Włoscy naukowcy twierdzą, że znaleźli szczątki, które mogą należeć do Lisy del Giocondo. Być może tajemnica Mona Lisy zostanie ujawniona. Na cześć tego przypomnijmy sobie najbardziej tajemnicze obrazy w historii.

1. Gioconda
Pierwsza rzecz, która przychodzi na myśl, jeśli chodzi o tajemnicze obrazy och, a może o obrazach tajemniczych - to „Mona Lisa”, namalowana przez Leonarda da Vinci w latach 1503-1505. Gruye napisał, że to zdjęcie może doprowadzić do szaleństwa każdego, kto po wystarczającym obejrzeniu zacznie o nim mówić.
W tym dziele da Vinci jest wiele „tajemnic”. Krytycy sztuki piszą rozprawy na temat pochylenia dłoni Mony Lisy, lekarze stawiają diagnozy (od tego, że Mona Lisa nie ma przednich zębów, po to, że Mona Lisa jest mężczyzną). Istnieje nawet wersja, w której Gioconda jest autoportretem artysty.
Nawiasem mówiąc, obraz zyskał szczególną popularność dopiero w 1911 roku, kiedy został skradziony przez Włocha Vincenzo Peruggio. Znaleźli go na podstawie odcisków palców. Tym samym „Mona Lisa” stała się także pierwszym sukcesem pobierania odcisków palców i ogromnym sukcesem marketingowym na rynku sztuki.

2. Czarny kwadrat


Wszyscy wiedzą, że „Czarny kwadrat” nie jest tak naprawdę czarny, ani nie jest kwadratem. To naprawdę nie jest kwadrat. W katalogu wystawy Malewicz określił go jako „czworokąt”. I naprawdę nie czarny. Artysta nie użył czarnej farby.
Mniej wiadomo, że Malewicz uważał „Czarny kwadrat” za swój najlepsza praca. Kiedy artysta był pochowany, u szczytu trumny stał „Czarny kwadrat” (1923), ciało Malewicza przykryto białym płótnem z wszytym kwadratem, czarny kwadrat namalowano także na wieczku trumny. Nawet pociąg i tył ciężarówki miały czarne kwadraty.

3. Krzycz

Tajemnicze w obrazie „Krzyk” nie leży w tym, że rzekomo wywiera on silny wpływ na ludzi, zmuszając ich niemal do popełnienia samobójstwa, ale w tym, że obraz ten jest w istocie realizmem dla Edvarda Muncha, który w chwili pisania tego arcydzieła cierpiał na psychoza maniakalno-depresyjna. Pamiętał nawet dokładnie, jak widział to, co napisał.
„Szedłem z dwójką przyjaciół ścieżką - zachodziło słońce - nagle niebo zrobiło się krwistoczerwone, zatrzymałem się, czując zmęczenie, oparłem się o płot - spojrzałem na krew i płomienie nad niebiesko-czarnym fiordem i miasto – moi przyjaciele poszli dalej, a ja stałam, drżąc z podniecenia, czując niekończący się płacz przeszywający naturę.”

4. Guernika


Picasso namalował Guernicę w 1937 roku. Obraz poświęcony bombardowaniu miasta Guernica. Mówią, że gdy w 1940 roku Picasso został wezwany do gestapo i zapytany o Guernicę: „Czy ty to zrobiłeś?”, artysta odpowiedział: „Nie, zrobiłeś to”.
Picasso namalował ogromny fresk w nie więcej niż miesiąc, pracując 10-12 godzin dziennie. „Guernica” uważana jest za odzwierciedlenie horroru faszyzmu i nieludzkiego okrucieństwa. Ci, którzy widzieli ten obraz na własne oczy, twierdzą, że wywołuje on niepokój, a czasem panikę.

5. Iwan Groźny i jego syn Iwan


Wszyscy znamy obraz „Iwan Groźny i jego syn Iwan”, zwykle nazywając go „Iwan Groźny zabija swojego syna”.
Tymczasem zamordowanie przez Iwana Wasiljewicza jego spadkobiercy jest faktem bardzo kontrowersyjnym. Tak więc w 1963 r. Otwarto groby Iwana Groźnego i jego syna w Katedrze Archanioła na Kremlu moskiewskim. Badania pozwoliły stwierdzić, że Carewicz Jan został otruty.
Zawartość trucizny w jego szczątkach jest wielokrotnie wyższa niż dopuszczalna norma. Co ciekawe, tę samą truciznę znaleziono w kościach Iwana Wasiljewicza. Naukowcy doszli do takiego wniosku rodzina królewska od kilkudziesięciu lat jest ofiarą trucicieli.
Iwan Groźny nie zabił swojego syna. Właśnie tej wersji broni na przykład Naczelny Prokurator Świętego Synodu Konstantin Pobiedonoscew. Widząc na wystawie słynny obraz Repina, był oburzony i napisał do cesarza Aleksander III: „Nie można nazwać tego zdjęcia historycznym, ponieważ ta chwila... jest po prostu fantastyczna”. Wersja morderstwa została oparta na opowieściach legata papieskiego Antonio Possevino, którego trudno nazwać osobą bezinteresowną.
Kiedyś doszło do prawdziwego zamachu na obraz.
16 stycznia 1913 roku dwudziestodziewięcioletni staroobrzędowy malarz ikon Abram Balashov trzykrotnie dźgnął ją nożem, po czym Ilja Repin musiał praktycznie od nowa zamalować twarze Iwanowów przedstawionych na obrazie. Po zdarzeniu ówczesny kustosz Galerii Trietiakowskiej Chrusłow, dowiedziawszy się o wandalizmie, rzucił się pod pociąg.

6. Ręce mu się opierają


Obraz Billa Stonehama, namalowany w 1972 roku, nie cieszy się, szczerze mówiąc, najlepszą opinią. Z informacji zamieszczonych na E-bayu wynika, że ​​obraz jakiś czas po zakupie znalazł się na wysypisku śmieci. Już pierwszej nocy, gdy obraz znalazł się w domu rodziny, która go znalazła, córka ze łzami w oczach pobiegła do rodziców, skarżąc się, że „dzieci na obrazie kłócą się”.
Od tego czasu obraz cieszy się bardzo złą sławą. Kim Smith, który kupił go w 2000 roku, nieustannie otrzymuje gniewne listy z żądaniem spalenia obrazu. Gazety pisały także, że duchy pojawiają się czasami na wzgórzach Kalifornii, jak dwa groszki w strąku, jak dzieci z obrazu Stonehama.

