Cytuj wiadomość Najsłynniejsze i najbardziej znaczące obrazy świata dla historii sztuki. | 33 arcydzieła malarstwa światowego.

Pod obrazami z artystami, do których należą, znajdują się linki do postów.

Miliony ludzi podziwiają nieśmiertelne obrazy wielkich artystów. Sztuka, zarówno klasyczna, jak i nowoczesna, jest jednym z głównych źródeł inspiracji, smaku i edukacji kulturalnej każdego człowieka, a nawet bardziej kreatywnego.
Obrazów światowej sławy jest z pewnością więcej niż 33. Jest ich kilkaset i nie wszystkie zmieściłyby się w jednej recenzji. Dlatego dla wygody oglądania wybraliśmy kilka obrazów najbardziej znaczących dla kultury światowej i często kopiowanych w reklamach. Każdej pracy towarzyszy interesujący fakt, wyjaśnienie znaczenia artystycznego lub historii jego powstania.

Przechowywany w Galerii Starych Mistrzów w Dreźnie.

Obraz ma mała tajemnica: tło, które z daleka wydaje się chmurami, po bliższym przyjrzeniu się okazuje się głowami aniołów. A dwa anioły przedstawione na poniższym obrazku stały się motywem licznych pocztówek i plakatów.

Rembrandt „Straż nocna” 1642
Przechowywany w Rijksmuseum w Amsterdamie.

Prawdziwa nazwa obrazu Rembrandta to „Występ kompanii strzeleckiej kapitana Fransa Banninga Cocka i porucznika Willema van Ruytenburga”. Krytycy sztuki, którzy odkryli obraz w XIX wieku, uważali, że postacie stoją na ciemnym tle i nazwano go „ Nocna straż”. Później odkryto, że ciemny obraz tworzy warstwę sadzy, a akcja faktycznie toczy się w ciągu dnia. Jednak obraz wszedł już do skarbca sztuki światowej pod nazwą „Straż nocna”.

Leonardo da Vinci „Ostatnia Wieczerza” 1495-1498
Znajduje się w klasztorze Santa Maria delle Grazie w Mediolanie.

W ciągu ponad 500-letniej historii istnienia dzieła fresk był wielokrotnie niszczony: przez obraz wykonano drzwi, a następnie ułożono drzwi, wykorzystano refektarz klasztoru, w którym znajduje się obraz jako zbrojownia, więzienie i bombardowanie. Słynny fresk był odnawiany co najmniej pięć razy, a ostatnia renowacja trwała 21 lat. Dziś, aby obejrzeć dzieło sztuki, zwiedzający muszą wcześniej zarezerwować bilety i mogą spędzić tylko 15 minut w refektarzu.

Salvador Dali „Trwałość pamięci” 1931

Według samego autora obraz powstał w wyniku skojarzeń, które powstały w Dali na widok przetworzonego sera. Wracając z kina, do którego poszła tego wieczoru, Gala całkiem słusznie przewidziała, że ​​nikt, kto raz zobaczył „Trwałość pamięci”, tego nie zapomni.

Pieter Bruegel Starszy Wieża Babel 1563
Przechowywany w Kunsthistorisches Museum w Wiedniu.

Według Bruegla, niepowodzenie, które spadło na budowę Wieży Babel, nie jest przyczyną nagłego powstania według biblijna historia bariery językowe oraz błędy popełnione podczas procesu budowy. Na pierwszy rzut oka ogromny budynek wydaje się wystarczająco solidny, ale po bliższym przyjrzeniu się widać, że wszystkie kondygnacje są ułożone nierówno, dolne piętra albo są niedokończone, albo już się zapadają, sam budynek przechyla się w stronę miasta, a perspektywy bo cały projekt jest bardzo smutny.

Kazimierz Malewicz „Czarny kwadrat” 1915

Według artysty malował obraz przez kilka miesięcy. Następnie Malewicz wykonał kilka kopii „Czarnego kwadratu” (według niektórych źródeł siedem). Według jednej wersji artysta nie był w stanie ukończyć pracy nad obrazem w odpowiednim czasie, więc musiał pokryć pracę czarną farbą. Następnie, po uznaniu publiczności, Malewicz namalował nowe „Czarne kwadraty” już na czystych płótnach. Malewicz namalował także obrazy „Plac Czerwony” (dwie kopie) i jeden „Kwadrat Biały”.

Kuzma Siergiejewicz Pietrow-Wodkin „Kąpiel czerwonego konia” 1912
Znajduje się w Państwowej Galerii Trietiakowskiej w Moskwie.

Namalowany w 1912 roku obraz okazał się wizjonerem. Czerwony koń pełni rolę Przeznaczenia Rosji lub samej Rosji, którego delikatny i młody jeździec nie jest w stanie utrzymać. w ten sposób artysta symbolicznie przewidział swoim obrazem „czerwony” los Rosji w XX wieku.

Peter Paul Rubens „Gwałt córek Leucypa” 1617-1618
Przechowywany w Alte Pinakothek w Monachium.

Obraz „Uprowadzenie córek Leucypa” uważany jest za uosobienie odważnej namiętności i piękna ciała. Silne, muskularne ramiona młodych mężczyzn podnoszą młode nagie kobiety, aby wsadzić je na konie. Synowie Zeusa i Ledy kradną narzeczone ich kuzynów.

Paul Gauguin „Skąd pochodzimy? Kim jesteśmy? Gdzie idziemy?" 1898
Przechowywany w Muzeum Sztuk Pięknych w Bostonie.

Pod kierunkiem samego Gauguina obraz należy czytać od prawej do lewej – trzy główne grupy figur ilustrują pytania postawione w tytule. Trzy kobiety z dzieckiem to początek życia; grupa środkowa symbolizuje codzienne istnienie dojrzałości; w końcowej grupie, zdaniem artysty, „stara kobieta zbliżająca się do śmierci wydaje się pojednana i oddana swoim myślom”, u jej stóp „dziwny biały ptak… reprezentuje bezsens słów”.

Eugene Delacroix „Wolność prowadząca lud” 1830
Przechowywane w Luwrze w Paryżu

Delacroix stworzył obraz oparty na rewolucji lipcowej 1830 we Francji. W liście do brata z 12 października 1830 r. Delacroix pisze: „Jeżeli nie walczyłem o Ojczyznę, to przynajmniej będę dla niej pisał”. Naga klatka piersiowa kobiety prowadzącej lud symbolizuje bezinteresowność ówczesnych Francuzów, którzy z „ goła klatka piersiowa' udał się do wroga.

Wrażenie Claude'a Moneta. Wschodzące słońce" 1872
Przechowywany w Musée Marmottan w Paryżu.

Tytuł utworu to „Impression, soleil levant” z lekka ręka dziennikarz L. Leroy stał się nazwiskiem kierunek artystyczny"impresjonizm". Obraz został namalowany z natury w starym porcie Le Havre we Francji.

Jan Vermeer „Dziewczyna z perłą” 1665
Przechowywany w Galerii Mauritshuis w Hadze.

Jeden z najsłynniejszych obrazów Holenderski artysta Jan Vermeer jest często określany jako północna lub holenderska Mona Lisa. Niewiele wiadomo o obrazie: nie jest datowany, imię przedstawianej dziewczyny nie jest znane. W 2003 roku na podstawie powieści Tracey Chevalier o tym samym tytule został nakręcony Film fabularny„Dziewczyna z perłą”, w której historia powstania płótna jest hipotetycznie odtworzona w kontekście biografii i życia rodzinnego Vermeera.

Iwan Aiwazowski „Dziewiąta fala” 1850
Przechowywany w Petersburgu w Państwowym Muzeum Rosyjskim.

Ivan Aivazovsky jest światowej sławy rosyjskim malarzem marynistycznym, który poświęcił swoje życie przedstawianiu morza. Stworzył około sześciu tysięcy prac, z których każda zyskała uznanie za życia artysty. Obraz „Dziewiąta fala” znajduje się w książce „100 wielkich obrazów”.

Andriej Rublow „Trójca” 1425-1427

Ikona Trójcy Świętej, namalowana przez Andrieja Rublowa w XV wieku, jest jedną z najsłynniejszych ikon rosyjskich. Ikona to tablica w formacie pionowym. Carowie (Iwan Groźny, Borys Godunow, Michaił Fiodorowicz) „pokryli” ikonę złotem, srebrem i kamienie szlachetne. Dziś pensja jest przechowywana w Państwowym Muzeum-Rezerwacie Sergiewa Posada.

Michaił Vrubel „Siedzący demon” 1890
Przechowywany w Galerii Trietiakowskiej w Moskwie.

