Michaił Pawłowicz był ostatnim z dziesięciorga dzieci Pawła I i nie miał szans panować. Jednak troska o los najmłodszy syn dostojny ojciec już od chwili narodzin nakazał zgromadzenie środków na budowę przyszłego własnego pałacu. W 1819 roku, po osiągnięciu pełnoletności, Michaił Pawłowicz objął urząd dowódcy rosyjskiej artylerii i mógł myśleć o małżeństwie. Następnie dekretem jego starszego brata Aleksandra I, który panował w tym czasie, odbył się kamień węgielny pod Pałac Michajłowski. Został zbudowany przez wybitnego mistrza swojego rzemiosła, słynnego włoskiego architekta Carla Rossi.

Wkrótce Michaił Pawłowicz poślubił młodą księżniczkę Wirtembergii, która po przejściu na prawosławie otrzymała imię Elena Pawłowna. Początkowo nowożeńcy osiedlili się w Pałacu Zimowym, ale w 1825 roku przenieśli się do nowo wykończonego Pałacu Michajłowskiego, który natychmiast stał się nową ozdobą stolicy. Pałac ten z ośmiokolumnowym portykiem zachwyca uroczystą wielkością i wyrafinowaniem o klasycznych proporcjach. Brał udział w jego wykończeniu najlepsi artyści i mistrzowie sztuka stosowana tamtego czasu. Przed pałacem znajduje się dziedziniec ze wspaniałym żeliwnym płotem.

„Ten pałac jest oczywiście triumfem nowoczesnej architektury” – napisał angielski naukowiec Grenville, który odwiedził Rosję – „nie tylko przewyższa wszystko, co można zobaczyć w Tuileries i innych pałace królewskie kontynent, ale jest zdecydowanie jedyny w swoim rodzaju.” A mieszkańcy Petersburga odpowiedzieli tak: „No cóż, pałac Michaiła Pawłowicza jest naprawdę cudowny, to znaczy, jak to mówią: nie da się tego opisać piórem, nie da się tego opowiedzieć w bajce. Wszystko wykończone bogato, pięknie, z doskonałym smakiem i starannością. Rossi wyróżnił się tu jeszcze bardziej niż w Pałacu Elagin.”

Pałac Michajłowski był zarówno domem, jak i miejscem służby Wielkiego Księcia, który piastował stanowisko Generalnego Inspektora Wojsk Inżynieryjnych. W pałacu odbywały się nie tylko hałaśliwe bale elitarne, na które przywożono kwiaty na dwustu wozach, ale także obradowały komitety, Michaił Pawłowicz przyjmował wojskowych i cywilów, organizował uroczyste przyjęcia z okazji mianowania i awansów na oficerów. Życie w pałacu zapewniała ogromna liczba personelu: latem – do 300, zimą – do 600 osób.

Po śmierci Michaiła Pawłowicza pałac przeszedł w ręce wdowy po nim Eleny Pawłownej, wyrafinowanej patronki i gospodyni artystycznego i liberalnego salonu politycznego. Z pięciu córek, które urodziła, do tego czasu przetrwała tylko jedna - Ekaterina Michajłowna, która odziedziczyła pałac po śmierci matki. Wyszła za mąż za księcia Meklemburgii-Strelitz i z tego małżeństwa przekazała pałac swoim dzieciom. Pojawił się jednak problem: Pałac Michajłowski był własnością rodu Romanowów, a spadkobiercami byli poddani niemieccy. Aleksander III uznał za konieczne naprawienie tej sytuacji poprzez zakup pałacu dla skarbu państwa. Młody cesarz Mikołaj II zrealizował plan swojego ojca. Za 4 miliony rubli w srebrze kupił Pałac Michajłowski ze wszystkimi usługami i podarował go założonemu przez siebie w 1895 roku Muzeum Rosyjskiemu cesarza Aleksandra III.

Aby zorganizować muzeum, pałac został przebudowany przez architekta Svinina. Powstał w oparciu o obrazy z rezydencji królewskich, Ermitażu i kolekcji Akademii Sztuk Pięknych. W 1916 roku, aby pomieścić rosnące zbiory, obok Pałacu Michajłowskiego, według projektu akademika architektury Benoisa, wzniesiono zachodni budynek z widokiem na kanał (często nazywany korpusem Benoita). Pałac i budynek Benois łączy przejście, dzięki któremu można przejść z jednego do drugiego bez konieczności wychodzenia na zewnątrz.

Po rewolucji Muzeum Rosyjskie zostało znacznie uzupełnione w wyniku znacjonalizacji wartości artystyczne i nowe nabytki. Obecnie w jej zbiorach znajduje się około 400 tysięcy dzieł malarstwa, grafiki, rzeźby i rzemiosła artystycznego. Wystawy muzealne obejmują wszystkie etapy sztuki rosyjskiej - od starożytnych ikon rosyjskich po współczesną awangardę. Starożytne ikony, obrazy i rzeźby działa XVIII-XIX wiek prezentowane są w samym Pałacu Michajłowskim, a w budynku Benois znajdują się głównie dzieła mistrzów XX wieku. Często organizowane są tam wystawy czasowe.

Wycieczka do muzeum

Do muzeum wchodzi się przez parter, gdzie znajduje się kasa biletowa i szatnie, a następnie po schodach przechodzi się na piętro do ogromnego, kolumnowego holu. Zwyczajowo oględziny rozpoczyna się od drugiego piętra, gdyż od tego zaczyna się chronologia wystawy. Ale zanim się zagłębisz piękny świat starożytne rosyjskie malarstwo ikon, doceń wspaniały hol frontowy i uroczyste schody Pałacu Michajłowskiego. Poczucie wysokości i przestronności zapiera dech w piersiach, gdy wspinasz się po szerokich schodach rozgałęziających się na dwa piętra do galerii na drugim piętrze, otoczonej osiemnastoma wspaniałymi kolumnami korynckimi.

Będąc na górze, skręć w lewo, a znajdziesz się w dziale sztuki XII-XVIII wieku. W tym czasie malarstwo rosyjskie było wyłącznie religijne, więc tylko w pierwszych czterech salach starożytne ikony. Za najstarszy z nich uważany jest „Anioł o złotych włosach”, napisany w XII wieku. (znajduje się w pierwszym holu przy oknie). Nie sposób nie podziwiać majestatycznego piękna pozornie spokojnych, ale pełnych temperamentu linii, ich wdzięku i czystości.

