Bryulłow Karl Pawłowicz (1799-1852). „Ostatni dzień Pompejów”

Pod magicznym dotknięciem jego pędzla wskrzeszono malarstwo historyczne, portretowe, akwarelowe, perspektywiczne, pejzażowe, czemu dawał żywe przykłady w swoich obrazach. Pędzel artysty ledwo zdążył podążyć za jego wyobraźnią, obrazy cnót i wad roiły się w jego głowie, nieustannie się nawzajem zastępując, całe wydarzenia historyczne rozrastały się do najżywszych konkretów.

Autoportret. Około 1833

Karl Bryullov miał 28 lat, kiedy postanowił namalować wspaniały obraz „Ostatni dzień Pompejów”. Zainteresowanie tym tematem artysta zawdzięczał swojemu starszemu bratu, architektowi Aleksandrowi Bryulłowowi, który szczegółowo zapoznał go z wykopaliskami z lat 1824-1825. Sam K. Bryulłow przebywał w tych latach w Rzymie, kończył się piąty rok jego emerytury we Włoszech. Miał już na koncie kilka poważnych prac, które odniosły spory sukces w środowisku artystycznym, ale żadna z nich nie wydawała się artyście całkiem godna jego talentu. Czuł, że jeszcze nie uzasadnił pokładanych w nim nadziei.

„Ostatni dzień Pompejów”
1830-1833
Płótno, olej. 456,5 x 651 cm
Państwowe Muzeum Rosyjskie

Karla Bryulłowa przez długi czas dręczyło przekonanie, że może stworzyć dzieło bardziej znaczące niż te, które robił do tej pory. Świadomy swojej siły, chciał dokończyć duży i złożony obraz, a tym samym zniszczyć plotki, które zaczęły krążyć po Rzymie. Szczególnie zirytował go Cavalier Kammuchini, który w tym czasie był uważany za pierwszego włoskiego malarza. To on był nieufny wobec talentu rosyjskiego artysty i często mówił: „Cóż, ten rosyjski malarz jest zdolny do małych rzeczy. Ale kolosalna praca, ale ktoś większy!”

Inni, choć uznali wielki talent Karla Bryulłowa, zauważyli, że frywolność i roztargnione życie nigdy nie pozwolą mu skoncentrować się na poważnej pracy. Podżegany tymi rozmowami Karl Bryulłow nieustannie szukał spisku dla Duży obraz to uwielbiłoby jego imię. Przez długi czas nie mógł rozwodzić się nad żadnym z tematów, które przychodziły mu do głowy. W końcu zaatakował spisek, który zawładnął wszystkimi jego myślami.

W tej chwili na scenach wielu Teatry włoskie Opera Pacchiniego „L” Ultimo giorno di Pompeia ”odniosła sukces. Nie ma wątpliwości, że widział ją Karol Bryulłow, a może nawet nie raz. Ponadto wraz z szlachcicem A.N. Demidowem cesarzem Rosji) zbadał zniszczone Pompeje, on sam wiedział co silne wrażenie produkować na widza te ruiny, które zachowały ślady starożytnych rydwanów; te domy, jakby dopiero niedawno opuszczone przez ich właścicieli; te budynki publiczne i świątynie, amfiteatry, w których, jakby wczoraj zakończyły się walki gladiatorów; podmiejskie grobowce z nazwiskami i tytułami tych, których prochy zachowały się do dziś w ocalałych urnach.

Wokół, podobnie jak wiele wieków temu, bujna zielona roślinność pokryła pozostałości nieszczęsnego miasta. A nad tym wszystkim wznosi się ciemny stożek Wezuwiusza, groźnie dymiący na przyjaznym lazurowym niebie. W Pompejach Bryulłow żywo wypytywał o wszystkie szczegóły ministrów, którzy od dawna nadzorowali wykopaliska.

Oczywiście wrażliwa i chłonna dusza artysty reagowała na myśli i uczucia podniecone pozostałościami starożytnego włoskiego miasta. W jednym z tych momentów przemknęła mu przez głowę myśl, by przedstawić te sceny na dużym płótnie. Zgłosił ten pomysł A.N. Demidov z takim zapałem, że obiecał przekazać fundusze na realizację tego planu i z góry kupić przyszły obraz dla Karla Bryulłowa.

Z miłością i zapałem Karl Bryullov zabrał się do pracy nad wykonaniem obrazu i dość szybko wykonał wstępny szkic. Jednak inne działania odciągnęły artystę od zamówienia Demidova i przed upływem terminu (koniec 1830 r.) obraz nie był gotowy. Niezadowolony z takich okoliczności A.N. Demidov prawie zniszczył warunki zawartej między nimi umowy i dopiero zapewnienia K. Bryulłowa, że ​​natychmiast przystąpi do pracy, poprawiły całą sprawę.

Ostatni dzień Pompejów 1827-1830

Ostatni dzień Pompejów 1827-1830

Ostatni dzień Pompejów. 1828

Rzeczywiście zabrał się do pracy z takim zapałem, że w ciągu dwóch lat ukończył kolosalne płótno. Genialny artysta czerpał inspirację nie tylko z ruin zniszczonych Pompejów, ale także z klasycznej prozy Pliniusza Młodszego, który w liście do rzymskiego historyka Tacyta opisał wybuch Wezuwiusza.

Dążąc do jak największej wiarygodności obrazu, Bryullov studiował materiały wykopaliskowe i dokumenty historyczne. konstrukcje architektoniczne na zdjęciu odrestaurował je według pozostałości starożytnych zabytków, przedmioty gospodarstwa domowego i kobiecą biżuterię zostały skopiowane z eksponatów znajdujących się w Muzeum Neapolitańskim. Postacie i głowy przedstawianych osób są malowane głównie z natury, od mieszkańców Rzymu. Liczne szkice pojedynczych postaci, całych grup oraz szkice obrazu pokazują dążenie autora do maksymalnej ekspresji psychologicznej, plastycznej i kolorystycznej.

Bryullov zbudował obraz jako oddzielne odcinki, na pierwszy rzut oka niepowiązane. Połączenie staje się jasne dopiero wtedy, gdy wzrokiem wszystkich grup zasłania się jednocześnie cały obraz.

Na długo przed ukończeniem studiów w Rzymie zaczęli rozmawiać o cudownym dziele rosyjskiego artysty. Kiedy drzwi jego pracowni przy ulicy Św. Klaudiusza otworzyły się na oścież dla publiczności, a później obraz został wystawiony w Mediolanie, Włosi byli nieopisanie zachwyceni. Nazwisko Karla Bryulłowa natychmiast stało się znane na całym półwyspie włoskim - od końca do końca. Kiedy spotykali się na ulicach, wszyscy zdejmowali przed nim kapelusz; kiedy pojawił się w teatrach, wszyscy wstali; pod drzwiami domu, w którym mieszkał, lub restauracji, w której jadał, zawsze gromadziło się wielu ludzi, aby go powitać.

Włoskie gazety i czasopisma wychwalały Karla Bryulłowa jako geniusza, równego największym malarzom wszechczasów, poeci śpiewali go wierszem, o jego nowym malarstwie napisano całe traktaty. angielski pisarz V. Scott nazwał to epopeją malarstwa, a Kammuchini (wstydząc się swoich wcześniejszych wypowiedzi) przytulił K. Bryulłowa i nazwał go kolosem. Od renesansu żaden artysta we Włoszech nie był obiektem tak powszechnego kultu jak Karl Bryullov.

Zdumionym oczom przedstawił wszystkie zalety nienagannego artysty, choć od dawna wiadomo, że nawet najwięksi malarze nie posiadali jednakowo wszystkich doskonałości w ich najszczęśliwszym połączeniu. Jednak rysunek K. Bryulłowa, oświetlenie obrazu, jego styl artystyczny są absolutnie niepowtarzalne. Obraz „Ostatni dzień Pompejów” zapoznał Europę z potężnym rosyjskim pędzlem i rosyjską naturą, która w każdej dziedzinie sztuki jest w stanie osiągnąć niemal nieosiągalne wyżyny.

Co przedstawia obraz Karla Bryulłowa?

W oddali płonie Wezuwiusz, z którego wnętrzności we wszystkich kierunkach płyną rzeki ognistej lawy. Ich światło jest tak silne, że budynki najbliżej wulkanu wydają się płonąć. Jedna z francuskich gazet zauważyła ten efekt malarski, który artysta chciał osiągnąć, i wskazała: „Zwykły artysta, oczywiście, nie omieszkałby skorzystać z erupcji Wezuwiusza, aby oświetlić swój obraz, ale pan Bryullov zaniedbał ten sposób Geniusz zainspirował go śmiałym pomysłem, równie szczęśliwym, jak i niepowtarzalnym: rozświetlić cały przód obrazu szybkim, drobnym i białawym blaskiem błyskawicy, przecinając gęsty obłok popiołu, który spowijał miasto, jednocześnie światło erupcji, z trudem przebijające się przez głęboką ciemność, rzuca na tło czerwonawy półcień.

Rzeczywiście, główna kolorystyka, którą K. Bryullov wybrał do swojego obrazu, była jak na tamte czasy niezwykle odważna. Była to gama widma zbudowana na niebiesko, czerwieni i żółte kwiaty oświetlone białym światłem. Zielony, różowy, niebieski występują jako odcienie pośrednie.

Decydując się na namalowanie dużego płótna, K. Bryullov wybrał jeden z najtrudniejszych sposobów jego malowania. konstrukcja kompozycyjna, a mianowicie - światłocieni i przestrzenne. Wymagało to od artysty dokładnego obliczenia efektu obrazu na odległość i matematycznego określenia padania światła. Ponadto, aby stworzyć wrażenie głębokiej przestrzeni, musiał zwrócić największą uwagę na perspektywę z lotu ptaka.

