Co to jest fresk? Malowanie alfresko. Rozkwit mozaik, fresków, ikon w Bizancjum (metropolita Hilarion)

Mozaika perystyl Wielkiego Pałacu Cesarskiego (Muzeum Mozaiki), VI wiek.

Mozaika perystyl Wielkiego Pałacu Cesarskiego (Muzeum Mozaiki), VI wiek.
Przypomina mi stary dowcip: „O czym tu myśleć – trzeba to potrząśnąć!”

Mozaika perystyl Wielkiego Pałacu Cesarskiego (Muzeum Mozaiki), VI wiek.
Bardzo brutalne. A krew jest całkowicie naturalna.

Mozaika perystyl Wielkiego Pałacu Cesarskiego (Muzeum Mozaiki), VI wiek.
Chłopiec i królik (choć wyobrażam sobie tam baranka). Sądząc po wyrazie twarzy chłopca, królikowi (czyli barankowi) nie zostało już wiele czasu...

Mozaika perystyl Wielkiego Pałacu Cesarskiego (Muzeum Mozaiki), VI wiek.
Jeśli lwi wieloryb i słoń będą walczyć, kto wygra?

Mozaika perystyl Wielkiego Pałacu Cesarskiego (Muzeum Mozaiki), VI wiek.
Swoją drogą bardzo naturalistyczne. Nawet skrzydła lwa.

Mozaika perystyl Wielkiego Pałacu Cesarskiego (Muzeum Mozaiki), VI wiek.

Cesarz Jan II Komnen (1118-1143) i cesarzowa Irena. Cesarz ma w rękach worek pieniędzy. To nie przypadek. To właśnie w tej części kościoła św. Zofii kasa duchownych św. Zofii otrzymywała pensje.

Mozaiki św. Zofii Mądrości.
Cesarz Konstantyn IX Monomach (11 czerwca 1042 - 11 stycznia 1055) z cesarzową Zoe - także z torbą pieniędzy.

Mozaiki św. Zofii Mądrości.

Mozaiki św. Zofii Mądrości.
Cesarz Leon VI Mądry (filozof) (19 września 866 - 11 maja 912) u stóp Zbawiciela błaga o przebaczenie za swoje czwarte małżeństwo.

Mozaiki św. Zofii Mądrości.
Deesis.

Kościół św. Zofii. Detale.
Monogram cesarza Justyniana I (527-565) i Teodory w głowicy kolumny.

Kościół św. Zofii. Detale.
Kapitał kolumny.

Kościół św. Zofii. Detale.
Graffiti - skandynawskie runy z IX wieku, Wiking Halvdan.

Kościół św. Zofii. Detale.
Graffiti: „Mateusz, papież galicyjski”.
Ludzie się nie zmieniają... Graffiti „Koła, 30 marca 2011” - jest również obecny...

Kościół Matki Bożej z Kyriotissa (XI-XII w.)
Freski są interesujące, ponieważ ta część (dolny kościół) jest niedostępna dla turystów. Jest pokazywany tylko najbardziej zaawansowanym lokalnym historykom. Nie ma w nim oświetlenia; do niedawna był zalany.

Kościół Matki Bożej z Kyriotissa (XI-XII w.)

Kościół Matki Bożej z Kyriotissa (XI-XII w.)
Mozaika na podłodze.

Kościół Chrystusa Pantokratora klasztoru w Chora (527, z przeróbkami z VII, IX w. (?) (brak dowodów archeologicznych), I etap budowy - przestrzeń główna - 1077-1081; II etap budowy - narthex i exonarthex, parkklesion po stronie południowej – pomiędzy 1315 a 1321 rokiem.

W kopule i na ścianach znajdują się mozaiki przedstawiające życie Najświętszej Marii Panny według apokryficznej Protoewangelii Jakuba.

Klasztor Kościoła Chrystusa Pantokratora w Chora.
Mozaiki z 1315 roku

Okres od połowy IX do XIV wieku to czas największego rozkwitu bizantyjskich mozaik i fresków. Jednym z najwcześniejszych zabytków z tego okresu jest mozaika Hagia Sophia w Salonikach. Kompozycja „Wniebowstąpienie” (880–885) znajduje się w kopule świątyni. W centrum Chrystus w medalionie, z nieproporcjonalnie dużą głową, siedzący na tęczy. Medalion podtrzymują dwa latające anioły w białych szatach z wielobarwnymi skrzydłami. Bezpośrednio pod Chrystusem w bębnie kopuły znajduje się Matka Boża pełna wysokość z wzniesionymi ramionami („Oranta”), po obu jej stronach stoją dwaj Aniołowie, wskazujący rękami na wstępującego Chrystusa. W tym samym rzędzie stoi dwunastu apostołów, oddzielonych od siebie wysokimi drzewami o nagich pniach i zielonych koronach. W muszli absydy ukazana jest Matka Boża z Dzieciątkiem siedząca na tronie (przełom XI i XII w.). W sklepieniu vimy ołtarza znajduje się obraz krzyża, pozostały po czasach ikonoklazmu.

Wybitnym zabytkiem chrześcijańskiej sztuki renesansu macedońskiego są doskonale zachowane mozaiki klasztoru Hosios Loukas (św. Łukasza), pochodzące z 1. połowy XI wieku. Kopuła świątyni przedstawia Pięćdziesiątnicę: pośrodku kompozycji znajduje się „Przygotowany tron”, na szczycie którego znajduje się gołąb z głową w złotej aureoli, symbolizujący Ducha Świętego. Z medalionu promienie światła padają na dwunastu apostołów siedzących w kopule, a nad głową każdego apostoła znajduje się język ognia. Apostołowie są przedstawieni jako siedzący na tronach i rozmawiający ze sobą; Każdy apostoł trzyma w ręku Ewangelię. W żaglach kopuły znajdują się przedstawiciele stojący i słuchający apostołów różne narody w fantazyjnych ubraniach. Konchę absydy ołtarza zajmuje obraz Matki Boskiej z Dzieciątkiem siedzących na tronie. Cykl chrystologiczny składa się z czterech kompozycji znajdujących się w głównej części świątyni („Zwiastowanie”, „Boże Narodzenie”, „Gromniczne” i „Chrzest”) w żaglach nad tympanonem kopuły, sceny Męki Pańskiej w prezbiterium („ Umycie nóg”, „Ukrzyżowanie”, „Zejście do piekła” „) i „Zesłanie Ducha Świętego” w małej kopule nad ołtarzem. Pozostałą część przestrzeni świątyni zdobi wiele wizerunków świętych (około 150) z szeroko otwartymi, nieproporcjonalnymi duże oczy i ciemne źrenice: wśród świętych znaczące miejsce zajmują czcigodni, co wynika z klasztornego charakteru budowli. W diakonie zachowały się mozaiki przedstawiające sceny ze Starego Testamentu: Daniela w jaskini lwa, trzech młodzieńców w piecu babilońskim.