Fabuła obrazu inspirowana jest wierszem Lermontowa „Demon”. Demon - obraz mocy dusza ludzka, walka wewnętrzna, wątpić. Tragicznie składając ręce, Demon siedzi ze smutnymi, ogromnymi oczami skierowanymi w dal, otoczony niespotykanymi kwiatami.

William Blake „Wielki Architekt” 1794
Przechowywany w British Museum w Londynie.

Nazwa obrazu „Starożytny” dosłownie tłumaczy się z angielskiego jako „Ancient of Days”. To wyrażenie zostało użyte jako imię Boga. Główny bohater obrazy - Bóg w momencie stworzenia, który nie ustanawia porządku, ale ogranicza wolność i wyznacza granice wyobraźni.

Edouard Manet „Bar w Folies Bergère” 1882
Przechowywany w Courtauld Institute of Art w Londynie.

Folies Bergère to pokaz odmian i kabaret w Paryżu. Manet bywał w Folies Bergère i namalował ten obraz, jego ostatni przed śmiercią w 1883 roku. Za barem, pośród tłumu pijących, jedzących, rozmawiających i palących, barmanka pochłonięta własnymi myślami, obserwująca akrobatę na trapezie, którą widać w lewym górnym rogu obrazu.

Tycjan „Miłość ziemska i miłość niebiańska” 1515-1516
Przechowywany w Galerii Borghese w Rzymie.

Warto zauważyć, że współczesna nazwa obrazu nie została podana przez samego artystę, ale zaczęła być używana dopiero dwa wieki później. Do tego czasu obraz nosił różne tytuły: „Piękno upiększone i nieozdobione” (1613), „Trzy rodzaje miłości” (1650), „Boskie i towarzyskie kobiety„(1700), a na koniec „Miłość ziemska i miłość niebiańska” (1792 i 1833).

Michaił Niestierow „Wizja do młodości Bartłomieja” 1889-1890
Przechowywany w Państwowej Galerii Trietiakowskiej w Moskwie.

Pierwsza i najważniejsza praca z cyklu poświęconego Sergiuszowi z Radoneża. Do końca życia artysta był przekonany, że „Wizja młodego Bartłomieja” jest jego najlepszym dziełem. Artysta na starość lubił powtarzać: „Nie będę żył. "Młody Bartłomiej" będzie żył. Teraz, jeśli za trzydzieści, pięćdziesiąt lat po mojej śmierci będzie jeszcze coś ludziom mówił, to żyje, to ja też żyję.

Pieter Brueghel Starszy „Przypowieść o niewidomych” 1568
Przechowywany w Muzeum Capodimonte w Neapolu.

Inne nazwy obrazu to „Niewidomy”, „Parabola niewidomych”, „Niewidomy prowadzący ślepych”. Uważa się, że fabuła obrazu opiera się na biblijnej przypowieści o niewidomych: „Jeśli niewidomy poprowadzi niewidomego, obaj wpadną do dołu”.

Wiktor Wasniecow „Alyonushka” 1881
Przechowywany w Państwowej Galerii Trietiakowskiej.

Podstawą jest bajka „O siostrze Alyonushce i bracie Iwanushce”. Początkowo obraz Wasniecowa nosił nazwę „Głupca Alyonushka”. Sieroty nazywano wówczas „głupcami”. „Alyonushka”, powiedział później sam artysta, „jakby żyła w mojej głowie przez długi czas, ale w rzeczywistości widziałem ją w Achtyrce, kiedy spotkałem jedną dziewczynę o prostych włosach, która uderzyła w moją wyobraźnię. W jej oczach było tyle tęsknoty, samotności i czysto rosyjskiego smutku... Emanował z niej jakiś szczególny rosyjski duch.

Vincent van Gogh Gwiaździsta noc 1889
Przechowywany w Museum of Modern Art w Nowym Jorku.

W przeciwieństwie do większości obrazów artysty ” Gwiezdna noc został napisany z pamięci. Van Gogh był w tym czasie w szpitalu Saint-Remy, dręczony napadami szaleństwa.

Karl Bryullov „Ostatni dzień Pompejów” 1830-1833
Przechowywany w Państwowym Muzeum Rosyjskim w Petersburgu.

Obraz przedstawia słynną erupcję Wezuwiusza w 79 roku n.e. mi. i zniszczenie miasta Pompeje w pobliżu Neapolu. Wizerunek artysty w lewym rogu obrazu to autoportret autora.

Pablo Picasso „Dziewczyna na balu” 1905
Przechowywany w Muzeum Puszkina w Moskwie

Obraz trafił do Rosji za sprawą przemysłowca Iwana Abramowicza Morozowa, który kupił go w 1913 roku za 16 000 franków. W 1918 r. znacjonalizowano osobistą kolekcję I. A. Morozowa. W ten moment obraz znajduje się w zbiorach Państwowego Muzeum Sztuk Pięknych im. A.S. Puszkina.

Leonardo da Vinci Madonna Litta 1491

Przechowywany w Ermitażu w Petersburgu.

Oryginalny tytuł obrazu to Madonna z Dzieciątkiem. Nowoczesna nazwa Obraz pochodzi od imienia jego właściciela, hrabiego Litty, właściciela rodzinnej galerii sztuki w Mediolanie. Przypuszcza się, że postać dziecka nie została namalowana przez Leonarda da Vinci, ale należy do pędzla jednego z jego uczniów. Świadczy o tym niezwykła jak na autora postawa dziecka.

Jean Ingres „Łaźnie tureckie” 1862
Przechowywany w Luwrze w Paryżu.

Ingres skończył malować ten obraz, gdy miał już ponad 80 lat. Tym obrazem artysta podsumowuje osobliwy rezultat wizerunku kąpiących się, którego tematyka od dawna jest obecna w jego twórczości. Początkowo płótno miało kształt kwadratu, ale rok po jego zakończeniu artysta zamienił je w okrągły obraz - tondo.

Ivan Shishkin, Konstantin Savitsky „Poranek w sosnowym lesie” 1889
Przechowywany w Galerii Trietiakowskiej w Moskwie

„Rano w Las sosnowy”- obraz rosyjskich artystów Iwana Szyszkina i Konstantina Sawitskiego. Sawicki malował niedźwiedzie, ale kolekcjoner Paweł Tretiakow, kiedy nabył obraz, usunął swój podpis, więc teraz tylko Shishkin jest wskazany jako autor obrazu.

Michaił Vrubel „Księżniczka łabędzia” 1900
Przechowywany w Państwowej Galerii Trietiakowskiej

Obraz oparty jest na obraz sceniczny bohaterki opery N. A. Rimskiego-Korsakowa „Opowieść o carze Saltanie” według fabuły bajka o tej samej nazwie A. S. Puszkin. Vrubel stworzył szkice scenografii i kostiumów do premiery opery w 1900 roku, a jego żona zaśpiewała rolę Księżniczki Łabędziej.

Giuseppe Arcimboldo „Portret cesarza Rudolfa II jako Vertumn” 1590
Znajduje się w Zamku Skokloster w Sztokholmie.

Jedno z nielicznych zachowanych dzieł artysty, który wykonywał portrety z owoców, warzyw, kwiatów, skorupiaków, ryb, pereł, instrumentów muzycznych i innych, książek i tak dalej. „Vertumnus” to portret cesarza, przedstawianego jako starożytny rzymski bóg pór roku, roślinności i przemiany. Na zdjęciu Rudolph składa się wyłącznie z owoców, kwiatów i warzyw.

Edgar Degas Niebiescy Tancerze 1897
Znajduje się w Muzeum Sztuki. A. S. Puszkina w Moskwie.

Mona Lisa mogłaby nie zyskałaby światowej sławy, gdyby nie została skradziona w 1911 roku przez pracownika Luwru. Obraz znaleziono dwa lata później we Włoszech: złodziej odpowiedział na ogłoszenie w gazecie i zaproponował sprzedaż Giocondy dyrektorowi Galerii Uffizi. Przez cały ten czas, gdy trwało śledztwo, Mona Lisa nie opuszczała okładek gazet i czasopism na całym świecie, stając się obiektem kopiowania i kultu.

Sandro Botticelli „Narodziny Wenus” 1486
Przechowywane we Florencji w Galerii Uffizi

Obraz ilustruje mit o narodzinach Afrodyty. Naga bogini unosi się na brzeg w otwartej muszli, napędzana wiatrem. Po lewej stronie obrazu Zefir (wiatr zachodni), w ramionach swojej żony Chloridy, wieje na muszli, tworząc wiatr pełen kwiatów. Na brzegu bogini spotyka jedną z łask. Narodziny Wenus są dobrze zachowane dzięki temu, że Botticelli nałożył na obraz ochronną warstwę żółtka jaja.