W centrum płótna znajduje się leżąca na ziemi postać zamordowanej młodej kobiety, jakby to z nią Karl Bryullov chciał symbolizować umierającego świat starożytny(Wskazówka na taką interpretację spotkała się już w recenzjach współczesnych). Ta szlachecka rodzina udała się na emeryturę w rydwanie, mając nadzieję na uratowanie się w pospiesznym locie. Ale, niestety, było już za późno: śmierć wyprzedziła ich na samej ścieżce. Przestraszone konie potrząsają wodzami, wodze są zerwane, oś rydwanu łamie się, a kobieta w nich siedząca upada na ziemię i umiera. Obok nieszczęśników leżą różnorodna biżuteria i drogocenne przedmioty, które zabrała ze sobą w ostatnią podróż. A nieokiełznane konie prowadzą męża dalej - także na pewną śmierć, a on na próżno próbuje pozostać w rydwanie. Dziecko sięga po martwe ciało matki...

Nieszczęśni mieszczanie szukają ratunku, napędzani ogniem, ciągłymi erupcjami lawy i opadającym popiołem. To cała tragedia ludzkiego horroru i ludzkiego cierpienia. Miasto ginie w morzu ognia, posągów, budynków – wszystko się wali i leci do zrozpaczonego tłumu. Ile różnych twarzy i pozycji, ile kolorów w tych twarzach!

Oto odważny wojownik i jego młody brat spieszący, by schronić swojego sędziwego ojca przed nieuniknioną śmiercią ... Niosą zrelaksowanego starca, który próbuje odepchnąć się, usunąć z siebie strasznego ducha śmierci, próbując się osłonić z popiołów spadających na niego ręką. Olśniewający blask błyskawicy, odbijający się na jego czole, sprawia, że ​​ciało starca drży... A po lewej, obok chrześcijanki, grupa kobiet spogląda tęsknie w złowieszcze niebo...

Jedną z pierwszych, która pojawiła się na zdjęciu, była grupa Pliniusza z matką. Młody mężczyzna w kapeluszu z szerokim rondem pochyla się w kierunku starszej kobiety w porywczym ruchu. Tu (w prawym rogu zdjęcia) unosi się postać matki z córkami...

Właściciel obrazu A.N. Demidow był zachwycony głośnym sukcesem „Ostatniego dnia Pompejów” i na pewno chciał pokazać ten obraz w Paryżu. Dzięki jego staraniom została wystawiona w salon sztuki 1834, ale już wcześniej Francuzi słyszeli o wyjątkowym sukcesie malarstwa K. Bryulłowa z Włochami. Ale panowała zupełnie inna sytuacja malarstwo francuskie Lata 30. XIX w. była areną zaciętej walki między różnymi kierunki artystyczne, a zatem dzieło K. Bryulłowa spotkało się bez entuzjazmu, który spadł na jego los we Włoszech. Pomimo tego, że recenzje prasy francuskiej nie były zbyt korzystne dla artysty, Francuska Akademia Sztuk przyznała Karlowi Bryullovowi honorowy złoty medal.

Prawdziwy triumf czekał w domu K. Bryulłowa. Obraz został sprowadzony do Rosji w lipcu 1834 roku i od razu stał się przedmiotem dumy patriotycznej, znalazł się w centrum uwagi społeczeństwa rosyjskiego. Liczne rytowane i litograficzne reprodukcje „Ostatniego dnia Pompejów” rozsiewają chwałę K. Bryulłowa daleko poza stolicę. Najlepsi przedstawiciele kultury rosyjskiej entuzjastycznie przyjęli słynny obraz: A.S. Puszkin przetłumaczył swoją historię na wiersze, N.V. Gogol nazwał obraz „uniwersalnym stworzeniem”, w którym wszystko „jest tak potężne, tak odważne, tak harmonijnie połączone, jak tylko mogło powstać w głowie uniwersalnego geniusza”. Ale nawet te własne pochwały wydawały się pisarzowi niewystarczające i nazwał obraz „jasnym zmartwychwstaniem malarstwa. On (K. Bryullov) próbuje uchwycić naturę gigantycznymi uściskami”.

Jewgienij Baratyński dedykował Karlowi Bryulłowowi następujące wersy:

Przywiózł pokojowe trofea
Z tobą w cieniu ojca.
I był „Ostatni dzień Pompejów”
Dla rosyjskiego pędzla pierwszy dzień.

"Sto Wielkich Obrazów" N.A. Ioniny, wydawnictwo "Veche", 2002

Oryginalny wpis i komentarze na temat

Intrygować

Na płótnie - jedna z najpotężniejszych erupcji wulkanicznych w historii ludzkości. W 79 roku Wezuwiusz, który milczał tak długo, że od dawna uważano go za wymarły, nagle „obudził się” i zmusił wszystkie żywe istoty w okolicy do zasypiania na zawsze.

Wiadomo, że Bryulłow czytał wspomnienia Pliniusza Młodszego, który był świadkiem wydarzeń w Mizenie, które przetrwały podczas katastrofy: sceny. Rydwany, które odważyliśmy się wyciągnąć, trzęsły się tak gwałtownie w przód iw tył, mimo że stały na ziemi, że nie mogliśmy ich utrzymać, nawet wkładając je pod koła. duże kamienie. Morze wydawało się cofać i zostało odciągnięte od brzegów przez konwulsyjne ruchy Ziemi; z pewnością ziemia znacznie się poszerzyła, a na piasku leżały niektóre zwierzęta morskie... Wreszcie straszna ciemność zaczęła się powoli rozpraszać, jak chmura dymu; znowu pojawiło się światło dzienne, a nawet wyszło słońce, choć jego światło było posępne, jak to się dzieje przed zbliżającym się zaćmieniem. Każdy przedmiot, który pojawił się na naszych oczach (które były niezwykle osłabione) wydawał się zmieniać, pokryty grubą warstwą popiołu, jakby śniegu.

Pompeje dzisiaj

Miażdżący cios dla miast nastąpił 18-20 godzin po rozpoczęciu erupcji - ludzie mieli wystarczająco dużo czasu na ucieczkę. Jednak nie wszyscy byli ostrożni. I chociaż nie udało się ustalić dokładnej liczby zgonów, liczba ta sięga tysięcy. Wśród nich są głównie niewolnicy, których właściciele pozostawili do pilnowania majątku, a także starcy i chorzy, którzy nie zdążyli wyjechać. Byli też tacy, którzy liczyli na przeczekanie żywiołów w domu. W rzeczywistości nadal tam są.

Jako dziecko Bryullov stał się głuchy na jedno ucho po uderzeniu przez ojca.

Na płótnie ludzie wpadają w panikę, żywioły nie oszczędzą ani bogatych, ani biednych. I co jest niezwykłe, Bryullov używał jednego modelu do pisania ludzi z różnych klas. Mówimy o Julii Samoilovej, jej twarz znajduje się na płótnie cztery razy: kobieta z dzbanem na głowie po lewej stronie płótna; martwa kobieta w centrum; w lewym rogu obrazu matka przyciągająca do siebie córki; kobieta zakrywająca swoje dzieci i oszczędzająca z mężem. Artysta szukał twarzy dla reszty bohaterów na rzymskich ulicach.

Zaskakujące jest to zdjęcie i sposób, w jaki rozwiązany jest problem światła. „Zwykły artysta, oczywiście, nie omieszkałby skorzystać z erupcji Wezuwiusza, aby oświetlić swój obraz; ale pan Bryullov zaniedbał to lekarstwo. Geniusz zainspirował go śmiałym pomysłem, równie szczęśliwym, jak niepodrabialnym: rozświetlić cały przód obrazu szybkim, drobnym i białawym blaskiem błyskawicy, przecinając gęstą chmurę popiołu, która spowijała miasto, podczas gdy światło z erupcja, z trudem przebijająca się przez głęboką ciemność, rzuca czerwonawą półcień na tło ”- napisały wtedy gazety.

Kontekst

Zanim Bryullov zdecydował się napisać śmierć Pompejów, był uważany za utalentowanego, ale wciąż obiecującego. Do zatwierdzenia w statusie mistrza potrzebna była poważna praca.

W tym czasie we Włoszech popularny był motyw Pompejów. Po pierwsze bardzo aktywnie prowadzono wykopaliska, a po drugie doszło do kilku erupcji Wezuwiusza. Nie mogło to nie znaleźć odzwierciedlenie w kulturze: na scenach wielu włoskich teatrów z powodzeniem wystawiono opera Pacchiniego L „Ultimo giorno di Pompeia". Nie ma wątpliwości, że artysta ją widział, a może nie raz.

Pomysł napisania śmierci miasta pojawił się w samych Pompejach, które Bryulłow odwiedził w 1827 r. z inicjatywy swojego brata, architekta Aleksandra. Zebranie materiału zajęło 6 lat. Artysta był skrupulatny w szczegółach. Tak więc rzeczy, które wypadły z pudełka, biżuteria i inne różne przedmioty na zdjęciu zostały skopiowane z tych znalezionych przez archeologów podczas wykopalisk.

Akwarele Bryulłowa były najpopularniejszą pamiątką z Włoch

Powiedzmy kilka słów o Julii Samoilovej, której twarz, jak wspomniano powyżej, znajduje się na płótnie czterokrotnie. Do zdjęcia Bryullov szukał włoskich typów. I chociaż Samoilova była Rosjanką, jej wygląd odpowiadał wyobrażeniom Bryulłowa na temat tego, jak powinny wyglądać Włoszki.

