Róg francuski(z niemieckiego Waldhorn - „róg leśny”, włoski corno, angielski róg, francuski cor) - mosiężny instrument muzyczny w rejestrze basowo-tenorowym. Wywodzący się z rogu sygnalizacyjnego myśliwskiego, wszedł do orkiestry w połowie XVII wieku. Do lat trzydziestych XIX wieku, podobnie jak inne instrumenty dęte blaszane, nie posiadał zaworów i był instrumentem naturalnym o ograniczonej skali (tzw. „róg naturalny”, którym posługiwał się Beethoven). Róg jest używany w orkiestrach symfonicznych i dętych, a także w zespole i instrument solowy. Obecnie używany jest głównie w tonacji F (w stroju F), w orkiestrach dętych także w Es (w stroju E). Rzeczywisty zakres dźwięku tuby wynosi od H1 (przeciwoktawa B) do f² (druga oktawa F) ze wszystkimi dźwiękami pośrednimi w skali chromatycznej. Wpisane są nuty na róg klucz wiolinowy piąta wyższa od rzeczywistego dźwięku, a w basie - czwarta niższa od rzeczywistego dźwięku (wcześniej zanotowana bez kluczowych znaków). Barwa instrumentu jest nieco szorstka w dolnym rejestrze, na fortepianie miękka i melodyjna, na forte jasna i jasna – w środkowym i górnym rejestrze.

Róg dobrze radzi sobie z graniem długich nut (w tym na organach) i melodii o szerokim oddechu. Zużycie powietrza na tym instrumencie jest stosunkowo niewielkie (nie licząc skrajnych rejestrów).

W
Tuba Agnera(niemiecka Wagnertuba, angielska tuba Wagnera, włoska Tuba wagneriana lub Tuba di Wagner, francuska Tuba wagnerien; nazwa pochodzi od nazwiska kompozytora Ryszarda Wagnera) – blaszany instrument muzyczny w rejestrze basowo-tenorowym, łączący w sobie cechy konstrukcyjne róg i tuba. Nazwa „tuba Wagnera” nie jest do końca trafna, gdyż instrument ten konstrukcją jest bliższy tubie, a ponadto wykorzystuje ustnik tubowy, dlatego w zdecydowanej większości przypadków grają na nim profesjonalni waltorniści. Bardziej poprawne jest zaklasyfikowanie go jako rodzaju rogu. Jednak istniejąca nazwa rozwinęła się historycznie w kilku językach europejskich. Dźwięk tuby Wagnera przypomina eufonium, dlatego w przypadku braku tego instrumentu w orkiestrze często zastępuje go eufonium.

Wynalezienie tego instrumentu przypisuje się Richardowi Wagnerowi, który jako pierwszy użył go w swoich dziełach. Przypuszczalnie w projektowaniu tuby Wagnera brał także udział wynalazca saksofonu, Adolf Sax. Tuba Wagnera jest używana przez kompozytorów dość rzadko. Najbardziej znany dzieła muzyczne z udziałem tego instrumentu – tetralogię Ryszarda Wagnera „Pierścień Nibelungów”, VII, VIII i IX symfonie Antona Brucknera, balet Igora Strawińskiego „Pietruszka”, opery Ryszarda Straussa „Elektra” i „Kobieta bez cienia”, a także jego „Home Symphony”.

T pocierać (naturalnie), mimo swojej wielowiekowej historii, instrument jest bardzo młody. Jednak to prawda! Trąbka jest dzieckiem postępu technologicznego, jej produkcja związana jest z obróbką metali, a pierwsze instrumenty, które można nazwać trąbką, pojawiły się około 3600 roku p.n.e. – w epoce brązu.

Znane są trąby egipskie z czasów panowania faraona Tutanchamona (1500 p.n.e.), trąby rzymskie: lur, cornu, lituus, buccina. Każda runda postępu niezmiennie odbijała się na jakości i kształcie produkowanych rur. Zmieniła się grubość blachy, z której wykonano narzędzie, poprawiła się jakość połączeń lutowniczych, zmienił się także sam metal, z którego wykonano rurę (brąz, srebro, miedź). Naturalnie istniała różnorodność form instrumentów. Najważniejsze pozostało - cel rury. Przez wieki używany był w orszakach władców oraz jako instrument sygnalizacyjny wśród wojsk.

Wreszcie na początku XVII wieku fajka nabrała innej jakości i kształtu. Tak znali to kompozytorzy, od Monteverdiego i Purcella po Mendelssohna i Berlioza. (Pierwsza wzmianka o wytwórcach instrumentów, takich jak Schnitzer w Niemczech, pochodzi z około 1590 roku.) Przez następne dwa stulecia kształt fajki niewiele się zmieniał. Obecnie nazywamy ten instrument naturalną trąbką. Dźwięki na nim powstają poprzez dmuchanie i budowane są według alikwotów. Ze względu na dużą długość instrumentu, nuta dolna (pedałowa) została umiejscowiona w dużej oktawie, a pasaże przypominające gamę można było stosować już od ósmego alikwotu.

„Złotym wiekiem” fajki naturalnej był XVII wiek. Naturalna trąbka błyszczy w dziełach takich mistrzów jak G. Purcell, A. Scarlatti, A. Vivaldi, G.F. Telemanna i osiąga szczyty w muzyce G.F. Handel i J.S. Kawaler. Rola trąbki w muzyce tamtych czasów jest dwojaka. Po pierwsze, trąbka pozostaje instrumentem sygnałowym, a grupa trąbek (zwykle trzech muzyków) wraz z kotłami tworzy świąteczny, zachęcający dźwięk. Po drugie, kompozytorzy wykorzystują górny rejestr trąbki solowej do poruszających fraz i rocznic (np. w sonatach G. Purcella i A. Corelliego, koncertach A. Vivaldiego, G. F. Telemanna, II Koncercie brandenburskim J. S. Bacha) i znakomicie łączą go z głosem solowym (sześć arii A. Scarlattiego, arie z kantat J. S. Bacha i oratoria G. F. Handla). Trąbka na równych prawach konkuruje z głosem. Niestety, takie konkursy nie zawsze kończyły się sukcesem dla trębaczy. Przypomnijmy sobie film „Castrato Farinelli” o słynnym śpiewaku-wirtuozie, w którym na rynku jest scena, gdy Farinelli wdaje się w rywalizację z trębaczem i pokonuje go, okazując się bardziej wirtuozowskim.

Historia zachowała dla nas nazwiska ówczesnych trębaczy. To Girolamo Fantini, autor ośmiu sonat na trąbkę i „Modo per impare a sonare di tromba” – pierwszej opublikowanej szkoły gry na trąbce, D. Shore, I. Clark, dla których G. Purcell i G.F. Handel, a także Johann Gottfried Reiche z Lipska – pierwszy wykonawca muzyki J.S. Kawaler. Koniec XVIII wieku to początek zmian technicznych, które doprowadziły rurę do obecnego wyglądu i jakości. Wykonawcy potrzebowali instrumentu chromatycznego, a kompozytorzy zaczęli stosować w swoich kompozycjach coraz bardziej złożone kombinacje tonacji. Pierwsza trąbka chromatyczna (wzmianki o niej pochodzą z 1793 r.) posiadała zawory instalowane na wzór fletów i klarnetów. Choć innowacja ta nie była dalej rozwijana, gdyż przy otwartych zaworach trąbka traciła dźwięk, trąbka zaworowa została uwieczniona na koncertach I. Haydna (1798) i I.N. Hummela (1803), zamówionego przez wiedeńskiego trębacza Antona Weidingera (1766-1852). Koncerty te nadal cieszą się największą popularnością w repertuarze trębaczy. Eksperymenty były kontynuowane. Ich praktyczne znaczenie polegało na zastosowaniu mechanizmów wydłużających tubę instrumentu i obniżających tony skali naturalnej. Nie myśl, że podczas tych poszukiwań naturalna fajka straciła swoją pozycję. Instrumenty chromatyczne dotychczas pod względem jakości dźwięku ustępowały naturalnym, a kompozytorzy musieli wykazywać się cudami pomysłowości, znajdując więcej pauz na zmianę wysokości dźwięku lub, jak G. Berlioz i wczesny R. Wagner, używając czterech naturalnych trąbek o różnym stroju W parach.