...
Część 21 -
Część 22 -
Część 23 -

Dziś przedstawiamy Państwu dwadzieścia obrazów godnych uwagi i uznania. Obrazy te zostały namalowane przez znanych artystów i powinny być znane nie tylko osobie zajmującej się sztuką, ale także zwykłym śmiertelnikom, ponieważ sztuka maluje nasze życie, estetyka pogłębia nasze spojrzenie na świat. Daj sztuce należne jej miejsce w swoim życiu...

1. „Ostatnia Wieczerza”. Leonardo Da Vinci, 1495 - 1498

Monumentalny obraz Leonarda da Vinci przedstawiający scenę ostatniego posiłku Chrystusa z uczniami. Utworzony w latach 1495-1498 w klasztorze Dominikanów Santa Maria delle Grazie w Mediolanie.

Obraz powstał na zamówienie Leonarda u swego patrona księcia Lodovico Sforzy i jego żony Beatrice d'Este. Na lunetach nad obrazem, utworzonym przez strop o trzech łukach, namalowany jest herb Sforzów. Malowanie rozpoczęto w 1495 i ukończono w 1498; praca była przerywana. Data rozpoczęcia prac nie jest dokładna, ponieważ „archiwum klasztoru uległo zniszczeniu, a znikoma część dokumentów, które datujemy na rok 1497, kiedy obraz był prawie ukończony”.

Obraz stał się kamieniem milowym w dziejach renesansu: prawidłowo oddana głębia perspektywy zmieniła kierunek rozwoju malarstwa zachodniego.

Uważa się, że w tym obrazie kryje się wiele tajemnic i wskazówek - na przykład zakłada się, że wizerunki Jezusa i Judasza są spisane od jednej osoby. Kiedy Da Vinci malował obraz, w swojej wizji Jezus uosabiał dobro, podczas gdy Judasz był czystym złem. A kiedy mistrz odnalazł „swojego Judasza” (pijaka z ulicy), okazało się, że według historyków ten pijak posłużył jako pierwowzór do namalowania wizerunku Jezusa kilka lat wcześniej. Można więc powiedzieć, że na tym zdjęciu uchwycono osobę w różne okresy jego życie.

2. „Słoneczniki”. Vincent van Gogh, 1887

Nazwa dwóch cykli obrazów holenderskiego artysty Vincenta van Gogha. Pierwsza seria powstała w Paryżu w 1887 roku. Dedykowany jest do kwiatów leżących. Druga seria została ukończona rok później w Arles. Przedstawia bukiet słoneczników w wazonie. Dwa paryskie obrazy zostały nabyte przez przyjaciela van Gogha, Paula Gauguina.

Słoneczniki artysta malował jedenaście razy. Pierwsze cztery obrazy powstały w Paryżu w sierpniu-wrześniu 1887 roku. Duże kwiaty cięte leżą jak jakieś dziwne stworzenia umierające na naszych oczach.

3. „Dziewiąta fala”. Iwan Konstantinowicz Aiwazowski?, 1850.

Jeden z najsłynniejszych obrazów rosyjskiego malarza morskiego Iwana Ajwazowskiego jest przechowywany w Muzeum Rosyjskim.

Malarz przedstawia morze po najsilniejszym nocnym sztormie i rozbitków. Promienie słońca oświetlają ogromne fale. Największy z nich - dziewiąty szyb - gotowy jest spaść na ludzi próbujących uciec na wrak masztu.

Pomimo tego, że statek jest zniszczony i pozostał tylko maszt, ludzie na maszcie żyją i nadal walczą z żywiołami. Ciepła tonacja obrazu sprawia, że ​​morze nie jest tak surowe i daje widzowi nadzieję, że ludzie zostaną uratowani.

Stworzony w 1850 roku obraz „Dziewiąta fala” natychmiast stał się najbardziej znanym ze wszystkich jego przystani i został przejęty przez Mikołaja I.

4. „Naga Maja”. Francisco Goya, 1797-1800

Obraz hiszpańskiego artysty Francisco Goya, namalowany około 1797-1800. Pasuje do obrazu „Maja ubrana” (La maja vestida). Malowidła przedstawiają Maję - hiszpańską mieszczankę z XVIII-XIX wieku, jeden z ulubionych przez artystę obiektów obrazu. „Naga Maja” jest jedną z wczesne prace Sztuka zachodnia przedstawiająca całkowicie nagą kobietę bez mitologicznych lub negatywnych konotacji.

5. „Lot kochanków”. Marc Chagall, 1914-1918

Prace nad obrazem „Nad miastem” rozpoczęły się w 1914 roku, a mistrz zastosował wykończenie dopiero w 1918 roku. W tym czasie Bella z ukochanej przekształciła się nie tylko w uwielbianą małżonkę, ale także w matkę ich córki Idy, stając się na zawsze główną muzą malarza. Związek bogatej córki dziedzicznego jubilera i prostego żydowskiego młodzieńca, którego ojciec utrzymywał się z rozładunku śledzi, można nazwać tylko mezaliansem, ale miłość była silniejsza i przezwyciężyła wszelkie konwenanse. To właśnie ta miłość ich zainspirowała, wznosząc ich do nieba.

Karina przedstawia dwie miłości Chagalla jednocześnie - Bellę i drogi Witebsk. Ulice prezentowane są w formie domów, oddzielonych wysokim ciemnym ogrodzeniem. Widz nie od razu zauważy kozę pasącą się po lewej stronie pośrodku obrazu, a na pierwszym planie prostego chłopa z opuszczonymi spodniami - humor malarza, uciekający przed kontekst ogólny i romantyczny nastrój dzieła, ale to cały Chagall…

6. „Oblicze wojny”. Salvador Dali, 1940

Obraz hiszpańskiego artysty Salvadora Dali, namalowany w 1940 roku.

Obraz powstał w drodze do USA. Pod wrażeniem tragedii, która wybuchła na świecie, krwiożerczości polityków, kapitan rozpoczyna pracę na statku. Znajduje się w Muzeum Boijmans-van Beuningen w Rotterdamie.

Straciwszy wszelką nadzieję na normalne życie w Europie artysta z ukochanego Paryża wyjeżdża do Ameryki. Wojna obejmuje Stary Świat i dąży do przejęcia reszty świata. Mistrz jeszcze nie wie, że ośmioletnie przebywanie w Nowym Świecie przyniesie mu prawdziwą sławę, a jego prace – arcydzieła sztuki światowej.

7. „Krzyk”. Edvard Munch, 1893

Krzyk (norweski Skrik) to seria obrazów stworzonych w latach 1893-1910 przez norweskiego malarza ekspresjonistę Edvarda Muncha. Przedstawiają ludzką postać krzyczącą z rozpaczy na krwistoczerwonym niebie i bardzo uogólnionym tle krajobrazu. W 1895 Munch stworzył litografię na ten sam temat.

Czerwone, ogniste, gorące niebo pokryło zimny fiord, co z kolei rodzi fantastyczny cień, podobny do jakiegoś morskiego potwora. Napięcie zniekształca przestrzeń, załamują się linie, kolory się nie zgadzają, perspektywa zostaje zniszczona.

Wielu krytyków uważa, że ​​fabuła obrazu jest owocem chorej fantazji osoby chorej psychicznie. Ktoś widzi w pracy przeczucie katastrofy ekologicznej, ktoś rozwiązuje pytanie, jaka mumia zainspirowała autora do wykonania tej pracy.

8. „Dziewczyna z perłą”. Jan Vermeer, 1665

Obraz „Dziewczyna z perłą” (hol. „Het meisje met de parel”) powstał około 1665 roku. W dany czas przechowywany w Muzeum Mauritshuis w Hadze w Holandii i jest karta telefoniczna muzeum. Obraz, nazywany holenderską Mona Lisą lub Mona Lisą z Północy, jest napisany w gatunku Tronie.

Dzięki filmowi z 2003 roku Dziewczyna z perłą Petera Webbera ogromna liczba osób, które są dalekie od malarstwa, dowiedziała się o wspaniałym holenderskim artyście Janie Vermeerze, a także o jego najsłynniejszym obrazie Dziewczyna z perłą.

9. „Wieża Babel”. Pietera Bruegla, 1563

Słynny obraz Pietera Bruegla. Artysta stworzył co najmniej dwa obrazy na ten temat.

Obraz znajduje się w Kunsthistorisches Museum w Wiedniu.

W Biblii znajduje się opowieść o tym, jak mieszkańcy Babilonu próbowali budować wysoka wieża dotrzeć do nieba, ale Bóg sprawił, że mówili różnymi językami, przestali się rozumieć, a wieża pozostała niedokończona.

