Wizerunek ludzi w rzeźbie starożytnej Grecji. Starożytni rzeźbiarze starożytnej Grecji: imiona

Cechy starożytnej rzeźby greckiej Tematem przewodnim jest wizerunek człowieka, podziw dla piękna ludzkiego ciała.

Rzeźba archaiczna: Kouros - nadzy sportowcy. Zainstalowany w pobliżu świątyń; Ucieleśniał ideał męskiej urody; Wyglądają podobnie: młodzi, szczupli, wysocy. Kouros. VI wiek p.n.e.

Rzeźba archaiczna: Kora - dziewczyny w chitonach. Ucieleśniał ideał kobiecego piękna; Podobni do siebie: kręcone włosy, enigmatyczny uśmiech, uosobienie wyrafinowania. Szczekać. VI wiek p.n.e.

GRECKA RZEŹBA KLASYKI schyłek V-IV w. pne mi. - okres burzliwego życia duchowego Grecji, kształtowanie się w filozofii idealistycznych idei Sokratesa i Platona, które rozwinęły się w walce z materialistyczną filozofią Demokratów, czas dodawania i nowych form greckiej sztuki plastycznej. W rzeźbie męskość i surowość obrazów surowej klasyki zastępuje zainteresowanie duchowym światem człowieka, a jego bardziej złożona i mniej jednoznaczna charakterystyka znajduje odzwierciedlenie w sztuce plastycznej.

Greccy rzeźbiarze okresu klasycznego: Policlet Myron Skopas Praxiteles Lysippus Leochar

Polikletos Polikletos. Doryfor (włócznik). 450-440 pne Kopia rzymska. Muzeum Narodowe. Neapol Dzieła Polikleta stały się prawdziwym hymnem na cześć wielkości i duchowej potęgi Człowieka. Ulubiony obraz - smukły młody człowiek o atletycznej sylwetce. Nie ma w tym nic zbędnego, „nic ponad miarę”, duchowy i fizyczny wygląd jest harmonijny.

Doryphoros ma złożoną postawę, różną od statycznej postawy starożytnego kurosa. Polikleitos jako pierwszy pomyślał o nadaniu figurom takiej oprawy, aby spoczywały one na dolnej części tylko jednej nogi. Ponadto figura wydaje się być ruchliwa i żywa, ponieważ osie poziome nie są równoległe (tzw. chiasm). „Dorifo?r” (gr. ????????? – „Włócznik”) – jeden z najsłynniejszych posągów starożytności, uosabia tzw. Kanon Polikleita.

Kanon Polykleitosa Doryphorosa nie jest obrazem konkretnego zwycięskiego sportowca, ale ilustracją kanonów postaci męskiej. Poliklet postanowił dokładnie określić proporcje postaci ludzkiej, zgodnie z jego wyobrażeniami o idealnej urodzie. Proporcje te są ze sobą powiązane liczbowo. „Zapewnili nawet, że Poliklet wykonał to celowo, aby inni artyści wykorzystali ją jako modelkę” – napisał współczesny. Sam skład Kanonu miał duży wpływ na kultura europejska, mimo że z pracy teoretycznej zachowały się tylko dwa fragmenty.

Kanon Polikleta Jeśli przeliczymy proporcje tego Idealnego Człowieka na wysokość 178 cm, parametry posągu będą następujące: 1. szyja - 44 cm, 2. klatka piersiowa - 119, 3. biceps - 38, 4 .talia - 93, 5. przedramiona - 33 , 6. nadgarstki - 19, 7. pośladki - 108, 8. uda - 60, 9. kolana - 40, 10. podudzia - 42, 11. kostki - 25, 12. stopy - 30 cm.

Polikletos „Rana Amazonka”

Myron Myron - grecki rzeźbiarz z połowy V wieku. pne mi. Rzeźbiarz epoki bezpośrednio poprzedzającej najwyższy rozkwit sztuki greckiej (K. VI - początek V wieku) ucieleśniał ideały siły i piękna człowieka. Był pierwszym mistrzem skomplikowanych odlewów z brązu. Mirona. Miotacz dyskietek.450 p.n.e. Kopia rzymska. Muzeum Narodowe, Rzym

Mirona. „Discobolus” Starożytni charakteryzują Myrona jako największego realistę i znawcę anatomii, który jednak nie potrafił nadać twarzy życia i wyrazu. Portretował bogów, bohaterów i zwierzęta, a ze szczególną miłością reprodukował trudne, ulotne pozy. Jego najsłynniejsze dzieło, „Discobolus”, sportowca zamierzającego założyć dysk, to posąg, który przetrwał do naszych czasów w kilku egzemplarzach, z których najlepszy jest wykonany z marmuru i znajduje się w Pałacu Massami w Rzymie.

„Discobolus” Miron w Ogrodzie Botanicznym w Kopenhadze

Miotacz dyskietek. Myron

Rzeźbiarskie kreacje Skopasa Skopasa (420 - ok. 355 pne), pochodzącego z wyspy Paros, bogatego w marmur. W przeciwieństwie do Praksytelesa Skopas kontynuował tradycje wysokiej klasyki, tworząc monumentalno-heroiczne obrazy. Ale z obrazów z V w. wyróżnia je dramatyczne napięcie wszystkich sił duchowych. Pasja, patos, mocny ruch to główne cechy sztuki Skopasa. Znany również jako architekt, brał udział w tworzeniu płaskorzeźby mauzoleum w Halikarnasie.

W stanie ekstazy, w gwałtownym wybuchu namiętności, Menada jest przedstawiona przez Skopasa. Towarzyszka boga Dionizosa ukazana jest w szybkim tańcu, głowa odrzucona do tyłu, włosy opadają na ramiona, ciało wygięte, przedstawione w złożonej perspektywie, fałdy krótkiej tuniki podkreślają gwałtowny ruch. W przeciwieństwie do rzeźby z V wieku. Maenad Scopas jest już zaprojektowany do oglądania ze wszystkich stron. Skopas. Rzeźby Maenad Skopas

Skopas. Bitwa z Amazonkami Rzeźbiarskie kreacje Skopasa Znany również jako architekt, brał udział w tworzeniu reliefowego fryzu mauzoleum w Halikarnasie.

Praksyteles Urodzony w Atenach (ok. 390 - 330 pne) Inspirująca piosenkarka kobiecej urody.

Posąg Afrodyty z Knidos - pierwszy nagi obraz w sztuce greckiej postać kobieca. Posąg stał na wybrzeżu półwyspu Knidos, a współcześni pisali tu o prawdziwych pielgrzymkach, by podziwiać piękno bogini, przygotowującej się do wejścia do wody i zrzucającej swoje ubrania na pobliski wazon. Pierwotny posąg nie zachował się. Rzeźby Praksytelesa Praksytelesa. Afrodyta z Knidos

Rzeźbiarskie twory Praksytelesa W jedynym marmurowym posągu Hermesa (patrona handlu i podróżników, a także posłańca, „kuriera” bogów), który sprowadzony został do nas w oryginale rzeźbiarza Praksytelesa, przedstawiony mistrz piękny młody człowiek, w stanie spokoju i pogody ducha. W zamyśleniu spogląda na małego Dionizosa, którego trzyma w ramionach. Męską urodę sportowca zastępuje nieco kobieca, pełna wdzięku, ale też bardziej duchowa uroda. Na posągu Hermesa zachowały się ślady antycznej kolorystyki: rudobrązowe włosy, srebrzysty bandaż. Praksyteles. Hermesa. Około 330 p.n.e. mi.

Rzeźby Praksytelesa

Lysippos Wielki rzeźbiarz IV w. PNE. (370-300 pne). Pracował w brązie, ponieważ. starał się uchwycić obrazy w ulotnym impulsie. Pozostawił po sobie 1500 posągów z brązu, w tym kolosalne figury bogów, bohaterów i sportowców. Cechuje je patos, inspiracja, emocjonalność.Oryginał do nas nie dotarł. Rzeźbiarz nadworny A.Macedonsky Marmurowa kopia głowy A.Macedonsky'ego

Lysippos. Herkules walczący z lwem. IV wiek p.n.e. Kopia rzymska Ermitaż, Sankt Petersburg Rzeźba ta oddaje namiętną intensywność pojedynku Herkulesa z lwem z niezwykłą zręcznością. Rzeźby Lysippusa

Rzeźbiarskie twory Lysippusa Lysippus starały się jak najbardziej zbliżyć jego obrazy do rzeczywistości. Pokazał więc sportowca nie w momencie największego napięcia sił, ale z reguły w momencie ich upadku, po zawodach. Tak przedstawia się jego Apoxyomenos, czyszczący piasek po sportowej walce. Ma zmęczoną twarz, włosy zlepione od potu. Lysippos. Apoksyomenos. Kopia rzymska, 330 pne

Urzekającego Hermesa, zawsze szybkiego i żywego, reprezentuje również Lysippos, jakby w stanie skrajnego zmęczenia, krótko przykucnięty na kamieniu i gotowy biec dalej w swoich skrzydlatych sandałach w następnej sekundzie. Rzeźby Lysippus Lysippus. „Odpoczywający Hermes”

Lysippos stworzył własny kanon proporcji ludzkiego ciała, zgodnie z którym jego figury są wyższe i smuklejsze niż Polikletosa (wielkość głowy to 1/9 figury). Rzeźby Lysippus Lysippus. „Herkules z Farnese”

Leohar Leohar. Apollo Belvedere. IV wiek p.n.e. Kopia rzymska. Muzea Watykańskie Jego prace są doskonałą próbą uchwycenia klasycznego ideału ludzkiego piękna. W jego pracach nie tylko perfekcja obrazów, ale także umiejętność i technika wykonania. Apollo jest uważany za jednego z najlepsze prace Antyk.

Rzeźbiarskie arcydzieła epoki hellenistycznej

Rzeźba grecka Tak więc w rzeźbie greckiej ekspresja obrazu dotyczyła całego ciała człowieka, jego ruchów, a nie tylko twarzy. Pomimo tego, że wiele greckich posągów nie zachowało swojej górnej części (jak np. Nike z Samotraki czy Nike Untying Sandals przyszły do nas bez głowy, zapominamy o tym, patrząc na integralne plastikowe rozwiązanie obrazu. dusza i ciało uważane były przez Greków za nierozerwalną jedność, wtedy ciała greckich posągów są niezwykle uduchowione.

Nike z Samotraki Nike z Samotraki II wpne Luwr, Marmur Paryski Posąg został wzniesiony z okazji zwycięstwa floty macedońskiej nad Egipcjanami w 306 rpne. mi. Bogini została przedstawiona niejako na dziobie statku, ogłaszając zwycięstwo dźwiękiem trąby. Patos zwycięstwa wyraża się w szybkim ruchu bogini, w szerokim trzepotaniu jej skrzydeł.

Nike z Samotraki

Nike rozwiązuje sandały Bogini rozwiązuje sandały przed wejściem do Świątyni Marmuru. Ateny

Wenus z Milo Dnia 8 kwietnia 1820 roku grecki chłop z wyspy Melos o imieniu Iorgos, kopiąc ziemię, poczuł, że jego łopata, głucho brzęcząc, natrafia na coś twardego. Iorgos kopał w pobliżu - ten sam wynik. Cofnął się o krok, ale nawet tutaj łopata nie chciała wbić się w ziemię. Najpierw Iorgos zobaczył kamienną niszę. Miał około czterech lub pięciu metrów szerokości. W kamiennej krypcie, ku swojemu zdziwieniu, znalazł marmurowy posąg. To była Wenus. Agesander. Wenus z Milo. Żaluzja. 120 pne

Laokoona ze swoimi synami Agesanderem, Atenodorem, Polidorusem

Laokoona i jego synów Laokoona, nie uratowałeś nikogo! Ani miasto, ani świat nie są zbawicielem. Umysł jest bezsilny. Dumny Trzy usta to przesądzony wniosek; krąg fatalnych wydarzeń zamknął się w duszącej koronie wężowych pierścieni. Przerażenie na twarzy, błaganie i jęki twojego dziecka, inny syn został uciszony przez truciznę. Twoje omdlenia. Twoje sapanie: "Pozwól mi być..." (...Jak beczenie owiec ofiarnych Przez mgłę i przeszywająco i subtelnie!...) I znowu - rzeczywistość. I trucizna. Są silniejsze! Gniew wybucha potężnie w paszczy węża... Laokoona, a kto cię słyszał?! Oto twoi chłopcy... Oni... nie oddychają. Ale w każdej Troi czekają na swoje konie.