Kolejna sala przedstawia nowogrodzką szkołę malowania ikon - jasną, świąteczną i bardzo zrozumiałą. Koniecznie zwróćcie uwagę na ikonę z początku XIV wieku. „Święty Jerzy z życiem”, który z ciekawymi szczegółami opowiada legendarną historię życia świętego. Ten sam święty, bardzo czczony na Rusi, przedstawiony jest na białym koniu na jaskrawoczerwonym tle na innej ikonie, niewielkich rozmiarów, ale monumentalnej kompozycji.

W sali szkoły moskiewskiej znajdują się arcydzieła kolekcji - duże ikony „Św. Piotra” i „Św. Pawła” z ikonostasu katedry Wniebowzięcia we Włodzimierzu. Zostały one wykonane w pracowni słynny mistrz Andriej Rublow. Rytmiczna kompozycja i powtarzalność miękkich, gładkich linii sprawiają, że obrazy te są szczególnie muzyczne.

W czwartej sali wystawione są prace słynnego malarza ikon Dionizego z katedry Narodzenia Najświętszej Marii Panny w klasztorze Ferapontow, uderzające połączeniem niewytłumaczalnej lekkości i przejrzystości z powagą i osobliwym patosem. Istnieją także późniejsze przykłady szkoły moskiewskiej, które charakteryzują się przedstawieniem drobnych szczegółów i przewagą barwy czerwonej i złotej.

Wchodząc do kolejnej sali, trafiamy w epokę Piotrową, z jej tęsknotą za sztuką świecką. Peter aktywnie zapraszał zagranicznych artystów do Rosji i wysyłał rosyjskich młodych mężczyzn na studia malarskie za granicę. Malarstwo świeckie rozpoczęło się w Rosji od gatunku portretu. Pierwsze tego typu eksperymenty, wciąż dość konwencjonalne, w których wciąż można było wyczuć tradycję ikonograficzną, nazwano „parsunami”. („osoby”) Zagraniczni pensjonariusze Piotra Iwan Nikitin i Andriej Matwiejew, których prace można oglądać w tej sali, jako pierwsi opanowali europejską technikę pisarską. Ivan Nikitin później zasłynął jako największy malarz portretowy pierwszego kwartał XVIII V.

Wśród niego słynne dzieła- „Portret hetmana podłogowego”, „Portret barona Stroganowa”, słynna praca zamówiona „Piotr I na łożu śmierci”.

W kolejnej sali znajduje się obraz z drugiej tercji XVIII wieku. Znane są dziecięce portrety rodziny Fermorów autorstwa Iwana Wiszniakowa i wyraziste obrazy Aleksieja Antropowa, na przykład duży portret Piotra III, niekochanego męża Katarzyny II.

Potem znaleźliśmy się w narożnym korytarzu, wspaniały jego złocony sufit i zaskoczenie ogromnym posągiem z brązu stojącym pośrodku. Ten rzeźbiarski portret cesarzowej Anny Ioannovny z małą czernią wykonał rzeźbiarz Rastrelli, ojciec słynnego architekta.

Przechodząc przez salę słynnego portrecisty Fiodora Rokotowa (wśród jego obrazów należy wymienić „Portret wielkiego księcia Pawła Pietrowicza w dzieciństwie”, „Portret hrabiny Santi”, portrety pary Surowcewów), trafiamy na wystawę, na której prezentowane są dzieła artystów - absolwentów Akademii Sztuk Pięknych stworzonej przez Elżbietę Pietrowna w 1757 roku. Ciekawy obraz ukraińskiego artysty Antona Łosenki w języku rosyjskim fabuła historyczna„Włodzimierz i Rogneda”. Artysta ten uważany jest za twórcę rosyjskiego malarstwa historycznego.

Dalej znajdziemy epokę Katarzyny Wielkiej – rzeźbiarską (dzieła Fiodora Szubina) i malownicze portrety cesarzowej oraz słynny cykl siedmiu portretów absolwentów założonego przez nią Instytutu Smolnego szlachetne panny, stworzony przez Dmitrija Levitsky'ego.

Następnie, jak gdyby wydarzył się cud – z sal muzealnych zostajemy przeniesieni do epoki wielkiego księcia Michaiła Pawłowicza, trafiając do Sali Białej, nietkniętej przeróbkami, zachwycającej wielkością i doskonałością. Do dziś zachowały się tu oryginalne dekoracje Rossiego i oryginalne meble wykonane według jego szkiców. Przestronny hol z widokiem na Ogród Michajłowski jest oświetlony żyrandolami z pozłacanego brązu, delikatnie oświetlającymi bogato kolorowe malowanie abażurów. Gładka powierzchnia sztucznego marmuru na ścianach i kolumnach błyszczy, wypolerowany parkiet błyszczy, rzeźbione, złocone meble ułożone w ścisłej kolejności dopełniają luksusowej dekoracji. Wydaje się, że drzwi zaraz się otworzą i wejdą właściciele domu i goście. Przecież to właśnie tutaj Wielka Księżna W Elenie Pawłownej uczestniczyły osobistości metropolitalne i odwiedzające, osoby publiczne i politycy, muzycy i kompozytorzy, naukowcy, pisarze...

Następnie, przechodząc przez salę portrecisty Borowikowskiego, znajdziemy się w jednej z największych i najsłynniejszych sal muzeum, gdzie znajdują się wspaniałe pejzaże morskie Aiwazowskiego (tutaj znajduje się podręcznik „Dziewiąta Fala”) doskonale konkurują ze wspaniałymi portretami Karla Bryullova. Oto także najsłynniejszy obraz Bryulłowa, który został otwarty nowa strona w historii sztuki rosyjskiej - „Ostatni dzień Pompejów”.

