Porównanie baroku z klasycyzmem. Empire, klasycyzm, barok i inne style: wspólne cechy i różnice

Mają zarówno cechy wspólne, jak i różnice, ponieważ każdy z kierunków architektonicznych ma swoje unikalne właściwości.

W dobie Oświecenia i New Age w krajach Europy – od XVII do XIX wieku – pojawiły się jasne i bogate trendy stylistyczne w sztuce. Barok, rokoko, klasycyzm, imperium – to kilka stylów, które były wówczas znane. Tak wysoki rozwój sztuki architektonicznej wynikał z tego, że następowały po sobie dynastie królewskie, cesarskie i arystokratyczne, a każda z nich chciała uwielbić siebie i okres swoich rządów prawdziwymi arcydziełami sztuki i wspaniałymi dziełami architektury.

Jaka jest różnica między stylem Empire (późnym klasycyzmem) a zwykłym klasycyzmem?

Dwa popularne nurty - imperium i klasycyzm w architekturze odcisnęły wielki ślad w historii. W swej istocie Empire jest jednym z etapów historycznego rozwoju klasycyzmu, jedną z jego gałęzi, więc nie można mówić o tych stylach jako o zupełnie innych kierunkach.

Jeśli zapytasz architektów, czym Empire różni się od klasycyzmu, nawet specjalistom trudno będzie odpowiedzieć na to pytanie. Imperium jest ostatnim etapem rozwoju klasycyzmu, było popularne w pierwszych trzech dekadach XIX wieku. Imperium, czyli późny klasycyzm - tak określa się ten kierunek w sztuce, został powołany do służby państwu za panowania Napoleona, aby gloryfikować jego osobowość i dokonane przez niego wyczyny.

Klasycyzm zaczął stopniowo przenosić się do Imperium w okresie Cesarstwa Napoleońskiego, tendencje te skupiały się na obrazie sztuki okresu starożytności. Architekci tamtych czasów wykorzystali elementy, które umożliwiły jak najdokładniejsze przekazanie militarnej potęgi i majestatycznej potęgi państwa.

W tym celu wykorzystano takie techniki zdobnicze jak wiązki liktorów, zbroje wojskowe, wieńce laurowe, lwy i orły. Takie elementy były również używane w epoce rozwoju klasycyzmu w architekturze, jednak zasadnicza różnica polega na tym, że imperium zapożyczało formy architektoniczne, które były głównie nieodłączne od starożytnego Rzymu, a klasycyzm stosował głównie dziedzictwo starożytnej Grecji. Uderzającym przykładem budynku w stylu klasycyzmu jest Villa Rotunda we Włoszech, której autorem był architekt A. Palladio.

Jaka jest różnica między stylem Empire a klasycyzmem, jeśli mówimy o wyborze? zabarwienie przy urządzaniu lokalu? Wnętrze, udekorowane zgodnie z prawami klasycyzmu, było ściśle utrzymane w jasnych i bogatych odcieniach wanilii, szeroko stosowano bladoniebieski i kolor młodych liści.

jasne przedmioty bogate kolory było to prawie niemożliwe do zobaczenia, podczas gdy w okresie Imperium wręcz przeciwnie, projektanci umiejętnie połączyli krzykliwe jasne kolory z delikatnymi i miękkimi odcieniami. Przewaga nasyconych odcieni zieleni i fioletu oraz złocenia to kolejna technika charakterystyczna wyłącznie dla epoki Empire.

Różnica między neoklasycyzmem a klasycyzmem i imperium

Inną wspólną cechą tych dwóch obszarów jest wykorzystanie drogiego drewna i luksusowych tkanin w aranżacji wnętrz. Nierzadko można było zobaczyć meble ozdobione intarsjami wykonanymi z innych gatunków drewna, kamienia naturalnego lub kości słoniowej.

Wśród ogólnych cech kierunków nie sposób nie zauważyć, że równie często wykorzystują ornamenty kwiatowe jako dekoracje. Szczególną uwagę zwrócono na wybór tkanin do dekoracji wnętrz w dobie klasycyzmu i Empire. Luksus i przepych pomieszczenia można było nadać dzięki zastosowaniu naturalnego jedwabiu i gobelinów z różnymi motywami. Tutaj należy od razu zauważyć różnicę między neoklasycyzmem a klasycyzmem i stylem empire – wykorzystuje wyłącznie sztuczny jedwab, który wygląda tak samo drogo jak materiał naturalny.

Różnice między empirem a klasycyzmem polegają na tym, że ten pierwszy charakteryzował się wyraźną pompatycznością i luksusem. Klasycyzm obdarzony był mniejszą monumentalnością, bardziej charakteryzuje się powściągliwością form i linii w konstrukcji obiektów architektonicznych i wystroju wnętrz. Jest jeszcze jeden cecha wyróżniająca Empire, charakterystyczne wyłącznie dla tego kierunku - powszechne stosowanie luster.

Klasycyzm, neoklasycyzm i imperium rosyjskie: podobieństwa i różnice

Klasycyzm, Imperium Rosyjskie i Neoklasycyzm, a także wiele innych style architektoniczne, miał ze sobą wiele wspólnego.

Przede wszystkim należy wymienić takie podobieństwo kierunków:

1. Luksus. Style miały zdobić wnętrza przedstawicieli arystokracji, dlatego wielu nazywa je „pałacowymi” i „królewskimi”. Jeśli zwrócić uwagę na wszystkie style, które deklarowały się w okresie od XVII do XIX wieku, to najskromniejsze były klasycyzm i neoklasycyzm, choć w rzeczywistości wnętrza wyróżniały się niespotykanym luksusem.

2. Duże i przestronne pokoje. Dla pomieszczeń tych epok charakterystyczne były pomieszczenia o dużej przestrzeni i wysokich sufitach. Dla stylu rokoko to było najmniej charakterystyczne, jeśli wszystko porównamy ze sobą. trendy architektoniczne ten czas.

3. Sposoby dekoracji. Do dekoracji pomieszczeń, których celem było nadanie wnętrzu luksusu i bogactwa, wykorzystano takie elementy jak sztukaterie, malowidła ścienne i obrazy ze scenami klasycznymi, rzeźby w drewnie.

Neoklasycyzm różni się od klasycyzmu i imperium tym, że nurt ten, popularny pod koniec XVIII - na początku XIX wieku, odziedziczył tradycje nie tylko okresu starożytności, ale także można w nim prześledzić sztukę renesansu. W zasadzie neoklasycyzm jest z natury kontynuacją klasycyzmu, jego nowoczesnym dopełnieniem.

Art Nouveau, Barok, Empire, Klasycyzm: cechy charakterystyczne

Barok, klasycyzm i secesja to trendy, które mają wiele charakterystycznych cech. Art Nouveau to „cytat” wszystkich trzech klasycznych stylów. Powstała pod silnym wpływem kultury japońskiej, Starożytny Egipt i kraje innych starożytnych cywilizacji.

Różnica między barokiem, empirem i klasycyzmem z jednej strony, a secesją z drugiej polega na tym, że wraz z nadejściem tego drugiego kierunku sztuka architektoniczna porzuciła spuściznę poprzednich epok. W tym okresie następuje odrzucenie prostych linii i wyraźnych geometrycznych kształtów, konserwatyzmu i patosu na rzecz bardziej naturalnych zakrzywionych, zaokrąglonych linii i asymetrii.

Jaka jest różnica między eklektycznym a nowoczesnym z Empire?

Na początku XIX wieku majestatyczny empirowy styl został zastąpiony eklektyzmem.

Eklektyzm i modernizm różnią się od Empire i klasycyzmu tym, że są mieszanką i „cytatą” wszystkich poprzednich stylów jednocześnie.

Z reguły eklektyzm łączy sąsiednie, a nie przeciwne kierunki. Elementy wnętrza w innym stylu muszą mieć coś wspólnego - kolor, fakturę, ogólny wygląd. Na meblach można zobaczyć wzory takie jak paski, zygzaki, koła. Orientalne narzuty i dywany, wzorzyste tapety, nisze, zaokrąglone narożniki - to wszystko jest typowe dla eklektyzmu.

Generalnie klasycyzm ma ze sobą wiele wspólnego, a nowoczesność i eklektyzm są ich całkowitym przeciwieństwem.

Barok i klasycyzm

pałac wersal kultura artystyczna

W XVII wieku, w warunkach aktywnego rozwoju gospodarki i sztuki, Francja uzyskała status państwa wzorcowego o absolutystycznych formach rządów i praktycznej polityce gospodarczej. Dzięki ruchowi kontrreformacji Rzym w przestrzeń kulturalna rozdrobnione terytorialnie Włochy nabrały nowego znaczenia. W rezultacie budowa obiektów sakralnych nabrała silnego rozmachu. Rozpoczęty w tych warunkach pod koniec XVII wieku Nowa scena budowa przyczyniła się do tego, że książęta niemieccy kierowali się w swoich potrzebach wzorami zagranicznymi. W dużej mierze byli pod wpływem francuskiego absolutyzmu Ludwika XIV. Każdy feudalny lord – bez względu na to, jak małe należało do niego terytorium – skopiował swoją rezydencję z Wersalu, tej perły królewskich posiadłości.