Oprócz mozaik w Hosios Loukas zachowało się szereg fresków datowanych na okres od połowy X do pierwszej ćwierci XI wieku. Jedna z nich przedstawia Jozuego w stroju wojskowym: na głowie ma hełm, na ciele założono kolczugę, w lewej ręce włócznię, a za pasem miecz. Kompozycja „Spotkanie Chrystusa z Janem Chrzcicielem” umieszczona jest w dwóch łukach: w lewym łuku znajduje się obraz Poprzednika zwróconego ku Chrystusowi w płaszczu podbitym wełną, z krzyżem w prawej ręce i wyciągniętą lewą ręką do Jezusa; w prawym łuku - Chrystus ze zwojem w lewej ręce i prawą ręką uniesioną w geście błogosławieństwa; Poprzednik jest przedstawiony jako stojący na ziemi, a Jezus idzie w jego stronę. W kompozycji „Wejście Pana do Jerozolimy” Chrystus ze zwojem w ręku siedzi na ośle; dziecko wspinające się na drzewo patrzy na Chrystusa; ludzie z gałązkami palmowymi pozdrawiają nadchodzącego Mesjasza. W scenie Złożenia do grobu Chrystus jest przedstawiony owinięty w całuny pogrzebowe; tylko Jego twarz zamknięte oczy pozostaje otwarty; pogrążona w żałobie Matka Boża pochylona nad ciałem Chrystusa; Józef i Nikodem podtrzymują ciało rękami. Ta sama kompozycja przedstawia inną scenę z ewangelii: dwie kobiety niosące mirrę pusta trumna, na wieczku którego siedzi Anioł.

Zachowane mozaiki kościoła Hagia Sophia w Konstantynopolu dają jedynie częściowe wyobrażenie o zespole jego wystroju wnętrz. Bardzo ważne mozaiki skupiające się na wizerunkach Chrystusa i Marii Panny, a także wizerunkach cesarzy i cesarzowych. W muszli absydy ołtarza zachował się mozaikowy obraz Matki Bożej na tronie z Dzieciątkiem siedzącym na Jej kolanach, wykonany w 867 r. Postawa Matki Bożej jest statyczna, postać majestatyczna, ciało ubrane w ciemnoniebieskie maforium jest nieproporcjonalnie duże w porównaniu z głową; Twarze Matki i Dziecka są zaprojektowane według starożytnych tradycji. Mozaikowy obraz Chrystusa na tronie z otwartą Ewangelią pochodzi z początku X wieku; po dwóch stronach Chrystusa medaliony przedstawiające Matkę Bożą i Archanioła; u stóp tronu – cesarz Leon VI Mądry, pochylony w pełnej czci modlitwie (C886-912). Na przełomie X i XI w. powstał mozaikowy obraz Matki Bożej na tronie z Dzieciątkiem; Po Jej prawej stronie stoi cesarz Justynian z modelem kościoła Hagia Sophia w dłoniach, po lewej stronie stoi Konstantyn Wielki z symbolicznym modelem miasta. Wizerunek Chrystusa na tronie z nadchodzącym cesarzem Konstantynem Monomą pochodzi z 1044 roku domu i cesarzowej Zoi. Około 1118 r. powstała mozaika, na której przedstawieni są cesarz Jan Komnen i cesarzowa Irena obok Matki Boskiej trzymającej Dzieciątko na rękach.

Ze wszystkich zachowanych kompozycji mozaikowych Zofii Konstantynopola najbardziej imponująca pod względem siły wyrazu jest Deisis z 1261 roku. W centrum kompozycji znajduje się Chrystus w niebieskiej himacji z prawą ręką uniesioną w geście błogosławieństwa, a po lewej Ewangelia. Twarz Chrystusa naznaczona jest piętnem miękkiej koncentracji i nos jest wydłużony, usta pełne. Oczy, jak na ikonie Pantokratora na Synaju, są asymetryczne; spojrzenie jest nieostre, co stwarza wrażenie obecności i jednocześnie pewnego oddzielenia Chrystusa od modlącego się. Matka Boga i Jan Chrzciciel są zwróceni na wpół zwróceni do Zbawiciela: ich twarze są naznaczone piętnem smutku i skupienia.

Mozaiki z Hagia Sophia w Kijowie są jednym z najwybitniejszych zabytków sztuki bizantyjskiej pierwszej połowy XI wieku. Ogólnie program dekoracji wnętrz świątyni koncentruje się na modelach bizantyjskich. Z oryginalnego zespołu mozaikowego, który zajmował powierzchnię 640 metrów kwadratowych. m, tylko około 260 mkw. m, ale zachowane mozaiki dają wyobrażenie o wielkości planu i doskonałości jego realizacji. W kopule świątyni znajduje się medalion z wizerunkiem Chrystusa Pantokratora, pod nim znajdują się cztery postacie Archaniołów (częściowo zachowała się tylko jedna z nich). W bębnie kopuły, pomiędzy oknami, umieszczono wizerunki apostołów (zachowała się tylko część postaci apostoła Pawła); w żaglach jest czterech ewangelistów (przeżył tylko Marek). Na łukach podtrzymujących kopułę umieszczono cztery medaliony, z których zachowały się dwa – Matka Boża i Chrystus Kapłan: ten ostatni jest „semicko-palestyńskim” typem wizerunku Chrystusa z krótkimi kręcone włosy i krótko przystrzyżoną brodę. Na łukach poprzecznych znajdują się medaliony z wizerunkami czterdziestu męczenników z Sebasty (z czterdziestu zachowało się 15 medalionów). W muszli absydy Matka Boża „Oranta” ukazana jest w pełnej wysokości: Jej postać (wysokość 5,45 m) dominuje nad całym mozaikowym zespołem świątyni. Nad „Orantą” znajduje się Deisis w trzech medalionach; pod „Orantą” w środkowym rejestrze znajduje się „Komunia Apostołów” (Chrystus jest przedstawiony dwukrotnie), a w dolnym rejestrze obrzęd Świętych, w centrum których w obrocie o trzy czwarte ukazani są diakoni z monstrancjami, co nadaje całemu obrzędowi wyraźnie liturgiczny charakter. Kompozycja „Zwiastowanie” umieszczona jest na filarach przed konchą ołtarza. Na ścianach katedry znajdują się liczne wizerunki świętych. Postacie Chrystusa, Matki Bożej i świętych w kompozycjach Kijowskiej Zofii wyróżniają się statycznością i monumentalnością; dominują pozy czołowe. Rysy twarzy większości postaci są podkreślone geometrycznie, oczy są powiększone, usta pełne, nos szeroki.

Wybitny zabytek bizantyjski monumentalne malarstwo to freski kościoła Hagia Sophia w Ochrydzie (Macedonia), pochodzące z lat 1037-1056. Freski wyróżniają się kunsztem wykonania, wyrazistością twarzy i różnorodnością kompozycyjną. W muszli absydy ołtarza ukazana jest Matka Boska w pozie statycznej, zasiadającej na tronie; w Jej rękach w owalnym medalionie jest Dzieciątko Chrystus. W dolnym rejestrze znajduje się komunia apostołów: w centrum kompozycji Chrystus stojący pod cyborium i zwrócony twarzą do widza; Prawą rękę podnosi w geście błogosławieństwa, w lewej trzyma chleb; po obu stronach Zbawiciela są dwaj Aniołowie; po prawej i lewej stronie apostołowie podchodzą do Zbawiciela, ustawieni w rzędzie. Na sklepieniu absydy ołtarza znajduje się okazała kompozycja „Wniebowstąpienie”, pośrodku której w medalionie znajduje się wizerunek Chrystusa siedzącego na tęczy; Medalion podtrzymują cztery anioły. Po dwóch stronach medalionu znajdują się rzędy apostołów i aniołów (po jednym aniołku w każdym rzędzie); apostołowie przedstawieni są w dynamicznych pozach, z twarzą zwróconą do wznoszącego się Chrystusa; wśród apostołów jest Matka Boża. Pod każdym rzędem znajduje się kolejny, w którym przedstawiono Anioły. Ściany absydy ołtarza zdobią wizerunki świętych, sceny z Stary Testament, związane z Eucharystią (w szczególności gościnnością Abrahama), sceny z Nowego Testamentu.

