„Nie było żadnych problemów. Potem, w 2008 roku, miałem proste zadanie: pokaż, co jest grane Południowy Ural jest literatura dla dzieci, jest dobrzy ilustratorzy książki dla dzieci.

Rozpoczęło się wydawanie drugiej puli z serii „Od 7 do 12” - w innym formacie i z większą liczbą trudne zadanie: twórz NAJLEPSZE KSIĄŻKI. W przypadku tekstów wszystko jest proste: lokalni autorzy rozrastali się przez lata, a wydawnictwo posiada pokaźny portfolio dzieł Autorzy rosyjscy. Ale w przypadku ilustratorów okazało się to trudne: wymagania dotyczące ilustracji wzrosły, a artystów gotowych podołać temu zadaniu było niewielu.
Musiałem zwrócić się do przyjaciół i nieznajomych, do społeczności internetowej: potrzebni artyści! Obecnie w trzech folderach pocztowych wydawców znajduje się prawie sto zgłoszeń od rosyjskich artystów. Dla nich jest to zadanie techniczne.

Drodzy artyści! Przede wszystkim dziękuję bardzo za odpowiedź, zapoznanie się z Twoją pracą było bardzo interesujące.
Po drugie, tutaj piszę specyfikację techniczną dla ilustracji i zapraszam niektórych z Was do jej przeczytania (teraz napiszę listy). Do zilustrowania potrzebne są następujące książki:

1. Księga nr 1. Michaił Pridworow, Andriej Smetanin. Wiersze dla rodzinne czytanie z dziećmi w wieku 7-12 lat. Seria „Od 7 do 12. Najlepsze książki do rodzinnego czytania.”
Format 195 (szerokość) * 217 (wysokość) mm.
Okładka: powlekana 250 gm2 (4+0)
Blok: powlekany 115 gm2 (4+4)
96 stron + 4 okładki
Wiązanie: klej na gorąco
Jednostronne laminowanie okładki

Dwie opcje ilustracji:
1) Sporządza się 10 rozkładówek łączonych (po pięć na autora + okładka). Ilustracje złożone - gdy na jednej rozkładówce znajdują się bohaterowie różnych wierszy autora, których łączy wspólna fabuła (tło). Na pozostałych stronach znajduje się kolorowe tło oraz „aplikacje” z prefabrykowanej działki (bardziej przypominające elementy dekoracyjne niż ilustracje). W tym stylu Svetlana Nikonyuk wykonała ilustracje do kolekcji „Siedzę na chmurze” – ilustracja górna i ta:

A to jest przykład „aplikacji”:

2) Wszystkie strony ilustrowane są „rozkładkami”, czyli każda rozkładówka przedstawia cały obraz, łączący wszystkie wersety na dwóch stronach (liczba wersetów na rozkładówce może wynosić od jednego do 4, najczęściej jest to 2-3). Wymagane jest tło (własne). Akceptowane są sugestie artysty dotyczące stylu ilustracji.
Przykłady takiego podejścia można znaleźć w ilustracjach Siergieja Andrusenki do książki „Wiersze dla wzrostu” (Janis Grants i Dmitry Smetanin):

Główny wymóg: ORYGINALNOŚĆ, jakość, zgodność z autorem. Eksperymenty mile widziane. Nie ma znaczenia, jakie techniki. NIE NALEŻY IMITOWAĆ PRZEDSTAWIANYCH ZDJĘĆ!!! Musimy działać LEPIEJ. Każda książka z serii będzie ilustrowana przez innego artystę.

Układ może być wykonany przez wydawnictwo, jeśli jednak artysta bierze udział w tworzeniu ciągu wierszy i samodzielnie wykonuje układ, jest to mile widziane.

Ramy czasowe: 1 miesiąc. O płatności napiszę w listach do każdego z wnioskodawców.

Zadanie testowe: wiersz Michaił Pridworow „Piękny czarny potwór”:

Piękny czarny potwór
Tulił swoje dziecko:
- Śpij, moje słoneczko, jeszcze trochę,
Zaśpiewam ci piosenkę.

Dopóki nie obsypała mnie rosa
Tryptyk Kolory północy,
Drzemiesz cichymi pytaniami,
A ja im odpowiadam.

O wielkich i tajemniczych tajemnicach
W jaskiniach za pasmem górskim,
Jak rodzą się motyle
I jak później odlatują.

O małych gnomach i złocie,
O kamiennych trollach na pustyni,
O tym, jak zimno jest na północy,
O otchłani, w których nie ma duszy.

Och, morze, po którym płynie żaglówka,
O niebie, gdzie wznosi się ptak.
O tym, jak płynne ruchy
Świt zgaśnie latarnie.

Nie minął jeszcze miesiąc
Nadszedł czas w niebiańskiej krainie,
Mam posłusznie falowane futerko
Delikatnie pogłaszczę twoje.

I może któregoś dnia w przyszłości,
Usłyszawszy ostatnią odpowiedź,
Wyrośniesz na czarnego potwora
Nie ma nic piękniejszego.

2.Seria „Naucz się mówić” dla dzieci w wieku od 1 do 3 lat.
Format A5, poziome rozmieszczenie tekstu i rysunku (po szerszej stronie).
Osłona wewnętrzna blok - powlekany 150 g (4+4)
Ilość pasków 8 pasków 16 pasków, spinacz

Jedna rozkładówka - jeden wiersz (czterowiersz) i jeden rysunek. Wymagania dotyczące rysunków: prostota i rozpoznawalność zwierząt dla dziecka, zainteresowanie dla osoby dorosłej, przekazywanie „potoczności” i nastroju. Najważniejsze jest to, że przedstawiony jest proces „mówienia”; dziecko, patrząc na zdjęcie, chce „rozmawiać” ze zwierzęciem. A dorośli mogliby powiesić takie obrazy na ścianie, a ta rozkładówka stałaby się ozdobą nowoczesnego mieszkania.
Będą co najmniej 4 takie książki. Teraz redagowane są teksty o „rozmowach” zwierząt domowych, dzikich, dźwiękach instrumenty muzyczne, transport, zabawki. W całej serii będzie tylko jeden artysta. Seria będzie kontynuowana.
Czekam na oferty płatności e-mailem wraz z testami.
Zadanie testowe: wiersz Wczesna Sirotina
SZCZĘŚCIE LWA
Lwiątko, choć nie jest zły,
Ryczy ogłuszająco.
Jego idolem jest Papa Leo.
Tata: - R-R-R!
A lwiątko: - R-R-R-R!!

Zachwyć się pięknem! Uchwyć piękno! Nie pozwól, żeby Cię minęła! Pomóż dziewczynie utrzymać równowagę na piłce na obrazie Pabla Picassa, wdychaj zapach irysów podarowany nam przez Van Gogha.