Żaden z Europejczyków artyści XIX wieku V. nie doznał tak wspaniałego triumfu, jaki spotkał młodego malarza Karola Bryullowa, gdy w połowie 1833 roku otworzył przed widzami drzwi swojej rzymskiej pracowni właśnie ukończonym obrazem „Ostatni dzień Pompejów”. Nigdy wcześniej chwała sztuki rosyjskiej nie rozprzestrzeniła się tak szeroko w całej Europie. Po wywołaniu prawdziwej sensacji w Rzymie, Mediolanie i Paryżu obraz Bryullowa dotarł wreszcie do Petersburga, gdzie od razu znalazł się w centrum uwagi rosyjskiego społeczeństwa i stał się przedmiotem patriotycznej dumy. „Tłumy gości, można powiedzieć, wdzierały się do sal Akademii, żeby popatrzeć na Pompeje” – mówi współczesny. Akademia Sztuk w swoim oficjalnym raporcie rocznym uznała malarstwo Bryullowa za najlepsze utworzenie XIX V. Znani przedstawiciele Kultura rosyjska entuzjastycznie przyjęła ten obraz, śpiewała go w poezji i prozie. Gogol napisał obszerny artykuł, w którym uznał ten obraz za „zupełne dzieło uniwersalne”, w którym wszystko „jest tak potężne, tak odważne, tak harmonijnie połączone w jedno, gdy tylko mogło powstać w głowie uniwersalnego geniuszu”.

Temat obrazu zaczerpnięty jest z historii starożytnego Rzymu. Pompeje to starożytne rzymskie miasto położone u podnóża Wezuwiusza, w 79 roku naszej ery. W wyniku silnej erupcji wulkanu wypełnił się lawą i pokrył kamieniami i popiołem. W wyniku paniki na ulicach miasta zginęło tysiące mieszkańców. W filmie Bryullov przeciwstawia duchową wielkość i piękno człowieka niszczycielskim żywiołom natury.

„Jego postacie są piękne pomimo grozy ich sytuacji. Zagłuszają je swoim pięknem” – pisał Gogol, który subtelnie dostrzegł główną ideę malarstwa Bryulłowa.

Można patrzeć na to zdjęcie długo, zauważając coraz więcej nowych szczegółów. Oto leżąca na ziemi postać młodej kobiety, która spadła z rydwanu. Oto dwaj młodzi Pompejanie niosący na ramionach chorego, starego ojca. Oto nowożeńcy - młody mężczyzna podtrzymuje padającą ze zmęczenia żonę, z wieńcem ślubnym na jej głowie. Oto syn (jego wizerunek nawiązuje do rzymskiego pisarza Pliniusza Młodszego, naocznego świadka tragedii) próbując ratować swoją starą matkę. Na obrazie widać zarówno kapłana pogańskiego, jak i księdza chrześcijańskiego, jakby uosabiającego odchodzącego starożytny świat i cywilizacja chrześcijańska powstająca na jej ruinach. Jeśli przyjrzysz się uważnie, zobaczysz autoportret Bryulłowa, który przedstawił się jako artysta pompejański, który uciekając z miasta zabiera ze sobą pudełko pędzli i farb. A na obraz matki przytulającej córki malarz uwiecznił kobietę, w której był zakochany - słynną damę towarzystwa, hrabinę Julię Samoilovą. Jej portret z uczennicą wisi przy drzwiach do sąsiedniego pokoju.

Potem wpadamy w kolejną lukę (tzw. duże sale ze szklanymi sufitami), gdzie wystawiane są prace artystów akademickich, jak np. gigant „ Miedziany wąż„Fedora Bruni, czyli „Pojawienie się Chrystusa ludowi” Aleksandra Iwanowa – szkic do obrazu znajdującego się w Galeria Trietiakowska. Następnie czekają na nas Włoskie krajobrazy Sylwester Szczedrin, obrazy gatunku chłopskiego Aleksieja Wenecjanowa, dzieło jego utalentowanego ucznia - artysty pańszczyźnianego Grigorija Soroki. A teraz, po ukończeniu kręgu, znów jesteśmy na głównej klatce schodowej.

Teraz zejdźmy na pierwsze piętro. Dawno, dawno temu znajdowały się tu pomieszczenia biurowe i mieszkała tu służba pałacowa. Teraz prezentowana jest tutaj sztuka drugiego połowa XIX wieku V. Przejdźmy się korytarzami pierwszego piętra. Spuściznę Pawła Fiedotowa reprezentują wersje dwóch słynnych obrazów artysty - „Swatanie majora” i „Wdowa”, a także szereg miniaturowych portretów. Muzeum posiada wspaniałą kolekcję artystów z Pieredwiżników: obrazy rodzajowe autorstwa namiętnego demaskatora kontrastów społecznych Wasilija Perowa, portrety psychologiczne Iwana Kramskoja, znany z podręczników historii obraz Nikołaja Ge „Piotr I przesłuchuje carewicza Aleksieja”. Jest tu także wiele wspaniałych krajobrazów - „Gaj okrętowy” Iwana Szyszkina, „Zima” Aleksieja Sawrasowa, „Odwilż” Fiodora Wasiljewa, „ księżycowa noc nad Dnieprem” Arkhipa Kuindzhiego z fantastycznym efektem nocnego oświetlenia.

Parter ma swój własny duże obrazy, uderzający nie tylko wielkością, ale i mistrzowskim wykonaniem – na przykład wypełniony jasnymi i jaskrawymi kolorami, „Fryna na święto Posejdona w Eleusis” Henryka Semiradskiego czy płótno „Chrystus i grzesznik” skąpane w palestyńskim słońcu Wasilija Polenowa. Przy okazji, ostatnie zdjęcie Istnieje ciekawy efekt optyczny. Znajdujący się w prawym rogu obrazu osioł jest namalowany w taki sposób, że niezależnie od tego, gdzie widz się porusza, zawsze patrzy prosto na niego.

Cztery sale zajmują prace Ilyi Repina. Pracował w nim mistrz o wielkim temperamencie twórczym różne gatunki- tu znajdują się słynne „Przewoźnicy barek na Wołdze” i „Kozacy piszą list do sułtana tureckiego” oraz zajmujący całą salę monumentalny obraz „Uroczyste posiedzenie Rady Państwa” oraz liczne portrety (krytyka Stasowa, kompozytora Głazunowa, chirurga Pirogowa, artysty Szyszkina itp.).

Twórczość Wasilija Surikowa, ówczesnego głównego malarza historycznego Rosji, znajduje odzwierciedlenie w twórczości średniego i późny okres- „Zdobycie zaśnieżonego miasta”, „Podbój Syberii przez Ermaka”, „Przeprawa Suworowa przez Alpy” i „Stepan Razin”. Blisko - bajecznie - obrazy historyczne Wiktor Wasniecow. Tutaj wszyscy znają „Rycerza na rozdrożu” z dzieciństwa.