Pomimo tego, że europejska architektura XVII-XVIII wieku nie charakteryzuje się jednolitością i integralnością, zwyczajowo łączy się ją z ogólną koncepcją „baroku”. Zamki książęce i miejsca kultu stały się podstawowymi obiektami budowlanymi i ucieleśnieniem oporu wobec reformacji. W latach 30. XVIII wieku zaczęto odczuwać wpływy oświecenia, co od razu znalazło odzwierciedlenie we wzroście intymności budynków. Małe eleganckie zamki otoczone parkami stały się ulubionym miejscem pobytu książąt. To jedna z najbardziej uderzających cech charakterystycznych baroku.

Nowy styl wezwał do pomocy w prowadzeniu działań urbanistycznych piękna środowisko lub prościej - pejzaż. Krajobraz stał się jednym z głównych elementów zespołu urbanistycznego. Plac, tracąc swoją funkcjonalną i demokratyczną treść, stał się frontową częścią miasta, jego ozdobą. Architektura barokowa wyróżnia się rozmachem, przepychem i dynamiką, widowiskowością oraz silnym kontrastem skal i rytmów.

Dzięki dziwacznej plastyczności elewacji, skomplikowanym krzywoliniowym planom i konturom barokowe pałace i kościoły nabrały malowniczości i dynamiki. Wydawały się wrastać w otaczającą ich przestrzeń. Barokowe wnętrza zdobiła wielobarwna rzeźba, sztukaterie i rzeźby; lustra i malowidła ścienne były niezbędne do iluzorycznego poszerzenia przestrzeni, a malowanie plafonów stworzyło iluzję sklepień otwierających się nad widzem.

W malarstwie i rzeźbie barokowej dominującą pozycję miały dekoracyjne, wielopłaszczyznowe kompozycje o charakterze religijnym, mitologicznym lub alegorycznym oraz portrety obrzędowe. Podczas przedstawiania osoby preferowane były stany napięcia, egzaltacji i wzmożonego dramatu. W malarstwie wielkie znaczenie nabierała emocjonalna, rytmiczna i kolorystyczna jedność całości, często nieskrępowana swoboda kreski; w rzeźbie - malownicza płynność formy, bogactwo aspektów i wrażeń.

Charakterystyczne cechy baroku to złożoność planów, bogata aranżacja wnętrz z nieoczekiwanymi i spektakularnymi rozwiązaniami przestrzennymi i oświetleniowymi, wiele krzywizn, plastycznie zakrzywione linie i płaszczyzny, kontrast, napięcie i dynamizm obrazów, afektacja, pragnienie luksusu i przepychu, za łączenie rzeczywistości i iluzji, za fuzję sztuk. Styl barokowy kontrastował prostotę klasycznych form z wyrafinowaniem w kształtowaniu. Elementy malarstwa i rzeźby, malowane powierzchnie ścian znalazły szerokie zastosowanie w architekturze.

Ideologiczne podstawy baroku powstały w warunkach reformacji i nauki Kopernika. Zmieniła się idea świata jako racjonalnej i trwałej jedności, charakterystyczna dla filozofii starożytności i renesansowej wizji człowieka jako korony stworzenia. Człowiek zaczął sobie uświadamiać sobie „coś pomiędzy wszystkim a niczym”, jak powiedział Pascal, „ten, który wyłapuje tylko pozory zjawisk, ale nie jest w stanie zrozumieć ani ich początku, ani końca”.

Narodzinom baroku sprzyjał w pewnym stopniu brak środków na budowę pałacu ze strony przedstawicieli szlachty. W poszukiwaniu wyjścia z tej sytuacji zwrócili się do sztuki, aby stworzyć iluzję władzy i bogactwa. Częściowo z tego powodu barok powstał we Włoszech w XVI wieku.

Oparte zostały barokowe formy architektoniczne włoski renesans, ale przewyższała go złożonością, różnorodnością i malowniczością. Fasady z wyprofilowanymi gzymsami, kolumnami, półkolumnami i kolosalnymi na kilku piętrach pilastrami, luksusowe detale rzeźbiarskie, często przechodzące od wypukłych do wklęsłych, nadają samej konstrukcji ruch i rytm. W przeciwieństwie do okresu renesansu, żaden szczegół takiej konstrukcji nie był samodzielny. Wszystkie części zespołu podlegają wspólnemu projektowi architektonicznemu, którego dopełnieniem jest projekt i dekoracja wnętrz, a także ogrodnictwo krajobrazu i urbanistyka architektoniczna.

We Francji styl barokowy wyrażany jest nieco skromniej niż w innych krajach. Kiedyś uważano, że styl barokowy w ogóle się tu nie rozwinął, a zabytki barokowe uważano za zabytki klasycyzmu. Czasami właściwe jest użycie terminu „klasycyzm barokowy” w odniesieniu do francuskiego i warianty angielskie barokowy. Obecnie Pałac Wersalski wraz z regularnym parkiem, Pałacem Luksemburskim, budynkiem Akademii Francuskiej w Paryżu i innymi dziełami architektury uważane są za francuski barok. Naprawdę mają pewne cechy klasycyzmu. charakterystyczna cecha styl barokowy jest stałym stylem w sztuce ogrodowej, najjaśniejszy przykład czyli Park Wersalski, szczyt kreatywności utalentowanego mistrza Andre Le Notre.

Niemiecki krytyk sztuki i historyk sztuki antycznej Johann Joachim Winckelmann napisał w 1755 r.: „Jedynym sposobem, abyśmy stali się wielcy i jeśli to możliwe, niepowtarzalnymi, jest naśladowanie starożytnych”. Tym hasłem wezwał współczesnych do odnowienia sztuki, wykorzystując piękno starożytności, postrzegane jako ideał, jako podstawę i znalazł aktywne wsparcie w społeczeństwie europejskim. Architektura antyczna była przez niego postrzegana jako norma harmonii, prostoty, rygoru, logicznej klarowności i monumentalności. Postępowa opinia publiczna postrzegała klasycyzm jako niezbędną opozycję wobec dworskiego baroku. Powstawanie klasycyzmu zbiegło się w czasie z okresem rewolucji burżuazyjnych – angielskiej w 1688 r. i francuskiej – 101 lat później. W ten sposób odwołanie się do sztuki antycznej jako najwyższego przykładu i nawiązanie do tradycji wysokiego renesansu stało się jedną z najważniejszych cech klasycyzmu.

Sztuki piękne klasycyzmu starały się ucieleśniać ideę harmonijnej struktury społeczeństwa. O złożoności sztuk pięknych klasycyzmu wyraźnie świadczą konflikty jednostki i społeczeństwa, ideału i rzeczywistości, uczucia i rozumu. Artystyczne formy klasycyzmu charakteryzują się cechami ścisłej organizacji, równowagi, prostoty i harmonii obrazów.

Pragnienie ucieleśnienia szlachetnej prostoty i spokojnej wielkości starożytnej sztuki w budownictwie doprowadziło mistrzów epoki do całkowitego skopiowania starożytnego budynku. Tak więc to, co niemiecki architekt Gilly miał na etapie projektowania pomnika Fryderyka II, z rozkazu Ludwika I Bawarskiego, zostało wykonane na zboczach Dunaju w Ratyzbonie i otrzymało nazwę Valhalla - „Sala Umarłych ”.

W Niemczech szczególną sławę zyskały książęce pałace - rezydencje, które stały się ośrodkami budownictwa w stylu klasycystycznym, a wśród nich Marktplatz (plac handlowy) w Karlsruhe, Maximilianstadt i Ludwigstrasse w Monachium oraz budownictwo w Darmstadt. Królowie pruscy w Berlinie i Poczdamie również sprzyjali klasycyzmowi podczas budowy. Jednak do tego czasu pałace straciły już status głównych obiektów budowlanych, willi i domów wiejskich wyglądały nie mniej imponująco i imponująco. Sfera budownictwa państwowego obejmowała budynki socjalne - szpitale, domy dla niewidomych i głuchoniemych, a także więzienia i koszary. Wkrótce dodano do nich budynki użyteczności publicznej, takie jak teatry, muzea, uniwersytety i biblioteki. Obrazu dopełniły posiadłości wiejskie arystokracji i burżuazji, ratusze i budynki mieszkalne w miastach i wsiach.Budowa kościołów nie była już nadrzędnym zadaniem, ale niezwykłe budowle pojawiły się w Karlsruhe, Darmstadt i Poczdamie, dyskusja, czy pogańskie formy architektoniczne nadają się do chrześcijańskiego klasztoru.

W malarstwie dominowała rola logicznego rozwinięcia fabuły, wyraźnego wyważenia kompozycji, wyraźnego przeniesienia objętości i modelowania formy światło-cieniowej oraz operowania lokalnymi kolorami.

Wyraźne wytyczenie planów w pejzaż również ujawnione za pomocą koloru: pierwszoplanowy musiała być napisana brązowo, druga na zielono, a trzecia na niebiesko.

Architekturę klasycyzmu charakteryzuje regularność planowania i klarowność formy wolumetrycznej. Podstawą języka architektonicznego stylu klasycznego był porządek zbliżony proporcjami i formą do starożytności. Klasycyzm wyróżniają symetryczno-osiowe kompozycje, powściągliwość dekoracyjnej dekoracji i regularny system urbanistyczny.