„Portret Yu. P. Samoilovej z Giovaniną Pacini i czarnym chłopcem”. Bryułłow, 1832-1834

Poznali się we Włoszech w 1827 roku. Bryullov przyjął tam doświadczenie starszych mistrzów i szukał inspiracji, podczas gdy Samoilova spłonęła przez swoje życie. W Rosji udało jej się już uzyskać rozwód, nie miała dzieci, a za zbyt burzliwe życie bohemy Mikołaj poprosił ją, aby wyprowadziła się z dworu.

Kiedy prace nad obrazem zostały zakończone, a włoska publiczność zobaczyła płótno, rozpoczął się boom na Bryulłowa. To był sukces! Wszyscy na spotkaniu z artystą uważali za zaszczyt przywitać się; kiedy pojawiał się w teatrach, wszyscy wstali, a pod drzwiami domu, w którym mieszkał, lub restauracji, w której jadł, zawsze gromadziło się wielu ludzi, aby go powitać. Od renesansu żaden artysta we Włoszech nie był obiektem takiego kultu jak Karl Bryullov.

W ojczyźnie malarza czekał też triumf. Ogólna euforia wokół obrazu staje się wyraźna po przeczytaniu linijek Baratyńskiego:

Przywiózł pokojowe trofea
Z tobą w cieniu ojca.
I był „Ostatni dzień Pompejów”
Dla rosyjskiego pędzla pierwszy dzień.

półprzytomny twórcze życie Karl Bryullov spędził w Europie. Po raz pierwszy wyjechał za granicę po ukończeniu Cesarskiej Akademii Sztuk w Petersburgu, aby doskonalić swoje umiejętności. A gdzie, jeśli nie we Włoszech, to zrobić?! Początkowo Bryullov malował głównie włoskich arystokratów, a także akwarele ze scenami z życia. Te ostatnie stały się bardzo popularną pamiątką z Włoch. Były to małe obrazy z drobnofigurowymi kompozycjami, bez portrety psychologiczne. Takie akwarele głównie gloryfikowały Włochy z ich piękną przyrodą i przedstawiały Włochów jako lud, który genetycznie zachował starożytne piękno swoich przodków.

Przerwana data (Woda już spływa po krawędzi). 1827

Bryullov pisał jednocześnie z Delacroix i Ingresem. Był to czas, kiedy w malarstwie do głosu doszedł temat losów ogromnych mas ludzkich. Nic więc dziwnego, że Bryullov wybrał historię śmierci Pompejów na swoje płótno programowe.

Bryullov podważył swoje zdrowie podczas malowania katedry św. Izaaka

Obraz wywarł tak silne wrażenie na Mikołaju I, że zażądał, aby Bryullov wrócił do ojczyzny i zajął miejsce profesora w Imperial Academy of Arts. Wracając do Rosji, Bryulłow poznał i zaprzyjaźnił się z Puszkinem, Glinką, Kryłowem.

Freski Bryulłowa w katedrze św. Izaaka

Ostatnie lata spędzone przez artystę we Włoszech, próbując ratować swoje zdrowie, podważono podczas malowania katedry św. Izaaka. Wielogodzinna ciężka praca w wilgotnej, niedokończonej katedrze źle wpłynęła na serce i zaostrzyła reumatyzm.

L. Osipowa

Aleksandra Bryułłowa. Autoportret. 1830.

„Karl, wyobraź sobie – osiemnaście wieków temu wszystko było dokładnie takie samo: słońce świeciło olśniewająco, sosny pociemniały na poboczach drogi, a osły z bagażami potykały się o kamienie. Jesteśmy na głównej drodze prowadzącej do Pompejów. To są ruiny Dom wakacyjny bogaty Diomedes, wciąż trwają tu wykopaliska, dalej - willa Cycerona. Dalej hotel, tu znaleźli dużo ceramiki, marmurowych moździerzy, na kamiennej desce był ślad jakby właśnie rozlanej cieczy, a w piwnicach ziarno pszenicy. Pokruszony i upieczony można było skosztować najbardziej klasycznego chleba, jaki jest u nas epoka romantyczna, myślę, że wielu zaimponuje swoim smakiem. Ba, nie sądzisz, że wszystko jest bardzo animowane. Tłumy ludzi pędzą do miasta. Tutaj niosą na noszach jakiegoś ważnego dżentelmena. Jest w olśniewającej bieli, spiętej na ramieniu złotą sprzączką, w sandałach do kolan ozdobionych brylantami, a za nim cała procesja służących. Czy słyszysz krzyki czerni? Pojawiły się rydwany, ale tak trudno im się poruszać, wąskie uliczki są zatłoczone ludźmi. Wszystko jasne - wszyscy śpieszą się do amfiteatru. Dziś zaplanowane są walki gladiatorów z dzikimi bestiami. A może sędziowie skazali jednego z winnych na śmierć na arenie w walce z przywiezionymi właśnie z Afryki lwami? Och, oczywiście, żaden Pompejanin nie może przegapić takiego widoku.

Karola Bryułłowa. Autoportret. OK. 1833.

„Uspokój się, twoja wyobraźnia zaczyna gryźć!” Togo i spójrz, ci skazani okażą się nami. - Bracia Bryullov śmieją się i siedząc na przydrożnym kamieniu pogrążają się w ciszy, przerywanej jedynie szelestem jaszczurek i szelestem ciernistych traw…
Aleksander wstaje i znajdując wygodne miejsce na zniszczonych schodach otwiera duży album i zaczyna rysować. Nieco później dołącza do niego Carl. Ale rysują inaczej. Aleksandra jako architekta interesuje proporcja części, proporcje, które budowniczowie Pompejów przejęli od Greków. Co jakiś czas podbiega do Karla, prosząc go o zwrócenie uwagi na tę prostotę i elegancję linii, połączoną z bogactwem, a nawet wyrafinowaniem dekoracji – kapitele przy kolumnach są albo w formie splątanych delfinów, albo są to grupy faunów, z których jedna uczy drugą grać na flecie, owo wyplatanie fantastycznych owoców i liści... Wyrafinowanie, nadmiar wyobraźni - to już fenomen nowych czasów, wpływ Rzymu. I tak jest z Pompejuszami we wszystkim: w najbogatszych domach wszystkie sale, nawet sale bankietowe, są według greckiego wzorca bardzo małe – wszak liczba gości powinna odpowiadać liczbie łask (trzy) lub liczba muz (dziewięć). Tymczasem wiadomo, że Pompejusz nie słynął z umiaru w jedzeniu i przyjemnościach. Nawzajem. Na ucztach serwowano części polędwicy z lwa afrykańskiego, wędzone udka wielbłąda, tuczone winogronami lisy, aromatyczne króliki, sos z mózgu strusia, gliniane pająki, nie mówiąc już o winach mrożonych doprawionych aromatycznymi ziołami... Nie, nasza wyobraźnia jest bezsilna. to wyobrażenie ... Tak, Grecja i Rzym spotkały się w Pompejach, aby po erupcji Wezuwiusza w sierpniu 79 po narodzinach Chrystusa zostały pochowane popiołem i kamieniami przez wiele stuleci ...
Carl słucha swojego brata półgłosem. Szkicuje w albumie szkicem ołówkiem, żałując, że nie uchwycił kolorów. Jest już w mocy żywego piękna, cieszy się.
Jak uderzający jest tutaj efekt światła, przeszywający i miękki! I prześwit marmuru – oko pozostawia wrażenie czułości. Tułów Wenus, posąg atlety, niedawno odkopany, oczyszczony z ziemi, wydaje się bardziej autentyczny, naturalny niż żyjący ludzie - to najlepsi ludzie. Oto on - ten świat, który zaczął pojmować od dzieciństwa.
Ojciec - Paweł Iwanowicz Bryulłow, akademik rzeźby ozdobnej, zmusił dzieci do rysowania z antyków, gdy tylko nauczyły się trzymać ołówek w rękach. W wieku dziesięciu lat Karl został przyjęty do Akademii Sztuk Pięknych w Petersburgu, w wieku czternastu otrzymał srebrny medal za rysunek, w którym według ogólnego zapewnienia ożywił czasy Fidiasza i Polikleta. W martwy świat marmuru, czuł się jak jego własny, ponieważ całym sobą czuł prawa, dzięki którym ten świat został stworzony. Och, jak wierzył teraz we własne siły! Obejmij wszystkie przedmioty, ubierz się w harmonii, zamień wszystkie uczucia widza w spokojną i niekończącą się radość z piękna. Stworzyć sztukę, która przeniknie wszędzie: do chaty ubogich, pod marmurowe kolumny, na plac, kipiący ludźmi - jak było w tym mieście, jak w dalekiej, jasnej Grecji...
...Minęło kilka lat. Aleksander wyjechał do Paryża, aby doskonalić swoją wiedzę i talent. Miał też inny zamiar, który wkrótce z powodzeniem zrealizował. Opublikował książkę o wykopaliskach w Pompejach - na luksusowym papierze, z własnymi rysunkami i rysunkami. Zasługi książki zostały tak wysoko ocenione, że po bardzo krótkim czasie jej autor został wybrany na członka Królewskiego Instytutu Architektury w Londynie, członka Akademii Sztuk Pięknych w Mediolanie. Aleksander nie tyle rozkoszował się sławą, ile radował - wreszcie ma coś do przekazania Towarzystwu Zachęty Artystów, które siedem lat temu, w 1822 roku, wysłało jego i jego brata za granicę po ukończeniu Akademii Petersburskiej sztuki. Ale Karl... Mój Boże, jakie plotki o nim nie dotarły z Rzymu! Udało mu się uchodzić za wspaniałego portrecistę, a każdy wybitny rosyjski dżentelmen, który przybył do Włoch, pospiesznie zamawiał u niego jego portret. Ale problem polega na tym, że ta osoba zaczęła budzić niechęć w Karlu. Mógł go przyjąć (jak to było w przypadku hrabiego Orłowa-Dawidowa) w najbardziej niedbałym garniturze i najbardziej niedbałej pozie i spokojnie oświadczyć, że nie jest w nastroju do pracy dzisiaj. Skandal!..