T
koszula piccolo, podobnie jak mała trąbka D, została wynaleziona mniej więcej w tym samym czasie i w tym samym celu – do występów muzyka dawna. Jego piękna, dźwięczna barwa i szeroka skala pozwoliły ożywić wiele pięknych dzieł dawnych mistrzów.

W 1884 roku słynny niemiecki trębacz Juliusz Kozlek (1835-1905) po wielu eksperymentach zaprojektował trąbkę w stroju A z dwoma zaworami, na której z łatwością mógł grać najtrudniejsze partie klarino. Ponadto wykorzystując ustnik z głębokim stożkiem w kształcie miseczki, uzyskał niezwykle lekką i piękną barwę dźwięku.

Trąbka piccolo posiada 4 zawory i 4 dodatkowe korony. Czwarty zawór jest zaworem kwartetowym, czyli obniża każdy naturalny dźwięk o jedną kwartę. Służy do wypełnienia strefy od C do F pierwszej oktawy, a także do budować pojedyncze, niedokładnie intonowane dźwięki. Instrument posiada dodatkową tubę do strojenia od B do A.

Obecnie gra się na nim mniejszym ustnikiem, co ułatwia wydobywanie dźwięków w górnym rejestrze i wyraźniejszą intonację.

Trąbkę piccolo zaczęto używać w orkiestrach w XX wieku (np. Strawiński w „Pietruszce”, gdzie występuje słynne solo na trąbce piccolo). A w praktyce solowej podczas wykonywania muzyki dawnej instrument jest jeszcze bardziej popularny niż trąbka piccolo Trąbka D.

Na małych trąbkach i trąbkach piccolo grali i grają tak wspaniali trębacze jak Adolf Scherbaum, Ludwig Güttler, Maurice Andre, Wynton Marsalis, Hakan Hardenberger i wielu innych.

T
ruba(włoska tromba, francuska trompette, niemiecka Trompete, angielska trąbka) to blaszany instrument muzyczny w rejestrze altowo-sopranowym, o najwyższym brzmieniu wśród instrumentów dętych blaszanych. Naturalna trąbka od czasów starożytnych służyła jako instrument sygnalizacyjny, a od około XVII wieku stała się częścią orkiestry. Wraz z wynalezieniem mechanizmu zaworowego trąbka otrzymała pełną skalę chromatyczną i od połowy XIX wieku stała się pełnoprawnym instrumentem muzyki klasycznej. Instrument ma jasną, olśniewającą barwę i jest używany jako instrument solowy, w orkiestrach symfonicznych i dętych, a także w jazzie i innych gatunkach.

Rury wykonane są z mosiądzu lub miedzi, rzadziej ze srebra i innych metali. Już w starożytności istniała technologia wykonywania instrumentu z jednej blachy.

Rdzeń rury to długa rura wygięta wyłącznie w celu uzyskania zwartości. Zwęża się nieznacznie przy ustniku, rozszerza się przy dzwonku, a w pozostałych miejscach ma kształt cylindryczny. To właśnie ten kształt tuby nadaje trąbce jasną barwę. Podczas wykonywania rury jest to niezwykle ważne dokładne obliczenia zarówno długość samej tuby, jak i stopień rozszerzenia dzwonu – wpływa to radykalnie na konstrukcję instrumentu.

Podstawową zasadą gry na trąbce jest uzyskanie współbrzmień harmonicznych poprzez zmianę położenia warg i zmianę długości słupa powietrza w instrumencie, osiąganą za pomocą mechanizmu zaworowego. W trąbce zastosowano trzy zawory, które redukują dźwięk o ton, półton i półtora tonu. Jednoczesne naciśnięcie dwóch lub trzech zaworów pozwala obniżyć ogólną skalę instrumentu do trzech tonów. W ten sposób trąbka otrzymuje skalę chromatyczną.

W niektórych typach trąbek (np. trąbce piccolo) znajduje się także zawór czwarty (quart Valve), który obniża strój o jedną kwartę (pięć półtonów).

Trąbka jest instrumentem praworęcznym: podczas gry zawory wciska się prawą ręką, lewa ręka podtrzymuje instrument.

DO
puzon łapowy różni się od zwykłego puzonu tym, że wysokość nut zmieniana jest za pomocą trzech zaworów (podobna zasada stosowana jest w trąbce orkiestrowej). Lampy te dają wykonawcy dość dużą swobodę, ale dźwięk puzonu zaworowego jest gorszy pod względem jasności i bogactwa niż zwykły puzon. Do połowy XX wieku puzony zaworowe były szeroko rozpowszechnione w zespołach tanecznych i orkiestrach teatralnych, obecnie wykorzystuje się je głównie w muzyce jazzowej.

DO
orneta(włoski cornetto - „róg”) lub kornet-a-piston (francuski kornet à tłoki - „róg z tłokami”) - mosiężny instrument muzyczny dęty, który przypomina trąbkę, ale ma szerszą i krótszą rurkę i nie jest wyposażony w zawory , ale tłoki. Pochodzi z rogu pocztowego. Został zbudowany we Francji około 1830 roku.

Głośność rzeczywistego dźwięku kornetu pokrywa się z zakresem trąbki – od e (oktawa mała E) do c3 (do trzeciej oktawy). Używane w strojach B-dur (w B) i A (w A), nuty są zwykle zapisywane bez znaków tonacyjnych, o ton lub półtora (w zależności od stroju) wyższe niż rzeczywisty dźwięk.

W XIX wieku do orkiestry często wprowadzano kornety wraz z trąbkami. Mimo że trąbki były już instrumentami chromatycznymi, kompozytorzy rzadko powierzali im epizody solowe i wirtuozowskie. Uważano, że kornet ma większe możliwości wirtuozowskie i łagodniejszą barwę niż trąbka. Kornety wykorzystywano w dziełach orkiestrowych Berlioza (symfonia „Harold we Włoszech”), Bizeta (muzyka do dramatu „La Arlesienne”), Czajkowskiego (włoskie Capriccio, „Francesca da Rimini”). Jednym z najsłynniejszych solowych numerów kornetu jest Taniec neapolitański z baletu Jezioro Łabędzie Czajkowskiego.

W drugiej połowie XIX wieku kornet był bardzo popularny. W 1869 roku w Konserwatorium Paryskim otwarto klasę kornetu, której założycielem i pierwszym profesorem był słynny wirtuoz kornetu Jean Baptiste Arban.

W XX wieku udoskonalenie konstrukcji trąbek i umiejętności trębaczy praktycznie wyeliminowało problem płynności i barwy, a kornety zniknęły z orkiestry. Obecnie partie orkiestrowe kornetów wykonywane są z reguły na trąbkach, choć czasami wykorzystuje się instrument oryginalny.

Kornet jest zwykłym członkiem orkiestry dętej, w której wykonuje głos melodyczny. Był używany we wczesnych fazach jazzu, ale później ustąpił miejsca trąbce.

Obecnie kornet, oprócz orkiestry dętej, służy jako instrument dydaktyczny, a okazjonalnie jako solista.

T
ube(z włoskiego tuba łacińska - „trąbka”, tuba angielska, tuba niemiecka, tuba francuska) to blaszany instrument muzyczny o szerokim otworze, najniższy w rejestrze. W drugiej zaprojektowano nowoczesny model instrumentu ćwierć XIX wieku przez Adolphe’a Saxa. Tuba ma ostrą, masywną barwę; dźwięk tuby jest trudny do intonowania. Stosowany jest głównie w orkiestrze symfonicznej, gdzie pełni rolę instrumentu basowego w sekcji dętej. Jest aktywnie wykorzystywany w orkiestrach dętych, stosunkowo rzadziej w różnych orkiestrach i zespołach jazzowych i popowych. Tuba pojawia się stosunkowo rzadko jako instrument solowy.

W orkiestrze symfonicznej używa się z reguły jednej, rzadziej dwóch lub trzech tub. Tuba pełni zazwyczaj rolę basu w grupie instrumentów dętych blaszanych. W partyturze partia tuby zapisana jest poniżej pozostałych instrumentów z tej grupy, często w tej samej linii co partia trzeciego puzonu.

Dzięki zaworowemu mechanizmowi tuba jest instrumentem dość elastycznym technicznie (co nie dotyczy jednak najbardziej skrajnych rejestrów), jednakże w szybkich, przypominających skalę pasażach diatonicznych i chromatycznych, a także w arpeggiach intonacja tuba staje się niewyraźna.