Okazały zespół mozaik klasztoru Zaśnięcia Najświętszej Marii Panny w Daphni (Grecja) pochodzi z końca XI wieku, okresu tzw. renesansu komneńskiego. W zespole dominuje wizerunek Chrystusa Pantokratora: wysokie brwi, spojrzenie skierowane w bok, fałdy na twarzy, czole i szyi, potężny tułów - wszystko to nadaje obrazowi surowość nietypową jak na standardy bizantyjskie. W bębnie kopułowym przedstawiono szesnastu proroków. W absydzie ołtarza znajduje się Matka Boża wraz z oddającymi Jej cześć prorokami. Wiele uwagi poświęca się wielofigurowym kompozycjom poświęconym tematyce głównej święta kościelne. Postacie bohaterów są dynamiczne i pełne wdzięku; bohaterowie ukazani są w różnorodnych pozach – czołowej, profilowej, półobróconej; Twarze naznaczone są piętnem spokoju i skupienia. Anioły są bohaterami wielu kompozycji, co stwarza wrażenie ciągłości znacząca obecność Sił Niebieskich w życiu człowieka. W cyklu Theotokos znajdują się liczne kompozycje z życia Matki Bożej, m.in. Jej Narodziny, Wprowadzenie i Wniebowzięcie. Ogólnie zespół mozaik charakteryzuje się chęcią jak najpełniejszego odzwierciedlenia głównych wydarzeń roku liturgicznego: temat mozaik koncentruje się nie tyle na sekwencji wydarzeń ewangelicznych, ile na kalendarzu kościelnym.

Malowidło kościoła Wniebowzięcia NMP we wsi pochodzi z lat 90-tych XI wieku. Ateni (Ateni Syjon). Gruzińskie malarstwo monumentalne było genetycznie związane z Bizancjum, ale miało wyrazistość cechy narodowe, w pełni odzwierciedlone w obrazie Aten Syjon. W muszli absydy ołtarza ukazana jest Matka Boża Nikopea z Dzieciątkiem Chrystus, po obu jej stronach znajdują się Archaniołowie Michał i Gabriel. Poniżej kompozycja „Eucharystia” z apostołami zwróconymi twarzą do Chrystusa. W najniższym rejestrze znajdują się święci, w otworach międzyokiennych stylity. Inne wizerunki absydy ołtarza przedstawiają archidiakona Stefana i Czcigodnego Rzymianina Słodkiego Śpiewaka, a także patronów świątyni, w tym króla Dawida IV Budowniczego. W absydzie północnej umieszczono cykl świąt, w absydzie południowej umieszczono 14 scen z życia św. Święta Matka Boża, w zachodniej - Sąd Ostateczny. Tromposy (zamiast ewangelistów) przedstawiają uosobione biblijne rzeki Nil, Piszon, Tygrys i Eufrat w postaci młodych mężczyzn na falach. Ogólny styl malowidła wskazują, że należały do gruzińskich mistrzów. Panować ciemne kolory, sylwetki postaci są wyraźnie określone, obrazy wyróżniają się monumentalnością, statyką i ciężkością form.

W XII - pierwszej połowie XIII wieku w kościołach Włoch, zwłaszcza w sycylijskich miastach Cefalu, Monreale i Palermo, w Wenecji i Rzymie, powstało wiele zespołów mozaikowych w stylu bizantyjskim. Mozaiki absydy ołtarzowej katedry w Cefalu, pochodzące z 1. połowy XII w., stanowią jedno z najdoskonalszych dzieł sztuki bizantyjskiej. Według badacza „mozaiki te na pierwszy rzut oka zachwycają szlachetnym pięknem swoich czysto bizantyjskich form. Postacie wyróżniają się surowością proporcji, projektem niezwykłą siłą, interpretacją ubioru niemal starożytnym wdziękiem. Szczególnie wyrafinowany jest wizerunek Pantokratora w muszli, jego włosy i broda są starannie wymodelowane, a wyraz twarzy wyraźnie ascetyczny. Poniżej Pantokratora znajduje się „Oranta” o znacznie mniejszych rozmiarach, z dwoma Aniołami po obu stronach. Dolne rejestry apsydy ołtarza zajmują wizerunki apostołów. Chrystus i Matka Boża ukazani są w pozach ściśle frontalnych, natomiast postacie apostołów podane są w różnej kolejności. Graficzny charakter projektu, precyzja i wyrazistość linii łączą się w mozaikach Cefalu z wyrazistością obrazów, z których każdy ma swoje charakterystyczne cechy.

W mozaikach Włoch wpływy bizantyjskie współistnieją z wpływami teologii łacińskiej i lokalnych tradycji. Jedna z XII-wiecznych mozaik w Torcello (Wenecja) przedstawia kompozycję „Drugie przyjście”, która zawiera cztery rejestry. W centrum górnego rejestru, w owalnym medalionie, przedstawiono siedzącego Chrystusa z opuszczonymi ramionami, dłońmi zwróconymi w stronę publiczności (pokazuje rany od gwoździ na dłoniach). Z medalionu wypływa ognisty strumień, dzieląc kompozycję na królestwo zbawionych (po lewej stronie widza, czyli po prawej stronie Chrystusa) i królestwo potępionych (po lewej stronie). Po bokach Chrystusa stoi Matka Boża i Jan Chrzciciel, za nimi zastęp Aniołów. W tym samym rejestrze apostołowie przedstawieni są w białych szatach, z Ewangeliami lub zwojami w rękach; Piotr, zgodnie z tradycją, trzyma klucze. W centrum drugiego rejestru znajduje się „Tron Przygotowany”, za którym stoi ośmioramienny krzyż; przy krzyżu stoją dwaj Aniołowie, u stóp Tronu – klęczący Adam i Ewa. Po lewej stronie drugiego rejestru przedstawieni są Aniołowie otwierający bramy nieba sprawiedliwym; po prawej stronie aniołowie zanurzający głowy grzeszników w ogniu wiecznym; Wewnątrz płomienia Szatan jest przedstawiony jako zielone stworzenie z białymi pazurami, białymi włosami i brodą, siedzące na dwugłowym smoku. Lewą stronę trzeciego rejestru zajmują wizerunki zbawionych: świętych, męczenników, świętych i świętych kobiet zwróconych w modlitwie do Chrystusa. W prawa strona- grzesznicy skazani na męki, przedstawieni nago. Lewą stronę dolnego rejestru zajmuje wizerunek Cherubina strzegącego wejścia do raju, roztropnego złodzieja z krzyżem u bram raju, Abrahama i Sary z licznym potomstwem. Po prawej stronie znajdują się różne przedziały piekła. Cała kompozycja jako całość odzwierciedla nie tyle bizantyjską wizję pośmiertnej nagrody dla grzeszników, ile raczej ideę Powtórnego Przyjścia, Sądu Ostatecznego i wiecznych mąk, charakterystyczną dla łacińskiego średniowiecza.