Kubista, surrealista, postimpresjonista i po prostu geniusz. Jak wszyscy skomplikowani ludzie, Picasso nie wyróżniał się wzorowym zachowaniem: pod względem umiejętności twórczych wyprzedzał swoich kolegów z klasy, którzy byli od niego o 5-6 lat starsi. Ale artysta był bardzo zirytowany, gdy zaczęli go krytykować, za co był wielokrotnie karany. Pierwsze poważne zamówienie Hiszpan otrzymał w Paryżu, za które otrzymywał 150 franków miesięcznie. Jeśli nadal dręczą Was wątpliwości, czy był wspólnikiem w kradzieży Mony Lisy, to nie, oskarżony został poeta Apollinaire, który z kolei próbował zrzucić winę na Picassa. Wreszcie Hiszpanka zmieniała kobiety jak rękawiczki, wierząc: im mniej sumienia, tym więcej wszystkiego innego.

Być może po przeczytaniu książki „Dziadek” Mariny Picasso, Twoja opinia o artyście zmieni się radykalnie. Wnuczka otrzymała kolosalny spadek, a dodatkowo wóz obelg i wyrzutów pod adresem dziadka. Książka pełna jest oskarżeń o nieludzkie traktowanie przez artystę członków rodziny. Publikując książkę, Marina próbuje „odpuścić przeszłość”.

Czytając będziesz miał zupełnie inne zdanie „Wiersze”- zbiór wierszy wielkiego artysty. Niewiele osób wie, że w wieku 55 lat poezja stała się pasją mistrza. To było tak, jakby przekazywał swoje wrażenia wzrokowe, pisząc już nie pędzlem, ale słowami. Nie oczekuj prostych czterowierszów od złożonego artysty; jego wiersze są jak monolityczne bloki.

I wreszcie, aby poznać Picassa ojca, Picassa człowieka – czytaj „Moje życie z Picassem”, przez niego była żona, Franciszka Gilot. Artysta dołożył wszelkich starań, aby zapobiec publikacji książki i trzykrotnie przegrał ten proces. Wspomnienia opisują nie tylko twórczość Picassa, ale także jego złożone relacje z kobietami. Po opublikowaniu książki Gilota artysta zakończył związek ze wspólnymi dziećmi.

Vincenta Van Gogha

Być może nigdy byśmy tego nie widzieli piękne obrazy, gdyby Wincenty kontynuował drogę kaznodziei. W całym swoim życiu sprzedał tylko jedno dzieło – „Czerwone winnice w Arles”, a następnie swojemu bratu, właścicielowi galeria sztuki. Jeśli chodzi o liczne wersje odciętego ucha, przypomnijmy sobie najbardziej prawdopodobną : Ucho Van Goghowi zostało odcięte przez Gauguina podczas pijackiej kłótni „o prawdziwą naturę sztuki” lub z powodu kurtyzany Rachel. Ale machnięcie mieczem spełniło swoje zadanie, płat został wysłany do kurtyzany, a Gauguin wrzucił miecz jako przedmiot zbrodni do Rodanu.

Wiele światła rzuciło życie artysty „Listy do brata Theo”, od którego Vincent był w dużym stopniu zależny finansowo. Można w nich odczuć psychiczną udrękę i udrękę artysty.

Wniósł ogromny wkład w popularyzację artysty Irvinga Stone’a. Książka powstała w 1934 r. Jego wartość polega na tym, że autor osobiście odwiedził wszystkie miejsca związane z życiem artysty i potrafił porozumieć się z tymi, którzy znali geniusza za jego życia. To jedna z najbardziej fascynujących historii o Vincentu Van Goghu.

Można go śmiało nazwać królem skandalu! Jeśli spacerujesz po Nowym Jorku, to tylko z dwumetrowym bochenkiem, przyjdź na wystawę w dniu otwarcia w Londynie – tylko w skafandrze do nurkowania. Nasza znajomość z Waltem Disneyem dała nam kreskówkę „Destino” (Przeznaczenie). Nie ma chyba na świecie projektanta, który nie mógłby nazwać się artystą, ale nie każdy artysta może zostać projektantem. Dali odniósł sukces w obu przypadkach, co jest warte samej sofy w kształcie ust. Cóż, od dzieciństwa mamy zaszczyt podziwiać twórczość mistrza; emblemat na Chupa Chups wymyślił wielki Dali. Wynagrodzenie nie było oczywiście wyrażone w pieniądzu; poprosił kierownictwo, aby codziennie wysyłało mu pudełko lizaków.

Kto może opowiedzieć o sobie lepiej niż ty sam. Dali był tego pewien. „Dziennik geniusza”— szokujące rewelacje i wyznania, doprawione ironicznym podejściem do życia, pozwalają czytelnikowi spojrzeć na świat oczami wielkiego Hiszpana.

„ – oczami mojej siostry Ana Maria Dali. Książka zawiera listy Dalego do jego bliskiego przyjaciela – hiszpańskiego poety Federico Garcii Lorki i Any Marii, którym towarzyszą wspaniałe ilustracje, prace graficzne oraz fotografie opublikowane po raz pierwszy.

Człowiek, który jest jednym z najbardziej drodzy artyści na świecie. Nie malował swoich obrazów za pomocą sztalugi, palety i pędzla; rozpryskiwał na podłodze płótno farbę aluminiową lub lakiery fabryczne, czasem za pomocą papierosów. Czy wiecie, że pasją artysty było gotowanie? Nie mieści mi się w głowie obraz Pollocka w fartuchu pieczącego naleśnika z obrazem pijanego awanturnika o niezrównoważonym charakterze.

„Kolacja z Jacksonem Pollockiem: przepisy kulinarne, sztuka i natura”. Dzięki odkryciu książka została opublikowana Robina Lee – znany fotograf, która podróżuje po całym świecie robiąc zdjęcia dla takich klientów jak Kodak, Vogue i Harper's Bazaar. Książka zawiera ponad 50 przepisów, zebranych z nieczytelnych notatek Jacksona Pollocka, jego żony Lee Krasner i matki Stelli. Prezentowane są jego ulubione dania, znane od lat 50.: sos grzybowy do spaghetti, klops i placek z małżami, który sam złowił w zatoce. I oczywiście przepis na szarlotkę, za który zdobył nawet nagrodę w konkursie kulinarnym.

Stevena Nafiego i Gregory’ego White’a Smitha zaprezentował książkę światu „Jackson Pollock, amerykańska saga”, nakręcony w 2000 roku przez Eda Harissa, opowiada historię wszystkich wzlotów i upadków artysty.

Po zwiewnej treści jego dzieł rozpoznajemy, że Claude Monet jest jednym z ojców impresjonizmu. Od 14 roku życia zarabiał rysując karykatury znajomych i przechodniów, które cieszyły się dużą popularnością w okolicy. Koło fortuny wywróciło życie artysty do góry nogami, gdy wygrał na loterii 100 tysięcy franków, dzięki czemu mógł porzucić pracę gońca i poświęcić się malarstwu.

