Co kryją selfie Fridy Kahlo?
wtorek, 30 maja 2017 r
Frida Kahlo(07.06.1907 - 13.07.1954) - meksykańska artystka, znana z autoportretów. W ciągu swojego życia namalowała 55 autoportretów, co jest absolutnym rekordem (za co Frida żartobliwie nazywana jest „miłośniczką selfie”). Styl artystyczny– sztuka naiwna (lub sztuka ludowa) i surrealizm. Sama Frida nie uważała się za surrealistkę: „Nigdy nie rysuję snów ani koszmarów. Maluję swoją rzeczywistość”
. Obrazy artystki są swego rodzaju pamiętnikiem opowiadającym o jej życiu i uczuciach.
Obraz nosi tytuł „Moi dziadkowie, moi rodzice i ja”, 1936.
wtorek, 30 maja 2017 r
Tak, to dzięki tym ludziom narodziła się utalentowana i szokująca Frida Kahlo. Jej błękitny dom rodzinny, położony w Meksyku, jest obecnie muzeum, w którym można zapoznać się z twórczością i trudnym życiem artystki. Należy pamiętać, że na tym obrazie Frida przedstawia siebie jako dziewczynkę w wieku około sześciu lat, a jej prawa noga jest częściowo zakryta drzewem, co wizualnie sprawia, że jest lewa. Tak naprawdę nie dzieje się tak bez powodu. W tym wieku artystka zachorowała na polio, w wyniku którego utykała. a jej prawa noga stała się znacznie chudsza niż lewa (Kahlo ukrywała tę wadę pod długimi spódnicami). Rówieśnicy dokuczali jej: „Frida ma drewnianą nogę”. Artystka pokazała już swój silny charakter i miłość do życia - zajęła się boksem, pływaniem i grała z chłopakami w piłkę nożną.
„Złamana kolumna”, 1944
wtorek, 30 maja 2017 r
Złamana kolumna zamiast kręgosłupa. Gwoździe przebijające ciało. Łzy w oczach. Fatalne wydarzenie, które zaważyło na całym życiu artysty.
Był wrzesień 1925 roku. Frida miała wtedy 18 lat. Ona i koleżanka jechały autobusem, wesoło omawiając plany na przyszłość, kiedy doszło do zderzenia. Kierowca autobusu stracił panowanie nad pojazdem i uderzył w tramwaj. Artystka doznała poważnych obrażeń: złamania kręgosłupa, żeber, obojczyka, a prawa noga była złamana w jedenastu miejscach. Ponadto metalowa poręcz przebiła żołądek i macicę artystki, co wpłynęło na jej funkcje rozrodcze.
Frida przeszła dziesiątki operacji i miesiącami leżała w łóżku. Ból, melancholia i samotność skłoniły ją do rysowania (Frida studiowała medycynę w jednym z najlepsze szkoły Meksyku, gdzie po raz pierwszy zobaczyła swojego przyszłego męża Diego Riverę, który w tej szkole pracował nad muralem „Stworzenie”. Więc jej ojciec zbudował nosze. Do młody artysta Mogłem rysować leżąc.
„Autoportret w aksamitnej sukience”, 1926
wtorek, 30 maja 2017 r
Autoportret to pierwszy obraz Kahlo. Później zaczęła rozwijać właśnie ten kierunek. „Piszę sam, bo dużo czasu spędzam sam i dlatego, że jestem tematem, na którym znam się najlepiej”.
„Diego w myślach”, 1943
wtorek, 30 maja 2017 r
Wracając do zdrowia po wypadku, Frida postanowiła pokazać swoje prace słynnemu artyście Diego Riverze. Doceniał to, mówiąc o Fridzie „artystki od urodzenia, niezwykle wrażliwej i zdolnej do obserwacji”. To był początek ich romansu. W tym czasie Diego rozwiódł się z drugą żoną i zainteresował się młodą, dowcipną i utalentowaną artystką Fridą Kahlo. Był od niej starszy o dwadzieścia lat, brzydki, ale uroczy. Frida była w nim żarliwie zakochana. W 1929 roku pobrali się.
„Szpital Henry’ego Forda”, 1932 r
wtorek, 30 maja 2017 r
Frida marzyła o posiadaniu dzieci, jednak obrażenia odniesione w wyniku wypadku pozbawiły ją szczęścia macierzyństwa. Kahlo namalowała ten obraz po kolejnym poronieniu. Krew, pojedyncze łóżko szpitalne, agonia na twarzy i sześć obrazów połączonych tętnicami – przyczyny jej cierpienia.
„Przyjazne objęcie Wszechświata, Ziemi (Meksyk). Ja, Diego i Señor Jolotl”, 1949
wtorek, 30 maja 2017 r
Frida wierzyła, że Diego jest jej dzieckiem, które dał jej Wszechświat. Czasami przedstawia go dokładnie w tej roli.
„Tylko kilka zadrapań”, 1935
wtorek, 30 maja 2017 r
Obraz, który Frida namalowała po tym, jak dowiedziała się o kolejnym romansie swojego męża, Diego Rivery, tym razem z młodszą, ukochaną siostrą. Jeszcze przed ślubem Kahlo było wiadomo, że Diego nie jest wierny swoim dwóm pierwszym żonom. Miała szczerą nadzieję, że zmieni się razem z nią. Jednak te nadzieje szybko zostały rozwiane przez ciągłe romanse jej męża różne kobiety, czego nawet nie ukrywał. Ale związek Diego z jej siostrą stał się dla Fridy ogłuszającym ciosem, porównywalnym do śmierci. Zdrada dwojga bliskich, której nie mogła znieść ani wybaczyć. Tak powstał ten obraz, który ukazuje okrucieństwo, śmierć, zimnokrwistego człowieka z nożem. Ptaki symbolizujące jasne i ciemne strony miłości, trzymające wstążkę z napisem „Tylko kilka zadrapań”. Frida przeczytała to zdanie z artykułu w gazecie, który wypowiedział w sądzie mężczyzna, który zadźgał nożem swoją niewierną kochankę. Artysta nawet „splamił krew” na ramie i kilkakrotnie przekłuł ją nożem.
„Frida między zasłonami”, 1937
wtorek, 30 maja 2017 r
Frida podarowała ten autoportret Leonowi Trockiemu, podpisując go „z miłością”. Tak naprawdę artystka kochała tylko jednego mężczyznę – Diego, a romanse z innymi (w tym z kobietami – Frida była biseksualna) pomogły jej zapomnieć o licznych perypetiach niewiernego męża. W niebieskim domu Fridy przebywał Leon Trocki, który uciekł przed prześladowaniami Stalina do Meksyku, wraz z żoną Natalią. Rewolucjonista natychmiast „stracił głowę” od ekstrawaganckiego artysty i zagorzałego komunisty Kahlo. "Przy Tobie czuję się jak siedemnastolatek” – napisał do niej w jednym z listy miłosne. A Frida żartobliwie nazwała go niepochlebnym hiszpańskim „kozłem”, prawdopodobnie z powodu jego rzadkiej brody. Ich burzliwy romans położyć kres żonie Trockiego. Szybko opuścili niebieski dom pary Rivera, zostawiając autoportret w prezencie od Kahlo.
„Dwie Fridy”, 1939
wtorek, 30 maja 2017 r
Artystka namalowała ten obraz po rozwodzie z mężem. Wyraz twarzy jest absolutnie taki sam - spokojny, zdecydowany wygląd. Ale serce... Jedna, Meksykańska Frida, ma zdrowe serce, medalion w dłoniach (Frida przed rozwodem), a druga, Europejka Frida, ma złamane serce i krwawi. Tylko nożyczki chirurgiczne szczypiące tętnicę. uchronić się przed całkowitą utratą krwi. Kahlo chce podkreślić różnicę między strojem a stanem wewnętrznym. że już nie będzie tak samo, nawet niebo straciło swą przejrzystość, a chmury zgęstniały. „Z tobą jestem nieszczęśliwy, ale bez ciebie nie będzie szczęścia” – powiedział artysta.
„Rama”, 1937
wtorek, 30 maja 2017 r
Za rozkwit kariery Fridy uważa się rok 1939, jej obrazy są wystawiane w Europie, a jej popularność rośnie. Twórca surrealizmu Andre Breton zorganizował wystawę „Cały Meksyk”, na której zaprezentowano rzemiosło ludowe i twórczość Fridy Kahlo.
„Rama” to pierwszy obraz artystki, który nabył Luwr i prawdopodobnie najbardziej oryginalny, jasny, podkreślający jej Meksykańskie pochodzenie i ekstrawagancję jej natury.
Kandydat Historii Sztuki, Zastępca Kierownika Katedry Sztuka współczesna Państwowy Ermitaż
„Retrospektywa Fridy Kahlo jest wielkim sukcesem; muzea ustawiają się w kolejce na jej wystawy. Jej cała spuścizna to 143 obrazy, w tym około 250 grafik, jednak znaczna część z nich jest odcięta od międzynarodowej kariery wystawienniczej. Faktem jest, że kolekcja Fundacji Kahlo-Rivera - a to wszystko, co zachował jej mąż Diego Rivera - zgodnie ze statutem nie może opuścić Meksyku; te rzeczy można zobaczyć głównie w domu zbudowanym w rodzinnym gnieździe Fridy, tzw. „Błękitnym Domku”. Na tym tle 34 dzieła, które przybyły do Petersburga, wyglądają bardzo przyzwoicie.
