Eisenstein miał pracować dla rządu, Goya dla króla. Pracuję dla rynku sztuki. W całej historii sztuki istniał konkretny klient – ​​kościół lub rząd. Co ciekawe, gdy tylko instytucje przestały być głównymi klientami, zaczęli nimi być artyści nowy problem poszukując tego, co chcą przedstawić na płótnie. W przeciwieństwie do króla rynek sztuki nie dyktuje nam, co dokładnie mamy robić, więc jestem bardziej wolny niż artyści, którzy byli przede mną.

Goya nie tworzył rycin dla kościoła czy królów, więc są one znacznie bliższe temu, co robię. W przypadku Eisensteina próbowaliśmy, staraliśmy się usunąć wiele kontekstu politycznego, spowolniliśmy materiał filmowy, pozostawiając same obrazy – więc próbowaliśmy uciec od polityki. Kiedy byłem studentem, nigdy nie myślałem o tle politycznym, represjach, presji, które towarzyszyły kręceniu tych filmów. Ale im więcej studiowałem Eisensteina, tym bardziej zdawałem sobie sprawę, że chciał po prostu kręcić filmy i w tym celu, niestety, był zmuszony szukać wsparcia rządowego.

Kiedy Caravaggio znalazł się w Rzymie, musiał pracować dla kościoła. W przeciwnym razie po prostu nie miałby okazji malować dużych obrazów. W rezultacie był zmuszony wielokrotnie opowiadać te same historie. To zabawne, jak bardzo przypomina popularny hollywoodzki film. Z artystami przeszłości mamy więc znacznie więcej wspólnego, niż nam się wydawało, a ich wzajemny wpływ jest trudny do przecenienia. Sam Eisenstein studiował prace Goi i nawet stworzył obrazy, które wyglądają jak scenorysy – oto sześć z nich, wszystkie razem wyglądają jak scenorysy do filmu. A ryciny są parzyste.

Tak czy inaczej, wszyscy artyści są ze sobą powiązani i wpływają na siebie nawzajem. Historia sztuki to wspaniała broń, która pomaga nam stawić czoła wyzwaniom każdego nowego dnia. Osobiście też posługuję się w tym celu sztuką – to jest mój wehikuł czasu.

Francisco Goya, „Tragiczny przypadek byka atakującego widzów na stadionie w Madrycie”

Seria „Tauromachia”, arkusz 21

Dowiedzieliśmy się, że w Muzeum Rewolucji w Moskwie znajduje się komplet rycin Goi. Był to prezent od ZSRR w 1937 roku jako dowód wdzięczności za pomoc Hiszpanom w walce z Franco. Ryciny są po prostu wyjątkowe: ostatni egzemplarz powstał z oryginalnych płyt Goyi i wszystkie - co jest po prostu niesamowite - wyglądają, jakby były wczoraj wydrukowane. Na wystawie staraliśmy się unikać jak najbardziej słynne dzieła- Myślę po prostu, że ludzie trochę dłużej będą patrzeć na nieznane dzieła. Wybraliśmy także te, które moim zdaniem wyglądają niemal jak film lub dziennikarstwo.

Mam nawet w domu akwafortę Goyi, kupiłam ją dawno temu. A z prezentowanych na wystawie moim ulubionym jest ten z bykiem. Praca wygląda dokładnie jak kadr z filmu – filmowo wszystko jakoś ze sobą współgra, byk z ogonem i ludzie, z którymi zdaje się zderzać. Kiedy patrzę na tę pracę, zawsze myślę o tym, co wydarzyło się wcześniej i co wydarzy się po tej chwili. Zupełnie jak w filmach.

Francisco Goya, „Niesamowite szaleństwo”

Seria „Przysłowia”, arkusz 3

Oto kolejna praca, która bardzo mi się podoba - rodzina Goi stoi w rzędzie, jakby ptaki siedziały na gałęzi drzewa. Sama mam trzech synów i ten grawer kojarzy mi się z rodziną, jest w nim coś pięknego i ważnego.

Kiedy maluję, bardzo często myślę o tym, co później stanie się z bohaterami mojego obrazu. Często wykonuję ćwiczenie kadrowe, niczym w komiksie, gdzie szkicuję mnóstwo prostokątów. różne rozmiary i eksperymentuję z kompozycją we wnętrzu. I w tym sensie Eisenstein jest doskonałym przykładem do naśladowania, jego kompozycje są nienaganne: obraz często budowany jest wokół przekątnej i taka konstrukcja tworzy napięcie psychiczne.

Siergiej Eisenstein i Grigorij Aleksandrow, kadr z filmu „Pancernik Potiomkin”

Uwielbiam wszystkie filmy Eisensteina, a z Potiomkina pamiętam przede wszystkim tę piękną scenę z łodziami w porcie. Woda błyszczy, co sprawia, że ​​ujęcie jest niezwykle piękne. A moim najbardziej ulubionym ujęciem jest prawdopodobnie to z wielką flagą i krzykiem Lenina. Obydwa ujęcia to naprawdę swego rodzaju arcydzieła.

Siergiej Eisenstein, kadr z filmu „Sentymentalny romans”

W filmie „Sentymentalny romans” pojawia się niezwykle mocne ujęcie: kobieta stoi w mieszkaniu przy oknie. To naprawdę wygląda jak obraz.

Bardzo mnie też ciekawi, co się stanie, gdy umieścimy te filmy obok siebie – w kinie oglądamy scenę po scenie, a tutaj widzimy obrazy w zwolnionym tempie różne filmy położony w pobliżu. Wydaje mi się, że ten dziwny kolaż wyjaśnia, jak działa mózg Eisensteina. W jego filmach kamery nie poruszały się za aktorami, były statyczne, a on za każdym razem proponuje nam wyraźnie skonstruowane, konkretne obrazy. Eisenstein pracował u zarania kina i każdą klatkę trzeba było wcześniej sobie wyobrazić – faktycznie zobaczyć przyszły film obraz za obrazem.