Fidiasz i fryzy Partenonu

Posąg Zeusa autorstwa Fidiasza w Olimpii

Jego obrazy są wysublimowane i piękne. Fidiasza

Fidiasz Fidiasz. Posąg Ateny

Sprawdź się

Rzeźba starożytnej Grecji, jak każda sztuka antyczna, jest szczególnym wzorem, wzorowym kunsztem i swego rodzaju ideałem. starożytna sztuka grecka, a w szczególności rzeźba starożytnej Grecji, miała bardzo istotny wpływ na rozwój kultury światowej. Był to fundament, na którym później wyrosła cywilizacja europejska. Piękne rzeźby greckich rzeźbiarzy były wykonane z kamienia, wapienia, brązu, marmuru, drewna i ozdobione wspaniałymi wyrobami z metale szlachetne i kamienie. Montowano je na głównych placach miast, na grobach słynnych Greków, w świątyniach, a nawet w bogatych greckich domach. Główną zasadą rzeźby starożytnej Grecji było połączenie piękna i siły, idealizacja człowieka i jego ciała. Starożytni Grecy wierzyli, że tylko doskonała dusza może znajdować się w doskonałym, idealnym ciele.

Rozwój rzeźby w starożytnej Grecji można podzielić na trzy istotne etapy. To archaiczne - VI-VII wiek pne. Klasykę, którą z kolei można podzielić na okresy wczesne - początek V wieku p.n.e., klasykę wysoką - to koniec V wieku p.n.e. i późne - VI wiek p.n.e. A ostatnim etapem jest hellenizm. Również z opisów starożytnych historyków można zrozumieć, że istniała rzeźba Grecji homeryckiej, ale do naszych czasów przetrwały jedynie małe figurki i naczynia zdobione malowidłami. Każdy z tych etapów kultury greckiej ma swoje unikalne cechy.

okres archaiczny
W tym okresie starożytni greccy artyści starali się tworzyć idealny obraz mężczyźni i kobiety. W rzeźbie dominowały postacie nagich młodych wojowników, zwanych kourosami. Miały pokazywać męstwo, zdrowie fizyczne i siłę człowieka, które zostały nabyte w ówczesnym sporcie. Drugim przykładem sztuki z tego okresu była kora. To dziewczyny odziane w długie ubrania, w których wyrażany był ideał kobiecości i nieskazitelnej czystości. W tym czasie pojawił się tak zwany „archaiczny uśmiech”, który uduchowił twarze posągów.

Znakomitymi przykładami zachowanych rzeźb z okresu archaicznego są Kouros z Pireusu, który dziś zdobi Muzeum Ateńskie, oraz Bogini z Granatem i Bogini z Zającem, przechowywane w berlińskim Muzeum Państwowym. Słynna jest rzeźba braci Kleobisa i Bytona z Argos, która zachwyca miłośników sztuki greckiej w Muzeum Delfickim.

Również w okresie archaicznym ważne miejsce trwa monumentalna rzeźba w którym główną rolę odgrywa ulga. Są to dość duże kompozycje rzeźbiarskie, często przedstawiające wydarzenia opisane w mitach starożytnej Grecji. Na przykład na frontonie świątyni Artemidy przedstawiono wydarzenia z opowieści o Meduzie Gorgonie i dzielnym Perseuszu, znanym wszystkim od dzieciństwa.

wczesny klasyk
Wraz z przejściem do epoki klasycznej bezruch, można by rzec, statyczny charakter archaicznych rzeźb, jest stopniowo zastępowany emocjonalnymi postaciami uchwyconymi w ruchu. Istnieje tak zwany ruch przestrzenny. Pozy postaci są nadal proste i naturalne, na przykład dziewczyna rozwiązująca sandał lub biegacz szykujący się do startu.
Być może jednym z najsłynniejszych posągów tego okresu jest „Disco Thrower” autora Myrona, który wniósł bardzo znaczący wkład w sztukę wczesnych klasyków Grecji. Figura została odlana z brązu w 470 rpne i przedstawia sportowca przygotowującego się do rzutu dyskiem. Jego ciało jest doskonałe i harmonijne, gotowe do rzucenia się w następnej sekundzie.

Innym wielkim rzeźbiarzem tamtych czasów był Polikleitos. Najbardziej znane dziś jest jego dzieło „Dorifor”, powstałe między 450 a 440 pne. To włócznik, potężny, powściągliwy i pełen godności. Jest pełen wewnętrznej siły i niejako ukazuje pragnienie ówczesnego narodu greckiego wzniosłości, harmonii i pokoju. Do dziś niestety nie zachowały się oryginały tych rzeźb starożytnej Grecji, odlane z brązu. Możemy jedynie podziwiać ich kopie wykonane z różnych materiałów.

Na początku XX wieku na dnie morza w pobliżu Przylądka Artemision odnaleziono posąg boga Posejdona z brązu. Przedstawiany jest jako majestatyczny, budzący grozę, podnoszący rękę, w której kiedyś trzymał trójząb. Ten posąg niejako wyznacza przejście od okresu wczesnej klasyki do okresu wysokiego.

wysoka klasyka
Kierunek wysokiej klasyki dążył do podwójnego celu. Z jednej strony ukazać całe piękno ruchu w rzeźbie, az drugiej połączyć zewnętrzną bezruch figury z wewnętrznym tchnieniem życia. Połączenie tych dwóch dążeń w swojej twórczości osiągnął wielki rzeźbiarz Fidiasz. Znany jest w szczególności z ozdabiania starożytnego Partenonu pięknymi marmurowymi rzeźbami.

Stworzył także wspaniałe arcydzieło „Atena Partenos”, które niestety zmarło w czasach starożytnych. W Muzeum Narodowe archeologia miasta Aten, można zobaczyć tylko małą kopię tego posągu.
Wielki artysta stworzył dla siebie o wiele więcej arcydzieł twórcze życie. To posąg Ateny Promachos na Akropolu, który zachwyca ogromnym rozmiarem i wielkością oraz nie mniej kolosalna postać Zeusa w świątyni Olimpii, która później została zaliczona do jednego z niesamowitych siedmiu cudów świata .
Z goryczą możemy przyznać, że nasza wizja rzeźby antycznej Grecji jest daleka od prawdy. Niemal niemożliwe jest zobaczenie oryginalnych posągów z tamtej epoki. Wiele z nich zostało zniszczonych podczas redystrybucji świata śródziemnomorskiego. I kolejny powód do zniszczenia tych największe zabytki sztuką było ich zniszczenie przez fanatycznie wierzących chrześcijan. Mamy tylko ich kopie rzymskich mistrzów z I-II wieku naszej ery oraz opisy starożytnych historyków.

późny klasyk
W czasach związanych z późną klasyką rzeźba starożytnej Grecji zaczęła charakteryzować się plastycznością ruchów i dopracowaniem najdrobniejszych detali. Postacie zaczęły się różnić wdziękiem, elastycznością, zaczęły pojawiać się pierwsze nagie kobiece ciała. Jednym z najjaśniejszych przykładów tego splendoru jest posąg Afrodyty z Knidos autorstwa rzeźbiarza Praksytelesa.

Starożytny rzymski pisarz Pliniusz powiedział, że posąg ten był uważany za najpiękniejszy posąg tamtych czasów i wielu pielgrzymów przybyło do Knidos, aby go zobaczyć. To pierwsza praca, w której Praksyteles przedstawił nagie kobiece ciało. Ciekawą historią tego posągu jest to, że rzeźby stworzyły dwie postacie - naga i ubrana. Mieszkańcy Kos, którzy zamówili posąg Afrodyty, wybrali ubraną boginię, bojąc się ryzykować, pomimo piękna tego arcydzieła. A rzeźbę aktu nabyli mieszkańcy miasta Knidos, położonego w Azji Mniejszej i dzięki temu stali się sławni.

Innym wybitnym przedstawicielem kierunku późnej klasyki był Skopas. W swoich rzeźbach starał się wyrażać gwałtowne namiętności i emocje. Wśród jego słynnych dzieł znajdują się posąg Apolla Kifareda, także Aresa z Willi Ludovisi oraz rzeźba zwana Niobidami umierającymi wokół matki.

Okres hellenistyczny
Czas hellenizmu charakteryzuje się dość silnym wpływem Wschodu na całą sztukę Grecji. Ten los nie przeminął i rzeźby. Zmysłowość, orientalny temperament i emocjonalność zaczęły przenikać w majestatyczne pozy i wzniosłość klasyki. Artyści zaczęli komplikować kąty, stosować luksusowe draperie. Naga kobieca uroda przestała być czymś niezwykłym, bluźnierczym i wyzywającym.

W tym czasie pojawiła się ogromna liczba różnych posągów nagiej bogini Afrodyty lub Wenus. Jednym z najsłynniejszych posągów do dziś pozostaje Wenus z Milo, stworzona przez mistrza Aleksandra około 120 roku p.n.e. Wszyscy jesteśmy przyzwyczajeni do oglądania jej wizerunków bez rąk, ale uważa się, że początkowo bogini jedną ręką trzymała spadające ubranie, a w drugiej trzymała jabłko. Jej wizerunek łączy w sobie czułość, siłę i piękno fizycznego ciała.

Również bardzo znane posągi z tego okresu to Afrodyta z Cyreny i Laokoona oraz jego synowie. Ostatni kawałek przepełnione silnymi emocjami, dramaturgią i niezwykłym realizmem.
Najwyraźniej głównym tematem sztuki rzeźbiarskiej starożytnej Grecji był mężczyzna. Rzeczywiście, nigdzie indziej osoba nie była bardziej ceniona niż w tej samej starożytnej cywilizacji greckiej.

Wraz z rozwojem kultury rzeźbiarze starali się coraz bardziej przekazywać poprzez swoje dzieła ludzkie uczucia i emocje. Wszystkie te majestatyczne arcydzieła, powstałe dziesiątki setek lat temu, wciąż przyciągają uwagę ludzi i wywierają fascynujący i niesamowicie imponujący wpływ na miłośników sztuki współczesnej.

Wniosek
Trudno wyróżnić jeden okres rozwoju starożytności kultura grecka, a nie znaleźć w nim szybkiego rozkwitu rzeźby. Ten rodzaj sztuki stale się rozwijał i doskonalił, osiągając szczególne piękno w epoce klasycznej, ale nie wymierając po niej, pozostając nadal wiodącą. Oczywiście możliwe jest skorelowanie rzeźby i architektury starożytnej Grecji, ale niedopuszczalne jest ich identyfikowanie tylko w porównaniu. Tak, to niemożliwe, bo rzeźba nie jest budowlą monumentalną, ale umiejętnie wykonanym arcydziełem. Najczęściej rzeźbiarze antyczni zwrócił się do wizerunku osoby.

W swoich pracach zwracali szczególną uwagę na postawy, obecność ruchu. Próbowali stworzyć żywe obrazy, jakby to nie był kamień przed nami, ale żywe ciało i krew. I zrobili to bardzo dobrze, głównie dzięki odpowiedzialnemu podejściu do biznesu. Znajomość anatomii i ogólne rozumienie ludzka natura pozwolił starożytnym greckim mistrzom osiągnąć to, czego wielu współczesnych rzeźbiarzy wciąż nie może pojąć.

starożytna grecka rzeźba klasyczna

Starożytna grecka rzeźba z okresu klasycznego

Mówiąc o sztuce starożytnych cywilizacji, przede wszystkim pamiętamy i studiujemy sztukę starożytnej Grecji, a w szczególności jej rzeźbę. Naprawdę w tym małym pięknym kraju ten rodzaj sztuki urósł do takiego poziomu, że do dziś jest uważany za standard na całym świecie. Badanie rzeźb starożytnej Grecji pozwala lepiej zrozumieć światopogląd Greków, ich filozofię, ideały i aspiracje. W rzeźbie, jak nigdzie indziej, przejawia się stosunek do człowieka, który w starożytnej Grecji był miarą wszechrzeczy. To właśnie rzeźba daje nam możliwość oceny religijnych, filozoficznych i estetycznych idei starożytnych Greków. Wszystko to pozwala lepiej zrozumieć przyczyny takiego wzrostu, rozwoju i upadku tej cywilizacji.

Rozwój cywilizacji starożytnej Grecji dzieli się na kilka etapów - epok. Najpierw pokrótce opowiem o epoce archaicznej, ponieważ poprzedzała epokę klasyczną i „nadała ton” rzeźbie.

Okres archaiczny to początek powstawania starożytnej rzeźby greckiej. Era ta została również podzielona na wczesną archaiczną (650 - 580 p.n.e.), wysoką (580 - 530 p.n.e.) i późną (530 - 480 p.n.e.). Rzeźba - była ucieleśnieniem idealnej osoby. Wychwalała jego piękno, doskonałość fizyczną. Wczesne pojedyncze rzeźby reprezentowane są przez dwa główne typy: wizerunek nagiego młodzieńca - kurosa oraz postać ubraną w długą, obcisłą tunikę dziewczyny - kora.

Rzeźba z tej epoki była bardzo podobna do egipskiej. I nie jest to zaskakujące: Grecy, zapoznając się z kulturą egipską i kulturami innych krajów starożytnego Wschodu, dużo pożyczali, aw innych przypadkach znajdowali z nimi podobieństwa. W rzeźbie zaobserwowano pewne kanony, były więc bardzo geometryczne i statyczne: człowiek robi krok do przodu, ramiona są wyprostowane, ramiona opuszczone wzdłuż ciała, na ustach zawsze igra głupi uśmiech. Dodatkowo namalowano rzeźby: złote włosy, niebieskie oczy, różowe policzki.