Wielki wenecki mistrz Palladio i jego następca Scamozzi sformułowali architektoniczny język klasycyzmu pod koniec renesansu. Wenecjanie tak bardzo absolutyzowali zasady starożytnej architektury świątynnej, że wykorzystywano je nawet przy budowie tak prywatnych rezydencji jak Villa Capra. Inigo Jones przeniósł palladianizm do Anglii, gdzie lokalni palladiańscy architekci stosowali się do wskazań Palladia z różnym stopniem wierności aż do połowy XVIII wieku.

W tym czasie wśród intelektualistów kontynentalnej Europy zaczęło narastać przesycenie luksusem późnego baroku i rokoka. W rozwiązywaniu głównych problemów urbanistycznych ta estetyka baroku i rokoka była zdecydowanie mało przydatna. Już za Ludwika XV w Paryżu wzniesiono zespoły urbanistyczne w stylu „starożytnego rzymskiego”, wśród nich Place de la Concorde (architekt Jacques-Ange Gabriel) i kościół Saint-Sulpice, a za Ludwika XVI takie „ szlachetny lakonizm” stał się głównym nurtem architektonicznym.

Francuski architekt Jacques-Germain Soufflot podczas budowy kościoła św. W Rosji Bazhenov podążał w tym samym kierunku, co Soufflet. Francuzi Claude-Nicolas Ledoux i Etienne-Louis Boulet mogli posunąć się jeszcze dalej w kierunku rozwoju radykalnego stylu wizjonerskiego z naciskiem na abstrakcyjną geometryzację form. W rewolucyjnej Francji ascetyczny patos obywatelski ich projektów nie był pożądany.

Architekci napoleońskiej Francji szukali inspiracji w obrazach chwała militarna zachowane z czasów cesarskiego Rzymu, takie jak łuk triumfalny Septymiusza Sewera i kolumna Trajana. Z rozkazu cesarza zostały przeniesione do Paryża w postaci łuku triumfalnego Carruzel i kolumny Vendôme. W odniesieniu do pomników wielkości militarnej epoki wojen napoleońskich zwyczajowo używa się określenia „styl cesarski” – Imperium. W Rosji tacy mistrzowie jak Karl Rossi, Andrey Voronikhin i Andrey Zakharov byli wybitnymi mistrzami stylu empirowego.

Najważniejsze wnętrza klasycystyczne zostały ukończone przez szkockiego architekta Roberta Adama po powrocie z Rzymu w 1758 roku. Wielkie wrażenie wywarły na nim badania archeologiczne włoskich naukowców oraz architektoniczne fantazje Piranesiego. W interpretacji Adama klasycyzm był stylem niewiele gorszym pod względem wyrafinowania od wnętrz rokokowych. Dzięki temu zyskał sławę zarówno wśród demokratycznie nastawionych kręgów społecznych, jak i wśród arystokracji. Podobnie jak jego francuscy koledzy, Adam wolał całkowite odrzucenie szczegółów pozbawionych funkcji konstruktywnej. Estetyka klasycyzmu przyczyniła się do wielkoskalowych projektów urbanistycznych i w pewnym stopniu przyczyniła się do uporządkowania zabudowy miejskiej w skali całych miast.

W Rosji większość miast prowincjonalnych i prawie wszystkie powiatowe zostały przeplanowane zgodnie z zasadami klasycznego racjonalizmu. Miasta takie jak Sankt Petersburg, Helsinki, Warszawa, Dublin, Edynburg i kilka innych stały się prawdziwymi skansenami klasycyzmu. W całej przestrzeni od Minusińska do Filadelfii ustanowiono jeden język architektoniczny, którego początki sięgają Palladio. Zwykła budowa została wykonana zgodnie z albumami projektów standardowych.

W okresie po wojnach napoleońskich klasycyzm istniał jednocześnie z romantycznie zabarwionym eklektyzmem, zwłaszcza z odrodzeniem zainteresowania średniowieczem i modą na neogotyk architektoniczny. W związku z odkryciem przez Champolliona talerza z Rosetty popularność zyskały motywy egipskie. Zainteresowanie architekturą starożytnego Rzymu zostało stopniowo zastąpione szacunkiem dla wszystkiego, co starożytnej Grecji, co było szczególnie widoczne w Niemczech i Stanach Zjednoczonych. Niemieccy architekci Leo von Klenze i Karl Friedrich Schinkel budują odpowiednio Monachium i Berlin z okazałym muzeum i innymi budynkami użyteczności publicznej w duchu Partenonu. We Francji czystość klasycyzmu została osłabiona przez swobodne zapożyczenia z repertuaru architektonicznego renesansu i baroku.

Wnioski do rozdziału 1

Style baroku i klasycyzmu wykształciły się kultura artystyczna Europa Zachodnia w XVII-XVIII wieku. Te dwa nurty w sztuce z powodzeniem współistniały przez dwa stulecia, rozwijając się równolegle i na przemian zajmując wiodącą pozycję lub schodząc na dalszy plan.

Klasyczny styl w kulturze artystycznej odwoływał się do wykorzystania sztuki świat starożytny jako punkt odniesienia. Geneza klasycyzmu nastąpiła na etapie rewolucji burżuazyjnych – angielskiej i francuskiej – co wpłynęło na charakter jego formowania się i znalazło odzwierciedlenie w charakterystyce cech w ramach stylu narodowego.

W sztuki piękne klasycyzm dążył do urzeczywistnienia idei harmonijnego ułożenia społecznej strony bytu. formy sztuki klasycyzm cechuje ścisła organizacja, równowaga, prostota i harmonia obrazów.

Charakterystyczne cechy stylu barokowego to złożoność planów, bogata dekoracja wnętrz z efektownymi rozwiązaniami przestrzennymi i świetlnymi, wiele krzywizn, plastycznie zakrzywione linie i płaszczyzny, kontrast i żywa dynamika obrazów, pragnienie luksusu, kombinacja iluzji i rzeczywistości oraz fuzji sztuk. Wbrew klasycznym formom styl barokowy sprzyjał wyrafinowaniu w kształtowaniu. W architekturze powszechne było stosowanie elementów malarstwa i rzeźby, malowanych powierzchni ścian.

W ideologii barokowej człowiek jawił się jako „coś między wszystkim a niczym”, jak mówi Pascal, „ten, który ujmuje tylko pozory zjawisk, ale nie jest w stanie zrozumieć ani ich początku, ani końca”.

W epoce klasycyzmu, która nastąpiła po baroku, rola kontrapunktu zmalała (choć rozwój sztuki kontrapunktu nie ustał) i do głosu doszła struktura homofoniczna utwory muzyczne. W muzyce jest mniej zdobnictwa. Utwory zaczęły skłaniać się ku bardziej przejrzystej strukturze, zwłaszcza te pisane w formie sonatowej. Modulacje (zmiana tonacji) stały się elementem strukturyzującym; utwory zaczęto wsłuchiwać jako pełną dramatyzmu podróż przez sekwencję klawiszy, serię odlotów i przylotów do toniku. Modulacje były również obecne w muzyce barokowej, ale nie pełniły funkcji strukturyzującej. W utworach epoki klasycznej wiele emocji ujawniało się często w obrębie jednej części utworu, podczas gdy w muzyce barokowej jedna część niosła jedno, wyraźnie zarysowane uczucie. I wreszcie w dzieła klasyczne zwykle osiągano emocjonalny punkt kulminacyjny, który ustępował pod koniec utworu. W utworach barokowych, po osiągnięciu tej kulminacji, aż do ostatniej nuty, wyczuwało się lekkie odczucie głównej emocji. Wielość form barokowych stanowiła punkt wyjścia do rozwoju formy sonatowej, rozwijającej wiele wariantów podstawowych kadencji.

Gatunki Barok

Kompozytorzy barokowi pracowali w różnych gatunkach muzycznych. Opera, która pojawiła się w okresie późnego renesansu, stała się jedną z głównych barokowych form muzycznych. Można przywołać dzieła takich mistrzów gatunku jak Alessandro Scarlatti (1660-1725), Handel, Claudio Monteverdi i inni. Gatunek oratoryjny osiągnął swój szczyt w twórczości J. S. Bacha i Haendla; opery i oratoria często wykorzystywały podobne formy muzyczne.

Mniej popularne stały się formy muzyki sakralnej, takie jak msza i motet, ale forma kantatowa zwróciła uwagę wielu kompozytorów protestanckich, m.in. Johanna Bacha. Powstały takie wirtuozowskie formy kompozycji jak toccaty i fugi. Sonaty i suity instrumentalne powstały zarówno na pojedyncze instrumenty, jak i na orkiestry kameralne. Gatunek concerto wyłonił się w obu formach: na jeden instrument z orkiestrą oraz jako concerto grosso, w którym niewielka grupa instrumentów solowych kontrastuje z pełnym zespołem. Splendoru i splendoru wielu dworów królewskich dodawały także utwory w formie uwertury francuskiej, z kontrastującymi częściami szybkimi i wolnymi.

Utwory klawiszowe były często pisane przez kompozytorów dla własnej rozrywki lub jako materiał dydaktyczny. Takimi utworami są dojrzałe kompozycje J. S. Bacha, powszechnie uznane intelektualne arcydzieła epoki baroku: Klavier nastrojony, Wariacje Goldbergowskie i Sztuka fugi.