Ekscytacja wokół twórczości Kahlo pojawiła się na naszych oczach: w 2000 roku ukazał się film biograficzny z Salmą Hayek, Madonna, w której kolekcji znajdują się dwie Fridy, ogłosiła ją swoją ulubioną artystką, magazyny modowe zaczęły drukować jej zdjęcia. Właściwie Frida już za życia odniosła spory sukces: już na swojej pierwszej wystawie w nowojorskiej galerii sprzedała prawie wszystkie swoje prace, jednak po jej śmierci w 1954 roku rozpoczął się okres pewnego zapomnienia. Zainteresowanie jej twórczością powróciło w latach 70. XX w., kiedy rozpoczęły się aktywne badania nad sztuką kobiet, a jednocześnie nastąpił wielki przełom wśród badaczy kultury Ameryki Łacińskiej. Obecnie wiele mówi się o tym, że wyprzedziła swoją epokę: była protofeministką, zajmującą się niewygodnym tematem ciała i poruszającą kwestie, które nawet dzisiaj wydają się zbyt osobiste i bolesne, by je ukazać i dostrzec.
Najważniejszą rzeczą w twórczości Fridy Kahlo jest siła ducha. To jest sztuka wytrwałości. Całe swoje cierpienie i kłopoty przelewała na płótno, było to dla niej rodzajem arteterapii. Jako kuratorka często jestem pytana: czy naprawdę była głęboko nieszczęśliwa? Jeśli czytasz listy Fridy, błyszczy dowcipami - miała wspaniałe poczucie humoru, zawsze patrzy w przyszłość, zawsze chce pracować. Myślę, że była szczęśliwa.”
Wypadek, 1926
17 września 1925 roku autobus, w którym 18-letnia Frida jechała ze swoim chłopakiem, zderzył się z tramwajem. Wielu zginęło, ona przeżyła, ale doznała strasznych obrażeń - liczne złamania, w tym kręgosłupa i uszkodzenia narządów wewnętrznych: żelazny pręt, który rozerwał jej brzuch, pozbawił Kahlo możliwości posiadania dzieci. Po wypadku dziewczynka przez rok była przykuta do łóżka – wtedy zaczęła regularnie rysować. Nosze, które pozwalają jej to robić na leżąco, zaprojektował dla niej jej ojciec, niemiecki emigrant, który zarabiał na życie jako fotograf. W jakiś sposób na nią wpływał styl artystyczny: Frida Kahlo jest artystką bardzo szczegółową, starannie przedstawiającą źdźbła trawy, zęby i koła. Skrupulatności najwyraźniej nauczyła się w studiu fotograficznym ojca, gdzie pomagała w kolorowaniu fotografii – taka czynność wymaga dużej koncentracji i małego pędzla.
Dokładnie rok po wypadku Kahlo stworzyła obraz związany z katastrofą, typową meksykańską popularną grafikę przedstawiającą tragiczne wydarzenie i świętego patrona. Ale na tym zdjęciu nie ma niebieskiego orędownika – Frida jest sama w swoim bólu i pozostanie z nim sama do końca życia.
Portret Wirginii, 1929
Dwa wydarzenia, które zadecydowały o życiu Fridy Kahlo: straszny wypadek i spotkanie z Diego Riverą. Po raz pierwszy zobaczyła go jako nastolatka, kiedy Rivera malował szkołę, w której się uczyła. W 1929 roku Frida miała dwadzieścia dwa lata, on był od niej o dwadzieścia lat starszy – pobrali się. Mocno wspiera ją jako artystkę i za jego radą Frida powraca do tematu rdzennej ludności Meksyku: rysuje cztery portrety Hindusek, w tym dziewczynki z Wirginii. Nawiasem mówiąc, kolejny portret z tej serii stał się pierwszą pracą sprzedaną przez Kahlo.
Zastosowano tu jaśniejszą paletę niż na wcześniejszych płótnach, a na odwrocie artystka, chcąc zaoszczędzić pieniądze, naszkicowała swój autoportret. Został ukończony na innym płótnie, zatytułowany „Time Flies” i w 2000 roku trafił z Sotheby’s do prywatnej kolekcji za 5 milionów dolarów – od tego momentu Frida Kahlo stała się sobą drogi artyście Meksyk, pokonując także Riverę.
Dbałość o kulturę tradycyjną, w ogóle nie obcą Fridzie (jej matka ma indyjską krew), znalazła także odzwierciedlenie w jej sposobie ubierania się. Na swoich autoportretach często pojawia się w stroju Tehuany, czyli mieszkanki regionu Tehuantepec, zamieszkałego przez Indian Zapoteków. Społeczności te mają system zbliżony do matriarchatu: kobiety posiadają pieniądze i zasoby oraz mogą handlować, podczas gdy mężczyźni pracują na polach. Kahlo, jako natura kochająca wolność, nie mogła tego nie docenić. Ponadto długie spódnice skutecznie ukrywały jej kulawiznę – po tym, jak w dzieciństwie przeszła chorobę polio, jedna z nóg artystki była krótsza od drugiej. W Meksyku takie stroje nie wydawały się zaskakujące – elita Meksyku opowiadała się wówczas za odrodzeniem tradycji, ale w Nowym Jorku Frida wyglądała nietuzinkowo i od razu zyskała miano ikony stylu. Na wystawie w Muzeum Faberge pokazujemy dwa tradycyjne stroje Tehuany – nie należały one do Fridy, ale pochodziły z tej samej pracowni, w której szyła swoje sukienki. (Można obejrzeć oryginalne przedmioty artysty, m.in. gorset z wizerunkiem sierpu i młota oraz ozdobną protezę. - Notatka wyd.)
Portret Luthera Burbanka, 1932
Luther Burbank to amerykański Michurin, utalentowany hodowca-samouk, który stworzył około 800 nowych odmian jagód, owoców i warzyw. Odmiana ziemniaków Russet Burbank jest nadal jedną z najpowszechniejszych w Stanach Zjednoczonych; używa się jej w McDonald's. Frida i Diego byli zainteresowani pomysłami Burbanka (Rivera umieścił go nawet na Alegorii Kalifornii w San Francisco Stock Exchange Tower), przeczytali jego przełomową autobiografię „Żniwa życia”, ale nigdy nie spotkali go osobiście. Co więcej, zanim Frida zdecydowała się namalować ten portret, hodowca nie żył już od kilku lat. Para udała się jednak do kalifornijskiej posiadłości Burbanka, w ogrodzie którego zgodnie ze swoją wolą odpoczywał. Tak jest przedstawiany - hybryda człowieka i drzewa wyrosła z grobu, zyskując nieśmiertelność w swoich czynach. Po prawej stronie figury wynik eksperymentów Burbanka – drzewo z gigantycznymi owocami, po lewej – dla kontrastu – zwyczajne.
Burbank trzyma w dłoniach krzak filodendronu i nie jest to przypadkowy szczegół. Frida była dobrze zorientowana w botanice: w jej bibliotece znajdowało się wiele książek i atlasów z zakresu nauk przyrodniczych, a także opiekowała się ogromnym ogrodem przy domu. Flora na jej płótnach nigdy nie jest konwencjonalna – artystka nie tylko znała wszystkie te rośliny, ale także znała ich symbolikę. Filodendron w kulturze Azteków kojarzony był z płodnością: łatwo i szybko zapuszcza korzenie powietrzne, wykazując nieugaszone pragnienie życia. Jednocześnie niektórzy przedstawiciele tej rodziny są trujący i mogą powodować halucynacje. Faktem jest, że częścią wiary Burbanka w postęp była teoria stworzenia nowego człowieka: skoro uprawa tak dobrze sprawdza się w przypadku roślin, to dlaczego nie zastosować tej samej metody w przypadku ludzi. Frieda uważała eugenikę za obcą i nieprzyjemną i według niektórych badań właśnie to podkreśla, włączając do kompozycji potencjalnie trujący filodendron. Fakt, że obydwa arkusze ukazane są od jasnej, odwrotnej strony, może wskazywać także na odwrotną stronę pomysłów Burbanka.
Szpital Henry'ego Forda, 1932
Krótko po ślubie z Riverą Frida zaszła w ciążę, ale ze względów medycznych zmuszona była dokonać aborcji. Druga ciąża również zakończyła się tragicznie: w 1932 roku w Detroit, gdzie Rivera studiowała w Instytucie Sztuki, poroniła. Próbując zrozumieć, co się stało, po raz pierwszy w historii sztuki podjęła temat utraty dziecka. Na zdjęciu naga Frida leży w kałuży krwi na szpitalnym łóżku, a przedmioty połączone z nią nitkami pępowiny w jakiś sposób opowiadają o jej przeżyciach. Płód to zagubione dziecko, chłopiec, co było szczególnie gorzkie, ponieważ mały Diego, w przeciwieństwie do dużego Diego, należałby do niej niepodzielnie; ślimak - czas pełzający boleśnie w szpitalu; Zmiażdżone w wypadku kości miednicy są powodem, dla którego nie mogła wytrzymać. Orchidea nawiązuje do kobiecej seksualności i układu rozrodczego, a poprzez przedstawienie mechanicznego urządzenia artystka chciała – jej zdaniem – przekazać mechanikę zabiegów medycznych, ich chłód i okrucieństwo.