7. Portret Lopukhiny


Wreszcie „zły obraz” - portret Łopuchiny, namalowany przez Władimira Borowikowskiego w 1797 r., po pewnym czasie zaczął mieć złą reputację. Portret przedstawiał Marię Lopukhinę, która zmarła wkrótce po namalowaniu portretu. Zaczęto mówić, że obraz „odbiera młodość”, a nawet „zabiera do grobu”.
Nie wiadomo na pewno, kto puścił taką plotkę, ale gdy Paweł Tretiakow „odważnie” nabył portret do swojej galerii, rozmowy o „tajemnicy obrazu” ucichły.

3 grudnia 1961 roku w nowojorskim Muzeum Sztuki Nowoczesnej miało miejsce znaczące wydarzenie – obraz Matisse’a „Łódź”, który wisiał do góry nogami przez 46 dni, został prawidłowo zawieszony. Warto powiedzieć, że nie jest to odosobniony zabawny incydent związany z obrazami wielkich artystów.

Pablo Picasso namalował jeden ze swoich słynnych portretów w niecałe 5 minut

Pewnego razu jeden ze znajomych Pabla Picassa, patrząc na jego nowe prace, szczerze powiedział artyście: „Przykro mi, ale nie mogę tego zrozumieć. Takie rzeczy po prostu nie istnieją.” Na co Picasso odpowiedział: „Ty i chiński nie rozumiesz. Ale nadal istnieje.” Jednak wielu nie rozumiało Picassa. Kiedyś zasugerował rosyjskiemu pisarzowi Erenburgowi, jego dobry przyjaciel, namaluj jego portret. Z radością się zgodził, jednak zanim zdążył usiąść w fotelu i pozować, artysta oznajmił, że wszystko jest gotowe.

Erenburg wyraził zdziwienie szybkością wykonania dzieła, bo nie minęło nawet 5 minut, na co Picasso odpowiedział: „Znam cię od 40 lat. I przez te 40 lat uczyłem się malować portrety w 5 minut.”

Ilya Repin pomógł sprzedać obraz, którego nie namalował

Pewna pani kupiła na targu za jedyne 10 rubli zupełnie przeciętny obraz, na którym dumnie obnosił się podpis „I. Repin”. Kiedy koneser sztuki pokazał to dzieło Ilji Efimowiczowi, roześmiał się, dodał „To nie jest Repin” i podpisał autograf. Po pewnym czasie przedsiębiorcza pani sprzedała obraz nieznany artysta z autografem wielkiego mistrza za 100 rubli.

Niedźwiedzie ze słynnego obrazu Szyszkina zostały namalowane przez innego artystę

Wśród artystów obowiązuje niepisane prawo – profesjonalna wzajemna pomoc. W końcu każdy z nich ma nie tylko ulubione historie i mocne strony, ale także słabe punkty, więc dlaczego nie pomóc sobie nawzajem. Wiadomo zatem na pewno, że w przypadku obrazu „Puszkin nad brzegiem morza” Aiwazowskiego postać wielkiego poety narysował Repin, a dla obrazu Lewitana „Dzień jesieni. Sokolniki” „Dama w czerni” namalował Mikołaj Czechow. Malarz krajobrazu Szyszkin, który na swoich obrazach potrafił narysować każde źdźbło trawy i igły, tworząc obraz „Poranek w las sosnowy„Niedźwiedzie w ogóle nie wyszły. Dlatego Savitsky namalował niedźwiedzie do słynnego obrazu Szyszkina.

Kawałek płyty pilśniowej, na którą po prostu wylano farbę, stał się jednym z najdroższych obrazów

Najdroższym obrazem świata w 2006 roku był „Numer 5” Jacksona Pollocka, „1948”. Na jednej aukcji obraz został sprzedany za 140 milionów dolarów. Może się to wydawać śmieszne, ale artysta tak naprawdę „nie zaprzątnął sobie głowy” tworzeniem tego obrazu: po prostu wylał farbę na leżący na podłodze kawałek płyty pilśniowej.

Rubens zaszyfrował datę powstania swojego obrazu za pomocą gwiazd.

Krytycy sztuki i naukowcy od dawna nie udało się ustalić daty powstania jednego z najbardziej słynne obrazy Rubens - obraz „Święto bogów na Olimpie”. Zagadka została rozwiązana dopiero po bliższym przyjrzeniu się zdjęciu przez astronomów. Okazało się, że postacie na zdjęciu były ułożone dokładnie w tej samej kolejności, w jakiej planety były ułożone na niebie w 1602 roku.

Logo Chupa Chups zostało narysowane przez światowej sławy surrealistę

W 1961 roku Enrique Bernata, właściciel firmy Chupa Chups, poprosił artystę Salvadora Dali o wymyślenie obrazu opakowania cukierków. Dali spełnił prośbę. Dziś ten wizerunek, choć w nieco zmodyfikowanej formie, jest rozpoznawalny na firmowych lizakach.

Warto dodać, że w 1967 roku we Włoszech, za błogosławieństwem Papieża, wydano unikatowe wydanie Biblii z ilustracjami Salvadora Dali.

Najdroższy obraz Mąka przynosi nieszczęście

„Krzyk” Muncha został sprzedany na aukcji za 120 milionów dolarów i jest dziś najdroższym obrazem artysty. Mówią, że Munch ścieżka życia co jest serią tragedii, włożyłem w to tyle smutku, że obraz wchłonął negatywna energia i mści się na sprawcach.

Pewnego razu jeden z pracowników Muzeum Muncha przypadkowo upuścił obraz, po czym zaczął cierpieć na straszne bóle głowy, co doprowadziło tego człowieka do samobójstwa. Inny pracownik muzeum, który nie był w stanie utrzymać obrazu, już kilka minut później znalazł się w fatalnej sytuacji. wypadek samochodowy. A zwiedzający muzeum, który pozwolił sobie dotknąć obrazu, po pewnym czasie spłonął żywcem w pożarze. Możliwe jednak, że są to tylko zbiegi okoliczności.

„Czarny kwadrat” Malewicza ma „starszego brata”

„Czarny kwadrat”, być może najsłynniejszy obraz Kazimierza Malewicza, to płótno o wymiarach 79,5 * 79,5 centymetra, na którym na białym tle przedstawiony jest czarny kwadrat. Malewicz namalował swój obraz w 1915 roku. A już w 1893 roku, 20 lat przed Malewiczem, Alphonse Allais, francuski pisarz humorystyczny, namalował swój „czarny kwadrat”. To prawda, że ​​obraz Allaisa nosił tytuł „Bitwa Murzynów w głębokiej jaskini w ciemną noc”.