Francuski historyk, pisarz i dziennikarz Michela de Deckera znany jako autor wielu opracowań biograficznych. Wydana przez niego książka jest biografią Artysta francuski, zwanego poetą piszącym hymny do koloru i światła.

Stojąc w galerii obok obrazu, który nie przykuwa Twojej uwagi, po prostu przejdź do innego. Znajdź swojego artystę, który będzie z Tobą rezonował, podzieli się Twoim spojrzeniem na świat, a nawet pozwoli Ci spojrzeć jego oczami.

Jeszcze nie tak dawno, bo zaledwie dwanaście lat temu, wszelkie aspiracje do kultowego piękna uważano za niemal ciekawostkę. Nazywano to archaicznym dziwactwem. Dla tych, którzy nie znali ikon, było to nawet oznaką niedoskonałego gustu.

Doskonale pamiętam werdykt, którego musieli wysłuchać wszyscy bliscy starożytnych ikon, broniąc przekonania, że ​​ikony i malowidła religijne, wielkie sakralne mistyczne znaczenie, powiedzą wielkie słowo w sprawie przyszłości naszej sztuki.

Wielu z głupotą barbarzyńców przeszło obok pięknych obrazów. Święte twarze były dla nich zamknięte. Błyszczące kolory były dla nich czarnym. Cudowne wyrafinowanie twórczości było dla nich nieosiągalne... Jeśli jedni zaniedbali ludowy skarb sztuki, to inni szorstkimi rękami wyrywali z niego fragmenty, których nie rozumieli, i próbowali je wyjaśnić, a nawet poprawić. To prawda, że ​​te niechciane poprawki i interpretacje były często gorsze niż zaniedbanie.

Górzystą dziedzinę sztuki próbowali wyjaśnić literą martwej nauki. Zimna wiedza zabiła na wiele lat to, czym nasze serce mogło żyć. Wzrok odwrócił się od sztuki ukrytej za niestosownymi słowami.

Słuchając, jak zmarły opowiada o pięknych, malowniczych obrazach, często zastanawiałam się, czy nie byłoby lepiej, gdyby te dzieła zginęły, niż budziły sądy tak odległe od twórczości, od piękna! Szorstkie ręce rzuciły się w stronę ikon. A pomniki zginęły bezpowrotnie. Nie został zamknięty, lecz został ręcznie poprawiony i odnowiony wysoka kreatywność nasi prymitywni.

Mniej winimy mrocznych ludzi, którzy po prostu ukryli dzieła, których nie rozumieli, niż aroganckich korektorów, którzy niszczyli wspaniałe pomniki.

Przejeżdżając przez Ruś, musiałem osobiście poznać niewypowiedzianą kpinę ze świętych obrazów. Z uczuciem ulgi trzeba było słuchać, jak ikony po prostu wynoszono do magazynu i oglądano nieszkodliwie zamalowane freski... Jednak niezależnie od tego, jak niedoskonała była kultura kraju, bez względu na to, jak uboga była wiedza duchownych i tych, którzy u władzy na świecie, wśród ludzi oddanych ikonom panowało głębokie przekonanie, że w niedalekiej przyszłości jeszcze się tego dowiemy wysoka wartość zabytki ikonograficzne. Młodzi ludzie zrozumieją, że prawdziwa, odważna sztuka starożytnych artystów nie może już kryć się w ciemnych zakamarkach.

Oczywiście ruchy społeczne są zawsze nieposkromione. Z ofensywnej niewiedzy szybko wskoczymy nawet w snobizm. Wraz z wcześniejszymi, już rzadkimi, zaprzeczeniami, pojawia się nowe hobby, zabawne...

Ale lepiej być zauroczonym, oślepionym światłem, niż tkwić w ciemności. Snoby, które przyjdą popatrzeć na ikonę, przejdą. Ich zauroczenie jest krótkotrwałe. Im, nudziarzom, wszystko się znudzi, ale wyjdzie ktoś z ich szeregów, przesiąknięty pięknem dawnej twórczości i będzie wiedział, jakie szerokie, błyskotliwe ścieżki na przyszłość oferuje rosyjska ikona.

Ostatnie lata były szczególnie niebezpieczne dla naszych świętych wizerunków. Za dużo się zniekształciło. Wyglądało to tak, jakby wandale spieszyli się ze swoimi podłymi sprawami. To, co zepsuli, zaczęło się rozpadać. Wiele okazało się wcześniej zmytych i powalonych.

Przyszła mi do głowy straszna myśl. Czy przyszłe pokolenia naprawdę będą musiały badać starożytność, korzystając z fałszywych i prymitywnych aktualizacji? Cóż zatem mogłoby zostać odciśniętego w umysłach niejasnych, gdyby nawet prawdziwe piękno nie zostało przez nich rozpoznane?

Pojawiły się artele ikonograficzne, pozbawione smaku i zrozumienia. Solidna tradycja mistrzów Mstera i Kholuy zaczęła być wypaczana. Ponadto pod pozorem „poprawy sprawy” zaczęto ich uczyć malowania starożytnego tynku i tym samym odrywać ich od pierwotnej, solidnej wiedzy. Nieliczne głosy tych, którzy zrozumieli, brzmiały samotnie, a piękne zbiory ikon niczego nie zmieniły.

Tutaj także pomogli nam obcokrajowcy. Wiersz najlepsi artyści Zachód zaczął energicznie wskazywać na nasz zapomniany skarb. Na Zachodzie było dużo szumu wokół ikon. Zaczęli zazdrościć.

Niech ikony zostaną umieszczone w najbardziej widocznych miejscach. Niech stawiane są na skrzyżowaniach, na placach, aby świeciły dla wszystkich, ale niech pamiętają, że nie godzi się nosić ikon po wszystkich ulicach. Na naszym kamieniu artystycznym ustali się właściwa miara i właściwa krawędź.

Będziemy o tym pamiętać. Zapomnijmy na zawsze o poprzednich wyrzutach.

Nauczmy się patrzeć życzliwym okiem. Pamiętajmy, że nie potrzebny jest nam spór, lecz budowa.

W zrozumieniu ikon znajdujących się za nimi ostatnie dni nastąpiły prawdziwe oceny. W końcu zdałem sobie sprawę, że nie są one proste ciemne siły tworzyli ikony, ale artyści, prawdziwi artyści swoich czasów!

Przypomnijmy sobie ekstazę malowania ikony:

[…] „dali mu wodę święconą i święte relikwie, aby po zmieszaniu wody święconej i świętych relikwii z farbami mógł namalować świętą i konsekrowaną ikonę. I namalował tę świętą ikonę i tylko w soboty i niedziele przyjmował pokarm i z wielką gorliwością i czuwaniem w wielkiej ciszy go ukończył.

