Co jest stosowane dekoracyjnie. Sztuka dekoracyjna i użytkowa: rodzaje, obrazy, rozwój

Sztuka dekoracyjna i użytkowa.

Sztuka dekoracyjna i użytkowa (DAI)- sztuka wykonywania przedmiotów gospodarstwa domowego, które mają walory artystyczne i estetyczne i służą nie tylko do użytku praktycznego, ale także do dekoracji domów, konstrukcje architektoniczne, parki itp.

Całe życie prymitywnych plemion i cywilizacji było związane z pogaństwem. Ludzie czcili różne bóstwa, przedmioty - trawę, słońce, ptaka, drzewo. Aby „ułagodzić” niektórych bogów i „wypędzić” złe duchy, starożytny człowiek budując dom, zawsze uzupełniał go „amuletami” - płaskorzeźbami, ramami okiennymi, zwierzętami i znakami geometrycznymi, które mają znaczenie symboliczne i symboliczne. Odzież koniecznie chroniła właściciela przed złymi duchami za pomocą paska ozdobnego na rękawach, rąbku i kołnierzu; wszystkie naczynia miały także rytualny ornament.

Ale od czasów starożytnych charakterystyczne dla człowieka było dążenie do piękna w otaczającym go obiektywnym świecie, dlatego obrazy zaczęły nabierać coraz bardziej estetycznego wyglądu. Stopniowo tracąc swoje pierwotne znaczenie, zaczęły bardziej ozdabiać przedmiot niż przenosić jakąkolwiek magiczną informację. Na tkaniny nanoszono haftowane wzory, ceramikę dekorowano ornamentami i obrazami, najpierw wytłaczano i rysowano, a następnie nakładano gliną o innym kolorze. Później używano do tego celu kolorowych szkliw i emalii. Wyroby metalowe odlewano w kształtki, pokrywano bruzdami i nacięciami.

Sztuka dekoracyjna i użytkowa obejmuje i artystycznie wykonanych mebli, naczyń, odzieży, dywanów, haftów, biżuterii, zabawek i innych przedmiotów, a także malarstwa zdobniczego oraz dekoracji rzeźbiarskiej i dekoracyjnej wnętrz i fasad budynków, ceramiki licowej, witraży itp. Bardzo popularne są formy pośrednie pomiędzy DPI a sztuką sztalugową – panele, gobeliny, abażury, dekoracyjne posągi itp. – które stanowią część architektonicznej całości, ją uzupełniają, ale można je też rozpatrywać osobno, jako samodzielne dzieła sztuki. Czasami w wazonie lub innym przedmiocie na pierwszym miejscu jest nie funkcjonalność, ale piękno.

Na rozwój sztuki użytkowej wpływ miały warunki życia każdego ludu, a także warunki naturalne i klimatyczne jego siedliska. DPI to jedna z najstarszych form sztuki. Przez wiele wieków rozwijała się wśród ludzi w formie ludowego rzemiosła artystycznego.

Haft. Ma swoje korzenie w czasach starożytnych, kiedy używano igieł z kości, a następnie z brązu. Haftowano na odzieży lnianej, bawełnianej i wełnianej. W Chinach i Japonii haftowano kolorowym jedwabiem, w Indiach, Iranie i Turcji - złotem. Haftowali ozdoby, kwiaty, zwierzęta. Nawet w obrębie jednego kraju istniały zupełnie różne rodzaje haftu w zależności od obszaru i narodowości tam zamieszkującej, takie jak haft czerwoną nicią, haft kolorowy, ścieg krzyżykowy, ścieg satynowy itp. Motywy i kolory często zależały od przeznaczenia przedmiotu, odświętnego lub codziennego.

Aplikacja. Wielokolorowe kawałki tkaniny, papieru, skóry, futra, słomy są przyszyte lub naklejone na materiał o innym kolorze lub wykończeniu. Niezwykle ciekawe jest zastosowanie w sztuce ludowej, zwłaszcza ludów Północy. Aplikacje służą do ozdabiania paneli, gobelinów i zasłon. Często aplikacja jest wykonywana po prostu jako samodzielna praca.

Witraż. To dekoracyjna kompozycja wykonana z kolorowego szkła lub innego materiału przepuszczającego światło. W klasycznym witrażu poszczególne kawałki kolorowego szkła łączono ze sobą przekładkami wykonanymi z najmiększego materiału – ołowiu. Są to witraże wielu katedr i świątyń w Europie i Rosji. Stosowano także technikę malowania na szkle przezroczystym lub kolorowym farbami silikatowymi, a następnie utrwalania poprzez wypalanie światłem. W XX wieku zaczęto wykonywać witraże z przezroczystych tworzyw sztucznych.

Nowoczesne witraże znajdują zastosowanie nie tylko w kościołach, ale także w lokalach mieszkalnych, teatrach, hotelach, sklepach, metrze itp.

Malarstwo. Kompozycje wykonane farbami na powierzchni tkanin, drewna, ceramiki, metalu i innych produktów. Obrazy mogą mieć charakter narracyjny lub ozdobny. Mają szerokie zastosowanie w sztuce ludowej i służą jako dekoracja pamiątek lub przedmiotów gospodarstwa domowego.

Ceramika. Produkty i materiały wykonane z gliny i różnych mieszanek z nią. Nazwa pochodzi od obszaru w Grecji, który od czasów starożytnych był ośrodkiem produkcji ceramiki, tj. do wyrobu naczyń i naczyń ceramicznych. Ceramikę nazywa się także płytkami licowymi, często pokrytymi malowidłami. Głównymi rodzajami ceramiki są glina, terakota, majolika, fajans, porcelana, masa kamienna.

Koronka. Produkty z ażurowymi nitkami. Ze względu na technikę wykonania dzieli się je na ręcznie robione (tkane na toczonych patykach - szpulkach, szyte igłą, szydełkowane lub dziane) i maszynowe.

Tkactwo z kory brzozowej, słomy, wikliny, łyka, skóry, nici itp. jeden z najstarszych gatunków dekoracyjne i stosowane sztuka (znana od czasów neolitu). Z tkactwa wytwarzano głównie naczynia, meble, karoserie samochodów, zabawki i pudełka.

Nitka. Metoda artystycznej obróbki materiałów, polegająca na wycinaniu rzeźbiarskich postaci za pomocą specjalnego narzędzia tnącego lub wykonywaniu obrazu na gładkiej powierzchni. Rzeźba w drewnie była najbardziej rozpowszechniona na Rusi. Obejmował ramy domów, mebli i narzędzi. Istnieją rzeźbione rzeźby wykonane z kości, kamienia, gipsu itp. Wiele rzeźb dotyczy biżuterii (kamienie, złoto, brąz, miedź itp.) I broni (drewno, kamień, metale).



Sztuka i rzemiosło

Sekcja sztuki dekoracyjnej; obejmuje szereg branż kreatywnych, które zajmują się tworzeniem produktów artystycznych przeznaczonych przede wszystkim do użytku codziennego. Dziełami sztuki dekoracyjnej i użytkowej mogą być: różnego rodzaju naczynia, meble, tkaniny, narzędzia, broń, a także inne wyroby, które w myśl swego pierwotnego przeznaczenia nie są dziełami sztuki, lecz uzyskują jakość artystyczną dzięki zastosowaniu pracy artysty ich; ubrania, wszelkiego rodzaju biżuterię. Wraz z podziałem dzieł sztuki dekoracyjnej i użytkowej ze względu na ich praktyczne przeznaczenie w literatura naukowa od drugiego połowa XIX wieku V. klasyfikację gałęzi sztuki zdobniczej i użytkowej ustalono według materiału (metal, ceramika, tekstylia, drewno itp.) lub techniki (rzeźba, malarstwo, haft, materiał drukowany, odlewanie, tłoczenie, intarsja itp.). Klasyfikacja ta wynika z ważnej roli zasad konstrukcyjnych i technologicznych w sztuce dekoracyjnej i użytkowej oraz jej bezpośredniego związku z produkcją. Rozwiązywanie łącznie, podobnie jak architektura, problemów praktycznych i artystycznych, sztuki dekoracyjnej i użytkowej należy jednocześnie do sfer tworzenia wartości zarówno materialnych, jak i duchowych. Dzieła sztuki dekoracyjnej i użytkowej są nierozerwalnie związane z kulturą materialną ich współczesnej epoki i są ściśle związane z odpowiadającym im sposobem życia, z takimi czy innymi lokalnymi cechami etnicznymi i narodowymi, różnicami grupowymi i klasowymi. Stanowiące organiczną część obiektywnego środowiska, z którym człowiek styka się na co dzień, dzieła sztuki dekoracyjnej i użytkowej wraz z ich walorami estetycznymi, strukturę figuratywną, charakter stale wpływa stan umysłu człowiek, jego nastrój, są ważnym źródłem emocji, które wpływają na jego stosunek do otaczającego go świata. Estetycznie nasycając i przekształcając otoczenie otaczające człowieka, dzieła sztuki dekoracyjnej i użytkowej wydają się być przez nią jednocześnie wchłaniane, gdyż zwykle są postrzegane w powiązaniu z jego projektem architektonicznym i przestrzennym, z innymi wchodzącymi w jego skład przedmiotami lub ich zespołami (serwis, komplety mebli, garnitur, komplet biżuterii).

Dlatego też sens ideowy dzieł sztuki dekoracyjnej i użytkowej można najpełniej zrozumieć jedynie dzięki jasnemu wyobrażeniu (rzeczywistemu lub odtworzonemu mentalnie) o owych relacjach pomiędzy przedmiotem a otoczeniem i człowiekiem. Architektonika obiektu, zdeterminowana jego przeznaczeniem, możliwościami konstrukcyjnymi i właściwościami plastycznymi materiału, często odgrywa zasadniczą rolę w kompozycji dzieła artystycznego. Często w sztuce dekoracyjnej i użytkowej piękno materiału, relacje proporcjonalne części, rytmiczna struktura służy jako jedyny sposób ucieleśnienia emocjonalnej i figuratywnej treści produktu (na przykład produkty wykonane ze szkła lub innych niezabarwionych materiałów pozbawionych dekoracji). To wyraźnie pokazuje specjalne znaczenie dla sztuki dekoracyjnej i użytkowej o charakterze czysto emocjonalnym, niefiguratywnym, którego zastosowanie upodabnia sztukę dekoracyjną i użytkową do architektury. Emocjonalny i wymowny obraz często aktywuje obraz skojarzeniowy (porównanie kształtu produktu z kroplą, kwiatem, postacią ludzką, zwierzęciem, jego poszczególnymi elementami, z jakimś innym produktem – dzwonkiem, tralką itp.). ). Dekor pojawiający się na produkcie znacząco wpływa także na jego strukturę figuratywną. Często to dzięki swojemu wystrojowi przedmiot gospodarstwa domowego staje się dziełem sztuki dekoracyjnej i użytkowej. Posiadający własną ekspresję emocjonalną, własny rytm i proporcje (często kontrastujące z formą, jak na przykład w wyrobach mistrzów Khokhloma, gdzie skromna, prosta forma przedmiotu i elegancka, świąteczne malowanie powierzchnie różnią się emocjonalnym wydźwiękiem), dekor wizualnie modyfikuje formę, a jednocześnie łączy się z nią w jeden artystyczny obraz. W sztuce dekoracyjnej i użytkowej ozdoby i elementy (osobno lub w różnych kombinacjach) sztuk pięknych (rzeźba, malarstwo i rzadziej grafika) są szeroko stosowane do tworzenia dekoracji. Środki sztuk pięknych i zdobnictwa służą w sztuce dekoracyjnej i użytkowej nie tylko do tworzenia dekoracji, ale czasami przenikają do formy przedmiotu (elementy mebli w postaci palmet, wolut, łap zwierząt, głów; naczynia w formie kwiatu , owoc, ptak, zwierzę, postać osoby). Czasami ozdoba lub obraz staje się podstawą do tworzenia produktów (wzór kratki, koronki; wzór tkaniny tkackiej, dywan). Konieczność harmonizacji wystroju z formą, obrazu ze skalą i charakterem produktu, z jego praktycznym i artystycznym przeznaczeniem, prowadzi do transformacji motywów wizualnych, do konwencji interpretacji i łączenia elementów naturalnych (np. wykorzystanie motywów łapy lwa, skrzydeł orła i głowy łabędzia w projekcie nogi stołu).