Kierując się znakami z napisem „Do budynku Benoisa”, przejdziemy przez przejście do tej oficyny do Pałacu Michajłowskiego i wejdziemy na drugie piętro, gdzie czeka na nas sztuka przełom XIX-XX wieki Panuje tu zupełnie inna atmosfera – nie ma luksusu pałacowych sal, a obrazy są zupełnie inne. Fantastyczne światy Michaiła Vrubela kontrastują ze spokojnymi, pełnymi idei harmonii między człowiekiem, naturą i Wiara prawosławna z obrazami Michaiła Niestierowa, pierwszymi próbami rosyjskiego impresjonisty Konstantina Korovina - z filozoficznymi obrazami „największego intuicjonisty stulecia” (zgodnie z definicją Gorkiego) Mikołaj Roerich.

Dwie sale zajmują prace Walentina Serowa - są to portrety (Księżniczka Orłowa, Ida Rubinstein, cykl dzieł poświęcony rodzinie książąt Jusupowa), pejzaże, obrazy historyczne („Piotr II i Carewna Elżbieta na polowaniu na psy”), szkice scenograficzne do spektaklu opery „Judyta”.

Artyści stowarzyszenia World of Art czerpali inspirację z romantycznego kultu przeszłości – sami w sztuka ludowa, baśnie, dzieje Rusi przedPiotrowej, inne - w „europeizmie”, rocaille-klasycystycznej epoce francuskiego oświecenia. Jest to wyraźnie widoczne w obrazach Aleksandra Benoisa, Konstantina Somowa, Leona Baksta, Mścisława Dobużyńskiego.

Modernistyczny kult wybitnie teatralnego, „nieziemskiego” piękna ostro oddzielił światowych artystów od rodzącej się rosyjskiej awangardy, mniej elegijnej i kontemplacyjnej, otwartej nie na przeszłość, ale na teraźniejszość i przyszłość. Zebrane w Muzeum Rosyjskim wyjątkowa kolekcja, w tym dzieła klasyków awangardy - nieobiektywne kompozycje Wassilego Kandinsky'ego, suprematystyczne obrazy Kazimierza Malewicza, malarstwo analityczne Pawła Filonowa.

W budynku Benois stale organizowane są ciekawe wystawy czasowe. Zwykle dzieje się to na pierwszym piętrze oraz w niektórych salach na drugim piętrze. Budynek Benois ma własne wejście z Kanału Gribojedowa, więc można tam dotrzeć bezpośrednio, omijając Pałac Michajłowski.

Dla gości

• Adres: ul.Inżenernaja, 4, Newski Prospekt.
• Zapytania tel. 595-42-48, automatyczna sekretarka 314-83-68.
• Otwarte codziennie oprócz wtorku od 10.00 do 18.00, w dni przedświąteczne do 17.00. Kasa biletowa zamykana jest godzinę wcześniej.
• Wejście - 200 rub., preferencyjne (rosyjscy uczniowie i emeryci)- 50 rubli, rosyjskie przedszkolaki i studenci - bezpłatnie. Dla obcokrajowców - 350 rubli, cudzoziemskich dzieci i studentów - 150 rubli.

Najbardziej jest Muzeum Rosyjskie wielkie spotkanie obrazy i rzeźby autorów krajowych. Ekspozycja muzeum mieści się w pięciu budynkach. Najważniejszą rzeczą jest Pałac Michajłowski.

W sumie muzeum posiada około 4 milionów eksponatów, a kolekcja obecnie stale się powiększa.

W murach muzeum prowadzone są szeroko zakrojone prace badawcze, odbywają się wykłady i seminaria dla dzieci i dorosłych.

Możesz wykupić subskrypcję.

Nawiasem mówiąc, to właśnie to muzeum mieszkańcy Petersburga kochają bardziej niż wszystkie inne. Nawet więcej niż.

Historia Muzeum Rosyjskiego

Państwowe Muzeum Rosyjskie stało się pierwszym miejscem w kraju, w którym przechowywane są dzieła największych rosyjskich malarzy i rzeźbiarzy.

Główny budynek muzeum, Pałac Michajłowski, został zbudowany dla najmłodszego syna Pawła I, Michaiła. Architektem był Carl Rossi. Po śmierci wielkiego księcia jego spadkobiercy sprzedali pałac skarbowi miejskiemu.

W 1895 roku, zgodnie z dekretem Mikołaja II, w budynku pałacowym utworzono Muzeum Rosyjskie imienia cesarza Aleksandra III. Tak rozpoczęła się chwalebna historia Muzeum Rosyjskiego.

Podstawą stałej kolekcji są obrazy należące niegdyś do Ermitażu, Akademii Sztuk i Pałacu Zimowego.

Część obrazów została zakupiona od prywatnych kolekcjonerów, część została podarowana przez mecenasów.

Cesarz Mikołaj II przeznaczył własne fundusze na zakup nowych eksponatów. W ciągu pierwszych dziesięciu lat zbiory niemal się podwoiły.

W latach rewolucji i wojny żaden z eksponatów nie uległ zniszczeniu. Część ewakuowano na Ural, część ukryto w podziemiach budynku.

W chwila obecna w budynku muzeum prace badawcze Dział renowacji mienia muzealnego uważany jest za najlepszy w Rosji. Przywożą tu dzieła sztuki z całego kraju, aby przywrócić im dawny wygląd.

Co warto wiedzieć o muzeum

Wszystkie obrazy Państwowego Muzeum Rosyjskiego zostały stworzone przez rosyjskich artystów(lub artystów mieszkających w Rosji) – od starożytnych ikon przedmongolskich (oczywiście autorstwa Andrieja Rublowa, Dionizego i Siemiona Uszakowa) po malarstwo drugiej połowy XIX wieku i sztukę współczesną.

W największych salach Pałacu Michajłowskiego prezentowane są obrazy członków Cesarskiej Akademii Sztuk, w mniejszych salach można zobaczyć obrazy Wędrowców (słynne obrazy Repina, Surikowa, Sawrasowa, Szyszkina, Wasnetsowa, Lewitana i tak dalej ).

W budynku Benois (aneks Pałacu Michajłowskiego) można podziwiać słynną rosyjską sztukę awangardową. Niestety na tym kończy się skład rosyjskiego muzeum.