Staccato na tubie brzmi dość wyraziście, choć nieco ciężko. Lepiej sprawdza się w forte niż w fortepianie.

Na tubie stosuje się tryle zaworowe; dodatkowo można wydobyć kilka tryli wargami w górnym rejestrze.

Ze względu na dość imponującą wagę instrumentu wykonawcy rzadko grają na stojąco, korzystając z pasa nośnego lub czasami całego ich systemu. Zwykle gra na tubie na stojąco jest środkiem koniecznym, wynikającym z faktu, że orkiestra gra w ruchu (w marszu). W innych sytuacjach, gdy orkiestra gra na stojąco, nierzadko zdarza się, że tubiści pozostają na miejscach siedzących: ponieważ są zwykle umieszczani w najdalszym rzędzie orkiestry, nie psuje to wyglądu orkiestry z przodu.

Do tuby stworzono różnorodne tłumiki. Jednak w związku z „cichym protestem”, że wykonawcy muszą nosić i tak już trudny instrument, muzycy w większości bojkotują używanie tłumików.

mi
gitara elektryczna- rodzaj gitary z przetwornikami elektrycznymi przetwarzającymi drgania metalowe sznurki w wahanie prąd elektryczny. Sygnał z przetworników można przetwarzać w celu uzyskania różnych efektów dźwiękowych, a następnie wzmacniać w celu odtwarzania przez głośniki. Samo słowo „gitara elektryczna” powstało od wyrażenia „gitara elektryczna”, ale wiele osób o tym zapomina, błędnie nazywając ją „gitarą elektroniczną”.

Niektórzy myślą, że gitary elektryczne są wykonane z plastiku lub metalu, ale w rzeczywistości są one zwykle wykonane z drewna. Najpopularniejszymi materiałami są olcha, jesion, mahoń (mahoń), klon. Jako podstrunnice wykorzystuje się drewno różane, heban i klon.

Najpopularniejsze są gitary elektryczne sześciostrunowe. Klasyczny strój gitary sześciostrunowej jest podobny do strojenia gitary akustycznej: E B G D A E. Dość często stosuje się strojenie „dropped D”, w którym dolna struna jest nastrojona na D (D) oraz stroje niższe (Drop C, Drop B), które są używane głównie przez gitarzystów metalowych i muzyki alternatywnej. W siedmiostrunowych gitarach elektrycznych najczęściej dodatkowa niska struna jest dostrojona do B (B). Gitara ośmiostrunowa to gitara elektryczna z dodatkowymi 7 i 8 strunami do wyjątkowo ciężkiej muzyki. Po raz pierwszy wykonany na zamówienie i używany przez szwedzki zespół metalowy Meshuggah. Dzięki popularności tej grupy, dla fanów tego typu muzyki wypuszczono pierwszą masowo produkowaną gitarę 8-strunową Ibanez 2228.

Typowymi, najpopularniejszymi i jednymi z najstarszych modeli gitar elektrycznych są Telecaster (wydany w 1951 r.) i Stratocaster (1954) firmy Fender, a także Les Paul (1952) firmy Gibson. Gitary te są uważane za standardowe i mają wiele kopii i imitacji produkowanych przez inne firmy. Wiele współczesnych dużych firm zajmujących się instrumentami muzycznymi zaczynało od produkcji wyłącznie kopii popularnych modeli Fender i Gibson. Jednak później takie firmy jak Rickenbacker, Ibanez, Jackson, Yamaha, Hamer (angielski), B.C. Rich, ESP, Schecter i inni wypuścili własne serie instrumentów, które stały się bardzo popularne na świecie.

B gitara elektryczna- instrument muzyczny szarpany, przeznaczony do gry w zakresie basu. Używany w wielu style muzyczne i gatunkowo jako instrument towarzyszący, rzadziej solowy. Od czasu pojawienia się w połowie XX wieku stał się jednym z najpopularniejszych instrumentów basowych.

Partia gitary basowej w utworze muzycznym nazywana jest linią basową lub linią basową, a gracz grający na gitarze basowej nazywany jest gitarzystą basowym lub basistą.

Głównym obszarem zastosowania gitary basowej jest współczesna muzyka popularna i jazzowa, m.in muzyka klasyczna Gitara basowa jest używana rzadziej niż zwykła gitara sześciostrunowa. Rola gitary basowej w zespole również różni się od roli gitary basowej zwykła gitara- gitara basowa jest częściej wykorzystywana do akompaniamentu i wsparcia rytmicznego niż jako instrument solowy.

Gitara basowa brzmi o oktawę niżej niż zwykle. Jest całkowicie symetryczny (tzn. każda kolejna otwarta struna jest nastrojona o czwartą niżej od poprzedniej), więc standardowe strojenie gitary basowej jest takie samo, jak strojenie czterech strun basowych zwykłej gitary, tylko o oktawę niższy (strojenie gitary basowej przebiega tak samo, jak strojenie kontrabasu). Zasięg zwykłej czterostrunowej gitary basowej w stroju klasycznym wynosi nieco ponad trzy oktawy - od przeciwoktawy E do pierwszej oktawy G.

W odróżnieniu od innych typów gitar, gitara basowa posiada następujące cechy konstrukcyjne, ze względu na konieczność uzyskania niższego zakresu dźwięku:

Duże rozmiary;

Zwiększona długość skali (864 mm (34 cale) w porównaniu do 650 mm w przypadku gitary klasycznej);

Grubsze sznurki;

Zmniejszona liczba strun (najczęściej stosowane są 4-strunowe gitary basowe).

Historycznie rzecz biorąc, gitara basowa najpierw pojawiła się w postaci basu elektrycznego, a dopiero potem powstała wersja akustyczna, w przeciwieństwie do gitary, gdzie wszystko było na odwrót – najpierw pojawienie się gitary akustycznej, a potem jej przekształcenie w gitarę elektryczną.

I
Instrument wywodzący się ze starożytnej cytry pojawia się przed nami w jednym z najzręczniejszych profesjonalnych wcieleń.

cymbały węgierskie do dziś można je spotkać głównie w węgierskich zespołach cygańskich, gdzie po mistrzowsku grają na nich muzycy ubrani w stroje ludowe.

W koniec XIX wieku, kiedy pojawiła się koncertowa wersja cymbała węgierskiego, instrument ten nadal uchodził za etniczny, ludowy, mimo że sięgnął po niego maestro Franciszek Liszt.

Sytuację zmienili wybitni przedstawiciele węgierskiej szkoły kompozytorskiej Béla Bartók i Zenon Kodály. Później dołączył do nich Igor Strawiński, który nigdy nie przepuścił okazji do eksperymentowania z nowym dźwiękiem. Indywidualna barwa i styl węgierskiego cymbała upiększyły i urozmaiciły tkankę muzyczną jego kompozycji Opowieść o lisie.

C itra(niem. Cytra) to instrument muzyczny szarpany, który stał się najbardziej rozpowszechniony w Austrii i Niemczech w XVIII wieku. Posiada płaski drewniany korpus o nieregularnym kształcie, na którym naciągniętych jest od 30 do 45 strun (w zależności od wielkości instrumentu). Kilka strun znajdujących się najbliżej wykonawcy (zwykle 4-5), naciągniętych na gryf z metalowymi progami, szarpie się poprzez założenie kciuk prawa ręka plektron, grana jest na nich melodia. Pozostałe smyczki służą jako akompaniament akordowy i gra się na nich pozostałymi palcami.

Atrakcja różne typy cytra: cytra wysokotonowa, cytra basowa, cytra koncertowa itp. Całkowita objętość zespołu obejmuje okres od przeciwoktawy G do czwartej oktawy D. W utworach orkiestrowych cytra gra najczęściej solo.

Cytra jest znana w Europa Zachodnia z końca XVIII w., w Rosji pojawił się w drugiej połowie XIX w. Podobne narzędzia starożytne pochodzenie znaleźć wśród wielu ludów. Dlatego cytry były powszechne w Chinach i na Bliskim Wschodzie.

DO
oto(japoński 琴) lub cytra japońska to japoński instrument muzyczny szarpany. Koto, wraz z fletami hayashi i shakuhachi, bębnem tsuzumi i lutnią shamisen, to tradycyjny japoński instrument muzyczny.