Mozaiki katedry św. Marka w Wenecji, wzorowane na kościele Świętych Apostołów w Konstantynopolu, powstawały na przestrzeni trzech wieków – od XII do XIV wieku. Mistrzowie – zarówno pochodzenia greckiego, jak i lokalnego – kontynuowali program malarskiej dekoracji świątyni, który rozwinął się w Bizancjum, wprowadzając jednak elementy charakterystyczne dla sztuki zachodniej. Znaczna część mozaik uległa zniszczeniu i została przekształcona późniejsza epoka. Mozaiki San Marco reprezentują zespół bogaty w treść, w tym wielofigurowe kompozycje wykonane z wirtuozowskim kunsztem. Często kilka sceny łączą się w jedną kompozycję. Sceny z Cyklu Pasji, stworzone w r inny czas, łączy w sobie wyrazistość i dynamikę. W scenie zdrady Judasza (1180-1190) rysy twarzy znaki negatywne(Judasz, wojownicy, arcykapłani) są niemal groteskowe, wiele postaci jest przedstawionych z profilu. W scenie bitwy pod Getsemani (XIII w.) śpiący apostołowie ukazani są realistycznie; każdy śpi w pozycji charakterystycznej tylko dla niego: jeden z głową opartą na dłoni, drugi z głową na kolanach, trzeci na plecach, czwarty z głową pochyloną na kolanach, piąty itd. .

Na suficie zachodniego kruchty świątyni znajduje się kompozycja „Stworzenie świata” (1. połowa XIII w.), ilustrująca dwa pierwsze rozdziały Księgi Rodzaju. (Podobna kompozycja znajduje się także w katedrze w Montrealu na Sycylii.) W centrum kompozycji znajduje się medalion z ozdobą w środku. Medalion otaczają trzy rejestry obrazów: główny aktor większość z nich to Stwórca, przedstawiony jako Młodzież w aureoli w kształcie krzyża; w tym obrazie odżył „antyczny” obraz Chrystusa jako Dobrego Pasterza. Dni stworzenia symbolizują anielskie istoty w białych szatach, firmament symbolizuje okrąg, w który wpisane są słońce i księżyc ludzkie twarze, a także gwiazdy sześcioramienne. Historia Adama rozpoczyna się w drugim rejestrze i trwa w trzecim: twarz Adama w swoich głównych rysach przypomina oblicze Stwórcy, co wskazuje na stworzenie Adama na obraz i podobieństwo Boże. (Na mozaikach katedry w Montrealu, gdzie Stwórca jest przedstawiony z brodą i długimi włosami, Adam również ma brodę i długie włosy.) Rysy twarzy Ewy są z kolei podobne do rysów twarzy Adama. Kompozycja zachwyca nie tylko doskonałością projektu artystycznego, ale także bogactwem treści teologicznych.

W okresie od XII do XIV wieku wiele świątyń w Azji Mniejszej, Grecji, Cyprze, Macedonii, Serbii i innych krajach ozdobiono freskami.

Najbogatsza kolekcja fresków zachowała się w kilku kościołach greckiego miasta Kastoria (prowincja Macedonii Zachodniej). Specjalne bogactwo Wyróżnia się wystrój wnętrz kościołów św. Mikołaja Skarbowego, św. Kosmy i Damiana oraz Panagia Mavriotissa. Kościół św. Mikołaja został namalowany w latach 1160-1180 lata; Przeważają opowieści ewangeliczne i sceny z życia świętego; Jeden z fresków przedstawia budowniczego świątyni Nikifora Kaznitsisa i jego żonę Annę trzymających w rękach model świątyni. W podobnym stylu około 1180 roku namalowano kościół Świętych Nienajemników. Kompozycja „Opłakiwanie Chrystusa” (szeroko rozpowszechniony temat w malarstwie kościołów bizantyjskich) wyróżnia się głęboką ekspresją. Wewnętrzna powściągliwość jest widoczna na twarzach wielkich męczenników, których wizerunki zdobią ściany świątyni. W malarstwie obu świątyń dominuje dążenie do realizmu i ekspresji; twarze są starannie przedstawione, pozy są elastyczne i wyraziste; rysunek jest dokładny i graficzny. Styl malowideł w świątyni Panagia Mavriotissa z początku XIII wieku jest nieco inny: postacie nie zawsze są szanowane prawidłowe proporcje, postacie są nieco kanciaste, twarze są bardziej schematyczne i konwencjonalne.

W serbskich kościołach zachowały się imponujące zespoły fresków: Najświętszej Marii Panny w Studenicy (1208-1209), Świętych Apostołów w Pecu (1230-1240), Zbawiciela w Mileszewie (1. połowa XIII w.), Świętej Trójcy w Sopocani (najstarsze freski pochodzą z 1265 r., późniejsze z XIII w. i lat 40. XIV w.), Matki Bożej w Gracanicy (ok. 1320 r.), Zbawiciela w Decani (ok. 1348 r.) i inne. Te freski łączą styl bizantyjski z lokalnymi wpływami. W fabule dominują tradycyjne motywy: sceny ze Starego i Nowego Testamentu, wizerunki starożytnych świętych. Istnieją jednak również zdjęcia osób, które grały ważna rola w historii Serbii i jej Kościoła: św. Sawa, król Władysław i jego brat Radosław (w Studenicy), król Uros i jego matka Anna (w Sopocanach). Niektóre obrazy z serbskich kościołów stały się znane na całym świecie, na przykład Anioł na kamieniu pustego grobowca z obrazu kościoła w Milesewie.

Nie mniej interesujące są zachowane freski kościołów macedońskich z tego samego okresu: św. Panteleimon w Nerezi (1164), św. Jerzy w Kurbinowie (1191), Theotokos Perivelepta w Ochrydzie (1295), św. Jerzy w Staro Nagorichina (1317) -1318), św. Demetriusz w klasztorze Markowskim (ok. 1370) i inni. W kopule kościoła Panteleimona w Nerezi przedstawiony jest Chrystus Pantokrator, w muszli absydy półpostać „Oranty” z Dzieciątkiem w okrągłym medalionie. Dolny rejestr apsydy zajmuje kompozycja „Eucharystia”, której centrum stanowi podłużny ołtarz, na którym stoi chleb i wino; za ołtarzem dwa anioły z ripidami przy cyborium; po bokach ołtarza dwukrotnie ukazany jest Chrystus rozdający uczniom Komunię. Na ścianach ołtarza widnieją przedstawienia świętych stojących na wpół zwróconych w stronę widza, ze zwojami w rękach. Przed barierką ołtarzową znajduje się wizerunek św. Pantelejmona, niebieskiego patrona świątyni, w rzeźbionej marmurowej gablocie z ikoną. Ściany świątyni zdobią wielofigurowe kompozycje przedstawiające różne sceny z Pisma Świętego. Niezrównane arcydzieła to kompozycje z Cyklu Męki Pańskiej - „Zejście z krzyża” i „Opłakiwanie Jezusa”: pod względem siły wyrazu nie mają sobie równych w malarstwie bizantyjskim. W obu scenach Matka Boża z żałobną twarzą (smutek wyrażany w zmarszczkach brwi, uniesionych wysoko ku środkowi i obniżonych na krawędziach, w załamaniu warg, w oczach pełnych łez) przylgnęła do oblicze zmarłego Chrystusa. W scenie „Lamentacji” Matka Boża obydwoma rękami trzyma ciało Chrystusa, jedną obejmując szyję, drugą talię, tak że Zbawiciel spoczywa na Jej łonie (ten niezwykły układ postaci podkreśla macierzyństwo Matka Boża, Jej więzy krwi z narodzonym z Niej Zbawicielem). Jan i Józef wraz z Nikodemem kłaniali się przed ciałem Zmarłego w nabożnych pozach modlitewnych; Nad całą kompozycją unoszą się półfigury aniołów.