Na początku epoka klasyczna kanony te nadal obowiązują, ale później autorka zaczyna odchodzić od statyki, rzeźba nabiera charakteru, często dochodzi do zdarzenia, do akcji.

Rzeźba klasyczna to druga epoka rozwoju kultury starożytnej Grecji. Dzieli się również na etapy: styl wczesny klasyczny lub ścisły (490 - 450 pne), wysoki (450 - 420 pne), styl bogaty (420 - 390 pne), późny klasyczny (390 - ok. 320 pne).

W dobie wczesnej klasyki następuje swego rodzaju przemyślenie życia. Rzeźba nabiera bohaterskiego charakteru. Sztuka zostaje uwolniona od sztywnych ram, które ją krępowały w epoce archaicznej, to czas poszukiwania nowego, intensywnego rozwoju różnych szkół i nurtów, tworzenia dzieł heterogenicznych. Dwa typy figur - kuros i kore - są zastępowane znacznie większą różnorodnością typów; rzeźby mają tendencję do przekazywania złożonego ruchu ludzkiego ciała.

Wszystko to dzieje się na tle wojny z Persami i to ta wojna tak bardzo zmieniła myślenie starożytnych Greków. centra kultury zostały wysiedlone i teraz są to miasta Ateny, Północny Peloponez i grecki Zachód. W tym czasie Grecja osiągnęła najwyższy punkt rozwoju gospodarczego, politycznego i kulturalnego. Ateny zajęły czołowe miejsce w związku miast greckich. Społeczeństwo greckie było demokratyczne, zbudowane na zasadach równej działalności. Wszyscy mężczyźni zamieszkujący Ateny, z wyjątkiem niewolników, byli równymi obywatelami. I wszyscy mieli prawo do głosowania i mogli być wybierani na dowolne urzędy publiczne. Grecy byli w zgodzie z naturą i nie tłumili swoich naturalnych aspiracji. Wszystko, co zrobili Grecy, było własnością ludu. Posągi stały w świątyniach i na placach, na palestrach i na brzegu morza. Były obecne na frontonach, w dekoracjach świątyń. Podobnie jak w epoce archaicznej rzeźby były malowane.

Niestety rzeźba grecka dotarła do nas głównie we fragmentach. Chociaż według Plutarcha w Atenach było więcej posągów niż żywych ludzi. Wiele posągów spłynęło do nas w rzymskich kopiach. Ale są bardzo prymitywne w porównaniu z greckimi oryginałami.

Jednym z najsłynniejszych rzeźbiarzy wczesnych klasyków jest Pitagoras Rhegius. Niewiele jego dzieł dotarło do nas, a jego prace znane są jedynie z odniesień do starożytnych autorów. Pitagoras zasłynął realistycznym przedstawieniem ludzkich żył, żył i włosów. Zachowało się kilka rzymskich kopii jego rzeźb: „Chłopiec wyciągający drzazgę”, „Hiacynt” itp. Ponadto przypisuje mu się słynną statuę z brązu „Woźnica” znalezioną w Delfach. Pitagoras Regius stworzył kilka brązowych statuetek zwycięzców olimpijskich i delfickich. I jest właścicielem posągów Apollina - zabójcy Pytona, Porwania Europy, Eteoklesa, Polinejusza i Zranionego Filokteta.

Wiadomo, że Pitagoras Regius był współczesnym i rywalem Myrona. To kolejny słynny rzeźbiarz tamtych czasów. I zasłynął jako największy realista i znawca anatomii. Ale przy tym wszystkim Miron nie wiedział, jak nadać twarzom swoich prac życie i wyraz. Miron stworzył posągi sportowców - zwycięzców konkursów, reprodukowane sławni bohaterowie, bogów i zwierząt, zwłaszcza gdy przedstawiał trudne pozy, które wyglądały bardzo realistycznie.

Najlepszym przykładem takiej rzeźby jest światowej sławy Discobolus. Wspominają również starożytni pisarze słynna rzeźba Marcia z Ateną. Ta słynna grupa rzeźbiarska dotarła do nas w kilku egzemplarzach. Oprócz ludzi Myron przedstawiał także zwierzęta, szczególnie znany jest jego wizerunek „Krowy”.

Myron pracował głównie w brązie, jego prace nie zachowały się i znane są ze świadectw starożytnych autorów i kopii rzymskich. Był też mistrzem toreutyki - wykonywał metalowe kielichy z płaskorzeźbami.

Innym znanym rzeźbiarzem tego okresu jest Kalamid. Wykonywał rzeźby z marmuru, brązu i chryselefantyny, przedstawiał głównie bogów, kobiece postacie bohaterskie i konie. Sztukę Calamisa można ocenić na podstawie kopii z późniejszego czasu, która spłynęła do nas z posągiem Hermesa niosącego barana, którego zabił dla Tanagry. Postać samego boga wykonana jest w stylu archaicznym, z charakterystyczną dla tego stylu bezruchem pozy i symetrią ułożenia członów; ale baran niesiony przez Hermesa wyróżnia się już pewną żywotnością.

Ponadto zabytki starożytnej greckiej rzeźby z wczesnych klasyków obejmują frontony i metopy świątyni Zeusa w Olimpii. Innym znaczącym dziełem wczesnych klasyków jest tak zwany Tron Ludovisiego. Jest to trójboczny marmurowy ołtarz przedstawiający narodziny Afrodyty, po bokach ołtarza znajdują się hetery i panny młode, symbolizujące różne hipostazy miłości lub obrazy służenia bogini.

Wysoka klasyka jest reprezentowana przez imiona Fidiasza i Polikleta. Jego krótkotrwały rozkwit wiąże się z pracą nad Akropol ateński, czyli z dekoracją rzeźbiarską Partenonu. Szczytem starożytnej greckiej rzeźby były najwyraźniej posągi Ateny Partenos i Zeusa Olimpu autorstwa Fidiasza.

Phidias jest jednym z najlepszych przedstawicieli klasyczny styl i o jego znaczeniu wystarczy powiedzieć, że jest uważany za założyciela sztuka europejska. Kierowana przez niego attycka szkoła rzeźby zajęła czołowe miejsce w sztuce klasycystycznej.

Fidiasz posiadał wiedzę na temat osiągnięć optyki. Zachowała się opowieść o jego rywalizacji z Alkamenem: oba zostały zamówione posągi Ateny, które miały być postawione na wysokich kolumnach. Fidiasz wykonał swój posąg zgodnie z wysokością kolumny - na ziemi wydawał się brzydki i nieproporcjonalny. Szyja bogini była bardzo długa. Kiedy oba posągi zostały wzniesione na wysokich cokołach, poprawność Fidiasza stała się oczywista. Zwracają uwagę na wielką umiejętność Fidiasza w interpretacji strojów, w której przewyższa on zarówno Myrona, jak i Polikleitosa.

Większość jego dzieł nie zachowała się, możemy je ocenić jedynie z opisów starożytnych autorów i kopii. Jednak jego sława była kolosalna. A było ich tak dużo, że zostało już dużo. Najsłynniejsze dzieła Fidiasza - Zeusa i Ateny Partenos zostały wykonane w technice chryzoelefantyny - złota i kości słoniowej.

Wysokość posągu Zeusa wraz z cokołem według różnych źródeł wynosiła od 12 do 17 metrów. Oczy Zeusa były wielkości pięści dorosłego mężczyzny. Peleryna zakrywająca część ciała Zeusa, w lewej ręce berło z orłem, w prawej figura bogini Nike oraz wieniec na głowie wykonane są ze złota. Zeus siedzi na tronie, na nogach tronu przedstawione są cztery tańczące Nike. Przedstawiono także: centaury, lafity, wyczyny Tezeusza i Herkulesa, freski przedstawiające bitwę Greków z Amazonkami.

Atena Partenon była, podobnie jak posąg Zeusa, ogromna i wykonana w technice chryzoelefantyny. Tylko bogini, w przeciwieństwie do swojego ojca, nie zasiadała na tronie, ale stała na pełną wysokość. „Sama Atena jest zrobiona z kości słoniowej i złota… Posąg przedstawia ją w pełnym rozwoju w tunice do samych podeszew stóp, na piersi ma głowę Meduzy wykonaną z kości słoniowej, w dłoni trzyma obraz Nike około czterech łokci, aw jej drugiej ręce - włócznię. U jej stóp leży tarcza, a w pobliżu włóczni jest wąż; ten wąż to prawdopodobnie Erichtonius. (Opis Hellady, XXIV, 7).

Hełm bogini miał trzy herby: środkowy ze sfinksem, boczne z gryfami. Według Pliniusza Starszego na zewnętrznej stronie tarczy wybito bitwę z Amazonkami, od wewnątrz walkę bogów z gigantami, a na sandałach Ateny umieszczono wizerunek centauromachii. Podstawa została ozdobiona historią Pandory. Chiton bogini, jej tarcza, sandały, hełm i biżuteria są wykonane ze złota.

Na marmurowych kopiach ręka bogini z Niką wsparta jest na filarze, to, czy istniała w oryginale, jest przedmiotem licznych sporów. Nika wydaje się malutka, w rzeczywistości miała 2 metry wzrostu.

Atena Promachos - kolosalny wizerunek bogini Ateny wymachującej włócznią na ateńskim Akropolu. Wzniesiony na pamiątkę zwycięstw nad Persami. Jego wysokość sięgała 18,5 metra i górowała nad wszystkimi okolicznymi budynkami, z daleka błyszcząc nad miastem. Niestety ta bogini z brązu nie przetrwała do dziś. A wiemy o tym tylko ze źródeł kronikowych.

Atena Lemnia - znana nam również z kopii jest wykonana z brązu rzeźba bogini Ateny, stworzona przez Fidiasza. Jest to posąg z brązu przedstawiający boginię opartą na włóczni. Nazwany - od wyspy Lemnos, dla mieszkańców której został wykonany.

Ranna Amazonka, druga statuetka w słynnym konkursie rzeźbiarskim na Świątynię Artemidy w Efezie. Oprócz powyższych rzeźb Fidiaszowi przypisuje się także inne, zgodnie z podobieństwami stylistycznymi: posąg Demeter, posąg Kore, płaskorzeźbę z Eleusis, Anadumena (młody mężczyzna owijający głowę bandażem), Hermes Ludovisi, Tyber Apollo, Kassel Apollo.

Mimo talentu, a raczej boskiego daru Fidiasza, jego stosunki z mieszkańcami Aten wcale nie były ciepłe. Jak pisze Plutarch, Fidiasz w swoim Żywocie Peryklesa był głównym doradcą i asystentem Peryklesa (ateńskiego polityka, słynnego mówcy i dowódcy).

„Ponieważ był przyjacielem Peryklesa i cieszył się z nim wielkim autorytetem, miał wielu osobistych wrogów i zazdrosnych ludzi. Przekonali jednego z asystentów Fidiasza, Menona, by zadenuncjował Fidiasza i oskarżył go o kradzież. Fidiaszowi ciążyła zazdrość o chwałę jego dzieł… Analizując jego sprawę w Zgromadzeniu Narodowym, nie było dowodów kradzieży. Ale Fidiasz został wysłany do więzienia i tam zmarł z powodu choroby.

Polikleitos Starszy - starożytny grecki rzeźbiarz i teoretyk sztuki, współczesny Fidiaszowi. W przeciwieństwie do Fidiasza nie był tak duży. Jego rzeźba ma jednak pewien charakter: Policlet lubił przedstawiać sportowców w stanie spoczynku, specjalizował się w przedstawianiu sportowców, zwycięzców olimpijskich. Jako pierwszy wpadł na pomysł nadania figurom takiego stwierdzenia, że spoczywały one na dolnej części tylko jednej nogi. Polikleitos umiał pokazać ludzkie ciało w stanie równowagi – jego postać ludzka w spoczynku lub w zwolnionym tempie wydaje się poruszać i ożywić. Przykładem tego jest słynny posąg Polikleita „Dorifora” (włócznika). To właśnie w tej pracy są pomysły Polikleta idealne proporcje ludzkie ciało, będące ze sobą w stosunku liczbowym. Uważano, że figura została stworzona na podstawie przepisów pitagoreizmu, dlatego w czasach starożytnych posąg Doryforosa był często nazywany „kanonem Polikleta”. Formy tego posągu powtarzają się w większości prac rzeźbiarza i jego szkoły. Odległość od brody do korony w posągach Polikleta to jedna siódma, odległość od oczu do podbródka to jedna szesnasta, a wysokość twarzy to jedna dziesiąta całej figury. Polykleitos jest silnie związany z tradycją pitagorejską. „Kanon Polikleta” – traktat teoretyczny rzeźbiarza, stworzony przez Polikleta dla innych artystów, aby z niego korzystali. Istotnie, Kanon Polikleta wywarł wielki wpływ na kulturę europejską, mimo że zachowały się tylko dwa fragmenty pracy teoretycznej, informacje na jego temat są fragmentaryczne, a podstawa matematyczna nie została jeszcze ostatecznie wydedukowana.