Ze względu na obrazowość tej i innych dojrzałych dzieł Frida Kahlo jest często uważana za surrealistkę. W rzeczywistości sam Andre Breton uparcie starał się zapisać artystkę w swoje szeregi, nazywając jej sztukę „wstążką przywiązaną do bomby”. Sama zaprzeczyła jakiemukolwiek związkowi z tym ruchem. Jeśli współpracownicy Bretona chcieli uwolnić się od świadomości, pozwalając przedostać się fragmentom snów i koszmarów, Frida wręcz przeciwnie, próbowała racjonalizować swoje uczucia. W tym sensie jej podejście jest diametralnie przeciwne surrealizmowi. Sztuka Fridy Kahlo polega na kodowaniu, szyfrowaniu i wszystkim, co wymaga dużo rozumu.
Swoją drogą, z ważna praca Frida „Zraniony stół” 
Ranny stół, 1940, pokazana po raz pierwszy na wystawie surrealistów zorganizowanej przez Bretona, wydarzyła się dziwna historia. W 1955 r. „Stół” trafił na wystawę w Moskwie i tajemniczy zniknął po drodze. Wiadomo na pewno, że obraz przybył do Rosji i Ostatni rok Szukam jej śladów w archiwach.
Kilka zadrapań, 1935
Tytuł pracy dosłownie tłumaczy się jako „Kilka małych zastrzyków”, ale pozwoliłem sobie zaadaptować ją na potrzeby wystawy – zastrzyki budzą skojarzenia szpitalne, a tutaj mówimy o ranach, które ktoś uważa za drobnostkę. Diego zadał rany Fridzie. Z jej strony była to pasja pochłaniająca wszystko – wystarczy posłuchać jej opowieści o mężu (tekst napisany przez Fridę czyta artystka. - Notatka wyd.). Pomimo tego, że Kahlo była ciągle w cyklu historie miłosne Rivera był dla niej centrum świata. Diego, niepoprawny kłamca i kobieciarz, uważał na jej talent, ale nie dbał o jej uczucia. Zaraz po ślubie zaczął zdradzać Fridę. Szybko zdała sobie sprawę, że nic nie da się z tym zrobić, wystarczyło zamknąć oczy. Ale jej cierpliwość się skończyła, gdy dowiedziała się o jego związku z Christiną, jej ukochaną młodsza siostra. Frida została obrażona, upokorzona, zhańbiona.
Na tym emocjonalnym tle powstał obraz, którego impulsem do powstania była notatka o kobiecie zamordowana przez męża z zazdrości. Na rozprawie powiedział: „Tylko kilka zadrapań!” Chociaż wierzono, że rewolucja meksykańska wyzwoliła kobiety, przyznając im więcej praw, ówczesne społeczeństwo pozostawało głęboko patriarchalne, a to, co obecnie nazywa się przemocą domową, było na porządku dziennym.
W pierwszym szkicu, który Frida wykonała do tego obrazu, podąża za fakturą notatki: mężczyzna z wąsami, obok niego stoi jego płaczący mały syn. W ostatecznej wersji zabójca otrzymuje cechy złoczyńcy - Diego Rivery: to są jego proporcje, jego ulubiony kapelusz. Jest ubrany, ofiara jest przedstawiona nago i zakrwawiona. To oczywiście Frida – rozerwana na kawałki i zmiażdżona. Jej ciało to krwawa „martwa natura”, którą każdy może zobaczyć. Kahlo nawet pokryła ramę krwistoczerwonymi plamami farby, aby wzmocnić poczucie grozy tej zbrodni. Mimo wszystko Frida pogodziła się z Christiną. Rivera nigdy nie myślał o tym, by przestać ją zdradzać i w 1939 roku rozwiedli się, by rok później ponownie się pobrać.
Moja mamka i ja, 1937
Tradycyjna interpretacja dzieła opiera się na szczegółach z dzieciństwa artystki: dosłownie kilka miesięcy po urodzeniu Fridy jej matka zaszła w ciążę z czwartą córką (tą samą Christiną), a po utracie mleka oddała dziewczynkę meksykańskiej niani . Stąd dość powszechna interpretacja psychoanalityczna: wyobcowanie i samotność doświadczane przez dziecko oderwane od piersi matki. O wiele bardziej interesująca jest analiza tego obrazu z punktu widzenia osobistego systemu symbolicznego Fridy. Na przykład tło zielonych liści to motyw ochronny często spotykany w Kahlo.
Poczwarka i motyl z prawa strona- personifikacja śmierci i zmartwychwstania duszy, tradycyjna dla martwych natur europejskich, ale po lewej stronie widać bardziej niezwykłego owada, patyka z rodziny duchów. Duchy przeżywają dzięki umiejętności naśladowania, udając gałązki i pędy. Chęć ukrycia się za ekstrawaganckim zachowaniem była w pewnym stopniu charakterystyczna dla samej Kahlo. Ponadto patyczaki wylęgają się jako dorosłe osobniki, podobnie jak Frida, która jest przedstawiana zarówno jako dziecko, jak i osoba dorosła.
Potężna postać pielęgniarki przypomina indyjskiego bożka, a jej twarz zakryta jest rytualną maską. Pamiętając, z jaką czcią artystka traktowała swoje korzenie, jak ważne było dla niej dziedzictwo epoki prekolumbijskiej, łatwo odczytać w tym nutę związku z tradycjami. Pielęgniarka-Meksyk ostrożnie trzyma Fridę w ramionach, z góry leje życiodajny mleczny deszcz, jednym słowem ojczyzna jest tym, co daje Kahlo ochronę i siłę.
Złamana kolumna, 1944
To jedno z najbardziej znanych i popularnych dzieł Fridy Kahlo. Być może dlatego, że nie wymaga dodatkowych wyjaśnień – jest wyrazistym manifestem wytrwałości w obliczu ciosów losu, obrazem siły. Tłem dla autoportretu jest płaskowyż Pedregal, pustynny wulkaniczny krajobraz na południowy zachód od Meksyku. Ten jest suchy jałowa ziemia pojawia się w wielu pracach Kahlo z lat czterdziestych XX wieku: pęknięcia w ziemi rymują się z pęknięciami w jej duszy i ciele. W tym czasie, ze względu na liczne operacje, Frida musiała nosić gorsety ortopedyczne. Na autoportrecie zamiast złamanego kręgosłupa Frida przedstawia złamaną kolumnę, brzegi rany pomalowane są na szkarłat, a wbite w ciało paznokcie symbolizują nie tylko ból fizyczny, ale także cierpienie psychiczne. Mimo to stoi prosto i otwarcie patrzy na widza.
Portret inżyniera Eduardo Morillo Safy, 1944
Wiele zawdzięczamy temu człowiekowi za wystawę w Muzeum Faberge: agronom i dyplomata Eduardo Morillo Safa był wielkim przyjacielem Fridy i kolekcjonował jej obrazy. W sumie kupił około 35 jej prac, które później trafiły do Muzeum Dolores Olmedo; kolekcja ta stała się podstawą wystawy w Petersburgu. W pewnym momencie Morillo Safa zlecił Kahlo namalowanie portretów członków jego rodziny – matki, żony, syna, dwóch córek – i jego samego. Co ciekawe, w tej pracy Frida nie posługuje się żadnymi symbolami zdradzającymi tożsamość przedstawianej osoby. Jest to charakterystyczne dla wszystkiego, co tworzy artysta męskie portrety- twarz, kostium, to wszystko. Symbolika najwyraźniej nie jest nieodłączną cechą mężczyzn. Jest to szczególnie widoczne w porównaniu z portret matki 
dyplomatka Doña Rosita Morillo bogata w wizualne wsparcie: jej status matriarchy podkreśla wiele szczegółów, np. Doña Rosita układa w całość losy swojej rodziny. Tak naprawdę na tej wystawie portret Morillo Safy wisi pomiędzy portretem jego matki a autoportretem Fridy – znowu los mężczyzny.
Autoportret z małpą, 1945
Diego ponownie obraża Fridę, jest smutna - i chroni się naszyjnikiem ze swoich ulubionych stworzeń i rzeczy. Małpa jest substytutem dziecka, którego nie mogła mieć. W Błękitnym Domu zawsze było dużo zwierząt: małpy, papugi, bezwłose psy rasy Sholoitscuintle, z których jeden jest przedstawiony na zdjęciu. Aztekowie trzymali te psy w swoich świątyniach jako zwierzęta święte i podawali ich mięso na uroczystych ucztach, a w pierwszej połowie XX wieku, w obliczu wzrostu świadomości narodowej, Sholoitzcuintles stały się modnymi zwierzętami domowymi wśród meksykańskiej elity. Zarówno Xoloitzcuintli, jak i indyjski bóg łączą artystkę z jej korzeniami, tradycjami starożytnego Meksyku. Amulety chroniące Fridę przed cierpieniem owinięte są żółtą wstążką, ale wszystko zaczyna się od gwoździa, co prawdopodobnie nawiązuje do wyrażenia estar clavado – „być oszukanym” (clavo, „gwóźdź” po hiszpańsku).