Mały kościół w Kurbinowie zadziwia bogactwem wielofigurowych kompozycji wykonanych z wirtuozowskim kunsztem (historycy sztuki wyróżniają styl trzech mistrzów). Główna część fresków pochodzi z ok XII wiek, niektóre dodano w XVI. W muszli absydy ukazana jest Dziewica Maryja siedząca na tronie z bawiącym się Dzieciątkiem Chrystus w Jej ramionach; po bokach Matki Bożej znajdują się Archaniołowie Michał i Gabriel. Dolny rejestr absydy zajmują i wizerunki świętych. Nad absydą znajduje się kompozycja „Wniebowstąpienie” z Chrystusem w medalionie, Aniołami, Matką Boską i apostołami. Po bokach absydy znajduje się Zwiastowanie: po lewej stronie Anioł w dynamicznej i pełnej wdzięku pozie, ze szczegółowymi fałdami ubioru; po prawej stronie półsiedząca Matka Boska w równie nieoczekiwanej pozie: z głową zwróconą w stronę Archanioła, a kolana zgięte w drugą stronę. Ściany świątyni zdobią liczne wizerunki świętych, a także świętych wielkich męczenników - Tekli, Paraskewy, Teodory, Barbary, Anastazji i Katarzyny. Kompozycje wielofigurowe poświęcone są głównym świętom kościelnym. Pod względem oryginalności kompozycji i kunsztu wykonania wyróżnia się kompozycja „Zejście Chrystusa do piekieł”: Chrystus przedstawiony jest w centrum w pozie szybkiego ruchu; prawą ręką trzyma rękę Adama; w lewej ręce ma krzyż z koroną cierniową; głowa jest mocno pochylona w stronę Adama; Himation trzepocze na wietrze. Postać Chrystusa wpisana jest w okrąg podzielony ośmioma promieniami światła na osiem części; kierunek głównych linii tworzących figurę pokrywa się z kierunkiem promieni, co nadaje całej kompozycji niemal geometryczną regularność i ścisłą proporcjonalność.

Freski kościoła Najświętszej Marii Panny i refektarza klasztoru Świętego Apostoła Jana Teologa na wyspie pochodzą z końca XII - początku XIII wieku. Patmos (Grecja). Namalowane z niezwykłą umiejętnością freski stanowią wybitny pomnik malarstwa monumentalnego . Jeden z fresków przedstawia „Gościnność Abrahama” – fabułę znaną z malowideł rzymskich katakumb i mozaik Rawenny. Jednak w w tym przypadku nad trzema Aniołami siedzącymi w statycznych pozach widnieje napis „Święta Trójca”. Prawy i lewy anioł jest napisany w połowie obrócony, środkowy zwrócony jest w stronę widza; prawa ręka każdego Anioła jest uniesiona w geście błogosławieństwa; w lewej ręce dwóch bocznych Aniołów znajdują się laski, w lewej ręce środkowego Anioła zwój. Centralne miejsce zajmuje postać środkowego Anioła; ubrany jest w niebieską himation i ciemnoczerwoną tunikę (charakterystyczne kolory szaty Chrystusa), natomiast dwaj pozostali Aniołowie ubrani są w lekką himation i tuniki. Na stole trzy chleby, trzy noże i półmisek z głową i kośćmi cielęcia. W lewym rogu kompozycji Abraham przedstawiony jest z naczyniem w rękach; Brakuje Sary.

Świątynia Atonity Protata (północna Grecja) została namalowana około 1290 roku przez legendarnego artystę Manuela Panselina (informacje o nim zachowały się w dziele Atonity artysta XVIII V. Dionizjusz z Fourny). Program ikonograficzny świątyni podzielony jest na kilka cykli tematycznych, z których każdy umieszczony jest w odrębnym rejestrze. Cykl świąteczny obejmuje wydarzenia z życia Chrystusa oparte na Ewangelii. Cykl Theotokos opiera się zarówno na narracji ewangelicznej, jak i na informacjach pochodzących z Tradycji Kościoła; Zwieńczeniem cyklu Dziewicy jest fresk „Wniebowzięcie”, który zajmuje całą zachodnią ścianę nawy głównej: jest to najbardziej wielofigurowa kompozycja w całym zespole. Cykl Pasja składa się z ośmiu kompozycji ilustracyjnych ostatnie dni, godziny i minuty ziemskiego życia Chrystusa. Na cykl wielkanocny składają się cztery utwory poświęcone ukazaniu się Chrystusa uczniom po zmartwychwstaniu. Siedem kompozycji tworzy cykl związany ze świętem Zesłania Ducha Świętego i odpowiadający obchodom odzwierciedlonym w księdze liturgicznej Kolorowego Triodionu (Pentikostarion). Ściany świątyni zdobią liczne wizerunki świętych: przodków i proroków, ewangelistów i innych apostołów, świętych i diakonów, mnichów, wojowników, męczenników, nienajemników i uzdrowicieli. Panselin szczególną uwagę poświęcił wizerunkom świętych, którzy przybyli z Salonik, jego rodzinnego miasta.

Sztukę Panselina wyróżnia szczególna głębia duchowa, plastyczna klarowność, piękno obrazów i jasność kolorów. Artysta skłania się w stronę kompozycji symetrycznych, realizmu portretowego, rzeźbiarstwa w obrazie Ludzkie ciało. W twórczości artysty odczuwalny jest wpływ hezychazmu; twarze – czy to Chrystusa na tronie, Matki Bożej na tronie, wielkich męczenników Theodore’a Stratelatesa czy Theodore’a Tyrone’a – tchną wewnętrzną ciszą i duchowością. Oblicza Chrystusa w kompozycjach jedno- i wielopostaciowych są niezwykle różnorodne. Jeden z fresków, znany jako „Śpiący Chrystus”, przedstawia Dzieciątko leżące na poduszce: oczy Dzieciątka są otwarte, ale jego twarz jest senna, głowę podtrzymuje ręką. Na innym fresku Chrystus jest przedstawiony jako młody człowiek z krótkimi kręconymi włosami i krótką brodą (typ semicko-palestyński); napis głosi: „Jezus Chrystus w innej postaci”. W kompozycji „Zejście do piekła” ukazany jest Chrystus pochylający się nad Adamem, którego wyprowadza z piekła; rysy twarzy Zbawiciela są naznaczone piętnem współczucia i spokoju; przeciwnie, twarze i postacie Adama i Ewy są pełne dramatyzmu.

Jednym ze szczytów sztuki pięknej renesansu paleologicznego jest zespół mozaik klasztoru Chora w Konstantynopolu (Kahrie Jami). Świątynia, zbudowana w XII wieku, jest budowlą kopułową, do której przylegają jeszcze trzy budynki, każda z własną kopułą: narthex, exonarthex i pare-clesium. Świątynię ozdobiono mozaikami w początek XIV wiek. W jednej z kopuł świątyni przedstawiony jest m.in pokarm Chrystusa; Wokół medalionu ustawiono w rzędach 24 przodków. W kopule narteksu znajduje się Matka Boża, wokół której rozmieszczonych jest 16 przodków. Zatem wszyscy przodkowie Chrystusa wspomniani w Jego genealogii (Mt 1,1-16) są przedstawieni w mozaikowym zespole dwóch kopuł. Ściany, sklepienia i żagle narteksu zdobią liczne sceny uzdrowień i cudów z Ewangelii, epizody z życia Najświętszej Maryi Panny oraz wizerunki świętych. W zespole figur dominują wizerunki Chrystusa i Matki Boskiej. Na jednej z mozaik w narteksie przedstawiono Chrystusa siedzącego na tronie; u stóp tronu klęczy u stóp tronu ktitor świątynny Theodore Metochites, wielki logoteta (pierwszy minister) cesarza Andronikosa II Palaiologosa, w wysokim nakryciu głowy, trzymający model świątyni Zbawiciela. Na innej mozaice Chrystus jest ukazany w pozycji stojącej; po prawej stronie Jest Matką Boga modlącą się, zwróconą do Niego na wpół odwróconą twarzą; u dołu kompozycji znajdują się niewielkie figurki sewastokratora Izaaka Komnena i zakonnicy Melanii (prawdopodobnie przyrodniej siostry cesarza Andronikosa II Paleologa). W lunecie egzonarteksu znajduje się imponujący obraz Chrystusa „Krainy Żywych”.