Syntetyczny charakter sztuki dekoracyjnej i użytkowej przejawia się w jedności funkcji artystycznych i użytkowych produktu, we przenikaniu się formy i wystroju, zasad delikatnych i tektonicznych. Dzieła sztuki dekoracyjnej i użytkowej projektowane są tak, aby można je było odbierać zarówno wzrokowo, jak i dotykowo. Dlatego ujawnienie piękna faktury i właściwości plastycznych materiału, umiejętność i różnorodność technik jego obróbki nabierają znaczenia szczególnie aktywnych środków oddziaływania estetycznego w sztuce dekoracyjnej i użytkowej.

Sztuka dekoracyjna i użytkowa, która pojawiła się na najwcześniejszym etapie rozwoju społeczeństwa ludzkiego, przez wiele stuleci była najważniejszym, a dla wielu plemion i narodowości głównym obszarem twórczości artystycznej. Najstarsze (należące do epoki prehistorycznej) dzieła sztuki zdobniczej i użytkowej, obejmujące najwięcej szerokie koło wyobrażenia o świecie i człowieku charakteryzują się wyjątkową treścią obrazów, dbałością o estetykę materiału i estetyką materialnej pracy, racjonalną konstrukcją formy, podkreślaną dekoracją. Tendencja ta została utrzymana w tradycyjnej sztuce ludowej ( cm. także sztuka i rzemiosło ludowe) aż do czasów współczesnych. Jednak wraz z początkiem rozwarstwienia klasowego społeczeństwa w ewolucji stylistycznej sztuki dekoracyjnej i użytkowej wiodącą rolę zaczyna odgrywać jej szczególna gałąź, mająca służyć potrzebom rządzących warstw społecznych i odpowiadająca ich gustom i ideologii. Stopniowo wszystko wyższa wartość zaczyna interesować się bogactwem materiałów i dekoracji, ich rzadkością i wyrafinowaniem. Wyodrębnia się produkty spełniające funkcję reprezentacyjną (przedmioty rytuałów religijnych lub ceremonii dworskich, ozdoby domów szlacheckich), w których rzemieślnicy, chcąc wzmocnić ich emocjonalny wydźwięk, często rezygnują z codziennej celowości konstruowania formy. Jednak do połowy XIX w. mistrzowie sztuk dekoracyjnych i użytkowych zachowują integralność myślenia plastycznego i jasne zrozumienie powiązań estetycznych między przedmiotem a środowiskiem, dla którego jest przeznaczony. Powstawanie, ewolucja i zmiana stylów artystycznych w sztuce dekoracyjnej i użytkowej przebiegały synchronicznie z ich ewolucją w innych formach sztuki. Trendy w eklektyzmie kultur artystycznych II połowa XIX w. prowadzą do stopniowego zubożenia wartości estetycznych oraz treści emocjonalnych i figuratywnych sztuki dekoracyjnej i użytkowej. Zatraca się połączenie wystroju z formą, obiekt artystycznie zaprojektowany zostaje zastąpiony obiektem zdobionym. Dominacja złego smaku i depersonalizujący wpływ na sztukę zdobniczą i użytkową intensywnie rozwijającej się masowej produkcji maszynowej ( cm. przemysł artystyczny), artyści starali się skontrastować unikatowe przedmioty wykonane według ich projektów w warunkach pracy rzemieślniczej (warsztaty W. Morrisa w Wielkiej Brytanii, Kolonia Artystów w Darmstadt w Niemczech) lub fabrycznej (Werkbund), aby ożywić emocjonalno-wyobraźniową integralność i zawartość ideologiczną środowiska o znaczeniu artystycznym ( cm. Nowoczesny). Próby te rozwinęły się na nowych podstawach ideologicznych i estetycznych po rewolucji październikowej 1917 r., która otworzyła perspektywy stworzenia sensownego artystycznie środowiska pracy i życia najszerszych mas. Jej idee i cele inspirowały artystów, którzy postrzegali sztukę jako jeden z najskuteczniejszych środków agitacji rewolucyjnej (np. tzw. porcelana propagandowa z lat 1918-25). Zadanie stworzenia kompleksowej dekoracji mieszkania robotniczego, akademików pracowniczych, klubów, stołówek, wygodnej odzieży roboczej, racjonalnego wyposażenia stanowiska pracy, przeznaczonego do masowej produkcji fabrycznej, otworzyło drogę do kreatywne zadania konstruktywiści w ZSRR, funkcjonaliści w Niemczech (z M. Bauhaus) i innych krajów, które pod wieloma względami poprzedzały pojawienie się designu. Wysunięcie strony formalno-technologicznej na pierwszy plan w twórczości artystycznej początku lat dwudziestych XX wieku. doprowadziło do jej absolutyzacji, utożsamienia twórczości artystycznej z wytwarzaniem rzeczy, zaprzeczenia roli dekoracji w kreowaniu artystycznego obrazu dzieła sztuki dekoracyjnej i użytkowej. Odrodzenie rzemiosła ludowego w ZSRR i przebudzenie w latach 30. XX wieku. W rozwoju znaczącą rolę odegrało zainteresowanie rosyjskim dziedzictwem artystycznym Radzieccy mistrzowie sztuka dekoracyjna i użytkowa nawiązująca do szeregu tradycji technologicznych i artystycznych z przeszłości. Jednak podejście do dzieł sztuki zdobniczej i użytkowej do standardów sztuki sztalugowej, dążenie do przepychu wyrobów, które dało się szczególnie mocno odczuć na przełomie lat 40. i 50., wyraźnie spowolniło rozwój sztuki dekoracyjnej i użytkowej. . Od połowy lat 50. w ZSRR, wraz z poszukiwaniem funkcjonalnych i artystyczno-ekspresyjnych form i dekoracji przedmiotów codziennego użytku produkowanych w fabryce, artyści zajęci są tworzeniem unikalnych dzieł, w których emocjonalność obrazu łączy się z różnorodnymi technikami obróbki prostych materiałów , z chęcią wydobycia pełnego bogactwa ich możliwości plastycznych i dekoracyjnych . Dzieła tego typu (a także eleganckie, niepowtarzalne dzieła ludowej sztuki zdobniczej i użytkowej ze względu na rękodzieło) mają służyć jako akcenty wizualne w artystycznie zorganizowanym otoczeniu, które tworzą głównie fabryczne wyroby artystyczne, mniej zindywidualizowane w formie i przedmiotach które powstają na podstawie projektu projektanta.

O poszczególnych gałęziach, odmianach i rodzajach technik zdobniczych i użytkowych cm. artykuły Batik, Wazon, Wachlarz, Haft, Gobelin, Zabawka, Intarsja, Intarsja, Ceramika, Dywan, Kucie, Koronka, Lakiery, Majolika, Intarsja, Meble, Obcasy, Nacięcie, Rzeźba, Malarstwo dekoracyjne, Szkło, Terakota, Tłoczenie, , Porcelana , Fajans, Filigran, Kryształ, Tłoczenie, Niello, Gobelin, Emalie, Biżuteria.










Literatura: D. Arkin, Sztuka rzeczy codziennych, M., 1932; M. S. Kagan, O sztuce użytkowej, Leningrad, 1961; A. V. Saltykov, Prace wybrane, M., 1962; A.K. Chekalov, Podstawy rozumienia sztuki dekoracyjnej i użytkowej, M., 1962; A. Moran, Historia sztuki zdobniczej i użytkowej od czasów starożytnych do współczesności, przekład z języka francuskiego, M., 1982; Magne L. i H. M., L "art appliqué aux métiers, t. 1-8, P., 1913-28; Geschichte des Kunstgewerbes aller Zeiten und Völker, hrsg. Von H. Th. Bossert, Bd 1-6 , V. , 1929-35; Marangoni G., Clementi A., Storia dell'arredamento, t. 1-3, Mil., 1951-52; Fleming J., Honor H., Słownik sztuki dekoracyjnej pingwina, L., 1977; Bunte Welt der Antiquitäten, Drezno, 1980; Lucie-Smith E., Historia rzemiosła, Ithaca (N.Y.), 1981.

(Źródło: „Encyklopedia sztuki popularnej”. Pod redakcją V.M. Polevoya; M.: Wydawnictwo „Encyklopedia radziecka”, 1986.)

sztuka i rzemiosło

Tworzenie wyrobów artystycznych o przeznaczeniu praktycznym (przybory gospodarstwa domowego, naczynia, tkaniny, zabawki, biżuteria itp.), a także obróbka artystyczna przedmiotów użytkowych (meble, ubrania, broń itp.). Mistrzowie sztuki dekoracyjnej i użytkowej wykorzystują szeroką gamę materiałów - metal (brąz, srebro, złoto, platyna, różne stopy), drewno, glinę, szkło, kamień, tekstylia (tkaniny naturalne i sztuczne) itp. Wytwarzanie wyrobów z gliny jest zwana ceramiką, z metali szlachetnych i kamieni – sztuka biżuterii.


W procesie tworzenia dzieł artystycznych z metalu stosuje się techniki odlewania, kucia, gonienia i grawerowania; tekstylia są dekorowane haftem lub materiałem drukowanym (na tkaninę nakłada się malowaną drewnianą lub miedzianą tablicę i uderza specjalnym młotkiem, uzyskując nadruk); obiekty drewniane - rzeźby, intarsje i kolorowe obrazy. Malowanie naczyń ceramicznych nazywa się malowanie wazonu.


Produkty dekoracyjne i użytkowe powinny być przede wszystkim łatwe w użyciu i piękne. Tworzą obiektywne środowisko wokół człowieka, wpływając na jego stan umysłu i nastrój. Dzieła sztuki dekoracyjnej i użytkowej projektowane są tak, aby można je było odbierać zarówno wzrokowo, jak i dotykowo, dlatego kluczową rolę odgrywa w nich rozpoznanie piękna faktury i właściwości plastycznych materiału oraz umiejętność obróbki. W formie wazonu, zabawki, mebla, w systemie ich dekoracji mistrz stara się wydobyć przezroczystość szkła, plastyczność gliny, ciepło drewna i fakturę jego powierzchni, twardość kamienia i naturalny wzór jego żył. W tym przypadku kształt produktu może być abstrakcyjny lub przypominać kwiat, drzewo, postać ludzką lub zwierzęcą.