Ostatnia Wieczerza. Leonarda da Vinci.

Na ulicy artysta zobaczył pijaka, który bezskutecznie próbował wydostać się z szamba. Da Vinci zabrał go do jednego z lokali gastronomicznych, posadził i zaczął rysować. Wyobraźcie sobie zdziwienie artysty, gdy pijak, otwierając swoje myśli, przyznał, że pozował mu już kilka lat temu. Okazało się, że to ten sam piosenkarz.

Dziś w każdym muzeum można posłuchać wspaniałych przewodników, którzy szczegółowo opowiedzą o zbiorach i reprezentowanych w nich artystach. Jednocześnie wielu rodziców wie, że większości dzieci trudno jest spędzić w muzeum choćby godzinę, a opowieści o historii malarstwa dość szybko je męczą. Aby dzieci nie nudziły się w muzeum, oferujemy „ściągawkę” dla rodziców – dziesiątkę zabawne historie o obrazach z Galerii Trietiakowskiej, które zainteresują zarówno dzieci, jak i dorosłych.

1. Iwan Kramskoj. „Syreny”, 1871

Iwan Kramskoj znany jest przede wszystkim jako autor obrazu „Nieznany” (często błędnie nazywany „Obcym”), a także wielu pięknych portretów: Lwa Tołstoja, Iwana Szyszkina, Dmitrija Mendelejewa. Ale lepiej, aby dzieci zaczęły zapoznawać się z jego pracą magiczny obraz„Syreny”, z którymi taka jest historia.
W sierpniu 1871 roku artysta Iwan Kramskoj odwiedził wiejską posiadłość swojego przyjaciela, miłośnika sztuki i słynnego filantropa Pawła Stroganowa. Spacerując wieczorami, podziwiał księżyc i podziwiał go magiczne światło. Podczas tych spacerów artysta postanowił pisać nocny krajobraz i spróbuj przekazać cały urok, całą magię księżycowej nocy, „złapać księżyc” - jego własnym wyrazem.
Kramskoy rozpoczął pracę nad obrazem. Pojawił się brzeg rzeki księżycowa noc, pagórek i na nim dom otoczony topolami. Krajobraz był piękny, jednak czegoś mu brakowało – magia nie zrodziła się na płótnie. Z pomocą artyście przyszła książka Mikołaja Gogola „Wieczory na farmie niedaleko Dikanki”. dokładniej historia zatytułowany „Noc majowa, czyli utopiona kobieta” – bajeczny i trochę przerażający. I wtedy na zdjęciu pojawiły się syreny, oświetlone światłem księżyca.
Artysta tak starannie pracował nad obrazem, że zaczął o nim marzyć i ciągle chciał coś w nim dokończyć. Rok po zakupie przez założyciela Galerii Trietiakowskiej Pawła Tretiakowa Kramskoj po raz kolejny chciał coś w nim zmienić i wprowadził drobne zmiany bezpośrednio w sali wystawowej.
Płótno Kramskoja stało się pierwszym „bajkowym” obrazem w historii malarstwa rosyjskiego.

2. Wasilij Wierieszczagin. „Apoteoza wojny”, 1871


Tak się złożyło, że ludzie zawsze walczyli. Od niepamiętnych czasów odważni przywódcy i potężni władcy wyposażali swoje armie i wysyłali je na wojnę. Oczywiście chcieli, aby o ich wyczynach wojskowych dowiedzieli się odlegli potomkowie, dlatego poeci pisali wiersze i piosenki, a artyści tworzyli piękne obrazy i rzeźby. Na tych obrazach wojna zwykle wyglądała jak wakacje - jasne kolory, nieustraszeni wojownicy, idę na bitwę...
Artysta Wasilij Vereshchagin wiedział o wojnie z pierwszej ręki - nie raz brał udział w bitwach - i namalował wiele obrazów, na których przedstawił to, co widział na własne oczy: nie tylko dzielni żołnierze i ich przywódców wojskowych, ale także krew, ból i cierpienie.
Któregoś dnia zastanawiał się, jak w jednym obrazie pokazać wszystkie okropności wojny, jak uświadomić widzowi, że wojna to zawsze smutek i śmierć, jak pozwolić innym przyjrzeć się jej obrzydliwym szczegółom? Zdał sobie sprawę, że nie wystarczy namalować obrazu pola bitwy usianego poległymi żołnierzami – takie płótna istniały już wcześniej. Vereshchagin wymyślił symbol wojny, obraz, na który każdy może sobie wyobrazić, jak straszna jest każda wojna. Namalował spaloną pustynię, pośrodku której wznosi się piramida ludzkich czaszek. Wokół są tylko suche, martwe drzewa i tylko wrony latają na swoją ucztę. W oddali widać zniszczone miasto, a widz łatwo domyśla się, że tam też nie ma już życia.

3. Aleksiej Sawrasow. „Przybyły gawrony”, 1871


Obraz „Przybyły gawrony” znają wszyscy od dzieciństwa i chyba każdy z niego pisał eseje szkolne. A dzisiaj nauczyciele z pewnością opowiedzą dzieciom o lirycznych pejzażach Savrasova i że już w samym tytule tego obrazu słychać radosną zapowiedź poranka roku i wszystko w nim jest wypełnione głębokim, bliskim sercu znaczeniem. Tymczasem niewiele osób wie, że słynne „Wieże…”, a także wszystkie inne dzieła Savrasowa, mogły w ogóle nie istnieć.
Aleksiej Sawrasow był synem małego moskiewskiego pasmanterysty. Chęć chłopca do zajęcia się malarstwem nie wywołała zachwytu u rodziców, niemniej jednak Kondrat Savrasow wysłał syna do Moskiewskiej Szkoły Malarstwa i Rzeźby. Zarówno nauczyciele, jak i koledzy z klasy dostrzegli talent młody artysta i przepowiedział mu wspaniałą przyszłość. Okazało się jednak, że Aleksiej, nawet nie studiując przez rok, najwyraźniej z powodu choroby matki, był zmuszony przerwać naukę. Jego nauczyciel Karl Rabus zwrócił się o pomoc do szefa moskiewskiej policji, generała dywizji Iwana Łużyna, który pomógł utalentowanemu młodemu człowiekowi zdobyć wykształcenie artystyczne.
Gdyby Łużyn nie brał udziału w losie młody artysta, jeden z najsłynniejszych obrazów w historii malarstwo narodowe nigdy by się nie urodził.