Zespół mozaiki klasztoru uzupełnia zespół fresków znajdujących się w parkeklezji klasztoru i powstałych w latach 1315-1320. Centrum semantyczne zespołu, na który składa się kilka scen wielopostaciowych i liczne pojedyncze wizerunki świętych, stanowi kompozycja „Zmartwychwstanie”. Tradycyjny temat „Zstąpienia do piekła” (a dokładniej wyjścia z piekła) jest tu interpretowany ze szczególnym dramatyzmem. Pośrodku kompozycji znajduje się frontalny wizerunek Chrystusa w białym ubraniu; Chrystus stoi z szeroko rozstawionymi nogami, prawą ręką trzyma rękę Adama, a lewą rękę Ewy. Adam i Ewa ukazani są w dynamicznych pozach: Adam niemal biegnący w stronę Chrystusa, Ewa z trudem powstająca z otchłani piekielnych. Po prawej stronie Chrystusa (na lewo od widza) przedstawiono Jana Chrzciciela i sprawiedliwych Starego Testamentu z aureolami. Po lewej stronie (na prawo od widza) znajdują się starotestamentowi grzesznicy, prowadzeni przez stojącego niezdecydowanego Kaina, syna Ewy.

Prawosławie to dosłownie „właściwy osąd”, „właściwe nauczanie” lub „właściwa gloryfikacja”.

Prawosławie rozwinęło się w pierwszym tysiącleciu po Chrystusie na terenie Cesarstwa Bizantyjskiego, a następnie rozprzestrzeniło się na Półwysep Bałkański, Europę Wschodnią i Bliski Wschód.

Po rozpadzie Cesarstwa Rzymskiego na część wschodnią i zachodnią, Cypr w 395 roku dostał się pod panowanie Bizancjum, stając się jego częścią. Okres ten trwał prawie 800 lat, przerwany okresem dominacji arabskiej od 648 do 965.

Okres bizantyjski zakończył się w 1191 r., za panowania Izaaka Komnena na Cyprze, kiedy angielski król Ryszard I Lwie Serce zajął wyspę podczas Trzeciej Krucjaty.

W okresie panowania bizantyjskiego na Cyprze panowało prawosławie. I jasne jest, że zbudowano wiele cerkwi.

Co to jest fresk? Włoskie słowo fresco oznacza świeży, surowy. To malowanie na mokrym tynku. Ścianę pokrywa się zaprawą wapienną i, gdy jest świeża, maluje pigmentem rozcieńczonym czystą wodą. Po wyschnięciu tynku farby wyglądają jak wlutowane w ścianę. Artysta musi namalować fresk bardzo szybko, ponieważ roztwór całkowicie wysycha w ciągu 10-15 minut, a wtedy farby nie przyklejają się już do niego.

Dlatego technika ta wymaga dużych umiejętności i precyzji. Jeśli artysta popełni drobny błąd, narysuje niewłaściwą linię, musi całkowicie oczyścić gotowy fragment, ponownie pokryć ścianę tynkiem i zacząć wszystko od nowa.

Dokładna data pojawienia się fresków nie jest znana, ale już w okresie kultury egejskiej (II tysiąclecie p.n.e.) malarstwo freskowe stało się powszechne. W sztuce chrześcijańskiej freski stały się ulubionym sposobem ozdabiania wewnętrznych i rzadziej zewnętrznych ścian kamiennych kościołów.

Artyści bizantyjscy stworzyli własny ideał piękna. Starożytni mistrzowie byli zafascynowani pięknem ludzkiego ciała. Bizantyjczycy ukryli to pod ubraniem: artysta nie malował ludzkiego ciała, ale „obraz swojej duszy”!

Ukryte pod luksusowymi płaszczami postacie wyglądają jak aplikacje; małe, symboliczne nóżki ułożone są tak, jakby ciała zawieszone były w powietrzu, a twarze (już twarze, nie twarze) surowe, nieruchome i tępo patrzące przed siebie: co dla miłującej życie starożytności jest zwykłą nudą, ale dla Bizancjum – duchową ideał oparty na wyrzeczeniu się siebie.

Każdy obraz miał ściśle określone miejsce wewnątrz świątyni: w kopule znajdował się wizerunek Chrystusa w postaci groźnego sędziego, poniżej – uczniowie Chrystusa (apostołowie), na ścianach i filarach – święci i prorocy, na zachodnia ściana świątyni – scena Sądu Ostatecznego.

W Bizancjum starożytne tradycje malarstwa ściennego przetrwały aż do XII wieku - wierzchnią warstwę gleby wykonano z wapienno-marmurowego, wygładzonego do lekkiego połysku. Pisali na nim z nadzieją, że prześwituje przez warstwę farby.

Ale w XII wieku bizantyjscy mistrzowie murali pisali już na matowych glebach - gesso wykonanym z mocno „rozcieńczonego” wapna, ale wraz z wprowadzeniem tradycyjnych rzymskich wypełniaczy (kruszony wapień, marmur, płytki i inne).

Skala malowideł ściennych prowadzonych w Bizancjum wymagała jednak wydłużenia czasu pracy przy użyciu świeżej zaprawy. Dlatego od XII w. zmniejszono liczbę warstw tynku do dwóch; zamiast pokruszonego marmuru do roztworów dolnych wprowadzano słomę, a do górnych len lub pakuł, które dobrze zatrzymywały wilgoć. Dodatki te były minimalne, ale miały znaczący wpływ na jakość gleby. Takie gleby rurowe są najtrwalsze, co potwierdza dobre zachowanie wykonanych na nich malowideł ściennych.

Największy rozkwit fresków bizantyjskich przypadł na okres od połowy IX do XIV wieku.Zasady starożytnego bizantyjskiego malarstwa freskowego opisuje w „Erminia Dionysius Furnoagrafiot” malarz ikon Dionizjusz (XVII w.)

W roku 330, na długo przed rozpadem Cesarstwa Rzymskiego na część zachodnią i wschodnią, cesarz Konstantyn zbudował na terytorium Azji Mniejszej miasto nazwane jego imieniem – Konstantynopol. To miasto zostało zbudowane na tym miejscu starożytne miasto- Bizancjum. Następnie, gdy Cesarstwo Rzymskie zostało podzielone, wschodnią część nazwano Bizancjum, a Konstantynopol stał się jego stolicą.

Na tej podstawie rozwinęła się sztuka bizantyjska Kultura hellenistyczna Grecja, Palestyna, Egipt ptolemejski, Iran. Bizancjum zapoczątkowało kształtowanie się kultury grecko-wschodniej. Sztuka bizantyjska przesiąknięta jest ideami prawosławia. Kult łączył wszystkie rodzaje sztuki: architekturę, malarstwo, literaturę, rzeźbę, sztuka stosowana. Ponieważ sztuka bizantyjska ma charakter kultowy, jest ściśle kanonizowana.