Przypomnijmy jeszcze raz, jak zazdrosny Stoglaw i sobór cara Aleksieja Michajłowicza zazdrościli ikonie:

... „z wielką starannością namalować obraz Pana Naszego Jezusa Chrystusa i Jego Przeczystej Matki Bożej i Świętych Proroków... na obraz i podobieństwo i istotę, patrząc na wizerunek starożytnych malarzy ikon. I świętuj dobrymi przykładami.”

Sobór cara Aleksieja Michajłowicza wyjaśnia:

... „tak, ikony będą malowane w sposób rzeźbiarski, uczciwy, z godną dekoracją, z kunsztownym zbadaniem sztuki, aby każdy wiek spoglądał na Ciebie z czcią, prowadząc do skruchy serca z miłości do Boga i Jego Świętych, aby naśladować ich przyjemne życie oraz być dla nich podekscytowanym i otwartym, chciałbym móc stanąć w niebie przed twarzami najbardziej prymitywnych.”...

Nie bądźmy zbyt leniwi, aby jeszcze raz przypomnieć, jakie słowo Statutu Okręgowego przekazał Cichy Król ikon i mistrzowie malarzy ikon:

... „i jako za najbardziej pobożnego i równego ze wszystkich apostołów cara Konstantyna, a po nim dawnych królów wiernych duchownych… z wielką czcią czcimy byahu, wraz z królewskim sigklitem i innymi dostojnikami, równość czci wszędzie jest odbierane, więc u naszych carów prawosławny stan ikon świętych, pisarza pracowitości i uczciwości, jako prawdziwy kościelny blask artysty, niech będą szanowani przez wszystkich innych, niech przyjmą prezydenturę artysty i niech pędzel będzie używany przez pisarza w różnych kolorach, z laską lub piórem, niech przeważają; Ze wszystkich czczonych sztuczek warto być szanowanym artystą.

Czczenie dzieła stworzenia od samego Boga, kiedy jesteśmy w środku Stary Testament Prowadził anielskie twarze w tej świątyni i nad skrzynią z ikoną przymierza. Otrzymałem także zaszczyt w nowej Łasce od samego Chrystusa Pana, gdy raczyłem wypisać swoje oblicze na obrusie króla Abgara bez Pisma Świętego. Apostoł był czczony przez świętych, bo święty ewangelista Łukasz napisał święte ikony. Cały Kościół prawosławny został zaszczycony, gdy na VII Soborze Ekumenicznym ustanowiono należną cześć ikonom świętych. Czczono także Aniołów Świętych, gdyż wielokrotnie pisano święte ikony Boga na polecenie, jak w świętej wielkiej Ławrze Kijowsko-Peczerskiej, zamiast malarza ikon św. Alimpiusa, a czasem było ich wiele.

To ortodoksyjne rękodzieło jest niezwyciężone i pogardzane przez władców świata przez ostatnie stulecia: nie tylko szlachetne dzieci, napędzane bezczynnością i bezczynnością, wieloaspektowe życzliwie pracujące pędzlem, ale także samo złote berło, trzymające sporo radości, pędzla i kulek różnokolorowej sztuki rozgraniczenia Naśladuj Boga i naturę. Kto jest w środku starożytny Rzym chwalebny od Pawła Emiliusza, jego pochwałami zapełniona jest cała księga historii: oto prośba metropolity ateńskiego, malarza ikon, a także filozofa, aby nauczyć młodych ludzi najpiękniejszego zarysu ich chwalebnych zwycięstw. Jeśli chwalebna rodzina Favianów z Rzymu: ich przodek Favius ​​​​zdobył nie mniej pochwał pędzlem ikonowym, podobnie jak inni mieczem i ostrą włócznią. A grecka mądrość prawodawcy tylko uczciwie ocenia to jako sztukę, jakby składając im testament, aby nikt z niewolników i jeńców pisania ikon nie otrzymał nauki, ale raczej szlachetne dzieci i synowie doradcy tego chwalebnego przyzwyczają się do sztuki. Bo tylko od Boga, od Kościoła i od wszystkich stopni i wieków świata czyny czcigodnego artysty będą czczone... Zatem tym, którzy chcą być w naszym prawosławnym królestwie, niezmiennie legitymizujemy i nakazujemy, naśladując legitymację o błogosławionym suwerennym carze i wielkim księciu Janie Wasiljewiczu, całej Rosji, Autokracie, w Stoglavie, wspomnianym w rozdziale 43, oraz o uczciwych i świętych ikonach oraz o malarzach ikon, wszystko, co zostało wspomniane powyżej w tym dokumencie naszych carów, zostanie nie do zdobycia i naczynia zostaną wyjęte”...

Słowo Cichego Króla jest nastrojowe i wzruszające. Warto przypomnieć sobie te przemówienia. Należy pamiętać, że ci, którym przyznano królewskie słowo, nie byli jakimiś podejrzanymi, nieistotnymi mistrzami. Cenna jest dla nas świadomość, że zarówno sobory, jak i carowie faworyzowali właśnie tych artystów, których słusznie podziwiamy. Ognistym oczyszczeniem spod starego, zaschniętego oleju, rozpaleniem oryginalnych kolorów, dostrzegamy całą odwagę iście malarskiej śmiałości. Widzimy twórczość złożoną z głębokiego, mistycznego znaczenia. I wielkie pogłębienie stworzyło rozkosz wspólną dla wielu stuleci i narodów.

Możesz chwilowo, tak jak to miało miejsce u nas, odejść od tych piękności. Przez zaniedbanie i brak zrozumienia można o nich zapomnieć, ale świat dba o swoje skarby, a one wychodzą z ciemności na czas, by zabłysnąć na nowych ścieżkach.

Nowe tony słychać już przy budowie kościołów. Przypomnieliśmy sobie, że malarstwo ścienne powinno mieć piękne kolory. Przypomnieliśmy sobie surowe i bezdenne znaczenie dawnych dzieł. Przypomnieliśmy sobie połączenia kolorów, odważne i godne pozazdroszczenia w swojej nieoczekiwaności. Przypomnieliśmy sobie, że o ikonach wiemy zbyt mało.

Ikony w muzeach na najlepsze miejsca. Cesarz szczerymi słowami i przykładem pokazał przełożonym głębokie znaczenie naszych świętych wizerunków. Najlepsi hierarchowie wyraźnie zobaczyli nasze prawdziwe skarby, które wielu z nich wcześniej głupio wypędziło. Młodzi ludzie zrozumieli piękno ikony. Ikona oświetliła jasną ścieżkę przyszłych osiągnięć w sztuce.