Podobne instrumenty są charakterystyczne dla kultury Korei (kayageum) i Chin (qixianqin).

Historia koto jako japońskiego instrumentu muzycznego sięga ponad tysiąca lat. Został sprowadzony do Japonii z Chin w okresie Nara (710-793 n.e.) jako instrument orkiestry pałacowej i był używany w muzyce gagaku (雅楽). Koto osiągnęło swój szczyt w epoce Heian, jako niezmienny atrybut arystokratycznej edukacji i rozrywki. Jednym z najsłynniejszych utworów napisanych specjalnie dla koto jest kompozycja „Rokudan no Shirabe” (六段の調べ, „Muzyka sześciu kroków”) stworzona w XVII wieku przez niewidomego mistrza Yatsuhashi Kengyo.

W Koto używa się sztucznych paznokci (kotozume, japońskie 琴爪), umieszczanych na kciuku, palcu wskazującym i środkowym prawej ręki. Tryby i klawisze są regulowane za pomocą mostków strunowych bezpośrednio przed grą.

Gra na koto to jedna z tradycyjnych japońskich sztuk narodowych, która rozpowszechniła się przede wszystkim na dworze cesarskim. Jednak nawet dzisiaj ten instrument jest bardzo popularny. Koto dzięki swojej plastyczności znajduje zastosowanie we współczesnej muzyce japońskiej i przyczynia się do jej rozwoju.

Obecnie istnieją dwa główne typy narzędzi:

Siedmiostrunowy „kin” o długości 1 m - używany jako instrument solowy;

oraz „so” – o długości od 1,80 do 2,00 m, przy liczbie strun od 13 i więcej – używane jako instrument orkiestrowy.

G
Itara Torres. Ten typ gitary produkował od 1852 roku mieszkający w Almerii hiszpański mistrz Antonio de Torres Jurado.

Gitara Torresa była standardową podstawą współczesnej gitary klasycznej. Torres zwiększył rozmiar korpusu gitary i przeprojektował konstrukcję wewnętrzną, co znacznie poprawiło brzmienie instrumentu.

Gitara ta jest bezpośrednim poprzednikiem współczesnej gitary akustycznej. Swoją nazwę otrzymała na cześć swojego twórcy, Antonio de Torresa (1817-1892). Gitara ma duży korpus, szczególnie w dolnej części. Wewnątrz, pod górnym pokładem, w określony sposób rozmieszczone są listwy rezonujące, których zadaniem jest wzmocnienie dźwięku i poprawa barwy.

System wentylatorów to zestaw pasków wzmacniających pokład umieszczonych po wewnętrznej stronie pokładu i rozchodzących się wachlarzowo od wylotu. Rozprowadza wibracje i wzbogaca brzmienie instrumentu. Torres nie wynalazł systemu wentylatorów, ale go ulepszył. Ustalił optymalną liczbę (siedem) sprężyn wentylatorowych i nową zasadę ich lokalizacji. Wydają się kierować powietrze w stronę słuchacza.

Pozycja: Ustawienie Torresa było kolejnym ważnym krokiem. Od 1857 roku mistrz zaczął stosować na statywie dolną nakrętkę (kościę), co pozwalało mu precyzyjnie regulować wysokość strun. Sznurki przechodzące przez stojak mocowane są do niego za pomocą węzłów.

Sheika: To jedna z najważniejszych części tworzenia gitary. Tutaj należy wziąć pod uwagę grubość szyjki, blatu i wysokość stojaka. Torres zwiększył szerokość gryfu od strony tunera do 5 cm, co ułatwiło grę lewą ręką. Kąt gryfy określa położenie struny względem progów, a charakter dźwięku zależy od kąta naprężenia struny względem górnej płyty rezonansowej. Gryf stał się szerszy i nieco bardziej wypukły w stosunku do płaszczyzny płyty rezonansowej i rozciąga się aż do otworu rezonansowego, który pokrywa się z 12. progiem

Materiały: Szczególną uwagę przywiązuje do wyboru drewna na blat, ale nie przejmuje się zbytnio wyborem materiału na elementy kosmetyczne. Ponadto na tył i boki użył cyprysu, klonu, palisandru i innych gatunków drewna, bez szczególnych preferencji. Sam Torres pracował ze zbyt cienkim drewnem. Dzięki temu gitara stała się żywsza, ale być może bardziej delikatna.

Wykończenie (rozety itp.): Wykonywał zarówno rozety proste, jak i te delikatniejsze i bardziej skomplikowane, zawsze jednak podążając za kontekstem. Zależy za co zapłacił klient. Większość jego gitar miała proste wykończenia. O ile oczywiście nie dotyczyło to funkcjonalnych części instrumentu.

Reszta: Brał pod uwagę różne elementy - grubość i kształt szyjki, szerokość nakrętki, kąt główki strojenia, mechanikę, mieszankę i dopasowanie materiałów, wykończenie itp. itp.

U
kulele(z hawajskiego ʻukulele [ˈʔukuˈlele]) to czterostrunowy instrument muzyczny szarpany. Pojawił się w latach 80. XIX wieku jako rozwinięcie braguinha, miniaturowej gitary z Madery, spokrewnionej z portugalskim cavaquinho. Ukulele jest powszechne na różnych wyspach Pacyfiku, ale kojarzy się przede wszystkim z muzyką hawajską, odkąd hawajscy muzycy odbyli trasę koncertową na wystawie Pacific Exposition w San Francisco w 1915 roku. Standardowe strojenie to GCEA (Sol-Do-E-A).

Nazwę tę tłumaczy się według jednej wersji jako „skacząca pchła”, ponieważ ruch palców podczas gry na ukulele przypomina skakanie pchły, według innej – jako „prezent, który tu przyszedł”.

Istnieją 4 rodzaje ukulele:

sopran (długość całkowita 53 cm) – pierwszy i najczęstszy typ;

koncert (58 cm) - nieco większy;

tenor (66 cm) - pojawił się w latach 20. XX wieku;

baryton (76 cm) – największy, pojawił się w latach 40. XX wieku.

B
Alałajka- rosyjski ludowy, trójstrunowy instrument muzyczny szarpany, o długości od 600-700 mm (prima bałałajka) do 1,7 m (bałałajka kontrabasowa), z trójkątnym lekko zakrzywionym (w XVIII-XIX wiek również owalny) drewniany korpus. Bałałajka jest jednym z instrumentów, który stał się (wraz z akordeonem i in w mniejszym stopniu, szkoda) muzyczny symbol narodu rosyjskiego.

Ciało jest sklejone z oddzielnych (6-7) segmentów, głowa długiej szyi jest lekko odchylona do tyłu. Struny są metalowe (w XVIII wieku dwie z nich były strunami żyłkowymi; współczesne bałałajki mają nylon lub węgiel). Na gryfie współczesnej bałałajki znajduje się 16-31 metalowych progów (do końca XIX wieku - 5-7 stałych progów).

Dźwięk jest czysty, ale miękki. Najpopularniejsze techniki wytwarzania dźwięku: grzechotanie, pizzicato, podwójne pizzicato, pojedyncze pizzicato, vibrato, tremolo, rolki, techniki gitarowe.

Przed przekształceniem bałałajki w instrument koncertowy pod koniec XIX wieku przez Wasilija Andriejewa nie miała ona stałego, powszechnego systemu. Każdy wykonawca nastrajał instrument zgodnie ze swoim sposobem wykonania, ogólnym nastrojem wykonywanych utworów oraz lokalnymi tradycjami.

System wprowadzony przez Andriejewa (dwie struny unisono – nuta „E”, jedna – o jedną czwartą wyżej – nuta „A” (zarówno „E”, jak i „A” pierwszej oktawy) rozpowszechnił się wśród bałałajek koncertowych i zaczął nazywać się „akademickim”. Istnieje również strojenie „ludowe” - pierwsza struna to „G”, druga to „E”, trzecia to „C”. W tym stroju łatwiej jest grać triadami; jest trudność gry na otwartych strunach. Oprócz powyższych istnieją także regionalne tradycje strojenia instrumentu. Liczba rzadkich ustawień lokalnych sięga dwudziestu.