Kino, malarstwo i sztuka współczesna to jedno i to samo: tworzenie obrazów. Któregoś dnia byłem w muzeum, szukając Czarnego Kwadratu i spacerując po tych wszystkich salach obrazów i obrazów, uświadomiłem sobie coś ważnego. Główna siła sztuka jest palącym pragnieniem istota ludzka wyjaśnić ci, co dokładnie widzi. „Tak to widzę” – mówi nam artysta. Czy wiesz, co mam na myśli? Czasami może ci się wydawać, że korona drzewa przypomina twarz i od razu chcesz o tym powiedzieć swojemu przyjacielowi, zapytaj go: „Czy widzisz to, co ja?” Tworzenie sztuki to próba pokazania ludziom, jak Ty widzisz świat. A w sercu tego leży pragnienie poczucia, że ​​żyjemy.

Robert Longo, bez tytułu, 2016

(Fabuła nawiązuje do tragicznych wydarzeń w Baltimore. - Notatka wyd.)

Wybrałem ten obraz nie tylko po to, aby pokazać, co się wydarzyło, ale także aby wyjaśnić, jak ja to widzę i co o tym myślę. Jednocześnie oczywiście należało stworzyć taki obraz, na który widz będzie chciał patrzeć. Myślę też, że możesz nie czytać gazet i nie wiedzieć, co się wydarzyło, ale to jest błędne – ważne jest, aby zobaczyć wszystko.

Bardzo podoba mi się ten obraz (obraz Théodore’a Gericaulta, namalowany w 1819 r., przedstawiający wrak fregaty u wybrzeży Senegalu. – Notatka wyd.) - dla mnie to naprawdę niesamowite dzieło o straszliwej katastrofie. Czy pamiętasz, co to było? Ze 150 osób na tratwie przeżyło tylko 15. Staram się także pokazywać piękno katastrof, a dziury po kulach na moich obrazach są tego świetnym przykładem.

Jestem daleki od polityki, a idealnie chciałbym móc żyć swoim życiem i po prostu wiedzieć, że ludzie nie cierpią. Ale robię, co muszę i pokazuję, co muszę.

Myślę, że obaj artyści byli w tym zaangażowani podobna sytuacja. Szkoda, że ​​głębokie idee filmów Eisensteina zostały zniekształcone. Podobnie jest z sytuacją w Ameryce: idea demokracji, która leży w sercu naszego kraju, jest nieustannie wypaczana. Goya też był świadkiem strasznych wydarzeń i chciał, żebyśmy spojrzeli na wszystko realistycznie, jakby chciał zatrzymać to, co się działo. Mówi o spowolnieniu świata i percepcji. Myślę, że celowo spowalniam wszystko w swoich obrazach. Można włączyć komputer i szybko przeglądać tysiące zdjęć w Internecie, ale ja chcę je tworzyć w sposób, który zatrzyma czas i pozwoli przyjrzeć się sprawom z bliska. Aby to zrobić, w jednej pracy mogę połączyć kilka obrazów, jak w sztuka klasyczna, a ta idea połączenia nieświadomości jest dla mnie niezwykle ważna.

Robert Longo, bez tytułu

5 stycznia 2015 (praca jest hołdem złożonym pamięci redaktorów Charlie Hebdo. - Notatka wyd.)

Temat ten był dla mnie niezwykle ważny, gdyż sama jestem artystką. Hebdo to magazyn, w którym pracowali rysownicy, czyli artyści. To, co się wydarzyło, naprawdę mnie zszokowało: każdy z nas mógł znaleźć się wśród tych, którzy zginęli. To nie jest tylko atak na Hebdo – to atak na wszystkich artystów. Terroryści chcieli powiedzieć: nie powinno się robić takich zdjęć, więc ta groźba właściwie mnie niepokoi.

Wybrałem jako podstawę obrazu pęknięte szkło. Przede wszystkim jest piękny – będziesz chciał na to spojrzeć w ten czy inny sposób. Ale tak nie jest jedyny powód: przypominało mi meduzę, jakieś organiczne stworzenie. Z dziury w szkle wychodzą setki pęknięć, niczym echo strasznego wydarzenia, które miało miejsce. Wydarzenie to należy do przeszłości, ale jego konsekwencje nadal trwają. To naprawdę przerażające.

Robert Longo, bez tytułu

2015 (praca poświęcona jest katastrofie z 11 września. - Notatka wyd.)

Jedenastego września grałem w koszykówkę w jednym z tzw siłownie Brooklynie, na 10. piętrze wysoki budynek i z okna widziałem wszystko doskonale. A moja pracownia znajduje się niedaleko miejsca tragedii, więc długo nie mogłam się tam dostać. W moim studiu jest duży obraz, stworzony na cześć tego strasznego wydarzenia - początkowo po prostu naszkicowałem rysunek na ścianie pracowni i narysowałem samolot. Ten sam samolot, który wleciał w pierwszą wieżę, namalowałem go na ścianie. Potem musiałam przemalować ściany pracowni i bardzo się martwiłam, że rysunek zniknie, więc zrobiłam kolejny. Proszę pamiętać, że wszystkie moje rysunki na wystawie są przykryte szkłem - dzięki temu widzicie w nich swoje odbicia. Samoloty zderzają się z odbiciami, a fragmenty niektórych moich prac odbijają się w sobie. Są na wystawie pewne ujęcia, gdzie pod pewnym kątem widać dziurę po kuli w Jezusie, a tutaj widać, jak samolot w coś uderza.

Dla mnie nakładanie na siebie rysunków to nie tylko chronologia katastrof, ale raczej próba uzdrowienia. Czasami bierzemy truciznę, żeby wyzdrowieć i ważne jest, aby mieć odwagę żyć z otwartymi oczami, mieć odwagę widzieć pewne rzeczy. Ja sam prawdopodobnie nie jestem bardzo odważny człowiek- wszyscy mężczyźni lubią myśleć, że są odważni, ale wydaje mi się, że większość z nich to tchórze.