10. „Kobiety algierskie”. Pablo Picasso, 1955

„Kobiety Algierii” – cykl 15 obrazów stworzonych przez Picassa w latach 1954-1955 na podstawie obrazów Eugeniusza Delacroix; obrazy wyróżniają litery nadane przez artystę od A do O. „Wersja O” została napisana 14 lutego 1955; przez pewien czas należał do słynnego amerykańskiego kolekcjonera sztuki XX wieku Victora Ganza.

„Kobiety z Algieru (wersja O)” Pabla Picassa sprzedano za 180 milionów dolarów.

11. „Nowa planeta”. Konstantin Yuon, 1921

Rosyjski malarz radziecki, mistrz pejzażu, artysta teatralny teoretyk sztuki. Akademik Akademii Sztuk ZSRR. Artysta ludowy ZSRR. Laureat Nagroda Stalina pierwszy stopień. Członek KPZR od 1951 r.

Ten niesamowity, stworzony w 1921 roku i wcale nie typowy dla realistycznego artysty Yuona obraz „Nowa planeta” jest jednym z najjaśniejszych dzieł, które ucieleśnia obraz zmian, jakie nastąpiły w drugiej dekadzie XX wieku. Rewolucja Październikowa. Nowy system, nowy sposób i nowy wygląd myślenie o nowo powstającym społeczeństwie sowieckim. Co teraz czeka ludzkość? Świetlana przyszłość? Wtedy o tym nie myśleli, ale co? sowiecka Rosja a cały świat wkracza w erę zmian, podobnie jak szybkie narodziny nowej planety.

12. „Madonna Sykstyńska”. Rafał Santi, 1754 r

Obraz Rafaela, który od 1754 roku znajduje się w Galerii Starych Mistrzów w Dreźnie. Należy do powszechnie uznanych szczytów wysokiego renesansu.

Ogromny rozmiar (265×196 cm, na co wskazuje rozmiar obrazu w katalogu) Galeria Drezno) płótno wykonał Rafael do ołtarza kościoła klasztoru św. Sykstusa w Piacenzie na zlecenie papieża Juliusza II. Istnieje hipoteza, że ​​obraz powstał w latach 1512-1513 na cześć zwycięstwa nad Francuzami, którzy najechali Lombardię w czasie wojen włoskich, a następnie włączenia Piacenzy do Państwa Kościelnego.

13. „Skruszona Maria Magdalena”. Tycjan (Tiziano Vecellio), namalowany około 1565

Obraz namalowany około 1565 roku przez włoskiego artystę Tycjana Vecellio. Należy do Państwowego Muzeum Ermitażu w Petersburgu. Czasami data powstania podawana jest jako „lata 60-te”.

Modelką obrazu była Giulia Festina, która uderzyła artystę szokiem złotych włosów. Gotowe płótno wywarło ogromne wrażenie na księciu Gonzaga i postanowił zamówić jego kopię. Później Tycjan, zmieniając tło i pozując kobiety, namalował jeszcze kilka podobnych prac.

14. Mona Lisa. Leonardo Da Vinci, 1503-1505

Portret pani Lisy del Giocondo, (ital. Ritratto di Monna Lisa del Giocondo) - obraz Leonarda da Vinci, znajdujący się w Luwrze (Paryż, Francja), jeden z najsłynniejszych obrazów na świecie, uważany za portret Lisy Gherardini, żony kupca jedwabiu z Florencji, Francesco del Giocondo, namalowany około 1503-1505 .

Według jednej z wysuniętych wersji „Mona Lisa” to autoportret artystki.

15. „Rano w sosnowym lesie”, Szyszkin Iwan Iwanowicz, 1889.

Malarstwo rosyjskich artystów Ivan Shishkin i Konstantin Savitsky. Sawicki namalował niedźwiedzie, ale kolekcjoner Paweł Tretiakow usunął swój podpis, więc jeden obraz jest często wymieniany jako autor.

Pomysł na obraz podsunął Szyszkinowi Sawicki, który później był współautorem i przedstawiał postacie młodych. Te niedźwiedzie, z pewnymi różnicami w postawie i liczbie (początkowo były dwa), pojawiają się w: rysunki przygotowawcze i szkice. Zwierzęta okazały się tak dobre dla Savitsky'ego, że nawet podpisał obraz razem z Shishkinem.

16. „Nie czekaliśmy”. Ilja Repin, 1884-1888

Obraz rosyjskiego artysty Ilji Repina (1844-1930), namalowany w latach 1884-1888. Jest częścią kolekcji Państwowej Galerii Trietiakowskiej.

Obraz pokazywany na 12. wystawie objazdowej jest częścią narracyjnego cyklu poświęconego losom rosyjskiego populistycznego rewolucjonisty.

17. Bal w Moulin de la Galette, Pierre-Auguste Renoir, 1876.

Obraz namalowany francuski artysta Pierre Auguste Renoir w 1876 roku.

Miejscem, w którym znajduje się obraz, jest Musée d'Orsay. Moulin de la Galette to niedroga tawerna na Montmartre, w której gromadzili się studenci i pracująca młodzież Paryża.

18. Gwiaździsta noc. Vincent van Gogh, 1889

De sterrennacht- obraz holenderskiego artysty Vincenta van Gogha, napisany w czerwcu 1889 roku, z widokiem na przedświt nad fikcyjnym miastem ze wschodniego okna mieszkania artysty w Saint-Remy-de-Provence. Od 1941 r. przechowywany w Muzeum Sztuka współczesna w Nowym Jorku. Uważany za jeden z najlepsze prace Van Gogh i jeden z najbardziej znaczące prace Malarstwo zachodnie.

19. „Stworzenie Adama”. Michał Anioł, 1511.

Fresk Michała Anioła, namalowany około 1511 roku. Fresk jest czwartą z dziewięciu centralnych kompozycji sufitu. Kaplica Sykstyńska.

Stworzenie Adama to jedna z najwybitniejszych kompozycji ściennych w Kaplicy Sykstyńskiej. W nieskończonej przestrzeni Bóg Ojciec leci, otoczony bezskrzydłymi aniołami, w powiewającej białej tunice. Prawa ręka wyciągnięty w kierunku ręki Adama i prawie go dotykający. Leżąc na zielonej skale ciało Adama stopniowo zaczyna się poruszać, budzi się do życia. Cała kompozycja skoncentrowana jest na geście dwóch rąk. Ręka Boga daje impuls, a ręka Adama go przyjmuje, dając całe ciało energia życiowa. Przez to, że ich ręce się nie dotykają, Michał Anioł podkreślił niemożność połączenia boskiego i ludzkiego. Na obraz Boga, według artysty, panuje nie cudowna zasada, ale gigantyczna energia twórcza. Na obraz Adama Michał Anioł śpiewa o sile i pięknie ludzkiego ciała. W rzeczywistości to nie samo stworzenie człowieka ukazuje się nam, ale moment, w którym otrzymuje on duszę, namiętne poszukiwanie boskości, pragnienie poznania.

20. „Pocałuj na gwiaździstym niebie”. Gustav Klimt, 1905-1907

Obraz austriackiego artysty Gustava Klimta, namalowany w latach 1907-1908. Płótno należy do okresu twórczości Klimta, zwanego „złotym”, Ostatnia praca autor w swoim „złotym okresie”.

Na skale, na skraju kwietnej łąki, w złotej aurze zakochani stoją całkowicie zatopieni w sobie, odgrodzeni od całego świata. Ze względu na niepewność miejsca tego, co się dzieje, wydaje się, że przedstawiona na obrazie para przechodzi w stan kosmiczny, który nie podlega czasowi i przestrzeni, poza wszelkimi historycznymi i społecznymi stereotypami i kataklizmami. Całkowita samotność i odwrócona twarz mężczyzny tylko podkreślają wrażenie izolacji i oderwania od obserwatora.

Źródło - Wikipedia, muzei-mira.com, say-hi.me

W XVII wieku wprowadzono podział na gatunki malarstwa na „wysokie” i „niskie”. Pierwsza obejmowała gatunki historyczne, bitewne i mitologiczne. Druga obejmowała przyziemne gatunki malarstwa z Życie codzienne, na przykład, gatunek gospodarstwa domowego, martwa natura, animalistyka, portret, akt, pejzaż.

gatunek historyczny

Gatunek historyczny w malarstwie przedstawia nie konkretny przedmiot lub osobę, ale pewien moment lub wydarzenie, które miało miejsce w historii minionych epok. Jest zawarty w głównym gatunki malarskie w sztuce. Gatunki portretowe, bitewne, codzienne i mitologiczne są często ściśle splecione z historycznym.