Muzykę baroku podzielono na trzy okresy: muzykę wczesnego baroku (1600-1654), muzykę dojrzałego baroku (1654-1707) i muzykę późnego baroku (1707-1760).

Muzyka wczesnego baroku

Stworzenie jego stylu recytatywnego przez włoskiego kompozytora Claudio Monteverdiego (1567-1643) i konsekwentny rozwój włoskiej opery można uznać za warunkowe przejście między epoką baroku i renesansu. Początek przedstawień operowych w Rzymie, a zwłaszcza w Wenecji, oznaczał już uznanie i rozprzestrzenienie się nowego gatunku w całym kraju. Wszystko to było tylko częścią większego procesu, który uchwycił całą sztukę, a szczególnie wyraźnie przejawiał się w architekturze i malarstwie. Kompozytorzy renesansowi zwracali uwagę na opracowanie każdej części dzieła muzycznego, nie przywiązując żadnej uwagi do zestawienia tych części. Z osobna każda część mogła brzmieć znakomicie, ale harmonijny wynik dodawania był bardziej kwestią przypadku niż regularności. Pojawienie się ogólnego basu wskazywało na istotną zmianę w myśleniu muzycznym – mianowicie, że harmonia, czyli „złożenie części w jedną całość”, jest równie ważna jak partie melodyczne (polifonia) same w sobie. Myślenie harmoniczne istniało również wśród niektórych kompozytorów poprzedniej epoki, takich jak Carlo Gesualdo, ale w epoce baroku stało się powszechnie akceptowane. Dodać należy, że termin „harmonia” jest tu używany w znaczeniu „łączenia dźwięków w zbieżności i ich regularnego następstwa”, czyli harmonii hierarchicznej, akordowej, tonalnej. Znacząca postać wczesnego baroku, stojąca po stronie katolicyzmu, przeciwstawiającego się narastającej ideologii, kulturze i wpływ publiczny Protestantem był Giovanni Gabrieli. Jego prace należą do stylu wysokie ożywienie„(rozkwit renesansu). Jednak niektóre jego nowinki w zakresie instrumentacji (przypisanie określonych zadań danemu instrumentowi) wyraźnie wskazują, że był jednym z kompozytorów, którzy wpłynęli na powstanie nowego stylu.

Dojrzała muzyka barokowa

Okres centralizacji najwyższej władzy w Europie jest często nazywany absolutyzmem. Absolutyzm osiągnął swój zenit pod rządami francuskiego króla Ludwika XIV. Dla całej Europy dwór Ludwika był wzorem do naśladowania. W tym muzyka wykonywana na dworze. Zwiększona dostępność instrumenty muzyczne(dotyczyło to zwłaszcza instrumentów klawiszowych) dało impuls do rozwoju muzyki kameralnej. Dojrzały barok różni się od wczesnego baroku wszechobecnością nowego stylu i wzmożoną separacją form muzycznych, zwłaszcza operowych. W teorii muzyki dojrzały barok określa się koncentracją kompozytorów na harmonii i próbami tworzenia spójnych systemów muzycznego uczenia się. W kolejnych latach doprowadziło to do pojawienia się wielu prac teoretycznych.

Wybitnym przedstawicielem nadwornych kompozytorów dworu Ludwika XIV był Giovanni Battista Lulli (1632-1687). Już w wieku 21 lat otrzymał tytuł „nadwornego kompozytora” muzyka instrumentalna”. Od samego początku twórczość Lully'ego była ściśle związana z teatrem. Po zorganizowaniu dworskiej muzyki kameralnej i skomponowaniu „airs de cour” zaczął pisać muzykę baletową. Ale najważniejsze w twórczości Lully'ego wciąż było pisanie oper.

Kompozytor i skrzypek Arcangelo Corelli (1653-1713) znany jest z pracy nad rozwojem gatunku concerto grosso. Corelli był jednym z pierwszych kompozytorów, których utwory były publikowane i wykonywane w całej Europie.

Muzyka późnego baroku

Dokładna granica między dojrzałym a późnym barokiem jest przedmiotem dyskusji; leży gdzieś między 1680 a 1720 rokiem. Znaczna złożoność jego definicji polega na tym, że w różnych krajach style nie były zsynchronizowane; innowacje przyjęte już jako reguła w jednym miejscu były świeżymi odkryciami w innym. Włochy, dzięki Arcangelo Corelli i jego uczniom Francesco Geminiani i Pietro Locatelli, stają się pierwszym krajem, w którym barok przechodzi od dojrzałego do późny okres. Ważnym kamieniem milowym może być niemal absolutna dominacja tonalności jako strukturyzującej zasady komponowania muzyki. Jest to szczególnie widoczne w pracach teoretycznych Jeana Philippe'a Rameau, który zajął miejsce Lully'ego jako główny francuski kompozytor. Formy odkryte przez poprzedni okres osiągnęły dojrzałość i wielką zmienność; koncert, suita, sonata, concerto grosso, oratorium, opera i balet nie miały już ostrych cech narodowych.

Antonio Vivaldi (1678-1741) - włoski kompozytor urodzony w Wenecji. Sławę Vivaldiego przyniosły nie koncerty czy kontakty na dworze, ale publikacje jego dzieł, w tym sonat triowych, sonat skrzypcowych i koncertów. Zostały opublikowane w Amsterdamie i szeroko rozpowszechnione w całej Europie. To właśnie w tych, w tym czasie wciąż się rozwijało gatunki instrumentalne(Sonata barokowa i Koncert barokowy), Vivaldiego i jego największy wkład.

Johann Sebastian Bach urodził się 21 marca 1685 w Eisenach w Niemczech. W ciągu swojego życia skomponował ponad 1000 utworów z różnych gatunków, z wyjątkiem opery. Ale za życia nie odniósł żadnego znaczącego sukcesu. W ostatnich latach jego życia i po śmierci Bacha jego sława kompozytora zaczęła spadać: jego styl uznano za przestarzały w porównaniu z rozkwitającym klasycyzmem. Był bardziej znany i pamiętany jako wykonawca, nauczyciel i ojciec Bachs Jr., przede wszystkim Carla Philippa Emmanuela, którego muzyka była bardziej znana.

Dopiero wykonanie Pasji według Mateusza przez Mendelssohna, 79 lat po śmierci J.S. Bacha, ożywiło zainteresowanie jego twórczością. Teraz J.S. Bach jest jednym z najpopularniejszych kompozytorów wszech czasów.

architektoniczny klasycyzm barok urbanistyka

Charakterystyka każdego opracowanego stylu nie nastręcza szczególnych trudności metodologicznych. Inna sprawa to analiza punktu zwrotnego między dwoma konkretnymi stylami, która w swej istocie jest sprzeczna. Jak dochodzi do takiego złamania? Nie tyle interesuje nas pytanie, co in ogólny sens wynika to z wyjaśnienia głównych wzorców zmiany stylów. W poszukiwaniu takich prawidłowości będziemy świadomie dopuszczać polemiczne zaostrzenie sformułowań, aby ostrzej wydobyć proponowany punkt widzenia. Przejście od baroku do klasycyzmu było jednym z najszybciej zmieniających się stylów architektury domowej. Koniec lat 50. to wciąż okres rozkwitu baroku. Połowa lat sześćdziesiątych XVIII wieku to już czas szerokiego rozprzestrzeniania się klasycyzmu. W niezwykle krótkim okresie od pięciu do siedmiu lat następuje całkowita zmiana. gusta estetyczne. Rosyjska architektura barokowa z XVIII wieku. było historycznie uwarunkowanym, złożonym i osobliwym zjawiskiem, które wchłonęło wiele tradycji rosyjskiej architektury XVII wieku oraz szereg cech architektury domowej z okresu bezpośrednio poprzedzającego - to znaczy początku XVIII wieku i wpływu współczesna architektura głównego kraje europejskie . Te bardzo różne składniki tworzyły jednak mocny stop, który posiadał cechy wyjątkowej oryginalności. Oba kierunki nie znały jeszcze wtedy swoich przyszłych nazw, ale istotę różnic stylistycznych, ich granice wyraźnie widać na przykładach najlepszych budowli powstałych lub zaprojektowanych niemal w tych samych latach. Wyraźnie soczystej dekoracyjności i dynamizmowi barokowych form przeciwstawia się nieco sucha racjonalistyczna architektura wczesnego klasycyzmu. Najwybitniejsze budowle rosyjskiego baroku - Pałac Zimowy B.F. Rastrelli i Katedra Marynarki Wojennej św. Kokorinov projektuje Dom Przyjemności koło Oranienbaum - dzieło, w którym dominują zasady nowego kierunku w architekturze. Plan, sylwetka, cała kubatura budynku są bardzo zwarte, z podkreśloną dominacją linii poziomych. Detale wykonane w klasycznych formach i proporcjach. W tym samym roku A.F. Kokorinov wraz z Zh.B. M. Wallen Delamotte stworzył pierwszą wersję projektu Wielkiego Gostińskiego Dworu w Petersburgu. W tej wersji, która stała się podstawą ostatecznej decyzji podjętej dwa lata później, powstała już idea majestatycznego budynku biznesowego w swej prostocie z wyważonym rytmem dwukondygnacyjnych arkad rozciętych skromnymi pilastrami porządku toskańskiego. . W latach 1763-1764. opracowywane są projekty dla Akademii Sztuk Pięknych (A. F. Kokorinov i J.-B. Vallin Delamotte), Domów Dziecka w Moskwie (K. I. Blank) i St. Petersburgu (Yu. M. Felten) - pierwsze konstrukcje zaprojektowane specjalnie do celów edukacyjnych. Spośród nich budynek Akademii Sztuk Pięknych jest najlepszym dziełem początkowego okresu rosyjskiego klasycyzmu. Usytuowana na odpowiedzialnym terenie, z główną fasadą zwróconą w stronę głównego cieku wodnego stolicy – ​​rzeki Newy, przyczynia się do organizacji architektonicznej znacznego odcinka wału. Plan budynku opiera się na przemyślanym procesie szkolenia funkcjonalnego artystów: główne obszary pracy znajdują się wzdłuż zewnętrznego obwodu budynku i wokół ogromnego okrągłego dziedzińca, który zapewnia im dobre oświetlenie. Powierzchnia ścian jest obficie rozcięta, ale artykulacje o wyraźnie określonych proporcjach uporządkowania mają głównie charakter planarny. Okres schyłkowy, stopniowej degradacji nie poprzedził zmiany stylu. Wręcz przeciwnie, właśnie w momencie największego rozkwitu barok okazał się nie do rozwiązania nowych problemów, a budynki w stylu klasycystycznym natychmiast pojawiły się z zaskakującą szybkością. Taka szybkość w zmianie stylu nie jest typowa. Jest to, jak już wspomniano, cecha charakterystyczna tego właśnie przełomu – od baroku do klasycyzmu – spowodowana ogólną sytuacją, gdy sztucznie spowolniony rozwój historyczny zaczął mozolnie nadrabiać stracony czas. Koncepcja baroku jako integralnego stylu przestała dominować nie tylko w architekturze, ale w ogóle mieć znaczący wpływ na jej dalszy rozwój. Odrębne cechy dawnego systemu, choć pojawiały się przez pewien czas w pewnych elementach struktur wczesnego klasycyzmu, były jedynie pozostałościami, które stopniowo ulegały dezaktualizacji. Jedynie na prowincji formy barokowe bezwładnie istniały niemal do końca XVIII wieku. Historyczne przesłanki zmiany stylu obejmują czynniki materialne i ideologiczne. Jako najważniejsze należy zwrócić uwagę na znaczne wzmocnienie militarnej i politycznej potęgi Rosji, któremu towarzyszy: Szybki wzrost jego potencjał gospodarczy.