Jeden ze szkiców do obrazu „Ostatni dzień Pompejów”.

Do Aleksandra dotarła jednak wiadomość, że ostatnio Karol robił szkice do dużego płótna, które proponuje nazwać „Ostatnim dniem Pompejów”. Ucieszyło go to tak bardzo, że natychmiast zasiadł do napisania listu, w którym gorliwie pytał, czy jego brat zamierza sięgnąć po źródła historyczne, czy też będzie to owoc jego wolnej wyobraźni; czy nie sądzi, że śmierć Pompejów była z góry przesądzona: Pompejanie pławili się w luksusie i zabawach, lekkomyślnie lekceważąc wszelkie znaki i przepowiednie, w więzieniu gnili pierwsi chrześcijanie; gdzie sugeruje scenę obrazu; a co najważniejsze - na litość boską, nie rozpraszajmy się świetna robota, który być może ma mu pokazać swój geniusz całemu światu.
List brata złapał Karla w złym momencie. Przeszedł już ze szkiców na płótno. Był ogromny - 29 metrów kwadratowych. Pracował pijany, prawie bez przerwy, doszedł do całkowitego wyczerpania, tak że często był wyprowadzany z warsztatu. A potem przyszedł właściciel z prośbą o zapłacenie rachunków...
Oczywiście wszyscy już wątpią, czy jest w stanie stworzyć coś wartościowego. Towarzystwo Zachęty Artystów już drugi rok nie wypłaciło mu emerytury. Tylko plotkują o jego frywolnym i nieostrożnym usposobieniu. Ale brat musi wiedzieć, że jeśli pracuje z pasji, to nawet jeśli założysz na niego całun, nie przestanie pracować.

K. P. Bryullov „Ostatni dzień Pompejów”, 1830-1833. Państwowe Muzeum Rosyjskie w Petersburgu.

W przypadku pióra i atramentu Karl był brany w skrajnych przypadkach. I wtedy zdecydował: napisze teraz - zarówno do braci (brat Fiodor, także artysta, mieszkał w Petersburgu), jak i do Towarzystwa Zachęty. „Sceneria… Zabrałem wszystko z natury, w ogóle bez wycofywania się i bez dodawania, stojąc tyłem do bram miasta po to, by zobaczyć część Wezuwiusza jako główny powód – bez którego to wyglądałby jak ogień? prawa strona Na kolana układam grupy matek z dwiema córkami (te szkielety znaleziono w takiej pozycji); Za tą grupą widać tłumy na schodach… zakrywające głowy taboretami, wazonami (rzeczy, które ratują, wszystkie zabieram z muzeum). W pobliżu tej grupy znajduje się uciekająca rodzina, myśląca o znalezieniu schronienia w mieście: mąż okrywający siebie i żonę trzymającą dziecko płaszczem, okrywający drugą ręką najstarszego syna leżącego u stóp ojca; pośrodku obrazu upadła kobieta, pozbawiona uczuć; dziecko na piersi, nie podparte już ręką matki, ściskając jej ubranie, spokojnie patrzy na żywą scenę śmierci…”
Dziesiątki szkiców i szkiców, kilka lat ciężkiej pracy. Nie, napisał nie grozę zagłady, nie bliskość śmierci. „Pasja, prawdziwe, ogniste uczucia wyrażane są w tak pięknym wyglądzie, w tak pięknej osobie, którą lubisz aż do odurzenia” – powiedział Gogol, gdy zobaczył zdjęcie. Śmierć świata zmysłowo pięknego, nieodwołalnego. Tak, chwała przyszła do artysty. Triumph towarzyszył jego występom na ulicach, w teatrze. W Petersburgu złożono mu na głowę wieniec laurowy, pisali w czasopismach, że jego prace były pierwszymi, które artysta, który ma wyższy rozwój smaku, a nie wiedząc, czym jest sztuka.
Cóż, Bryullov traktował sławę jako coś oczywistego, jako ciężar, wcale nie uciążliwy. Śmiał się nonszalancko, kiedy Aleksander, ze łzami w objęciach go, upierał się, że zrobił dla Pompejów więcej niż jakikolwiek archeolog czy naukowiec...

Bryulłow Karl Pawłowicz (1799-1852)

Żadna z Artyści europejscy nie odniósł w XIX wieku tak wielkiego triumfu, jaki padł na los młodych Rosyjski malarz Karol Pawłowicz Bryułłow kiedy w połowie 1833 roku otworzył dla publiczności drzwi swojego rzymskiego warsztatu ze świeżo ukończoną obraz„ ”. Podobnie jak Byron, miał prawo powiedzieć o sobie, że pewnego pięknego poranka obudził się sławny. Słowo „sukces” nie wystarczy do scharakteryzowania stosunku do niego. obrazek. Było coś więcej obraz wywołał u publiczności eksplozję zachwytu i podziwu dla rosyjskiego artysty, który wydawał się odkryć Nowa strona w historii sztuki światowej.

Jesień 1833 obraz pojawił się na wystawa w Mediolan. Tutaj triumf rosyjskiego mistrza osiągnął swój szczyt. Każdy chciał zobaczyć dzieło, „o którym mówi cały Rzym”. We włoskich gazetach i czasopismach ukazały się entuzjastyczne recenzje na temat „ ostatni dzień Pompeje„i jej autora. Jak kiedyś czczono wielkich mistrzów renesansu, tak teraz zaczęli czcić Bryulłowa. Stał się najbardziej znana osoba we Włoszech. Witano go oklaskami na ulicy, w teatrze nagrodzono go owacją. Poeci dedykowali mu wiersze. Przemieszczając się po granicach księstw włoskich, nie był zobowiązany do przedstawienia paszportu – wierzono, że każdy Włoch ma obowiązek znać go z widzenia.

W 1834 roku „” został wystawiony na Salonie Paryskim. Akademia Francuska sztuka wyróżniony Bryulłowa złoty medal. Jeden z pierwszych biografów Bryulłowa, N. A. Ramazanov, mówi, że pomimo zazdrosnych rozmów niektórych Artyści francuscy, publiczność paryska skupiła się głównie na " Ostatni dzień Pompejów„i z trudem i niechęcią odszedłem od tego obrazy".

Chwała sztuki rosyjskiej nigdy nie rozprzestrzeniła się tak szeroko w całej Europie. Oczekiwane więcej uroczystości Bryulłowa w domu.

Przywieziony do Petersburga w lipcu 1834 r. i wystawiony najpierw w Ermitażu, a następnie w Akademii Sztuk Pięknych, od razu znalazł się w centrum uwagi rosyjskiego społeczeństwa i stał się przedmiotem dumy patriotycznej.

„Tłumy zwiedzających, można powiedzieć, wdzierały się do sal Akademii, by popatrzeć na Pompeje”, opowiada współczesny człowiek. Akademia Sztuk Pięknych uznany bryulłowskaja obrazek najlepsza kreacja 19 wiek. Rozpowszechniony wyryty odtwarzanie nagranego dźwięku "Ostatni dzień Pompejów". Rozbili chwała Bryulłowa na terenie całego kraju, daleko poza stolicą. Najlepsi przedstawiciele kultury rosyjskiej entuzjastycznie przyjęci obrazek. Puszkin napisał:

Wezuwiusz zev otwarty - w klubie buchnął dym, płomienie

Szeroko rozwinięty jak sztandar bojowy.

Zmartwienia ziemi - od oszałamiających kolumn

Idole spadają! Lud napędzany strachem

Pod kamiennym deszczem, pod rozpalonymi popiołami,

Tłumy, starych i młodych, wybiegają z miasta.

Gogol pisał o Ostatni dzień Pompejów„obszerny artykuł, w którym to przyznał obrazek„całkowita uniwersalna kreacja”, w której wszystko jest „tak potężne, tak odważne, tak harmonijnie połączone w jedno, jak tylko mogło powstać w głowie uniwersalnego geniusza”.

Obraz Bryulłowa niezwykle duże zainteresowanie malarstwem w większości szerokie kręgi Społeczeństwo rosyjskie. Nieustanne rozmowy o Ostatni dzień Pompejów„W prasie, w korespondencji, w prywatnych rozmowach wyraźnie pokazali, że dzieło malarskie może ekscytować i dotykać ludzi nie mniej niż literatura. Wzrost roli społecznej Dzieła wizualne w Rosji zaczęło się właśnie od obchodów Bryulłowa.

malarstwo historyczne, który od dawna zajmuje wiodące miejsce w sztuce akademickiej, zwracał się głównie do przedmiotów zaczerpniętych z Biblii i Ewangelii lub z starożytna mitologia. Ale nawet w przypadkach, gdy intrygować obrazy nie była legendarną legendą, ale prawdziwym wydarzeniem historycznym, malarze Akademii byli w rzeczywistości bardzo dalecy od historycznej dokładności w zrozumieniu i interpretacji tego, co zostało przedstawione. Nie szukali prawdy historycznej, ponieważ ich celem nie było odtwarzanie przeszłości, ale ucieleśnienie tej czy innej abstrakcyjnej idei. W ich kino postacie historyczne przybrał formę warunkową „ starożytni bohaterowie”, niezależnie od tego, czy wydarzenie zostało przedstawione w starożytnej historii rzymskiej, czy rosyjskiej.

