Monet namalował „Pole maków” w plenerze, na małym przenośnym płótnie. Choć obraz przekazuje naturalne, spontaniczne uczucie, jest jednak starannie skomponowany. Wyraża się to nie tylko w tym, że artysta dwukrotnie powtórzył na nim figury, ale także w doborze kąta, który jest ustawiony w taki sposób, że jasne maki, wypełniające lewą stronę kompozycji, rozmieszczone są ukośnie, wzdłuż których Camille i Jean idą, jakby wykraczając poza zakres obrazu. Bogata kolorystyka i ruch wypełniający ten obszar obrazu ostro kontrastują ze spokojnymi tonami prawej górnej krawędzi płótna, gdzie terakotowy dach domu umiejętnie łączy tło z pierwszym planem kompozycji.

Pasja do kwiatów

Przez całe życie Monet bardzo lubił malować kwiaty - kwiaty dzikie, ogrodowe czy cięte, są one stale obecne w jego pejzażach.

Monet przyznał kiedyś, że dwie największe pasje jego życia to malarstwo i ogrodnictwo. Kiedy malował kwiaty, obie te pasje połączyły się. Na „Polu maków”, podobnie jak na wielu innych swoich obrazach, Monet lubi dzikie, żywe kwiaty. Znanych jest kilka pięknych martwych natur przedstawiających kwiaty cięte autorstwa Moneta, ale przede wszystkim uwielbiał on malować kwiaty, które rosły w jego ogrodach, najpierw w Argenteuil, a później w Giverny. W 1871 roku Monet przeprowadził się z rodziną do Argenteuil, aby znaleźć swój pierwszy dom i pierwszy ogród. Jednakże główną pasją Jego ogród w Giverny stał się częścią życia artysty. Monet dobierał kwiaty do swojego ogrodu tak, aby były ułożone w określonej kolejności, kontrastowały kolorystycznie i kwitły przez cały rok. W swoim ogrodzie zasadził wiele niezwykłych kwiatów. Pasję Moneta do kwiatów podzielało wielu innych artystów impresjonistów, w szczególności Gustave Caillebotte. „Koniecznie przyjdź w poniedziałek, zgodnie z ustaleniami” – napisałam do mojej przyjaciółki Mony. „Wszystkie moje irysy będą kwitnąć”.

Obsesja na punkcie światła i koloru

Obsesja Moneta na punkcie światła i koloru zaowocowała wieloletnimi badaniami i eksperymentami, których celem było uchwycenie na płótnie ulotnych, nieuchwytnych odcieni natury.

OBRAZY MONETA dały początek nowemu nurtowi w malarstwie – impresjonizmowi, a sam Monet uznawany jest za największego i najbardziej typowego przedstawiciela tego nurtu. Przez całe swoje długie życie Monet konsekwentnie przestrzegał podstawowych zasad impresjonizmu - utrwalania scen na płótnie współczesne życie(dla Moneta są to krajobrazy) i pracuj na świeżym powietrzu.

PRACA W PLENARZE Praktyka artysty pracującego w plenerze (plenerze) nie była czymś zupełnie nowym. Na początku XIX wieku angielski artysta John Constable często malował swoje szkice i studia w oleju w naturze. W 1840 roku, idąc za jego przykładem, utworzono grupę Artyści francuscy zebrali się we wsi Barbizon w pobliżu lasu Fontainebleau, aby malować pejzaże, które powinny przedstawiać „prawdziwą naturę”. Camille Corot, wysoko ceniony przez wielu impresjonistów za swoje niewyidealizowane spojrzenie na naturę, również malował olejami w plenerze, wzywając artystów, aby „podążali za pierwszym wrażeniem”.

Bardzo ważną rolę Na rozwój Moneta jako artysty wpłynęła jego młodzieńcza przyjaźń z malarzem pejzażu Eugene Boudinem, który specjalizował się w małych, przestronnych nadmorskich pejzażach, które tworzył w plenerze. Bodin nalegał, aby Monet dołączył do niego podczas jednej z takich sesji w Le Havre. „Nagle spadły mi łuski z oczu” – napisał później Monet.

Tam, w Le Havre, Monet spotkał się Holenderski artysta Johana Bartholda Jonkinda, który w swoich pejzażach morskich starał się oddać najdelikatniejsze odcienie powietrza i nastroju. Monet powiedział o nim później: „To on w końcu rozwinął moją wizję”.