Mam szczęście, że mam okazję wystawiać i wykorzystuję tę okazję, aby mówić o tym, co moim zdaniem jest ważne. Nie ma potrzeby tworzyć czegoś tajemniczego, złożonego, pełnego narcyzmu. Zamiast tego lepiej zająć się kwestiami, które są teraz istotne. To właśnie myślę o prawdziwych zadaniach sztuki.

Opracowanie stanowi analizę filmu Johnny Mnemonic, jedynego pełnometrażowego filmu w reżyserii artysty Roberta Longo.

Aleksander URSUL

Po zapoznaniu się z obrazem pojawia się wiele pytań. Jak człowiek, który zasłynął dzięki rysunkom węglem, zwłaszcza cyklowi „Ludzie w miastach”, mógł zaangażować się w reżyserię? A także reżyserowanie takiego hitu z gwiazdorską obsadą? Roberta Longo oczywiście artysta komercyjny. Jego grafiki są modne, pokazują, jak styl rządzi dziś wszystkim, a co najważniejsze, życiem i śmiercią. Robert Longo jest postmodernistą. I dlatego może współpracować ze wszystkim, absolutnie wszystkim. Ale dlaczego wybrał fantastyka naukowa do wyrażania siebie? A na adaptację filmową – utwór z gatunku cyberpunk? Co z tego wynikło? Czy ten film jest zjawiskiem zauważalnym, czy przemijającym?

Najpierw przyjrzyjmy się, jakie doświadczenia Longo miał z wideo przed Mnemonic. W latach 80. wyreżyserował kilka teledysków: teledysk do utworu Bizarre Love Triangle Brytyjski zespół rockowy New Order (patrz niżej), teledysk do utworu Peace Sells amerykańskiego thrash metalowego zespołu Megadeth, wideo do hitu Amerykański zespół rockowy REM – Ten, którego kocham itp. Twórca klipów o długich formatach aktywnie korzysta z narzędzi edycyjnych – podwójnej ekspozycji, szybkich zmian klatek trwających krócej niż sekundę itp. Treść klipów ma nuty surrealizmu – np. mężczyzna w garniturze, który leci w dół, spadając swobodnie, ale nie może spaść itp. W teledysku do Megadeth reżyser delektuje się zbliżeniem śpiewu performera – nie, krzyczącego – ust – zobaczymy później zbliżenia usta i zaciśnięte zęby głównego bohatera, Johnny'ego Mnemonika. Klipy były regularnie pokazywane w kanałach telewizyjnych takich jak MTV.

Miłość Longo do muzyki nie jest bez powodu – w młodości organizował punkowy zespół Menthol Wars, który pod koniec lat 70. występował w rockowych klubach Nowego Jorku. Jednej z kompozycji można posłuchać tutaj:

W 1987 roku artysta nakręcił krótki film (34 min.) o grupie nowojorczyków – Arena Brains. Nie mogłem znaleźć tej pracy w Internecie. Istnieje jednak dzieło artysty Longo pod tym samym tytułem (patrz załącznik), na którym głowa mężczyzny, wyraźnie krzycząca, z odsłoniętymi zębami (powtórzona w pracy Longo obraz wizualny), gdzie znajduje się mózg, dodawany jest obraz ognia. Czy Twoje mózgi płoną?

(Kadry z teledysku Peace Sells metalowego zespołu Megadeth)

(Kadr z filmu Johnny Mnemonic)

(praca Longo zatytułowana Arena Brains)

Kolejnym krokiem w reżyserskiej karierze Longo była praca nad drugim odcinkiem czwartego sezonu projektu „Opowieści z krypty” (serial „This’ll Kill Ya”) amerykańskiego kanału HBO. „Opowieści z krypty” to kultowa w niektórych kręgach seria oparta na komiksach. Każdy 30-minutowy odcinek to inna historia, w której ludzie robią złe rzeczy i płacą za nie. W ciągu kilku lat nakręcono 93 odcinki horroru, z czego jeden powierzono Robertowi Longo. Asystentem reżysera był bratanek artysty, Christopher Longo (przyszły inżynier dźwięku w Hollywood).

„Umarłem, a ten człowiek mnie zabił” – to jedne z pierwszych słów wypowiedzianych w tej „opowieści”. Seria „To cię zabije” poświęcona jest pewnemu laboratorium, w którym nowy lek– godz. 24. Dwoje naukowców – Sophie i Peck – znajduje się pod przywództwem pewnego siebie początkującego George’a. Pewnego dnia zamiast leku, którego potrzebuje George, koledzy przypadkowo wstrzykują mu serum h24, ale nowy lek nie został jeszcze przetestowany na ludziach. Odcinek zawiera seks z byłą, trójkąt miłosny, paranoja, halucynogenne wizje ludzi pokrytych bąbelkami i morderstwo.

Przechodząc do , można zauważyć, że Longo często przechyla aparat na bok, aby uzyskać nietypowe kąty. W ten sam sposób będzie obecny w Johnny Mnemonic. Aktywnie wykorzystywana jest również podwójna ekspozycja. Niektóre plany projektowane są z dominacją jednego koloru, np. niebieskiego (porównaj z użyciem węgla drzewnego na rysunkach artysty).

Kilka klipów, krótki film i jeden odcinek – to całe doświadczenie Longo w tworzeniu filmów (przed „Mnemonic”). Całkiem mały. Ale wnioski z tego już możemy wyciągnąć. Grupy, dla których artysta realizował filmy wideo, choć działają w gatunkach „młodzieżowych” i początkowo działają w undergroundzie, odnoszą komercyjny sukces. Seria Opowieści z krypty, podobnie jak teledyski Longo, wydaje nam się jednoznacznie należeć do kultury popularnej. Pozostaje jednak pytanie, czy Longo bawił się w tych dziełach stylem, czy go przywłaszczył, czy też po prostu pracował dla własnej przyjemności w nowej specjalności, zarabiając pieniądze.

Teraz w końcu zaczniemy analizować film „Johnny Mnemonic”.