W biżuterii szeroko stosowane są różne rodzaje biżuterii. ozdoby. Często to wystrój zamienia przedmiot codziennego użytku w dzieło sztuki (miska Khokhloma o prostym kształcie, pomalowana w jasne wzory w kolorze złota; sukienka o skromnym stylu, ozdobiona haftem lub koronką). Jednocześnie bardzo ważne jest, aby ozdoby i obrazy figuratywne nie zaprzeczały kształtowi produktu, ale go odsłaniały. I tak w starożytnych wazach greckich wzorzyste paski oddzielają ciało (część centralną) od nogi i szyi, malowanie ciała podkreśla jego wypukłość.


Sztuka dekoracyjna i użytkowa istnieje od czasów starożytnych. Wyroby artystyczne są ściśle związane ze sposobem życia i zwyczajami danej epoki, ludźmi lub grupa społeczna(szlachta, chłopi itp.). Już prymitywni rzemieślnicy dekorowali naczynia rzeźbami i wzorami oraz wykonywali prymitywną biżuterię z kłów, muszli i kamieni zwierząt. Obiekty te ucieleśniały idee starożytnych ludzi na temat piękna, struktury świata i miejsca w nim człowieka. Tradycje sztuki starożytnej nadal żyją w folklorze i wyrobach rzemiosło ludowe. W przyszłości wyróżnia się przybory do wykonywania świętych obrzędów i przedmioty luksusowe, mające podkreślać bogactwo i władzę ich właścicieli. Wyroby te wykorzystywały rzadkie, szlachetne materiały i bogatą dekorację. Rozwój produkcji przemysłowej w XIX wieku. umożliwiło tworzenie dzieł sztuki dekoracyjnej i użytkowej dla masowego odbiorcy. Jednocześnie pomysł, szkic obrazu, forma do produkcji itp. należały do ​​głównych mistrzów, a gotowe produkty były replikowane przez pracowników fabryk i fabryk ( kraty według szkiców znani mistrzowie, wyroby z fabryk porcelany itp.). Zastosowanie technologii przemysłowej zapoczątkowało sztukę projekt.

WSTĘP

Sztuka dekoracyjna to rozległa dziedzina działalność twórcza osoba. Wyroby z ceramiki, drewna, szkła i tekstyliów są najstarszymi wytworami ludzkiej pracy i twórczości, wyznaczają postępowy rozwój cywilizacyjny i kulturowy na wszystkich etapach dziejów. Sztuka dekoracyjna i użytkowa, która pojawiła się na najwcześniejszym etapie rozwoju społeczeństwa ludzkiego, przez wiele stuleci była najważniejszym, a dla wielu plemion i narodowości głównym obszarem twórczości artystycznej. Jednak rola i znaczenie sztuki zdobniczej w ogólnym procesie kulturowym jest nadal niedoceniana. W światowej historii sztuki zwykle nie jest izolowana jako szczególny obszar działalności estetycznej, ale jest brana pod uwagę jedynie w jej funkcji użytkowej: jako projektowanie produktów przedmiotowych i środowiska życia, jako produkt rzemiosła lub produkcji przemysłowej . W zasadzie jest to prawdą: sztuka dekoracyjna jest ściśle związana z produkcją materialną i architekturą. Trudno zgodzić się, że o poziomie kulturowym epoki decydują wyłącznie sztuki piękne i architektura, a przedmioty artystyczne – meble, naczynia, tekstylia, biżuteria – służą jedynie codziennym potrzebom ludzi i świecą odbitym światłem „wysokiego sztuka”.

W tę pracę postawiono cel kompleksowego badania współczesnej krajowej sztuki dekoracyjnej, ustalono problemy rozwoju produkcji masowej w kontekście sytuacji społeczno-kulturowej w Rosji w XX wieku.

Praca stawia następujące zadania:

Zasady współczesnego kształtowania wyrobów przedmiotowych i dekoracyjnych;

Ich wpływ na kształtowanie się stylu artystycznego obiektywny świat i środowisko życia

Zwrócono uwagę na specyficzne miejsce sztuki zdobniczej w kulturze wizualnej epoki nowożytnej.

DZIAŁ BADAWCZY

Historia sztuki dekoracyjnej i użytkowej

Sztuka i rzemiosło ludowe są efektem twórczości wielu pokoleń mistrzów. Jest zjednoczony w swojej strukturze artystycznej i niezwykle zróżnicowany pod względem cech narodowych, które przejawiają się we wszystkim, od wyboru (wykorzystania) materiału po interpretację form obrazowych.

Zrodzona wśród rolników, hodowców bydła i myśliwych sztuka ludowa przez całą historię swego rozwoju związana jest z przyrodą, prawami jej odnowy i przejawami jej życiodajnych sił.

Samo istnienie człowieka jest nierozerwalnie związane z przyrodą, która zapewnia materiał do mieszkania i ubrania, pożywienie, wyznacza rytm życia człowieka poprzez naprzemienność dnia i nocy, zmianę pór roku. Dlatego wszystko to znajduje odzwierciedlenie w pracach sztuka ludowa, stanowiący integralne zjawisko kultury każdego narodu.

Znane stwierdzenie, że sztuka ludowa jest ściśle związana z życiem codziennym, dotyczy nie tylko sztuki i rzemiosła. Pieśni i tańce, eposy i baśnie są również nierozerwalnie związane z codziennym życiem ludzi, ponieważ ucieleśniały marzenia o pięknie, idee o lepszym życiu, o dobru i złu, o harmonii świata. Podczas dożynek, pożegnania zimy, powitania wiosny, w rozmaitych obrzędach i rytuałach twórczość manifestowała się w sposób złożony, wielofunkcyjny. Pod tym względem sztukę ludową nazywa się synkretyczną, tj. łączenie różnych funkcji przedmiotów i łączenie ich z życiem codziennym (załącznik, rys. 1).

A dziś wyroby artystyczne wykonane przez rzemieślników ludowych z różnych materiałów są nieodzowną częścią codziennego życia człowieka. Weszły do ​​życia codziennego jako przedmioty niezbędne, spełniające określone funkcje użytkowe. Są to dywaniki podłogowe i naczynia ceramiczne, tkane narzuty i haftowane obrusy, drewniane zabawki oraz biżuteria do odzieży damskiej. Ich przemyślana forma i proporcje, wzór ornamentu i kolor samego materiału charakteryzują estetykę tych rzeczy, ich treść artystyczną, czyniąc przedmiot użytkowy dziełem sztuki. Wszystkie takie produkty należą do dziedziny sztuki dekoracyjnej i użytkowej, w sferze której duchowe i materialne zasady kreatywności znajdują organiczną jedność. Świat tego obszaru jest ogromny.

Wiele obiektów artystycznych wytwarzają przedsiębiorstwa wyposażone w zaawansowaną technologię, która pozwala im produkować przedmioty w dużych ilościach. Wykazują jednak mechaniczne powtórzenie oryginalnej próbki. Ten rodzaj produkcji nazywa się przemysłem artystycznym. Obok niego, lecz wyraźnie różniące się charakterem produktu, znajdują się rzemiosła sztuki ludowej, w których wygląd przedmiotu i kształtowanie się jego cech artystycznych uzależnione jest od ręcznej pracy. praca twórcza mistrz artysta, który decyduje o efekcie końcowym. Dlatego w sztuce ludowej znaczenie mistrza jest tak duże. Poziom artystyczny tworzonej przez niego rzeczy zależy od tego, jak opanował swoje rzemiosło, jak wykorzystał swoją wiedzę i umiejętności praktyczne.

W wyniku rozwoju sztuki ludowej wypolerowano kształt wyrobów, zachowano piękne i wymowne motywy zdobnicze, a także tradycja artystyczna jako system światopoglądowy rzemieślników ludowych i jako rzemieślnicza podstawa twórczości.

Wszystkie te cechy charakteryzujące ludową sztukę zdobniczą i użytkową ujawniły się w toku jej historycznego rozwoju. Twórczy rozwój materiału pochodzący od niepamiętnych czasów, doskonalenie funkcji każdego przedmiotu doprowadziło do nadania rzeczom dodatkowego znaczenia. Na przykład zamek w kształcie lwa miał w opinii mistrza wzmacniać funkcję ochronną tego przedmiotu gospodarstwa domowego. Ozdoba w postaci obręczy okalającej korpus narzędzia tokarskiego wizualnie wzmocniła kształt.

Sztuka i rzemiosło ludowe nie zaczęły funkcjonować w formie rzemiosła wszędzie i nie jednocześnie. Powstawały tylko tam, gdzie istniały odpowiednie warunki ekonomiczne (stabilny popyt, wystarczająca ilość lokalnych surowców itp.). Najbardziej aktywny rozwój

Jeszcze przed rewolucją rzemieślniczą formę rolnictwa testowali mistrzowie z regionu moskiewskiego i szeregu innych ośrodków sztuki ludowej. I tak, po upadku właścicieli rzemiosła miniaturowego Fedoskino, rzemieślnicy zorganizowali w 1903 r. artel, dzięki któremu zachował się trzon twórczo pracujących malarzy, a sztuka rzemiosła nie zanikła (załącznik, ryc. 3). ).

W latach 1920-1930. Kontynuowano proces tworzenia spółdzielczych arteli rybackich. Powstały nowe gałęzie przemysłu, jednak główną uwagę poświęcono wzmacnianiu tradycyjnego rzemiosła na terenach, gdzie starożytne ośrodki sztuki ludowej skupiały kilka osad. Produkcja wyrobów z malowaniem Khokhloma na drewnie została przywrócona na dużą skalę w regionie Niżnego Nowogrodu, a produkcja ręcznie robionych koronek w regionie Wołogdy. Narodziły się także nowe rodzaje produktów. Mistrzowie dawnego rzemiosła ikonograficznego przeszli zatem do pracy w dziedzinie miniatur lakowych. Malarstwo papier-mache autorstwa rzemieślników ze wsi Palech w obwodzie iwanowskim zostało już w pierwszych pracach wysoko ocenione przez czołowych badaczy i badaczy sztuki ludowej.

Na początku lat 60. przywrócono dostawy wyrobów artystycznych na eksport. Następnie wydano szereg dekretów mających na celu wspieranie rozwoju rybołówstwa. W szczególności podjęto ważną decyzję o przyciągnięciu do pracy pracowników domowych. Umożliwiło to nie tylko rozbudowę skład personelu, ale także umożliwiło tworzenie całych stowarzyszeń rzemieślników pracujących w domu w wielu republikach związkowych. Mistrzowie rzemiosła artystycznego otrzymują szereg korzyści ekonomicznych. Zgodnie z zadaniami określonymi w dokumentach dyrektywnych regularnie zaczęto organizować wyprawy, konkursy, zjazdy rzemieślników i festiwale rzemieślnicze. Takie zintegrowane podejście do wzmacniania kreatywności mistrzów i promowania ich osiągnięć pozwoliło każdemu narodowi dostrzec wartości własnej kultury narodowej i przyciągnąć młodych ludzi do rzemiosła, co daje im możliwość wykazania się swoimi umiejętnościami. Dlatego z roku na rok zwiększa się liczba młodych ludzi chcących podjąć naukę w placówkach specjalnych.