„Ikona Rosyjska” pragnie umacniać się w rosyjskim społeczeństwie wartość artystyczna ikony. Przesyłam pozdrowienia dla dobrego przedsięwzięcia i kłaniam się ikonie.

Rosyjska ikona. 1914. Nr 1. s. 14 – 19.

Korespondentowi Geekster powiedział ALEXEY ZAMSKY, scenarzysta serialu „Igor Grom” wydawanego przez Bubble Maksym Obołoński o premierze komiksu, ulubionych pisarzach, miejscu scenarzysty w powstaniu dzieła i o tym, jak pisać o Petersburgu mieszkając w Mińsku. Wywiad publikujemy ze skrótami i zmianami.

Ciekawi mnie, co pomyślałeś, kiedy po raz pierwszy zobaczyłeś efekt swojej pracy?

Oczywiście jest taki magiczny moment – ​​kiedy po raz pierwszy zobaczyłam pierwsze strony. Kiedy Natalia [Zaidova] wysłała czarno-białą grafikę do pierwszego numeru, po raz pierwszy w życiu zobaczyłam, że zostawiłem na kartce jakieś głupie słowa... A scenariusz to zawsze, w przeciwieństwie do prozy, głupie słowa , nie wyglądają jak „produkt końcowy”, tak naprawdę nie masz pojęcia, jak to wszystko będzie działać. Wtedy widzisz wszystko na rysunku i nie wierzysz, że to zrobiłeś...

Jakby zrobił to ktoś inny?

Mam na myśli to uczucie Pinokia, że ​​jest teraz prawdziwym chłopcem; to, co napisałeś w swojej głowie, ktoś faktycznie narysował i ktoś to faktycznie przeczyta. Nadal nie wierzę w realność ludzi, którzy otwierają i czytają moje komiksy, a nawet nie jestem do końca pewien, czy komiks istnieje i faktycznie jest publikowany, bo to wszystko musi okazać się moją halucynacją. To poczucie – mówię, choć może zabrzmi to żałośnie – „kwantowej nieśmiertelności”. Może mnie już nie będzie, jutro cegła spadnie na moją głowę, ale magazyn pozostanie. W tym magazynie jest coś, o czym marzyłam. Nie, oczywiście, to przede wszystkim zdolność Natalii i Marii (jeśli mówimy o pierwszych kwestiach) do zamiany nudnych słów w prawdziwy koszmar, który inni czytają i boją się lub nie boją się na miarę mojego talentu. Wciąż nie mogę uwierzyć, że ktoś zaufał mi, że coś napiszę, a to wylądowało na papierze i ludzie to czytają. To niesamowite uczucie!

O doświadczeniu i znaczeniu scenariusza

Czy miałeś doświadczenie jako scenarzysta przed serialem „Igor Grom”?

Przed Igorem Gromem dwukrotnie byłem zatrudniony jako scenarzysta projektów komercyjnych. W obu przypadkach z tego czy innego powodu nie wyszli, a kiedy wyjdą, nie będzie na nich mojego nazwiska. Projekt komercyjny powinien wyglądać tak, jak chce tego klient, a jeśli nie ma wzajemnego zrozumienia między Tobą a klientem, inni ludzie przychodzą i kopiują za Ciebie. To normalna praktyka. Nie odniosłem dotychczas żadnego sukcesu z komiksami niezależnymi. Niektóre rzeczy wciąż próbuję uporządkować i znaleźć szalony artysta, którzy zgodzili się go narysować, zostały napisane i zaczęto je proponować, zanim napisano i wydano Thunder.

Zgadzać się. Jako początkującemu autorowi komiksów trudno jest znaleźć artystę, który byłby chętny do współpracy z Tobą nad niezależnym projektem.

Szczerze mówiąc, nadal nie rozumiem, po co komiksy potrzebują pisarzy. Każdy artysta jest z definicji scenarzystą, prawda? Każdy z nas potrafi ułożyć kilka słów w zdania, wiemy jak mówią żywi ludzie, bo widzimy żywych ludzi i sami nimi jesteśmy. Każdy artysta, nawet ten dopiero zaczynający, jest w stanie zbudować kompetentną stronę komiksu. Oczywiście trochę przesadzam, bo wciąż nie jest dla mnie jasne, dlaczego w komiksach są różni autorzy. Ale każdy artysta, który decyduje się zająć komiksem w przestrzeni poradzieckiej, robi to sam. Oczywiście mogę mieć różne odczucia co do jakości tej historii i jej zakończenia. Moment, w którym pozwoliłam sobie na pisanie uwagi krytyczne jeśli chodzi o komiksy, byłem wobec tego dość surowy. W końcu, żeby robić komiksy, trzeba umieć rysować, a ci, którzy nie potrafią rysować (jak ja), chodzą wszędzie, wskazując rękopisem i namawiając kogoś do narysowania obrazków.

Ale co z tego, że jest to osobna umiejętność scenopisarska, której uczy się na uczelniach?

To prawda, ale wiele dyscyplin, których naucza się na uczelniach, jesteśmy w stanie samodzielnie opanować. Mamy Internet, są kursy mistrzowskie, a każdy artysta może nauczyć się bycia scenarzystą o wiele więcej krótki czas, to zajmie mi nauczenie się rysowania przynajmniej „niezbyt obrzydliwie”, jak mówi nasza redaktor naczelna. Jasne jest, że przesadzam, gdy mówię, że scenarzyści nie są potrzebni: gdybym szczerze wierzył, że scenarzyści nie są potrzebni, nie robiłbym tego.

Oczywiście byłoby miło mieć ludzi, którzy spędzili czas na uczeniu się praw konstruowania historii, podczas gdy ty spędzałeś czas na ustawianiu ręki niczym artysta. Ale ponieważ każdy artysta może być pisarzem, ale nie każdy pisarz może być artystą, zapotrzebowanie na indywidualnych autorów w komiksach jest znacznie mniejsze.

Każdy artysta, który chce, aby napisano dla niego historię, natychmiast się znajdzie sieci społecznościowe albo na tablicach obrazkowych jest kilkanaście osób, które będą gotowe napisać do niego scenariusz, a scenarzysta, który nie potrafi rysować, będzie musiał sporo czasu szukać artysty. O ile rozumiem, większość par pisarzy i artystów non-profit tworzących domowe komiksy to przede wszystkim przyjaciele zainteresowani współpracą, a dopiero potem profesjonaliści o różnych profilach.

Moim zdaniem rola scenariusza w każdym kreatywny projekt jeden z najważniejszych, bo nie przypominam sobie ani jednego rosyjskiego komiksu, który wciągnąłby mnie swoją historią, chociaż podoba mi się to, co wydawnictwo Bubble robi w ostatnie lata trzy.