Nie mniej ważnymi przesłankami zmiany stylu były idee oświecenia, humanizmu, ideały człowieka naturalnego, charakterystyczne dla całej postępowej myśli XVIII wieku. Coraz głośniej słychać było wezwanie do rozumu jako głównego kryterium i miernika wszystkich osiągnięć. Idee racjonalizmu były szeroko rozwijane od drugiej połowy wieku.

W architekturze wszystkie te czynniki doprowadziły do ​​poważnych zmian. Dobrobyt gospodarczy kraju spowodował szybki wzrost budownictwa we wszystkich dziedzinach. Zmiany w porządku ideologicznym wymagały znacznego poszerzenia wątków architektonicznych, innej treści figuratywnej. Nigdy wcześniej nie widziane tematy i zadania pojawiały się w sposób ciągły.

Tymczasem architekturę barokową wyróżniała ciasnota tematyczna. Sfera architektury jako sztuki ograniczała się głównie do budownictwa pałacowego i sakralnego. Jeśli konieczne było stworzenie struktur o innym celu, zostały one opracowane w tych samych, zbliżonych do pałacu, ceremonialnych, wysoce uroczystych formach, czego przykładem jest projekt Gostiny Dvor w Petersburgu, zaproponowany przez F. B. Rastrelli w 1757 roku.

Rozwój form barokowych na drodze ich dalszego komplikowania mógł trwać dość długo, ale sam zakres ich stosowania nie mógł być w żaden sposób rozszerzony. Możliwości stylu weszły w konflikt z rzeczywistością. To zadecydowało o jego losie.

Do połowy XVIII wieku zaistniała potrzeba tworzenia różnego rodzaju nowych budynków użyteczności publicznej lub takich, które w okresie baroku nie miały znaczenia artystycznego - np. obiektów przemysłowych, magazynowych, handlowych. Nowe zadania pojawiły się również w budownictwie mieszkaniowym. Wreszcie miasto jako całość jako jednostka społeczna otrzymało znacznie odmienną charakterystykę niż wcześniej i w tym zakresie wymagało innego rozwiązania planistycznego i przestrzennego.

Cały ten wzrost wymagań odbywał się w skali gigantycznego kraju.

Tradycyjne metody twórcze nie radziły sobie z takimi zadaniami. Ale tego rodzaju, choć prostsze, zadania stanęły przed architektami już na początku XVIII wieku. Architektura czasów Piotra Wielkiego charakteryzuje się jasnymi i praktycznymi decyzjami opartymi na jasnych zasadach racjonalistycznych. Tradycje racjonalizmu pojawiły się w rosyjskiej architekturze na początku XVIII wieku, oczywiście nie po raz pierwszy. Tradycje te żyły od dawna, ale były epoki szczególnie sprzyjające ich rozwojowi i takie, w których racjonalizm istniał w architekturze utajony jako zjawisko szczątkowe poprzedniego okresu. rosyjski barok II ćwierć XVIII w. nie umknął także wpływom architektury Piotrowej, która ją poprzedzała, a racjonalizm tej ostatniej wprowadził pewne odrębne elementy w cechy stylistyczne kierunku, który był w istocie przeciwny do niego.

Nawet w twórczości czołowego mistrza baroku Rastrelli można dostrzec elementy racjonalizmu. Tak więc np. fantastycznie bogata i skomplikowana w formie dekoracja pałacowych zabudowań tego architekta nie narusza prostoty i klarowności planów.

W pracach D. V. Ukhtomsky'ego i S. I. Chevakinsky'ego tendencje racjonalistyczne są jeszcze bardziej zauważalne. Warto przypomnieć projekt Uchtomskiego Domu Inwalidów w Moskwie czy dzwonnicę soboru św. uznać to za dzieło Chevakinsky'ego. Obaj architekci byli uczniami IK Korobova, którego działalność częściowo zbiegła się z okresem baroku. Jednak wśród mistrzów tego czasu Korobov, jeden z chwalebnych emerytów Piotra Wielkiego, zachował najbardziej racjonalistyczną orientację swojej pracy. To przez Korobova kontynuowano tradycje racjonalizmu w twórczości jego licznych uczniów, a w twórczości najmłodszego z nich, A.F. kierunek architektoniczny.

Racjonalizm jako dążenie do klarowności, zrozumiałości, logiki obrazu architektonicznego - wszystkiego jako całości i jego poszczególnych elementów - stał się głównym czynnikiem kształtowania się nowego stylu. Jego zasady wymagały szczególnie harmonijnej, logicznie integralnej koncepcji artystycznej. Taka koncepcja powstała już wcześniej w klasycznych szkołach architektury starożytności i renesansu. Architekci zaczęli wnikliwie badać dziedzictwo starożytności (w jego interpretacji rzymskiej, jedynej dostępnej w tym czasie) i renesansu. Uważna uwaga na klasykę stała się niejako drugorzędnym czynnikiem w kształtowaniu architektury wczesnego rosyjskiego klasycyzmu.

Oczywiście w rosyjskich warunkach tamtych lat badanie klasycznych tradycji kształtowania mogło odbywać się tylko poprzez zapoznanie się z teoretycznymi dziełami Witruwiusza, Andrei Palladia, Vignoli oraz z uvrazh, w których odmierzono rysunki lub szkice zabytków architektury umieszczony. Niewystarczalność tej metody poznawania szybko się zorientowała. Charakterystyczne jest to, że jeśli młody B. F. Rastrelli kiedyś wyjechał za granicę nie dalej niż Niemcy, gdzie zapoznał się tylko z doświadczeniami współczesnej architektury niemieckiej, to już w pierwszej połowie lat 50. XVIII wieku pojawia się pomysł wysłania obiecującego gezela Kokorinowa do Włoch na studia nad architekturą starożytności i renesansu. Od 1760 r. nowo powstała Akademia Sztuk Pięknych zaczęła regularnie wysyłać swoich najlepszych uczniów za granicę, zobowiązując ich do zapoznania się z zabytkami klasyków architektury.

Wreszcie innym czynnikiem wpływającym na kształtowanie się nowego stylu w Rosji było powiązanie architektury rosyjskiej ze współczesną architekturą innych krajów, wśród których Francja była wówczas krajem wiodącym we wszystkich dziedzinach ideologii.

Dla architektury rosyjskiej związki z architekturą francuską stały się bardzo istotne już w pierwszej ćwierci XVIII wieku, kiedy zaproszony do Rosji J.-BA Leblon stworzył tu nie tylko jeden z podstawowych projektów planistycznych dla św. młodą rosyjską stolicę.