Co jest na powierzchni? Przebój kinowy 1995. Gatunek: cyberpunk. Budżet – 26 milionów dolarów. Gwiazda rzucać– Keanu Reeves (który zasłynął wówczas filmem „Prędkość”), Dolph Lundgren (aktor akcji), Takeshi Kitano (ten sam japoński aktor i reżyser), Ice-T (aktor i raper), Barbara Zukova (żona Robert Longo, zagrał w „Berlinie, Alexanderplatz” Fassbindera), Udo Kier (wcielił się w wielu charyzmatycznych antybohaterów w hollywoodzkich filmach) i innych. Akompaniament muzyczny autorstwa twórcy ścieżki dźwiękowej do Terminatora, Brada Fidela. Scenarzystą był jeden z twórców gatunku cyberpunk w literaturze – William Gibson, autor oryginalnej opowieści „Johnny Mnemonic” oraz dobry przyjaciel Longo.

Początkowo Gibson i Longo chcieli zrobić, ich zdaniem, film autorski z budżetem nie większym niż milion, dwa miliony dolarów, ale nikt im nie dał takich pieniędzy. Prace nad filmem trwały ponad pięć lat. Gibson zażartował, że to jego wykształcenie wyższe dostał to szybciej, niż nakręcili film. W pewnym momencie, zdaniem autorów, wpadli na pomysł nakręcenia filmu za 26 milionów dolarów i wtedy byli gotowi się z nimi spotkać.

(Ilustracje poniżej: szkice Longo i materiał filmowy z samego filmu Johnny Mnemonic)

O czym jest ta „opowieść o erze informacji”, jak nazywa ją pisarz science fiction Gibson?
Na początku filmu zostajemy wprowadzeni w sytuację poprzez tekst biegnący od dołu do góry. W najbliższej przyszłości – w 2021 roku – władza na świecie należy do możnych korporacje transnarodowe. W świecie całkowicie uzależnionym od technologii elektronicznej ludzkość cierpi na nową plagę – zespół wyczerpania nerwowego, czyli czarną febrę. Choroba jest śmiertelna. Dyktaturze korporacji sprzeciwiają się opozycjoniści nazywający siebie „Lotex” – hakerzy, piraci itp. Korporacje z kolei wynajmują Yakuzę (japońską mafię) do walki z rebeliantami. Trwa wojna informacyjna.

W całkowicie cybernetycznym świecie informacja jest głównym towarem. Najcenniejsze dane powierzane są kurierom – mnemoniki. Mnemonik to osoba posiadająca implant w mózgu, która jest w stanie przenosić w swojej głowie gigabajty informacji. Główny bohater– mnemonik John Smith – nie wie, gdzie jest jego dom. Kiedyś usunął swoje wspomnienia, aby zwolnić miejsce w swoim cybernetycznym mózgu. Teraz jego głowa służy innym za dysk twardy, a nawet pendrive. John oczywiście chce odzyskać pamięć. Jego szef sugeruje ostatni raz pracuj jako kurier, aby zdobyć wystarczająco dużo pieniędzy, aby odzyskać pamięć. Bohater wpada oczywiście w kłopoty – ilość informacji, które na siebie wziął, zostaje podwojona. Jeśli nie pozbędziesz się tych danych w ciągu 24 godzin, umrą. A po piętach bohaterowi idą zawodowi zabójcy – Yakuza.

Bohater bez przeszłości. W czarnym garniturze i białej koszuli z krawatem. W głowicy znajduje się gniazdo - złączka na przewody. Standaryzacja plus estetyka.

Polują na jego głowę dosłownie: chcą odciąć głowę, żeby dostać się do informacji. Bohater musi dobiec do celu – musi dostarczyć informacje skradzione korporacji Farmakom.

Za pomocą specjalnych rękawiczek i kasku Johnny jednoczy się z technologią i penetruje cyber-sieć, Internet przyszłości.

Longo wydaje się bawić gatunkiem. Pełno tu klisz: bohater budzi się w łóżku z inną przypadkową kobietą, Mnemonic bije wrogów uchwytem od ręcznika, złoczyńcy śmiejący się jak cholera w kowbojskich kapeluszach, zniknięcie przypadkowego wybawiciela w momencie, gdy bohater się odwraca przez kilka sekund dwóch głupich strażników, którzy nie zauważają wrogów, a także zdrady romans i szczęśliwe zakończenie pocałunkiem na tle płonącego budynku.

Dlatego lepiej podczas oglądania nie brać tego na poważnie, ale po prostu cieszyć się akcją.

Z jednej strony film wygląda jak kompletna tandeta. Tutaj yakuza z laserem na palcu i szalony kaznodzieja - cyborg z ogromnym nożem w kształcie krzyża (tutaj pamiętam cykl Longo „Krzyże” - Krzyże, 1992). Ale z drugiej strony jest subtelna praca ze stylem. Longo zna się na rzeczy. Nie wszystko jest takie proste – jest tu coś, co warto docenić.
Yakuza z laserem o imieniu Shinji – dlaczego stracił palec? U japońska mafia Jest zasada – jeśli zrobiłeś coś złego przed szefem, musisz odciąć sobie palec. Zatem ten zabójca, ścigając Johnny'ego, zamienił jego wadę w zaletę. Paliczek palca zastąpiono sztuczną końcówką, z której złoczyńca wyjmuje molekularną nić zdolną do natychmiastowego rozczłonkowania ludzkie ciało(co notabene zdarza się od czasu do czasu w kadrze).

Film pokazuje także konfrontację nowego ze starym. Szef yakuzy, grany przez Takeshi Kitano, szanuje tradycje, doskonale zna język japoński, ma w swoim biurze samurajską zbroję, a nawet ma kapcie. cechy ludzkie- współczucie i sumienie. A jego następca, zabójca Shinji, jest niemoralny, nieuczciwy i nie wie Język japoński i zdradza swojego szefa w imię władzy.