Koło, 1954
Smutny punkt wystawy. W 1953 roku Fridzie amputowano kolano prawa noga aby zatrzymać początek gangreny. Cierpienie fizyczne utonęła w alkoholu i silnych środkach przeciwbólowych, co wpłynęło na jej styl pisania. Zniknęła dbałość o szczegóły – rozpuszczenie kaleki w przestrzeni oddane jest w rozdartych, chaotycznych pociągnięciach. W swoim pamiętniku w tym czasie pisze: „Jestem rozpadem”. I nie jest to już naturalny powrót na ziemię – jak w autoportret 
połowy lat czterdziestych XX wieku, kiedy rośliny spokojnie rosną w jej ciele i boleśnie gniją. W tym samym roku, w którym powstał Krąg, zmarła Frida Kahlo.
Kaloizm.
Dziś szokujące obrazy Fridy Kahlo wyceniane są bardzo wysoko, liczone w milionach dolarów. Fenomenalna popularność dzieł Fridy zyskała nawet swoją nazwę – kaloizm. Wiele gwiazd show-biznesu uważa się za jego zwolenników. Na przykład w domu Madonny wisi obraz Fridy „Moje narodziny”, przedstawiający zakrwawioną głowę artystki między rozłożonymi nogami jej matki. Na podstawie tego obrazu Madonna ocenia ludzi: „Jeśli komuś ten obraz się nie podoba, tracę zainteresowanie tą osobą. Nigdy nie będzie moim przyjacielem.” Kolejną wielbicielką Kahlo jest Salma Hayek, którą zagra główna rola w filmie „Frida” został producentem i namówił Antonio Banderasa i Edwarda Nortona do zagrania w filmie. Mówią, że do tej roli Salma zapuściła nawet wąsy, goląc puch nad wargą. Frida Kahlo za swojego życia stała się dla wielu legendą i idolką. I tylko ona sama wie, ile ją to kosztowało.
Frida Kahlo: „Moje narodziny” Meksykański artysta.
Dzieciństwo Fridy Kahlo. Dramat.
Frida miała trzy urodziny. Według dokumentów urodziła się 6 lipca 1907 r. Ale sama artystka upierała się, że urodziła się jednocześnie z rewolucją meksykańską, czyli w 1910 roku. Ojciec Fridy był fotografem i często zabierał córkę do pracy, gdzie uczył retuszu.
Frida stała się niepełnosprawna w wieku sześciu lat. Z powodu polio jej prawa noga była zdeformowana. Przyszła wielka artystka starała się ukryć tę wadę, zakładając na nogi dodatkowe pończochy lub nosząc męskie garnitury i długie suknie. Ale w szkole nadal dokuczano jej obraźliwym przezwiskiem „Frida – kościana noga”. Dziewczyna była zła, ale nie popadła w rozpacz: ćwiczyła boks, grała w piłkę nożną i pływała. Jeśli stała się nieznośnie smutna, Frida podeszła do okna, oddychała na nie i rysowała na zaparowanej szybie drzwi, za którymi czekały na nią jedyne. najlepszy przyjaciel, wytwór wyobraźni samotnego dziecka. Tylko tej przyjaciółce Frida mogła odsłonić swoją udręczoną duszę. Razem marzyli, płakali i śmiali się. Wiele lat później Frida Kahlo napisała w swoim pamiętniku: „Naśladowałam jej ruchy, kiedy tańczyła, rozmawiałam z nią o wszystkim, a ona wiedziała o mnie wszystko. Za każdym razem, gdy ją wspominam, ona wzrasta we mnie.”
Mała Frida Kahlo
Trzecie narodziny Fridy Kahlo.
Przez własna inicjatywa Piętnastoletnia dziewczyna wstąpiła do prestiżowej szkoły, aby studiować medycynę. Dla ówczesnych kobiet nie była to najczęstsza decyzja – na dwa tysiące studentek było tylko 35 studentek. Frida natychmiast stała się popularna. Stworzyła nawet własną, zamkniętą grupę studencką „Kachuchas”, do której zrzeszała się kreatywna młodzież. Chłopaki jednym spojrzeniem stracili głowy na tę czarnooką piękność z bujnymi warkoczami. Wydawało się, że życie staje się lepsze. Ale to była iluzja. Przez całe życie Frida była związana z medycyną, ale nie jako lekarz, ale jako pacjentka. (możesz odwiedzić Muzeum Fridy w naszym)
Tylko kilka zadrapań, 1935
17 września 1925 roku Frida Kahlo wracała autobusem z zajęć i uległa poważnemu wypadkowi. Metalowy pręt przebił kruche ciało siedemnastoletniej piękności, łamiąc jej biodra, miażdżąc kości miednicy i uszkadzając kręgosłup. Noga wyschnięta przez polio została złamana w jedenastu miejscach, a lewa stopa zmiażdżona. Zakrwawiona Frida leżała na torach i nikt nie wierzył, że przeżyje. Ale dziewczyna znów zwyciężyła - uciekła z nieustępliwych szponów śmierci. Tak odbyły się jej trzecie narodziny.
Bez nadziei, 1945
Nowe życie stało się nieskończenie bolesne. Frida próbowała zagłuszyć straszny ból pleców i nóg narkotykami i alkoholem, jednocześnie niszcząc siebie. W ciągu trzydziestu lat życia po wypadku - trzydzieści operacji chirurgicznych. Najtrudniejsze były jednak pierwsze miesiące rehabilitacji, kiedy była przykuta do szpitalnego łóżka i unieruchomiona specjalnym gorsetem. Tylko ręce pozostały wolne od opatrunków gipsowych. Frida poprosiła ojca, aby przyniósł jej pędzle i farby. Ojciec spełnił prośbę córki i wykonał dla niej specjalne nosze, dzięki którym może rysować w pozycji leżącej. Jedyną fabułą dostępną na oddziale szpitalnym był obraz samej Fridy w lustrze naprzeciwko łóżka. Wtedy Frida postanowiła malować autoportrety.
Autoportrety.
Ponad połowa prac Fridy Kahlo to autoportrety. Jej twórczość jest wyznaniem, uderzającym w swojej szczerości. Za pomocą pędzla i farb Frida zaszyfrowała swoje emocje, myśli, nadzieje i smutki. Na żadnym zdjęciu się nie uśmiecha.
Krytycy nazywali jej styl pisania mieszanką elegancji plakatu propagandowego, bazarowej prostoty i głębokiej metafizyki. Surrealiści uważali artystę za jednego ze swoich, ale Frida sprzeciwiła się: „Surrealiści malują sny, ale ja maluję własną rzeczywistość”.
Już pod koniec lat trzydziestych obraz artysty został zakupiony przez Luwr. W 1979 roku pod młotek trafił obraz „Drzewo nadziei” (cena na aukcji osiągnęła piętnaście tysięcy dolarów). Dwadzieścia lat później jeden z autoportretów Kahlo został kupiony za dwieście tysięcy dolarów. Po jej śmierci jej prace zaczęto sprzedawać znacznie drożej. Przykładem tego jest „Autoportret z małpą i papugą”, sprzedany nieznanemu kolekcjonerowi na słynnej aukcji Sotheby’s za 4,9 miliona dolarów.
Fulang Chang i ja, 1937
Słoń i gołąb.
Pierwszą osobą, która doceniła niewątpliwy talent Fridy Kahlo, był meksykański artysta Diego Rivera – jedyna miłość jego życia. Chociaż Frida nazwała męża „drugim wypadkiem” (pierwszy uważała za wypadek samochodowy). Diego był dwa razy starszy i dwa razy większy od małej Fridy, której wzrost wynosił zaledwie 153 centymetry. Artysta po raz pierwszy zobaczył go w szkole, gdzie Rivera malował ściany. Już wtedy dziewczyna powiedziała swoim przyjaciołom, że na pewno wyjdzie za niego za mąż i urodzi mu dzieci.
Diego Rivera i Frida Kahlo
Diego Rivera był bardzo dużym mężczyzną, przypominającym łagodnego olbrzyma. Często malował siebie jako brzuchatą żabę z czyimś sercem w łapie, co charakteryzowało Diego jako zdesperowanego kobieciarza. Co dziwne, kobiety uwielbiały Diego. Frida Kahlo została jego trzecią żoną. Razem wyglądali bardzo dziwnie. Przyjaciele nazywali to małżeństwo „słoniem i gołębiem”. Postać Diego była obrzydliwa. Już w dniu ślubu, po upiciu się, wywołał pierwszy rodzinny skandal strzelaniem z pistoletu.
Diego i Frida, 1931
Frida mimo wszystko bardzo kochała męża, cały czas go rysowała i dedykowała mu wiersze.