Pracownicy muzeów często organizują wykłady, spotkania z historykami i ciekawymi ludźmi, współpracują z najlepszymi kolekcjami sztuki i nadzorują pracę około 700 muzeów w całej Rosji.

Informacje kontaktowe

Godziny otwarcia Muzeum Rosyjskiego: od 10 do 17, we wtorek jest zamknięte.

Jeśli boicie się kolejek, to lepiej nie jechać tam w poniedziałek. W tym dniu Ermitaż jest zamknięty i przybywają tu wszyscy turyści.

Lepiej przełożyć wizytę na czwartek i piątek.

Według pracowników muzeum obecnie przepływ turystów jest mniejszy.

Kolejna mała sztuczka: z boku budynku Benoit znajduje się kolejna kasa biletowa, o której z jakiegoś powodu mało kto o niej wie. Kolejka tam jest znacznie krótsza. Ale ekspozycję muzealną trzeba będzie oglądać w odwrotnej kolejności chronologicznej (czyli od artystów awangardowych po starożytne ikony).

Cena biletu dla dorosłych obywateli Federacji Rosyjskiej wynosi 250 rubli, dla studentów - 150 rubli.

Za 600 rubli. (preferencyjne – 300) można kupić bilet na trzy dni. Cena obejmuje zwiedzanie wszystkich pięciu budynków.

Niestety oficjalna strona Muzeum Rosyjskiego rusmuseum.ru nie jest zbyt pouczająca, nie ma też na niej rezerwacji biletów. Wszystkie wydarzenia z życia muzeum można znaleźć w grupie o tej samej nazwie „ VKontakte ».

Obrazy w Muzeum Rosyjskim

Kazimierz Malewicz, Autoportret

Czcigodny Sergiusz z Radoneża, Michaił Niestierow

Powód, Viggo Wallenskold

Kolacja, Ralph Goings

Matki Bożej Czułości złe serca, Pietrow-Wodkin

Bieganie, Aleksander Deineka

Starożytna ikona w zbiorach muzealnych. Został napisany prawdopodobnie w XII wieku. Jej autor nie jest znany, przypuszcza się, że powstał w Nowogrodzie. Swoją nazwę zawdzięcza temu, że każdy włos na obrazie został zaimpregnowany płatkami złota. Pojawił się w Muzeum Rosyjskim w 1934 roku, wcześniej skąd wędrował Muzeum Rumiancewa- do Historycznej, stamtąd - do Galerii Trietiakowskiej.

Najbardziej słynny obraz artysta Karl Bryullov, z którym nasz szkoła narodowa malarstwo. Wykopaliska w Pompejach rozpoczęły się właśnie w czasie, gdy Bryullov studiował we Włoszech. Dlatego wiele swoich szkiców czerpał z życia.

Jak później napisał Baratyński, „ostatni dzień Pompejów stał się pierwszym dniem rosyjskiego pędzla”. Ogromne, epickie płótno, malowane przez Bryulłowa przez trzy lata, stało się symbolem rodzącej się rosyjskiej szkoły malarstwa. Na wsi artystę dosłownie niesiono na rękach. A sam Mikołaj powiesił sam obraz w Akademii Sztuk Pięknych, żeby początkujący malarze wiedzieli, na czym się skupić.

Iwan Aiwazowski namalował setki obrazów przedstawiających morze, ten jest najbardziej znany. Majestatyczne żywioły morza, burza, morze i na tle tego wszystkiego – bezbronne ofiary wraków próbujące uciec na maszcie statku.

Talent Aiwazowskiego jest nadal znany na całym świecie, jego obrazy nie, nie i będą się pojawiać aukcje międzynarodowe, a słynny angielski malarz morski Turner, podziwiając naszego artystę, napisał pochwalny wiersz na jego cześć.

Jeden z najbardziej słynne obrazy artysta Wasniecow (wraz z „Alyonuszką” czy „Iwanem Carewiczem”). Artysta kilkakrotnie malował swojego rycerza. Początkowo widoczny był cały napis - usunął go. Rycerz początkowo stał twarzą do widza – odwrócił go, wyszło bardziej monumentalnie. Poza tym na zdjęciu była droga - Wasnetsow też ją usunął, żeby było bardziej beznadziejnie.

Do dziś „Vityaz” uważany jest za jeden z najlepszych Malarstwo rosyjskie na tematy baśniowe i kanoniczny obraz naszego malarstwa drugiej połowy XIX wieku wraz z obrazami Repina i Surikowa.

„Tak ci odpowiedzieli Kozacy, draniu. Nie będziecie nawet hodować świń dla chrześcijan. Na tym kończymy, bo nie znamy daty i nie mamy kalendarza, miesiąc jest na niebie, rok jest w księdze, a nasz dzień jest taki sam jak twój, za to pocałuj nas ! - dokładnie tak, według legendy, zakończył się list Kozaków Zaporoskich do tureckiego sułtana. Jej tekst dotarł do nas w formie spisów (kopii pisemnych) i przypuszcza się, że powstał w XVII wieku, kiedy sułtan turecki po raz kolejny zażądał od Kozaków zaprzestania ataków na Wzniosłą Portę i poddania się.

Kopię odnalazł jekaterynosławski historyk Nowicki, który przekazał ją swojemu koledze Jawornickiemu, który z kolei przeczytał ją swoim przyjaciołom, wśród których był artysta Ilja Repin. Fabuła tak go zainteresowała, że ​​wkrótce zdecydował się namalować na jej podstawie obraz. Sam Jawornicki pozował Repinowi jako wzór dla urzędnika. Artysta namalował Atamana Sirko od generał-gubernatora Kijowa Dragomirowa. A gruby, śmiejący się Kozak w czerwonym kaftanie i białym kapeluszu to pisarz Gilyarovsky.

Obraz uznano później za niewiarygodny historycznie (i było wiele skarg na sam list), ale ostatecznie jego sukces na wystawach (w tym za granicą) był tak ogromny, że ostatecznie obraz kupił sam cesarz Aleksander III i umieścił go w Muzeum Rosyjskie.

Główny monumentalny obraz historyczny krasnojarskiego artysty Wasilija Surikowa, dla którego udał się do Szwajcarii. Artysta skopiował samego dowódcę albo od nauczyciela miejscowego gimnazjum, albo od emerytowanego oficera kozackiego.