„Podbój Syberii przez Jermaka” (1891-1895)
Wasilij Surikow

Artyści Nicolas Poussin, Tintoretto, Eugene Delacroix, Peter Rubens, Wasilij Iwanowicz Surikow, Borys Michajłowicz Kustodiew i wielu innych malowali swoje obrazy w gatunku historycznym.

gatunek mitologiczny

Legendy, starożytne legendy i mity, folklor- obraz tych wątków, bohaterów i wydarzeń znalazł swoje miejsce w mitologicznym gatunku malarstwa. Być może można ją wyróżnić w malarstwie dowolnego narodu, ponieważ historia każdej grupy etnicznej jest pełna legend i tradycji. Na przykład taki spisek z mitologii greckiej, jak sekretny romans bóg wojny Ares i bogini piękna Afrodyta są przedstawieni na obrazie „Parnas” włoski artysta o imieniu Andrea Mantegna.

„Parnas” (1497)
Andrea Mantegna

Mitologia w malarstwie ukształtowała się ostatecznie w renesansie. Przedstawicielami tego gatunku, oprócz Andrei Mantegny, są Rafael Santi, Giorgione, Lucas Cranach, Sandro Botticelli, Wiktor Michajłowicz Wasniecow i inni.

Gatunek bitwy

Malarstwo bitewne opisuje sceny z życia wojskowego. Najczęściej ilustrowane są różne kampanie militarne, a także bitwy morskie i lądowe. A ponieważ te bitwy są często zaczerpnięte z prawdziwej historii, gatunki bitewne i historyczne znajdują tutaj swój punkt przecięcia.

Fragment panoramy „Bitwa pod Borodino” (1912)
Franz Roubaud

Malarstwo bitewne ukształtowało się w czasach włoski renesans w twórczości artystów Michelangelo Buonarroti, Leonarda da Vinci, a następnie Theodore Gericault, Francisco Goya, Franz Alekseevich Roubaud, Mitrofan Borisovich Grekov i wielu innych malarzy.

gatunek gospodarstwa domowego

Sceny z życia codziennego, publicznego lub prywatnego zwykłych ludzi, zarówno miejskich, jak i chłopskie życie, przedstawia codzienny gatunek malarstwa. Jak wielu innych gatunki malarskie malarstwa codziennego rzadko spotykane są w swojej własnej formie, stając się częścią gatunku portretowego lub pejzażowego.

„Sprzedawca instrumentów muzycznych” (1652)
Karel Fabrycjusz

Początki malarstwa codziennego miały miejsce w X wieku na Wschodzie, a do Europy i Rosji przeszło ono dopiero w latach XVII-XVIII wiek. Jan Vermeer, Karel Fabricius i Gabriel Metsu, Michaił Shibanov i Ivan Alekseevich Ermenev są najbardziej znany artysta obrazy domowe w tym okresie.

Gatunek zwierząt

główne obiekty gatunek zwierząt to zwierzęta i ptaki, zarówno dzikie, jak i domowe, oraz ogólnie wszyscy przedstawiciele świata zwierzęcego. Początkowo animalistyka należała do gatunków malarstwa chińskiego, ponieważ po raz pierwszy pojawiła się w Chinach w VIII wieku. W Europie animalizm ukształtował się dopiero w renesansie - zwierzęta w tym czasie przedstawiano jako ucieleśnienie wad i cnót człowieka.

„Konie na łące” (1649)
Paulus Potter

Antonio Pisanello, Paulus Potter, Albrecht Durer, Frans Snyders, Albert Cuyp to główni przedstawiciele animalistyki w sztukach wizualnych.

Martwa natura

W gatunku martwej natury przedstawiane są przedmioty otaczające osobę w życiu. Są to zgrupowane obiekty nieożywione. Takie przedmioty mogą należeć do tego samego rodzaju (na przykład na zdjęciu przedstawiono tylko owoce) lub mogą być niejednorodne (owoce, potrawy, instrumenty muzyczne, kwiaty itp.).

„Kwiaty w koszu, motyl i ważka” (1614)
Ambrosius Bosschaert Starszy

Martwa natura jako niezależny gatunek ukształtowała się w XVII wieku. Szczególnie wyróżnione są flamandzkie i holenderskie szkoły martwej natury. W tym gatunku malowali swoje obrazy przedstawiciele różnych stylów, od realizmu po kubizm. Jeden z najbardziej słynne martwe natury namalowali malarze Ambrosius Bosschaert Starszy, Albertus Jonah Brandt, Paul Cezanne, Vincent van Gogh, Pierre Auguste Renoir, Willem Claes Heda.

Portret

Portret - gatunek malarstwa, który jest jednym z najczęstszych w sztukach wizualnych. Celem portretu w malarstwie jest przedstawienie osoby, ale nie tylko jej wyglądu, ale także przekazanie wewnętrznych uczuć i nastroju portretowanej osoby.

Portrety są pojedyncze, parowe, grupowe, a także autoportret, który bywa wyróżniany jako osobny gatunek. A najbardziej znanym portretem wszechczasów jest prawdopodobnie obraz Leonarda da Vinci „Portret pani Lisy del Giocondo”, znany wszystkim jako „Mona Lisa”.

„Mona Lisa” (1503-1506)
Leonardo da Vinci

Pierwsze portrety pojawiły się tysiące lat temu w Starożytny Egipt- to były wizerunki faraonów. Od tego czasu większość artystów wszechczasów parała się tym gatunkiem w taki czy inny sposób. Portret i historyczne gatunki malarstwa mogą się również przecinać: wizerunek wielkiego postać historyczna zostanie uznany za dzieło gatunku historycznego, choć jednocześnie odda wygląd i charakter tej osoby jako portret.

nagi

Celem gatunku nago jest przedstawienie nagiego ciała osoby. Okres renesansu uważany jest za moment pojawienia się i rozwoju tego rodzaju malarstwa, a głównym obiektem malarstwa wówczas najczęściej stawał się kobiece ciało który ucieleśniał piękno epoki.

"Koncert wiejski" (1510)
tycjanowski

Tycjanowski, Amedeo Modigliani, Antonio da Correggio, Giorgione, Pablo Picasso są najbardziej znany artysta który malował obrazy w gatunku aktów.

Krajobraz

Motywem przewodnim gatunku pejzaż jest przyroda, środowisko to miasto, wieś lub bezdroża. Pierwsze pejzaże pojawiły się już w starożytności podczas malowania pałaców i świątyń, tworzenia miniatur i ikon. Jako niezależny gatunek krajobraz nabiera kształtów już w XVI wieku i od tego czasu stał się jednym z najpopularniejszych gatunki malarskie.

Jest obecny w twórczości wielu malarzy, począwszy od Petera Rubensa, Aleksieja Kondratievicha Savrasova, Edouarda Maneta, poprzez Izaaka Iljicza Levitana, Pieta Mondriana, Pabla Picassa, Georgesa Braque'a, a skończywszy na wielu współczesnych artystach XXI wieku.

« złota jesień» (1895)
Izaak Lewitan

Wśród malarstwa pejzażowego można wyróżnić takie gatunki jak pejzaże morskie i miejskie.

Weduta

Veduta to pejzaż, którego celem jest przedstawienie wyglądu przestrzeni miejskiej oraz oddanie jej piękna i koloru. Później, wraz z rozwojem przemysłu, krajobraz miejski zamienia się w krajobraz przemysłowy.

„Plac Świętego Marka” (1730)
Canaletto

Możesz docenić miejskie krajobrazy, zapoznając się z dziełami Canaletta, Pietera Bruegla, Fiodora Jakowlewicza Aleksiejewa, Sylwestra Fiodosievicha Szczedrina.

przystań

Pejzaż morski lub marina przedstawia przyrodę element morza, jej wielkość. Być może najsłynniejszym malarzem marynistycznym na świecie jest Iwan Konstantinowicz Aiwazowski, którego obraz Dziewiąta fala można nazwać arcydziełem malarstwa rosyjskiego. Rozkwit mariny nastąpił jednocześnie z rozwojem samego krajobrazu.

„Żaglówka w burzy” (1886)
James Buttersworth

Z ich pejzaże morskie znani są również Katsushika Hokusai, James Edward Buttersworth, Aleksiej Pietrowicz Bogolubow, Lew Feliksowicz Lagorio i Rafael Montleon Torres.

Jeśli chcesz dowiedzieć się jeszcze więcej o tym, jak powstały i rozwinęły się gatunki malarstwa w sztuce, obejrzyj poniższy film:

Weź to, powiedz znajomym!