Elegancja i artystyczna treść rzemiosła ludowego tworzą atmosferę święta i wprawiają w dobry humor. Wyroby rzemieślników ludowych są nieodzownym atrybutem naszej codzienności, ożywiają codzienność ludzi, a przy wyjątkowych okazjach stają się głównymi „bohaterami”. Pasuje tradycje ludowe- obowiązkowe atrybuty zespołów folklorystycznych, jarmarków, wystaw specjalnych. Wreszcie niemal każdy przedmiot stworzony przez mistrzów rzemiosła artystycznego jest doskonałym prezentem na każde ważne wydarzenie w życiu jednostki, rodziny lub zespołu. I małe, łatwe do przenoszenia rzeczy - pamiątki - znaki pamięci kultura narodowa ludzi, a nawet całego kraju.

sztuka dekoracyjna i rzemiosło

Sztuka dekoracyjna i użytkowa to jeden z rodzajów sztuki plastycznej: tworzenie wyrobów artystycznych, które mają praktyczny cel w życiu publicznym i prywatnym oraz artystyczna obróbka przedmiotów użytkowych (naczynia, meble, tkaniny, narzędzia, pojazdy, odzież, biżuteria) , zabawki itp.). Dzieła sztuki dekoracyjnej i użytkowej stanowią część obiektywnego środowiska otaczającego człowieka i wzbogacają je estetycznie. Wywodząca się z czasów starożytnych sztuka zdobnicza i użytkowa stała się jedną z najważniejszych dziedzin sztuki ludowej, jej historia związana jest z rzemiosłem artystycznym, przemysłem artystycznym i działalnością profesjonalni artyści i rzemieślników ludowych z początku XX wieku. także z projektem artystycznym. Duży słownik encyklopedyczny 1997

S.V. Pogodin podaje definicję ludowej sztuki zdobniczej i użytkowej: „Ludową sztukę zdobniczą i użytkową definiuje się jako rodzaj sztuki, którego celem jest tworzenie wyrobów artystycznych mających praktyczne zastosowanie w życiu publicznym i prywatnym oraz artystyczna obróbka przedmiotów użytkowych (naczynia, meble, tkaniny, narzędzia, ubrania, zabawki.”

Sztuka dekoracyjna i użytkowa istniała już na wczesnym etapie rozwoju społeczeństwa ludzkiego i przez wiele stuleci była najważniejszym, a dla wielu plemion i narodowości głównym obszarem twórczości artystycznej. Najstarsze dzieła sztuki zdobniczej i użytkowej charakteryzują się wyjątkową treścią obrazów, dbałością o estetykę materiału, racjonalną konstrukcją formy, podkreśloną dekoracją. W tradycyjnej sztuce ludowej tendencja ta przetrwała do dziś. Wraz z początkiem rozwarstwienia klasowego społeczeństwa coraz ważniejsze staje się zainteresowanie bogactwem materiału i wystroju, ich rzadkością i wyrafinowaniem. Wyodrębnia się produkty spełniające funkcję reprezentacyjną (przedmioty rytuałów religijnych lub ceremonii dworskich, ozdoby domów szlacheckich), w których rzemieślnicy, chcąc wzmocnić ich emocjonalny wydźwięk, często rezygnują z codziennej celowości konstruowania formy.

Sztuka dekoracyjna i użytkowa jest zjawiskiem wielofunkcyjnym. Funkcje praktyczne, rytualne, estetyczne, ideologiczne, semantyczne i edukacyjne stanowią nierozerwalną jedność. Jednak główną funkcją produktów jest bycie użytecznym i pięknym.

W sztuce i rzemiośle ludowym istnieją dwa kierunki:

  • -miejskie rzemiosło artystyczne;
  • - sztuka i rzemiosło ludowe

Kiedy mówimy o sztuce i rzemiośle, ważnym pojęciem jest sztuka ludowa - forma organizacji praca artystyczna, opierającej się na zbiorowej kreatywności, rozwijającej lokalne tradycje kulturowe i skupiającej się na sprzedaży rękodzieła. Rzemiosło jest strukturą niezwykle elastyczną, mobilną, rozwijającą się wprawdzie w ramach kanonu, niemniej jednak wrażliwie reagującą na zmiany stylu w sztuce profesjonalnej, indywidualną twórczość, na wymagania czasu i specyficznego otoczenia społecznego. Przedszkolakom zapoznaje się z niektórymi rzemiosłami: lalkami Matrioszki, obrazami Gorodets i Khokhloma, zabawkami Filimonowa i Dymkowa oraz ceramiką Gżel. Siła sztuki ludowej tkwi w przekazywaniu oryginalnych technik lokalnego rzemiosła.

Sztuka dekoracyjna i użytkowa posiada charakterystyczne cechy odróżniające ją od innych rodzajów sztuki:

  • - użyteczność, praktyczność;
  • - synkretyzm lub niepodzielność różnych aspektów kultury ludowej (relacja między światem a człowiekiem, która utrwala moralne i estetyczne zasady zarówno kreatywności, jak i zachowania), której istota została stworzona i przekazana przez wiele tysiącleci;
  • - zbiorowość twórczości, tj. dzieło ma charakter zbiorowy, wielowiekowe doświadczenie sztuki ludowej przekazywane jest z pokolenia na pokolenie;
  • - tradycjonalizm charakteryzuje się przestrzeganiem tradycji, ale powstaje także z powodu pilnych i duchowych potrzeb, odsłaniając sferę indywidualności;
  • - rzeczywistość, która tkwi w jej wielowiekowej aktualności.

Kategoria integralności pozwala na wytyczenie linii podziału pomiędzy sztuką ludową a samą sztuką zdobniczą. Osobliwość Różnica między tradycyjną sztuką zdobniczą a sztuką ludową polega właśnie na braku integralności światopoglądu.

Zapoznając się z różnorodnością i bogactwem wyrobów rzemieślników ludowych, dzieci przepojone są dobrymi uczuciami do tych, którzy stworzyli rzeczy niezwykłe. W swojej książce S.V. Pogodina pisze: „Sztuka ludowa dostarcza pokarmu artystycznej percepcji dzieci, przyczynia się do przeżyć estetycznych i pierwszych sądów estetycznych”.

Zapoznanie się z dziełami sztuki ludowej wzbogaca nie tylko doświadczenia poznawcze dziecka, ale także jego aktywność emocjonalną i estetyczną. Każdy region ma swoje rzemiosło ludowe, a postrzeganie jego dzieł przez dzieci przyczynia się do kształtowania uczuć estetycznych i emocjonalnego pozytywnego stosunku do rzemiosła ludowego i tradycji. Piękno jako kategoria filozoficzno-estetyczna w sztuce ludowej ma realne formy refleksji. To, co w dziele nazywamy pięknym, tworzone jest za pomocą wyrazistych środków, które mistrz łączy zgodnie z tradycjami danego zawodu lub rzemiosła. W dziełach sztuki dekoracyjnej i użytkowej jednym z głównych elementów przyciągających uwagę jest forma. Pozwala połączyć stronę funkcjonalną z estetyczną, dzięki czemu piękno zewnętrzne a łaska nie przeczyła praktycznemu celowi tej rzeczy. Kształt jest jednym z głównych elementów, który przyciąga uwagę. Formularz zawiera kilka cech. Po pierwsze, w dużej mierze determinuje znaczenie podmiotu. Po drugie, forma wyraża intencję twórczą mistrza i ujawnia konkretną ideę. Po trzecie, służy jako rodzaj symbolu, którego znaczenie było przekazywane z pokolenia na pokolenie.

W sztuce ludowej ważna jest relacja celu z materiałem, wzajemne oddziaływanie formy i funkcji. Materiał może pomóc w ujawnieniu istoty przedmiotu lub może zakłócić jego integralność i sprawić, że nie będzie się nadawał do użytku. Dzięki materiałowi mistrzowi udaje się stworzyć materialną podstawę swojego planu, ale sam materiał pozostaje w tle w postrzeganiu obiektu, a wystrój wysuwa się na pierwszy plan. Dekoracja to ostatni moment dekorowania rzeczy. Ozdoby odróżniają od siebie dzieła sztuki ludowej, czynią je wyjątkowymi, a przez to cennymi. W wystroju nie ma przedmiotów tego samego typu. Wykonując tę ​​samą ozdobę, trudno jest szczegółowo powtórzyć wszystkie szczegóły.

Techniki wykonywania pracy zależą od zadań stojących przed mistrzem.

Technologia. Tradycyjna sztuka ludowa i technologia nie wykluczają się wzajemnie. Wszystko zależy od tego, jak technologia zostanie wykorzystana w procesie tworzenia czegoś, co będzie nosiło piętno przeszłych doświadczeń ludzi. Najważniejsze jest to, aby w dążeniu do ulepszenia lub ułatwienia procesu powstawania przedmiotu sztuki ludowej nie gubić się. kulturowo-historyczne wyjątkowość.

Przedmiot zyskuje wartość estetyczną dzięki swojemu zdobieniu. Ozdoba to dekoracja malarska, graficzna lub rzeźbiarska, która artystycznie zdobi rzecz, charakteryzująca się rytmicznym układem elementów konstrukcyjnych

Rytmiczna struktura ornamentu stanowi podstawę artystyczną wielu produktów: naczyń, mebli, dywanów, odzieży. Język ozdobny jest niezwykle bogaty. W zależności od charakteru motywów wyróżnia się ozdoby: geometryczne, kwiatowe, zoomorficzne, antropomorficzne, łączone.

Wzór geometryczny może składać się z kropek, linii, okręgów, rombów, wielościanów, gwiazd, krzyży i spiral. Ten rodzaj ozdoby jest jednym z najstarszych. Początkowo były to łatwo zapamiętywane znaki i symbole. Stopniowo zaczęto go wzbogacać o prawdziwe obserwacje i motywy fantastyczne, zachowując zasadę rytmiczną, komplikując jego treść i znaczenie estetyczne.

Warzywo ozdoba składa się ze stylizowanych liści, kwiatów, owoców, gałęzi. Często spotykany jest motyw „drzewa życia” - to ozdoba kwiatowa. Jest przedstawiany zarówno jako kwitnący krzew, jak i w bardziej dekoracyjny sposób.

Ozdoba zoomorficzna przedstawia stylizowane postacie lub części postaci zwierząt rzeczywistych i fantastycznych. Do tego typu ozdób należą także dekoracyjne wizerunki ptaków i ryb.

Ozdoba antropomorficzna wykorzystuje jako motywy stylizowane postacie męskie i żeńskie lub części ludzkiej twarzy i ciała. Dotyczy to także fantastycznych stworzeń, takich jak dziewica ptak i człowiek-jeźdźiec.

Często jest to kombinacja różnych motywów. Taką ozdobę można nazwać połączoną . LV Kosogorov i L.V. Neretina zawiera także ozdoby kaligraficzne (z liter i elementów tekstowych) i heraldyczne (róg obfitości, lira, pochodnie, tarcze).