Czytaliście na przykład „Shuv” Olgi Ławrentiewej? Jakoś to się stało ostatnio, że to mój standardowy przykład rosyjskiego komiksu, który warto przeczytać dla scenariusza. Rysunek tam... nie można powiedzieć, że jest prymitywny, jest "tradycyjny" jak na komiks europejski czy kanadyjski, ale dla osób czytających komiksy Bubble czy Big Two może wyjść z przyzwyczajenia pojawić się prymitywny. Ale przede wszystkim jest to oryginalny komiks, który należy przeczytać dla fabuły.

W pewnym sensie nadal rozwijamy się jako branża. Nawet nie jako przemysł, ale jako dziedzina sztuki. O ile sobie wyobrażam rosyjską scenę komiksową, z której jest ona technicznie usunięta, wyrosła z autorów, którzy byli przede wszystkim artystami, i stworzyliśmy prymat ekspresja artystyczna nad narracją. To jest całkowicie normalne. Wiele tradycji komiksowych przechodziło ten sam proces. Wydaje mi się, że mamy już autorów, którzy potrafią porwać fabułą. Stopniowo będzie na nie coraz większe zapotrzebowanie, wtedy osoby te będą intensywnie publikowane i czytane znacznie więcej niż obecnie.

Jeść ogromna ilośćświetnych twórców „komiksów internetowych”, na których czekamy mniej uwagi, ponieważ w naszym regionie ten format jest naznaczony pewnym piętnem. Nadal wolimy kupić „książkę papierową” i czytać ją dokładnie tak, jak książkę.

Są ludzie, którzy są niezasłużenie ignorowani, łącznie z krytyczną uwagą.

Na przykład serial „Borovitsky. Dom ze smokami.” Jej autorem jest scenarzysta i artysta Iwan Jeszukow. Nie wiem, czy istnieje w formie książkowej, ale na pewno został wydany jako singiel. Wszystkie nasze serwisy komiksowe choć raz o niej pisały, ale napisały mniej, niż na to zasługiwała. To kolejny przykład komiksu, który kładzie duży nacisk na fabułę.

A jeśli chodzi o komiksy „rozrywkowe” dla szerokiego grona odbiorców… Wiadomo, jest też efekt tego, że większość z nas przygodę z komiksami zaczęła od tytanów „Brytyjskiej Inwazji”. Jeśli weźmiemy tu dorosłego czytelnika komiksów, który zaczął stosunkowo niedawno, i powiedzmy, że przeczytał trzy komiksy, potrząsamy nim i okazuje się, że czytał Sandmana, Watchmena i V jak Vendetta. To wyznacza poprzeczkę dla fabuły komiksu, relacji z narracją i scenariusza, którą bardzo trudno pokonać!

Dzięki narracji Sandmana 90% komiksów Spider-Mana nie może grać na tym samym polu, ponieważ jest to zabawny komiks, którego celem jest szeroka publiczność, a Sandman sprawia wrażenie „poważnej książki”, która będzie Cię prowadzić przez całe życie. Nie możesz po tym otworzyć „Major Thunder” ani „Destroyer” i oczekiwać, że zrobi to na tobie takie samo wrażenie. To są komiksy dla różni ludzie o różnych rzeczach.

Jeśli Alex Hatchett (obecny scenarzysta „Besoboi” – ok. wyd. ) zaczniemy mówić o jeszcze bardziej skomplikowanych sprawach i złożony język, podobnie jak Gaiman w późniejszym Sandmanie, po prostu zdobędzie dużą widownię, która powie, że jest to niezrozumiałe i nieciekawe. I ci ludzie będą mieli całkowitą rację, bo przyszli po komiks o „Besoboi”.

Wydaje mi się, że z biegiem czasu wszystko ułoży się tak, jak powieści graficzne „Sandman” i „Transmetropolitan” wyrosły z komiksów o Supermanie i Batmanie. Będziemy mieli osobne zapotrzebowanie na komiksy złożone narracyjnie i wciąż mainstreamowe.

Mamy poważne komiksy „art-houseowe”, tym bardziej „autorskie”, które wydawane są przez Bumknigę, ale będzie też zapotrzebowanie na innych autorów.

W rezultacie okazuje się, że typowy czytelnik porównuje wszystko, co rosyjskie, z już ukształtowanym Zachodem.

Tak, ponadto porównuje zwykłych przedstawicieli rosyjskiego komiksu z najlepszymi przedstawicielami Zachodu. Nie mam nic do powiedzenia, nie jestem wart małego palca Alana Moore'a. Codziennie walę głową o otaczające je płaskie powierzchnie, żeby nauczyć się pisać w taki sam sposób, w jaki on zapisywał w almanachach śmieciowe 6-stronicowe opowiadania o „ Gwiezdne wojny”, jeszcze zanim stał się sławnym amerykańskim scenarzystą. Mam nadzieję, że z bicia i innych ćwiczeń to do mnie przyjdzie, ale oczywiście nie mogę winić osoby, która wybierając to, co czyta z tego, co jest dostępne w języku rosyjskim, wybiera nie mnie, ale zapowiadanego już „Transmetropolitę”.

O literaturze

Jest Pan absolwentem filologii rosyjskiej, stąd moje kolejne pytanie: pisarz, który zrobił na Panu największe wrażenie?

Ogólnie jestem osobą podatną na wpływy i trudno wskazać jedną. Wiesz, w młodości Gustav Meyrink zrobił na mnie ogromne wrażenie, zwłaszcza w małej formie, jako mistrz opowiadań, a nie jako powieściopisarz. To literackie wrażenie, które noszę w sobie do dziś, mimo że nie znam niemieckiego i czytałem go w tłumaczeniu.

O czym on pisze? Pierwszy raz słyszę o tym autorze.

Meyrink jest, że tak powiem, „klasycznym” niemieckim mistykiem, ekspresjonistą końca XIX i początku XX wieku. Meyrink jest pisarzem mistycznym nie w tym sensie, że dokonywał jakichś magicznych przemian za pomocą swojej literatury, ale w tym sensie, że alchemia, kabała i europejska magia hermetyczna były dla niego źródłem obrazy artystyczne i źródło... Nie powiedziałbym, że to inspiracja, ale raczej analiza literacka. Wydaje się, że dziedziczy po tekście nie literackie, ale magiczne tradycje, co w młodości fascynowało mnie przede wszystkim tematycznie, ale pisze o mistykach, którzy nigdy nie istnieli poza jego literaturą. Pisze między innymi pod wpływem fascynacji Europejczyków indyjskimi mistykami i jogą, tyle że w innej formie niż znamy ją obecnie.

Ze wszystkich swoich współczesnych autorów najbardziej przypomina Kafkę, jednak tam, gdzie Kafka dostrzegł absurdalność rzeczywistości, Meyrink odkrywa bardzo złożony i trudny do zrozumienia przez człowieka „mechanizm” rzeczywistości, magiczne podłoże, na którym istniejemy. To połączenie ezoteryki i ekspresjonizmu...