Przeczytaj także na naszej stronie internetowej:

Pokaż więcej

„Każdy portret malowany z uczuciem jest w istocie portretem artysty, a nie tego, który mu pozował” Oscar Wilde

Co to znaczy być artystą? Samo naśladowanie pracy nie może być uważane za sztukę. Sztuka jest czymś, co pochodzi z wnętrza. Pomysł autora, ekscytacja, poszukiwania, pragnienia i smutki, które wcielają się w płótno artysty. W całej historii ludzkości napisano setki tysięcy, a być może miliony obrazów. Niektóre z nich to prawdziwe arcydzieła, znane na całym świecie, znają je nawet osoby niezwiązane ze sztuką. Czy można wyróżnić 25 najwybitniejszych spośród takich obrazów? Zadanie jest bardzo trudne, ale próbowaliśmy...

✰ ✰ ✰

25

Trwałość pamięci, Salvador Dali

Dzięki temu obrazowi Dali zasłynął w dość młodym wieku, miał 28 lat. Obraz ma jeszcze kilka nazw - „Miękki zegarek”, „Twardość pamięci”. To arcydzieło przyciągnęło uwagę wielu historyków sztuki. W zasadzie byli zainteresowani interpretacją obrazu. Mówi się, że idea płótna Dalego jest związana z teorią względności Einsteina.

✰ ✰ ✰

24

„Taniec”, Henri Matisse

Henri Matisse nie zawsze był artystą. Miłość do malarstwa odkrył po ukończeniu studiów prawniczych w Paryżu. Studiował sztukę tak gorliwie, że stał się jednym z najwięksi artyści na świecie. To zdjęcie ma bardzo mało negatywna krytyka krytycy sztuki. Odzwierciedla połączenie pogańskich rytuałów, tańca i muzyki. Ludzie tańczą w transie. Trzy kolory - zielony, niebieski i czerwony - symbolizują Ziemię, Niebo i Ludzkość.

✰ ✰ ✰

23

Pocałunek, Gustav Klimt

Gustav Klimt był często krytykowany za bycie nago na swoich obrazach. "Pocałunek" został zauważony przez krytyków, ponieważ łączy w sobie wszystkie formy sztuki. Obraz mógłby być wizerunkiem samego artysty i jego kochanki Emilii. Klimt namalował to płótno pod wpływem bizantyjskich mozaik. Bizantyjczycy używali złota w swoich obrazach. Podobnie Gustav Klimt mieszał złoto w swoich farbach, aby stworzyć swoje własny styl obraz.

✰ ✰ ✰

22

Śpiąca Cyganka, Henri Rousseau

Nikt poza samym Rousseau nie mógł lepiej opisać tego obrazu. Oto jego opis - „koczowniczy Cygan, który śpiewa swoje piosenki na mandolinie, śpi na ziemi ze zmęczenia, w pobliżu leży jej dzban z wodą pitną. Przechodzący lew podszedł, by ją powąchać, ale jej nie dotknął. Wszystko skąpane jest w świetle księżyca, w bardzo poetyckiej atmosferze”. Warto zauważyć, że Henri Rousseau jest samoukiem.

✰ ✰ ✰

21

„Sąd Ostateczny”, Hieronim Bosch

Bez dodatkowe słowa– obraz jest po prostu wspaniały. Ten tryptyk jest największym z zachowanych obrazów Boscha. Lewe skrzydło przedstawia historię Adama i Ewy. Centralna część to Dzień Sądu Ostatecznego» ze strony Jezusa – kto powinien iść do nieba, a kto do piekła. Ziemia, którą tu widzimy, płonie. Na prawym skrzydle widnieje obrzydliwy obraz piekła.

✰ ✰ ✰

20

Wszyscy znają Narcyza z mitologia grecka- człowiek, który miał obsesję na punkcie swojego wyglądu. Dali napisał własną interpretację Narcyza.

Historia jest taka. Piękny młody człowiek Narcyz z łatwością złamał serca wielu dziewczynom. Bogowie interweniowali i, aby go ukarać, pokazali mu jego odbicie w wodzie. Narcyz zakochał się w sobie i umarł, ponieważ nie mógł się objąć. Wtedy Bogowie pożałowali, że mu to zrobili, i postanowili uwiecznić go w postaci kwiatu narcyza.

Po lewej stronie obrazu Narcyz patrzący na swoje odbicie. Potem zakochał się w sobie. Prawy panel pokazuje wydarzenia, które miały miejsce później, w tym powstały kwiat, żonkil.

✰ ✰ ✰

19

Fabuła obrazu oparta jest na biblijnym bicie dzieci w Betlejem. Po tym, jak narodziny Chrystusa stały się znane od Mędrców, król Herod polecił zabić wszystkie małe dzieci płci męskiej i niemowlęta w Betlejem. Na zdjęciu rzeź jest w apogeum, ostatnie dzieci odebrane matkom czekają na swoją bezlitosną śmierć. Widoczne są także zwłoki dzieci, dla których wszystko jest za nimi.

Poprzez wykorzystanie bogatych zabarwienie, obraz Rubensa stał się arcydziełem światowej sławy.

✰ ✰ ✰

18

Prace Pollocka bardzo różnią się od innych artystów. Położył swoje płótno na ziemi, poruszał się po płótnie i chodził po nim, kapiąc farbę z góry na płótno za pomocą patyczków, pędzli i strzykawek. Dzięki temu unikalna technika w kręgach artystycznych był nazywany „Sprinkler Jack”. Obraz ten przez pewien czas nosił tytuł najdroższego obrazu na świecie.

✰ ✰ ✰

17

Znany również jako „Taniec w Les Moulins de la Galette”. Ten obraz jest uważany za jeden z najradośniejszych obrazów Renoira. Ideą obrazu jest pokazanie widzom zabawnej strony paryskiego życia. Po dokładnym przestudiowaniu obrazu widać, że Renoir umieścił na płótnie kilku swoich przyjaciół. Ponieważ obraz wydaje się nieco wyblakły, początkowo był krytykowany przez współczesnych Renoirowi.

✰ ✰ ✰

16

Historia zaczerpnięta jest z Biblii. Na obrazie " Ostatnia Wieczerza” przedstawia ostatnią wieczerzę Chrystusa przed jego aresztowaniem. Właśnie rozmawiał ze swoimi apostołami i powiedział im, że jeden z nich go zdradzi. Wszyscy apostołowie są zasmuceni i mówią mu, że to na pewno nie oni. To był ten moment, który da Vinci pięknie przedstawił swoim żywym wizerunkiem. Ukończenie tego obrazu zajęło wielkiemu Leonardowi cztery lata.

✰ ✰ ✰

15

„Lilie wodne” Moneta można znaleźć wszędzie. Prawdopodobnie widziałeś je na tapetach, plakatach i okładkach czasopism artystycznych. Faktem jest, że Monet miał obsesję na punkcie lilii. Zanim zaczął je malować, wyhodował niezliczoną ilość tych kwiatów. Monet zbudował most w styl japoński w swoim ogrodzie nad stawem z liliami. Był tak zadowolony z tego, co zrobił, że narysował tę historię siedemnaście razy w ciągu jednego roku.

✰ ✰ ✰

14

W tym obrazie jest coś złowrogiego i tajemniczego, otacza go aura strachu. Tylko taki mistrz jak Munch potrafił przedstawić strach na papierze. Munch wykonał cztery wersje Krzyku w olejach i pastelach. Według wpisów do pamiętnika Muncha jest całkiem jasne, że on sam wierzył w śmierć i duchy. W obrazie „Krzyk” przedstawił siebie w momencie, gdy pewnego dnia spacerując z przyjaciółmi poczuł strach i podekscytowanie, które chciał namalować.

✰ ✰ ✰

13

Obraz, który zwykle określany jest jako symbol macierzyństwa, nie powinien się nim stać. Mówi się, że model Whistlera, który miał pozować do obrazu, nie pojawił się i zamiast tego postanowił namalować swoją matkę. Można powiedzieć, że jest tu przedstawione smutne życie matki artysty. Ten nastrój wynika z ciemnych kolorów użytych w tym obrazie.

✰ ✰ ✰

12

Picasso poznał Dorę Maar w Paryżu. Mówi się, że była intelektualnie bliżej Picassa niż wszystkie jego poprzednie kochanki. Używając kubizmu, Picasso był w stanie przekazać ruch w swojej pracy. Wydaje się, że twarz Maara zwraca się w prawo, w stronę twarzy Picassa. Artysta urzeczywistnił obecność kobiety. Może chciał czuć, że zawsze tam była.

✰ ✰ ✰

11

Van Gogh namalował Gwiaździstą Noc podczas leczenia, gdzie pozwolono mu malować tylko wtedy, gdy jego stan się poprawił. Wcześniej w tym samym roku odciął lewy płatek ucha. Wielu uważało artystę za szalonego. Z całej kolekcji dzieł Van Gogha najbardziej znana jest Gwiaździsta Noc, być może ze względu na niezwykłe światło sferyczne wokół gwiazd.