Oprócz włócznika znane są również inne dzieła rzeźbiarza: „Diadumen” („Młody mężczyzna wiążący bandaż”), „ Ranna Amazonka”, kolosalna statua Hery w Argos. Został wykonany w technice chryzoelefantyny i był postrzegany jako pandan dla olimpijczyka Zeusa Fidiasa „Discophorus” („Młody człowiek trzymający dysk”). Niestety rzeźby te przetrwały tylko w starożytnych kopiach rzymskich.

Na etapie „Rich Style” znamy nazwiska takich rzeźbiarzy jak Alkamen, Agoracritus, Callimachus itp.

Alkamen, grecki rzeźbiarz, uczeń, rywal i następca Fidiasza. Uważano, że Alkamen nie ustępował Fidiaszowi, a po śmierci tego ostatniego stał się czołowym rzeźbiarzem w Atenach. Jego Hermes w formie hermy (filar zwieńczony głową Hermesa) znany jest w wielu kopiach. Nieopodal, w pobliżu świątyni Ateny Nike, znajdował się posąg Hekate, który składał się z trzech postaci połączonych plecami. Na akropolu w Atenach odnaleziono także grupę należącą do Alkamen - Proknę, która wzniosła nóż nad swoim synem Itisem, szukającym ratunku w fałdach jej ubrania. W sanktuarium na zboczu Akropolu znajdował się posąg siedzącego Dionizosa należącego do Alkamena. Alkamenes stworzył także posąg Aresa do świątyni na agorze oraz posąg Hefajstosa do świątyni Hefajstosa i Ateny.

Alkamen pokonał Agoracritusa w konkursie na posąg Afrodyty. Jednak jeszcze bardziej znana jest Afrodyta siedząca w Ogrodach, u północnych podnóży Akropolu. Jest przedstawiana na wielu czerwonofigurowych wazonach na Attyce, otoczonych przez Erosa, Peito i inne ucieleśnienia szczęścia, jakie niesie miłość. Często powtarzana przez starożytnych kopistów głowa, zwana „Sappho”, została prawdopodobnie skopiowana z tego posągu. Ostatnie dzieło Alkamena to kolosalna płaskorzeźba z Herkulesem i Ateną. Jest prawdopodobne, że Alkamen zmarł wkrótce potem.

Agorakrit był także uczniem Fidiasza i, jak mówią, ulubieńcem. On, podobnie jak Alkamen, brał udział w tworzeniu fryzu Partenonu. Dwa najsłynniejsze dzieła Agorakrytusa to kultowa statua bogini Nemezis (przerobiona po pojedynku z Alkamen Ateną), podarowana świątyni Ramnosa i posągowi Matki Boskiej w Atenach (czasami przypisywanym Fidiaszowi). Spośród dzieł wymienionych przez starożytnych autorów do Agorakryta należały niewątpliwie jedynie posągi Zeusa-Hadesa i Ateny w Koronei. Z jego prac zachowała się tylko część głowy kolosalnego posągu Nemezis oraz fragmenty płaskorzeźb zdobiących podstawę tego posągu. Według Pauzaniasza, młoda Helena (córka Nemezis) została przedstawiona na podstawie z Ledą, która ją opiekowała, jej mężem Menelaosem i innymi krewnymi Heleny i Menelaosa.

Ogólny charakter rzeźby późnoklasycznej zdeterminowany był rozwojem tendencji realistycznych.

Skopas jest jednym z najważniejszych rzeźbiarzy tego okresu. Skopas, zachowując tradycje monumentalnej sztuki wysokiej klasyki, nasyca swoje dzieła dramaturgią, ujawnia złożone uczucia i przeżycia człowieka. Bohaterowie Scopas nadal ucieleśniają doskonałe cechy silnych i walecznych ludzi. Skopas wprowadza jednak do sztuki rzeźbiarskiej tematy cierpienia, wewnętrznego załamania. Są to wizerunki rannych żołnierzy z frontonów świątyni Ateny Alej w Tegei. Plastyczność, ostra niespokojna gra światłocienia podkreśla dramaturgię tego, co się dzieje.

Skopas wolał pracować w marmurze, prawie porzucając ulubiony materiał wysokiej klasyki - brąz. Marmur umożliwił oddanie subtelnej gry światła i cienia, różnych kontrastów fakturalnych. Jego Maenada (Bachantka), zachowana w niewielkim zniszczonym, antycznym egzemplarzu, ucieleśnia obraz człowieka ogarniętego burzliwym wybuchem namiętności. Taniec Maenady jest szybki, głowa odrzucona do tyłu, włosy opadają ciężką falą na ramiona. Ruch zakrzywionych fałd jej tuniki podkreśla porywczy impuls ciała.

Obrazy Skopasa są albo głęboko zamyślone, jak młody człowiek z nagrobka rzeki Ilissus, albo żywe i pełne pasji.

W oryginale zachował się fryz z mauzoleum w Halikarnasie, przedstawiający walkę Greków z Amazonkami.

Wpływ sztuki Skopasa na dalszy rozwój greckiej sztuki plastycznej był ogromny i można go porównać jedynie z wpływem sztuki jego współczesnych Praksytelesów.

W swojej twórczości Praksyteles odwołuje się do obrazów przepojonych duchem czystej i czystej harmonii, spokojnej zadumy, pogodnej kontemplacji. Praksyteles i Skopas uzupełniają się wzajemnie, ukazując różne stany i uczucia człowieka, jego wewnętrzny świat.

Ukazując harmonijnie rozwiniętych, pięknych bohaterów, Praksyteles ujawnia także związki ze sztuką wysokiej klasyki, ale jego obrazy tracą heroizm i monumentalną wielkość dzieł okresu świetności, nabierając bardziej wyrafinowanego lirycznie i kontemplacyjnego charakteru.

Mistrzostwo Praksytelesa najpełniej ujawnia się w marmurowej grupie „Hermes z Dionizosem”. Pełna wdzięku krzywa sylwetki, zrelaksowana postawa reszty młodych szczupła sylwetka, piękna, uduchowiona twarz Hermesa jest oddana z wielką wprawą.

Praxitel stworzył nowy ideał kobiecego piękna, ucieleśniając go w obrazie Afrodyty, która jest przedstawiona w momencie, gdy po zdjęciu ubrania ma wejść do wody. Choć rzeźba przeznaczona była do celów kultowych, wizerunek pięknej nagiej bogini został uwolniony od uroczystego majestatu. „Afrodyta z Knidos” spowodowała w kolejnych czasach wiele powtórzeń, ale żadne z nich nie mogło się równać z oryginałem.

Rzeźba „Apollo Saurocton” to wizerunek pełnego wdzięku nastoletniego chłopca, który celuje w jaszczurkę biegnącą po pniu drzewa. Praksyteles na nowo zastanawia się nad obrazami mitologicznymi, cechami życia codziennego, pojawiają się w nich elementy gatunku.

Jeśli w sztuce Skopasa i Praksytelesa istnieją jeszcze namacalne związki z zasadami sztuki wysokiej klasyki, to w kulturze artystycznej ostatniej tercji IV wieku. pne np. te więzi coraz bardziej słabną.

Duże znaczenie w życiu społecznym i politycznym świat starożytny nabyte przez Macedonię. Podobnie jak wojna z Persami zmieniła i na nowo przemyślała kulturę Grecji na początku V wieku. pne mi. Po zwycięskich kampaniach Aleksandra Wielkiego i jego podboju polityki greckiej, a następnie rozległych terytoriach Azji, które stały się częścią państwa macedońskiego, rozpoczyna się nowy etap rozwoju starożytnego społeczeństwa - okres hellenizmu. Okres przejściowy od późnej klasyki do samego okresu hellenistycznego wyróżnia się osobliwymi cechami.

Lysippus jest ostatnim wielki mistrz późny klasyk. Jego praca rozwija się w latach 40-30. V wiek pne e., za panowania Aleksandra Wielkiego. W sztuce Lysippusa, a także w pracach jego wielkich poprzedników, rozwiązano zadanie ujawnienia doświadczeń człowieka. Zaczął wprowadzać wyraźniej wyrażone cechy wieku, zawodu. Nowością w twórczości Lysippusa jest jego zainteresowanie charakterystyczną ekspresją w człowieku, a także rozszerzeniem malarskich możliwości rzeźby.

Lysippus ucieleśniał swoje rozumienie obrazu mężczyzny w rzeźbie młodego mężczyzny, który zeskrobuje piasek po zawodach - „Apoxiomen”, którego przedstawia nie w momencie wysiłku, ale w stanie zmęczenia. Smukła postać sportowca ukazana jest w złożonym zwoju, który zmusza widza do obejścia rzeźby. Ruch jest swobodnie rozmieszczany w przestrzeni. Twarz wyraża znużenie, głęboko osadzone, zacienione oczy patrzą w dal.

Lysippus umiejętnie przekazuje przejście od stanu spoczynku do działania i odwrotnie. To jest wizerunek odpoczywającego Hermesa.

Ogromne znaczenie dla opracowania portretu miała praca Lysippusa. W stworzonych przez niego portretach Aleksandra Wielkiego ujawnia się głębokie zainteresowanie odsłanianiem duchowego świata bohatera. Najbardziej niezwykła jest marmurowa głowa Aleksandra, która oddaje jego złożoną, sprzeczną naturę.

Sztuka Lysipposa zajmuje pogranicze na przełomie epok klasycznych i hellenistycznych. Wciąż jest wierny klasycznym koncepcjom, ale już podważa je od wewnątrz, tworząc grunt pod przejście do czegoś innego, bardziej zrelaksowanego i bardziej prozaicznego. W tym sensie głowa bojownika na pięści nie należy do Lizypa, ale być może do jego brata Lizystratusa, który był również rzeźbiarzem i, jak mówią, był pierwszym, który używał masek zdjętych z twarzy modela. portrety (co było szeroko rozpowszechnione w Starożytny Egipt, ale zupełnie obca sztuce greckiej). Możliwe, że głowa pięściarza również została wykonana za pomocą maski; daleko mu do kanonu i ideału doskonałości fizycznej, którą Hellenowie ucieleśniali w postaci sportowca. Ten zwycięzca walki na pięści nie jest niczym półbóg, tylko artystą estradowym dla bezczynnego tłumu. Jego twarz jest szorstka, nos spłaszczony, uszy spuchnięte. Ten rodzaj „naturalistycznych” obrazów rozpowszechnił się później w hellenizmie; Jeszcze bardziej brzydkiego wojownika na pięści wyrzeźbił attycki rzeźbiarz Apoloniusz już w I wieku p.n.e. mi.

Aleksander Wielki w młodości skosztował owoców najwyższej kultury greckiej. Jego nauczycielem był wielki filozof Arystoteles, malarze dworscy - Lysippos i Apelles. Nie przeszkodziło mu to, po zdobyciu państwa perskiego i objęciu tronu egipskich faraonów, ogłosić się bogiem i zażądać, aby on i w Grecji otrzymał boskie zaszczyty. Nieprzyzwyczajeni do wschodnich obyczajów Grecy, chichocząc, mówili: „Cóż, jeśli Aleksander chce być bogiem, niech nim będzie” – i oficjalnie uznali go za syna Zeusa. Jednak demokracja grecka, na której wyrosła jej kultura, umarła za Aleksandra i nie odrodziła się po jego śmierci. Nowo powstałe państwo nie było już greckie, lecz grecko-wschodnie. Nadeszła era hellenizmu - zjednoczenia pod auspicjami monarchii kultur helleńskich i wschodnich.