Ozdobami, stosownie do charakteru schematów kompozycyjnych, są:

  • - taśma
  • - siatka
  • - zamknięte.

Ozdoba - jak najbardziej cecha charakterystyczna, szczególny znak chłopskich dzieł sztuki. Ozdoba pozwala mówić o estetyce przedmiotu, jego artyzmie.

W sztuce zdobniczej i użytkowej wykorzystywane są następujące materiały: drewno, glina, metal, kość, puch, wełna, futro, tekstylia, kamień, szkło, ciasto.

Ze względu na technikę sztukę dekoracyjną i użytkową dzieli się na następujące typy.

Nitka. Zdobienie produktu poprzez nałożenie wzoru przy użyciu różnych foremek i noży. Stosowany podczas pracy z drewnem, kamieniem, kością.

Malarstwo. Dekorację nanosi się za pomocą barwników na przygotowaną powierzchnię (zwykle drewno lub metal). Rodzaje malowania: na drewnie, na metalu, na tkaninie.

Haft. Rozpowszechniony rodzaj sztuki zdobniczej i użytkowej, w którym wzór i obraz wykonuje się ręcznie (igłą, czasem szydełkiem) lub przy użyciu hafciarki na różnych tkaninach, skórze, filcu i innych materiałach. Haftują nićmi lnianymi, bawełnianymi, wełnianymi, jedwabnymi (zwykle kolorowymi), a także włosami, koralikami, perłami, kamienie szlachetne, brokat, monety itp.

Rodzaje haftu: siateczka, ścieg krzyżykowy, ścieg satynowy, wycinanka (tkanina wycinana jest w formie wzoru, który następnie poddawany jest różnym szwom), skład (wykonywany czerwonymi, czarnymi nićmi z dodatkiem złotej lub niebieskiej odcienie), ścieg górny (pozwala tworzyć trójwymiarowe wzory na dużych płaszczyznach).

Do wszytych aplikacji (rodzaj haftu, często z podwyższonym szwem) wykorzystuje się tkaniny, futra, filc i skórę. Haft służy do ozdabiania odzieży, artykułów gospodarstwa domowego, a także do tworzenia samodzielnych paneli dekoracyjnych. Główne wyraziste środki haftu jako formy sztuki: identyfikacja właściwości estetycznych materiału (opalizujący połysk jedwabiu, równomierny połysk lnu, połysk złota, iskierki, kamienie, puszystość i matowość wełny itp.) ; wykorzystanie właściwości linii i plam barwnych wzoru haftu, aby dodatkowo wpłynąć na rytmicznie wyraźną lub fantazyjnie swobodną grę szwów; efekty uzyskane w wyniku połączenia wzoru i obrazu z tłem (tkaniną lub innym podłożem) podobnym lub kontrastującym z haftem pod względem faktury i koloru.

Dzianie. Wykonywanie wyrobów (najczęściej elementów odzieży) z nitek ciągłych poprzez zaginanie ich w pętelki i łączenie pętelek ze sobą za pomocą prostych narzędzi, ręcznie (szydełko, igły) lub na specjalnej maszynie (dziewiarstwo mechaniczne).

Tkactwo. Odnosi się do techniki polegającej na przeplataniu pasków w formie siatki, posiadających różne konfiguracje i wzory.

Rodzaje tkania: tkanie koronek i koralików, tkanie z kory brzozowej i wikliny, z nici (makrama), z papieru.

Drukowanie (farsz). Uzyskanie wzoru, wzorów monochromatycznych i kolorowych na tkaninie ręcznie za pomocą form z wzorem wypukłym, a także tkaniny z wzorem uzyskanym tą metodą. Formy do pięt wykonuje się z rzeźbionego drewna (maniery) lub składu (skład miedzianych płyt z gwoździami), w którym wzór jest pisany na maszynie z miedzianych płyt lub drutu. Podczas drukowania na tkaninę nakłada się pokrytą farbą formę i uderza specjalnym młotkiem (młotkiem) (stąd nazwa „druk”, „farsz”). W przypadku projektów wielokolorowych liczba płyt drukarskich musi odpowiadać liczbie kolorów.

Druk ma niską wydajność i został prawie całkowicie zastąpiony drukiem projektów na tkaninie na maszynach drukarskich.

Odlew. Stosowany podczas pracy z metalami szlachetnymi. Pod wpływem wysokich temperatur metal doprowadza się do stanu stopionego, a następnie wlewa się go do przygotowanych form.

Waluta. Po podgrzaniu metal jest przyspieszany w cienki arkusz, bez utraty elastyczności i sprężystości. Kształt przedmiotu kształtowany jest już w stanie wystudzonym za pomocą młotków przyspieszających, w wyniku czego uzyskuje się wyroby o kształtach wypukłych i wklęsłych.

Kucie. Jeden ze sposobów przetwarzania żelaza. Podgrzanemu przedmiotowi obrabianemu nadaje się pożądany kształt poprzez uderzenia młotka.

Złocenie. Operacja wytwarzania złota, podczas której mniej wartościowe metale uzyskują wygląd złota. Rodzaje złoceń: zimne, ogniowe, płynne.

Filigran (filigran); (z drutu łacińskiego). Jest to dekoracja wykonana z cienkich, złotych lub srebrnych, gładkich lub tłoczonych drutów, które zwinięte są w spirale, wąsy, kratki i przylutowane do przedmiotu. Filigran wytwarzany jest z czystego złota lub srebra, które ze względu na brak zanieczyszczeń jest miękkie i daje się rozciągać w bardzo cienkie druty. Tanie zeskanowane przedmioty wykonywano również z czerwonego drutu miedzianego, a następnie złocono lub srebrzono.

Szkliwo. Specjalny widok szkło barwione na różne kolory tlenkami metali. Służy do ozdabiania wyrobów metalowych i stanowi malowniczy dodatek do wyrobu złotego. Emaliowanie to całkowite lub częściowe pokrycie powierzchni metalu masą szklaną, a następnie wypalenie produktu.

Czarny. Na grawerowane przedmioty wykonane z metali lekkich nakłada się mieszaninę srebra z miedzią, siarką i ołowiem, skomponowaną według określonych receptur, a następnie całość wypala się na małym ogniu. Niello to czarna masa – specjalny stop srebra, podobny do węgla.

Dmuchanie. Techniki stosowane podczas pracy ze szkłem. Szkło doprowadzone do stanu ciekłego jest dmuchane na gorąco za pomocą specjalnych rurek, tworząc w ten sposób wyroby o dowolnym kształcie.

Modelowanie. Jedna z najpowszechniejszych technik w rzemiośle artystycznym, dzięki której powstaje wiele zabawek i wyrobów ceramicznych. Jest to nadawanie kształtu tworzywu sztucznemu (plastelina, glina, plastik, tworzywa sztuczne itp.) za pomocą rąk i narzędzi pomocniczych.

Batik. Malowany ręcznie na tkaninie przy użyciu mieszanek rezerwowych. Tkanina - jedwab, bawełna, wełna, tworzywa sztuczne - pokryta jest farbą odpowiednią do tkaniny. Aby uzyskać wyraźne granice na styku farb, stosuje się specjalny utrwalacz, zwany rezerwą (kompozycja rezerwowa, na bazie parafiny, na bazie benzyny, na bazie wody - w zależności od wybranej techniki, tkaniny i farb).

Mozaika. Sztuka dekoracyjna, użytkowa i monumentalna różnych gatunków, której dzieła polegają na kształtowaniu obrazu poprzez układanie, osadzanie i mocowanie na powierzchni (zwykle na płaszczyźnie) wielobarwnych kamieni, smaltu, płytek ceramicznych i innych materiałów.

origami. Sztuka starożytna składane papierowe figurki. Klasyczne origami wymaga użycia jednej kartki papieru bez użycia kleju i nożyczek. W tym przypadku często, aby nadać kształt złożonemu modelowi lub go utrwalić, stosuje się impregnację oryginalnego arkusza kompozycjami klejowymi zawierającymi metylocelulozę.

Według przeznaczenia: naczynia, meble, tkaniny, gobeliny, dywany, narzędzia, broń, odzież i biżuteria, zabawki, produkty kulinarne.

Według roli funkcjonalnej:

Sztuka praktyczna wiąże się z wykorzystaniem działalności człowieka w życiu gospodarczym i codziennym dla uzyskania praktycznych korzyści.

Artystyczna i estetyczna, wynikająca z realizacji ludzkich potrzeb estetycznych.

Zajęcia rekreacyjne mające na celu zaspokojenie potrzeb dziecka w zakresie rozrywki i gier.

Według technologii produkcji:

Zautomatyzowane. Produkty powstają automatycznie według zadanego programu, wzoru, wzoru (pierniki Tula, szaliki z nadrukiem itp.).

Mieszany. Wykorzystuje się zarówno pracę zautomatyzowaną, jak i ręczną.

Podręcznik. Produkty wykonywane są wyłącznie ręcznie, a każdy produkt jest indywidualny.

Sztuka dekoracyjna i użytkowa wykorzystuje szereg środków wyrazu artystycznego.

1) Proporcja

Proporcje w dziele sztuki to stosunek wielkości jego elementów, a także poszczególnych elementów kompozycji do całego dzieła jako całości. Zachowanie proporcji odgrywa rolę ważną rolę w kompozycji, ponieważ tworzy to korzystny związek między całością a jej częściami.

2) Skala i ogrom

Pojęcia skali i wielkości stosuje się, jeśli konieczne jest scharakteryzowanie proporcjonalności całości lub jej poszczególnych części.

Obiekty podmiotowego środowiska tworzone przez człowieka muszą być w stosunku do niego wielkoskalowe, tj. ich masę należy odnieść do masy ciała człowieka.

Skala jest względną cechą wielkości obiektu; jest to stosunek wielkości obrazu na obrazie, szkicu, rysunku do jego rzeczywistego rozmiaru w naturze.

Skala to proporcjonalność formy i jej elementów w stosunku do człowieka, otaczającej przestrzeni i innych form. Każdy przedmiot ma swoją skalę, jednak nie zawsze można mówić o jego skali i proporcjonalności w stosunku do osoby. Skala jest cechą jakościową, zwłaszcza w kompozycjach wolumetrycznych i wolumetryczno-przestrzennych. Jako środek kompozycyjny należy go stosować w miarę swobodnie, kierując się względami wyrazistości artystycznej.

Ważnym środkiem harmonijnej jedności różnych form i ich elementów jest rytm.

Rytm (grecki przepływ) to naprzemienność proporcjonalnych elementów dowolnej całości, występująca z naturalną kolejnością i częstotliwością.

Rytm jest nieodłącznie związany z różnymi zjawiskami i formami natury: zmianą pór roku, dnia i nocy, układem liści na gałęzi drzewa, paskami i plamami w kolorze zwierząt itp. Występuje we wszystkich dziełach sztuki: muzyce ( naprzemienność dźwięków), poezja (naprzemienność rymów), architektura, sztuki plastyczne i dekoracyjne (różne powtarzanie i naprzemienność form na płaszczyźnie lub w przestrzeni).