✰ ✰ ✰

10

Na tym obrazie Manet odtworzył Wenus z Urbino Tycjana. Artysta miał złą reputację, przedstawiając prostytutki. Choć panowie w tym czasie dość często odwiedzali kurtyzany, nie sądzili, że komuś przyszło na myśl je narysować. Wtedy lepiej było, aby artyści malowali obrazy o tematyce historycznej, mitycznej lub biblijnej. Jednak Manet, wbrew krytyce, pokazał widzom ich współczesność.

✰ ✰ ✰

9

Ten obraz to historyczne płótno przedstawiające podbój Hiszpanii przez Napoleona.

Po otrzymaniu zamówienia na obrazy przedstawiające walkę ludu Hiszpanii z Napoleonem artysta nie malował płócien heroicznych i żałosnych. Wybrał moment egzekucji hiszpańskich buntowników przez francuskich żołnierzy. Każdy z Hiszpanów przeżywa ten moment na swój sposób, ktoś już się pogodził, ale dla kogoś właśnie nadeszła główna bitwa. Wojna, krew i śmierć, tak właśnie przedstawił Goya.

✰ ✰ ✰

8

Uważa się, że przedstawiona dziewczyna jest najstarszą córką Vermeera, Marią. Jej rysy są obecne w wielu jego pracach, ale trudno je porównać. Książkę o tym samym tytule napisała Tracey Chevalier. Ale wersja Tracy, która jest przedstawiona na tym zdjęciu, jest zupełnie inna. Twierdzi, że podjęła ten temat, ponieważ o Vermeerze i jego obrazach jest bardzo mało informacji, a ten konkretny obraz ma tajemniczą atmosferę. Później na podstawie jej powieści powstał film.

✰ ✰ ✰

7

Dokładna nazwa obrazu to „Występ kompanii strzeleckiej kapitana Fransa Banning Cocka i porucznika Willema van Ruytenbürga”. Towarzystwo strzeleckie było cywilną milicją powołaną do obrony miasta. Oprócz milicji Rembrandt dodał kilka dodatkowe osoby. Biorąc pod uwagę, że w momencie pisania tego obrazu kupił drogi dom, może być prawdą, że otrzymał ogromną opłatę za Nocną Straż.

✰ ✰ ✰

6

Chociaż obraz zawiera wizerunek samego Velázqueza, nie jest to autoportret. główny bohater płótna - Infantka Małgorzata, córka króla Filipa IV. Przedstawia moment, w którym Velazquez, pracujący nad portretem króla i królowej, zmuszony jest zatrzymać się i spojrzeć na infantkę Margheritę, która właśnie weszła do pokoju ze swoją świtą. Obraz wygląda niemal jak żywy, budząc ciekawość publiczności.

✰ ✰ ✰

5

To jedyny obraz Bruegla, który został namalowany olejem, a nie temperą. Nadal istnieją wątpliwości co do autentyczności obrazu, głównie z dwóch powodów. Po pierwsze nie malował olejami, a po drugie ostatnie badania wykazały, że pod warstwą malarstwa znajduje się schematyczny rysunek złej jakości, który nie należy do Bruegla.

Obraz przedstawia historię Ikara i moment jego upadku. Według mitu pióra Ikara były przyczepione woskiem, a gdy Ikar wzniósł się bardzo blisko słońca, wosk stopił się i wpadł do wody. Ten krajobraz zainspirował Wystana Hugh Audena do napisania własnego słynny wiersz na ten sam temat.

✰ ✰ ✰

4

Szkoła Ateńska jest prawdopodobnie najsłynniejszym freskiem włoskiego artysty renesansu, Rafaela.

Na tym fresku szkoła ateńska wszyscy wielcy matematycy, filozofowie i naukowcy zebrali się pod jednym dachem, dzielą się swoimi teoriami i uczą się od siebie nawzajem. Wszyscy bohaterowie żyli w różnych czasach, ale Raphael umieścił ich wszystkich w tym samym pokoju. Niektóre z postaci to Arystoteles, Platon, Pitagoras i Ptolemeusz. Bliższe spojrzenie pokazuje, że na tym zdjęciu znajduje się autoportret samego Rafaela. Każdy artysta chciałby zostawić swój ślad, jedyną różnicą jest forma. Chociaż może uważał się za jedną z tych wielkich postaci?

✰ ✰ ✰

3

Michał Anioł nigdy nie uważał się za artystę, zawsze uważał się za rzeźbiarza. Ale udało mu się stworzyć niesamowity, wykwintny fresk, przed którym czci cały świat. To arcydzieło znajduje się na suficie Kaplicy Sykstyńskiej w Watykanie. Michał Anioł otrzymał zlecenie namalowania kilku historii biblijnych, z których jedną jest stworzenie Adama. Na tym zdjęciu rzeźbiarz Michała Anioła jest po prostu widoczny. Ludzkie ciało Adama jest renderowana z niesamowitą wiernością, żywymi kolorami i precyzyjnym muskularnym kształtem. Można więc zgodzić się z autorem, w końcu jest bardziej rzeźbiarzem.

✰ ✰ ✰

2

„Mona Lisa”, Leonardo da Vinci

Chociaż jest to najbardziej zbadany obraz, Mona Lisa nadal jest najbardziej tajemnicza. Leonardo powiedział, że nigdy nie przestał nad tym pracować. Mówi się, że tylko jego śmierć zakończyła obraz. „Mona Lisa” to pierwszy włoski portret, na którym modelka jest pokazana do pasa. Skóra Mony Lisy wydaje się błyszczeć dzięki zastosowaniu kilku warstw przezroczystych olejków. Istnienie naukowiec Leonardo da Vinci wykorzystał całą swoją wiedzę, aby urealnić obraz Mona Lisy. To, kto dokładnie jest przedstawiony na obrazie, nadal pozostaje tajemnicą.

✰ ✰ ✰

1

Obraz przedstawia Wenus, boginię miłości, unoszącą się na muszli na wietrze, który wieje Zefir, bóg zachodniego wiatru. Na brzegu spotyka ją Ora, bogini pór roku, gotowa ubrać nowonarodzone bóstwo. Wzorem dla Wenus jest Simonetta Cattaneo de Vespucci. Simonetta Cattaneo zmarła w wieku 22 lat, a Botticelli chciał być pochowany obok niej. Połączył go z nią niespełniona miłość. Ten obraz jest najwspanialszym dziełem sztuki, jakie kiedykolwiek stworzono.

✰ ✰ ✰

Wniosek

To był artykuł TOP 25 najsłynniejszych obrazów na świecie. Dziękuję za uwagę!

). Jednak w ramach tego artykułu rozważymy tylko sztukę przedmiotową.

Historycznie wszystkie gatunki były podzielone na wysokie i niskie. Do wysoki gatunek czy malarstwo historyczne obejmowało dzieła o charakterze monumentalnym, niosące jakąś moralność, istotną ideę, ukazujące wydarzenia historyczne, militarne związane z religią, mitologią czy fikcją.

Do niski gatunek obejmowało wszystko, co związane z życiem codziennym. Są to martwe natury, portrety, malarstwo codzienne, pejzaże, animalizm, wizerunki nagich ludzi i tak dalej.

Animalizm (łac. zwierzę - zwierzę)

Gatunek zwierzęcy powstał w starożytności, kiedy pierwsi ludzie malowali na skałach drapieżne zwierzęta. Stopniowo ten kierunek przekształcił się w niezależny gatunek, oznaczający ekspresyjny wizerunek dowolnych zwierząt. Animaliści zwykle wykazują duże zainteresowanie światem zwierząt, na przykład mogą być doskonałymi jeźdźcami, trzymać zwierzęta lub po prostu przez długi czas badać ich nawyki. W wyniku intencji artysty zwierzęta mogą wyglądać realistycznie lub w formie artystycznych obrazów.

Wśród rosyjskich artystów wielu było na przykład dobrze zorientowanych w koniach i. Tak więc na słynnym obrazie Vasnetsova „Bohaterowie” bohaterskie konie są przedstawiane z największą umiejętnością: kolory, zachowanie zwierząt, uzdy i ich związek z jeźdźcami są dokładnie przemyślane. Sierow nie lubił ludzi i pod wieloma względami rozważał konia lepszy niż mężczyzna, dzięki czemu często przedstawiał ją w różnych scenach. chociaż malował zwierzęta, nie uważał się za malarza zwierząt, więc niedźwiedzie w jego słynnym obrazie „Poranek w sosnowym lesie” stworzył malarz zwierząt K. Sawicki.

W czasach carskich szczególnie popularne stały się portrety ze zwierzętami, które były bliskie człowiekowi. Na przykład na zdjęciu cesarzowa Katarzyna II pojawiła się ze swoim ukochanym psem. Zwierzęta były również obecne na portretach innych rosyjskich artystów.