Przypadkowo okazało się, że jest to zamówienie rządowe: artysta namalował obraz z okazji 100. rocznicy wyprawy alpejskiej Suworowa w 1899 r., w wyniku czego tak spodobał się cesarzowi Mikołajowi II, że zakupił go dla Muzeum Rosyjskiego.

Jeden z kluczowych obrazów w twórczości artysty Vereshchagina, jeden z niewielu wystawionych w Muzeum Rosyjskim (większość kolekcji znajduje się w Galerii Trietiakowskiej). Artysta – jak zawsze z niewyobrażalną wówczas fotograficzną precyzją – stworzył prawdziwą historię godną najlepszych fotoreporterów naszych czasów. Luksusowe drzwi meczetu w Azji Środkowej, a przed nimi biedni, dla których ten bogaty świat jest zamknięty na zawsze.

Nawiasem mówiąc, jest to jeden z niewielu niemilitarnych obrazów Vereshchagina: zasłynął przede wszystkim jako malarz bitewny, odsłaniający okropności wojny z reporterskim spokojem: a w Azja Środkowa i na Bałkanach. Vereshchagin także zginął na wojnie: na pancerniku Pietropawłowsk w Port Arthur.

Niesamowita stylizacja starożytna fabuła artysta epoki secesji. Walentin Sierow, zainspirowany wykopaliskami na Krecie (gdzie według legendy Zeus w postaci byka podbił Europę), namalował nie tylko obraz, ale także duży panel dekoracyjny.

W Muzeum Rosyjskim znajduje się jeden z sześciu egzemplarzy obrazu. Duża wersja znajduje się w Państwowej Galerii Trietiakowskiej.

Jeden z najpotężniejszych obrazów poświęconych Wojna domowa. Dla Pietrowa-Wodkina śmierć jest pozbawiona patosu, jakiegokolwiek patosu. Umierający komisarz i trzymający go żołnierz nie mają na twarzach wyrazu bólu i gniewu, jedynie zmęczenie, obojętność, brak woli dalszego ruchu, podczas gdy reszta żołnierzy przy dźwiękach bębnów biegnie naprzód do walki.

Aleksander Deineka namalował ten obraz w 1942 roku, dosłownie zaraz po upadku Sewastopola. Pokazano mu zdjęcia zniszczonego miasta, a Deineka postanowił stworzyć duże, bohaterskie płótno o tych, którzy bronili Sewastopola. W rezultacie powstał nieco pretensjonalny, ale bardzo mocny emocjonalnie obraz odwagi i beznadziejności sytuacji tych, którzy za wszelką cenę postanowili się nie poddać.

Zdjęcie: Pavel Karavashkin, annaorion.com, echo.msk.ru, ttweak.livejournal.com, HelloPiter.ru, rusmuseumvrm.ru, kraeved1147.ru

Ostatni raz byłem w Muzeum Rosyjskim dawno temu, jeszcze w szkole. A teraz, prawie dwadzieścia lat później, byłem gotowy, aby tam pójść świadomie.

Zwykłemu Rosjaninowi okazało się, że wejście do Muzeum Rosyjskiego jest dość trudne. I z zupełnie banalnego powodu: zabrakło im numerów w szafie. Wejście blokowała surowa ciotka z walkie-talkie i wpuszczano tylko grupy wycieczkowe i obywateli z dziećmi. Po prawie godzinie stania i nie ruszania się, poszliśmy do desperacki krok- Publicznie przysięgali, że nawet nie spojrzą w stronę szafy. I oto, przepuścili nas.
Na przykład przy takiej organizacji linia do Muzeów Watykańskich przebiegałaby wokół Watykanu. Ale nie jesteśmy Watykanem, na zewnątrz nagle robi się zimno.

Aby móc robić zdjęcia w muzeum, aparat musiał kupić osobny bilet w tej samej cenie co ja – 250 rubli (wstęp dla obcokrajowców jest o sto rubli droższy).

Jestem osobą dalekią od sztuki, dlatego dla mnie głównym kryterium oceny jakiejkolwiek twórczości jest „lubię” (piękna) / „nie podoba mi się” (brzydka). Na przykład zupełnie nie podoba mi się zdjęcie tytułowe.
Poniżej pokażę co mi się spodobało.

K. Bryullowa. Ostatni dzień Pompejów. 1833.
Obraz, który zdaje się stał się kroniką dokumentalną wydarzenie historyczne. Jest ogromny i jeśli się zbliżysz, twój wzrok zatrzyma się na kamieniach chodnika, pokrytych popiołem, porozrzucanych przedmiotach pod stopami bohaterów - czego nie widać na ilustracjach. To znacznie dodaje realizmu temu, co się dzieje. Kiedy spacerowałem po Pompejach, absolutnie nie mogłem wyrzucić z głowy tego obrazu: czerwone niebo, wszystko się waliło, a postacie zamarły z przerażenia.

Wybuch Wezuwiusza na wielu zdjęciach elementy morskie Aiwazowski balansuje na przeciwległej ścianie sali.

Rosyjska eskadra na redzie Sewastopola. 1846.
Odpowiedni. Sądząc po wystawie muzealnej, Krym był ogólnie bardzo popularnym tematem dla rosyjskich artystów.

Fala. 1899.
Bardzo mały fragment obrazu z wzburzonym morzem, gdzie statek tonie w kącie, a marynarze na złamanym maszcie płyną niemal od krawędzi płótna bez szans na ratunek.

Ciekawe są pierwsze sale ze sztuką z początku XIX wieku, można w nich przesiedzieć pół dnia, na szczęście są sofy. Kolejne XVIII-wieczne pomieszczenia zaczynają już nieco męczyć portretami i wnętrzami pałacowymi.

Sufit:

Krata:


Walka zwierząt przy wodopoju. Fabryka Krat w Petersburgu. 1757.

Mozaika:


Fabryka Ust-Rudnitskaya M.V. Łomonosow. Portret Katarzyny II. 1762.
Podarowany cesarzowej z okazji jej koronacji.

Ostatnie sale piętra zajmują starożytna sztuka rosyjska, czyli ikonografia:


Wydaje mi się, że właśnie stąd czerpał inspirację M. Larionow.

Głowa Piotra - Brązowy jeździec na Wielkich Schodach.