W bizantyjskim kultura artystycznałączą się dwie zasady: esencja emocjonalno-duchowa i zasada dekoracyjna, wspaniała rozrywka i wyrafinowany spirytualizm (spirito - duch). Oryginalność sztuki bizantyjskiej polega na tym, że łączy ona jedno i drugie w jedną systemie artystycznym, ściśle normatywny, kanoniczny, przepojony duchem uroczystej i tajemniczej ceremonii. Przepych, przepych, złoto i marmur, piękno i blask – wszystko okazało się stosowne, jako symbol duchowej błogości, a jednocześnie ten luksus wpisywał się w styl Cesarstwa Wschodniorzymskiego i gusta bogatego dworu Konstantynopola. Okresy rozwoju sztuki bizantyjskiej. Okres wczesny – „Złoty wiek cesarza Justyniana 527-565”. – 4-7 wieków AD Okres ikonoklazmu - VIII wiek - I połowa IX wieku. ne Renesans macedoński 2. połowa IX - X wiek. AD Okres Komninów (dynastia Komnenów) – 11-12 wieków. AD Okres paleologów (dynastia paleologów) – 1261-1453. OGŁOSZENIE Głównymi formami malarstwa bizantyjskiego były: monumentalne malarstwo świątynne (mozaika, fresk), ikony, miniatury książkowe Mozaika jest najbardziej charakterystycznym dziełem geniuszu bizantyjskiego. Małe wielokolorowe kostki smalty (stopu szkła z farbami mineralnymi) migoczą, błyskają, mienią się, odbijając światło. Dokładnie obliczając kąt padania światła, nadając powierzchni mozaiki nieco szorstką, mistrzowie osiągnęli wspaniałe efekty obrazowe. Uwzględniono optyczne zespolenie barw w oku modlącego się, patrzącego na nią z dużej odległości. Najstarsze mozaiki znajdują się w grobowcach i świątyniach Rawenny (Włochy). Okres Justyniana. 1. Mauzoleum Galli Placidiusa: „Chrystus - dobry Pasterz„, połowa V w. Na niebieskim tle wizerunek młodego Chrystusa. Chrystus jest przedstawiany w ikonografii jako Emmanuel („Bóg z nami”). Chrystus jako Dobry Pasterz, idea Ogrodów Edenu2. Kościół św. Witalija, Rawenna, VI wiek. OGŁOSZENIE : Dwie sparowane mozaiki: cesarz Justynian ze swoim orszakiem i cesarzowa Teodora ze swoim orszakiem.3. Sparowana mozaika „Męczennicy i Męczennicy”, Kościół San Apollinare w Nuovo (połowa VI wieku). Mozaika wykonana jest na złotym tle, w odcieniach bieli i zieleni. Obecność bujnej dekoracyjności i duchowości. Męczennicy są w stanie oczekiwania, w ich rękach są korony chwały. Postacie ukazane są frontalnie, statycznie. Ich imiona są wyryte nad głowami męczenników, ale nie ma indywidualnego opisu. Stan bycia w duchowej jedności z Bogiem, co upodabnia go do mozaiki Justyniana. Jeśli męczennicy różnią się nieznacznie pod względem wieku, to męczennicy również tego nie mają. Podobieństwo wyglądu świadczy o podobieństwie ich losu. Dla artysty ważne było podkreślenie, że wszyscy są „braćmi i siostrami w Chrystusie” Okres Komneński. Mozaiki z okresu komneńskiego wyróżniają się różnorodnością stylistyczną. 1. Cesarz Jan II i cesarzowa Irina przed Matką Boską z Dzieciątkiem Carewiczem Aleksiejem Obie mozaiki pochodzą z XII wieku. i znajdują się w Zofii w Konstantynopolu. Postacie są zastygłe w napiętych pozach. Całkowicie zamieniły się w płaskie sylwetki pokryte geometrycznymi wzorami, jakby naklejone na złote tło. Ludzkie ciało znika za grą ozdobnych form. Twarze wykonane są z małych, dobrze dopasowanych kostek smalty, które również się tworzą wzory geometryczne. W tej wersji rumieniec na policzkach cesarzowej bardziej przypomina tatuaż, a refleksy na twarzy Aleksieja przypominają blizny. 2. Chrystus, XII wiek.3. Dziewica z Dzieciątkiem, 9c Znajduje się w centralnej absydzie Zofii Konstantynopola. Według legendy mozaikę wykonał słynny grecki artysta Łazarz. Zmarł w 854 r., po wielu cierpieniach z powodu ikonoklastów. Artystka podkreśliła kosmiczna rola dziewic w zbawieniu świata, ponadto podkreślił motyw Matki Bożej jako tronu Bożej mądrości. Żywe i pełnokrwiste doświadczenie starożytności, świadczące o tym, że dla sztuki bizantyjskiej klasyczna, będąca obrazem ideału ludzkie piękno, była także drogą poszukiwania najwyższej duchowości. Obrazy obdarzone są autentyczną monumentalnością, dominuje aspekt posągowy, powaga i królewskość Matki Bożej kreowana jest tu nie tylko przez nieosiągalną wielkość, ale także przez idealną abstrakcję od świata ziemskich wymiarów. Dziewica Maryja jest tutaj królową nieba, ale może w ostatni raz i Bogini. Ikonografia „Panahrantos” – „Najczystszy”. Interpretacja wizerunku dziecka – małego dorosłego.

Inny styl mają mozaiki kościołów w Daphni i Cefalu. Zamiast malowniczego rozwiązania mozaik z okresu komneńskiego kultywuje się zamkniętą linię konturową. Mozaiki te charakteryzują się świetną grafiką 1. Chrystus Pantokrator (Pantokrator), absyda katedry w Cefalu 2. Chrzest Chrystusa, klasztor w Daphne 3. Pantokrator, w kopule kościoła klasztornego w Daphne Obrazy są bardziej surowe, ascetyczny, surowy. Okres paleologa. W mozaikach z okresu paleologa widać większą ekspresję i swobodę ruchu. Wszystko w tych mozaikach się poruszyło. Figury nie są statyczne i nie są frontalne. Nie są zwróceni twarzą do modlącego się, ale zwróceni do siebie. Tworzy się pewne ogólne rozwiązanie kompozycyjne. Na tych mozaikach pojawiają się obrazy fantastycznych budowli architektonicznych, wystających już w nieco zagłębionej przestrzeni. Mozaiki kościoła Kahrie-Jami. Ucieczka świętych Józefa i Marii do Egiptu przed skrybami króla Heroda Mistrzowie fresków sięgali po freski, jeśli kościół był bardzo mały lub biedny. Zwiastowania, Kościół Najświętszej Marii Panny, VII wiek. Bracia Machabeusze i ich matka Samona, Kościół Najświętszej Marii Panny, VII wiek. Fresk wyróżnia się swobodą, naturalnością w ustawieniu postaci i brakiem sztywności w pozach. Formy rzeźbione są szerokim, swobodnie rzuconym pociągnięciem pędzla. Zwiastowania, Kościół Najświętszej Marii Panny, VIII w. Interpretacja twarzy to „natchniona brzydota”. Uczucie wewnętrznego spalania.” Piękny Anioł”, Kościół Najświętszej Marii Panny, VIII w. Chłodniejsza kolorystyka, mocne zaokrąglenie, mocna, szeroka linia. Ucieczka do Egiptu, Kościół Mariacki, VIII w. Formy są bardziej masywne i plastycznie określone. Ojcowie Święci, Zofia z Ochrydy, XII wiek.