We współczesnej orkiestrze rosyjskich instrumentów ludowych stosuje się pięć odmian bałałajek: prima, druga, altówka, bas i kontrabas. Spośród nich tylko prima jest instrumentem solowym, wirtuozowskim, pozostałym przypisano funkcje czysto orkiestrowe: sekunda i altówka realizują akompaniament akordowy, a funkcję basu pełnią bas i kontrabas.

Bałałajka to dość powszechny instrument muzyczny, którego uczy się w akademickich szkołach muzycznych w Rosji, Białorusi, Ukrainie i Kazachstanie.

Czas trwania szkolenia na bałałajce w przedszkolu szkoła muzyczna wynosi 5 – 7 lat (w zależności od wieku ucznia) i przeciętnie instytucja edukacyjna- 4 lata, w szkole wyższej 4-5 lat. Repertuar: opracowania pieśni ludowych, transkrypcje dzieła klasyczne, oryginalna muzyka.

Klawiatury

O
Organ Hammonda to organy elektryczne zaprojektowane i zbudowane przez Lawrence'a Hammonda w kwietniu 1935 roku. Organy Hammonda były pierwotnie sprzedawane kościołom jako niedroga alternatywa dla organów piszczałkowych, ale instrument ten był często używany w bluesie, jazzie, rock and rollu (lata 60. i 70. XX wieku) oraz gospel. Organy Hammonda zyskały dużą popularność w zespołach wojskowych podczas II wojny światowej i w latach powojennych.

Obecnie (2011) właścicielem marki Hammond jest Suzuki Musical Inst. Mfg. Co., Ltd. i nosi nazwę Hammond Suzuki Co., Ltd.

Aby symulować dźwięki organów z rzędami piszczałek w wielu rejestrach, organy Hammonda wykorzystały syntezę addytywną sygnału dźwiękowego z szeregu harmonicznego. To rozwiązanie technologiczne przypomina wczesne Telharmonium Thaddeusa Cahilla, w którym każdy indywidualny sygnał był tworzony przez mechaniczne koło dźwiękowe obracające się pod przetwornikiem elektromagnetycznym. Organy Hammonda często nazywane są organami elektronicznymi, co w zasadzie nie jest do końca prawdą. W ścisłym tego słowa znaczeniu organy Hammonda należy nazwać organami elektrycznymi, ponieważ dźwięk w oryginalnych instrumentach nie jest generowany przez oscylator elektroniczny, ale przez mechaniczne koło dźwiękowe.

Cechą charakterystyczną organów Hammonda były małe dźwignie, za pomocą których można było to zrobić na różne sposoby mieszać różne kształty sygnałów. Późniejsze modele instrumentów posiadały również wibrato elektromechaniczne. Charakterystyczny dźwięk „kliknięcia”, który pierwotnie był raczej wadą konstrukcyjną, szybko stał się częścią charakterystycznego brzmienia organów Hammonda. Cecha ta jest brana pod uwagę przy tworzeniu nowoczesnych kopii oryginalnych instrumentów. Jednocześnie dokładne symulowanie brzmienia organów Hammonda w oparciu o układy elektroniczne jest dość trudne, gdyż w ten sposób trudno jedynie dokładnie odtworzyć zmiany zależności fazowej pomiędzy kołami fonicznymi.

Głośniki Leslie były szeroko stosowane w organach Hammonda, chociaż Leslie był początkowo poważnym konkurentem Hammonda. Głośniki Leslie miały obrotowy element zapewniający efekt wibrato i bardzo szybko stały się de facto standardem dla organów Hammonda, ponieważ tworzyły typowy „warczący” dźwięk.

B-3 zawsze był i pozostaje najpopularniejszym modelem, choć C-3 różni się jedynie szczegółami wygląd. Konwencjonalnie „organy Hammonda” można podzielić na dwie grupy:

pełnowymiarowe organy konsolowe, takie jak B-3, C-3, A-100, posiadające dwie 61-klawiszowe manuały

kompaktowe organy spinetowe, takie jak L-100 i M-100, które mają dwa 44-klawiszowe manuały.

Większość organów Hammonda nie posiada pełnego zestawu pedałów AGO, co znacząco zwiększa koszt i gabaryty instrumentu (a także wagę: całkowita waga modelu B3 z ławeczką i zestawem pedałów wyniosła 193 kg).

Instrumenty dęte Różnią się bardzo budową i brzmieniem od wszystkich innych instrumentów i od czasów prehistorycznych wyróżniały się w muzyce wszystkich kultur. Klasyfikacja tych instrumentów dobrze odzwierciedla zależności i różnice pomiędzy nimi różne typy mosiądz.

Jak zbudowane są instrumenty dęte?

Instrument dęty składa się z pewnego rodzaju rezonatora (zwykle w postaci lamp). W nich powstają drgania w słupie powietrza, które gracz wdmuchuje do instrumentu dętego, w efekcie czego dźwięk ulega wzmocnieniu.

Zasięg dźwięku instrumentu dętego zależy od wielkości jego rezonatorów. Na przykład dźwięk wytwarzany przez grubą rurę jest niski, ponieważ długość jej kanału powietrznego sprzyja wibracjom przepływu powietrza o niskiej częstotliwości. A dźwięk cienkiego fletu będzie wysoki ze względu na węższy kształt instrumentu i odpowiednio mniejszą objętość rezonatora: w takich warunkach kolumna powietrza częściej wibruje o jego ścianki, dlatego dźwięk staje się wyższy .

Częstotliwość oscylacji kolumny można zwiększyć przyspieszając wtrysk powietrza, czyli tworząc szybszy i ostrzejszy strumień powietrza.

Klasyfikacja instrumentów dętych

Instrumenty dęte dzielą się na dwie grupy:

• instrumenty dęte blaszane;
• instrumenty dęte drewniane;
• instrumenty dęte klawiszowe.

Początkowo rozkład ten wynikał z materiałów, z jakich wykonano dany instrument, później jednak zaczął się bardziej wiązać ze sposobem wydobywania z niego dźwięku. Materiał instrumentów wytwarzanych w naszych czasach nie ogranicza się do miedzi i drewna i może być bardzo różnorodny - od metalu po plastik, od mosiądzu po szkło, ale instrumenty te nadal będą przypisane do jednej z powyższych grup.

Podczas ich odtwarzania dźwięk powstaje poprzez zmianę długości słupa powietrza. Można to osiągnąć otwierając specjalne otwory, które znajdują się na narzędziu, a które dokładnie zależą od odległości, w jakiej te otwory znajdują się od siebie.

Instrumenty dęte drewniane dzielą się na dwie podgrupy: wargową i trzcinową. Rozkład zależy od sposobu wdmuchiwania powietrza do instrumentu.

W wargowy powietrze wdmuchiwane jest przez poprzeczną szczelinę znajdującą się na główce instrumentu: dzięki temu strumień powietrza jest odcinany i sprzyja wewnętrznym wibracjom powietrza.

Wargowe instrumenty dęte obejmują fajkę, a także flet i jego odmiany.

W trzcina wtrysk odbywa się za pomocą języka - cienkiej płytki na górze instrumentu, w wyniku czego wibruje słup powietrza.

Do instrumentów dętych trzcinowych zalicza się: saksofon, klarnet, fagot i ich odmiany, a także instrumenty takie jak balaban i zurna.

O przynależności instrumentu do instrumentów dętych dętych blaszanych decyduje sposób wytwarzania dźwięku, wywołany określonym położeniem warg na instrumencie oraz siłą nadmuchu strumienia powietrza. Te instrumenty dęte były dawniej wykonane z mosiądzu, później z mosiądzu, a czasem ze srebra.

Instrumenty dęte blaszane są również podzielone na podgrupy.

Osobliwość zawór instrumenty polegają na tym, że tak naprawdę są one wyposażone w trzy lub cztery zawory, którymi gracz steruje palcami. Są one potrzebne, aby zwiększyć długość strumienia powietrza poprzez zwiększenie długości samego instrumentu i tym samym zmniejszyć dźwięk. Dzieje się tak w momencie naciśnięcia zaworu, gdy w rurze zostanie wkręcona dodatkowa koronka i narzędzie zostanie dodatkowo wysunięte.

Do instrumentów Valve zalicza się: trąbkę, róg, tubę, sakshorn i inne.