Tendencje racjonalizmu, charakterystyczne dla tej gałęzi architektury francuskiej, której przedstawicielem był Leblon, zbiegły się z głównym kierunkiem architektury rosyjskiej początku XVIII wieku. Zmiana orientacji architektury w okresie po Piotrowym doprowadziła również do zmiany charakteru związków z architekturą francuską. Sukcesem zaczęły cieszyć się rokokowe sztuczki, które w samej Francji do tego czasu poniosły poważną porażkę. Konkurs na projekt fasady głównej kościoła św. Sulpicia w Paryżu zapowiadała zwrot w rozwoju idei architektonicznych. To właśnie na tym konkursie odrzucono zasady dekoracyjności rokoko, doprowadzone przez J. O. Meissoniera do najwyższego stopnia wyrafinowania, a pierwszeństwo przyznano surowemu i klasycznemu jasna kompozycja J. N. Servandoni, który został wówczas przeprowadzony w zasadzie w latach 1733-1745.

Rozwój życia społecznego w latach 50. XVIII w. skłonił architekturę rosyjską do skupienia się na zaawansowanych osiągnięciach architektów francuskich. Ważnym etapem zwycięstwa klasycyzmu we Francji był konkurs na utworzenie Placu Ludwika XV w Paryżu. W wyniku kilku kolejnych rund konkursu (koniec lat czterdziestych - początek lat pięćdziesiątych XVIII wieku) zwyciężył projekt J.A. Gabriela, co oznaczało aprobatę nowych poglądów na zasady urbanistyczne. Po raz pierwszy w historii świata plac miejski został wyznaczony w relacji i połączeniu z całą przestrzenią miasta.

Sukces J.-J. Soufflet przy ul. Genevieve w Paryżu i budowa przez Gabriela kameralnej rezydencji pałacowej Petit Trianon w Wersalu oznaczały już ostateczne zwycięstwo nowego trendu we francuskiej architekturze.

W Rosji z zainteresowaniem i uwagą badano prace teoretyków architektury M. A. Laugiera, J. F. Blondela i innych. Pomysł Blondela był zbyt otwarcie francuski. narodowy smak i wciąż był daleki od konsekwentnej realizacji klasycznych form, co między innymi przyczyniło się do odrzucenia projektu. Ale to był już wypadek w ogólnym biegu historii. Od końca lat 50. XVIII wieku to zaawansowana architektura francuska zbliżyła się do architektury rosyjskiej pod względem celów i aspiracji.

Na przykładzie przejścia od baroku do klasycyzmu można spróbować wydedukować pewne ogólne wzorce zmiany stylów architektonicznych.

Nowo powstający styl spełnia nowe wymagania iw tym sensie jego droga jest zawsze oryginalna i niezbadana. Im bardziej innowacyjny jest ten neofita, tym szersze muszą być tradycje, na których się opiera. Ale jednocześnie wyłaniający się kierunek odnosi się z całkiem zrozumiałym antagonizmem do metod swojego poprzednika, które w pewnym momencie ujawniły swoją niekonsekwencję. Dlatego każdy nowy styl szuka oparcia w tradycjach sztuki nie z okresu bezpośrednio poprzedzającego, ale z bardziej odległej przeszłości, a przede wszystkim w tradycjach „dziadków”. Przecież poprzedni styl również zaprzeczał kierunkowi, który istniał przed nim, dlatego za każdym razem tradycje „dziadkowe” stają się głównym źródłem zapożyczeń.

Rzeczywiście, rosyjska architektura barokowa z drugiej tercji XVIII wieku jest znacznie bliższa duchowi budowli Rusi z końca XVII wieku niż architekturze epoki Piotra I.

Z tego samego powodu charakterystyczne dla architektury Piotrowej pragnienie oświecenia, utylitaryzmu i wszechogarniającego racjonalizmu znalazło swoją samodzielną kontynuację w architekturze klasycyzmu. Taki oryginalny budynek dla kompleksu instytucje naukowe, ponieważ Kunstkamera, poczęta za Piotra I, nie otrzymała żadnego dalszy rozwój jako nowy typ budynku, nawet bez powtórzeń, przynajmniej uproszczonych. Tymczasem architektura klasycyzmu zaczęła się właśnie od stworzenia tego rodzaju konstrukcji: gmach Akademii Sztuk Pięknych łączył najwyższe centrum sztuki, muzeum, placówkę oświatową „trzech najszlachetniejszych” sztuk z internatem i nawet przylegający do niego teatr, pracownie artystów i mieszkania dla kadry pedagogicznej.

Epoka Piotrowa nie przywiązywała dużej wagi do budowli pałacowych, ale przywiązywała dużą wagę do budownictwa użytkowego, podnosząc go do poziomu prawdziwej architektury. Admiralicja w Petersburgu została wybrana nie tylko jako przedsiębiorstwo przemysłowe połączone z budowlą obronną, ale jako pomnik potęgi morskiej Rosji. Budynek był bardzo niski, a materiał – szachulcowy – wcale nie był monumentalny, ale sam pomysł na szeroką, rozpiętą na 400 metrów konstrukcję, zaznaczoną pośrodku wieżą z iglicą, był ideą wspaniałej architektury.

Jeden z wielkich mistrzów rosyjskiego baroku, S. I. Chevakinsky, jako architekt kolegiów admiralicji, zaprojektował i zbudował wiele obiektów użytkowych dla floty krajowej. Ale wśród tych jego dzieł nie ma budowli podobnych do Admiralicji, znaczących w ich projekcie architektonicznym. Po zbudowaniu katedry morskiej św. Mikołaja Chevakinsky stworzył za pomocą architektury radosny, radosny hymn. Jednak w budynkach użytkowych epoka nie wymagała od niego niczego poza siłą i użytecznością.

Charakterystyczne jest to, że na początku lat 60. XVIII wieku, rozpoczynając projekt budowy magazynu drewna na wyspie New Holland w Petersburgu, Chevakinsky opracował nową technologię przechowywania drewna, a także stworzył plan budowy, ale nie poradził sobie z figuratywne rozwiązanie fasad, a tę część pracy powierzono architektowi nowego kierunku - Wallenowi Delamotte.

Racjonalizm, na którym opiera się pojęcie klasycyzmu, odbił się także echem w tradycjach architektury początku XVIII wieku, choć, jak wspomniano wcześniej, sama rosyjska architektura barokowa w pewnym stopniu wykorzystywała te tradycje.

Tutaj chciałbym podkreślić, że najważniejsze tradycje nigdy nie umierają. Rozwijają się spiralnie w górę. Z każdym kolejnym obrotem część ruchu, relatywnie rzecz biorąc, przechodzi w cień. Styl panujący w tym czasie tylko toleruje taką „cieniową” tradycję, a często używa jej nawet w odwrotnym sensie.

Różnice między barokiem a klasycyzmem.

W epoce klasycyzmu, która nastąpiła po epoce baroku, rola polifonii polifonicznej zmalała i wysunęła się na pierwszy plan polifonia homofoniczna
( z greckiego „homos” – „jeden” i „fone” – „dźwięk”, „głos”)

w odróżnieniu polifonia, gdzie wszystkie głosy są równe, polifonia homofoniczna wyróżnia się jeden, działający Główny temat, a reszta odgrywa rolę akompaniament(akompaniament). Akompaniament to zazwyczaj system akordów (harmonie). Stąd nazwa nowego sposobu komponowania muzyki – harmoniczne homofoniczne.

W muzyce jest mniej zdobnictwa i zdobnictwa. Utwory stały się bardziej harmonijne, przejrzyste w strukturze, zwłaszcza te pisane forma sonatowa.

W epoce barokowy w utworze muzycznym każda z części koncentrowała się na ekspresji i ujawnieniu jeden jasno narysowany zmysły, co zostało rozwiązane za pomocą prezentacji jeden temat, który się zmienił (różny) w całej części i w epoce klasycyzm w jednej części dzieła ujawnił się wiele emocji, które zostały wyrażone za pomocą prezentacji i opracowania dwa lub więcej tematy o różnej treści figuratywnej.

Muzyka wczesnego baroku (1600-1654)

Rozwój opery włoskiej przez włoskiego kompozytora można uznać za warunkowe przejście między epoką renesansu i baroku. Claudio Monteverdi (1567-1643).

Kompozytor urodził się we włoskim mieście Cremona w rodzinie lekarza. Jako muzyk Monteverdi rozwijał się w młodości. Pisał i wykonywał madrygały; grał na organach, altówce i innych instrumentach. Monteverdi studiował kompozycję muzyczną u znanych wówczas kompozytorów. W 1590 jako śpiewak i muzyk został zaproszony do Mantui na dwór księcia Vincenza Gonzagi; później prowadził kaplicę dworską. W 1612 Monteverdi opuścił służbę w Mantui, a od 1613 osiadł w Wenecji. W dużej mierze dzięki Monteverdiemu w 1637 roku w Wenecji otwarto pierwszą na świecie operę publiczną. Tam kompozytor poprowadził kaplicę katedry św. Marka. Przed śmiercią Claudio Monteverdi przyjął święcenia kapłańskie.

Po przestudiowaniu twórczości operowej kompozytorów renesansowych Peri i Caccini, Monteverdi stworzył własne dzieła operowe. Już w pierwszych operach – „Orfeusz” (1607) i „Ariadna” (1608) – udało się kompozytorowi środki muzyczne przekazać głębokie i namiętne uczucia, stworzyć czas dramatyczna akcja. Monteverdi jest autorem wielu oper, ale przetrwały tylko trzy – „Orfeusz”, „Powrót Ulissesa do ojczyzny” (1640; na podstawie fabuły starożytnego greckiego poematu epickiego „Odyseja”) i „Koronacja Poppei” ( 1642).