Kolor jest jednym z ważnych środków wyrazu artystycznego, wyraża stosunek do tworzonego obrazu. Pomaga rozpoznać podstawowe właściwości przedmiotów i daje każdemu możliwość wyrażenia swojej indywidualności.

5) Skład

Jest to najważniejsza zasada konstrukcyjna dzieła, organizująca względny układ jego części, ich podporządkowanie względem siebie i całości, co nadaje dziełu jedność, integralność i kompletność.

6) Tekstura

Jest to charakter powierzchni przedmiotu, zdeterminowany właściwościami materiału, z którego jest wykonany oraz sposobem jego obróbki.

7) Symetria

Symetria - Proporcjonalne, proporcjonalne rozmieszczenie części czegoś. w stosunku do środka, środek.

Sylwetka to jednokolorowy zarys osoby lub przedmiotu na tle innego koloru, narysowany lub wycięty.

Estetyczne postrzeganie przez dzieci cech wizualnych, plastycznych i teksturalnych materiałów charakteryzujących przykłady ludowej sztuki użytkowej zostało zbadane stosunkowo niewiele. Liczne obserwacje i rozmowy pozwalają stwierdzić, że dzieci wykazują duże zainteresowanie tematyką rosyjskiej sztuki ludowej. Dzieci są pod wrażeniem kolorowych obrazów pędzlem na drewnie w twórczości ludowych artystów z malarstwa Gorodets i Khokhloma, bogate w kolory wzory roślin, kwiatów i ptaków, dekoracyjne tace Zhostovo i malowane lalki lęgowe Siemionowskiej. Wyroby bogorodskich rzeźbiarzy wywołują wesołe uśmiechy i współczucie wśród dzieci: niedźwiedzie, które potrafią budować domy i jeździć na rowerach, ptaki i jelenie ozdobione słynnymi bogorodskimi rzeźbami. Dzieci bardzo emocjonalnie i bezpośrednio pokazują swój stosunek do dekoracyjności, wyrazistości obrazów, piękna faktury materiałów dzieła ludowe sztukę użytkową, odrzucając z reguły naturalistyczną i przeładowaną próbkami dekoracji.

Poprzez obcowanie ze sztuką ludową wzbogaca się dusza dziecka i zaszczepia w nim miłość do swojej ziemi. Sztuka ludowa jest zachowywana i przekazywana nowym pokoleniom tradycje narodowe i formy estetycznego stosunku do świata wypracowane przez ludzi. Ponieważ doświadczenie tysięcy lat jest ucieleśnione w sztuce ludowej.

Mówiąc o wykorzystaniu dzieł sztuki zdobniczej i użytkowej w przedszkolu, szczególną uwagę zwraca się na przedmioty tradycyjnej sztuki ludowej. Rzeczywiście, wytwory rzemieślników ludowych: rzeźba i malarstwo w drewnie, miniatury lakowe i tłoczenia, szkło i ceramika, wyroby tkane, koronkowe i haftowane, zabawki ludowe są przejawem talentu, kunsztu i niewyczerpanego optymizmu twórców ludowych. Piękne przykłady sztuki dekoracyjnej i użytkowej pomagają zaszczepić w dzieciach szacunek i miłość do kultury swojego ludu, Ojczyzny i ziemi. Przewaga form roślinnych jest cechą rosyjskiej sztuki ludowej.

Sztuka rzemieślników ludowych pomaga odkrywać dzieciom świat piękna i rozwijać ich gust artystyczny. Sztuka ludowa wywiera głęboki wpływ na świat dziecka, ma wartość moralną, estetyczną i edukacyjną, ucieleśnia doświadczenie historyczne wielu pokoleń i jest uważana za część kultury materialnej.

Ludowa sztuka zdobnicza i użytkowa jest złożonym zjawiskiem kultur historycznych, socjologicznych, etnograficznych i narodowych, a jednocześnie najbardziej demokratycznym i dostępnym dla człowieka od dzieciństwa.

Wyświetlenia: 13 338

Sztuka i rzemiosło(od łac. deco- dekorowanie) to szeroka dziedzina sztuki plastycznej, obejmująca różne gałęzie działalności twórczej, których celem jest tworzenie wyrobów artystycznych o funkcjach użytkowych i artystycznych. Termin zbiorowy, który tradycyjnie łączy dwa szerokie rodzaje sztuki: dekoracyjny I stosowany. W odróżnieniu od dzieł sztuki, przeznaczonych dla przyjemności estetycznej i z nimi związanych czysta sztuka, liczne przejawy sztuki i rzemiosła mogą mieć praktyczne zastosowanie w życiu codziennym.

Dzieła sztuki dekoracyjnej i użytkowej spełniają kilka cech: mają walory estetyczne; zaprojektowany z myślą o efekcie artystycznym; używany do dekoracji domu i wnętrz. Do takich wyrobów należą: odzież, tkaniny odzieżowe i dekoracyjne, dywany, meble, szkło artystyczne, porcelana, ceramika, biżuteria i inne wyroby artystyczne.
W literaturze naukowej od drugiej połowy XIX wieku powstała klasyfikacja gałęzi sztuki zdobniczej i użytkowej według materiału (metal, ceramika, tekstylia, drewno), techniką (rzeźba, malowanie, haft, druk, odlewanie, tłoczenie, intarsja itp.) oraz według cech funkcjonalnych użytkowanie przedmiotu (meble, zabawki). Klasyfikacja ta wynika z ważnej roli zasady konstrukcyjnej i technologicznej w sztuce dekoracyjnej i użytkowej oraz jej bezpośredniego związku z produkcją.

Specyfika gatunkowa DPI

  • Szycie- tworzenie ściegów i szwów na materiale za pomocą igły i nici, żyłki itp. Szycie to jedna z najstarszych technologii produkcji, której początki sięgają epoki kamienia.
    • Flowermaking - wykonywanie biżuterii damskiej z tkaniny w formie kwiatów
    • Patchwork (szycie z resztek), koc patchworkowy - technika patchworkowa, mozaika patchworkowa, mozaika tekstylna - rodzaj robótek ręcznych, w których cały produkt jest zszyty z kawałków materiału na zasadzie mozaiki.
      • Aplikacja – sposób uzyskania obrazu; technika plastyczna i rzemieślnicza.
    • Pikowanie, pikowanie - przeszyte dwa kawałki materiału i umieszczona pomiędzy nimi warstwa mrugnięcia lub waty.
  • Haft- sztuka zdobienia wszelkiego rodzaju tkanin i materiałów różnorodnymi wzorami, od najgrubszych i najgęstszych, takich jak płótno, płótno, skóra, po tkaniny najdelikatniejsze - batyst, muślin, gaza, tiul itp. Narzędzia i materiały do haft: igły, nici, tamborek, nożyczki.
  • Dzianie- proces wytwarzania wyrobów z nitek ciągłych poprzez zaginanie ich w pętelki i łączenie pętelek ze sobą za pomocą prostych narzędzi, ręcznie lub przy użyciu specjalnej maszyny.
  • Artystyczna obróbka skóry- produkcja różnorodnych przedmiotów ze skóry zarówno do celów domowych, jak i dekoracyjno-artystycznych.
  • Tkactwo- produkcja tkanin na krosnach, jedno z najstarszych rzemiosł człowieka.
  • Tkanie dywanów- produkcja dywanów.
  • Wypalenie- wzór nanosi się na powierzchnię dowolnego materiału organicznego za pomocą gorącej igły.
    • Spalanie drewna
    • Wypalanie tkanin (gilosz) to technika rękodzieła polegająca na wykańczaniu wyrobów ażurową koronką i wykonywaniu aplikacji poprzez wypalanie przy użyciu specjalnej aparatury.
    • Na podstawie innych materiałów
    • Hot-stamping to technologia artystycznego znakowania produktów metodą hot-stampingu.
    • Obróbka drewna kwasami
  • Rzeźba artystyczna- jeden z najstarszych i najbardziej rozpowszechnionych rodzajów obróbki materiałów.
    • Rzeźbienie w kamieniu to proces nadawania pożądanego kształtu, który odbywa się poprzez wiercenie, polerowanie, szlifowanie, piłowanie, grawerowanie itp.
    • Rzeźbienie w kościach jest rodzajem sztuki dekoracyjnej i użytkowej.
    • Rzeźba w drewnie
  • Rysunek na porcelanie, szkle
  • Mozaika- kształtowanie wizerunku poprzez układanie, osadzanie i utrwalanie na powierzchni wielobarwnych kamieni, smalty, płytek ceramicznych i innych materiałów.
  • Witraż- dzieło sztuki dekoracyjnej o charakterze delikatnym lub ozdobnym, wykonane z kolorowego szkła, przeznaczone do oświetlenia przelotowego i przeznaczone do wypełnienia otworu, najczęściej okna, w dowolnej konstrukcji architektonicznej.
  • Dekupaż- technika zdobnicza tkanin, naczyń, mebli itp., polegająca na skrupulatnym wycinaniu z papieru obrazów, które następnie przykleja się lub w inny sposób mocuje do różnych powierzchni w celu dekoracji.
  • Modelarstwo, rzeźba, florystyka ceramiczna- nadawanie kształtu tworzywom sztucznym za pomocą rąk i narzędzi pomocniczych.
  • Tkactwo- metoda wytwarzania sztywniejszych konstrukcji i materiałów z mniej trwałych materiałów: nici, łodyg roślin, włókien, kory, gałązek, korzeni i innych podobnych miękkich surowców.
    • Bambus - tkanie z bambusa.
    • Kora brzozy - tkanie z górnej kory brzozy.
    • Koraliki, koraliki - tworzenie biżuterii, wyrobów artystycznych z koralików, w których w przeciwieństwie do innych technik, w których są stosowane, koraliki są nie tylko elementem dekoracyjnym, ale także konstrukcyjnym i technologicznym.
    • Koszyk
    • Koronka - elementy dekoracyjne wykonane z tkaniny i nici.
    • Makrama to technika tkania węzłów.
    • Winorośl - rzemiosło wytwarzania wyrobów wiklinowych z wikliny: przybory gospodarstwa domowego i pojemniki o różnym przeznaczeniu.
    • Mata – tkanie podłóg, podłóg z dowolnego materiału szorstkiego, maty, maty.
  • Malarstwo:
    • Malarstwo Gorodets to rosyjskie rzemiosło sztuki ludowej. Malarstwo jasne, lakoniczne ( sceny rodzajowe, figurki koni, kogutów, wzory kwiatowe), wykonane swobodną kreską z biało-czarną obwódką graficzną, zdobione obrotowe koła, meble, okiennice i drzwi.
    • Malarstwo Polchow-Majdan - produkcja malowanych wyrobów tokarskich - lalki gniazdujące, pisanki, grzyby, solniczki, kubki, przybory - bogato zdobione bogatym malowaniem ozdobnym i tematycznym. Wśród motywów obrazowych najczęstsze są kwiaty, ptaki, zwierzęta, pejzaże wiejskie i miejskie.
    • Malowanie drewna Mezen to rodzaj malowania sprzętów gospodarstwa domowego - kołowrotków, chochli, pudełek, bratinów.
    • Malarstwo Zhostovo - rzemiosło ludowe artystyczne malowanie tac metalowych.
    • Malarstwo Semenowskiej - wykonanie drewnianej zabawki za pomocą malowania.
    • Khokhloma to starożytne rosyjskie rzemiosło ludowe, które powstało w XVII wieku w rejonie Niżnego Nowogrodu
    • Malarstwo witrażowe - ręczne malowanie na szkle, imitacja witrażu.
    • Batik jest malowany ręcznie na tkaninie przy użyciu mieszanek rezerwowych.
      • Zimny ​​batik to technika malowania tkanin wykorzystująca specjalną masę rezerwową na zimno.
      • Gorący batik - wzór powstaje przy użyciu roztopionego wosku lub innych podobnych substancji.
  • Scrapbooking- projektowanie albumów fotograficznych
  • Modelowanie w glinie- tworzenie kształtów i przedmiotów z gliny. Można rzeźbić na kole garncarskim lub ręcznie.