Ale o godz naturalny instrumenty dęte w ogóle nie mają dodatkowych lamp: wydobywają dźwięki jedynie ze skali naturalnej i nie potrafią grać linii melodycznych, więc praktycznie przestały być używane ponownie początek XIX wiek. Do tej podgrupy zalicza się trąbkę, fanfarę, róg myśliwski i podobne instrumenty.

Dodatkowa wysuwana rurka w kształcie litery U tzw za kulisami, charakteryzuje ten typ instrumentu dętego blaszanego, jakim jest puzon. Ruch tej rurki wpływa na długość przepływu powietrza i odpowiednio na ton dźwięku.

Instrumenty dęte klawiszowe

Odrębnie w tej klasyfikacji znajdują się instrumenty dęte klawiszowe. Ich osobliwością jest to, że ich konstrukcja zawiera trzcinę i ruchome rurki - powietrze jest wpompowywane do nich przez specjalne miechy.

Wśród nich można wyróżnić dwie podgrupy:

• stroik - fisharmonia, akordeon, melodica, akordeon guzikowy;
• pneumatyczne – organy i niektóre ich rodzaje.

Instrumenty dęte orkiestry symfonicznej

Flet, fagot, obój, tuba, róg, puzon, klarnet i trąbka – te instrumenty dęte instrumenty muzyczne, które wchodzą w skład orkiestra symfoniczna. Rozważmy niektóre z nich.

Flet

Początkowo flet rzeczywiście wykonywano z drewna, jednak później, w XIX wieku, głównym materiałem na ten instrument stało się srebro. Samo słowo „flet” sięga czasów starożytnych; wówczas nazwą tą określano wszystkie bez wyjątku instrumenty dęte. Uważa się, że flet jest w zasadzie jednym z najstarszych instrumentów muzycznych - pierwsi przodkowie tego instrumentu pojawili się około 43 tysiące lat temu.

Wcześniej istniał flet podłużny, który muzyk trzyma przed sobą niczym fajkę, jednak w okresie pobarokowym został on wyparty przez flet poprzeczny, który trzyma się z boku, przesuwając ramiona na boki. Większość ludzi wyobraża sobie tę wersję poprzeczną, gdy słyszą pojęcie „fletu”. Orkiestra symfoniczna używa głównie dwóch fletów. Flet jest najczęściej używany w utworach klasycznych. Spośród innych instrumentów dętych opanowanie gry na flecie jest najlepsze dla większości ludzi, a nauka nut na flecie nie jest trudniejsza niż nauka nut na fortepianie lub gitarze.

Puzon

Puzon to jedyny instrument dęty blaszany, który przez wieki swojego istnienia nie uległ żadnym zmianom i pozostaje taki sam, jak znali go starożytni muzycy. Puzon jest jedynym instrumentem, który nie dokonuje transpozycji, co oznacza, że ​​wysokość rzeczywistego dźwięku jest taka sama jak wysokość dźwięku zapisanego. Słowo „puzon” zwykle odnosi się do jego odmiany zwanej puzonem tenorowym. Istnieją również puzony altowe i basowe, ale są one używane bardzo rzadko.

Orkiestra symfoniczna ma zwykle trzy puzony. Najczęściej puzon występuje w takich gatunki muzyczne, jak jazz i ska-punk.

Obój

Obój ma wygląd, jaki ma obecnie w XVIII wieku. Jej poprzednikami od czasów starożytnych były takie instrumenty jak aulos, zurna, dudy i inne. Obój charakteryzuje się melodyjną barwą, zbliżoną do głosu ludzkiego. Sam ma stożkowy kształt i zestaw dwudziestu trzech zaworów miedzioniklowych na korpusie.

W skład orkiestry symfonicznej wchodzą dwa oboje. Głównym repertuarem tego instrumentu są dzieła z epoki klasycyzmu i baroku.

Rura

Spośród instrumentów dętych to trąbka potrafi zabrzmieć najwyżej. Wykonany jest z materiałów takich jak mosiądz, miedź czy srebro. Jest to jeden z najstarszych instrumentów. Początkowo był używany jako instrument sygnalizacyjny, ale z XVII wiek stał się elementem orkiestry symfonicznej.

Orkiestra symfoniczna gra na trzech trąbkach. Instrument ten jest używany w wielu różnych gatunkach: muzyce klasycznej, jazzie itp.

Tuba

Tuba, w przeciwieństwie do trąbki, jest elementem najniżej brzmiącym. Ponadto tuba przewyższa także wszystkie inne instrumenty dęte blaszane pod względem wielkości i wagi. Z tego powodu często gra się na stojąco, co wiąże się między innymi z koniecznością odpowiedniego przygotowania fizycznego muzyka. Jest to wynalazek XIX-wiecznego Belga Adolphe’a Saxa. Podobnie jak trąbka, tuba jest instrumentem zaworowym.

Orkiestra gra głównie na jednej tubie.

Mniej lub bardziej poważny poziom gry na dowolnym instrumencie dętym można osiągnąć w ciągu trzech do czterech lat systematycznej praktyki. Rozwijanie ucha do muzyki pomoże przyspieszyć postęp. Uważa się, że instrumenty dęte drewniane są nieco łatwiejsze do nauczenia niż instrumenty dęte blaszane; a najtrudniejsze dla uczniów rzeczy do nauczenia się to gra na rogu i puzonie.

Za pomocą filmu łatwiej będzie wyjaśnić małym dzieciom, czym są instrumenty dęte blaszane. Zapraszamy do obejrzenia poniższego filmu:

Instrument dęty zajmuje ważne miejsce w kulturze wszystkich narodów. Nie wiadomo dlaczego, ale prawie każdy naród miał swój własny instrument muzyczny tego typu. Co jest takiego wyjątkowego w instrumentach dętych i dlaczego nie tracą swoich fanów? Rozwiążmy to.

Co to jest?

Instrumenty dęte należą do rodziny instrumentów muzycznych, w których źródłem dźwięku jest słup powietrza. Nawiasem mówiąc, to wyjaśnia samą nazwę instrumentów: słowo „duch” jest używane w znaczeniu „powietrza”. Aby instrument dęty „przemówił” należy wdmuchnąć do niego strumień powietrza.

Możliwości instrumentów tego typu są wyjątkowe. Można je stosować zarówno w orkiestrach (dętych, jazzowych, symfonicznych), jak i w zespołach i wykonaniach solowych, czy w awangardowych ruchach muzyki współczesnej.

Historia pochodzenia

Zanim rozważysz rodzaje instrumentów dętych, a także spróbujesz zrozumieć, jak nauczyć się na nich grać, musisz pamiętać, jak powstały.

Prawdopodobnie starożytny człowiek po raz pierwszy nauczył się dmuchać w róg lub muszlę. Były to pierwsze prymitywne instrumenty dęte, których myśliwi lub szamani używali do celów okultystycznych. Stopniowo człowiek nauczył się obrabiać metal, co radykalnie wpłynęło nie tylko na jego narzędzia i broń, ale także na dęte instrumenty muzyczne. Choć obecnie jako materiał używano metalu, kształt instrumentów pozostał praktycznie niezmieniony i naśladował formy naturalne.

Za przodków dzisiejszych instrumentów dętych blaszanych można uznać pierwsze rogi pocztowe, a także trąby sygnałowe i rogi myśliwskie. Jednak paleta brzmień, jaką można było wydobyć z takich instrumentów, była raczej skromna, wręcz prymitywna i zależała wyłącznie od talentu muzyka. A powodem jest to, że takie instrumenty nie były jeszcze wyposażone w mechanizm zaworowy. Pomimo prymitywizmu, skala ta stała się podstawą do stworzenia fanfar.

Poprawa jakości obróbki metali pozytywnie wpłynęła na rozwój muzyki. Teraz każdy dęty instrument muzyczny mógł otrzymać trąbkę o określonych rozmiarach. W rezultacie otrzymali nazwę naturalną.

Możliwości instrumentów dętych można było radykalnie rozszerzyć dopiero w XIX wieku, kiedy wynaleziono mechanizm wentylacyjny. To on miał duży wpływ na technikę gry.

Jak nauczyć się grać?

Rozpoczęcie nauki gry na instrumencie dętym jest konieczne w zależności od wieku i cech fizjologicznych dziecka. Faktem jest, że istnieją na to ograniczenia wiekowe.