Kaznodzieja, który zabija dla pieniędzy na nowe implanty, znakomicie wcielony przez Dolpha Lundgrena, jest zawłaszczeniem charakterystycznego wizerunku fanatycznego złoczyńcy z japońskiej animacji (patrz załącznik). Nie bez powodu w jednej z początkowych scen – wpompowywania informacji do głowy Johnny’ego i strzelaniny – w telewizji pokazywane jest anime „Demon City Shinjuku”. Ogólnie rzecz biorąc, w filmie tu i ówdzie oglądają kreskówki, filmy z gatunku noir itp. Longo przyznał kiedyś, że uwielbia oglądać kreskówki – potwierdza to jego serial o superbohaterach (Superbohaterowie, 1998).

Temat zmodyfikowanego życia i motyw cyborgów artysta podjął później w projekcie Yingxiong (Bohaterowie), 2009. Przy okazji, zwróć uwagę na tytuł odcinka Chińskie słowo tłumaczone jako „bohater”. Artysta dostrzega wpływ Azji na postęp technologiczny.

Longo tworzy szalone miasto, w którym nigdy nie świeci słońce (środowisko jest złe – nad miastem wznosi się specjalna kopuła), społeczeństwo podzielone jest na odnoszących sukcesy urzędników z korporacji i umierających na choroby żebraków ze slumsów.

Bohaterowie korzystają z różnorodnej broni – od ogromnych futurystycznych pistoletów, noży i kusz po granatniki. Broń - ważny temat dla Roberta Longo (pamiętajcie jego projekt Bodyhammmers and Death Star, 1993).

Wizualnie film jest przyjemny dla oka. Są stylowe, zaśmiecone plany dymiących tuneli i ulic przyszłych miast. Możesz zobaczyć przerażające i ciekawe ujęcie odciętych palców i warzyw na desce do krojenia. Albo góra włączonych ekranów telewizyjnych, uosabiająca szaleństwo społeczeństwa informacyjnego.

Ujęcie rzędu telewizorów z zakłóceniami, przed którymi znajdują się puste ramki, daje do myślenia - telewizor znajduje się teraz w ramie sztuki. Artysta Longo tworzy coś z części kultura popularna. W wywiadzie opowiada, że ​​pod koniec lat 70., na początku 80 galerie sztuki były martwą przestrzenią, miejscem inspiracji były kluby rockowe i stare kina. Ta kultura była źródłem pożywienia w dniu artysty.

Jedna ze scen przedstawia klub nocny przyszłości – kiczowate fryzury, szalony makijaż, dziwni ludzie tańczący do rockowej arii, androgyniczni ochroniarze, barman z żelazną, mechaniczną ręką itp. Rebelianci z Lotexu też wyglądają śmiesznie – noszą dredy, tatuaże na twarzach, sami są brudni i nietowarzyscy. A w swojej bazie trzymają inteligentnego delfina o imieniu Jones (swoją drogą, ten inteligentny delfin był pierwotnie narkomanem, ale później wycięto scenę z delfinem zażywającym narkotyki). Owszem, miejscami to niepohamowany badziew, ale jednak wpisuje się w klimat filmu, w klimat cyberpunku.

Możesz nawet spróbować przeanalizować film za pomocą . Johnny Mnemonic chce dowiedzieć się, kim jest. Przypomnienie sobie czegoś. Budzić się. Ostatecznie Johnny staje przed wyborem – dowiaduje się, że w jego głowie kryje się przepis na lekarstwo na czarną febrę, które może uratować życie milionów ludzi.

Kluczowy monolog postaci granej przez Keanu Reevesa, Johnny’ego: „Przez całe życie starałem się nie opuszczać swojego kąta, nie miałem żadnych problemów. Mam dość! Nie chcę znaleźć się na śmietniku, wśród zeszłorocznych gazet i bezpańskie psy. Chcę dobrej obsługi! Chcę wypraną koszulę z hotelu w Tokio!” Johnny radzi sobie sam ze sobą, ratuje ludzkość, odnajduje swoją miłość – piękną ubraną w kolczugę cyborgową wojowniczkę rocka Jane (Dina Meyer) i dowiaduje się, kim jest. Wróciła mu pamięć. Przestał być ślepym naczyniem wiedzy innych ludzi.

Matką Johnny'ego okazuje się Anna Kalman, założycielka korporacji Farmakom, która zmarła kilka lat temu, ale nadal żyje w cybernecie. Matkę Johnny'ego grała żona Roberta Longo, Barbara Zukova. Tym bardziej Longo jako reżyser jest tym bardziej słusznie ojcem filmowego bohatera.

Kwestię pracowników umysłowych – osób z urzędów – Longo poruszał już w swoim artykule słynny projekt– „Ludzie w miastach”. Johnny'ego można postrzegać jako jednego z tych „miejskich facetów”.

Film miał bardzo aktywną promocję – sprzedawano produkty towarzyszące (t-shirty itp.), uruchomiono stronę internetową w Internecie, a także gra komputerowa na podstawie filmu, a Gibson pojawiał się nawet na różnych spotkaniach z zawodnikami i widzami. Jednak to nawet nie pomogło odzyskać budżetu. Film, który był szeroko rozpowszechniany w Stanach Zjednoczonych, zarobił 19 milionów dolarów. To prawda, że ​​​​kultowy film „Blade Runner” Ridleya Scotta również nie powiódł się w kasie.

Ważnym kamieniem milowym wydaje nam się film „Johnny Mnemonic”. Później bracia Wachowscy powoływali się na to, tworząc trylogię „Matrix” (nazwisko „Smith”, czarne garnitury, cyberprzestrzeń, Keanu Reeves w roli tytułowej – walka, ucieczka, stosowanie medytacji, praktyki zen itp.).

William Gibson porównał doświadczenie kręcenia filmu do wzięcia prysznica w płaszczu przeciwdeszczowym i próby filozofowania alfabetem Morse'a. Longo mówi w wywiadzie, że było to przydatne doświadczenie, ale często nie wiedział, jak ustawić te „cholerne kamery” i musiał na sobie przed całą grupą 50 osób pokazać, czego chce od aktorów .

Zabawne jest to, że większość osób z rosyjskojęzycznej części Internetu zna Longo tylko z tego filmu. Oto na przykład jeden z typowych komentarzy na temat „Mnemoniki”: „ Film wyreżyserował Robert Longo, który poza tym właściwie nic innego nie zrobił, ale jego nazwiska nie da się zapomnieć dzięki temu filmowi».