Dla mnie (o kratce):

Gobelin(fr. gobelin), Lub krata, - jeden z rodzajów sztuki zdobniczej i użytkowej, jednostronny, niestrzępiący się dywan ścienny z fabułą lub kompozycją ozdobną, tkany ręcznie metodą krzyżowego tkania nici. Tkacz przepuszcza nić wątku przez osnowę, tworząc zarówno obraz, jak i samą tkaninę. W Słownik encyklopedyczny Brockhaus i Efron definiują gobelin jako „tkany dywan”. wykonane samodzielnie, na którym odtworzono obraz i specjalnie przygotowaną tekturę mniej lub bardziej znanego artysty przy użyciu wielobarwnej wełny i częściowo jedwabiu.”

Gobeliny szyto z wełny, jedwabiu, czasami wprowadzano do nich złote lub srebrne nici. Obecnie do ręcznego wytwarzania dywanów wykorzystuje się szeroką gamę materiałów: preferowane są nici wykonane z włókien syntetycznych i sztucznych, w mniejszym stopniu wykorzystywane są naturalne materiały. Technika ręcznego tkania jest pracochłonna, jeden rzemieślnik może wyprodukować około 1-1,5 m² (w zależności od gęstości) krat rocznie, dlatego produkty te są dostępne tylko dla zamożnych klientów. A obecnie ręcznie robiony gobelin (krata) nadal jest kosztowną pracą.

Od średniowiecza aż do XIX wieku praktykowano produkcję gobelinów w cyklach (zespołach), łączących wyroby związane z jedną tematyką. Ten zestaw krat miał za zadanie ozdobić pokój w tym samym stylu. Liczba krat w zestawie zależała od wielkości pomieszczeń, w których miały być umieszczone. W tym samym stylu, co gobeliny ścienne, wykonano baldachimy, zasłony i poszewki na poduszki, które również stanowiły komplet.

Trapezami nie można nazywać niestrzępiących się, ozdobnych dywanów, a jedynie te, na których powstają obrazy samą techniką tkania, tj. przeplatanie się nitek wątku i osnowy, dlatego stanowią one organiczną część samej tkaniny, w przeciwieństwie do haftu, którego wzory nanoszone są dodatkowo na tkaninę za pomocą igły. Średniowieczne gobeliny wytwarzano w warsztatach klasztornych w Niemczech i Holandii, w miastach Tournai w zachodniej Flandrii i Arras w północnej Francji. Najbardziej znane to millefleurs (francuskie millefleurs, od mille - „tysiąc” i fleurs - „kwiaty”). Nazwa wzięła się stąd, że postacie na takich kratach są ukazane na ciemnym tle usianym wieloma drobnymi kwiatami. Cecha ta wiąże się z wieloletnim zwyczajem obchodzenia katolickiego święta Bożego Ciała (obchodzonego w czwartek po Trójcy Świętej). Ulice, którymi przemieszczała się świąteczna procesja, udekorowano transparentami utkanymi z wielu świeżych kwiatów. Wywieszano je za oknami. Uważa się, że tkacze przenieśli ten wystrój na dywany. Najstarszy znany millefleur powstał w Arras w 1402 roku. Dywany z tego miasta były tak popularne, szczególnie we Włoszech, że otrzymały włoską nazwę „arazzi”.

Karton w malarstwie- rysunek węglem lub ołówkiem (lub dwoma ołówkami - białym i czarnym), wykonany na papierze lub na zagruntowanym płótnie, z którego obraz jest już zamalowany farbami.

Początkowo rysunki takie wykonywano wyłącznie do fresków; gruby papier (wł. karton), na którym wykonywano rysunek, przebijany wzdłuż jego konturu, nanoszony był na podłoże przygotowane do malowania fresków i posypywany w miejscu nakłucia proszkiem węglowym, a następnie w ten sposób uzyskano słaby czarny kolor obwodu masy. Malowanie alfresko Został napisany od razu, bez poprawek, dlatego konieczne było zastosowanie gotowego, całkowicie przemyślanego konspektu. Gotowe deski często mają wartość obrazów, bez farb; takie są kartony Michała Anioła, Leonarda da Vinci, Rafaela (tektury dla „Szkoła Ateńska” przechowywany w Mediolanie), Andrea Mantegna, Giulio Romano i inni Często znani artyści produkcja tektury na tkane obrazy dywanowe (kraty); znanych jest siedem kartonów Rafaela „Dzieje Apostolskie”, wykonane przez niego dla tkaczy flamandzkich (przechowywane w Kensington Museum w Londynie), cztery kartony Mantegny. Z kartonów z XIX w. możemy wymienić dzieła Friedricha Overbecka, Juliusa Schnorra von Carolsfelda, P. J. Corneliusa ( „Zniszczenie Troi”, „Sąd Ostateczny” itp.), Wilhelma von Kaulbacha ( „Zniszczenie Jerozolimy”, „Bitwy Hunów” itp.), Ingres – za malowanie na szkle w grobowcu rodu orleańskiego. W Rosji obrazy wykonano na tekturze w katedrze św. Izaaka (niezachowane). Czasem kartony tworzy jeden artysta, a obrazy na ich podstawie inni. W ten sposób Peter Joseph Cornelius oddał do dyspozycji swoich uczniów część kartonów niemal w całości.

Materiały, technologia

Do XVIII wieku podstawą krat była wełna – materiał najbardziej dostępny i łatwy w obróbce, najczęściej wełna owcza. Głównym wymaganiem dla materiału podstawowego jest wytrzymałość. W XIX wieku podstawę kraty czasami wykonywano z jedwabiu. Bawełniany spód znacząco zmniejsza wagę produktu, jest trwały i bardziej odporny na niekorzystne wpływy środowiska.

W przypadku tkania kratowego o gęstości dywanu decyduje liczba nitek osnowy przypadających na 1 cm. Im większa gęstość, tym tkacz ma większe możliwości wykonania drobnych detali i wolniej postępuje praca. W średniowiecznym gobelinie europejskim na 1 cm przypada około 5 nitek osnowy. Produkty z brukselskich manufaktur z XVI wieku miały tę samą niską gęstość (5-6 nitek), ale miejscowym tkaczom udało się oddać złożone niuanse obrazu. Z biegiem czasu krata zbliża się do malowania, jej gęstość wzrasta. W manufakturze Gobelin gęstość gobelinów w XVII wieku wynosiła 6-7 nitek na 1 cm, a w XVIII wieku już 7-8. W XIX wieku gęstość wyrobów manufaktury w Beauvais sięgała 10-16 nitek. Taki gobelin stał się w zasadzie jedynie imitacją malarstwa sztalugowego. Jean Lursa uznał zmniejszenie jej gęstości za jeden ze sposobów przywrócenia dekoracyjnego charakteru kraty. W XX wieku francuskie manufaktury powróciły do ​​gęstości gobelinu wynoszącej 5 nitek. We współczesnym tkaniu ręcznym przyjmuje się, że gęstość wynosi 1-2 nitki na cm; gęstość większą niż 3 nitki uważa się za wysoką.

Gobeliny są tkane ręcznie. Nitki osnowy napinane są na maszynie lub ramie. Nici osnowy przeplatają się z kolorowymi nićmi wełnianymi lub jedwabnymi, a osnowa jest całkowicie zakryta, dzięki czemu jej kolor nie odgrywa żadnej roli.

Najwcześniejszym i najprostszym urządzeniem do pracy tkackiej była rama z naprężonymi nitkami osnowy. Podstawę można mocować poprzez naciągnięcie jej na wbite w ościeżnicę gwoździe, zastosowanie ramki z równomiernie rozmieszczonymi nacięciami wzdłuż górnej i dolnej krawędzi lub po prostu nawinięcie nitki na ościeżnicę. Ten ostatni sposób nie jest jednak zbyt wygodny, gdyż nitki osnowy mogą się przemieszczać podczas tkania.

Później pojawiły się krosna wysokie i niskie. Różnica w pracy na maszynach polega głównie na ułożeniu nitek osnowy, poziomym - na niskiej maszynie - i pionowym - na wysokiej. Jest to związane z konkretnym urządzeniem i wymaganiami charakterystyczne ruchy w pracy. W obu przypadkach sposób tworzenia przejść objętościowych i kolorystycznych na rysunku jest taki sam. Nici o różnych kolorach przeplatają się i tworzą efekt stopniowej zmiany tonu lub poczucia objętości.

Obraz został skopiowany z karton - rysunek przygotowawczy kolorowa, naturalnej wielkości krata, wykonana na podstawie szkicu artysty. Z jednej tektury można stworzyć kilka krat, za każdym razem nieco różniących się od siebie.

Mechanicznie technika wykonania gobelinu jest bardzo prosta, wymaga jednak od mistrza dużej cierpliwości, doświadczenia i wiedzy artystycznej: tylko wykształcony artysta, na swój sposób malarz, może być dobrym tkaczem, różniącym się od prawdziwego jedyny w tym, że tworzy obraz nie farbami, ale kolorową nicią. Jako artysta musi rozumieć rysunek, kolor, światło i cień, a ponadto także to rozumie pełna wiedza techniki tkania krat i właściwości materiałów. Dość często nie da się wybrać nici o różnych odcieniach tego samego koloru, dlatego tkacz musi zabarwiać nici podczas pracy.

Podczas pracy na maszynie pionowej podstawa jest odwijana z górnego wału, gdy produkt jest gotowy, a gotowa krata jest nawijana na dolną. Dywany wykonane na krośnie pionowym nazywane są dywanami haute-lisse(gotlis, od ks. wysoki„wysoki” i Lisse"osnowa"). Technika Gottlissa pozwala na wykonanie bardziej złożonego rysunku, ale jest też bardziej pracochłonna. Miejsce pracy tkacza znajduje się na spodniej stronie dywanu, gdzie zabezpieczone są końce nici. Obraz z tektury przenoszony jest na kalkę, a z niej na dywan. Za plecami tkacza znajdowała się tektura, a na przedniej stronie pracy lustro. Rozsuwając nitki osnowy, rzemieślnik może sprawdzić dokładność pracy na tekturze.