„utorowało drogę do zupełnie innego rozumienia i interpretacji tematu historycznego.

W poszukiwaniu prawdy o życiu Bryulłowa, pierwszy wśród rosyjskich artystów, postawił sobie za cel odtworzenie w obrazek prawdziwe wydarzenie z przeszłości, oparte na badaniu źródła historyczne oraz dane archeologiczne.

W porównaniu z fantastyczną „archeologią” poprzedników Bryulłowa ten zewnętrzny historyzm był sam w sobie wielkim pionierskim osiągnięciem. Daleko im jednak do wyczerpania sensu bryulłowskaja obrazy. Podana autentyczność archeologiczna Bryulłowa tylko środkiem do głębszego ujawnienia tematu, wyrażenia nowoczesnego stosunku do przeszłości.

"Myśl obrazy należy całkowicie do gustu naszej epoki, która jakby czując swoje straszliwe rozdrobnienie, dąży do zjednoczenia wszystkich zjawisk w grupy ogólne i wybiera silne kryzysy odczuwane przez całą masę – pisał Gogol ujawniając treść Ostatni dzień Pompejów".

W przeciwieństwie do poprzedniego malarstwo historyczne ze swoim kultem bohaterów i podkreśloną dbałością o jednostkę, w przeciwieństwie do bezosobowego tłumu, Bryulłowa pomyślany „” jako scena masowa, w której jedynym i prawdziwym bohaterem byłby lud. Wszystkich głównych postacie w obrazek są prawie równymi wykładnikami jego tematu; oznaczający obrazy ucieleśnia się nie w przedstawieniu pojedynczego bohaterskiego aktu, ale w uważnym i dokładnym przekazaniu psychologii mas.

Jednakże, Bryulłowa z zamierzoną, a nawet ostrą prostolinijnością podkreśla główne kontrasty, w których wyraża się idea walki nowego ze starym, życia ze śmiercią, ludzkiego umysłu ze ślepą siłą żywiołów. Wszystko podlega tej myśli. ideologiczny oraz rozwiązanie artystyczne obrazy, stąd jego cechy, które decydowały o miejscu” Ostatni dzień Pompejów" po rosyjsku sztuka XIX wiek.

Temat Obraz pochodzi z historii starożytnego Rzymu. Pompeje(albo raczej Pompeje) - starożytne rzymskie miasto położone u podnóża Wezuwiusza - 24 sierpnia 79 r. n.e. w wyniku silnej erupcji wulkanu zostało zalane lawą i pokryte kamieniami i popiołem. Podczas paniki na ulicach miasta zginęło 2 tys. mieszkańców (w tym łącznie ok. 30 tys.).

Przez ponad półtora tysiąca lat miasto pozostawało zakopane pod ziemią i zapomniane. Dopiero pod koniec XVI wieku, podczas prac ziemnych, przypadkowo odkryto miejsce, w którym niegdyś znajdowała się zaginiona osada rzymska. Wykopaliska archeologiczne rozpoczęły się w 1748 r., szczególnie nasilone w pierwszych dziesięcioleciach XIX wieku. Wzbudziły wzmożone zainteresowanie środowisk artystycznych nie tylko we Włoszech, ale na całym świecie. Każde nowe odkrycie stało się sensacją wśród artystów i archeologów, a tragizmem temat Ibeli Pompeje jednocześnie był używany w literaturze, malarstwie i muzyce. Opera pojawiła się w 1829 roku włoski kompozytor Paccini, w 1834 r. - powieść historyczna Angielski pisarz Bulverlitton ” Ostatnie dni Pompejów". Bryulłowa zwrócił się do tego tematu wcześniej niż inne: etiudy szkice swojej przyszłości obrazy należą do lat 1827-1828.

Bryulłowa miał 28 lat, kiedy postanowił napisać „”. Kończył się piąty rok jego emerytury we Włoszech. Miał już kilka poważnych prac, ale żadna z nich nie wydawała się artyście godna jego talentu; czuł, że jeszcze nie uzasadnił pokładanych w nim nadziei.

Z Bryulłowa czekałem duża obraz historyczny - właśnie historycznym, bo w estetyce początku XIX wieku ten rodzaj malarstwa uznawany był za najwyższy. Nie zrywając z dominującymi poglądami estetycznymi swoich czasów, Bryulłowa a on sam starał się znaleźć fabułę, która odpowiadałaby wewnętrznym możliwościom jego talentu, a jednocześnie byłaby w stanie sprostać wymaganiom, jakie stawiała mu współczesna krytyka i Akademia Sztuk Pięknych.

Szukasz takiej historii Bryulłowa Długo wahałem się między tematami z rosyjskiej historii a antyczną mitologią. Zamierzał napisać obrazek "Oleg przybija swoją tarczę do bram Konstantynopola”, a później nakreśliłem fabułę historie Piotr Wielki. W tym samym czasie wykonywał szkice na tematy mitologiczne (" Śmierć Faetona", "Hylas porwany przez nimfy"i innych). Ale motyw mitologiczny, wysoko ceniony w Akademii, zaprzeczał realistycznym tendencjom młodzieży". Bryulłowa, a dla tematu rosyjskiego, będąc we Włoszech, nie mógł zebrać materiału.

Temat zniszczenie Pompejów rozwiązał wiele problemów. Sama fabuła była, jeśli nie tradycyjna, to niewątpliwie historyczna, a z tej strony spełniała podstawowe wymogi estetyki akademickiej. Akcja miała rozgrywać się na tle starożytnego miasta z jego klasyczną architekturą i zabytkami. starożytna sztuka; świat form klasycznych został więc włączony do obrazek bez żadnej rozwagi, jakby samo w sobie, a spektakl szalejących żywiołów i tragicznej śmierci otwierał dostęp do romantycznych obrazów, w których talent malarza mógł znaleźć nowe, niewidziane dotąd możliwości ukazania wielkich uczuć, namiętnych impulsów duchowych i głębokich uczuć. Nic dziwnego, że temat urzekł i uchwycił Bryulłowa: łączyła wszystkie warunki dla najpełniejszego wyrażenia jego myśli, wiedzy, uczuć i zainteresowań.

Źródła, na podstawie których Bryulłowa rozwiązał swój temat, pojawiły się autentyczne zabytki starożytności, odkryte w zaginionym mieście, prace archeologów i opis katastrofy w Pompeje wykonane przez współczesnego i naocznego świadka, pisarz rzymski Pliniusz Młodszy.

Pracować nad " Ostatni dzień Pompejów ciągnące się przez prawie sześć lat (1827-1833) i dowód głębokich i intensywnych poszukiwań twórczych Bryulłowa są liczne rysunki, szkice i szkice, wyraźnie pokazujące, jak rozwijał się pomysł artysty.

Wśród tych prac przygotowawczych szczególne miejsce zajmuje szkic z 1828 roku. Pod względem siły oddziaływania artystycznego być może nie jest gorszy od większości obrazek. To prawda, że ​​szkic pozostał nie do końca sfinalizowany, poszczególne obrazy i postacie zostały w nim tylko zarysowane, a nie w pełni ujawnione; ale ta zewnętrzna niekompletność łączy się w szczególny sposób z głęboką wewnętrzną kompletnością i artystyczną perswazją. Znaczenie poszczególnych epizodów, następnie szczegółowo rozwinięte w: obrazek, tutaj niejako rozpływa się we wspólnym namiętnym impulsie, w jednym tragiczne uczucie, w integralnym obrazie umierającego miasta, bezsilnego wobec naporu spadających na nie żywiołów. Szkic opiera się na romantycznie rozumianej idei walki człowieka z losem, którą uosabiają tu żywioły natury. Doom zbliża się z nieuniknionym okrucieństwem, jak antyczna skała, a człowiek całym swoim umysłem i wolą nie jest w stanie oprzeć się losowi; pozostaje mu tylko stawić czoła nieuchronnej śmierci z odwagą i godnością.

Ale Bryulłowa nie poprzestał na tej decyzji swojego tematu. Nie był zadowolony ze szkicu właśnie dlatego, że tak natarczywie brzmiały w nim nuty beznadziejnego pesymizmu, ślepej rezygnacji z losu i niewiary w ludzkie siły. Takie rozumienie świata wykraczało poza tradycje kultury rosyjskiej, przeczyło jej zdrowym ludowym podstawom. Afirmująca życie siła tkwiąca w darach Bryulłowa, nie mógł się pogodzić z" Ostatni dzień Pompejów”, zażądał wyjścia i pozwolenia.

Bryulłowa znalazła tę drogę, przeciwstawiając niszczące elementy natury duchowej wielkości i pięknu człowieka. Plastikowe piękno zamienia się w nim w potężną siłę, która afirmuje życie pomimo śmierci i zniszczenia. „...Jego postacie są piękne z całym przerażeniem ich pozycji. Zagłuszają go swoim pięknem” – napisał Gogol, który subtelnie zauważył główną ideę bryulłowskaja obrazy.

Próbując wyrazić różne stany psychiczne i odcienie uczuć, które ogarnęły mieszkańców umierającego miasta, Bryulłowa zbudował jego obrazek jako cykl oddzielnych, zamkniętych epizodów, niepowiązanych ze sobą fabułą. Ich ideologiczne znaczenie staje się zrozumiałe tylko przy jednoczesnym omówieniu wszystkich grup i niezależnych motywów fabuły, które składają się na „”.