Longo, jako postmodernista, nie chce dokonać rozróżnienia pomiędzy . Wprowadza do głównego nurtu undergroundowy gatunek cyberpunku. Johnny Mnemonic to wspaniały i klimatyczny przykład cyberpunku. To dobrze zrobiony film mainstreamowy. Ale to nie jest tak głupie, jak się wydaje na pierwszy rzut oka.

Aplikacja:

Obrazy morderczych księży.

1. Kaznodzieja Carl, cyborg z Johnny'ego Mnemonic.

1. Alexander Anderson, postać została stworzona przez mangakę (autora japońskich komiksów) Koto Hirano. Anderson jest pracownikiem trzynastego wydziału Watykanu – organizacji Iskariot w uniwersum mangi i anime „Hellsing”. Negatywny charakter.

1. Nicholas D. Wolfwood, znany jako Nicholas the Punisher, to postać stworzona przez artystę mangowego Yasuhiro Naito, autora mangi Trigun. Kapłan dzierżący dużą broń w kształcie krzyża. Pozytywny charakter.

(Angielski) Roberta Longo , R. 1953) - nowoczesny Amerykański artysta, znany ze swojej pracy w różnych gatunkach.

Biografia

Roberta Longo urodzony 7 stycznia 1953 w Brooklynie (Nowy Jork), USA. Studiował na Uniwersytecie Północnego Teksasu (Denton), ale porzucił go. Później studiował rzeźbę pod kierunkiem Leondy Finke. W 1972 otrzymał stypendium na studia w Akademii sztuki piękne we Florencji i wyjechał do Włoch. Po powrocie do USA wstąpił Państwowa Uczelnia Buffalo, który ukończył z tytułem licencjata w 1975 roku. W tym samym czasie spotkał się z fotografką Cindy Sherman.

Pod koniec lat 70. Robert Longo zainteresował się organizacją spektakli (np. Sound Distance of a Good Man). Takim pracom towarzyszyło zazwyczaj powstanie serii fotografii i filmów, które następnie pokazywano jako pojedyncze prace i fragmenty instalacji. W tym samym czasie Longo grał w wielu nowojorskich zespołach punkrockowych, a nawet był współzałożycielem galerii Hallwalls. W latach 1979-81 artysta pracował także nad serialem prace graficzne„Ludzie w miastach”.

W 1987 Longo zaprezentował serię konceptualnych rzeźb zwanych Object Ghosts. Prace z tego cyklu są próbą przemyślenia i wystylizowania obiektów z filmów science fiction (np. „Nostromo” – tak nazywał się statek w filmie „Obcy”). Podobny pomysł (ale zrealizowany przy użyciu prawdziwych rekwizytów, które wykorzystano na planie) można odnaleźć w pracach Dory Budor.

W 1988 Longo rozpoczął pracę nad serią Black Flag. Pierwszą pracą z serii była flaga USA pomalowana na kolor grafitowy i wizualnie przypominająca malowane drewniane pudełko. Kolejnymi pracami były rzeźbiarskie wizerunki flagi USA wykonane z brązu, z których każdy został opatrzony tytułem-podpisem (np. „oddaj nam nasze cierpienie” - „oddaj nam nasze cierpienie”).

Pod koniec lat 80. Robert Longo zaczął także kręcić filmy krótkometrażowe (np. Arena Brains - „Smart Guys in the Arena”, 1987). W 1995 Longo pełnił funkcję reżysera w filmie science fiction Johnny Mnemonic. Film uznawany jest za kultowy dla gatunku cyberpunk. Główna rola w wykonaniu Keanu Reevesa.

W latach 90. i 2000. Robert Longo kontynuował tworzenie swoich hiperrealistycznych obrazów. Prace z cykli Superbohaterowie (1998) czy Ofelia (2002) wyglądem przypominają fotografie lub rzeźby, są jednak obrazami wykonanymi tuszem. Obrazy z cykli Balkon (2008-09) i Tajemnice (2009) malowane są węglem.

W 2010 roku Robert Longo stworzył serię fotografii w stylu „Ludzie w miastach” dla włoskiej marki Bottega Veneta.

W latach 2016-17 w Muzeum sztuka współczesna W „Garażu” odbyła się wystawa „Świadectwo”, podczas której publiczności zaprezentowano część prac Roberta Longo.

Robert Longo obecnie mieszka w Nowym Jorku w USA. Od 1994 roku jest żonaty z niemiecką aktorką Barbarą Sukową. Para ma trójkę dzieci.

Główny kurator Garażowego Muzeum Sztuki Współczesnej
Kate Fowle i Roberta Longo

Robert Longo,

z którym Posta-Magazine spotkała się przy instalacji wystawy, opowiedziała o tym, co kryje się pod kolorową warstwą obrazów Rembrandta, o potędze obrazu, a także o „prymitywnej” i „wysokiej” w sztuce.

Patrząc na hiperrealistyczne grafiki Roberta Longo, trudno uwierzyć, że to nie są fotografie. A jednak tak jest: monumentalne obrazy współczesnego miasta, przyrody czy katastrof rysowane są węglem na papierze. Są niemal namacalne – tak dopracowane i szczegółowe – i na długo przyciągają uwagę swoją epicką skalą.

Longo ma cichy, ale pewny głos. Po wysłuchaniu pytania chwilę się zastanawia, po czym mówi – poufnie, jak ze starym znajomym. Złożone, abstrakcyjne kategorie w jego opowieści zyskują na przejrzystości, a nawet wydają się sprawność fizyczna. I pod koniec naszej rozmowy rozumiem dlaczego.

Inna Logunowa: Po obejrzeniu zamontowanej części wystawy byłem pod wrażeniem monumentalności Twoich obrazów. To niesamowite, jak nowoczesne i archetypowe są jednocześnie. Czy Twoim celem jako artysty jest uchwycenie istoty czasu?