4. Wasilij Polenow. „Dziedziniec moskiewski”, 1878


Czasami, żeby coś napisać piękny obraz, artysta dużo podróżuje, długo i skrupulatnie poszukując jak najwięcej piękne widoki w końcu odnajduje cenne miejsce i za każdym razem przychodzi tam ze szkicownikiem. Zdarza się też, że aby stworzyć wspaniałe dzieło, wystarczy podejść do własnego okna, spojrzeć na zupełnie zwyczajny moskiewski dziedziniec - i dzieje się cud, pojawia się niesamowity krajobraz, wypełniony światłem i powietrzem.
To jest dokładnie cud, który przydarzył się artyście Wasilijowi Polenowi, który na początku lata 1878 roku wyjrzał przez okno swojego mieszkania i dość szybko namalował to, co zobaczył. Chmury płynnie przesuwają się po niebie, słońce wschodzi coraz wyżej, ogrzewając swoim ciepłem ziemię, rozświetlając kopuły kościołów, skracając gęste cienie... Wydawałoby się, że jest to prosty obraz, którego sam artysta nie wykonał początkowo poważnie: napisał to i prawie o tym zapomniał. Ale potem został zaproszony do wzięcia udziału w wystawie. Nie miał nic znaczącego i Polenov postanowił wystawić „Dziedziniec Moskiewski”.
Co dziwne, to właśnie ten „nieistotny obraz” przyniósł sławę i chwałę Wasilijowi Polenowowi - uwielbiała go zarówno publiczność, jak i krytycy: ma ciepło i jasne kolory, a na jego bohaterów można patrzeć bez końca, wymyślając historię o każdym z nich .

5. Iwan Szyszkin. „Rano w las sosnowy", 1889

„Poranek w sosnowym lesie” Iwana Szyszkina to chyba najbardziej słynny obraz ze zbiorów Galerii Trietiakowskiej. W naszym kraju znają ją wszyscy dzięki reprodukcjom w podręczniki szkolne, a może dzięki czekoladki"Miś."
Ale nie wszyscy wiedzą, że sam Szyszkin namalował tylko poranny las w mglistej mgle i nie ma nic wspólnego z niedźwiedziami. Obraz ten jest owocem wspólnej twórczości Szyszkina i jego przyjaciela, artysty Konstantina Sawickiego.
Iwan Szyszkin był skończony mistrz przedstawiają wszelkiego rodzaju subtelności botaniczne - krytyk Aleksander Benois Został dość skarcony za swoją pasję do fotograficznej dokładności, nazywając swoje obrazy pozbawionymi życia i zimnymi. Ale artysta nie przyjaźnił się z zoologią. Mówią, że właśnie dlatego Szyszkin zwrócił się do Savickiego z prośbą o pomoc przy niedźwiedziach. Savitsky nie odmówił przyjacielowi, ale nie traktował swojej pracy poważnie - i nie podpisał.
Później Paweł Tretiakow kupił ten obraz od Szyszkina, a artysta zaprosił Savitsky'ego do pozostawienia podpisu na obrazie - w końcu wspólnie nad nim pracowali. Savitsky tak zrobił, ale Tretiakowowi się to nie podobało. Oświadczając, że kupił obraz od Szyszkina, ale nie chce nic wiedzieć o Sawickim, zażądał rozpuszczalnika i własnoręcznie usunął „dodatkowy” podpis. I tak się złożyło, że dziś Galeria Trietiakowska wskazuje na autorstwo tylko jednego artysty.

6. Wiktor Wasniecow. „Bogatyry”, 1898


Wiktor Wasniecow uważany jest za najbardziej „bajecznego” artystę w historii malarstwa rosyjskiego - to jego pędzel stworzył tak słynne dzieła, jak „Alyonushka”, „Rycerz na rozdrożu”, „Bohaterski skok” i wiele innych. Ale jego najsłynniejszym obrazem jest „Bogatyr”, który przedstawia głównych bohaterów rosyjskich eposów.
Sam artysta tak opisał obraz: „Bohaterowie Dobrynya, Ilya i Alyosha Popovich wyruszają na bohaterską wycieczkę - zauważają na polu, czy gdzieś jest wróg, czy kogoś obrażają?”
Pośrodku, na czarnym koniu, Ilja Muromiec spogląda spod dłoni w dal, bohater w jednej ręce trzyma włócznię, a w drugiej maczugę adamaszkową. Po lewej stronie, na białym koniu, Dobrynya Nikitich wyjmuje miecz z pochwy. Po prawej stronie, na czerwonym koniu, Alosza Popowicz trzyma w rękach łuk i strzały. Z bohaterami tego obrazu – a raczej z ich prototypami wiąże się ciekawa historia.
Wiktor Wasniecow długo zastanawiał się, jak powinien wyglądać Ilya Muromets i przez długi czas nie mógł znaleźć „właściwej” twarzy - odważnej, uczciwej, wyrażającej zarówno siłę, jak i życzliwość. Ale pewnego dnia zupełnie przypadkowo spotkał chłopa Iwana Pietrowa, który przyjechał do Moskwy, aby zarobić pieniądze. Artysta był zdumiony – na moskiewskiej ulicy zobaczył prawdziwego Ilyę Muromets. Chłop zgodził się pozować Wasniecowowi i... pozostał przez wieki.
W eposach Dobrynya Nikitich jest dość młody, ale z jakiegoś powodu obraz Wasnetsowa przedstawia mężczyznę w średnim wieku. Dlaczego artysta zdecydował się na tak swobodne działanie opowieści ludowe? Rozwiązanie jest proste: Wasnetsow przedstawił się na obrazie Dobrynyi; wystarczy porównać zdjęcie z portretami i fotografiami artysty.

7. Walentin Sierow. „Dziewczyna z brzoskwiniami. Portret V. S. Mamontowej”, 1887

„Dziewczyna z brzoskwiniami” jest jedną z najbardziej słynne portrety w historii malarstwa rosyjskiego, napisany przez artystę Walentina Serowa.
Dziewczyna na portrecie to Verochka, córka filantropa Savvy Mamontova, którego dom artysta często odwiedzał. Co ciekawe, leżące na stole brzoskwinie nie zostały przywiezione z ciepłych regionów, ale rosły niedaleko Moskwy, właśnie w majątku Abramcewo, co w XIX wieku było czymś zupełnie niezwykłym. Mamontow miał do pracy ogrodnika-magika - w jego zręcznych rękach drzewa owocowe kwitły nawet w lutym, a żniwa zbierano już na początku lata.
Dzięki portretowi Sierowa Vera Mamontova przeszła do historii, ale sam artysta przypomniał sobie, jak trudno było mu przekonać do pozowania 12-letnią dziewczynkę o niezwykle niespokojnym charakterze. Sierow pracował nad obrazem przez prawie miesiąc, a Vera codziennie przez kilka godzin siedziała spokojnie w jadalni.
Praca nie poszła na marne: kiedy artysta zaprezentował portret na wystawie, obraz bardzo się spodobał publiczności. A dziś, ponad sto lat później, „Dziewczyna z brzoskwiniami” zachwyca odwiedzających Galerię Trietiakowską.