Diego Rivera był zagorzałym komunistą, co zaraziło także Fridę. Wstąpiła nawet do Meksykańskiej Partii Komunistycznej. Słynny „niebieski dom” pary znajdował się w artystycznej dzielnicy stolicy Meksyku. Prawie każdy odwiedził ten dom znany artysta, pisarzy, muzyków i polityków, którzy przybyli do Meksyku. Parę odwiedził także Leon Trocki, który zakochał się w młodej artystce i nawet pisał do niej liryczne listy. Diego i Frida urządzali hałaśliwe imprezy, a ich nazwiska nie opuszczały stron prasy. Jednak ich życie, pompatyczne i piękne na zewnątrz, w środku wcale nie było bezchmurne. Frida bardzo chciała mieć dziecko, ale po trzech poronieniach to marzenie zniknęło.
Frida w szpitalu
Pomimo tego, że Frida uwielbiała swojego męża, krążyły plotki, że regularnie go zdradzała, i to nie tylko z mężczyznami. Diego również nie zachował wierność małżeńska. W przeciwieństwie do swojej żony nie ukrywał swoich romansów, co sprawiało dumnej Fridzie nieznośny ból. Po tym, jak Diego uwiódł Christinę Kahlo (młodszą siostrę Fridy) w 1939 roku, para rozwiodła się.
Fridę Kahlo i Diego Riverę
Po rozwodzie Frida Kahlo nadal pisała. Jej obrazy były pełne cierpienia i czarnego humoru. Frida i Diego nie mogli długo żyć osobno - rok później ponownie się pobrali i rozstali się dopiero po śmierci artysty.
Spektakl pośmiertny.
Ta krucha, kaleka, ale nie złamana przez los kobieta żyła zaledwie czterdzieści siedem lat, z czego trzydzieści było wypełnionych bólem. W czasie ataków piła, przeklinała i namiętnie rysowała.
Pomimo cierpienia nadal urządzała huczne przyjęcia. Frida uwielbiała żartować – także z samej siebie. Jej pierwsza i ostatnia wystawa indywidualna odbyła się w 1953 roku, na rok przed śmiercią artystki. Na krótko przed tym znaczącym wydarzeniem Fridzie Kahlo amputowano nogę prawie do kolana, ponieważ zaczęła się gangrena. Lekarze zabronili jej wstawać, ale nie mogła powstrzymać się od triumfu i nalegała na podróż. W towarzystwie eskorty motocyklistów i przy wyciu syren karetki pogotowia Frida przybyła na wystawę. Lekarze przenieśli ją na noszach i położyli na kanapie na środku sali. Tam kobieta spędziła wieczór, spotykając się i zabawiając gości dowcipami. Powiedziała reporterom: „Nie jestem chora, ale załamana. Ale dopóki mogę trzymać pędzel w dłoniach, jestem szczęśliwy.”
Frida pisze w zaciszu szpitalnego łóżka
To wydarzenie zszokowało cały świat, ale Frida zorganizowała jeszcze większe pośmiertne przedstawienie 13 lipca 1954 roku. Kiedy fani artystki przybyli do krematorium, aby pożegnać się z Fridą Kahlo, niespodziewanie silny podmuch gorącego powietrza uniósł jej ciało do pionu, włosy uniosły się w aureolę, a na jej ustach, jak wydawało się wszystkim obecnym, ułożył się drwiący uśmiech. Stała tam przez jakiś czas, po czym zanurzyła się w ogień i na zawsze zamieniła się w popiół.
Oficjalną przyczyną śmierci wielkiego artysty było zapalenie płuc, ale krążyły też pogłoski o samobójstwie. Krążyły pogłoski, że po amputacji nóg ból stał się zupełnie nie do zniesienia. Frida została ponownie „uwięziona” w gorsecie, jednak okaleczony kręgosłup nie wytrzymywał ciężaru ciała. Frida zawsze walczyła o życie. Po prostu nie mogła dobrowolnie się poddać. To było Wielka kobieta pomimo jej fatalnej sytuacji.
Złamana kolumna, 1944
Przyjaciele! Jeśli masz jakieś pytania - nie wahaj się! - zapytaj ich w komentarzach poniżej lub napisz do mnie w sieciach społecznościowych!
Ekstrawagancka meksykańska artystka Frida Kahlo jest najbardziej znana publiczności ze swoich symbolicznych autoportretów oraz przedstawień kultur meksykańskiej i indiańskiej. Znana ze swojego silnego charakteru i silnej woli, a także komunistycznych nastrojów, Kahlo pozostawiła niezatarty ślad nie tylko w malarstwie meksykańskim, ale także światowym.
Artystkę spotkał trudny los: niemal przez całe życie nękały ją liczne choroby, operacje i nieudane leczenie. Tak więc w wieku sześciu lat Frida została przykuta do łóżka z powodu polio, w wyniku czego jej prawa noga stała się cieńsza niż lewa, a dziewczynka pozostawała kulawa do końca życia. Ojciec zachęcał córkę na wszelkie możliwe sposoby, angażując ją wówczas w męskie sporty - pływanie, piłkę nożną, a nawet zapasy. Pod wieloma względami pomogło to Fridzie ukształtować trwały i odważny charakter.
Wydarzenie z 1925 roku było punktem zwrotnym w karierze artystycznej Fridy. 17 września uległa wypadkowi wraz ze swoim kolegą ze studiów i kochankiem Alejandro Gomezem Ariasem. W wyniku zderzenia Frida trafiła do szpitala Czerwonego Krzyża z licznymi złamaniami miednicy i kręgosłupa. Poważne kontuzje spowodowały trudną i bolesną rekonwalescencję. To właśnie wtedy poprosiła o farby i pędzel: lustro zawieszone pod baldachimem łóżka pozwoliło artystce zobaczyć siebie i rozpoczęła swoje ścieżka twórcza z autoportretów.
Fridę Kahlo i Diego Riverę
Jako jedna z nielicznych uczennic Krajowej Szkoły Przygotowawczej Frida już na studiach zainteresowała się dyskursem politycznym. W późniejszym życiu została nawet członkinią Meksykańskiej Partii Komunistycznej i Ligi Młodych Komunistów.
To właśnie w okresie szkolenia Frida po raz pierwszy spotkała słynnego wówczas mistrza malowanie ścian Diego Rivery. Kahlo często obserwowała Riverę podczas pracy nad muralem „Stworzenie” w szkolnej auli. Niektóre źródła podają, że Frida mówiła już o swoim pragnieniu urodzenia dziecka od muralisty.
Rivera zachęcał Fridę do twórczej pracy, ale związek dwóch bystrych osobowości był bardzo niestabilny. Przez większość czasu Diego i Frida mieszkali osobno, przeprowadzając się do domów lub mieszkań obok. Fridę zmartwiły liczne zdrady męża, a szczególnie zranił ją związek Diego z jej młodszą siostrą Cristiną. W odpowiedzi na zdradę rodziny Kahlo obcięła swoje słynne czarne loki, a żal i ból, jakiego doświadczyła, uchwyciła na obrazie „Pamięć (serce)”.
Niemniej jednak zmysłowa i żarliwa artystka miała także romanse na boku. Wśród jej kochanków są słynny amerykański rzeźbiarz awangardowy japońskiego pochodzenia Isamu Noguchi oraz komunistyczny uchodźca Leon Trocki, który w 1937 roku schronił się w Błękitnym Domu Fridy (Casa Azul). Kahlo była biseksualna, dlatego znane są także jej romantyczne relacje z kobietami, na przykład z amerykańską artystką popową Josephine Baker.
Pomimo zdrad i romansów po obu stronach Frida i Diego, nawet rozstając się w 1939 roku, ponownie się zjednoczyli i pozostali małżonkami aż do śmierci artysty.
Niewierność męża i niemożność urodzenia dziecka są wyraźnie ukazane na obrazach Kahlo. Embriony, owoce i kwiaty ukazane na wielu obrazach Fridy symbolizują właśnie jej niezdolność do posiadania dzieci, co było przyczyną jej skrajnie depresyjnych stanów. Tak więc obraz „Szpital Henry'ego Forda” przedstawia nagą artystkę i symbole jej niepłodności - zarodek, kwiat, uszkodzone stawy biodrowe, połączone z nią krwawymi żyłami przypominającymi nici. Na wystawie w Nowym Jorku w 1938 roku obraz ten był prezentowany pod tytułem „Utracone pożądanie”.
Cechy kreatywności
Wyjątkowość obrazów Fridy polega na tym, że wszystkie jej autoportrety nie ograniczają się do przedstawienia wyłącznie jej wyglądu. Każde płótno jest bogate w szczegóły z życia artysty: każdy przedstawiony obiekt ma charakter symboliczny. Znaczące jest również to, jak dokładnie Frida przedstawiła połączenia między obiektami: większość połączeń to naczynia krwionośne, które zasilają serce.
Każdy autoportret zawiera wskazówki dotyczące znaczenia tego, co jest przedstawiane: sama artystka zawsze wyobrażała sobie siebie poważną, bez cienia uśmiechu na twarzy, ale jej uczucia wyrażane są przez pryzmat postrzegania tła, paleta kolorów, obiekty otaczające Fridę.