Idea triumfu piękna nad śmiercią wyraża się szczególnie wyraźnie w grupie postaci stłoczonych na stopniach grobowca po lewej stronie. obrazy. Bryulłowa celowo łączył tu obrazy rozkwitającej siły i młodości. Ani cierpienie, ani przerażenie nie zniekształcają ich idealnie pięknych rysów; na twarzach wyczytać można jedynie wyraz zdziwienia i niespokojnego oczekiwania. W postaci młodego mężczyzny wyczuwa się tytaniczną moc, której namiętny impuls przedziera się przez tłum. Charakterystyczne jest, że w tym świecie pięknych klasycznych obrazów inspirowanych rzeźba antyczna, Bryulłowa przynosi zauważalny odcień realizmu; wiele jego postaci jest niewątpliwie namalowanych z życia, a wśród nich wyróżnia się autoportret Bryulłowa, który przedstawił się jako artysta pompejański, który uciekając z miasta zabiera ze sobą pudełko pędzli i farb.

W głównych grupach po prawej stronie obrazy główne to motywy podkreślające duchową wielkość osoby. Tutaj Bryulłowa skoncentrowane przykłady odwagi i bezinteresownego wypełniania obowiązków.

Na pierwszym planie trzy grupy: „dwóch młodych Pompejanów niosących na ramionach swojego chorego starego ojca”, „Pliniusz z matką” oraz „młodych małżonków” – młody mąż wspiera padająca z wycieńczenia żonę, ukoronowaną wieniec ślubny. Jednakże, ostatnia grupa psychologicznie prawie nierozwinięty i ma charakter wstawki kompozycyjnej niezbędnej dla równowagi rytmicznej obrazy. Znacznie bardziej wymowna jest grupa synów niosących ojca: na obraz starca, majestatycznie wyciągającego rękę, wyraża się dumna nieugiętość ducha i surowa odwaga. Na obrazie najmłodszego syna, czarnookiego włoskiego chłopca, odczuwa się dokładny i bezpośredni szkic z natury, w którym wyraźnie manifestuje się żywe realistyczne uczucie. Bryulłowa.

Realistyczne początki wyraża się ze szczególną mocą w niezwykłej grupie Pliniusza z matką. W szkicach i wczesnych szkicach ten odcinek jest zaprojektowany w klasyczne formy podkreślając historyczność i antyczny charakter sceny. Ale w obrazek Bryulłowa zdecydowanie odszedł od pierwotnego pomysłu - stworzone przez niego obrazy uderzają bezstronną i autentyczną witalnością.

W środek obrazy jest leżąca na ziemi postać młodej kobiety, która spadła z rydwanu. Można założyć, że na tym rysunku Bryulłowa chciał symbolizować cały ginący starożytny świat; podpowiedź takiej interpretacji znajdujemy także w recenzjach współczesnych. Zgodnie z tą intencją artysta starał się znaleźć najdoskonalsze klasyczne ucieleśnienie tej postaci. Współcześni, w tym Gogol, widzieli w niej jedną z najbardziej poetyckich kreacji Bryulłowa.

Nie wszystkie odcinki są takie same znaczenie dla rozwoju tematu, ale w ich naprzemienności i porównaniu uporczywie się ujawnia główny pomysł Bryulłowa o walce życia ze śmiercią, o triumfie rozumu nad ślepymi siłami żywiołów, o narodzinach nowego świata na rozpadających się ruinach starego.

Nieprzypadkowo obok centralnej postaci zamordowanej kobiety artysta przedstawił piękne dziecko jako symbol niewyczerpanej mocy życia; to nie przypadek, że obrazy młodości i starości są przeciwstawiane w grupach Pliniusza z jego matką i synami niosącymi sędziwego ojca; Wreszcie zaakcentowany kontrast między „poganinem”, w antycznym pięknym tłumie na stopniach grobowca a majestatycznie spokojną „rodziną chrześcijan” nie jest przypadkowy. W obrazek jest tu zarówno ksiądz pogański, jak i ksiądz chrześcijański, niejako uosabiający odchodzący świat antyczny i rodzącą się na jego gruzach cywilizację chrześcijańską.

Wizerunki księdza i księdza być może nie są wystarczająco głębokie, ich świat duchowy nie jest pokazany w obrazek a charakterystyka pozostała w dużej mierze zewnętrzna; to następnie dało W.V. Stasovowi poważne wyrzuty Bryulłowa za to, że nie wykorzystał okazji, by ostro przeciwstawić podupadły, umierający Rzym i młode chrześcijaństwo. Ale myśl o tych dwóch światach jest niewątpliwie obecna w obrazek. Z równoczesnym i kompletnym postrzeganie obrazy wyraźnie wyłania się organiczny związek jego składowych epizodów. Odcienie uczuć w nich wyrażanych i różne Stany umysłowe akty męstwa i poświęcenia obok przejawów rozpaczy i strachu są podane w " Ostatni dzień Pompejów do harmonijnej, harmonijnej i artystycznie integralnej jedności.

Cudowne płótna. L., 1966. P.107

Renowacja obrazu Ostatni dzień Pompejów

Wyjątkowym wydarzeniem w życiu Muzeum Rosyjskiego było K. P. Bryulłowa„”. Liczne wcześniejsze renowacje tylko opóźniły rozpoczęcie zasadniczej pracy na płótnie - płótno obrazu „wypaliło się”, stało się kruche; w miejscach pęknięć płótna pojawiły się 42 łaty, które pojawiły się w dniu przednia strona; ubytek warstwy malarskiej zabarwiono podejściem do malarstwa autorskiego; lakier bardzo zmienił kolor. Po wzmocnieniu obraz został przeniesiony na nowe płótno. Tę niezwykłą pracę wykonali konserwatorzy I. N. Kornyakova, A. V. Minin, E. S. Soldatenkov; skonsultował się z S. F. Konenkovem.

Obraz K. P. Bryulłowa „Ostatni dzień Pompejów” wszedł do Muzeum Rosyjskiego z Ermitażu w 1897 roku. Po gruntownej renowacji w 1995 roku obraz został naciągnięty na naprawione wcześniej nosze autorskie i wrócił na wystawę.

Decyzję o rozpoczęciu restauracji obrazu podjęto na posiedzeniu poszerzonej Rady Konserwatorskiej Państwowego Muzeum Rosyjskiego w dniu 15 marca 1995 roku.

Na początku pracy został wzmocniony profilaktyczną pieczęcią papierową, a następnie zdjęto płótno z blejtramu autora. Następnie obraz został rozciągnięty krawędziami na marmurowej posadzce z kolorową powierzchnią w dół, a tylna strona została oczyszczona z zanieczyszczeń powierzchniowych. Z tyłu usunięto dwie warstwy starych rekonstrukcji, powielające się krawędzie, co spowodowało poważne deformacje płótna wzdłuż krawędzi oraz ponad 40 łat renowacyjnych, które stały w miejscach pęknięć starego płótna. Miejsca kilkuset ubytków płótna autora, szczególnie liczne wzdłuż krawędzi, zostały naprawione wstawkami z nowego płótna. Następnie obraz został powielony na nowym płótnie, identycznym charakterem i jakością z płótnem autora, zamówionym w Niemczech. Miejsca ubytków warstwy malarskiej wypełniono podkładem renowacyjnym i zabarwiono farbami wodnymi. Lakier autorski jest całkowicie odrestaurowany poprzez regenerację oparami alkoholu.

W trakcie prac opracowano metody wzmacniania warstwy malarskiej i gruntu na dużej przestrzeni. Ważnym rezultatem prac było opracowanie nowych urządzeń ułatwiających i upraszczających proces renowacji technicznej. Według specjalnego projektu stworzono wytrzymały napinacz duraluminium z systemem specjalnych mocowań do napinania płótna powielającego. Ten system umożliwił wielokrotne napinanie płótna do pożądanego napięcia w trakcie pracy.

Warsztaty kadrowania Moskwa

Warsztaty kadrowania w Moskwie położony na ul. Gilyarovsky, ma dogodną lokalizację w bliskiej odległości od stacji metra Prospekt Mira.

Warsztaty kadrowania poszerza zakres działań w Moskwa oraz region Moskwy zapewnić usługi na ramy w bagietka obrazy, zdjęcia, obrazy, kolekcje.

Ramki do zdjęć bagietki

Zamówienie ramki na zdjęcia Możesz w naszym warsztat bagietki. Warsztat produkuje ramki bagietkowe z z drewna, Plastikowy oraz aluminium bagietka najlepszy firmy bagietkowe Europa. Bagietka ramki na zdjęcia Z passe-partout. Bagietka ramki na zdjęcia handel detaliczny i hurtowy. Struktura standardowe rozmiary - A4, A3, A2. Ramki bagietkowe duże rozmiary. ramki na zdjęcia z szeroki bagietka. ramki na zdjęcia duże rozmiary. Ramki bagietkowe współ szkło. Bezodblaskowy bagietka szkło.

Zamawianie bagietki

Zamawianie bagietki w warsztat bagietki. Wartość artystyczna bagietki zależy od profilu i wzoru wypukłości. W kolekcji drewniana bagietka są duże profile ozdobne. Wzór dekoru został zaprojektowany w taki sposób, aby można go było stosować zarówno do projekt współczesny obrazy, oraz klasyczny Pracuje. W zależności od szerokości bagietka nazywana jest wąską i szeroką, a w zależności od grubości - niską i wysoką. Drewno bagietka do zdjęć. Bagietka drewniana. Bagietki wykonane są z różnych gatunków drewna o różnych profilach, z różnymi wykończeniami dekoracyjnymi: ornamentami, różnymi kolorami, lakierami i złoceniami. W kolekcja drewniana bagietka również zawarte bagietka Z elementy własnoręcznie zrobiony.