8. Ilja Repin. „Iwan Groźny i jego syn Iwan 16 listopada 1581 r.”, 1883–1885.


Patrząc na ten czy inny obraz, często zastanawiacie się, co było źródłem inspiracji artysty, co skłoniło go do namalowania właśnie takiego dzieła? W przypadku obrazu Ilji Repina „Iwan Groźny i jego syn Iwan 16 listopada 1581 r.” zgadnij o prawdziwe powody wcale nie jest to łatwe.
Obraz przedstawia legendarny epizod z życia Iwana Groźnego, kiedy w przypływie gniewu zadał śmiertelny cios swemu synowi, carewiczowi Iwanowi. Jednak wielu historyków uważa, że ​​w rzeczywistości nie doszło do morderstwa, a książę zmarł z powodu choroby, a wcale nie z ręki ojca. Wydawałoby się, co może zmusić artystę do sięgnięcia po taki historyczny epizod?
Jak wspomina sam artysta, pomysł namalowania obrazu „Iwan Groźny i jego syn Iwan” przyszedł mu do głowy po... koncercie, na którym usłyszał muzykę kompozytora Rimskiego-Korsakowa. To było suita symfoniczna„Antar”. Dźwięki muzyki pochwyciły artystę, który chciał urzeczywistnić w malarstwie nastrój, który powstał w nim pod wpływem tego dzieła.
Ale muzyka nie była jedynym źródłem inspiracji. Podróżując po Europie w 1883 roku, Repin wziął udział w walce byków. Widok tego krwawego spektaklu zrobił wrażenie na artyście, który napisał, że „zarażony... tą krwią, po powrocie do domu od razu zabrał się do pracy nad krwawą sceną „Iwan Groźny z synem”. A zdjęcie krwi okazało się wielkim sukcesem.”

9. Michaił Wrubel. „Siedzący demon”, 1890


Jak czasami tytuł obrazu wiele znaczy. Co widzi widz, gdy po raz pierwszy spojrzy na obraz Michaiła Vrubela „Siedzący demon”? Muskularny młody człowiek siedzi na skale i ze smutkiem patrzy na zachód słońca. Ale gdy tylko wypowiemy słowo „demon”, natychmiast pojawia się obraz magicznego złego stworzenia. Tymczasem demon Michaiła Wrubela wcale nie jest złym duchem. Sam artysta nie raz mówił, że demon jest duchem „nie tyle złym, co cierpiącym i bolesnym, ale jednocześnie duchem potężnym,… majestatycznym”.
Obraz ten jest interesujący ze względu na technikę malarską. Artysta nakłada farbę na płótno nie zwykłym pędzlem, ale cienką stalową płytką – szpachelką. Technika ta pozwala łączyć techniki malarza i rzeźbiarza, dosłownie „rzeźbiąc” obraz za pomocą farb. W ten sposób uzyskuje się efekt „mozaiki” – wydaje się, że niebo, skały, a nawet samo ciało bohatera nie są pomalowane farbą, ale ułożone ze starannie wypolerowanych, być może nawet szlachetnych kamieni.

10. Aleksander Iwanow. „Pojawienie się Chrystusa ludowi (pojawienie się Mesjasza)”, 1837–1857.


Obraz Aleksandra Iwanowa „Pojawienie się Chrystusa ludziom” to wyjątkowe wydarzenie w historii malarstwa rosyjskiego. Nie jest łatwo rozmawiać o tym z dziećmi, zwłaszcza 6-7-letnimi, ale zdecydowanie powinny one zobaczyć to monumentalne płótno, na którym artysta pracował ponad 20 lat i które stało się dziełem jego życia.
Fabuła obrazu oparta jest na trzecim rozdziale Ewangelii Mateusza: Jan Chrzciciel, chrzcząc naród żydowski nad brzegiem Jordanu w imię oczekiwanego Zbawiciela, nagle widzi Go nadchodzącego, w imię którego chrzci ludzi . O cechy kompozycyjne obrazy, o ich symbolach i język artystyczny dzieci dowiedzą się później. Podczas pierwszej znajomości warto porozmawiać o tym, jak jeden obraz stał się dziełem życia artysty.
Po ukończeniu studiów w petersburskiej Akademii Sztuk Pięknych Aleksander Iwanow został wysłany „na staż” do Włoch. „Pojawienie się Chrystusa ludowi” miało być dziełem dokumentalnym. Ale artysta podchodzi do swojej pracy bardzo poważnie: uważnie studiuje Pismo Święte, historię, spędza miesiące na poszukiwaniu pożądanego krajobrazu, spędza nieskończoną ilość czasu na poszukiwaniu obrazu dla każdej postaci na zdjęciu. Kończą się pieniądze, które mu przydzielono na pracę, Iwanow prowadzi nędzną egzystencję. Żmudna praca nad obrazem doprowadziła do uszkodzenia wzroku artysty i konieczności długotrwałego leczenia.
Kiedy Iwanow ukończył swoje dzieło, włoska publiczność przyjęła zdjęcie z zachwytem; był to jeden z pierwszych przypadków Europejskie uznanie Rosyjski artysta. W Rosji nie od razu to doceniono – dopiero po śmierci artysty przyszła do niego prawdziwa sława.
Pracując nad obrazem, Iwanow stworzył ponad 600 szkiców. W pomieszczeniu, w którym jest wystawiona, można zobaczyć niektóre z nich. Interesujące jest wykorzystanie tych przykładów do prześledzenia, w jaki sposób artysta pracował nad kompozycją, krajobrazem i wizerunkami postaci na obrazie.

Wybór rekordów

Dzieła sztuki, które znają wszyscy, często niosą ze sobą nieznane, fascynujące historie.

Kazimierz Malewicz był szóstym artystą, który namalował czarny kwadrat, Szyszkin był współautorem „Poranku w sosnowym lesie”, Dali doznał poważnej traumy psychoseksualnej, a Pablo Picasso przeżył po odważnej reakcji na Gestapo. Podziwiamy piękno największych obrazów, ale historie, które wydarzyły się przed, w trakcie lub po namalowaniu arcydzieł, często pozostają poza naszą uwagą. I zupełnie na próżno. Czasami takie historie pozwalają lepiej zrozumieć artystę lub po prostu zadziwić się dziwacznością życia i kreatywnością.
Bright Side zebrało w tym materiale najciekawsze i nieznane historie o wielkich obrazach.