Pierwszym instrumentem, którego uczy się dziecko, jest flet prosty. Pomaga rozwijać oddech, a także zrozumieć podstawy notacji muzycznej. Instrument ten jest dobry również dlatego, że stanowi podstawę do nauki innych rodzajów instrumentów dętych.

W wieku około 8-10 lat dziecko może przejść na bardziej dorosły instrument dęty. Najczęściej jest to obój, saksofon, flet poprzeczny lub klarnet. Mały muzyk po dziesięciu latach będzie w stanie opanować grę na trąbce, rogu i puzonie.

Orkiestra dęta: instrumenty i funkcje

Taka orkiestra składa się z grupy muzyków, z których każdy gra na instrumentach dętych. W zależności od składu orkiestra dęta może być mała lub mieszana (mała, średnia, duża).

Jeżeli orkiestra składa się wyłącznie z klarnetów, altów, tenorów, barytonów i basów, wówczas klasyfikuje się ją jako małą orkiestrę dętą. W zależności od tego, jakie instrumenty są do nich przymocowane, powstają inne typy. Można dodać zarówno instrumenty dęte drewniane (flet, obój, klarnet, saksofon, fagot), jak i instrumenty dęte blaszane.

Mała orkiestra dęta poradzi sobie z prostą muzyką, taką jak marsz lub taniec. Aby zagrać bardziej złożony repertuar, konieczne jest użycie orkiestry mieszanej.

Główne typy instrumentów miedzianych

Często rodzice nie mogą dokonać wyboru: jaki instrument dęty będzie odpowiedni dla ich dziecka? Aby nie popełniać błędów, należy posiadać wszelkie informacje z nimi związane. Ponieważ instrumenty miedziane są obecnie szeroko stosowane, porozmawiamy o nich.

Istnieje kilka rodzajów instrumentów miedzianych:

1. Zawór. Taki instrument dęty ma w swojej konstrukcji trzy lub cztery zawory, którymi steruje sam muzyk. Posiada również dodatkową koronkę, która nie tylko zwiększa długość instrumentu, ale także obniża jego akcję. Ta rodzina instrumentów dętych blaszanych obejmuje trąbki, tuby, sakshorny i rogi.
2. Za kulisami. Takie instrumenty mają wysuwaną dmuchawkę - sznurek. Umożliwia kontrolę długości powietrza wpływającego do kanału. Ruchy muzyka powodują wznoszenie się lub opadanie dźwięku. Klasyczny przykład instrument rockowy - puzon.
3. Naturalny. Z takiego instrumentu można wydobyć tylko te dźwięki, które należą do skali naturalnej. Są to trąbka, róg, fanfara, róg alpejski i róg sygnałowy.
4. Zawór Instrumenty te wyróżniają się tym, że posiadają dziury w korpusie. Podczas gry muzyk je zamyka lub otwiera. Instrumenty zaworowe były szeroko stosowane w XVIII wieku, ale stopniowo zostały porzucone. Wynika to przede wszystkim z niedogodności w ich obsłudze. Ten typ obejmuje węża, kornet i trąbkę zaworową.

Zalety instrumentów dętych

Naukowcy już dawno udowodnili, że gra na instrumentach dętych ma pozytywny wpływ na układ oddechowy człowieka. W ten rodzaj sztuki warto zaangażować osoby cierpiące na astmę lub przewlekłe zapalenie oskrzeli. Ponadto gra na takich instrumentach pomaga w leczeniu zaburzeń nerwowych. Jeśli dzieci zaczną grać na instrumentach dętych, wkrótce staną się spokojniejsze i bardziej zrównoważone.

Instrumenty muzyczne są przeznaczone do wytwarzania różnych dźwięków. Jeśli muzyk gra dobrze, to dźwięki te można nazwać muzyką, jeśli nie, to kakafonią. Jest tak wiele narzędzi, że nauka ich jest jak ekscytująca gra gorsza niż Nancy Drew! We współczesnej praktyce muzycznej instrumenty dzieli się na różne klasy i rodziny w zależności od źródła dźwięku, materiału, z którego są wykonane, metody wytwarzania dźwięku i innych cech.

Dęte instrumenty muzyczne (aerofony): grupa instrumentów muzycznych, których źródłem dźwięku są drgania słupa powietrza w beczce (rurce). Klasyfikuje się je według wielu kryteriów (materiał, konstrukcja, metody produkcji dźwięku itp.). W orkiestrze symfonicznej grupa instrumentów dętych dzieli się na drewniane (flet, obój, klarnet, fagot) i blaszane (trąbka, róg, puzon, tuba).

1. Flet to instrument muzyczny dęty drewniany. Nowoczesny typ fletu poprzecznego (z zaworami) został wynaleziony przez niemieckiego mistrza T. Boehma w 1832 roku i ma odmiany: mały (lub flet piccolo), flet altowy i basowy.

2. Obój to trzcinowy instrument dęty drewniany. Znany od XVII wieku. Odmiany: mały obój, obój d'amour, rożek angielski, heckelphone.

3. Klarnet to instrument muzyczny dęty drewniany trzcinowy. Zbudowany na początku XVIII wiek We współczesnej praktyce stosuje się klarnety sopranowe, klarnet piccolo (włoski piccolo), alt (tzw. róg bassetowy) i klarnety basowe.

4. Fagot – instrument muzyczny dęty drewniany (głównie orkiestrowy). Powstał w 1. połowie. XVI wiek Odmianą basu jest kontrafagot.

5. Trąbka – instrument muzyczny z ustnikiem dętym i miedzianym, znany od czasów starożytnych. Nowoczesny typ rury zaworowej opracowany w kolorze szarym. XIX wiek

6. Róg – dęty instrument muzyczny. Pojawił się pod koniec XVII wieku w wyniku udoskonalenia rogu myśliwskiego. Nowoczesny typ rogu z zaworami powstał w pierwszej ćwierci XIX wieku.

7. Puzon – blaszany instrument muzyczny (głównie orkiestrowy), w którym wysokość dźwięku regulowana jest za pomocą specjalnego urządzenia – suwaka (tzw. puzon przesuwny lub zugtrobon). Istnieją również puzony zaworowe.

8. Tuba to najniżej brzmiący instrument dęty blaszany. Zaprojektowany w 1835 roku w Niemczech.

Metalofony to rodzaj instrumentu muzycznego, którego głównym elementem są klawisze talerzowe, w które uderza się młotkiem.

1. Samobrzmiące instrumenty muzyczne (dzwonki, gongi, wibrafony itp.), których źródłem dźwięku jest ich elastyczny metalowy korpus. Dźwięk wytwarzany jest za pomocą młotków, pałek i specjalnych bębnów (języków).

2. Instrumenty takie jak ksylofon, w przeciwieństwie do których płyty metalofonowe wykonane są z metalu.

Strunowe instrumenty muzyczne (chordofony): zgodnie z metodą wytwarzania dźwięku dzielą się na smyczkowe (na przykład skrzypce, wiolonczelę, gidzhak, kemancha), szarpane (harfa, gusli, gitara, bałałajka), perkusję (cymbały), perkusję -klawiatura (fortepian), instrumenty klawiszowe szarpane (klawesyn).

1. Skrzypce to 4-strunowy instrument muzyczny smyczkowy. Najwyższy rejestr w rodzinie skrzypiec, który stał się podstawą klasycznej orkiestry symfonicznej i kwartetu smyczkowego.

2. Wiolonczela to instrument muzyczny z rodziny skrzypiec rejestru basowo-tenorowego. Pojawił się w XV-XVI wieku. Stworzono klasyczne projekty Włoscy mistrzowie 17-18 wieków: A. i N. Amati, G. Guarneri, A. Stradivari.

3. Gidzhak – strunowy instrument muzyczny (tadżycki, uzbecki, turkmeński, ujgurski).

4. Kemancha (kamancha) - 3-4-strunowy instrument muzyczny smyczkowy. Ukazuje się w Azerbejdżanie, Armenii, Gruzji, Dagestanie, a także w krajach Bliskiego Wschodu.

5. Harfa (z niemieckiego Harfe) to wielostrunowy instrument muzyczny szarpany. Wczesne obrazy - w trzecim tysiącleciu pne. W najprostszej formie występuje niemal we wszystkich krajach. Nowoczesna harfa pedałowa została wynaleziona w 1801 roku przez S. Erarda we Francji.