Passe-partout do obrazów

Passe-partout wykonane jest z kolorowego kartonu, w którym wycięte jest „okienko”. Jak passe-partout do obrazów używany bagietka z płaskim profilem – tzw. „drewnianą” passe-partout" - szeroki mieszkanie bagietka, zwykle jasne kolory, często z imitacją tekstury płótno lub pokryte prawdziwy płótno. Surowa ściana boczna, przycięta płótno, zamsz lub pod złotem, mieszkanie wkładka do bagietki położony pomiędzy obraz oraz rama, wzrastający ją szerokość. metalizowany passe-partout (imitacja metaliczny powierzchnie) daje doskonałe wyniki z kadrowanie zdjęć, dyplomy oraz certyfikaty. W tym samym czasie " ciemne złoto” (srebro, miedź) jest świetny dla ramy portrety w stylu vintage. Passepartout Móc zamówienie oraz Kup w nasz warsztat.

Moskwa

Warsztat znajduje się w Moskwie, na ul. Gilyarovsky, ma dogodną lokalizację w bliskiej odległości od stacji metra Prospekt Mira.

Moskwa- stolica Federacji Rosyjskiej, centrum administracyjne Centralny federalny dzielnice oraz region Moskwy.

Ramki do luster

Duży wybór ramki do luster. Drewno bagietka do luster oraz obrazy. Lustra w złotej bagietce. Zamówienie ramki do luster w warsztat bagietki. Rama dołącza lustro dekoracyjny i określa jego przynależność do określonego stylu. Lustro potrafi "zadziwić" ciekawym kształtem, oryginalną ramą. Pozostają niezrównane w swojej oryginalności metalowe ramki, dzięki różnorodności form zewnętrznych, nietypowemu wzornictwu i doskonałemu wykonaniu. Połączenie szkło oraz metal zawsze wygląda elegancko i praktycznie. Niezwykle surowe formy metalowa bagietka uzupełnią wnętrze o niepowtarzalny styl.

Zamówienie szkła bagietkowego

W ramka lub w ramka na zdjęcia cięcie i wklejanie szkła jest łatwe. Jeśli szkło ma być włożone do rama z próbką (rabat), wówczas wielkość szkła powinna być o kilka milimetrów mniejsza od zmierzonej wielkości próbki. Jeśli rozmiary próbek są stałe na całej szerokości i wysokości struktura, wówczas wystarczy naddatek 2 mm. Zamówienie szkła bagietkowego. Antyrefleksyjne szkło bagietkowe Móc zamówienie oraz Kup w warsztat bagietki.

Nosze obrazkowe

Nosze chroni przed stłuczeniem. Produkcja ramki pomocnicze zamówić. Warsztaty kadrowania produkuje ramki pomocnicze dla obrazy. Do wykonania ramy pomocniczej użyto wytrzymałego drewna. Dobrze wykonany blejtram niweluje „wisanie” płótna i tym samym przedłuża żywotność obrazek. Rzemieślnicy rozciągają hafty, batik i płótna na blejtramach.

Wiszące zdjęcia

Warsztaty kadrowania oferuje nowa metoda wisiorki do zdjęć używając zawieszenie Nielsen. Brzana z profil metalowy Nielsen przymocowane do ściany za pomocą plastikowych podkładek. Żyłka Perlon jest mocowana wewnątrz profilu wędki za pomocą przesuwnych haków lub tulejek i można ją przesuwać metaliczny pręty. Wytrzymała linka nylonowa o grubości 2 mm jest prawie niewidoczna na tle ściany. Obrazy rozłączyć się na linii z metal haczyki ze śrubami, które można zamocować na żądanej wysokości. Niezawodne mocowanie na wymaganej wysokości wymaga pewnego wysiłku podczas wkręcania śruby. metal profilłatwy w montażu pod sufitem i pozwala na łatwy i bezproblemowy montaż przeważają zdjęcia.

ramki na zdjęcia

Złoto bagietka do zdjęć. Wielki ramki na zdjęcia. Warsztaty kadrowania rysuje w bagietka obrazy, akwarela, rysunki, Zdjęcie, plakaty, lustra itp. Artyści przywiązują dużą wagę do wyboru ramy Dla ich obrazy. Wielu wspaniałych artystów naszkicowało te elementy bagietka a nawet siebie zrobiony. ramki na zdjęcia Móc zamówienie oraz Kup w warsztat bagietki.

Ramki do akwareli

W technice malowania akwarelą możesz tworzyć obrazy w gatunku pejzaż, martwa natura, portret. Przezroczystość i miękkość najcieńszej warstwy farby obrazy są charakterystyczne właściwości Malarstwo akwarelowe. Do ramy akwarele wskazane jest użycie passe-partout i niezbyt szerokiej bagietki. ramy w drewniana bagietka. Struktura dla akwarele.

Ramki na zdjęcia

Rysunki są tworzone przez artystów w procesie studiowania przyrody (szkice, studia), przy poszukiwaniu rozwiązań kompozycyjnych dla prac graficznych, malarskich i rzeźbiarskich (szkice, kartony), przy znakowaniu malowniczy obrazy (rysunek przygotowawczy do malowania). Profesjonalny dekoracje grafiki, fotografie, dokumenty za pomocą drewniana bagietka oraz passe-partout. Struktura Zebrane z bagietka wykonane z drewna tropikalnego. Mamy w warsztat możesz wybrać jedną z opcji dekoracja za grafikę i porządek passe-partout oraz bagietka do ramki. Wartość artystyczna bagietki zależy od profilu i wzoru wypukłości. W zależności od szerokości bagietka nazywa wąska(do 4 cm) i szeroki, a w zależności od grubości - niska i wysoka. Rysunki ołówkiem wyglądają lepiej w skromnej wąskiej bagietce ( metaliczny lub z drewna). Duże ramki z złota bagietka dla rysunki oraz wykresy. Ramki metalowe A3 dla rysunki.

Metalowe ramki na zdjęcia

Tradycyjnie najbardziej ciekawe oraz pamiątkowy Zdjęcie wstawić w struktura które można postawić na stole lub powiesić na ścianie. Ważne prawo podnieś ramkę, musi pasować Zdjęcie i harmonizują z wnętrzem pokoju. Zdjęcia można wykonać w warsztacie. Pogląd bagietka zależy od rodzaju zdjęć na fotografie(portret, pejzaż, zdjęcia dzieci). Passepartout na zdjęcie. Na kadrowanie zdjęć może być użyte passe-partout. Do passe-partout można zaproponować poślizg (obrzeże wzdłuż krawędzi okna).
Kup ramki do zdjęć możliwe w warsztat bagietki. Plastikowe ramki na zdjęcia praktyczny, lekki i tani. Są świetne dla wszystkich typów. zdjęcia oraz naśladować metal oraz z drewna struktura. Blask i szlachetność metal. Bardzo popularna srebrzysty matowy metalowe ramki. Metalowe ramki na zdjęcia kosztować dużo tani, bo materiał dla nich produkcja służy niedrogi aluminium. Na mała cena metalowe ramki mają wiele zalet. Elegancja form i urzekające piękno metal czasami się zmusza rama"konkurować" z fotografią. Dlatego ważne jest, aby treść była godna formy. Taki struktura profesjonalnie wykonane zdjęcia portretowe będą wyglądały najbardziej harmonijnie.

Ramki dokumentów

Rejestracja dokumentów, dyplomów, certyfikatów

Duży wybór struktura dla dokumenty.

Ramki plastikowe A3 i A4 Ramki plastikowe A4 o świadectwa, dyplomy, dyplomy. Gotowe ramki o standardowych rozmiarach na certyfikaty, dyplomy, plakaty, zdjęcia. złote ramki dla dyplomy. Złote ramki A3. Ramki plakatowe A3. Na dyplomy, certyfikaty i karty w warsztat bagietki Istnieje możliwość zamówienia laminacji.

Ramki do kart

Często znajdowane karty duże rozmiary. W przypadkach, gdy wymagana jest zwiększona wytrzymałość, metalowa bagietka- najlepszy wybór. W ramkach od metaliczny bagietka Możesz umieścić różne karty, plakaty, plakaty. W biurze możesz odłożyć słuchawkę stare mapy geograficzne. Stara mapa w drogim wnętrzu biurowym wymaga odpowiedniego ramy podkreślić gust i upodobania stylistyczne osoby, która jest nią w tym gabinecie rozłączyć się.

Ramki do haftowanych zdjęć

Ramki do haftowanych zdjęć. Jeśli ty haftować obrazy, to prędzej czy później będziesz musiał ją odebrać rama.

Wybór rama dla projekt haft należy pamiętać, że styl, kolor, szerokość i inne funkcje bagietka do ramki bezpośrednio zależą od fabuły, decyzji stylistycznej, zabarwienie i rozmiar haftowane zdjęcia. Do każdego haftowany obraz wybierz swój unikalny ramy. Wybór ramki dla haftowane zdjęcia zależy również od tego, czy będzie używany projekt haftu passe-partout albo nie.

Większość haftowane zdjęcia Bardziej efektownie wygląda, jeśli podczas dekorowania użyjesz passe-partout. Passe-partout jest wykonywane pojedynczo, podwójnie, czasem potrójnie. Wybór potrójnego passe-partout to Złożony proces nawet dla specjalisty (projektanta). Haft jest naciągnięty tak, aby komórki płótna biegły równolegle do cięcia tektury passe-partout. Coraz bardziej rozpowszechnione są obrazy, zroszony.

Ramki do obrazów gobelinowych

Gobelin jest tkany ręcznie obraz dywanu. Gobeliny tkano zgodnie z rysunkami kolorowymi wełnianymi i jedwabnymi nićmi. złote ramki dla gobeliny. Bagietka do obrazów z gobelin wybierz, zaczynając od fabuły przedstawionej na gobelinie. Najczęściej używa się drewnianej bagietki w odcieniach brązu, czasem - pod złotem, rzadziej - pod srebrem.