„Czarny kwadrat”, Kazimierz Malewicz

„Czarny kwadrat” Malewicza – jedno z najbardziej znanych i dyskutowanych dzieł sztuki – nie jest taką innowacją.
Artyści eksperymentują z kolorem „całkowicie czarny” od XVII wieku. Najpierw ciasno czarna praca Sztukę zatytułowaną „Wielka ciemność” namalował Robert Fludd w 1617 r., a następnie w 1843 r. Bertal i jego dzieło „Widok La Hougue (pod osłoną nocy)”. Ponad dwieście lat później. A potem niemal bez przerwy - „Zmierzchowa historia Rosji” Gustave’a Doré w 1854 r., „Nocna walka Murzynów w piwnicy” Paula Bilholda w 1882 r., całkowicie splagiatowana „Bitwa Murzynów w jaskini w środku nocy” przez Alphonse’a Allaisa. I dopiero w 1915 roku Kazimierz Malewicz zaprezentował publiczności swój „Plac Czarnej Suprematyzmu”, bo tak właśnie w całości nazywa się obraz. I to właśnie jego malarstwo zna każdy, inne natomiast znają tylko historycy sztuki.
Sam Malewicz namalował co najmniej cztery wersje swojego „Czarnego kwadratu suprematyzmu”, różniące się wzorem, fakturą i kolorem, w nadziei na odnalezienie absolutnej „nieważkości” i lotu form.

„Krzyk”, Edvard Munch

Podobnie jak w przypadku Black Square, na świecie dostępne są cztery wersje Krzyku. Dwie wersje są malowane olejem i dwie pastelą.
Istnieje opinia, że ​​​​Munch, który cierpiał na psychozę maniakalno-depresyjną, napisał ją kilka razy, próbując wyładować całe cierpienie, które nękało jego duszę. I możliwe, że gdyby artysta nie poszedł do kliniki, byłoby więcej dziwnych małych ludzików krzyczących z nieznośnej męki. Po zakończeniu leczenia nigdy więcej nie próbował odtworzyć swojego „Krzyku”, który stał się kultowym klasykiem.

„Guernica”, Pablo Picasso

Ogromny fresk „Guernica”, namalowany przez Picassa w 1937 roku, opowiada historię nalotu jednostki ochotniczej Luftwaffe na miasto Guernica, w wyniku którego sześciotysięczne miasto zostało doszczętnie zniszczone. Obraz powstał dosłownie w miesiąc – w pierwszych dniach pracy nad obrazem Picasso pracował po 10-12 godzin i już w pierwszych szkicach można było dostrzec główną ideę.
To jest jeden z najlepsze ilustracje koszmar faszyzmu, a także ludzkie okrucieństwo i żal.
 Guernica przedstawia sceny śmierci, przemocy, brutalności, cierpienia i bezradności, nie precyzując ich bezpośrednich przyczyn, ale są one oczywiste. I najbardziej ciekawy punkt

w związku z tym obrazem doszło w 1940 r., kiedy Picasso został wezwany przez gestapo w Paryżu. „Czy ty to zrobiłeś?” – zapytali go naziści. „Nie, ty to zrobiłeś”.

„Wielki Masturbator”, Salvador Dali
W filmie o dziwnym i aroganckim nawet jak na nasze czasy tytule tak naprawdę nie ma żadnego wyzwania rzuconego społeczeństwu. Artysta rzeczywiście przedstawił swoją podświadomość i wyznał widzowi.
Płótno przedstawia jego żonę Galę, którą namiętnie kochał; szarańcza, której się bał; fragment mężczyzny z przeciętymi kolanami, mrówkami i innymi symbolami pasji, strachu i wstrętu.

Geneza tego obrazu (ale przede wszystkim geneza jego dziwnego wstrętu i jednocześnie pragnienia seksu) tkwi w tym, że Salvador Dali jako dziecko przeglądał książkę o chorobach wenerycznych, którą przypadkowo pozostawił po sobie ojciec.

„Iwan Groźny i jego syn Iwan 16 listopada 1581 r.”, Ilja Repin Płótno historyczne, opowiadające widzowi o dramatycznym momencie w historii naszego kraju, inspirowane było bowiem nie tyle faktem zamordowania jego syna i następcy tronu przez cara Iwana Wasiljewicza, ile zamordowaniem Aleksandra II przez terrorystę rewolucjonistów i – co najbardziej nieoczekiwane – walki byków w Hiszpanii. Artysta tak pisał o tym, co zobaczył: „Nieszczęście,żywa śmierć

„, morderstwo i krew stanowią przyciągającą siłę... A ja, prawdopodobnie zarażony tą krwią, po powrocie do domu natychmiast zabrałem się do pracy nad krwawym miejscem.”

„Poranek w sosnowym lesie”, Iwan Szyszkin Arcydzieło znane każdemu Radzieckie dziecko
Savitsky namalował chyba najlepsze niedźwiedzie w historii malarstwa rosyjskiego, a Tretiakow nakazał zmyć jego imię z płótna, ponieważ wszystko na obrazie „od pomysłu do wykonania, wszystko mówi o sposobie malowania, o metoda twórcza, charakterystyczne dla Szyszkina.”

Tajemniczy świat sztuki może wydawać się zagmatwany dla niewprawnego oka, ale istnieją arcydzieła, które każdy powinien znać. Talent, inspiracja i żmudna praca Każde pociągnięcie rodzi dzieła, które podziwia się wieki później.

Nie sposób zebrać w jednym wyborze wszystkich wybitnych dzieł, ale staraliśmy się wybrać jak najwięcej słynne obrazy, tworząc gigantyczne kolejki przed muzeami na całym świecie.

Najsłynniejsze obrazy rosyjskich artystów

„Poranek w sosnowym lesie”, Iwan Szyszkin i Konstantin Sawicki

Rok powstania: 1889
Muzeum

Szyszkin był znakomitym malarzem pejzaży, ale rzadko musiał rysować zwierzęta, dlatego postacie niedźwiadków namalował Savitsky, znakomity artysta zajmujący się zwierzętami. Pod koniec pracy Tretiakow nakazał usunięcie podpisu Savickiego, biorąc pod uwagę, że Szyszkin wykonał znacznie obszerniejszą pracę.