V. Perow. Myśliwi w spoczynku. 1877.
Powtórz obrazek. Pierwsza wersja wisi w Galerii Trietiakowskiej.

I. Szyszkin. Znicz-trawa. Pargołowo. 1885.
Co zaskakujące - chwast na tle krzywego płotu i wiszący w Muzeum Rosyjskim. Żart.

A. Sawrasow. Odwilż. Jarosław. 1874.
Czas jechać do Jarosławia - w mojej geografii jest luka.

Trochę o obcych krajach na płótnach wielkoformatowych:


W. Smirnow. Śmierć Nerona. 1888.
Kobiety przybyły po zwłoki cesarza o skłonnościach samobójczych. Czerwona ściana jest jak główny bohater.

G. Semiradski. Fryne na święcie Posejdona w Eleusis. 1889.
O kobiecie, która wyobraża sobie, że jest boginią i dlatego publicznie się rozbiera. Bardzo słoneczny i pozytywny obraz.

W. Surikow:

Stary ogrodnik. 1882.
O nieumytej Rosji.

Widok na pomnik Piotra I Plac Senacki w Petersburgu. 1870.
O stolicy.

Przeprawa Suworowa przez Alpy. 1899.
Oświetlenie w niektórych salach muzeum jest zorganizowane w wyjątkowy sposób: obrazy błyszczą w nich tak, że po prostu nie są widoczne. Trzeba go studiować fragmentarycznie, zmieniając kąt widzenia.

Przejazd przez zaśnieżone miasto i rzekę, pomiędzy którymi widać kolumnadę Sali Okrągłej Pałacu Maryjskiego.

Wspaniałe obrazy I. Repina:


Uroczyste posiedzenie Rady Państwa w dniu 7 maja 1901 r. z okazji setnej rocznicy jej powołania. 1903.
Przedstawiono 81 osób, z których każda pozowała indywidualnie. Jak udało mu się tak ułożyć kompozycję, żeby nikt nie wypadł? Mikołaj II siedzi pod portretem Mikołaja II pędzla Repina. Rekurencja.

Naprzeciwko obrazu wisi kolejny portret Mikołaja:

Portret Mikołaja II. 1896.

Kozacy piszą list do tureckiego sułtana. 1891. Prawidłowy białoruski. 1892, lewy Portret S. M. Dragomirovej. 1889.

Przewoźnicy barek na Wołdze. 1873.
Fragment bezpośrednio z przewoźnikami barek - bardzo barwne postacie.

Podsumowując temat Repina:


Czarna kobieta. 1876.

Na ławce na murawie. 1876.

A. Kuindzhi:


Morze. Krym. 1908.

Noc. 1908.

Duma o losach Rosji:


M. Antokolski. Mefistofeles. 1883.

Kosiarka:


G. Myasojedow. Czas pasji (kosiarki). 1887. Fragment.

Przyglądanie się szczegółom obrazów, których bohaterem jest scena, jest zawsze interesujące prawdziwe życie odległa i nie tak odległa przeszłość, dzieje się jakaś akcja, dużo ludzi:

K. Sawicki. Na wojnę. 1888.
Odprowadzanie żołnierzy do Bułgarów, którzy dla nas zwyciężają Wojna rosyjsko-turecka 1877-1878.

K. Makowskiego. Przeniesienie świętego dywanu do Kairu. 1876.
O spotkaniu pielgrzymów z pielgrzymki. Wrażenia turysty z wizyty w Egipcie były wcześniej wyraźnie ciekawsze.

W. Polenow. Chrystus i grzesznik. 1888. Fragment z grzesznikiem i osłem. Osioł zdaje się nam mówić: „Teraz znowu ich ukamienują, ile się da”.

Zakończenie motywu orientalnego:


W. Wierieszczagin. U drzwi meczetu. 1873.
Wzór o fotograficznej jakości na drzwiach. Pomimo tego, że obraz jest prawie prawdziwa wartość, mimowolnie chciałam go dotknąć – czyż nie jest drewniany? Uwagę zwraca odcisk dłoni na ścianie. Nawiasem mówiąc, drzwi są trochę widoczne przez prawą figurę.

Inna wersja przemyśleń o losach Rosji od Antokolskiego:


Iwan Groźny. 1871.
Z jakiegoś powodu obok sklep z pamiątkami.

Odejdźmy trochę od malarstwa.
Sztuka ludowa:


Chochla. 1753.

Patchworkowa narzuta na łóżko.

„Mchy”. Początek XX wieku.
Ponure chłopskie zabawki Vyatka.

Lambrekin. Koniec XVIII V.
Skomplikowany wzór.

Cesarska/Państwowa/Leningradzka Fabryka Porcelany:


Lew. 1911.
Czy on naprawdę wygląda jak Lenin? Co on robi z prawą przednią łapą...

„Kto pracuje, ten je”.
Porcelana propagandowa z lat 20. XX w. jest po prostu piękna.

Serwis z ozdobami suprematystycznymi. 1932.

Kontynuujmy temat obrazów.
Rozpoczyna się wiek XX:


I. Lewitan. Jezioro. Rus. 1900. Fragment.
Ostatni, niedokończony obraz artysty.

K. Yuon. Wiosenny słoneczny dzień. Siergijew Posad. 1910.

M. Vrubel. Bogatyr. 1898.
Fragment z ptakiem.

M. Niestierow. Czcigodny Sergiusz z Radoneża. 1899.

W. Serow. Kąpanie konia. 1905.

B. Kustodiew. Żona kupca pije herbatę. 1918.

N. Gonczarowa. Rowerzysta. 1913.

P. Filonow. Formuła wiosny i siły aktywne. 1928.
Mały fragment.

W. Kupcow. ANT-20 „Maksym Gorki”. 1934.
Nad Strelką V.O., gdzie nigdy nie latał.
Największy samolot świata, zbudowany właśnie w 1934 roku, rozbije się rok później nad Moskwą podczas lotu demonstracyjnego z członkami rodzin producentów samolotów. A sześć miesięcy później Kupcow popełnił samobójstwo.