Opery Monteverdiego harmonijnie łączą muzykę i tekst. W sercu opery monolog – recytatyw (od t. recitare – „recytować”), w którym recytowane każde słowo, a muzyka elastycznie i subtelnie oddaje odcienie nastroju. Monologi, dialogi i epizody chóralne płynnie przenikają się, akcja rozwija się powoli (trzy-cztery akty w operach Monteverdiego), ale dynamicznie. Kompozytor przypisał orkiestrze ważną rolę. Na przykład w „Orfeuszu” wykorzystał niemal wszystkie znane wówczas instrumenty. Muzyka orkiestrowa nie tylko towarzyszy śpiewowi, ale sama opowiada o wydarzeniach na scenie i przeżyciach bohaterów. Po raz pierwszy pojawił się w Orfeuszu uwertura(uwertura francuska lub łacińska apertura - „otwarcie”, „początek”)- instrumentalne wprowadzenie do ważnego utworu muzycznego. Opery Claudio Monteverdiego wywarły znaczący wpływ na kompozytorów weneckich i położyły podwaliny pod wenecką szkołę operową. .

Monteverdi pisał nie tylko opery, ale także muzyka sakralna, religijny oraz świeckie madrygały. Stał się pierwszym kompozytorem, który nie sprzeciwiał się metodom polifonicznym i homofonicznym – chóralne epizody jego oper zawierają techniki polifoniczne.
W twórczości Monteverdiego nowe połączono ze starym – tradycjami renesansu.

Do początek XVIII w. uformowany szkoła operowa w Neapolu. Cechy tej szkoły - zwiększona uwaga na śpiew, dominująca rola muzyki. To właśnie w Neapolu styl wokalny bel canto(to. piękny śpiew- "piękny śpiew"). Bel canto słynie z niezwykłego piękna brzmienia, melodii i technicznej perfekcji. Wykonawca bel canto musi umieć oddać wiele odcieni barwy głosu, a także po mistrzowsku przekazać liczne szybkie sekwencje dźwięków nałożonych na główną melodię. - koloratura (wł. koloratura - „dekoracja”).

W XVIII wieku opera stał się głównym nurtem sztuka muzyczna we Włoszech, co było ułatwione dzięki wysokiemu poziomowi zawodowemu śpiewaków wyszkolonych w ogrody zimowe(It. conservatorio, err lat. konserwować - "chronić") - instytucje edukacyjne, które szkolą muzyków. Do tego czasu powstały cztery oranżerii w centrach włoskiej opery - Wenecji i Neapolu. Popularności tego gatunku służyły również otwarte w różnych miastach kraju opery, dostępne dla wszystkich grup społecznych. Opery włoskie wystawiano w teatrach największych stolic europejskich, a kompozytorzy z Austrii, Niemiec i innych krajów pisali opery oparte na tekstach włoskich.

Znaczącą postacią okresu wczesnego baroku, stojącą po stronie katolicyzmu, przeciwstawiającego się rosnącym wpływom ideologicznym, kulturowym i społecznym protestantyzmu, był Giovanni Gabrieli (1555-1612). Jego prace należą do stylu „wysokiego renesansu” (rozkwitu renesansu). Jednak niektóre jego nowinki w zakresie instrumentacji (przypisanie określonych zadań danemu instrumentowi) wyraźnie wskazują, że był jednym z kompozytorów, którzy wpłynęli na powstanie nowego stylu.

Jednym z wymogów kościoła przy komponowaniu muzyki sakralnej było to, że teksty w pracach z wokalem byli wybredny. Wymagało to odejścia od polifonii w kierunku technik muzycznych, w których do głosu doszły słowa. Wokale stały się bardziej złożone, ozdobne w porównaniu z akompaniamentem.

Niemiecki kompozytor wniósł też wielki wkład w upowszechnienie nowych technik. Heinrich Schutz (1585-1672), kształcił się w Wenecji, jest najsłynniejszym niemieckim kompozytorem przed Janem Sebastianem Bachem i jednym z najsłynniejszych ważni kompozytorzy okres wczesnego baroku, wraz z D. Gabrieli i C. Monteverdi. W swojej pracy wykorzystywał nowe techniki, pełniąc funkcję chórmistrza w Dreźnie.



Muzyka dojrzałego baroku (1654-1707)

Często nazywa się okres centralizacji najwyższej władzy w Europie Absolutyzm. Absolutyzm osiągnął swój zenit pod rządami francuskiego króla Ludwika XIV. Dla całej Europy dwór Ludwika był wzorem do naśladowania. W tym muzyka wykonywana na dworze. Wzrost dostępności instrumentów muzycznych (zwłaszcza instrumentów klawiszowych) dał impuls do rozwoju izba muzyka (od niego. kamera - "pokój") wykonywane w małych pomieszczeniach lub w domu.

dojrzały barok jest inny od wczesnej wszechobecności nowego stylu polifonicznego ( darmowe pisanie) oraz wzrost separacji form muzycznych, zwłaszcza w operze. Podobnie jak w literaturze, pojawiająca się możliwość dużego nakładu druk utwory muzyczne doprowadziły do ​​poszerzenia widowni; nasiliła się wymiana między ośrodkami kultury muzycznej.

W teorii muzyki dojrzały barok określa się koncentracją kompozytorów na harmonii i próbami tworzenia spójnych systemów muzycznego uczenia się.
W kolejnych latach doprowadziło to do pojawienia się wielu teoretyczny Pracuje. Znakomitym przykładem takiej działalności jest dzieło późnego baroku – „Gradus ad Parnassum” (ros. Schody do Parnasu), wydane w 1725 r. przez Johanna Josepha Fuchs(Niemiec Johann Joseph Fux) (1660-1741), austriacki teoretyk i kompozytor. Praca ta, systematyzująca teorię kontrapunktu, była najważniejszym narzędziem do badania kontrapunktu niemal do końca XIX wieku.

Wybitnym przedstawicielem nadwornych kompozytorów dworu Ludwika XIV był Giovanni Battista Lulli (1632-1687). (Jean-Baptysta). Już w wieku 21 lat otrzymał tytuł „nadwornego kompozytora muzyki instrumentalnej”. Od samego początku twórczość Lully'ego była ściśle związana z teatrem. Po zorganizowaniu dworskiej muzyki kameralnej i skomponowaniu „airs de cour” (arii dworskich) zaczął pisać muzykę baletową. Ja Ludwik XIV tańczył w baletach, które były wówczas ulubioną rozrywką dworskiej szlachty. Lully był doskonałym tancerzem. Zdarzyło mu się brać udział w przedstawieniach, tańcząc z królem. Jest znany ze swojego wspólny współpracował z Molierem, do którego sztuk pisał muzykę. Ale najważniejszą rzeczą w pracy Lully'ego wciąż było pisanie opery. Co zaskakujące, Lully stworzył kompletny typ francuskiej opery; tragedii lirycznej we Francji (fr. tragedie lyrique), a niewątpliwą dojrzałość twórczą osiągnął już w pierwszych latach pracy w operze. Lully często wykorzystywał kontrast między majestatycznym brzmieniem sekcji orkiestrowej a prostymi recytatywami i ariami. język muzyczny Lully nie jest bardzo skomplikowany, ale zdecydowanie Nowy: wyrazistość harmonii, energia rytmiczna, wyrazistość artykulacji formy, czystość faktury mówią o zwycięstwie zasad myślenia homofonicznego. W dużej mierze jego sukcesowi sprzyjała także umiejętność doboru muzyków do orkiestry i praca z nimi (sam prowadził próby). Nieodłącznym elementem jego twórczości była dbałość o harmonię i instrument solowy.

Kompozytor i skrzypek Arcangelo Corelli(1653-1713) znany z pracy nad rozwojem gatunku concerto grosso (concerto grosso - "wielki koncert"). Corelli był jednym z pierwszych kompozytorów, których utwory były publikowane i wykonywane w całej Europie. Podobnie jak dzieła operowe J.B. Lully'ego, gatunek concerto grosso zbudowany jest na kontrastowym zestawieniu brzmienia małych solowych grup orkiestrowych i brzmienia pełna orkiestra. Muzyka zbudowana jest na ostrych przejściach od partii głośnych do cichych, szybkie pasaże przeciwstawiają się wolnym. Wśród zwolenników Arcangelo Corelli był Antonio Vivaldi, który później skomponował setki utworów napisanych w ulubionych przez Corellego formach: sonatach triowych i koncertach.

W Anglia dojrzały barok naznaczony genialnym geniuszem Henry Purcell(1659-1695). Zmarł młodo, w wieku 36 lat, po napisaniu wielu prac i szeroko znanym za życia. Purcell znał twórczość Corelliego i innych włoskich kompozytorów epoki baroku krótkie życie Purcell napisał wiele utworów wokalnych, instrumentalnych, muzycznych i teatralnych, z których najważniejszym jest opera. „Dido i Eneasz”(1689). To jest pierwszy angielski opera narodowa . Została zamówiona przez nauczycielkę tańca z pensjonatu na szlachetne panny. Prywatny charakter zakonu wpłynął na wygląd dzieła: w przeciwieństwie do monumentalnych oper Monteverdiego czy Lully'ego, dzieło Purcella mały rozmiar, akcja porusza się szybko. Libretto opery (napisane przez Nicholasa Tate) zostało oparte na: heroiczna epopeja„Eneida” rzymskiego poety Wergiliusza.