Okres klasyczny starożytnej rzeźby greckiej przypada na V-IV wiek p.n.e. (wczesny klasyczny lub „styl ścisły” - 500/490 - 460/450 pne; wysoki - 450 - 430/420 pne; „styl bogaty” - 420 - 400/390 pne Późny klasyczny 400/390 - OK. 320 AD pne mi.). Na przełomie dwóch epok - archaicznej i klasycznej - znajduje się dekoracja rzeźbiarska świątyni Ateny Aphaia na wyspie Egina . Rzeźby frontonu zachodniego pochodzą z czasów fundacji świątyni (510 - 500 lat pne e.), rzeźby drugiego wschodniego, zastępującego dawne, - do wczesnego okresu klasycznego (490 - 480 p.n.e.). Centralnym zabytkiem starożytnej greckiej rzeźby wczesnych klasyków są frontony i metopy świątyni Zeusa w Olimpii (około 468 - 456 pne mi.). Innym ważnym dziełem wczesnych klasyków jest: tzw. „Tron Ludovisi”, ozdobiony płaskorzeźbami. Z tego okresu pochodzi również wiele oryginałów z brązu - "Delficki Rydwan", posąg Posejdona z Przylądka Artemisium, Brązy z Riace . Główni rzeźbiarze wczesny klasyk - Pitagoras Rhegian, Calamis i Myron . Oceniamy twórczość słynnych greckich rzeźbiarzy głównie na podstawie dowodów literackich i późniejszych kopii ich dzieł. Wysoka klasyka jest reprezentowana przez imiona Fidiasza i Polikleta . Jej krótkotrwały rozkwit wiąże się z pracami na ateńskim Akropolu, czyli z rzeźbiarską dekoracją Partenonu. (przyszły frontony, metopy i zofory, 447 - 432 pne). Najwyraźniej szczytem starożytnej greckiej rzeźby była chryzoelefantyna posągi Ateny Partenos i Zeus Olympus autorstwa Phidiasa (oba nie zachowały się). „Bogaty styl” jest charakterystyczny dla dzieł Kallimacha, Alkamena, Agoracritus i inni rzeźbiarze V wieku. pne e.. Jej charakterystycznymi zabytkami są płaskorzeźby balustrady małej świątyni Nike Apteros na ateńskim Akropolu (ok. 410 pne) oraz szereg stel nagrobnych, wśród których najbardziej znana jest stela Gegeso . Najważniejsze dzieła starożytnej rzeźby greckiej późnej klasyki to dekoracja świątyni Asklepiosa w Epidauros (około 400 - 375 pne), świątynia Ateny Alei w Tegea (ok. 370 - 350 p.n.e.), Świątynia Artemidy w Efezie (ok. 355 - 330 p.n.e.) i Mauzoleum w Halikarnasie (ok. 350 pne), nad dekoracją rzeźbiarską, nad którą pracowali Skopas, Briaxides, Tymoteusz i Leohar . Temu drugiemu przypisuje się również posągi Apolla Belvedere. i Diana z Wersalu . Istnieje również wiele oryginałów z brązu z IV wieku p.n.e. pne mi. Najwięksi rzeźbiarze późnej klasyki to Praxitel, Skopas i Lysippus, w dużej mierze antycypując kolejną erę hellenizmu.

Rzeźba grecka częściowo zachowała się we fragmentach i fragmentach. Większość posągów jest nam znana z kopii rzymskich, które zostały wykonane w wielu, ale nie oddają piękna oryginałów. Kopiści rzymscy spulchniali je i suszyli, a wyroby z brązu zamieniając w marmur, szpecili niezdarnymi rekwizytami. Wielkie postacie Ateny, Afrodyty, Hermesa, Satyra, które teraz widzimy w salach Ermitażu, to tylko blade przeróbki greckich arcydzieł. Mijasz je prawie obojętnie i nagle zatrzymujesz się przed jakąś głową ze złamanym nosem, z uszkodzonym okiem: to grecki oryginał! A z tego fragmentu nagle unosi się niesamowita moc życia; sam marmur jest inny niż w posągach rzymskich - nie martwo biały, ale żółtawy, przezroczysty, świetlisty (Grecy nadal nacierali go woskiem, co nadało marmurowi ciepły odcień). Tak łagodne są topniejące przejścia światłocienia, tak szlachetne jest miękkie rzeźbienie twarzy, że mimowolnie przypomina się rozkosze greckich poetów: te rzeźby naprawdę oddychają, naprawdę żyją * * Dmitrieva, Akimov. Sztuka antyczna. Eseje. - M., 1988. S. 52.

W rzeźbie z pierwszej połowy wieku, kiedy toczyły się wojny z Persami, panował odważny, surowy styl. Powstała wówczas rzeźbiarska grupa tyranobójczych: dojrzały mąż i młody mężczyzna, stojąc obok siebie, wykonują impulsywny ruch naprzód, młodszy unosi miecz, starszy osłania go płaszczem. To pomnik postaci historycznych – Harmodiusa i Arystogeitona, którzy kilka dekad wcześniej zabili ateńskiego tyrana Hipparcha – pierwszy polityczny pomnik w sztuce greckiej. Jest jednocześnie wyrazem heroicznego ducha oporu i umiłowania wolności, które rozgorzało w dobie wojen grecko-perskich. „Nie są niewolnikami śmiertelników, nie podlegają nikomu”, mówią Ateńczycy w tragedii Ajschylosa „Persów”.

Bitwy, potyczki, wyczyny bohaterów... Sztuka wczesnych klasyków jest wypełniona tymi wojowniczymi wątkami. Na frontonach świątyni Ateny na Eginie - walka Greków z Trojanami. Na zachodnim frontonie świątyni Zeusa w Olimpii - walka Lapitów z centaurami, na metopach - wszystkie dwanaście prac Herkulesa. Innym ulubionym zespołem motywów są zawody gimnastyczne; w tamtych odległych czasach sprawność fizyczna, opanowanie ruchów ciała miały decydujące znaczenie dla wyników bitew, więc gry sportowe nie były tylko rozrywką. Od VIII wieku p.n.e. mi. w Olimpii zawody gimnastyczne odbywały się co cztery lata (ich początek później zaczęto uważać za początek chronologii greckiej), aw V wieku obchodzono je ze szczególną powagą, a teraz uczestniczyli w nich poeci czytający poezję . Świątynia Zeusa Olimpijskiego, klasycznego perypeta doryckiego, znajdowała się w centrum świętej dzielnicy, w której odbywały się zawody, rozpoczęły się one ofiarą dla Zeusa. Na wschodnim frontonie świątyni kompozycja rzeźbiarska przedstawiała uroczystą chwilę przed rozpoczęciem wyścigów konnych: pośrodku postać Zeusa, po bokach posągi bohaterowie mitologiczni Pelops i Oenomaus, główni uczestnicy nadchodzących zawodów, w rogach stoją zaprzęgami zaprzężonymi w cztery konie. Zgodnie z mitem zwycięzcą został Pelops, na którego cześć ustanowiono igrzyska olimpijskie, a następnie wznowione, jak głosi legenda, przez samego Herkulesa.

Tematyka walk wręcz, zawodów jeździeckich, zawodów biegowych, rzutów dyskiem nauczyła rzeźbiarzy dynamicznego przedstawiania ludzkiego ciała. Przezwyciężono archaiczną sztywność postaci. Teraz działają, poruszają się; pojawiają się złożone pozy, odważne kąty i zamaszyste gesty. Najjaśniejszym innowatorem był rzeźbiarz ze strychu Myron. Główne zadanie Myron był w stanie wyrazić możliwie najpełniej i najmocniej ruch. Metal nie pozwala na tak precyzyjną i precyzyjną pracę jak marmur i być może dlatego zwrócił się do znalezienia rytmu ruchu. (Nazwa rytmu oznacza całkowitą harmonię ruchu wszystkich części ciała). Rzeczywiście, rytm został doskonale uchwycony przez Mirona. W posągach sportowców przekazywał nie tylko ruch, ale przejście z jednego etapu ruchu do drugiego, jakby zatrzymując chwilę. Taki jest jego słynny Disco Thrower. Zawodnik pochylił się i zamachnął przed rzutem, sekundę - a dysk poleci, zawodnik wyprostuje się. Ale na ten moment jego ciało zamarło w bardzo trudnej pozycji, ale wizualnie zrównoważonej.

Równowaga, majestatyczny „etos”, zachowany w rzeźbie klasycznej surowy styl. Ruch postaci nie jest ani chaotyczny, ani nadmiernie podekscytowany, ani zbyt szybki. Nawet w dynamicznych motywach walki, biegu, upadku, poczucia „spokoju olimpijskiego”, integralnej plastycznej kompletności, samoizolacji nie ginie. Oto brązowa statua Woźnicy, znaleziona w Delfach, jeden z niewielu dobrze zachowanych greckich oryginałów. Ona odnosi się do wczesny okres surowy styl - około 470 pne. e.. Ten młody człowiek stoi bardzo prosto (stał na rydwanie i prowadził kwadrygę koni), nogi ma boso, fałdy długiego chitonu przypominają głębokie flety kolumn doryckich, jego głowa jest szczelnie przykryta srebrny bandaż, inkrustowane oczy wyglądają, jakby były żywe. Jest powściągliwy, spokojny, a jednocześnie pełen energii i woli. Już z tej figury z brązu, z jej silną, odlaną plastycznością, można odczuć pełnię godności ludzkiej w rozumieniu starożytnych Greków.

W ich sztuce na tym etapie dominowały męskie wizerunki, ale na szczęście zachowała się także piękna płaskorzeźba przedstawiająca wynurzającą się z morza Afrodytę, tzw. zostały zachowane. W jego centralnej części z fal wyłania się bogini piękna i miłości, „zrodzona z piany”, podtrzymywana przez dwie nimfy, które cnotliwie ochraniają ją lekkim welonem. Jest widoczna do pasa. Jej ciało i ciała nimf prześwitują przez przezroczyste chitony, fałdy ubrań płyną kaskadą, strumieniem jak strumienie wody, jak muzyka. W bocznych częściach tryptyku znajdują się dwie postacie kobiece: jedna naga, grająca na flecie; druga, owinięta welonem, zapala świecę ofiarną. Pierwsza to hetera, druga to żona, opiekunka paleniska, jakby dwie twarze kobiecości, obie pod auspicjami Afrodyty.

Poszukiwanie zachowanych greckich oryginałów trwa do dziś; Od czasu do czasu w ziemi lub na dnie morza znajdują się szczęśliwe znaleziska: na przykład w 1928 r. w morzu, w pobliżu wyspy Eubea, znaleziono doskonale zachowany posąg Posejdona z brązu.

Ale Duży obraz Grecka sztuka okresu rozkwitu musi być mentalnie zrekonstruowana i dokończona, znamy tylko przypadkowo zachowane, rozproszone rzeźby. I istniały w zespole.

Wśród sławni mistrzowie imię Fidiasza przyćmiewa całą rzeźbę kolejnych pokoleń. Genialny przedstawiciel epoki Peryklesa, powiedział ostatnie słowo techniką plastyczną i do tej pory nikt nie odważył się z nim porównać, chociaż znamy go tylko z podpowiedzi. Pochodzący z Aten, urodził się kilka lat przed bitwą pod Maratonem i dlatego stał się tylko współczesną celebracją zwycięstw nad Wschodem. Mów pierwszy ja jako malarz, a następnie przerzucił się na rzeźbę. Zgodnie z rysunkami Fidiasza i jego rysunkami, pod jego osobistym nadzorem wzniesiono budynki Periclean. Realizując kolejność po zamówieniu, stworzył wspaniałe posągi bogów, uosabiające abstrakcyjne ideały bóstw z marmuru, złota i kości. Wizerunek bóstwa został przez niego opracowany nie tylko zgodnie z jego cechami, ale także w związku z celem uhonorowania. Był głęboko przesiąknięty ideą tego, co uosabiał ten idol, i wyrzeźbił to z całą siłą i mocą geniusza.

Atena, którą wykonał na zlecenie Plataei i która drogo kosztowała to miasto, umocniła sławę młodego rzeźbiarza. Zamówiono dla niego na Akropol kolosalny posąg patronki Ateny. Osiągał 60 stóp wysokości i przekraczał wszystkie sąsiednie budynki; z daleka, od morza świeciła jak złota gwiazda i panowała nad całym miastem. Nie był akrolityczny (kompozytowy), jak Plataean, ale cały odlany z brązu. Inny posąg Akropolu, Ateny Dziewicy, wykonany dla Partenonu, składał się ze złota i kości słoniowej. Atena została przedstawiona w stroju bojowym, w złotym hełmie z płaskorzeźbionym sfinksem i sępami po bokach. W jednej ręce trzymała włócznię, w drugiej figurę zwycięstwa. U jej stóp znajdował się wąż, strażnik Akropolu. Ten posąg jest uważany za najlepszą gwarancję Fidiasza po jego Zeusie. Służył jako oryginał dla niezliczonych kopii.

Ale szczytem doskonałości wszystkich dzieł Fidiasza jest jego olimpijski Zeus. Było to największe dzieło jego życia: sami Grecy dali mu palmę. Wywarł nieodparte wrażenie na współczesnych.

Zeus został przedstawiony na tronie. W jednej ręce trzymał berło, w drugiej obraz zwycięstwa. Ciało wykonano z kości słoniowej, włosy były złote, płaszcz złoty, emaliowany. Skład tronu obejmował heban, kość i kamienie szlachetne. Ściany między nogami zostały pomalowane kuzyn Fidiasz, Panen; stopa tronu była cudem rzeźby. Ogólne wrażenie było to, jak słusznie ujął to pewien niemiecki uczony, prawdziwie demoniczne: przez wiele pokoleń bożek wydawał się prawdziwym bogiem; wystarczyło jedno spojrzenie na niego, aby zaspokoić wszystkie smutki i cierpienia. Ci, którzy zginęli, nie widząc go, uważali się za nieszczęśliwych * * Gnedich P.P. Historia sztuki światowej. - M., 2000. S. 97 ...