Roberta Longo: My, artyści, jesteśmy reporterami czasu, w którym żyjemy. Nikt mi nie płaci – ani rząd, ani kościół, mogę słusznie powiedzieć: moja praca jest tym, jak widzę otaczający mnie świat. Jeśli weźmiemy jakiś przykład z historii sztuki, powiedzmy obrazy Rembrandta czy Caravaggia, dostrzeżemy w nich odlew życia – takiego, jakie było w tamtej epoce. Myślę, że to jest naprawdę ważne. Ponieważ w pewnym sensie sztuka jest religią, sposobem na oddzielenie naszych poglądów na temat rzeczy od ich poglądów. prawdziwa esencja od tego, czym właściwie są. To jest jego wielka siła. Jako artysta niczego Ci nie sprzedam, nie mówię o Chrystusie czy polityce – po prostu próbuję zrozumieć coś z życia, zadając widzowi pytania, które skłaniają widza do refleksji i zwątpienia w niektóre ogólnie przyjęte prawdy.

A obraz z definicji jest archetypowy; mechanizm jego oddziaływania jest związany z naszymi najgłębszymi podstawami. Rysuję węglem - najstarszy materiał prehistoryczny człowiek. Ironią jest, że na tej wystawie pod względem technologicznym moje prace są najbardziej prymitywne. Goya pracował w złożonej, wciąż nowoczesnej technice akwaforty, Eisenstein kręcił filmy, a ja po prostu rysowałem węglem drzewnym.

To znaczy, że używasz prymitywnego materiału, aby wydobyć jakąś starożytną zasadę?

Tak, zawsze interesowałem się nieświadomością zbiorową. Kiedyś po prostu miałem obsesję na punkcie odnalezienia i uchwycenia jego obrazów i aby w jakiś sposób się do tego zbliżyć, codziennie rysowałem. Jestem Amerykanką, moja żona jest Europejką, ukształtowała się w innej kulturze wizualnej i to ona pomogła mi zrozumieć, jak bardzo sam jestem wytworem systemu wizerunkowego mojego społeczeństwa. Konsumujemy te obrazy każdego dnia, nawet nie zdając sobie sprawy, że są częścią naszego ciała i krwi. Dla mnie sam proces rysowania jest sposobem na uświadomienie sobie, co z tego całego wizualnego szumu tak naprawdę jest twoje, a co narzucone z zewnątrz. Tak naprawdę rysunek jest w zasadzie odciskiem nieświadomości – prawie każdy coś rysuje rozmawiając przez telefon lub myśląc. Dlatego też zarówno Goya, jak i Eisenstein są reprezentowani na wystawie za pomocą rysunków.

Skąd wzięło się u Ciebie to szczególne zainteresowanie twórczością Goi i Eisensteina?

W młodości ciągle coś rysowałem, robiłem rzeźby, ale nie miałem odwagi uważać się za artystę i nie widziałem siebie w tej roli. Rzucano mną z boku na bok: chciałem zostać biologiem, muzykiem lub sportowcem. Ogólnie rzecz biorąc, miałem pewne skłonności w każdej z tych dziedzin, ale tak naprawdę jedyną rzeczą, w której naprawdę miałem zdolności, była sztuka. Pomyślałem, że odnajdę się w historii sztuki lub restauracji - i wyjechałem na studia do Europy (na Akademię Sztuk Pięknych we Florencji - przyp. autora), gdzie dużo i z zapałem przyglądałem się i studiowałem dawnych mistrzów. I w pewnym momencie coś we mnie zaskoczyło: dość, chcę im odpowiedzieć czymś od siebie.

Obrazy i ryciny Goi po raz pierwszy zobaczyłem w 1972 roku i uderzyły mnie one swoją kinową jakością. Przecież dorastałem oglądając telewizję i kino, moja percepcja była głównie wizualna - w młodości prawie nie czytałem, książki weszły w moje życie po trzydziestce. Co więcej, była to telewizja czarno-biała, a obrazy Goi łączyły się w mojej głowie z moją przeszłością, moimi wspomnieniami. Byłem także pod wrażeniem silnego aspektu politycznego jego twórczości. W końcu należę do pokolenia, dla którego polityka jest częścią życia. Na moich oczach bliski przyjaciel został zastrzelony podczas protestów studenckich. Polityka stała się przeszkodą w naszej rodzinie: naszych rodzicach zagorzali konserwatyści, a ja jestem liberałem.

Jeśli chodzi o Eisensteina, zawsze podziwiałem przemyślaność jego zdjęć i mistrzowską pracę kamery. Miał na mnie duży wpływ. W latach 80. nieustannie sięgałem po jego teorię montażu. Wtedy szczególnie interesował mnie kolaż: jak z połączenia lub zderzenia dwóch elementów powstaje coś zupełnie nowego. Powiedzmy, że samochody zderzające się ze sobą nie są już dwoma przedmiot materialny, a trzecia sprawa to wypadek samochodowy.

Goya był artystą politycznym. Czy Twoja sztuka jest polityczna?

Nie żebym był głęboko zaangażowany w politykę, ale pewne sytuacje w życiu trzymali mnie zajętym stanowisko polityczne. Tak więc w szkole średniej interesowałem się głównie dziewczynami, sportem i rock and rollem. A potem policja zastrzeliła mojego przyjaciela – i nie mogłam już dłużej stać bezczynnie. Poczułem wewnętrzną potrzebę opowiedzenia o tym, a raczej pokazania tego - ale nie tyle przez same wydarzenia, ile przez ich konsekwencje, spowalniające je i powiększające.

A dzisiaj najważniejsze dla mnie jest zatrzymanie przepływu obrazów, których liczba stale rośnie. Przepływają na naszych oczach z niewiarygodną szybkością i przez to tracą wszelkie znaczenie. Czuję, że muszę je zatrzymać, wypełnić je treścią. Przecież postrzeganie sztuki różni się od codziennego, przelotnego spojrzenia na rzeczy - wymaga skupienia i dlatego powoduje zatrzymanie.

Czy to był Twój pomysł, aby połączyć w jednej wystawie Roberta Longo, Francisco Goyę i Siergieja Eisensteina?