„Iwan Groźny i jego syn Iwan 16 listopada 1581 r.”, Ilja Repin

Lata stworzenia: 1883–1885
Muzeum: Galeria Trietiakowska, Moskwa

Do stworzenia arcydzieła, lepiej znanego jako „Iwan Groźny zabija swojego syna”, Repin zainspirował się symfonią „Antar” Rimskiego-Korsakowa, a mianowicie jej drugą częścią „Słodycz zemsty”. Artysta pod wpływem dźwięków muzyki przedstawił krwawą scenę morderstwa i późniejszej skruchy obserwowanej w oczach władcy.

„Siedzący demon”, Michaił Wrubel

Rok powstania: 1890
Muzeum: Galeria Trietiakowska, Moskwa

Obraz był jedną z trzydziestu ilustracji narysowanych przez Vrubela edycja rocznicowa dzieła M.Yu. Lermontow. „Siedzący demon” reprezentuje wątpliwości nieodłącznie związane z do ludzkiego ducha, subtelny, nieuchwytny „nastrój duszy”. Zdaniem ekspertów artysta miał w pewnym stopniu obsesję na punkcie wizerunku demona: po tym obrazie pojawiły się „Latający demon” i „Pokonany demon”.

„Bojaryna Morozowa”, Wasilij Surikow

Lata stworzenia: 1884–1887
Muzeum: Galeria Trietiakowska, Moskwa

Film oparty jest na fabule życia staroobrzędowców „Opowieść o Boyarinie Morozowej”. Zrozumienie kluczowy obraz przyszedł do artysty, gdy zobaczył wronę rozpościerającą czarne skrzydła niczym plamę na zaśnieżonej powierzchni. Później Surikow długo szukał prototypu twarzy szlachcianki, ale nie mógł znaleźć nic odpowiedniego, aż pewnego dnia spotkał na cmentarzu starowiercę o bladej, szalonej twarzy. Szkic portretu powstał w ciągu dwóch godzin.

„Bogatyrs”, Wiktor Wasniecow

Lata stworzenia: 1881–1898
Muzeum: Galeria Trietiakowska, Moskwa

Przyszłe epickie arcydzieło narodziło się jako mały szkic ołówkiem w 1881 roku; Do dalszej pracy na płótnie Wasnetsow spędził wiele lat pieczołowicie zbierając informacje o bohaterach z mitów, legend i tradycji, a także badał w muzeach autentyczną starożytną rosyjską amunicję.

Analiza obrazu Wasnetsowa „Trzej bohaterowie”

„Kąpiel czerwonego konia”, Kuzma Petrov-Vodkin

Rok powstania: 1912
Muzeum: Galeria Trietiakowska, Moskwa

Początkowo obraz był pomyślany jako codzienny szkic z życia rosyjskiej wsi, jednak w trakcie pracy płótno artysty zostało porośnięte ogromną liczbą symboli. Przez czerwonego konia Pietrow-Wodkin miał na myśli „Los Rosji”; po przystąpieniu kraju do Pierwszej wojna światowa wykrzyknął: „Więc dlatego namalowałem ten obraz!” Jednak po rewolucji proradzieccy krytycy sztuki zinterpretowali kluczową postać obrazu jako „zwiastun rewolucyjnych pożarów”.

„Trójca”, Andriej Rublow

Rok powstania: 1411
Muzeum: Galeria Trietiakowska, Moskwa

Ikona, która położyła podwaliny pod tradycję rosyjskiego malarstwa ikonowego w XV–XVI wieku. Płótno przedstawiające starotestamentową trójcę aniołów, która ukazała się Abrahamowi, jest symbolem jedności Trójcy Świętej.

„Dziewiąta fala”, Iwan Aiwazowski

Rok powstania: 1850
Muzeum

Perła w „kartografii” legendarnego rosyjskiego malarza morskiego, którego bez wahania można uznać za jednego z najsłynniejszych artystów na świecie. Widzimy, jak marynarze, którzy cudem przeżyli sztorm, trzymają się masztu w oczekiwaniu na spotkanie „dziewiątej fali”, mitycznego apogeum wszystkich sztormów. Ale dominujące na płótnie ciepłe odcienie dają nadzieję na zbawienie ofiar.

„Ostatni dzień Pompejów”, Karl Bryullov

Lata stworzenia: 1830–1833
Muzeum: Muzeum Rosyjskie, St. Petersburg

Ukończony w 1833 roku obraz Bryulłowa był pierwotnie wystawiany w największych miast Włochy, gdzie wywołało prawdziwą sensację - malarza porównywano do Michała Anioła, Tycjana, Rafaela... W kraju arcydzieło przyjęto z nie mniejszym entuzjazmem, zapewniając Bryullovowi przydomek „Karol Wielki”. Płótno jest naprawdę wspaniałe: jego wymiary to 4,6 na 6,5 ​​metra, co czyni go jednym z największych obrazów wśród dzieł rosyjskich artystów.

Najsłynniejsze obrazy Leonarda da Vinci

„Mona Lisa”

Lata stworzenia: 1503–1505
Muzeum: Luwr, Paryż

Arcydzieło Geniusz florencki, nie trzeba przedstawiać. Warto dodać, że obraz zyskał status kultowego po incydencie kradzieży z Luwru w 1911 roku. Dwa lata później złodziej, który okazał się pracownikiem muzeum, próbował sprzedać obraz Galerii Uffizi. Wydarzenia głośnej sprawy zostały szczegółowo opisane w prasie światowej, po czym do sprzedaży trafiły setki tysięcy reprodukcji, a tajemnicza Mona Lisa stała się obiektem kultu.

Lata stworzenia: 1495–1498
Muzeum: Santa Maria delle Grazie w Mediolanie

Po pięciu wiekach fresk o klasycznej fabule na ścianie refektarza klasztoru dominikanów w Mediolanie uznawany jest za jeden z najbardziej tajemniczych obrazów w historii. Według pomysłu Da Vinci obraz przedstawia moment posiłku wielkanocnego, kiedy Chrystus zawiadamia uczniów o zbliżającej się zdradzie. Ogromna liczba ukryte symbole dały początek równie ogromnej różnorodności studiów, aluzji, zapożyczeń i parodii.

„Madonna Litta”

Rok powstania: 1491
Muzeum: Ermitaż w Petersburgu

Obraz, zwany także Madonną z Dzieciątkiem, przez długi czas znajdował się w zbiorach książąt Litty, a w 1864 roku został zakupiony przez Ermitaż w Petersburgu. Wielu ekspertów jest zgodnych, że postać dziecka nie została namalowana osobiście przez da Vinci, ale przez jednego z jego uczniów – poza dla malarza zbyt nietypowa.