Posąg zmarł nie wiadomo jak i kiedy: prawdopodobnie spłonął wraz ze świątynią olimpijską. Ale jej uroki musiały być wielkie, skoro Kaligula za wszelką cenę upierał się, by przetransportować ją do Rzymu, co jednak okazało się niemożliwe.

Podziw Greków dla piękna i mądrej budowy żywego ciała był tak wielki, że myśleli o nim estetycznie jedynie w posągowej kompletności i kompletności, pozwalającej docenić majestat postawy, harmonię ruchów ciała. Rozpuszczenie człowieka w bezkształtnym tłumie, pokazanie go w przypadkowym aspekcie, usunięcie go głęboko, pogrążenie w cieniu byłoby sprzeczne z estetycznym credo greckich mistrzów, a oni nigdy tego nie robili, chociaż podstawy perspektywy były dla nich jasne. ich. Zarówno rzeźbiarze, jak i malarze pokazali postać o największej plastycznej wyrazistości, zbliżenia (jedna postać lub grupa kilku postaci), starając się umieścić akcję na pierwszym planie, jakby na wąskiej scenie równoległej do płaszczyzny tła. Język ciała był także językiem duszy. Mówi się czasem, że sztuka grecka była obca psychologii lub do niej nie dorosła. To nie do końca prawda; być może sztuka archaików była wciąż niepsychologiczna, ale nie sztuka klasyków. Rzeczywiście, nie znał tej skrupulatnej analizy charakterów, tego kultu jednostki, który rodzi się w czasach nowożytnych. To nie przypadek, że portret w starożytnej Grecji był stosunkowo słabo rozwinięty. Ale Grecy opanowali sztukę przekazywania, że tak powiem, typowej psychologii – wyrażali bogaty zakres ruchów umysłowych na podstawie uogólnionych typy ludzkie. Odpoczynek od cieni postacie osobiste, artyści helleńscy nie zaniedbywali odcieni emocji i potrafili uosabiać złożony system uczuć. Byli przecież rówieśnikami i współobywatelami Sofoklesa, Eurypidesa, Platona.

Jednak ekspresja była nie tyle w mimice, co w ruchach ciała. Patrząc na tajemniczo pogodną moirę Partenonu, na szybką, rozbrykaną Nikę odwiązującą sandał, prawie zapominamy, że odcięto im głowy – plastyczność ich postaci jest tak wymowna.

Każdy motyw czysto plastyczny - czy to zgrabna równowaga wszystkich członków ciała, oparcie się na obu nogach lub na jednej, przeniesienie środka ciężkości na podporę zewnętrzną, głowa pochylona do ramienia lub odrzucona do tyłu - wymyślił Grek. mistrzowie jako odpowiednik życia duchowego. Ciało i psychika urzeczywistniały się w nierozłączności. Opisując klasyczny ideał w Wykładach z estetyki, Hegel powiedział, że „w klasycznej formie sztuki ciało ludzkie w jego formach nie jest już uznawane tylko za istnienie zmysłowe, ale jest rozpoznawane tylko jako istnienie i naturalne pojawienie się ducha. "

Rzeczywiście, ciała greckich posągów są niezwykle inspirowane. Francuski rzeźbiarz Rodin powiedział o jednym z nich: „Ten młody tors bez głowy uśmiecha się radośniej do światła i wiosny, niż mogłyby to zrobić oczy i usta” * * Dmitrieva, Akimova. Sztuka antyczna. Eseje. - M., 1988. S. 76.

Ruchy i postawy są w większości przypadków proste, naturalne i niekoniecznie kojarzą się z czymś wzniosłym. Nika rozwiązuje sandał, chłopak wyjmuje drzazgę z pięty, młody biegacz na starcie szykuje się do biegu, rzucający dyskiem Miron rzuca dyskiem. Młodszy współczesny Mirona, znakomity Poliklet, w przeciwieństwie do Mirona, nigdy nie przedstawiał szybkich ruchów i chwilowych stanów; jego brązowe posągi młodych atletów są w spokojnych pozach lekkiego, miarowego ruchu, falującego nad postacią. Lewe ramię lekko wysunięte, prawe odwiedzone, lewe biodro ściągnięte do tyłu, prawe biodro uniesione, prawa noga stoi mocno na ziemi, lewy jest nieco z tyłu i lekko zgięty w kolanie. Ten ruch albo nie ma żadnego pretekstu „fabuły”, albo pretekst jest nieistotny – sam w sobie jest wartościowy. To jest plastikowy hymn do jasności, rozsądku, mądrej równowagi. Taki jest Doryfor (włócznik) Polikleita, znany nam z marmurowych kopii rzymskich. Wydaje się chodzić, a jednocześnie utrzymuje stan spoczynku; pozycje ramion, nóg i tułowia są idealnie wyważone. Poliklet był autorem traktatu „Kanon” (który do nas nie dotarł, znany jest z wzmianek starożytnych pisarzy), gdzie teoretycznie ustalił prawa proporcji ludzkiego ciała.

Głowy posągów greckich są z reguły bezosobowe, to znaczy mało zindywidualizowane, zredukowane do kilku odmian ogólnego typu, ale to typ ogólny ma wysoką zdolność duchową. W greckim typie twarzy triumfuje idea „człowieka” w wersji idealnej. Twarz podzielona jest na trzy części o równej długości: czoło, nos i dolną część. Prawidłowy, delikatny owal. Prosta linia nosa kontynuuje linię czoła i tworzy prostopadłą do linii poprowadzonej od początku nosa do ujścia ucha (kąt prosty twarzy). Podłużny odcinek dość głęboko osadzonych oczu. Małe usta, pełne wypukłe usta, Górna warga cieńszy od dołu i ma piękny gładki dekolt jak kokarda kupidyna. Broda jest duża i okrągła. Falowane włosy miękko i ciasno dopasowują się do głowy, nie ingerując w zaokrąglony kształt czaszki.

To klasyczne piękno może wydawać się monotonne, ale będąc wyrazistym „naturalnym obrazem ducha”, poddaje się zmienności i jest w stanie ucieleśnić różne rodzaje starożytny ideał. Nieco więcej energii w magazynie ust, w wystającym podbródku - mamy przed sobą surową dziewicę Atenę. Więcej miękkości w konturach policzków, lekko rozchylone usta, zacienione oczodoły – przed nami zmysłowa twarz Afrodyty. Owal twarzy jest zbliżony do kwadratu, szyja jest grubsza, usta są większe - to już wizerunek młodego sportowca. A podstawą pozostaje ten sam ściśle proporcjonalny klasyczny wygląd.

Nie ma w nim jednak miejsca na coś, z naszego punktu widzenia, bardzo ważnego: urok wyjątkowo indywidualnego, piękno zła, triumf zasady duchowej nad cielesną niedoskonałością. Starożytni Grecy nie mogli tego dać, bo ten pierwotny monizm ducha i ciała musiał zostać przełamany, a świadomość estetyczna musiała wejść w etap ich separacji - dualizmu - co nastąpiło znacznie później. Ale sztuka grecka również stopniowo ewoluowała w kierunku indywidualizacji i otwartej emocjonalności, konkretności przeżyć i charakteryzacji, co staje się oczywiste już w epoce późnej klasyki, w IV wieku p.n.e. mi.

Pod koniec V wieku p.n.e. mi. władza polityczna Aten została wstrząśnięta, podważona przez długą wojnę peloponeską. Na czele przeciwników Aten była Sparta; był wspierany przez inne państwa Peloponezu i zapewniany pomoc finansowa Persia. Ateny przegrały wojnę i zostały zmuszone do zawarcia niekorzystnego pokoju; zachowali swoją niezależność, ale Ateński Związek Morski upadł, rezerwy gotówkowe wyschły, a wewnętrzne sprzeczności polityki nasiliły się. Demokracja ateńska zdołała się oprzeć, ale ideały demokratyczne zanikły, swobodne wyrażanie woli zaczęto tłumić okrutnymi środkami, czego przykładem jest proces Sokratesa (w 399 pne), który skazał filozofa na śmierć. Duch spójnego obywatelstwa słabnie, osobiste zainteresowania i doświadczenia są odizolowane od publicznych, a niestabilność życia jest bardziej niepokojąca. Wzrastają nastroje krytyczne. Człowiek, zgodnie z testamentem Sokratesa, zaczyna dążyć do „poznania siebie” – siebie, jako osoby, a nie tylko jako części społecznej całości. Twórczość wielkiego dramaturga Eurypidesa nakierowana jest na poznanie ludzkiej natury i postaci, w których zasada osobowa jest znacznie bardziej zaakcentowana niż u jego starszego współczesnego Sofoklesa. Według Arystotelesa Sofokles „reprezentuje ludzi takimi, jakimi powinni być, a Eurypides takimi, jakimi są naprawdę”.

W sztukach plastycznych wciąż dominują obrazy uogólnione. Ale duchowe męstwo i wigor, które tchną sztuką wczesnych i dojrzałych klasyków, stopniowo ustępują miejsca dramatycznemu patosowi Skopasa lub lirycznej, z nutką melancholii kontemplacji Praksytelesa. Skopas, Praksyteles i Lysippus - te nazwiska kojarzą się nam nie tyle z pewnymi postaciami artystycznymi (ich biografie są niejasne, a ich oryginalne prace prawie nie zachowały się), ale z głównymi nurtami późnej klasyki. Podobnie jak Myron, Policlet i Phidias uosabiają cechy dojrzałej klasyki.

I znowu, wskaźnikami zmian postawy są motywy plastyczne. Zmienia się charakterystyczna postawa stojącej postaci. W epoce archaicznej posągi stały całkowicie prosto, frontalnie. Dojrzała klasyka ożywia je i ożywia wyważonymi, płynnymi ruchami, utrzymując równowagę i stabilność. A posągi Praksytelesa – odpoczywającego Satyra, Apolla Saurocton – opierają się z leniwą gracją na filarach, bez nich musiałyby upaść.

Biodro z jednej strony jest bardzo mocno wysklepione, a ramię opuszczone nisko w kierunku bioder – Rodin porównuje tę pozycję ciała z harmonijką, gdy miechy są ściśnięte z jednej strony i rozsuwane z drugiej. Dla równowagi potrzebne jest wsparcie zewnętrzne. To jest poza rozmarzonym relaksem. Praksyteles nawiązuje do tradycji Polikleta, wykorzystuje odnalezione przez niego motywy ruchów, ale rozwija je w taki sposób, że przebija się w nich już inna treść wewnętrzna. „Zraniona Amazonka” Polikletai również opiera się o półkolumnę, ale bez niej mogła stać, jej silne, energetyczne ciało, nawet cierpiące na ranę, stoi twardo na ziemi. Apollo z Praksyteles nie trafia strzałą, sam celuje w jaszczurkę biegnącą po pniu drzewa - akcja, jak się wydaje, wymaga opanowania o silnej woli, jednak jego ciało jest niestabilne, jak kołysząca się łodyga. I nie jest to przypadkowy szczegół, nie kaprys rzeźbiarza, ale rodzaj nowego kanonu, w którym wyraża się zmienione spojrzenie na świat.

Jednak w rzeźbie z IV wieku p.n.e. zmienił się nie tylko charakter ruchów i postaw. mi. Krąg ulubionych tematów Praksytelesa ulega zmianie, od heroicznych wątków odchodzi w „światło światła Afrodyty i Erosa”. Wyrzeźbił słynny posąg Afrodyty z Knidos.

Praksyteles i artyści z jego kręgu nie lubili przedstawiać muskularnych torsów sportowców, przyciągało ich delikatne piękno kobiece ciało z łagodnymi objętościami przepływu. Preferowali typ młodości, wyróżniający się „pierwszą młodością o zniewieściałej urodzie”. Praksyteles słynął ze szczególnej miękkości modelowania i umiejętności obróbki materiału, zdolności oddania ciepła żywego ciała w zimnym marmurze2.

Jedynym zachowanym oryginałem Praksytelesa jest marmurowy posąg Hermesa z Dionizosem, znaleziony w Olimpii. Nagi Hermes, wsparty o pień drzewa, na który niedbale rzucono jego płaszcz, na jednym zgiętym ramieniu trzyma małego Dionizosa, aw drugim kiść winogron, do której sięga dziecko (zagubiona ręka trzymająca winogrona). Cały urok malarskiej obróbki marmuru tkwi w tym posągu, zwłaszcza w głowie Hermesa: przejścia światła i cienia, najsubtelniejsze „sfumato” (mgiełka), które wiele wieków później osiągnął w malarstwie Leonardo da Vinci.