Wergiliusz ma jednego z obrońców Troi - Eneasz po upadku miasta wyrusza na wędrówkę. Burza doprowadza jego statek do wybrzeży Afryki; tu poznaje Dydonę, królową Kartaginy. Dydona zakochała się w Eneaszu, a gdy bohater opuścił ją na rozkaz bogów, odebrał sobie życie. W operze Purcella herolda, który rozdzielił bohaterów, przysyłają nie bogowie, ale leśne wiedźmy (popularne postacie angielski folklor). Eneasz wziął oszustwo za święty obowiązek wobec bogów i zniszczył najcenniejszą rzecz - miłość.

Charakterystyczną cechą twórczości Purcella jest Harmonia. Kompozytor miał niesamowity dar tworzenia doskonałych melodii - spokojnych, majestatycznych i nienagannych w formie. Po Henrym Purcellu w muzyce angielskiej do XX wieku. trudno wymienić tak błyskotliwych mistrzów.

W przeciwieństwie do powyższych kompozytorów Dietrich Buxtehude (1637-1707) nie był kompozytorem dworskim. Buxtehude pracował organista, najpierw w Helsingborgu (1657-1658), następnie w Elsinore (1660-1668), a następnie, począwszy od 1668 r., w kościele św. Maryi w Lubece. Zarabiał nie wydawaniem swoich dzieł, lecz ich wykonywaniem, komponowanie muzyki od tekstów kościelnych i wykonywanie własnych kompozycji organowych od mecenatu szlacheckiego. Jego kompozycje organowe wyróżniało się bogactwem wyobraźni, obfitością nieoczekiwanych i barwnych porównania i głęboki dramat.Ten kompozytor. Muzyka Buxtehudego jest w dużej mierze zbudowana na skali idei, bogactwa i wolności wyobraźni, zamiłowania do patosu, dramatyzmu i nieco oratorskiej intonacji. Jego twórczość wywarła silny wpływ na takich kompozytorów jak J. S. Bach i G. F. Telemann.

Muzyka późnego baroku (1707-1760)

Dokładna granica między dojrzałym a późnym barokiem jest przedmiotem dyskusji; ona kłamie gdzieś pomiędzy 1680 i 1720. W dużej mierze złożoność jego definicji polega na tym, że w różnych krajach style nie były zsynchronizowane; innowacje przyjęte już jako reguła w jednym miejscu były świeżymi odkryciami w innym. Włochy dzięki Arcangelo Corelli a jego uczniowie Francesco Geminiani i Pietro Locatelli stają się pierwszym krajem, w którym barokowe przejścia od dojrzałego do późnego okresu. Ważny kamień milowy można uznać za niemal absolutny dominacja tonu jako zasada strukturyzowania komponowania muzyki. Jest to szczególnie widoczne w twórczości teoretycznej Jeana Philippe Rameau, który zajął miejsce Lully'ego jako główny kompozytor francuski. W tym samym czasie pojawienie się kapitalnego dzieła Johanna Josepha Fuchsa Gradus ad Parnassum (1725), poświęconego polifonii stylu ścisłego, świadczyło o obecności w muzyce dwa style pisania - homofoniczno-harmoniczne i polifoniczne.

Formularze, otwarte w poprzednim okresie, osiągnął dojrzałość i wielka zmienność koncert, suita, sonata, concerto grosso, oratorium, opera i balet nie miały już ostrych cech narodowych. Wszędzie powstały ogólnie przyjęte schematy utworów: powtarzająca się dwuczęściowa forma (AABB), prosta forma trzyczęściowa (ABC) i rondo.

Antonio Vivaldi (1678-1741)- włoski kompozytor urodzony w Wenecji.
W 1703 otrzymał stopień księdza katolickiego. 1 grudnia tego samego roku zostaje maestro di violino w sierocińcu dla dziewcząt Pio Ospedale della Pieta w Wenecji. Sławę Vivaldiego przyniosły nie koncerty czy kontakty na dworze, ale publikacje jego dzieł, w tym sonat triowych, sonat skrzypcowych i koncertów. Zostały opublikowane w Amsterdamie i szeroko rozpowszechnione w całej Europie. To właśnie w te rozwijające się w tym czasie gatunki instrumentalne (sonata barokowa i koncert barokowy) wniósł swój największy wkład Vivaldi. Pewne techniki są charakterystyczne dla muzyki Vivaldiego: trzyczęściowa cykliczna forma na concerto grosso i użycie ritornello w partiach szybkich. Vivaldi skomponował ponad 500 koncertów. Niektórym swoim dziełom nadał także tytuły programowe, np. słynne Cztery pory roku. Kariera Vivaldiego pokazuje coraz większe możliwości samodzielnego istnienia kompozytora: z dochodów z działalności koncertowej i publikacji jego kompozycji.

Domenico Scarlatti(1685-1757) był jednym z czołowych kompozytorów i wykonawców klawiszowych swoich czasów. Karierę rozpoczął jako kompozytor nadworny; najpierw w Portugalii, a od 1733 w Madrycie, gdzie spędził resztę życia. Jego ojciec Alessandro Scarlatti jest uważany za założyciela neapolitańskiej szkoły operowej. Domenico komponował także opery i muzykę kościelną, ale sławę (po śmierci) przyniósł mu jego działa na klawiaturach. Niektóre z tych dzieł pisał dla własnej przyjemności, inne dla swoich szlachetnych klientów.

Najsłynniejszym nadwornym kompozytorem epoki baroku był Georg Friedrich Haendel(1685-1759). Urodził się w Niemczech, studiował przez trzy lata we Włoszech, ale opuścił Londyn w 1711, gdzie rozpoczął swoją błyskotliwą i komercyjnie udaną karierę jako niezależny kompozytor operowy, wykonujący zamówienia dla szlachty. Dysponując niestrudzoną energią, Handel przetwarzał materiał innych kompozytorów i nieustannie przerobiony ich własne kompozycje. Na przykład znany jest z tego, że tak wiele razy przerabiał słynne oratorium „Mesjasz”, że obecnie nie ma wersji, którą można by nazwać oryginałem. Pomimo faktu, że jego kondycja finansowa w miarę jak rósł i słabł, jego sława, oparta na publikowanych utworach klawiszowych, muzyce obrzędowej, operach, koncertach Grossos i oratoriach, stale rosła. Po jego śmierci został uznany za czołowego kompozytora europejskiego i był studiowany przez muzyków epoki klasycznej. Za życia Handel pisał o tym 50 opery (Almira, Agrippina, Rinaldo, Juliusz Cezar itp.), 23 oratoria („Mesjasz”, „Samson”, „Judas Makovej”, „Herkules”), niezliczone pieśni kościelne, koncerty organowe, a także szereg utworów o charakterze rozrywkowym („Muzyka na wodzie”, „Muzyka dla królewskich fajerwerków”).

Jeden z najwięksi kompozytorzy epoka baroku - Jan Sebastian Bach urodził się
21 marca 1685 w Eisenach w Niemczech. W ciągu swojego życia skomponował ponad 1000 utworów w różnych gatunkach, z wyjątkiem opery. Ale za życia nie odniósł żadnego znaczącego sukcesu. Przeprowadzając się wiele razy, Bach nie zmieniał jednego za bardzo wysoka pozycja po drugim: w Weimarze był nadwornym muzykiem u księcia weimarskiego Johanna Ernsta, następnie został nadzorcą organów w kościele św. Bonifacy w Arnstadt, kilka lat później przyjął stanowisko organisty w kościele św. Vlasia w Mühlhausen, gdzie pracował tylko około roku, po czym wrócił do Weimaru, gdzie zajął miejsce nadwornego organisty i organizatora koncertów. Pełnił to stanowisko przez dziewięć lat. W 1717 roku Leopold, książę Anhalt-Köthen, zatrudnił Bacha jako kapelmistrza, a Bach zaczął mieszkać i pracować w Köthen. W 1723 Bach przeniósł się do Lipska, gdzie pozostał do śmierci w 1750 roku.

JS Bach za życia był dobrze znany w Niemczech jako kompozytor, wykonawca, pedagog i ojciec młodszych Bachów, przede wszystkim Carla Philippa Emmanuela. Jednak w ostatnich latach jego życia i po śmierci Bacha jego sława kompozytora zaczęła spadać: jego styl uznano za przestarzały w porównaniu z rozkwitającym klasycyzmem.

W 1802 r. Johann Nikolai Forkel opublikował pierwszą najpełniejszą biografię Jana Sebastiana Bacha. W 1829 roku, 79 lat po śmierci J.S. Bacha, Felix Mendelssohn wykonał w Berlinie Pasję według św. Mateusza Bacha. Sukces tego koncertu ożywił zainteresowanie twórczością J.S. Bacha i stał się przyczyną pojawienia się ogromnego zainteresowania muzyką Bacha w Niemczech, a następnie w całej Europie.

Dziś J.S. Bach jest jednym z najpopularniejszych kompozytorów wszech czasów: na przykład w głosowaniu Cultureciosque.com na „Najlepszego Kompozytora Tysiąclecia” Bach zajął pierwsze miejsce.

Możesz być zainteresowany