Przykłady obrazów znanych rosyjskich artystów z gatunku krajowego

malarstwo historyczne

Ten gatunek oznacza monumentalne obrazy, które mają na celu przekazanie społeczeństwu wspaniałej idei, jakiejkolwiek prawdy, moralności lub demonstracji istotne zdarzenia. Obejmuje dzieła o tematyce historycznej, mitologicznej, religijnej, folklorystycznej, a także sceny militarne.

W starożytnych stanach mity i legendy przez długi czas uważano za przeszłe wydarzenia, dlatego często przedstawiano je na freskach lub wazonach. Późniejsi artyści Zaczęto oddzielać wydarzenia od fikcji, co wyrażało się przede wszystkim w przedstawianiu scen batalistycznych. W starożytnym Rzymie, Egipcie i Grecji zwycięscy wojownicy często przedstawiali na tarczach sceny heroicznych bitew, aby zademonstrować swój triumf nad wrogiem.

W średniowieczu, ze względu na dominację dogmatów kościelnych, dominowała tematyka religijna, w renesansie społeczeństwo zwracało się w przeszłość głównie po to, by gloryfikować swoje państwa i władców, a od XVIII w. gatunek ten często zwracano na edukację młodzieży . W Rosji gatunek rozpowszechnił się w XIX wieku, kiedy artyści często próbowali analizować życie rosyjskiego społeczeństwa.

W pracach rosyjskich artystów prezentowano m.in. malarstwo batalistyczne. W jego obrazach wpłynęły tematy mitologiczne i religijne. Wśród ludzi dominowało malarstwo historyczne, wśród nich folklor.

Przykłady obrazów znanych rosyjskich artystów z gatunku malarstwa historycznego

Martwa natura (fr. natura - natura i śmierć - martwa)

Ten gatunek malarstwa kojarzy się z przedstawianiem przedmiotów nieożywionych. Mogą to być kwiaty, owoce, naczynia, dziczyzna, przybory kuchenne i inne przedmioty, z których artysta często komponuje kompozycję według swojego planu.

Pierwsze martwe natury pojawiły się w starożytnych krajach. W starożytnym Egipcie zwyczajowo przedstawiano ofiary bogom w postaci różnych potraw. Jednocześnie rozpoznawalność tematu była na pierwszym miejscu, więc starożytni artyści nie przejmowali się specjalnie światłocieniem czy fakturą martwej natury. W starożytnej Grecji i Rzymie kwiaty i owoce znajdowano na obrazach i w domach, aby ozdobić wnętrze, dzięki czemu były już przedstawiane bardziej rzetelnie i malowniczo. Powstanie i rozkwit tego gatunku przypada na XVI i XVII wiek, kiedy martwe natury zaczęły zawierać ukryte znaczenia religijne i inne. Jednocześnie pojawiło się ich wiele odmian, w zależności od tematu obrazu (kwiat, owoc, naukowiec itp.).

W Rosji rozkwit martwej natury przypada dopiero w XX wieku, ponieważ wcześniej był używany głównie do celów edukacyjnych. Ale ten rozwój był szybki i uchwycony, w tym abstrakcjonizm ze wszystkimi jego kierunkami. Na przykład tworzył piękne kompozycje kwiatowe, preferował, pracował i często „ożywiał” swoje martwe natury, dając widzowi wrażenie, że naczynia zaraz spadną ze stołu lub że wszystkie przedmioty zaczną się teraz obracać.

Na przedstawiane przez artystów obiekty, oczywiście, wpływ miały także ich poglądy teoretyczne czy światopogląd, stan umysłu. Były to więc obiekty przedstawione zgodnie z odkrytą przez niego zasadą perspektywy sferycznej, a ekspresjonistyczne martwe natury uderzały w dramaturgię.

Wielu rosyjskich artystów wykorzystywało martwą naturę głównie do celów edukacyjnych. Czyli nie tylko dopracowane umiejętności artystyczne, ale także przeprowadziła wiele eksperymentów, układając przedmioty na różne sposoby, pracując ze światłem i kolorem. eksperymentował z kształtem i kolorem linii, czasem odchodząc od realizmu do czystego prymitywizmu, czasem mieszając oba style.

Inni artyści połączyli w martwych naturach to, co przedstawiali wcześniej, i swoje ulubione rzeczy. Na przykład na obrazach można znaleźć jego ulubioną wazę, nuty i stworzony wcześniej portret żony, ale przedstawiał kwiaty kochane od dzieciństwa.

Na przykład wielu innych rosyjskich artystów pracowało w tym samym gatunku i innych.

Przykłady obrazów znanych rosyjskich artystów z gatunku martwa natura

Nude (fr. nudite - nagość, w skrócie nu)

Ten gatunek ma na celu ukazanie piękna nagiego ciała i pojawił się jeszcze przed naszą erą. W świat starożytny dużą wagę przywiązywano do rozwoju fizycznego, ponieważ od tego zależało przetrwanie wszystkiego rasa ludzka. Tak więc w starożytnej Grecji sportowcy tradycyjnie rywalizowali nago, aby chłopcy i młodzi mężczyźni mogli zobaczyć ich dobrze rozwinięte ciała i dążyć do tej samej fizycznej doskonałości. W przybliżeniu w VII-VI wieku. pne mi. Pojawiły się również nagie męskie posągi, uosabiające fizyczną siłę mężczyzny. Przeciwnie, postacie kobiece zawsze pojawiały się przed publicznością w szatach, ponieważ nie było zwyczaju eksponować kobiecego ciała.

W kolejnych epokach zmieniał się stosunek do nagich ciał. Tak więc w czasach hellenizmu (od końca VI wieku pne) wytrzymałość zeszła na dalszy plan, ustępując miejsca podziwianiu męskiej postaci. W tym samym czasie zaczęły pojawiać się pierwsze kobiece postacie nago. W epoce baroku kobiety o wspaniałych formach uważano za ideały, w okresie rokoko zmysłowość stała się priorytetem, a w XIX-XX wieku obrazy lub rzeźby z nagimi ciałami (zwłaszcza mężczyznami) były często zakazane.

Rosyjscy artyści wielokrotnie zwracali się w swoich pracach do gatunku aktów. Są to więc tancerki o teatralnych atrybutach, pozujące dziewczyny lub kobiety w centrum monumentalnych wątków. To dużo kobiet zmysłowych, także w parach, to cała seria obrazów przedstawiających nagie kobiety w różnych czynnościach, a to dziewczyny pełne niewinności. Niektóre, na przykład, przedstawiały zupełnie nagich mężczyzn, chociaż takie obrazy nie były mile widziane przez społeczeństwo ich czasów.

Przykłady obrazów znanych rosyjskich artystów z gatunku akt

Krajobraz (fr. Paysage, z pays - obszar)

W tym gatunku priorytetem jest obraz naturalny lub stworzony przez człowieka środowisko: naturalne zakątki, typy miast, wsie, zabytki itp. W zależności od wybranego obiektu wyróżnia się krajobrazy przyrodnicze, przemysłowe, morskie, wiejskie, liryczne i inne.

Pierwsze pejzaże starożytnych artystów zostały odnalezione w neolitycznej sztuce naskalnej i były wizerunkami drzew, rzek lub jezior. Później do dekoracji domu wykorzystano motyw naturalny. W średniowieczu krajobraz został prawie całkowicie zastąpiony motywami religijnymi, aw renesansie przeciwnie, na pierwszy plan wysunęła się harmonijna relacja człowieka z naturą.

W Rosji pejzaż rozwinęła się od XVIII wieku i początkowo była ograniczona (pejzaże powstały na przykład w tym stylu i), ale później cała plejada utalentowanych rosyjskich artystów wzbogaciła ten gatunek technikami z różnych stylów i trendów. dyskretny pejzaż, czyli zamiast gonić za spektakularnymi widokami, przedstawiał najbardziej intymne chwile w rosyjskiej przyrodzie. i doszli do lirycznego pejzażu, który uderzył publiczność subtelnie oddanym nastrojem.

I to jest epicki pejzaż, kiedy widzowi ukazuje się cała majestat otaczającego świata. bez końca zwrócił się do starożytności, E. Volkov wiedział, jak zamienić każdy dyskretny krajobraz w poetycki obraz, zadziwił widza swoim cudownym światłem w krajobrazach i mógł bez końca podziwiać leśne zakątki, parki, zachody słońca i przekazać tę miłość widzowi.

Każdy z pejzażystek skupił się na pejzażu, który szczególnie go zafascynował. Wielu artystów nie mogło ominąć dużych projektów budowlanych i namalowało wiele pejzaży przemysłowych i miejskich. Wśród nich są prace