Wszystkie inne dzieła mistrza znane są jedynie z odniesień do starożytnych autorów i późniejszych kopii. Ale duch sztuki Praksytelesa unosi się w IV wieku p.n.e. e., a co najważniejsze, można to wyczuć nie w rzymskich kopiach, ale w małym greckim plastiku, w glinianych figurkach Tanagra. Produkowano je pod koniec wieku w dużych ilościach, było to swego rodzaju produkcja masowa z głównym ośrodkiem w Tanagrze. (Bardzo dobra ich kolekcja znajduje się w Pustelni Leningradzkiej.) Niektóre figurki odtwarzają dobrze znane duże posągi, inne po prostu dają różne swobodne wariacje udrapowanej kobiecej postaci. Żywa gracja tych postaci, rozmarzona, zamyślona, figlarna, jest echem sztuki Praksytelesa.

Prawie tak samo niewiele pozostało z oryginalnych dzieł dłuta Skopasa, starszego współczesnego i antagonisty Praksytelesa. Pozostaje wrak. Ale wrak dużo mówi. Za nimi wznosi się obraz namiętnego, ognistego, żałosnego artysty.

Był nie tylko rzeźbiarzem, ale także architektem. Skopas jako architekt stworzył świątynię Ateny w Tegei i nadzorował jej dekorację rzeźbiarską. Sama świątynia została zniszczona dawno temu, jeszcze przez Gotów; podczas wykopalisk znaleziono fragmenty rzeźb, wśród nich wspaniałą głowę rannego wojownika. Nie było innych takich jak ona w sztuce V wieku p.n.e. czyli nie było tak dramatycznego wyrazu w obrocie głowy, takiego cierpienia na twarzy, w spojrzeniu, takiego duchowego napięcia. W jego imieniu naruszany jest kanon harmoniczny przyjęty w rzeźbie greckiej: oczy są osadzone zbyt głęboko, a przerwa w łukach brwiowych jest niezgodna z konturem powiek.

Jaki był styl Skopasa w kompozycjach wielopostaciowych, pokazują częściowo zachowane płaskorzeźby na fryzie Mauzoleum Halikarnasowego – unikatowej budowli, zaliczanej w starożytności do siedmiu cudów świata: peryper wzniesiono na wysokim cokole i zwieńczono dach ostrosłupowy. Fryz przedstawiał bitwę Greków z Amazonkami - wojownikami płci męskiej z wojowniczkami. Skopas nie pracował nad nim sam, wraz z trzema rzeźbiarzami, ale kierując się wskazówkami Pliniusza, który opisał mauzoleum, oraz analizą stylistyczną, badacze ustalili, które części fryzu zostały wykonane w warsztacie Skopasa. Bardziej niż inne przekazują upojny zapał walki, „zachwyt w bitwie”, kiedy zarówno mężczyźni, jak i kobiety oddają się mu z równą pasją. Ruchy postaci są gwałtowne i prawie tracą równowagę, skierowane nie tylko równolegle do płaszczyzny, ale także do wewnątrz, w głąb: Skopas wprowadza nowe poczucie przestrzeni.

Maenad cieszył się wielką sławą wśród współczesnych. Skopas przedstawił burzę tańca dionizyjskiego, napinającą całe ciało Maenady, konwulsyjnie wyginając jej tors, odrzucając głowę do tyłu. Posąg Maenady nie jest przeznaczony do oglądania z przodu, musi być oglądany z różnych stron, każdy punkt widzenia ujawnia coś nowego: albo ciało jest przyrównane do napiętego łuku z łukiem, albo wydaje się być zakrzywione w spiralę, jak język ognia. Nie sposób oprzeć się myśli: orgie dionizyjskie musiały być poważne, nie tylko rozrywkowe, ale naprawdę „zwariowane gry”. Misteria Dionizosa mogły odbywać się tylko raz na dwa lata i tylko na Parnasie, ale w tym czasie szalone Bachantki odrzuciły wszelkie konwencje i zakazy. W rytm bębnów, przy dźwiękach tympanonów pędzili i wirowali w ekstazie, wpadając w szał, rozwiązując włosy, rozrywając ubrania. Maenad Skopas trzymała w dłoni nóż, a na ramieniu miała rozszarpaną przez nią kozę 3.

Uroczystości dionizyjskie były obyczajem bardzo starożytnym, podobnie jak kult samego Dionizosa, ale w sztuce żywioł dionizyjski nigdy nie wybuchł z taką siłą, z taką otwartością, jak w posągu Skopasa, i jest to oczywiście symptom czasu. Teraz nad Hellas zbierały się chmury, a rozsądną jasność ducha naruszyło pragnienie zapomnienia, zrzucenia kajdan ograniczeń. Sztuka, jak wrażliwa membrana, reagowała na zmiany w atmosferze społecznej i przekształcała swoje sygnały we własne dźwięki, własne rytmy. Melancholijny ospałość twórczości Praksytelesa i dramatyczne impulsy Skopasa to tylko inna reakcja na ogólny duch czasu.

Krąg Skopasa i prawdopodobnie on sam posiada marmurowy nagrobek młodego człowieka. Na prawo od młodego człowieka jest jego stary ojciec z wyrazem głębokiej myśli, czuje się, że zastanawia się: dlaczego jego syn odszedł w kwiecie wieku, a on, stary człowiek, pozostał, by żyć? Syn patrzy przed siebie i zdaje się już nie zauważać ojca; jest daleko stąd, w beztroskich Polach Elizejskich - siedzibie błogosławionych.

Pies u jego stóp to jeden z symboli podziemi.

W tym miejscu wypada ogólnie powiedzieć o nagrobkach greckich. Jest ich stosunkowo dużo, z V, a głównie z IV wieku p.n.e. mi.; ich twórcy są zwykle nieznani. Czasami płaskorzeźba steli grobowej przedstawia tylko jedną postać - zmarłego, ale częściej obok niego przedstawiani są jego krewni, jeden lub dwóch, którzy się z nim żegnają. W tych scenach pożegnania i rozstania nigdy nie wyraża się silny smutek i żal, a jedynie spokój; smutna myśl. Śmierć jest odpoczynkiem; Grecy uosabiali go nie w strasznym szkielecie, ale w postaci chłopca - Tanatosa, bliźniaka Hypnosa - snu. Śpiące dziecko jest również przedstawione na nagrobku młodego mężczyzny, w kącie u jego stóp. Pozostali przy życiu krewni patrzą na zmarłego, chcąc utrwalić jego rysy w pamięci, czasami biorą go za rękę; on (lub ona) sam na nie nie patrzy, aw jego figurze czuje się odprężenie, oderwanie. Na słynnym nagrobku Gegeso (koniec V w. p.n.e.) stojąca służąca daje swojej pani siedzącej w fotelu pudełko z klejnotami, Gegeso zwykłym, mechanicznym ruchem wyciąga z niego naszyjnik, ale ona wygląda nieobecne i opadające.

Autentyczny nagrobek z IV wieku p.n.e. mi. prace mistrza Strychu można oglądać w Państwowym Muzeum sztuki piękne ich. JAK. Puszkina. To nagrobek wojownika - trzyma w ręku włócznię, obok niego jest jego koń. Ale postawa wcale nie jest bojowa, członki ciała są rozluźnione, głowa jest opuszczona. Po drugiej stronie konia stoi ten, który żegna się; jest smutny, ale nie można pomylić się co do tego, która z dwóch postaci przedstawia zmarłego, a która żywych, choć wydają się być podobne i tego samego typu; Greccy mistrzowie wiedzieli, jak sprawić, by przejście zmarłego w dolinę cieni było odczuwalne.

Liryczne sceny ostatniego pożegnania zostały również przedstawione na urnach pogrzebowych, gdzie są bardziej lakoniczne, czasem tylko dwie postacie - mężczyzna i kobieta - ściskające sobie ręce.

Ale nawet tutaj jest zawsze jasne, który z nich należy do królestwa zmarłych.

W greckich nagrobkach z ich szlachetną powściągliwością w wyrażaniu smutku jest jakaś szczególna czystość uczuć, coś zupełnie przeciwnego do ekstazy bachicznej. Nagrobek młodego człowieka przypisywany Skopasowi nie łamie tej tradycji; wyróżnia się spośród innych, oprócz wysokich walorów plastycznych, jedynie filozoficzną głębią obrazu zamyślonego starca.

Przy całej opozycji artystycznych natur Skopasa i Praksytelesa, obydwa cechuje coś, co można nazwać wzrostem malowniczości w plastiku – efekt światłocienia, dzięki któremu marmur wydaje się żywy, co jest podkreślane za każdym razem przez greckich epigramatyków. Obaj mistrzowie woleli marmur od brązu (podczas gdy brąz dominował w rzeźbie wczesnych klasyków) i osiągnęli perfekcję w obróbce jego powierzchni. Siłę uzyskanego odcisku wzmocniły szczególne właściwości odmian marmuru stosowanych przez rzeźbiarzy: przezierność i świetlistość. Marmur paryjski przepuszcza światło o 3,5 centymetra. Posągi wykonane z tego szlachetnego materiału wyglądały zarówno na żywe, jak i bosko-nieprzekupne. W porównaniu z dziełami wczesnej i dojrzałej klasyki, późnoklasyczne rzeźby coś tracą, nie mają prostej wielkości woźnicy delfickiej, nie ma monumentalności fidyjskich posągów, ale zyskują na witalności.

Historia zachowała o wiele więcej nazwisk wybitnych rzeźbiarzy z IV wieku p.n.e. mi. Część z nich, kultywując podobieństwo do życia, doprowadziła ją do granicy, poza którą zaczyna się rodzaj i charakterystyka, antycypując tym samym tendencje hellenistyczne. Wyróżniał się tym Demetrius z Alopeki. Nie przywiązywał wagi do piękna i świadomie starał się przedstawiać ludzi takimi, jakimi są, bez ukrywania się duże brzuchy i łysy. Jego specjalnością były portrety. Demetriusz wykonał portret filozofa Antystenesa, polemicznie skierowany przeciwko idealizującym portretom z V wieku p.n.e. np. - Antystenes jest stary, zwiotczały i bezzębny. Rzeźbiarz nie potrafił uduchowić brzydoty, nadać jej uroku, takie zadanie było niemożliwe w granicach starożytnej estetyki. Brzydota była rozumiana i przedstawiana po prostu jako upośledzenie fizyczne.

Inni natomiast starali się podtrzymać i kultywować tradycje dojrzałej klasyki, wzbogacając je o wielką elegancję i złożoność motywów plastycznych. Tą drogą poszedł Leohar, który stworzył posąg Apolla Belvedere, który do końca XX wieku stał się wzorcem piękna dla wielu pokoleń neoklasyków. Johannes Winckelmann, autor pierwszej naukowej Historii Sztuki Starożytności, napisał: „Wyobraźnia nie może stworzyć niczego, co przewyższyłoby watykańskiego Apolla z jego ponadludzką proporcjonalnością pięknego bóstwa”. Przez długi czas posąg ten uważany był za szczyt sztuki antycznej, „bożek Belwederu” był synonimem estetycznej perfekcji. Jak to często bywa, zbyt wysokie pochwały z czasem wywołały odwrotną reakcję. Kiedy badania nad sztuką starożytną posunęły się daleko do przodu i odkryto wiele jej zabytków, przesadną ocenę posągu Leochara zastąpiono niedoszacowaniem: zaczęli uważać go za pompatyczny i maniery. Tymczasem Apollo Belvedere jest naprawdę wybitnym dziełem w swoich plastikowych zaletach; postać i chód władcy muz łączą siłę i wdzięk, energię i lekkość, chodząc po ziemi, jednocześnie unosi się nad ziemią. Co więcej, jego ruch, według słów radzieckiego krytyka sztuki B. R. Vippera, „nie jest skoncentrowany w jednym kierunku, ale jakby rozchodzi się w różnych kierunkach w promieniach”. Aby osiągnąć taki efekt, potrzebne były wyrafinowane umiejętności rzeźbiarza; jedyny problem polega na tym, że kalkulacja efektu jest zbyt oczywista. Apollo Leohara zdaje się zapraszać do podziwiania jego piękna, podczas gdy piękno najlepszych klasycznych posągów nie deklaruje się publicznie: są piękne, ale się nie popisują. Nawet Afrodyta z Knidos Praksyteles chce raczej ukryć niż zademonstrować zmysłowy urok swojej nagości, a wcześniejsze klasyczne posągi przepełnione są spokojnym zadowoleniem z siebie, wykluczającym wszelką demonstrację. Dlatego należy uznać, że w posągu Apolla Belvedere starożytny ideał zaczyna stawać się czymś zewnętrznym, mniej organicznym, choć na swój sposób rzeźba ta jest niezwykła i odznacza się wysokim poziomem wirtuozowskiego warsztatu.

Duży krok w kierunku „naturalności” zrobili ostatni wielki rzeźbiarz Klasyka grecka - Lysippus. Badacze przypisują to szkole Argive i zapewniają, że miał zupełnie inny kierunek niż w szkole ateńskiej. W gruncie rzeczy był jej bezpośrednim naśladowcą, ale po zaakceptowaniu jej tradycji poszedł dalej. W młodości artysta Evpomp odpowiedział na jego pytanie: „Którego nauczyciela wybrać?” – odpowiedział, wskazując na tłum stłoczony na górze: „Oto jedyny nauczyciel: natura”.