Gustava Meyrinka

Cóż, ekspresjonizm w literaturze jest czymś bardzo ograniczonym i głównie niemieckim, ale to połączenie i tak robi na mnie największe wrażenie. Oczywiście z punktu widzenia treści tematyczne Meyrinka w różne momenty Byłam w swoim życiu zaskakiwana na różne sposoby, a niektórymi rzeczami nadal zadziwia.

To zauważalne! Ostatnio u Igora Groma dzieje się sporo mistycyzmu.

Nie mogę powiedzieć, że kiedy zaczynałem pisać swoje pierwsze scenariusze, wyczułem taki wpływ bezpośrednio, choć być może tak jest. W Gromie piszę o rzeczach, które mnie fascynują, a Meyrink pisze o rzeczach, które mnie fascynują. Oczywiście „Igor Grom” to komiksy mistyczne, choć nie dosłownie, nie o magii i czarownikach, ale są to komiksy o złej stronie rzeczywistości.

Całkiem trudne.

Cóż, wydaje się, że nie jest trudniejszy niż rosyjski serial kryminalny, z którym zawsze jestem porównywany.

Jeśli wymienić więcej autorów, to... Wiesz, tutaj bardzo trudno oddzielić pierwsze wrażenia młodzieńcze od tych dojrzalszych i jakoś je uzasadnić. Kiedy miałem 13–14 lat, duży wpływ na moją chęć studiowania literatury wywarł Henry Lyon Oldie. To pseudonim dwóch ukraińskich pisarzy science fiction, Gromowa i Ładżeńskiego. Tam, gdzie czytałem większość rosyjskich pisarzy science fiction, tekst składał się z fabuły i pracy z wizerunkami postaci, Oldie główną rolę odgrywa poezja tekstu, jego struktura - a dzieło jubilerskie, świadoma „dekoracyjność” dzieła na prozie. To było tak inne od każdego „Conana” i Łukjanienki!

Duet Oldie

Nie mogę powiedzieć, że „odkryłam”, że science fiction może być literaturą poważną, wiedziałam o tym już wcześniej. Odkryłem, że fikcja może dotyczyć zupełnie różnych rzeczy i być opowiadana na różne sposoby. Były tam epigrafy z książek, o których słyszałem po raz pierwszy, dyskusje na tematy, o których wtedy jeszcze nie myślałem. Magia czytania została mi objawiona po raz drugi. Czy wiesz jak to się dzieje?

Przydarzyło mi się to z Harrym Potterem: kiedy dotknąłem tej serii, zacząłem szukać czegoś podobnego.

Wydaje mi się, że każdy ma jakąś książkę, która już w dzieciństwie na nowo wyjaśnia, dlaczego czytamy książki. Tak właśnie było.
Prawdopodobnie mogłabym wymieniać w nieskończoność osoby, które wywarły na mnie ogromne wrażenie, ale powiedzmy jeszcze jedno, z najbardziej wyrazistych wrażeń, o Suzanne Clark.
To brytyjska pisarka fantasy, która ma na swoim koncie dokładnie jedną ważną książkę. Dzisiaj. Opublikowała jedną powieść i jeden zbiór opowiadań. Powieść była nawet brytyjska, był to „Jonathan Strange i pan Norrell”. Suzanne Clarke jest uczennicą Neila Gaimana, która równie dobrze mogłaby być jego nauczycielką. To wszystko, co wiesz o Neilu Gaimanie i Terrym Pratchetcie, z wyjątkiem humoru. Bardzo brytyjska magiczna fantazja, zbudowana wcześniej na niekończącej się rozkoszy literacka baśń. Bardzo stylizowany, bardzo artystyczny.

„Jonathan Strange i pan Norrell”. Suzanne Clark

Który pisarz jest według Ciebie najbardziej przereklamowany? Czytając pomyślałeś: „Boże, co ja czytam?”

Neil Gaiman przez całe życie imponował mi, jaką głębię odkrywają w nim czytelnicy i jak bardzo nie znajduje to potwierdzenia w tekście. Jakże proste i powierzchowne są jego obrazy w „Amerykańskich bogach”! Do tego stopnia, że ​​w ogóle nie robi nic więcej, niż jest to konieczne w dużej formie. Poza tym ma genialne historie.
OK, nie doczytałem ostatnia powieść o mitologii północnej, ale ile on nie czyni dodatkowych wysiłków dla dobra czytelnika! Robi tylko to, co konieczne, aby jego metafora zadziałała, i zaraz po tym pozostawia tekst.

Ale dużo pracuje z mitologią.

Nie powiedziałbym, że zajmuje się on szczególnie mitologią. Każdy z naszego zakątka kraju może po raz kolejny sprawdzić, ile i o czym mówi Gaiman Mitologia słowiańska, co dla amerykańskiego czytelnika wygląda bardzo egzotycznie, ale u nas zupełnie nie „działa”.

W rzeczywistości działa na tym samym poziomie, co inne mitologie.
Ze względu na obszar zainteresowań wie lepiej północna Europa, dlatego też, gdy pisze o Celtach-Skandynawach, czyni to bardziej żywym i interesującym. Gdy tylko porusza tematy, które albo opanował specjalnie na potrzeby książki, albo które w zasadzie nie są dla niego zbyt interesujące, nie wychodzi poza najprostsze i najbardziej powierzchowne założenia. Poranny świt, wieczorny świt, pięknie. Jeden istnieje w dzień, drugi w nocy. Skończone, zamknięte.

Okładka powieści „Amerykańscy bogowie”

Pomyślcie tylko, że Indianie amerykańscy nie wyznają żadnej religii! Ponieważ, jak mówi nam Gaiman, nie przypomina to chrześcijańskiej, Abrahamowej lektury północy Tradycja europejska. A jeśli na to nie wygląda, to się nie liczy. A co z mitologiami, które są dobrze rozwinięte i dobrze zaprezentowane w USA, a o których Gaiman nie ma zamiaru pisać? Cóż, on też o nich zapomni. W rezultacie w USA jest ogromna reprezentacja Skandynawów, ale zerowa reprezentacja Hindusów i bliska zeru reprezentacja Azjatów wschodnich: Chin i Japonii.

Jego wybór mitologii jest zupełnie niezwiązany (choć tak twierdzi w książce) z historią Stanów Zjednoczonych i tym, jak niektórzy ludzie eksportowali swoich bogów z zagranicy. Wybór ten związany jest z jego osobistymi zainteresowaniami mitologią światową lub dosłownie tym, co przeczytał. To samo dzieje się z „nowymi bogami”, które w zasadzie są science fiction z bardzo bliska.