Oczywiście, że nie. Goya i Eisenstein to tytani i geniusze, nawet nie udaję, że jestem obok nich. Pomysł należał do Kate (Kate Fowle, główna kuratorka Garage Museum of Contemporary Art i kuratorka wystawy – przyp. autorki), która chciała wystawić moją pracę ostatnie lata w jakiś kontekst. Na początku byłem bardzo zdezorientowany jej pomysłem. Powiedziała jednak: „Spróbuj spojrzeć na nich jak na przyjaciół, a nie święte potwory, i nawiąż z nimi dialog”. Kiedy w końcu zdecydowałem, pojawiła się kolejna trudność: było jasne, że Goyi nie uda nam się sprowadzić z Hiszpanii. Ale potem zobaczyłem grafiki Eisensteina i przypomniałem sobie ryciny Goi, które w młodości zrobiły na mnie takie wrażenie – i wtedy zdałem sobie sprawę, co nas łączyło: rysowanie. I czarno-białe. I zaczęliśmy działać w tym kierunku. Wybrałam rysunki Eisensteina i ryciny Kate Goi. Wymyśliła, jak zorganizować przestrzeń wystawienniczą - szczerze mówiąc, sam poczułem się trochę zagubiony, kiedy ją zobaczyłem, w ogóle nie rozumiałem, jak z nią pracować.

Wśród prac prezentowanych na wystawie znajdują się dwie prace powstałe na podstawie zdjęć rentgenowskich obrazów Rembrandta „Głowa Chrystusa” i „Batszeba”. Jakiej szczególnej prawdy szukałeś w tych obrazach? Co znalazłeś?

Kilka lat temu w Filadelfii odbyła się wystawa zatytułowana „Rembrandt i oblicza Chrystusa”. Znajdując się wśród tych obrazów, nagle zdałem sobie sprawę: tak wygląda niewidzialne – wszak religia w istocie opiera się na wierze w niewidzialne. Poprosiłem znajomego artystę zajmującego się renowacją, aby pokazał mi zdjęcia rentgenowskie innych obrazów Rembrandta. A to uczucie – że widzisz niewidzialne – tylko się wzmocniło. Ponieważ zdjęcia rentgenowskie przedstawiały jego samego proces twórczy. Co ciekawe: pracując nad wizerunkiem Jezusa, Rembrandt namalował całą serię portretów miejscowych Żydów, ale ostatecznie twarz Chrystusa pozbawiona jest cech semickich – jest to wciąż Europejczyk. A na prześwietleniu, gdzie widoczne są wcześniejsze wersje zdjęcia, ogólnie wygląda jak Arab.

W „Batszebie” zainteresował mnie inny punkt. Rembrandt przedstawił ją pogodzoną ze swoim losem: zmuszona jest dzielić łoże z pragnącym jej królem Dawidem i tym samym ocalić męża, którego w przypadku odmowy natychmiast wyśle ​​na wojnę na pewną śmierć. Na prześwietleniu widać, że początkowo Batszeba ma zupełnie inny wyraz twarzy, jakby nie mogła się już doczekać wieczoru z Dawidem. Wszystko to jest niezwykle interesujące i pobudza wyobraźnię.

A gdyby Twoje prace zostały prześwietlone, co byśmy zobaczyli na tych zdjęciach?

Kiedy byłem młody, byłem dość zły – teraz jestem zły, ale mniej. Pod rysunkami pisałem rzeczy okropne: kogo nienawidziłem, kogo śmierci pragnąłem. Na szczęście, jak powiedział mi znajomy krytyk sztuki, rysunków węglem zwykle nie poddaje się promieniowaniu rentgenowskiemu.

A jeśli mówimy o warstwie zewnętrznej, to osoby, które nie przyglądają się bliżej moim pracom, mylą je z fotografiami. Jednak im bardziej się do nich zbliżają, tym bardziej się zatracają: nie jest to ani tradycyjne malarstwo figuratywne, ani modernistyczna abstrakcja, ale coś pomiędzy. Ponieważ moje rysunki są niezwykle szczegółowe, zawsze pozostają niepewne i trochę niedokończone, dlatego nigdy nie mogłyby być fotografiami.

Co jest dla Ciebie jako artysty najważniejsze – forma czy treść, pomysł?

Byłem pod wpływem artystów konceptualnych, oni byli moimi bohaterami. A dla nich pomysł jest najważniejszy. Nie sposób pominąć formy, jednak pomysł jest niezwykle ważny. Skoro sztuka przestała służyć kościołowi i państwu, artysta raz po raz musi sam sobie odpowiedzieć na pytanie – co ja do cholery robię? W latach 70. boleśnie poszukiwałam formy, w której mogłabym pracować. Mogłem wybrać dowolne: artyści konceptualni i minimaliści wszystko dekonstruowali możliwe sposoby tworzenie sztuki. Wszystko może być sztuką. Moje pokolenie zajmowało się zawłaszczaniem obrazów, obrazy obrazów stały się naszym materiałem. Robiłem zdjęcia i filmy, wystawiałem spektakle i tworzyłem rzeźby. Z czasem zrozumiałem, że rysunek plasuje się gdzieś pomiędzy sztuką „wysoką” – rzeźbą i malarstwem – a czymś zupełnie marginalnym, wręcz pogardzanym. I pomyślałem: a co jeśli weźmiemy i powiększymy rysunek do skali dużego płótna, zamienimy go w coś okazałego, na przykład rzeźbę? Moje rysunki mają wagę, fizycznie wchodzą w interakcję z przestrzenią i widzem. Z jednej strony są to najdoskonalsze abstrakcje, z drugiej świat, w którym żyję.

Robert Longo i Kate Fowle po rosyjsku archiwum państwowe
literatura i sztuka

Szczegóły w Posta-Magazine
Wystawa czynna od 30 września do 5 lutego
Muzeum Sztuki Współczesnej „Garaż”, ul. Krymski Val, 9, s. 32
O innych projektach sezonu: http://garagemca.org/