Już w 1932 roku w twórczości Kahlo można było dostrzec więcej elementów graficznych i surrealistycznych. Sama Frida była obca surrealizmowi z naciąganymi i fantastycznymi fabułami: artystka na swoich płótnach wyrażała prawdziwe cierpienie. Związek z tym ruchem był raczej symboliczny, gdyż w malarstwie Fridy można doszukać się wpływów cywilizacji prekolumbijskiej, narodowych motywów i symboli meksykańskich, a także tematu śmierci. W 1938 roku los zetknął ją z twórcą surrealizmu, Andre Bretonem, w sprawie spotkania, z którym sama Frida tak rozmawiała: „Nigdy nie myślałam, że jestem surrealistką, dopóki Andre Breton nie przyjechał do Meksyku i mi o tym nie powiedział”. Przed spotkaniem z Bretonem autoportrety Fridy rzadko były postrzegane jako coś wyjątkowego, ale Francuski poeta widziałem to na płótnach surrealistyczne motywy, co pozwoliło ukazać emocje artystki i jej niewypowiedziany ból. Dzięki temu spotkaniu w Nowym Jorku odbyła się udana wystawa obrazów Kahlo.
W 1939 roku, po rozwodzie z Diego Riverą, Frida namalowała jeden z najbardziej wymownych obrazów – „Dwie Fridy”. Obraz przedstawia dwie natury jednej osoby. Jedna Frida ubrana Biała sukienka, na którym widać krople krwi płynące z jej zranionego serca; Sukienka drugiej Fridy ma jaśniejszy kolor, a serce jest nienaruszone. Obie Fridy są połączone naczyniami krwionośnymi, które zasilają oba odsłonięte serca – jest to technika często stosowana przez artystę do przekazu ból serca. Frida w jasnych strojach narodowych jest właśnie taka „ Meksykańska Frida", który Diego pokochał, oraz wizerunek artysty w stylu wiktoriańskim suknia ślubna- zachodnia wersja kobiety porzuconej przez Diego. Frida trzyma ją za rękę, podkreślając swoją samotność.
Obrazy Kahlo zapadają w pamięć nie tylko poprzez obrazy, ale także przez jasną, energetyczną paletę. Sama Frida w swoim pamiętniku próbowała wyjaśnić kolory, jakich używała przy tworzeniu swoich obrazów. I tak zieleń kojarzona była z miłym, ciepłym światłem, magenta fioletowa z przeszłością Azteków, żółty symbolizował szaleństwo, strach i chorobę, a niebieski symbolizował czystość miłości i energii.
Dziedzictwo Fridy
W 1951 roku, po ponad 30 operacjach, załamany psychicznie i fizycznie artysta był w stanie znieść ból tylko dzięki środkom przeciwbólowym. Nawet w tamtym czasie rysowanie było dla niej trudne jak wcześniej, a Frida zażywała leki wraz z alkoholem. Wcześniej szczegółowe obrazy stały się bardziej rozmyte, rysowane pośpiesznie i nieuważnie. Śmierć artysty w 1954 roku, na skutek nadużywania alkoholu i częstych załamań psychicznych, wywołała wiele plotek o samobójstwie.
Ale wraz z jej śmiercią sława Fridy tylko wzrosła, a jej ukochany Błękitny Dom stał się muzeum-galerią obrazów meksykańskich artystów. Ruch feministyczny lat 70. ożywił także zainteresowanie artystką, gdyż Frida przez wielu była postrzegana jako ikoniczna postać feminizmu. Biografia Fridy Kahlo napisana przez Haydena Herrerę i nakręcony w 2002 roku film Frida nie pozwalają, aby to zainteresowanie osłabło.
Autoportrety Fridy Kahlo
Ponad połowa prac Fridy to autoportrety. Zaczęła rysować w wieku 18 lat, po strasznym wypadku. Jej ciało było poważnie połamane: uszkodzony był kręgosłup, połamane kości miednicy, obojczyk i żebra, a tylko na jednej nodze było jedenaście złamań. Życie Fridy wisi na włosku, ale młoda dziewczyna była w stanie wygrać i, co dziwne, rysunek jej w tym pomógł. Nawet w sali szpitalnej umieszczono przed nią duże lustro i Frida się rysowała.
Na prawie wszystkich autoportretach Frida Kahlo przedstawiała siebie jako poważną, ponurą, jakby zamrożoną i zimną, z surową, nieprzeniknioną twarzą, ale wszystkie emocje i przeżycia emocjonalne artystki można wyczuć w otaczających ją szczegółach i postaciach. Każdy z obrazów zawiera uczucia, których Frida doświadczyła w pewnym momencie. Za pomocą autoportretu zdawała się próbować zrozumieć siebie, odsłonić swój wewnętrzny świat i uwolnić się od szalejących w niej namiętności.
Artysta był niesamowitą osobą o ogromnej sile woli, która kocha życie, umie się radować i kochać bezgranicznie. Najbardziej przyciągały jej pozytywne nastawienie do otaczającego ją świata i zaskakująco subtelne poczucie humoru różni ludzie. Wielu próbowało dostać się do jej „Błękitnego Domu” ze ścianami w kolorze indygo, aby naładować się optymizmem, który dziewczyna w pełni posiadała.
Frida Kahlo w każdy namalowany przez siebie autoportret wkładała siłę swojej postaci, całą udrękę psychiczną, której doświadczyła, ból straty i prawdziwą siłę woli; na żadnym z nich się nie uśmiecha. Artystka zawsze przedstawia siebie jako surową i poważną. Frida bardzo ciężko i boleśnie przeżyła zdradę ukochanego męża Diego Rivery. Autoportrety powstałe w tym okresie są dosłownie przesiąknięte cierpieniem i bólem. Jednak pomimo wszystkich prób losu artysta był w stanie pozostawić po sobie ponad dwieście obrazów, z których każdy jest wyjątkowy.
« Surrealizm jest magiczną niespodzianką, kiedy
Jestem pewien, że w szafa znajdziesz
koszule, a tam znajdziesz lwa.»
Frida Kahlo to bodaj najbardziej kontrowersyjna i ikoniczna postać w Meksyku, której obrazy są do dziś kochane i wysoko cenione. Będąc zagorzałą komunistką, zawziętą, wulgarną kobietą i ekscentryczną artystką, która uwielbiała palić, pić tequilę i zachować pogodę ducha, Kahlo była i będzie przykładem silna kobieta. Obecnie symulakry jej obrazów sprzedają się w milionach egzemplarzy, a każdy wielbiciel jej twórczości stara się posiadać choć jeden autoportret, aby z dumą powiesić go na ścianie i zachwycać oczy swoim uduchowionym pięknem.
Frida Kahlo, uznana przez Andre Bretona za najwybitniejszych surrealistów swoich czasów, zdobyła uznanie i miłość innych artystów. Umiejętnie wcieliła swoją fascynującą biografię, której towarzyszy śmierć, na białe płótno innego, fikcyjnego życia. Być artystą wydarzeń własnego życia to być odważnym obserwatorem, który nie umie płakać, pisarzem, który portretuje siebie jako bohatera wyśmiewanego przez naturę, a w końcu po prostu obcego przedmiotu w jego oczach, pełnego życia. Frida Kahlo bez cienia wątpliwości była taką osobą. Artystka ze spojrzeniem pełnym autentycznej walki i pozbawionym strachu często spoglądała na swoje odbicie w pochmurnym lustrze, a potem jednym pociągnięciem pędzla odtwarzała skrywaną w głębi duszy samotność i cierpienie. Białe płótno płótna to nie tylko narzędzie do malowania, jest jak klatka, w której Frida uwięziła swój nieznośny ból straty, wieczną utratę zdrowia, miłości i sił, pozbywając się go raz na zawsze, jak z irytujące dziecko. Chociaż nie, nie na zawsze, ale tylko na jakiś czas... Na razie nowe kłopoty nie zapukała do zamkniętych drzwi jej domu.
Patrząc krótki życiorys tej kobiety przez pory radości i śmiechu przebija się oblicze śmierci. Niestety za dostojną postacią Fridy Kahlo zawsze krył się wyblakły cień nieszczęścia. Czasami śmierć wydawała dźwięki swoimi ognistymi krakersami, aby zastraszyć, czasami uśmiechała się szeroko, czując swoje zwycięstwo, a czasami nawet zakrywała oczy kościstymi dłońmi, obiecując szybki koniec. Nic dziwnego, że motywy bólu, rozdzierającej agonii, a nawet kultu śmierci artystki znalazły odzwierciedlenie w jej wczesnych i późniejszych pracach.
A ponieważ echo tego tematu jest szeroko rozpowszechnione w malowanie obrazów Kahlo, na własne ryzyko i ryzyko, w obawie przed zarażeniem się toksycznymi oparami, dotkniemy sztuki bolesnej, zawsze prowokowanej smutnymi wydarzeniami, które niegdyś rozebrały życie meksykańskiego artysty na „przed” i „po”.