Co to jest fresk? W tłumaczeniu z języka włoskiego słowo fresk oznacza „świeży”, „nie wysuszony”. Zasadniczo pojęcie to jest powiązane z wyjątkowa sztuka malowanie ścian świątyni, którego specjalna technika wymaga najwyższych umiejętności. Technika „fresku na ścianie” polega na malowaniu na surowym tynku afreskowym. Jest to przeciwieństwo asecco, czyli malowania na suchej powierzchni. Po wyschnięciu tynku pomalowanego freskami tworzy się cienka warstwa na bazie wapnia wapiennego, która stanowi naturalną ochronę wzoru. W ten sposób obraz staje się dosłownie wieczny.

Różnorodność sposobów

Dziś metodą „fresku ściennego” wykonuje się rysunki o charakterze sakralnym we wnętrzu kościoła, niezależnie od techniki czy materiału, z jakim artysta pracuje. Istnieje kilka metod, których mistrz przestrzega w swojej pracy. Najtrudniejszy jest „Fresk na suficie”, który można malować wyłącznie na leżąco.

Istnieją technologie, w których na gotowym, wysuszonym fresku wykonuje się dodatkowe malowanie temperą, olejem lub farby akrylowe. Najpopularniejszą techniką malowania fresków jest tzw. fresk buon, co oznacza „czysty fresk”. Pierwsza wzmianka o tej metodzie znajduje się w traktacie włoskiego malarza Cennino Cenniniego, żyjącego w XV wieku.

Historia malowideł ściennych

Nie wiadomo, kiedy pojawiły się pierwsze freski; można jedynie przypuszczać, że w epoce kultury egejskiej, w drugim tysiącleciu p.n.e., podobnych obrazów istniało już w obfitości. Farby nałożono na prymitywne podłoże przypominające klej kazeinowy, a technika rysowania wymyka się jakiejkolwiek klasyfikacji, wiadomo tylko, że była bliższa „asekko”. Malarstwo freskowe rozkwitło w okresie starożytnym. Później chrześcijaństwo przyjęło tę sztukę, ponieważ to freski katedry lub kościoła najpełniej odzwierciedlały sceny biblijne.

Materiały

Czym jest fresk z punktu widzenia samego artysty? To przede wszystkim delikatna, jubilerska praca pędzla. Freski kościelne wyróżniają się dopracowaniem najdrobniejszych szczegółów. Artysta może malować jeden temat tygodniami, czasami wydaje się, że dzieło stoi w miejscu, tak skrupulatna jest praca malarza. Kiedy jednak fresk jest już ukończony, nie można oderwać od niego wzroku.

W starożytności na Rusi stosowano mieszane malarstwo ścienne, którego głównym materiałem były farby wodne, które nakładano na mokry tynk i uzupełniano temperą na kleju zwierzęcym lub roślinnym, czasem jajku.

W Europie ludzie zaczęli rozumieć, czym był fresk z początkiem renesansu. To właśnie mury kościoła stały się główną miarą kunsztu artysty. Sztuka malarstwa freskowego osiągnęła swój największy rozkwit we Włoszech w okresie renesansu. W tej dziedzinie pracowali wielcy mistrzowie, tacy jak Michał Anioł i Rafael.

Antyczne freski

Traktaty Witruwiusza opisują technologię tynkowania ścian wewnętrznych, na której później naniesiono freski. Były to mieszanki na bazie wapna, nałożone w siedmiu warstwach i wygładzone do połysku. Do pierwszych dwóch warstw dodano piasek, do kolejnych trzech dodano kompozyt gliniasty, a do dwóch górnych dodano wióry marmuru. Aby uniknąć pęknięć, tynk lekko rozcieńczono wodą, a wszystkie warstwy zagęszczono.

Aby uzyskać wytrzymałość, do mieszaniny dodano składniki wzmacniające, pokruszoną cegłę, pumeks, słomę i konopie. Wielowarstwowe nałożenie tynku przyczyniło się do powolnego wysychania, co dało artyście możliwość długiego malowania. Następnie po zakończeniu prac zalecono pokrycie fresków mieszanką oliwy z oliwek i wosku pszczelego.

freski bizantyjskie

Najbardziej pracochłonny proces malowania opisano w „Erminia Dionysius” z XVII wieku. Freski w Bizancjum wyróżniały się różnorodnością i wielkością. Tynk wysechł przed zakończeniem prac. Stopniowo zmniejszano liczbę warstw, aż ostatecznie zastosowano tylko dwie zamiast siedmiu. Zamiast proszku marmurowego zaczęto wprowadzać len i pakuły, które dobrze zatrzymywały wilgoć. Pęknięcia zostały wyeliminowane poprzez dodanie wapna palonego. Najstarszy bizantyjski fresk znajduje się w kościele Najświętszej Marii Panny w Rzymie. Powierzchnię rysunków wypolerowano, a później artyści bizantyjscy porzucili ten pracochłonny proces.

Stare rosyjskie freski

Wczesne rosyjskie malarstwo freskowe zostało wykonane w stylu bizantyjskim. Mokry tynk stosowano przez cztery dni. Artyści wykorzystali ten czas na namalowanie murali w całej okolicy. Jednak już w ciągu czterech dni podkład do fresków, gesso, nabrał niepożądanych właściwości, a nałożone na niego farby nieodwracalnie je zepsuły w wyniku reakcji z wypełniaczami terpentynowymi.

Czas malowania musiał zostać znacznie skrócony. W zaleceniu biskupa Nektarego zaleca się, aby przez dwie godziny nie pozostawiać gesso „bez pisania” i nie robić przerw na lunch. A mimo to zakończenie pracy często zbiegało się z całkowitym wyschnięciem podstawy. Ostatnie pociągnięcia wykonano temperą jajeczną, a już w XVIII wieku zaczęto malować freski farbami olejnymi. Charakterystyczne jest, że freski słynnego malarza ikon Rublowa i współczesnego mu Greka Teofana malowano wyłącznie farbami temperowymi.

Freski pochodzenia włoskiego

Co to jest fresk „buon”? Dosłownie oznacza „czysty”. Inaczej mówiąc, jest to wielowarstwowe nakładanie warstw farby z pośrednim schnięciem. Technika ta jest korzystna pod względem szybkości, ale traci niuanse rozwiązań kolorystycznych.

Po pewnym czasie malowanie fresków stało się stopniowe. Wyschnięte prace zamalowywano farbami temperowymi „na sucho” i technika ta była w pełni uzasadniona, gdyż artyści mieli możliwość podzielenia swojej pracy na osobne segmenty i powolne dokończenie dzieła, wiedząc, że czynnik szybkoschnącego tynku nie ma już znaczenia.

Technika „czysta”.

Metodą „buon” opracowano cały system, swego rodzaju przewodnik, dzięki któremu artysta osiągnął optymalny efekt. Cały fresk, jeśli jego wielkość wynosiła co najmniej dwa metry kwadratowe, był podzielony na oddzielne obszary, normy na jeden dzień, tzw. jornata. Dodatkowo prace zaplanowano zależnie od wysokości, tak aby przy malowaniu górnych obszarów nie doszło do zachlapania dolnych obszarów. Niektóre freski powstały w innych technologiach. Od XV wieku istniał tak zwany fresk mozaikowy, który nie był malowany, ale ułożony z małych kawałków smalty lub kamieni półszlachetnych.

Po zakończeniu malowania fresk należy wypolerować, często poprzez nałożenie warstwy wosku. Obrazy Perugina i Giotta zawsze były wypolerowane na połysk, co nadawało im niepowtarzalny wizerunek. Tintoretto i Tiepolo pracowali w ten sam sposób, malując freski.