Najsłynniejsze obrazy Salvadora Dali

Rok powstania: 1931
Muzeum: Muzeum sztuka współczesna, Nowy Jork

Paradoksalnie, ale jak najbardziej słynne dzieło geniusz surrealizmu, zrodził się z myśli o serze Camembert. Któregoś wieczoru, po przyjacielskiej kolacji, zakończonej przystawkami z serem, artysta zamyślił się nad „smarowaniem miazgi”, a jego wyobraźnia namalowała obraz topiącego się zegara z gałązką oliwną na pierwszym planie.

Rok powstania: 1955
Muzeum: Galeria Narodowa sztuka, Waszyngton

Tradycyjna fabuła z surrealistycznym akcentem, wykorzystująca zasady arytmetyczne studiowane przez Leonarda da Vinci. Artysta na pierwszy plan wysunął swoistą magię liczby „12”, odchodząc od hermeneutycznego sposobu interpretacji biblijnej fabuły.

Najsłynniejsze obrazy Pabla Picassa

Rok powstania: 1905
Muzeum: Muzeum Puszkina, Moskwa

Obraz stał się pierwszym przejawem tzw. „różowego” okresu w twórczości Picassa. Surowa faktura i uproszczony styl łączą się z delikatną grą linii i kolorów, kontrastem pomiędzy masywną sylwetką sportowca i delikatną gimnastyczką. Płótno zostało sprzedane wraz z 29 innymi dziełami za 2 tysiące franków (w sumie) paryskiemu kolekcjonerowi Vollardowi, zmieniło kilka kolekcji, a w 1913 roku nabył je rosyjski filantrop Iwan Morozow już za 13 tysięcy franków.

Rok powstania: 1937
Muzeum: Muzeum Reina Sofia, Madryt

Guernica to nazwa miasta w Kraju Basków, które zostało poddane niemieckim bombardowaniom w kwietniu 1937 r. Picasso nigdy nie był w Guernicy, ale był zdumiony skalą katastrofy, jak „uderzenie byczego rogu”. Artysta w abstrakcyjnej formie przekazał okropności wojny i pokazał prawdziwe oblicze faszyzmu, zasłaniając je dziwacznymi geometrycznymi kształtami.

Najsłynniejsze obrazy renesansu

„Madonna Sykstyńska”, Raphael Santi

Lata stworzenia: 1512–1513
Muzeum: Galeria Starych Mistrzów, Drezno

Jeśli przyjrzysz się uważnie tło, na pierwszy rzut oka składający się z chmur, widać, że faktycznie Rafael przedstawił tam głowy aniołów. Dwa anioły znajdujące się w dolnej części obrazu są niemal bardziej znane niż samo arcydzieło ze względu na jego szeroki obieg w sztuce masowej.

„Narodziny Wenus”, Sandro Botticelli

Rok powstania: 1486
Muzeum: Galeria Uffizi, Florencja

W sercu obrazu - starożytny grecki mit o narodzinach Afrodyty z piana morska. W przeciwieństwie do wielu arcydzieł renesansu, płótno przetrwało do dziś w doskonałym stanie dzięki ochronnej warstwie żółtka jaja, którym Botticelli ostrożnie pokrył dzieło.

„Stworzenie Adama”, Michelangelo Buonarotti

Rok powstania: 1511
Muzeum: Kaplica Sykstyńska, Watykan

Jeden z dziewięciu fresków na suficie Kaplica Sykstyńska, ilustrujący rozdział z Księgi Rodzaju: „I stworzył Bóg człowieka na swój obraz”. To Michał Anioł jako pierwszy przedstawił Boga jako siwowłosego starca, po czym obraz ten stał się archetypowy. Współcześni naukowcy uważają, że kontury postaci Boga i aniołów reprezentują ludzki mózg.

„Nocna straż”, Rembrandt

Rok powstania: 1642
Muzeum: Muzeum Państwowe, Amsterdamie

Pełny tytuł obrazu brzmi: „Występ kompanii strzeleckiej kapitana Fransa Banninga Koka i porucznika Willema van Ruytenburga”. Nowoczesne imię Obraz zwrócił na siebie uwagę w XIX wieku, kiedy odkryli go krytycy sztuki, którzy ze względu na warstwę brudu pokrywającą dzieło, uznali, że akcja obrazu rozgrywa się pod osłoną nocnych ciemności.

„Ogród rozkoszy ziemskich”, Hieronim Bosch

Lata stworzenia: 1500–1510
Muzeum: Muzeum Prado w Madrycie „Czarny kwadrat”

Malewicz pisał „Czarny kwadrat” przez kilka miesięcy; Legenda głosi, że kryje się pod warstwą czarnej farby malarstwo– artysta nie zdążył dokończyć dzieła w terminie i w przypływie złości zakrył obraz. Istnieje co najmniej siedem kopii „Czarnego kwadratu” wykonanego przez Malewicza, a także swego rodzaju „kontynuacja” kwadratów suprematystycznych – „Plac Czerwony” (1915) i „ Biały kwadrat„(1918).

„Krzyk”, Edvard Munch

Rok powstania: 1893
Muzeum: Galeria Narodowa, Oslo

Ze względu na niewytłumaczalny mistyczny wpływ na widza obraz został skradziony w 1994 i 2004 roku. Istnieje opinia, że ​​obraz powstały na przełomie XIX i XX wieku zapowiadał liczne katastrofy nadchodzącego stulecia. Głęboka symbolika „Krzyku” zainspirowała wielu artystów, w tym Andy’ego Warhola „No 5, 1948”.

Obraz ten do dziś budzi wiele kontrowersji. Niektórzy krytycy sztuki uważają, że emocje wokół obrazu, namalowanego charakterystyczną techniką rozpryskiwania, zostały stworzone sztucznie. Płótno zostało sprzedane dopiero po zakupie wszystkich pozostałych dzieł artysty, w związku z czym cena za niefiguratywne arcydzieło gwałtownie wzrosła. „Numer pięć” został sprzedany za 140 milionów dolarów, stając się najdroższym obrazem w historii.

„Dyptyk Marilyn”, Andy Warhol

Rok powstania: 1962
Muzeum: Galeria Tate, Londyn

Tydzień po śmierci Marilyn Monroe kontrowersyjna artystka rozpoczęła pracę na płótnie. Na płótno naniesiono 50 szablonowych portretów aktorki, stylizowanych na gatunek „pop-art” na podstawie fotografii z 1953 roku.
Subskrybuj nasz kanał w Yandex.Zen