Słowa te zapadły głęboko w duszę młodzieńca genialnego, który nie ufając autorytetowi kanonu polikletyjskiego, zajął się dokładnym badaniem przyrody. Przed nim rzeźbiono ludzi zgodnie z zasadami kanonu, to znaczy z pełnym przekonaniem, że prawdziwe piękno tkwi w proporcjonalności wszystkich form i proporcji ludzi średniego wzrostu. Lysippus wolał wysoką, smukłą sylwetkę. Jego kończyny stały się lżejsze, wyższe.

W przeciwieństwie do Skopasa i Praksytelesa pracował wyłącznie w brązie: kruchy marmur wymaga stabilnej równowagi, podczas gdy Lysippus tworzył posągi i grupy posągów w stanach dynamicznych, w złożonych akcjach. Był nieskończenie różnorodny w wymyślaniu motywów plastycznych i bardzo płodny; mówiono, że po skończeniu każdej rzeźby włożył złotą monetę do skarbonki i w sumie zgromadził w ten sposób półtora tysiąca monet, czyli podobno wykonał półtora tysiąca posągów, niektóre z bardzo duże rozmiary, w tym 20-metrowy posąg Zeusa. Żadne z jego dzieł nie przetrwało, ale dość duża liczba kopii i powtórzeń, pochodzących albo z oryginałów Lysippusa, albo z jego szkoły, daje przybliżone wyobrażenie o stylu mistrza. Pod względem fabuły wyraźnie preferował postacie męskie, gdyż lubił przedstawiać trudne wyczyny mężów; Herkules był jego ulubionym bohaterem. W zrozumieniu formy plastycznej nowatorskim podbojem Lizypa był obrót postaci w przestrzeni otaczającej ją ze wszystkich stron; innymi słowy, nie myślał o posągu na tle jakiejkolwiek płaszczyzny i nie przyjmował jednego, głównego punktu widzenia, z którego należy go oglądać, lecz liczył na obejście posągu. Widzieliśmy, że Maenada Skopasa została zbudowana na tej samej zasadzie. Ale to, co było wyjątkiem u wcześniejszych rzeźbiarzy, stało się regułą u Lysippusa. W związku z tym nadawał swoim figurom efektowne pozy, skomplikowane skręty i przetwarzał je z równą starannością, nie tylko z przednia strona ale także z tyłu.

Ponadto Lysippus stworzył nowe poczucie czasu w rzeźbie. Stare klasyczne posągi, nawet jeśli ich postawy były dynamiczne, wydawały się nie mieć wpływu na upływ czasu, znajdowały się poza nim, były, odpoczywały. Bohaterowie Lysippusa żyją w tym samym czasie rzeczywistym, co żywi ludzie, ich działania są ujęte w czasie i ulotne, prezentowany moment jest gotowy do zastąpienia przez inny. Oczywiście Lysippos również miał tu swoich poprzedników: można powiedzieć, że kontynuował tradycje Myrona. Ale nawet Discobolus tego ostatniego jest tak wyważony i wyraźny w swojej sylwetce, że wydaje się „stać” i statyczny w porównaniu do Lysippus Hercules walczącego z lwem, czy Hermesa, który usiadł, by chwilę odpocząć na przydrożnym kamieniu (tylko minutę!) latający na swoich skrzydlatych sandałach.

Nie wiadomo dokładnie, czy oryginały tych rzeźb należały do samego Lysipposa, czy do jego uczniów i pomocników, ale niewątpliwie sam wykonał posąg Apoksyomenesa, którego marmurowa kopia znajduje się w Muzeum Watykańskim. Młody nagi atleta, wyciągając ręce do przodu, zgarnia skrobaczką przylegający kurz. Był zmęczony po walce, lekko zrelaksowany, nawet jakby się zataczał, rozkładając nogi dla stabilizacji. Kosmyki włosów, potraktowane bardzo naturalnie, przyklejają się do spoconego czoła. Rzeźbiarz zrobił wszystko, co możliwe, aby nadać maksymalną naturalność w ramach tradycyjnego kanonu. Zrewidowano jednak sam kanon. Jeśli porównamy Apoxyomenes z Doryphorus Polykleitos, to zauważymy, że zmieniły się proporcje ciała: głowa jest mniejsza, nogi dłuższe. Doryphorus jest cięższy i bardziej krępy w porównaniu do elastycznego i smukłego Apoxyomenos.

Lysippus był nadwornym malarzem Aleksandra Wielkiego i wykonał wiele jego portretów. Nie ma w nich pochlebstwa ani sztucznej gloryfikacji; głowa Aleksandra, zachowana w hellenistycznej kopii, jest wykonywana w tradycjach Skopasa, nieco przypominających głowę rannego wojownika. To jest twarz osoby, która żyje ciężko i ciężko, która niełatwo odnosi zwycięstwa. Usta są na wpół otwarte, jakby ciężko oddychały, na czole, mimo młodego wieku, leżą zmarszczki. Zachował się jednak klasyczny typ twarzy o proporcjach i rysach legitymizowanych tradycją.

Sztuka Lysipposa zajmuje pogranicze na przełomie epok klasycznych i hellenistycznych. Wciąż jest wierny klasycznym koncepcjom, ale już podważa je od wewnątrz, tworząc grunt pod przejście do czegoś innego, bardziej zrelaksowanego i bardziej prozaicznego. W tym sensie głowa bojownika na pięści nie należy do Lysippusa, ale być może do jego brata Lizystratusa, który był również rzeźbiarzem i podobno jako pierwszy używał masek zdjętych z twarzy modela do portretów ( co było szeroko rozpowszechnione w starożytnym Egipcie, ale całkowicie obce sztuce greckiej). Możliwe, że głowa pięściarza również została wykonana za pomocą maski; daleko mu do kanonu i ideału doskonałości fizycznej, którą Hellenowie ucieleśniali w postaci sportowca. Ten zwycięzca walki na pięści nie jest niczym półbóg, tylko artystą estradowym dla bezczynnego tłumu. Jego twarz jest szorstka, nos spłaszczony, uszy spuchnięte. Ten rodzaj „naturalistycznych” obrazów rozpowszechnił się później w hellenizmie; Jeszcze bardziej brzydkiego wojownika na pięści wyrzeźbił attycki rzeźbiarz Apoloniusz już w I wieku p.n.e. mi.

To, co wcześniej rzucało cień na jasną strukturę światopoglądu helleńskiego, pojawiło się pod koniec IV wieku p.n.e. e.: dekompozycja i śmierć polityki demokratycznej. Początkiem tego było powstanie Macedonii, północnego regionu Grecji, i faktyczne zdobycie wszystkich państw greckich przez macedońskiego króla Filipa II. W bitwie pod Cheroneą (338 pne), w której pokonały wojska greckiej koalicji antymacedońskiej, udział wziął 18-letni syn Filipa, Aleksander, przyszły wielki zdobywca. Rozpoczynając od zwycięskiej kampanii przeciwko Persom, Aleksander posunął swoją armię dalej na wschód, zdobywając miasta i zakładając nowe; w wyniku dziesięcioletniej kampanii powstała ogromna monarchia, rozciągająca się od Dunaju po Indus.

Aleksander Wielki w młodości skosztował owoców najwyższej kultury greckiej. Jego opiekunem był wielki filozof Arystoteles, nadworni malarze - Lysippos i Apelles. Nie przeszkodziło mu to, po zdobyciu państwa perskiego i objęciu tronu egipskich faraonów, ogłosić się bogiem i zażądać, aby on i w Grecji otrzymał boskie zaszczyty. Nieprzyzwyczajeni do wschodnich obyczajów Grecy, chichocząc, mówili: „Cóż, jeśli Aleksander chce być bogiem, niech nim będzie” – i oficjalnie uznali go za syna Zeusa. Orientalizacja, którą zaczął zaszczepiać Aleksander, była jednak sprawą poważniejszą niż kaprys zdobywcy upojonego zwycięstwami. Był to symptom historycznego zwrotu starożytnego społeczeństwa od demokracji niewolniczej do formy, która istniała na Wschodzie od czasów starożytnych - do monarchii niewolników. Po śmierci Aleksandra (i zmarł młodo) jego kolosalne, ale kruche państwo rozpadło się, jego przywódcy wojskowi, tzw. diadochi – następcy, podzielili między sobą strefy wpływów. Państwa, które powstały pod ich rządami, nie były już greckie, lecz grecko-wschodnie. Nadeszła era hellenizmu - zjednoczenia pod auspicjami monarchii kultur helleńskich i wschodnich.

Zeus był królem bogów, bogiem nieba i pogody, prawa, porządku i losu. Przedstawiany był jako mężczyzna królewski, dojrzały, o mocnej sylwetce i ciemnej brodzie. Jego zwykłymi atrybutami były błyskawice, berło królewskie i orzeł. Ojciec Herkulesa, organizator wojny trojańskiej, wojownik ze stugłowym potworem. Zalał świat, aby ludzkość mogła zacząć żyć na nowo.

Posejdon był wielkim olimpijskim bogiem mórz, rzek, powodzi i susz, trzęsień ziemi, a także patronem koni. Przedstawiany był jako dojrzały mężczyzna o mocnej budowie, z ciemną brodą i trójzębem. Kiedy świat został podzielony przez Chrona między swoich synów, otrzymał władzę nad morzem.

Demeter była wielką olimpijską boginią płodności, Rolnictwo, zboża i chleb. Przewodniczyła także jednemu z mistycznych kultów, które obiecały swoim wtajemniczonym ścieżkę do błogosławionego życia pozagrobowego. Demeter była przedstawiana jako dojrzała kobieta, często w koronie, trzymająca w ręku pszenne kłosy i pochodnię. Przyniosła głód na Ziemię, ale też wysłała bohatera Triptolemosa, aby uczył ludzi, jak uprawiać ziemię.

Hera była królową bogów olimpijskich oraz boginią kobiet i małżeństwa. Była także boginią gwiaździstego nieba. Zazwyczaj przedstawiana jest jako piękna koronowana kobieta trzymająca królewską laskę z lotosem. Czasami towarzyszy jej królewski lew, kukułka lub jastrząb. Była żoną Zeusa. Urodziła kalekiego Hefajstosa, którego zrzuciła z Nieba samym spojrzeniem. On sam był bogiem ognia i wykwalifikowanym kowalem oraz patronem kowalstwa. W wojna trojańska Hera pomogła Grekom.

Apollo był wielkim bogiem proroctw i wyroczni olimpijskich, uzdrawiania, zarazy i chorób, muzyki, pieśni i poezji, łucznictwa i ochrony młodzieży. Przedstawiano go jako przystojnego młodzieńca bez brody, z długimi włosami i różnymi akcesoriami, takimi jak wieniec i gałązka laurowa, łuk i kołczan, wrona i lira. Apollo miał świątynię w Delfach.

Artemida była wielką boginią polowań, dzikich zwierząt i dzikich zwierząt. Była także boginią porodu i patronką młode dziewczyny. Jej bliźniak, brat Apolla, był także patronem nastoletnich chłopców. Razem ci dwaj bogowie byli również arbitrami nagłej śmierci i choroby – Artemida brał na cel kobiety i dziewczęta, a Apollo brał na cel mężczyzn i chłopców.

W starożytna sztuka Artemida z reguły jest przedstawiana jako dziewczyna ubrana w krótki chiton do kolan i wyposażona w łuk myśliwski i kołczan ze strzałami.

Po urodzeniu natychmiast pomogła matce urodzić brata bliźniaka Apollo. Zamieniła myśliwego Acteona w jelenia, gdy zobaczył, jak się kąpie.

Hefajstos był wielkim olimpijskim bogiem ognia, obróbki metali, kamieniarstwa i sztuki rzeźbiarskiej. Zazwyczaj przedstawiano go jako brodatego mężczyznę z młotkiem i szczypcami – narzędziami kowalskimi – i jadącego na osiołku.

Atena była wielką olimpijską boginią mądrych rad, wojny, obrony miasta, bohaterskich wysiłków, tkactwa, garncarstwa i innych rzemiosł. Przedstawiono ją w hełmie, uzbrojoną w tarczę i włócznię oraz w płaszczu obszytym wężem owiniętym wokół piersi i ramion, ozdobionym głową Gorgona.

Ares był wielkim olimpijskim bogiem wojny, porządku publicznego i odwagi. W sztuce greckiej przedstawiano go albo jako dojrzałego, brodatego wojownika odzianego w zbroję bojową, albo jako nagiego młodzieńca bez brody w hełmie i włóczni. Ze względu na brak wyróżników często trudno je zidentyfikować w sztuce klasycznej.

Możesz być zainteresowany