Nie chcę przez to powiedzieć, że konieczne jest, aby pisarz science fiction potrafił przewidzieć pojawienie się Internetu z 50-letnim wyprzedzeniem, chociaż takie przykłady są, ale jak mało Gaiman mówi o nowych bogach i nowym okresie w historii. historia ludzkości! Książka jest dobra, ale widać w niej sporo głębokiego zanurzenia się w mitologię i religię, a ja tego wcześniej nie widziałem i nadal nie widzę.

O „Igorze Gromie”

Dlaczego było to potrzebne? nowy obraz główny bohater? Czyj to był pomysł?

Nie kopiuj cudzych obrazów, rysunków i fotografii

Malarstwo malarza nie będzie doskonałe, jeśli będzie czerpał inspirację z obrazów innych; „Jeśli będzie się uczył od przedmiotów natury, wyda dobre owoce”.

Leonardo da Vinci (1452-1519)

W Przysłałeś mi swoje rysunki i krótki list, w którym dosłownie piszesz: „Jak widzisz, umiem już dobrze rysować, chociaż nigdy się nigdzie nie uczyłem. Po prostu nie radzę sobie z postaciami ludzkimi, ale po ich opanowaniu mogę szybko zostać artystą”. Po przeczytaniu tych nieco zarozumiałych linijek sięgnąłem do Twoich rysunków, mając nadzieję, że znajdę w nich potwierdzenie Twoich słów.

Ale niestety! Moje nadzieje się nie spełniły! Wszystkie przesłane rysunki są kopiami różne obrazy i portrety wykonane przez Ciebie mechanicznie, w celach. I chociaż ozdobiłeś swoje rysunki misternymi, ręcznie rysowanymi ramkami, nadal nie mają one najmniejszego znaczenia wartość artystyczna, i postanowiłem w ogóle nic więcej do Ciebie nie pisać, gdyż przy całej mojej chęci nie znalazłem w Twoich pracach żadnych śladów zdolności. Całkiem przypadkowo na odwrocie jednego z rysunków odkryłem szkic postać kobieca robić na drutach pończochę. Ten rysunek, niewątpliwie wykonany z życia, sprawił, że zmieniłem zdanie o Tobie i zdecydowałem się napisać do Ciebie ten list. Prawdopodobnie czytając te wiersze, jesteś zakłopotany: Jak to możliwe? Dlaczego odrzucił ładne rysunki, które tak bardzo podobały się moim znajomym i które służyły jako dekoracja mojego pokoju, a zwrócił uwagę na jakiś szorstki, niestaranny rysunek, do którego ja sam nie przywiązywałem żadnej wagi?

To pytanie, od którego tak naprawdę zaczyna się nasza znajomość, jest bardzo istotne i dlatego postaram się je wyjaśnić tak jasno, jak to tylko możliwe.

Każdy artysta przekazuje w swoich pracach obserwacje otaczającego go życia, przyrody i środowiska. Im bystrzejsze są jego obserwacje, tym większe są jego umiejętności wielka wartość mają jego dzieła. Kiedy artysta kopiuje dzieło innego artysty, nie dodaje do niego niczego osobistego. Jego zadaniem jest po prostu jak najdokładniejsze skopiowanie z innego dzieła. Niezależnie od tego, jak dobrze wykonana jest taka kopia, jej wartość artystyczna w porównaniu z oryginałem jest zwykle bardzo mała.

B. każdy niezależna praca artysta wkłada w to całą siłę swojego talentu, uczuć, pragnień, myśli, doświadczeń i obserwacji. Kopiując cudzy obraz, artysta nie wkłada w swoje dzieło niczego poza własną pracą i chęcią wykonania czegoś na wzór oryginału.

Dla początkującego kopiowanie reprodukcji obrazów i rysunków innych artystów przynosi więcej szkody niż pożytku. Przyzwyczaja go do samodzielnej pracy, uczy patrzeć na świat oczami drugiego człowieka. Co prawda zdarza się, że młodzi artyści w trakcie nauki kopiują obrazy znanych mistrzów, ale to zupełnie inna sprawa, gdyż w tym przypadku kopia wykonywana jest w muzeum, bezpośrednio z obrazu, a celem takiego praca polega na jak najgłębszym wniknięciu w kunszt wielkiego artysty, przestudiowaniu jego technik, technik malarskich, interpretacji formy itp. Robiłeś swoje kopie nie z samych obrazów, ale ze kiepskich pocztówek, a przy tym, najmniej interesująca była dla Ciebie kwestia badania umiejętności innych artystów. Dlatego też wartość nadesłanych przez Państwa prac jest znikoma. Fakt, że potrafiłeś robić to, co uważałeś za piękne obrazy, oślepił cię i wydawało ci się, że naprawdę jesteś prawie artystą, że gdybyś tylko musiał nauczyć się trochę więcej, trochę więcej, stałbyś się prawdziwym artysta. Niestety! Bardzo się mylisz! Twój szkic pokazuje, że masz pewne zdolności, ale w ogóle nie umiesz rysować i nawet nie masz jeszcze pojęcia, jak to zrobić. Musisz zacząć od alfabetu i dopiero po jego opanowaniu iść dalej. Sam piszesz w swoim liście, że nigdy nigdzie nie uczyłeś się rysunku, a mimo to wyobrażasz sobie siebie niemal gotowy artysta. Nie jest jasne, skąd bierze się taka frywolność! W końcu nawet aby zostać wykwalifikowanym szewcem lub krawcem, trzeba uczyć się dłużej niż miesiąc, a umiejętności artysty są znacznie bardziej subtelne i złożone. Pytanie brzmi: na jakiej podstawie wierzysz, że artystą możesz zostać po prostu żartem, po odrobinie treningu? Jeśli chcesz w dalszym ciągu korzystać z moich rad i wskazówek, stawiam Ci następujące niezbędne warunki:

1. Przestań myśleć o rysowaniu ładnych obrazków i przejdź na rysunki edukacyjne.

2. Całkowicie odmawiaj kopiowania cudzych obrazów, rysunków i fotografii.

3. Czerp systematycznie z życia, zaczynając od jak najwięcej proste obiekty, stopniowo przechodząc do bardziej złożonych.

4. Nie pracuj jeszcze z farbami; Najpierw trzeba choć trochę opanować jednokolorowy rysunek, bo na nim opierają się podstawy naszej sztuki, a dopiero potem można spróbować swoich sił w farbach. 5. Zacznij od małych rysunków - 1/4 normalnego arkusza rysunkowego (30 x 40 cm).

Po zdobyciu znanych umiejętności przejdź do rozmiaru „/2 arkuszy (40 X 60 cm). Nie zaleca się wykonywania rysunków edukacyjnych w dużych rozmiarach. I na koniec musisz uzbroić się w cierpliwość i skromność, zapominając, że jesteś artystą” w ciągu pięciu minut” Pamiętaj, że jesteś jeszcze tylko uczniem i to uczniem klasy przygotowawczej.