Zaczynając z daleka
Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderon urodziła się 6 lipca 1907 roku w małym miasteczku Coyocan, wówczas na przedmieściach Meksyku, i była trzecią z czterech córek Matyldy i Guilmero Kahlo. Matka artystki była pochodzenia meksykańskiego, w jej przodkach można było dostrzec indyjskie echa. Ojciec był Żydem o niemieckich korzeniach. Przez większość życia pracował jako fotograf, wykonując zdjęcia do różnych publikacji i magazynów. Namiętnie kochając swoje córki i nie pozbawiając nikogo uwagi, ostatecznie Guilmero najsilniej wpłynął na kształtowanie się gustów i postawy Fridy, której los był znacznie straszniejszy niż los pozostałych sióstr.
« Pamiętam, że miałem cztery lata, gdy wydarzyło się „tragiczne dziesięć dni”. Widziałem na własne oczy bitwę chłopów Zapata z Carrancistami.»
Tymi słowami opisał przyszły artysta osobisty pamiętnik jego pierwsze wspomnienie o Decena Tragica („tragiczne dziesięć dni”). Dziewczynka miała zaledwie cztery lata, gdy wokół jej dzieciństwa wybuchła rewolucja, która z łatwością pochłonęła dziesiątki tysięcy istnień ludzkich. Świadomość Fridy mocno wchłonęła krwawego ducha rewolucyjnego ducha, z którym później przeżyła swoje życie, a zapach śmierci przenikał wszystko na wskroś, odbierając dziewczynie pewną dziecinną, dziecinną beztroskę.
Kiedy Frida kończy sześć lat, pierwsze nieszczęście bezpośrednio wpływa na jej los. Choruje na polio, które bezlitośnie więdnie jej prawą nogę, barbarzyńsko przykutą do łóżka. Pozbawiona możliwości zabaw i igraszek z innymi dziećmi na podwórku, Frida przeżywa pierwszą traumę psychiczną i liczne kompleksy. Po ciężkim przebiegu choroby, która postawiła przyszłe życie Dziewczyny miały wątpliwości, prawa noga pozostała cieńsza od lewej, pojawiło się utykanie, które nie zniknęło do końca dni. Dopiero później Kahlo nauczyła się ukrywać swoją małą wadę pod długimi brzegami spódnic.
W 1922 roku wśród trzydziestu pięciu dziewcząt z dwóch tysięcy uczennic Frida Kahlo uczestniczyła w Narodowym szkoła przygotowawcza, zamierzających w przyszłości studiować medycynę na uniwersytecie. W tym okresie podziwia Diego Riverę, który pewnego dnia zostanie jej mężem i będzie katalizatorem wielu kryzysów psychicznych i cierpień fizycznych.
Wypadek
Nieprzyjemne wydarzenia, które miały miejsce w przeszłości, jak się okazało, były jedynie łatwym przygotowaniem do trudniejszych prób, jakie spotkały kruchą dziewczynę.
17 września 1925 roku, wracając ze szkoły, Frida Kahlo i jej przyjaciel Alejandro Gomez Arias wsiedli do autobusu jadącego do Coyocan. Pojazd stał się symbolem definiującym. Jakiś czas po odjeździe doszło do strasznej katastrofy: autobus zderzył się z tramwajem, kilka osób zginęło na miejscu. Frida doznała wielu obrażeń na całym ciele, tak poważnych, że lekarze wątpili, czy dziewczynka przeżyje i czy będzie mogła w przyszłości prowadzić normalne, zdrowe życie. Najgorszym rokowaniem była śmierć. Najbardziej optymistyczna prognoza była taka, że wyzdrowieje, ale nie będzie mogła chodzić. Tym razem śmierć nie bawiła się już w chowanego, lecz stanęła nad wezgłowiem szpitalnego łóżka, trzymając w rękach czarny całun zakrywający głowę zmarłego. Ale zahartowana chorobami z dzieciństwa Frida Kahlo przeżyła. Wbrew wszystkiemu. I wróciła na nogi.
To właśnie to fatalne wydarzenie stało się w przyszłości podatnym gruntem do pierwszych dyskusji na temat śmierci i interpretacji jej obrazu w obrazach Fridy.
Zaledwie rok później Frida wykonuje szkic ołówkiem, nazywając go „Krajem” (1926), w którym krótko szkicuje katastrofę. Zapominając o perspektywie, Kahlo maluje scenę zderzenia autobusu w sposób rozproszony w najwyższym rogu. Linie rozmazują się, tracą równowagę, przypominając w ten sposób kałuże krwi, ponieważ rysunek jest czarno-biały. Zmarli są przedstawiani jedynie z sylwetki, nie mają już twarzy. NA pierwszoplanowy na noszach Czerwonego Krzyża leży zabandażowane ciało dziewczynki. Jej własna twarz unosi się nad nim i patrzy na to, co się dzieje, z wyrazem zaniepokojenia.
W tym szkicu, nie przypominającym jeszcze żadnego ze znanych nam dzieł, śmierć nie zyskuje pełni, obrazu wygenerowanego przez świadomość Fridy. Daje się to odczuć jedynie poprzez unoszącą się w powietrzu, zasmuconą twarz ducha, jakby wyznaczającą granicę między życiem a śmiercią.
Ten rysunek jest jedynym obrazowym dowodem wypadku. Kiedy już tego doświadczyła, artystka nigdy więcej nie podejmowała tego tematu w swoich późniejszych pracach.
Na przykład
21 sierpnia 1929 roku Frida Kahlo i wspomniany już muralista Diego Rivera pobrali się. W 1930 roku Frida przeżywa straszliwą stratę, która zmienia jej podejście do życia: jej pierwsza ciąża zostaje poroniona. Dziewczynie, która w wyniku wypadku doznała obrażeń kręgosłupa i miednicy, trudno jest urodzić dziecko. W tym czasie Rivera otrzymał rozkaz pracy w USA i to już w listopadzie małżonkowie przenosi się do San Francisco.
Inne szczegóły życie publiczne dwójka wybitnych artystów raczej nas teraz nie zainteresuje, cofnijmy się więc do czasu, kiedy na płótnach Fridy znów z okrucieństwem rozkwitają motywy bólu i rozpaczy.
latające łóżko
W 1932 roku Frida i Diego jadą do Detroit. Kahlo z radością przyszła mama odkrywa, że jest w ciąży i ma oczywiście nadzieję na lepsze rozwiązanie swojej sytuacji. Daje się we znaki strach przed pierwszą nieudaną ciążą. Niestety los postanowił inaczej. 4 lipca tego samego roku Frida poroniła. Lekarze stwierdzają, że dziecko zmarło w łonie matki i konieczna jest aborcja.
Tonąc we łzach i przygnębieniu, leżąc na szpitalnym łóżku, Frida maluje obraz przypominający obrazy wotywne. Artystka wykazuje niesamowitą umiejętność łączenia faktów biograficznych ze swojego życia i fantazji. Rzeczywistość przekazywana jest nie tak, jak wielu ją widzi, ale inaczej, modyfikowana przez zmysły percepcji. Świat zewnętrzny zostaje zredukowany do najważniejszych elementów.
Na zdjęciu widzimy małą, bezbronną postać Fridy leżącą na ogromnym łóżku pośrodku rozległej równiny. Łóżko zdaje się poruszać w pustej przestrzeni, chcąc odbić się od ziemi i wnieść do niej bohaterkę inny świat, gdzie nie ma już bolesnych prób męstwa. Frida jest na skraju śmierci, pod jej kroczem widoczna jest duża plama ciemnobrązowej krwi, a z oczu płyną łzy. I znowu, gdyby nie lekarze, Frida mogłaby umrzeć. Równina stwarza poczucie samotności i bezradności, tylko wzmagając chęć szybkiej śmierci. Ukazany w oddali pejzaż przemysłowy wzmacnia obraz opuszczenia, zimna, zagubienia i obojętności ludzi z zewnątrz.
Wydaje się, że dłoń Fridy niechętnie trzyma wiązkę czerwonych nitek przypominających żyły lub tętnice. Każdy koniec nici jest przywiązany luźnym węzłem do przedmiotu, który ma określone znaczenie. W prawym dolnym rogu znajdują się delikatne kości miednicy - przyczyna nieudanej ciąży i aborcji. Następny jest blaknący kwiat jasnofioletowego koloru. Jak wiadomo, fioletowy w niektórych kulturach jest kolorem śmierci. W w tym przypadku może symbolizować wyczerpanie życia, jego matowe kolory i rzadkie przebłyski szczęścia. Jedyne co wyróżnia się z dolnego rzędu to metalowy przedmiot przypominający silnik. Najprawdopodobniej służy jako kotwica utrzymująca łóżko w bezruchu. W górnej części pośrodku znajduje się zdjęcie embrionu dziecka. Ma zamknięte oczy – nie żyje. Nogi złożone w pozycji lotosu. Po prawej stronie zdjęcia znajduje się ślimak, który ma uosabiać powolność czasu, jego długość i cykliczność. Po lewej stronie manekin przedstawiający ludzki tors na stojaku, ilustrujący podobnie jak miednica uszkodzone kości kręgosłupa, które nie pozwalają matce prowadzić pełni życia.