6. Gusli to rosyjski instrument muzyczny szarpany. Psalterie w kształcie skrzydeł („obrączkowane”) mają 4–14 lub więcej strun, hełmowe – 11–36, prostokątne (w kształcie stołu) – 55–66 strun.

7. Gitara (hiszpańska gitara, z greckiego cithara) to instrument szarpany typu lutni. Znana w Hiszpanii od XIII wieku, w XVII-XVIII wieku rozprzestrzeniła się na kraje Europy i Ameryki, m.in. instrument ludowy. Od XVIII wieku powszechnie używano gitary 6-strunowej, a gitara 7-strunowa rozpowszechniła się głównie w Rosji. Wśród odmian jest tzw ukulele; w nowoczesnym muzyka popowa używana jest gitara elektryczna.

8. Bałałajka to rosyjski ludowy 3-strunowy instrument muzyczny szarpany. Znany od początku. XVIII wiek Ulepszone w latach osiemdziesiątych XIX wieku. (pod przewodnictwem V.V. Andreeva) V.V. Iwanow i F.S. Paserbsky, którzy zaprojektowali rodzinę bałałajek, a później - S.I. Nalimov.

9. Cymbały (pol. cymbały) – wielostrunowy instrument perkusyjny o starożytnym pochodzeniu. Zawarte w orkiestry ludowe Węgry, Polska, Rumunia, Białoruś, Ukraina, Mołdawia itp.

10. Fortepian (włoski fortepiano, od forte - głośno i fortepian - cicho) - nazwa zwyczajowa klawiszowe instrumenty muzyczne z mechaniką młoteczkową (fortepian, pianino). Na początku wynaleziono fortepian. XVIII wiek Wygląd nowoczesny typ fortepian – z tzw podwójna próba - sięga lat dwudziestych XIX wieku. Okres świetności gry na fortepianie – XIX-XX wiek.

11. Klawesyn (francuski clavecin) – strunowy instrument muzyczny szarpany klawiaturą, poprzednik fortepianu. Znany od XVI wieku. Były klawesyny różne formy, rodzaje i odmiany, m.in. talerze, virginel, spinet, clavicytherium.

Klawiszowe instrumenty muzyczne: połączona grupa instrumentów muzycznych wspólną cechą- obecność mechaniki klawiatury i klawiatury. Dzielą się na różne klasy i typy. Klawiszowe instrumenty muzyczne można łączyć z innymi kategoriami.

1. Smyczki (instrumenty perkusyjne i instrumenty klawiszowe szarpane): fortepian, czelesta, klawesyn i jego odmiany.

2. Instrumenty dęte blaszane (instrumenty dęte i stroikowe): organy i ich odmiany, fisharmonia, akordeon guzikowy, akordeon, melodica.

3. Elektromechaniczny: pianino elektryczne, klawinet

4. Elektroniczne: pianino elektroniczne

fortepian (włoski fortepiano, od forte – głośno i fortepian – cicho) to ogólna nazwa klawiszowych instrumentów muzycznych z mechaniką młoteczkową (fortepian, pianino). Został wynaleziony na początku XVIII wieku. Pojawienie się nowoczesnego typu fortepianu – z tzw. podwójna próba - sięga lat dwudziestych XIX wieku. Okres świetności gry na fortepianie – XIX-XX wiek.

Perkusyjne instrumenty muzyczne: grupa instrumentów, których łączy sposób wytwarzania dźwięku - uderzenie. Źródłem dźwięku jest ciało stałe, membrana, struna. Wyróżnia się instrumenty o tonacji określonej (kotły, dzwonki, ksylofony) i nieokreślonej (bębny, tamburyny, kastaniety).

1. Kotły (kotły) (z greckiego politeaurea) to perkusyjny instrument muzyczny w kształcie kotła z membraną, często sparowany (nagara itp.). Ukazuje się od czasów starożytnych.

2. Dzwony – orkiestrowy, samobrzmiący instrument muzyczny perkusyjny: zestaw płyt metalowych.

3. Ksylofon (od ksylo... i greckiego fone - dźwięk, głos) - perkusyjny, samobrzmiący instrument muzyczny. Składa się z szeregu drewnianych klocków o różnej długości.

4. Bęben - membranowy instrument perkusyjny. Odmiany występują u wielu ludów.

5. Tamburyn – instrument muzyczny z membraną perkusyjną, czasami z metalowymi zawieszkami.

6. Kastaniety (hiszp. castanetas) – perkusyjny instrument muzyczny; drewniane (lub plastikowe) talerze w kształcie muszli, mocowane na palcach.

Instrumenty elektromuzyczne: instrumenty muzyczne, w których dźwięk powstaje poprzez generowanie, wzmacnianie i przekształcanie sygnałów elektrycznych (przy użyciu sprzętu elektronicznego). Mają wyjątkową barwę głosu i potrafią naśladować różne instrumenty. Elektryczne instrumenty muzyczne obejmują Theremin, Emiriton, gitarę elektryczną, organy elektryczne itp.

1. Theremin to pierwszy krajowy instrument elektromuzyczny. Zaprojektowany przez L. S. Theremina. Wysokość dźwięku w Thereminie zmienia się w zależności od odległości prawej ręki wykonawcy od jednej z anten, głośności - od odległości lewej ręki od drugiej anteny.

2. Emiriton jest elektrycznym instrumentem muzycznym wyposażonym w klawiaturę typu fortepianowego. Zaprojektowany w ZSRR przez wynalazców A. A. Iwanowa, A. V. Rimskiego-Korsakowa, V. A. Kreitzera i V. P. Dzierżkowicza (pierwszy model w 1935 r.).

3. Gitara elektryczna – gitara, zwykle wykonana z drewna, wyposażona w przetworniki elektryczne, które zamieniają drgania metalowych strun na drgania prądu elektrycznego. Pierwszy przetwornik magnetyczny został wykonany przez inżyniera Gibsona Lloyda Loehra w 1924 roku. Najpopularniejsze są gitary elektryczne sześciostrunowe.

Na lekcjach w szkole muzycznej uczenie się instrumenty orkiestry symfonicznej. Zaczęliśmy od grupy dętej. W domu chciałam utrwalić z synem nazwy instrumentów i ich głosy. Zebrane w jednym miejscu zdjęcie instrumentów dętych I wykonywaną przez nich muzykę. Instrumentów można posłuchać online. Mam nadzieję, że komuś się przyda i zajmie znacznie mniej czasu niż nam.

Instrumenty muzyczne dęte dzielą się na drewniany I miedź. Początkowo klasyfikacja ta wynikała z materiału, z którego zostały wykonane. Teraz ten podział jest bardzo dowolny, np. flet i saksofon wykonane są z metalu, choć należą do instrumentów dętych drewnianych.

INSTRUMENTY BINDUJ| ZDJĘCIE:

Instrumenty dęte drewniane: Posłuchaj dźwięków instrumentów

1. Flet| Słuchaj online

1. Klarnet| Słuchaj online

   Nagranie dźwiękowe: Adobe Flasha Aby odtworzyć ten dźwięk, wymagany jest odtwarzacz (wersja 9 lub nowsza). Pobierać najnowsza wersja. Dodatkowo w Twojej przeglądarce musi być włączona obsługa JavaScript.

1. Obój | Słuchaj online

   Dźwięk: Do odtwarzania tego dźwięku wymagany jest program Adobe Flash Player (wersja 9 lub nowsza). Pobierz najnowszą wersję. Dodatkowo w Twojej przeglądarce musi być włączona obsługa JavaScript.

1. Fagot | Słuchaj online

   Dźwięk: Do odtwarzania tego dźwięku wymagany jest program Adobe Flash Player (wersja 9 lub nowsza). Pobierz najnowszą wersję. Dodatkowo w Twojej przeglądarce musi być włączona obsługa JavaScript.

Instrumenty dęte blaszane: słuchaj dźwięków instrumentów

1. Rura| Słuchaj online

   Dźwięk: Do odtwarzania tego dźwięku wymagany jest program Adobe Flash Player (wersja 9 lub nowsza). Pobierz najnowszą wersję. Dodatkowo w Twojej przeglądarce musi być włączona obsługa JavaScript.