Inne dywany, przy produkcji których osnowa jest umieszczona poziomo pomiędzy dwoma wałami, co znacznie ułatwia pracę tkacza, nazywane są basse-lisse(baslis, od ks. bas„niski” i Lisse"osnowa"). Nitki osnowy są rozciągnięte pomiędzy dwoma wałami w płaszczyźnie poziomej. Krata zwrócona jest do tkacza swoją odwrotną powierzchnią, wzór z tektury przenoszony jest na kalkę umieszczoną pod nitkami osnowy, w ten sposób twarz Produkt jest repliką kartonową w odbiciu lustrzanym. Mistrz pracuje z małymi szpulkami, na które nawinięte są nici w różnych kolorach. Przepuszczając przez osnowę szpulkę z nitką dowolnego koloru i splatając ją z nią, powtarza tę operację wymaganą ilość razy, po czym ją opuszcza i podejmuje kolejną z nitką w innym kolorze, aby powrócić do pierwszą szpulkę, gdy będzie potrzebna ponownie.

Po wyjęciu kraty z maszyny nie da się rozróżnić, w której z dwóch technik została wykonana. Aby to zrobić, musisz zobaczyć karton - krata Baslis powtarza to w odbiciu lustrzanym, Gotlis - w bezpośrednim odbiciu.

Cechy artystycznego języka DPI

Przedmiot działalności artysty w sztuce zdobniczej i użytkowej wyznacza cechy metody twórczej. Najczęściej w odniesieniu do tych cech używa się trzech głównych terminów: abstrakcja, geometria, stylizacja.

Abstrakcja(Abstrakcja łacińska - „odwrócenie uwagi”) polega na wyabstrahowaniu obrazu dekoracyjnego z określonego przedmiotowo-przestrzennego środowiska naturalnego, gdyż rolę takiego środowiska, w odróżnieniu od sztuki sztalugowej, przejmuje dekorowana powierzchnia. Stąd podstawowa konwencja przedstawienia dekoracyjnego, w którym z łatwością można łączyć różne momenty czasu i przestrzeni. Przekonująco pisał o tym koneser ceramiki rosyjskiej A. B. Saltykov, zauważając „brak jedności miejsca, czasu i działania” jako podstawową zasadę kompozycji dekoracyjnej. W szczególności wystrój umieszczony na wolumetrycznym kształcie naczynia, oddziałujący z krzywoliniową przestrzenią jego powierzchni, jest umiejscowiony w zależności od „geografii” obiektu, a nie według codziennych wyobrażeń. Krzywizna, kolor i faktura dekorowanej powierzchni, np. białe tło w malarstwie porcelanowym czy glinianym, równie łatwo może wskazywać na wodę, niebo, ziemię czy powietrze, ale przede wszystkim na walory estetyczne powierzchni jako takiej. V.D. Blavatsky napisał, że obraz starożytnej greckiej kylix (miski) należy oglądać, obracając naczynie w rękach. Teraz możemy okrążyć muzealną gablotę.

Przejściowe etapy procesu abstrakcji i geometryzacji obrazu dekoracyjnego nazywane są „ornamentem wizualnym” i według odmian gatunkowych dzielą się na roślinne, zwierzęce, mieszane... Jedna z najciekawszych odmian gatunkowych mieszanego ornamentu figuratywnego w historia sztuki to groteska.

Stylizacja w najogólniejszym znaczeniu tego słowa odnoszą się do zamierzonego, świadomego stosowania przez artystę form, metod i technik kształtowania, znanych wcześniej w historii sztuki. Jednocześnie artysta zostaje mentalnie przeniesiony do innego stulecia, jakby zanurzony „w otchłań czasu”. Dlatego taką stylizację można nazwać tymczasową. Stylizacja może mieć charakter prywatny, fragmentaryczny, wówczas poszczególne tematy, formy, motywy i techniki zostają wybrane jako przedmiot artystycznej zabawy. Czasami ten sposób kształtowania nazywany jest stylizacją motywu. Znaczna część dzieł sztuki „Art Nouveau” („nowej sztuki”) przełomu XIX i XX wieku. zbudowana jest w oparciu o stylizację jednego motywu: fal, pędów roślin, pasm włosów, zgięcia łabędziej szyi. Linie te były modne w kulturze przełomu wieków. W szczególności słynny francuski artysta dekoracyjny i projektant odzieży Paul Poiret (1879–1944) wymyślił gładko zakrzywioną linię damskiej sukienki, którą nazwano linią Poireta.

Stylizację motywu można uznać za szczególny przypadek stylizacji dekoracyjnej, gdyż wysiłki artysty zmierzają do włączenia osobna praca, jego fragment lub stylizowany motyw w szerszą całość kompozycyjną (co odpowiada ogólny sens koncepcje dekoracyjności). Artysta, stosując metodę stylizacji holistycznej, przenosi się mentalnie do innej epoki dekoracyjnej – stara się myśleć organicznie w wytworzonym już wokół niego środowisku obiektowo-przestrzennym. Pierwszą metodę nazwaliśmy metodą stylizacji temporalnej, drugą można nazwać przestrzenną.

Oczywiste jest, że metoda dekoracyjnej stylizacji najpełniej przejawia się w sztuka dekoracyjna a w szczególności w sztuce efektownych plakatów i ilustracja książkowa, chociaż są wyjątki. W ten sposób wspaniały malarz i rysownik A. Modigliani zbudował delikatną ekspresję swoich obrazów na szczerej stylizacji linii i hiperbolizacji formy, a jego „maski” stylizują afrykańskie próbki.

Twórczość wielu artystów organicznie łączy metody abstrakcji, geometryzacji i stylizacji.

Na dekoracyjność wpływa również gęstość, nasycenie obrazu, przewaga postaci nad tłem. W niektórych przypadkach prowadzi to do tzw. ornamentyzacji wystroju, w innych do „stylu dywanowego”. Procesy transformacji elementów wizualnych spaja koncepcja geometryzacji. Ostatecznie tendencja ta prowadzi do niezwykle abstrakcyjnego lub ozdoba geometryczna.

Oprócz podstawowych metod - abstrakcji, geometryzacji i stylizacji - artysta sztuki dekoracyjnej i użytkowej posługuje się prywatnymi metodami kształtowania, czyli ścieżkami artystycznymi (gr. tropos - „obróć, obróć”).

W sztukach wizualnych porównania dokonuje się na podstawie geometryzacja. Godnymi uwagi przykładami takich porównań są prace „ zwierzęcy styl" Styl ten dominował w wyrobach „małych form” na rozległych obszarach Eurazji, od dolnego Dunaju, północnego regionu Morza Czarnego i stepów kaspijskich po Południowy Ural, Syberia i północno-zachodnia część Chin w VII – IV wieku. PRZED CHRYSTUSEM mi.

Klasycznymi przykładami upodabniania formy do formatu są kompozycje w kole, w szczególności kompozycje spodów starożytnych greckich kylixów – okrągłych szerokich misek na nodze z dwoma poziomymi uchwytami po bokach. Z takich misek pito wino rozcieńczone wodą. W starożytnych domach, w przerwach między sympozjami (biesiadami), kylixy wieszano zwykle za jeden z uchwytów ze ściany. Dlatego obrazy umieszczono na zewnątrz czaszy, na całym obwodzie, tak aby były dobrze widoczne.

Główne problemy DPI

Wszystkie dzieła starożytności organicznie łączą wartość materialną i duchową, użytkową, estetyczną i artystyczną. Co ciekawe, we wczesnej starożytności nie było odrębnego rozumienia cech naczynia jako pojemnika, jego symbolicznego znaczenia, wartość estetyczna, zawartość i wystrój.

Później zaczęto dzielić malarską przestrzeń rzeczy na wewnętrzny pojemnik i zewnętrzną powierzchnię, kształt i ornament, przedmiot i otaczającą przestrzeń. W wyniku takiego procesu różnicowania powstał problem organicznego powiązania funkcji i formy produktu, jego harmonii z otoczeniem.

Jednocześnie stwierdzenie, że prawdziwie dekoracyjny obraz powinien być płaski, nie jest prawdziwe. Abstrakcja dekoracji nie polega na adaptacji, ale na interakcji formy obrazowej i otoczenia. Dlatego iluzoryczne obrazy, które wizualnie „przebijają się” przez powierzchnię, mogą być równie dekoracyjne, jak te, które „pełzają po płaszczyźnie”. Wszystko zależy od intencji artysty i zgodności rozwiązania kompozycyjnego z ideą.

To samo dotyczy problemu identyfikacji naturalnych właściwości materiału dekorowanej powierzchni. Całkowicie złocony wazon porcelanowy lub filiżanka o wyglądzie metalu mogą być nie mniej piękne niż najlepszy obraz polichromowany, podkreślając iskrzącą biel. Czy można powiedzieć, że naturalna faktura drewna jest bardziej dekoracyjna niż jego powierzchnia pokryta jasną farbą i złoceniem, a matowy biskwit (nieszkliwiona porcelana) wygląda lepiej niż błyszcząca glazura?

W 1910 roku wybitny belgijski architekt, artysta i teoretyk sztuki secesyjnej Henri Van de Velde (1863–1957) napisał polemiczny artykuł zatytułowany „Animacja materiału jako zasada piękna”.

W artykule tym Van de Velde przedstawił swoje poglądy na jeden z głównych problemów „nowego stylu” – stosunek artysty do materiału. Polemizuje z tradycyjnym poglądem, że artysta użytkowy powinien wydobyć naturalne piękno materiału. „Żaden materiał” – napisał Van de Velde – „nie może być piękny sam w sobie. Swoje piękno zawdzięcza duchowej zasadzie, którą artysta wnosi do natury.” Uduchowienie „martwego materiału” następuje poprzez jego przekształcenie w materiał złożony. Artysta używa jednocześnie różnych środków, a potem bazując na tych samych materiałach uzyskuje odwrotny skutek. Znaczenie artystycznego przetworzenia naturalnych materiałów i form, w przeciwieństwie do właściwości estetycznych obiektywnie obecnych w naturze, zdaniem Van de Velde, polega na dematerializacji, nadaniu właściwości, których materiał nie posiadał, zanim dotknęła go ręka artysty. W ten sposób ciężki i szorstki kamień zamienia się w najdelikatniejszą „nieważką” koronkę gotyckich katedr, materialne właściwości barwników przekształcają się w blask kolorowych promieni średniowiecznych witraży, a złocenie staje się zdolne wyrazić niebiańskie światło.

W sztuce dekoracyjnej i użytkowej, gdzie artysta zmuszony jest do rozwiązania problemu powiązań części z całością, włączając własną kompozycję w szerokim kontekście czasoprzestrzennym, ścieżki nabierają zasadniczego znaczenia. Można dokonać transferu znaczeń na różne sposoby i techniki kompozytorskie. Najprostsza technika jest dobrze znana w historii sztuki starożytnego świata. To porównanie formy do formatu. Taki trop obrazowy można skorelować z literackim porównaniem na zasadzie „całość do całości”, na przykład: „Koń leci jak ptak”.

Terminologia w DPI

Litry

Własow V. G. Podstawy teorii i historii sztuki zdobniczej i użytkowej. Podręcznik edukacyjno-metodologiczny. - Uniwersytet Państwowy w Petersburgu, 2012. - 156 s.

Moran A. Historia sztuki zdobniczej i użytkowej. - M

Może Cię zainteresuje