ammaniti wielokrotnie urzeka czytelników tak ekscytującymi historiami, które ilustrują, jak może wyglądać współczesna literatura włoska. Pisze nie tylko książki, ale także scenariusze. Tak więc w 2004 roku ukazał się film „Vanity Serum” oparty na jego historii. W 2006 roku krytycy zareagowali niekonsekwentnie na jego nową powieść Jak Bóg nakazuje. Ale jednocześnie praca otrzymuje aprobatę społeczności czytelników, a nawet nagrodę Strega. W 2008 roku zostaje wydany film o tej samej nazwie, który ponownie wyreżyserował Salvatores.

W 2010 roku Ammaniti napisał powieść „Ja i Ty”, którą Bernardo Bertolucci już ożywia na ekranie. Ponadto maestro wraca do kręcenia filmu po 7-letniej przerwie, zainteresował się fabułą Ammaniti.

Wśród jego najnowsze prace konieczne jest podkreślenie popularnego zbioru opowiadań „Delikatna chwila” i powieści „Anna”, która stała się siódmą w jego twórczej biografii.