Ogólny nastrój pracy ujawnia chęć pozbycia się cierpień spowodowanych czasem i życiem. Wygląda na to, że teraz Frida uwolni się od tych cienkich nitek i jej łóżko powoli odleci w inne światy, niesione coraz dalej i dalej przez sam wiatr.
Co ciekawe, w przyszłości nad łóżkiem Fridy wisi więcej niż jeden meksykański szkielet – co będzie przypomnieniem o śmiertelności każdego człowieka. Pamiętaj o śmierci.
Tylko kilka zastrzyków
W 1935 roku Frida stworzyła tylko dwie prace, z których „Tylko kilka ukłuć” szczególnie szokuje widza swoim krwawym okrucieństwem.
Obraz jest wizualną paralelą do doniesienia prasowego o kobiecie zamordowanej przez męża w przypływie zazdrości.
Podobnie jak większość dzieł Fridy Kahlo, także i tę pracę należy postrzegać w świetle osobistych okoliczności. Dzień wcześniej artystce amputowano kilka palców u nóg. Relacja z Riverą w tym okresie była trudna i zagmatwana, więc Frida niewątpliwie mogła znaleźć ulgę jedynie w symbolice własnego malarstwa.
Rivera, który od ślubu pozostawał w stosunkach seksualnych z niezliczoną liczbą dziewcząt, tym razem zainteresował się siostrą Fridy, Christiną.
Głęboko zraniona tym stanem rzeczy Frida Kahlo opuściła dom rodzinny.
Obraz „Tylko kilka ukłuć” można rozumieć jako stan ducha artysty. Ciało, ponownie leżące na łóżku, od dawna zostało uśmiercone zimną bronią – nożem. Cała podłoga pokoju jest poplamiona krwią, ręka kobiety jest bezradnie odrzucana do tyłu. Należy założyć, że Frida na wzór głównej bohaterki ucieleśniała śmierć własnego złamanego ducha, który nie chce już walczyć z niewiernością rozwiązłego męża. Rama, w którą owinięte jest płótno, również jest pomalowana „kroplami” krwi.
Jest to jeden z nielicznych obrazów przedstawiających śmierć bezpośrednie znaczenie, bez ukrywania się pod warstwą obrazów i symboli.
Samobójstwo Dorothy Hale
W 1933 roku para przeniosła się do Nowego Jorku, gdzie Rivera namalował swój monumentalny mural w Rockefeller Center. W 1938 roku Claire Booth Lucey, wydawca magazynu o modzie Vanity Fair, zamówiła obraz u Fridy Kahlo. Jej przyjaciółka Dorothy Hale, którą Frieda również znała, popełniła samobójstwo
ze mną w październiku tego samego roku.
Sama Claire tak wspomina ten ciąg wydarzeń:
« Niedługo potem poszłam do galerii na wystawę malarstwa Fridy Kahlo. Sama wystawa była pełna ludzi. Kahlo przeszła przez tłum do mnie i natychmiast zaczęła opowiadać o samobójstwie Dorothy. Nie tracąc czasu, Kahlo zaproponowała, że zrobi portret Doroty. Nie mówiłem wystarczająco dobrze po hiszpańsku, aby zrozumieć, co oznacza słowo recuerdo. Myślałem, że Kahlo namaluje portret Doroty, podobny do jej autoportretu (dedykowanego Trockiemu), który kupiłem w Meksyku. I nagle pomyślałam, że portret Doroty, stworzony przez znajomego słynnego artystę, może być czymś, co chciałaby mieć jej biedna matka. Tak powiedziałem i Kahlo pomyślała to samo. Zapytałem o cenę, Kahlo podała cenę i powiedziałem: „Wyślij mi portret, kiedy go skończysz. Potem wyślę to matce Doroty.»
Tak powstał film „Samobójstwo Dorothy Hale”. To jest rekreacja prawdziwe wydarzenie w formie starożytnego obrazu wotywnego. Dorothy Hale wyskoczyła z okna swojego mieszkania. Podobnie jak w przypadku fotografii poklatkowej, Frida Kahlo rejestruje różne pozycje ciała jesienią, a na pierwszym planie umieszcza martwe już zwłoki poniżej. Historię wydarzenia krwistoczerwonymi literami opisuje poniższy napis:
« W Nowym Jorku 21 października 1938 roku o szóstej rano pani Dorothy Hale popełniła samobójstwo skacząc przez okno. Na jej pamiątkę Frida Kahlo stworzyła to retablo».
W przeddzień samobójstwa nieudana aktorka, zmuszona żyć dzięki hojności znajomych, zaprosiła do siebie przyjaciół, oznajmiając, że wybiera się w długą, ciekawą podróż i urządza z tej okazji przyjęcie pożegnalne.
Zainspirowana tą historią Frida po mistrzowsku poradziła sobie ze swoim zadaniem, gdyż najwyraźniej w tym kulminacyjnym akcie poczuła echo czegoś znajomego. To prawda, że klientowi nie podobała się interpretacja portretu przyjaciela. Claire Booth Lucy powiedziała, kiedy wzięła go w ramiona skończona praca: „Nie rozkazałbym przedstawiać tak zakrwawionego wroga nawet zaprzysięgłego, a tym bardziej mojego nieszczęsnego przyjaciela”.
Sen lub łóżko
W 1940 roku Frida jest leczona przez doktora Eloessera w San Francisco. W tym samym roku artysta ponownie poślubił Diego Riverę.
Zmęczona bólem pleców, miednicy i nogi Frida Kahlo coraz częściej zwraca się w malarstwie do motywów własnego zniknięcia. Potwierdza to kolorowy obraz zatytułowany „Sen, czyli łóżko”.
Postać leżąca na baldachimie łóżka przedstawia wizerunek Judasza. Takie postacie są zwykle wysadzane w powietrze na meksykańskich ulicach w sobotę wielkanocną, ponieważ wierzy się, że zdrajca znajdzie zbawienie poprzez samobójstwo.
Uważając się za zdrajczynię własnego życia, Frida przedstawia swoje ciało jako ponownie śpiące. Ale jej twarzy nie zniekształca grymas cierpienia. Emanuje spokojem i spokojem, którego tak bardzo brakuje Życie codzienne Meksykański artysta. Przykryta żółtym kocem, z rozwianymi włosami, opleciona arabeską z roślin. Unosząc się w chmurach, ten Judasz pewnego dnia eksploduje i wtedy nadejdzie koniec wszystkiego, co ciężkie i śmiertelne, dokona się akt czystości - upragnione samobójstwo.
Myślenie o śmierci
W 1943 roku Frida Kahlo została mianowana profesorem szkoły artystycznej La Esmeralda. Niestety kilka miesięcy później ze względów zdrowotnych zmuszona była prowadzić zajęcia w domu w swoim rodzinnym Coyocan.
Według wielu to właśnie to wydarzenie skłoniło artystę do napisania autoportretu „Myśląc o śmierci”. Nie chcąc siedzieć zamknięta w domu, jak to miało miejsce wcześniej, gdy Frida była ciężko chora, Kahlo często nawiedzały myśli o śmierci.
Według starożytnych meksykańskich wierzeń śmierć oznacza zarówno nowe życie, jak i narodziny, a tego właśnie brakowało poddającej się już Fridzie. Na tym autoportrecie śmierć ukazana jest na szczegółowym tle złożonym z ciernistych gałęzi. Kahlo zapożycza ten symbol z mitologii przedhiszpańskiej, poprzez którą wskazuje na odrodzenie po śmierci. Bo śmierć jest drogą do innego życia.
Viva la Vida
W 1950 roku Frida przeszła 7 operacji kręgosłupa. Całe dziewięć miesięcy spędziła w szpitalnym łóżku, które stało się już codziennością. Nie było wyboru – artysta pozostał wózek inwalidzki. Los nadal prezentował swoje podstępne dary. Na rok przed śmiercią, w 1953 roku, amputowano jej prawą nogę, aby zapobiec rozwojowi gangreny. W tym samym czasie w Meksyku, w jej ojczyźnie, otwarto pierwszą osobistą wystawę, na której zaprezentowano wszystkie owoce bólu
i testy. Frida nie mogła przyjść na otwarcie, licząc własną siłę karetka zawiozła ją pod wejście. Jak zawsze pozostała pogodna, artystka w jednej ręce trzymała papierosa, a w drugiej kieliszek ulubionej tequili.
Tydzień przed śmiercią napisała Frida Kahlo ostatnie zdjęcie„Niech żyje życie”. Jasna martwa natura odzwierciedlająca stosunek Fridy do życia i śmierci. I pomimo bólu, nawet w godzinie śmierci, Kahlo wybrała życie.
Frida Kahlo zmarła w domu, w którym się urodziła, w wieku 47 lat.
Oczywiście w powyższym opisie nie wszystkie obrazy i panele, które w ten czy inny sposób nawiązują do tematu śmierci, są prezentowane widzowi. To tylko niewielka część tego, co zostało napisane. Ale nawet dzięki sześciu opisanym tutaj obrazom można pobieżnie zapoznać się z osobowością i życiem wspaniałej meksykańskiej artystki Fridy Kahlo, która niosła na ramionach ból i odwagę i odważnie wspięła się na Kalwarię życia.