„Śmierć Pompejów” można nazwać jednym z mało znanych arcydzieł Iwana Konstantinowicza Aiwazowskiego. Wydarzenie historyczne, tragedia antycznego miasta, zainspirowała malarza do nowego spojrzenia na fabułę.

Malarz

Ivan Aivazovsky lub Hovhannes Ayvazyan był i pozostaje jednym z najbardziej znanych rosyjskich malarzy morskich. Jego pejzaże morskie kochany i ceniony na całym świecie. Prace wystawiane są na popularnych aukcjach Sotheby's i Christie's za miliony funtów szterlingów.

Urodzony w 1817 r. Iwan Konstantinowicz żył osiemdziesiąt trzy lata i zmarł spokojną śmiercią we śnie.

Hovhannes urodził się w kupieckiej rodzinie Ormian z Galicji. później wspominał, że jego ojciec jako pierwszy odszedł od swoich korzeni, a nawet próbował wymówić swoje nazwisko po polsku. Ivan był dumny ze swojego wykształconego rodzica, który znał kilka języków.

Od urodzenia Aivazovsky mieszkał w Feodosia. Jego talenty artystyczne zostały wcześnie dostrzeżone przez architekta Jakowa Kocha. To on zaczął uczyć malarstwa Iwana.

Burmistrz Sewastopola, widząc dar przyszłego mistrza, wziął również udział w jego formacji jako artysta. młody talent, dzięki staraniom wysłanym na bezpłatne studia w Petersburgu. Podobnie jak wielu innych znanych rosyjskich artystów, Aiwazowski pochodził z Akademii Sztuki. W dużej mierze wpłynęło to na preferencje klasycznego malarza marynistycznego.

Styl

Akademia Sztuki w Petersburgu pomogła ukształtować styl Aiwazowskiego dzięki jego studiom u Johanna Grossa, Philipa Tannera, Aleksandra Sauerweida.

Po narysowaniu „Spokoju” Iwan Konstantinowicz w 1837 r. Otrzymuje złoty medal i prawo do podróży do Europy.

Następnie Aiwazowski wraca na Krym, do swojej ojczyzny. Tam przez dwa lata malował pejzaże morskie, a także pomagał armii w bitwach z wrogiem. Jeden z jego obrazów z tego okresu kupił cesarz Mikołaj I.

Po powrocie do Petersburga został uhonorowany tytuł szlachecki. Ponadto zdobywa tak wybitnych przyjaciół jak Karl Bryullov i kompozytor Michaił Glinka.

wędrowny

Od 1840 roku rozpoczęła się pielgrzymka Aiwazowskiego do Włoch. W drodze do stolicy Ivan i jego przyjaciel Wasilij Sternberg zatrzymują się w Wenecji. Tam spotykają innego przedstawiciela rosyjskiej elity, Gogola. które już stały się sławne w Imperium Rosyjskie, odwiedził wiele włoskich miast, odwiedził Florencję, Rzym. Przez długi czas przebywał w Sorrento.

Przez wiele miesięcy Aiwazowski przebywał ze swoim bratem, który został mnichem, na wyspie św. Łazarza. Tam rozmawiał z angielski poeta George'a Byrona.

Dzieło „Chaos” odkupił od niego papież Grzegorz XVI. Krytycy faworyzowali Aiwazowskiego, a paryska Akademia Sztuk Pięknych przyznała mu nawet medal za zasługi.

W 1842 roku malarz morski opuszcza Włochy. Po przekroczeniu Szwajcarii i Renu udaje się do Holandii, później do Wielkiej Brytanii. W drodze powrotnej odwiedza Paryż, Hiszpanię i Portugalię. Cztery lata później wraca do Rosji.

Mieszkający w Petersburgu Aiwazowski został honorowym profesorem akademii zarówno w tym mieście, jak iw Paryżu, Rzymie, Stuttgarcie, Florencji i Amsterdamie. Kontynuował pisanie obrazy marynistyczne. Ma na swoim koncie ponad 6000 krajobrazów.

Od 1845 mieszkał w Teodozji, gdzie założył własną szkołę, współtworzył galerię, zainicjował budowę kolei. Po śmierci pozostał niedokończony obraz „Wybuch tureckiego statku”.

znane obrazy

Obrazy Aiwazowskiego były bardzo kochane przez przedstawicieli wszystkich klas Imperium Rosyjskiego, a później związek Radziecki. W prawie każdej nowoczesnej rodzinie w domu trzymana jest co najmniej jedna reprodukcja Iwana Konstantinowicza.

Jego imię stało się znajome najwyższa jakość wśród marynarzy. Najpopularniejsze są następujące prace artysty:

• „Dziewiąta fala”.
• „Pożegnanie Puszkina z morzem”, które napisał wspólnie z Repinem.
• "Tęcza".
• „Księżycowa noc nad Bosforem”.
• Wśród arcydzieł napisanych przez Aiwazowskiego jest „Śmierć Pompejów”.
• „Widok na Konstantynopol i Bosfor”.
• "Morze Czarne".

Te zdjęcia pojawiły się nawet na znaczki pocztowe. Były kopiowane, haftowane krzyżykiem i ściegiem.

Dezorientacja

Ciekawe, że wielu myli „Śmierć Pompejów”. Obraz, który go namalował, nie jest znany wszystkim, nie ma nic wspólnego z płótnem Bryulłowa. Jego praca nosi tytuł „Ostatni dzień Pompejów”.

Został napisany przez Karla Pavlovicha w 1833 roku. Przedstawia starożytnych ludzi uciekających przed wybuchającym wulkanem. W Bryullov mieszkańcy Pompejów są zamknięci w samym mieście. „Śmierć Pompejów”, opis obrazu jest bardzo inny, przekazuje zupełnie inny pomysł.

Krajobraz Aiwazowskiego został namalowany w 1889 roku, znacznie później niż jego poprzednik. Jest prawdopodobne, że będąc przyjacielem Bryulłowa, malarz marynistyczny mógł inspirować się tym samym wybranym tematem tragedii starożytności.

Historia obrazu

Za najbardziej nietypowe dzieło Aiwazowskiego uważa się Śmierć Pompejów. Obraz powstał w 1889 roku. Jako podstawę wziął spisek z historii. To, co stało się z miastem, jest nadal uważane za jedno z największych klęski żywiołowe na świecie. Pompeje, niegdyś piękna starożytna osada, znajdowały się w pobliżu Neapolu, w pobliżu aktywnego wulkanu. W 79 roku rozpoczęła się erupcja, która pochłonęła setki istnień ludzkich. Opis obrazu Aiwazowskiego pomaga przekazać wszystkie te wydarzenia.

Jeśli Bryulłow pokazał na swoim płótnie, jak może wyglądać samo miasto i ludzie w nim, to Aiwazowski skupił się na morzu.

„Śmierć Pompejów”. Zdjęcie: kto napisał i co chciał powiedzieć

Będąc malarzem marynistycznym, Iwan Konstantinowicz skupił się na przeniesieniu fabuły poza miasto. Historia już mówi nam, jak kończy się śmierć Pompejów. Obraz jest namalowany w bardzo ponurych odcieniach szkarłatu, symbolizujących wszystkie ludzkie życia pogrzebane żywcem pod warstwą lawy.

Centralną postacią płótna jest morze, po którym płyną statki. W oddali widać miasto oświetlone lawą. Niebo jest ciemne od dymu.

Pomimo horroru tego wydarzenia, Aivazovsky daje pewną nadzieję na lepszą przyszłość, pokazując statek pełen uciekinierów.

Iwan Konstantinowicz chciał przekazać rozpacz tych, którzy widzieli śmierć Pompejów. Obraz nie skupia się na twarzach umierających ludzi. Niemniej jednak całą tragedię i horror tej sytuacji zdaje się mówić gorące morze. Na płótnie dominują karmazynowe, czarne i żółte kolory.

W centrum są dwa duży statek z którymi borykają się fale morskie. W oddali widać jeszcze kilka, spieszących do opuszczenia miejsca śmierci, w którym na zawsze zamarli mieszkańcy miasta, uchwyceni na płótnie „Śmierć Pompejów”.

Jeśli przyjrzysz się uważnie, na górze, w kręgach dymu, znajduje się wybuchający wulkan, z którego rzeki lawy wylewają się na starożytne świątynie i domy. Aivazovsky wzmocnił się, dodając na całym zdjęciu wiele czarnych kropek popiołu osiadających na wodzie.

Zobacz zdjęcie

„Śmierć Pompejów” - obraz olejny na zwykłym płótnie o wymiarach 128 na 218 cm przechowywany jest w Rostowie.

Jest integralną częścią kolekcji, zwiedzający są tu mile widziani codziennie od 10.00 do 18.00. Muzeum jest zamknięte tylko we wtorki. Adres: ul. Puszkinskaja 115.

Koszt zwykłego biletu bez korzyści kosztuje odwiedzającego 100 rubli. Dzieci, które jeszcze nie chodzą do szkoły, będą musiały zapłacić 10 rubli. Studenci mogą płacić bilet wstępu 25 rubli. Studenci płacą 50 rubli, a emeryci 60 rubli.

W kolekcji muzeum znajdują się również inne obrazy Aiwazowskiego, takie jak „Morze” i „Noc księżycowa”. Niemniej jednak perłą kolekcji jest „Śmierć Pompejów”. Opis obrazu daje jasne wyobrażenie o tym, jak niesamowita może być natura.