A. Samochwałow. Konduktorka. 1928.
Rosja Sowiecka taka jaka jest.

Robili sobie selfie na długo przed tym, zanim stało się to głównym nurtem:

K. Petrov-Vodkin. Autoportret. 1927.

L. Kirillova. Autoportret. 1974.

Znowu Krym:


A. Deineka. Obrona Sewastopola. 1942.

A to mniej więcej mój czas:


W. Owczinnikow. Gołębnik. 1979.

Ogólnie dobre muzeum. Podobało mi się.
______________________________

„Ostatni dzień Pompejów”, Karl Bryullov

„Ostatni dzień Pompejów” Karla Bryullova to najsłynniejszy obraz na świecie poświęcony erupcji Wezuwiusza.

Po wystawieniu obrazu w Mediolanie w 1833 roku Bryullov stał się we Włoszech obiektem fanatycznego kultu, jakiego od czasów renesansu nie spotkał w tym kraju żaden artysta. Kiedy szedł ulicą, przechodnie zdejmowali przed nim kapelusze, gdy wchodził do teatru, publiczność wstała. Tłumy ludzi zgromadziły się w pobliżu jego domu, chcąc pozdrowić swojego idola.

Co ciekawe, Bryullov wcielił się w jedną z postaci obrazu, a jego przyjaciółka, hrabina Julia Samoilova, pojawia się na płótnie trzykrotnie.

☼ ☼ ☼

„Dziewiąta fala”, I.K. Aiwazowski

Prawdziwe imię Iwana Konstantinowicza Aiwazowskiego to Hovhannes Gevorgovich Ayvazyan.

Do stworzenia obrazu „Dziewiąta fala” Aiwazowski użył tylko 4 kolorów - czerwonego, żółtego, zielonego i brązowego. Najbogatsze efekty kolorystyczne płótna powstają poprzez zmieszanie kolorów podstawowych.

Aiwazowski miał absolutną pamięć wzrokową i większość swoich obrazów stworzył bez życia, używając jedynie konwencjonalnych szkiców. Pracował tak szybko, że potrafił pisać widok na morześredniej wielkości w 2 godziny. W ciągu swojego życia artysta namalował ponad 6 tysięcy obrazów.

☼ ☼ ☼

„Kozacy piszą list do sułtana tureckiego”, I. E. Repin

Mało kto wie, że obraz „Kozacy piszący list do tureckiego sułtana” nie jest jedyny. Istnieją trzy wersje różniące się nieco składem i charakterem. Wersja z 1887 r. eksponowana jest w Galerii Trietiakowskiej, wersja z 1891 r. (główna) w Państwowym Muzeum Rosyjskim w Petersburgu. Trzeci, który artysta nazwał „najbardziej dokładnym historycznie”, znajduje się w ojczyźnie I.E. Repina w Muzeum Sztuki w Charkowie.

Jako modele sześciu postaci „Kozaków” Repin wykorzystał swoich znajomych i przyjaciół pasujących do tego typu. W szczególności tęgi Kozak w białym kapeluszu, którego wielu porównuje do Tarasa Bulby, to Władimir Gilyarovsky („Wujek Gilyai”), słynny podróżnik i pisarz.

☼ ☼ ☼

„Sadko”, tj. Repin

„Sadko” to jedyny obraz Repina fabuła bajki i jeden z nielicznych, w którym zastosował techniki impresjonistyczne. Artysta zetknął się z impresjonizmem we Francji, dokąd podróżował jako emeryt Akademii Sztuk. Repin namalował nawet kilka obrazów swoimi technikami („Sadko”, „Ostatni promień” itp.), Ale wynik nie zadowolił mistrza nowicjusza. I choć przewidywano, że odniesie ogromny sukces w kręgach impresjonistów, zdecydowanie porzucił styl, który uważał za „ciekawy z technicznego punktu widzenia, ale zdecydowanie pusty w znaczeniu”.

Wzorem kreowania wizerunku Sadko był przyjaciel I. E. Repina, artysta V. M. Vasnetsov (autor „Bogatyrów”, „Alyonushki” itp.)

☼ ☼ ☼

„Rycerz na rozdrożu”, V.M. Wasnetsow

Powstały trzy obrazy „Rycerz na rozdrożu”. W pierwszych dwóch wersjach bohater ustawiony jest twarzą do publiczności. Wersja z 1878 r. przechowywana jest w Muzeum Historyczno-Artystycznym w Serpuchowie. Wersja z 1879 r. była eksponowana na pierwszej wystawie Związku Artystów Rosyjskich w latach 1903–1904. i został nabyty przez amerykańskiego kolekcjonera. 110 lat później, w 2013 roku, obraz powrócił do Rosji i został zaprezentowany w Moskwie na wernisażu „Rosja: Kuszenie historii”. Wersję z 1882 r., w której rycerz jest zwrócony tyłem do publiczności, można oglądać w Państwowym Muzeum Rosyjskim.

☼ ☼ ☼

„Księżycowa noc nad Dnieprem”, A. I. Kuindzhi

W 1880 r. w Petersburgu odbyła się wystawa, na której wystawiono jeden obraz. Niemniej jednak wywołało to sensację, do wystawy ustawiały się kolejki, a wielu zwiedzających przychodziło obejrzeć obraz więcej niż raz. Była to „Księżycowa noc nad Dnieprem” Arkhipa Iwanowicza Kuindzhiego. Niezwykły księżycowy blask przedstawiony na płótnie został podkreślony przez fakt, że obraz był eksponowany w ciemnym pomieszczeniu. Wielu zwiedzających nie wierzyło, że można tak realistycznie namalować światło księżyca i zaglądało za ramę w poszukiwaniu ukrytej żarówki.

☼ ☼ ☼

„Przeprawa Suworowa przez Alpy”, V. I. Surikow

Po wymyśleniu obrazu „Przeprawa Suworowa przez Alpy” V.I. Surikow udał się do Szwajcarii i odwiedził wszystkie przełęcze, przez które w 1799 r. przeszła armia słynnego generalissimusa. Nie tylko pisał szkice krajobrazowe w tych miejscach przyszłe malarstwo, ale także tarzał się po śniegu i lodzie, wyznaczając prędkość postaci na różnych etapach zejścia.

Obraz namalowano i wystawiono w 1899 roku – w 100. rocznicę bezprecedensowego wydarzenia wyczyn wojskowy A. Suworow.

Znani reżyserzy Andriej Konczałowski i Nikita Michałkow są bezpośrednimi potomkami V.I. Surikow.

Jeśli znajdziesz literówkę lub błąd, zaznacz zawierający ją fragment tekstu i naciśnij Ctrl + ↵