CO NAPRAWDĘ WIDZI OKO Monet przekonał się, że obraz namalowany w plenerze charakteryzuje się wyjątkową świeżością i witalnością, której nie da się osiągnąć pracując w pracowni, gdzie artysta ma z góry przemyślany pomysł na dzieło, które zamierza stworzyć. Rada, podane przez Moneta artystów, wyraźnie ujawnia swoje podejście do malarstwa: „Spróbuj zapomnieć o tym, co widzisz przed sobą – o drzewie, domu, polu, czymkolwiek. Pomyśl tylko, że w tym miejscu jest mały niebieski kwadrat, jest wydłużona różowa postać i kontynuuj, aż będziesz miał naiwne wrażenie obrazu, który masz przed oczami. Zatem wrażenie jest impulsem wizualnym wywołanym tym, co widać w danym momencie.

REWOLUCYJNY POMYSŁ Dla wszystkich impresjonistów, a w szczególności dla Moneta, głównym celem sztuki było uchwycenie nieuchwytnego, ulotnego wrażenia. Pomysł taki wydawał się wówczas rewolucyjny i szokował nie mniej niż jawny realizm Courbeta w NOWYCH TECHNIKACH. Aby osiągnąć swoje cele, artysta potrzebował nowych technicznych technik pisania. W szczególności Monet rozwinął własną technikę malarską, nakładając na płótno szerokie, szorstkie pociągnięcia, odważne, rozproszone kropki, kreski, zygzaki i grube pociągnięcia krótkim pędzlem. Monet pracował jednocześnie nad całą przestrzenią obrazu, wierząc, jak później stwierdził, że „pierwsza warstwa farby powinna pokryć jak największą powierzchnię płótna, niezależnie od tego, jak grubo jest nałożona”.

Monet wykorzystał kolor w zupełnie nowy i rewolucyjny sposób, zainspirowany niewątpliwie odkryciami Eugene'a Chevreula na temat sposobu percepcji wzrokowej. Chevreul udowodnił, że sąsiednie kolory podstawowe koło kolorów zmiękczają się nawzajem, a największy kontrast uzyskuje się, gdy kolory dopełniające sąsiadują ze sobą. Jego innym ważnym odkryciem było to, że kolor nie jest nieodłączną właściwością przedmiotów. Kolor to po prostu sposób, w jaki światło miesza się, gdy odbija się od powierzchni obiektu. Podobnie jak inni impresjoniści, Monet zwykle posługiwał się ograniczoną paletą, preferując czyste, mieszane kolory oraz malowanie na płótnach pokrytych wcześniej białym lub kremowym podkładem, dzięki czemu naniesione kolory stały się jaśniejsze i jaśniejsze.

Kolejnym ważnym odkryciem, które wpłynęło na wizję artystów, była fotografia. Na fotografiach z tamtych czasów poruszające się obiekty są postrzegane jako rozmyte plamy, a tylko obiekty nieruchome mają wyraźne kontury. Efekt ten jest wyraźnie odzwierciedlony w przypominających mrówki postaciach ludzi, które widzimy na obrazie Moneta „Boulevard des Capucines” (1873).

ZMIANA TEMATU OBRAZU

Bardzo interesujące jest prześledzenie, jak zmieniał się stosunek Moneta do przedstawianych przez niego przedmiotów na przestrzeni jego długiego życia. Pomimo tego, że był nieustannie pochłonięty grą światła, w swoich wczesnych obrazach Monet najczęściej przedstawiał postacie ludzkie malowane w znajomy sposób na tle pejzażu.

Jednak bliżej lat osiemdziesiątych XIX wieku Moneta coraz bardziej pociągała natura w jej najczystszej postaci. Jeżeli na obrazach z tego okresu pojawiają się postacie lub przedmioty nieożywione, to zazwyczaj pełnią one rolę drugoplanową i schodzą na dalszy plan.

SERIA OBRAZÓW

Pomimo tego, że artyści przez cały czas tworzyli serię szkiców tej samej sceny, przed Monetem nie było nikogo, kto malował ten sam obiekt kilka razy w różnym oświetleniu i różnych warunkach pogodowych. Obrazy Moneta reprezentują całe cykle przedstawiające stogi siana, topole, katedrę w Rouen, widok Londynu od strony Tamizy i wreszcie lilie wodne.

Londyńskie pejzaże Moneta, malowane w latach 1899–1901, charakteryzujące się rozproszonym światłem i rozproszonym kolorem, to wirtuozowskie, dramatyczne dzieła sztuki, które śledzą ewolucję stylu artysty w kierunku niemal abstrakcyjnym. Pokazują stopniowy postęp artysty w kierunku przedmiotu, który będzie malował przez pozostałe lata życia, tworząc swoje ogrody i zamieniając je w rzadkie dzieła sztuki.

Od około 1905 roku aż do końca swojego życia Monet skupiał się wyłącznie na liliach wodnych. Te obrazy, na których kielichy lilii wodnych dosłownie materializują się na powierzchni wody pozbawionej linii horyzontu, stały się studiami, które uchwyciły nieskończoną i niepowtarzalną różnorodność kolorów i światła. Tak naprawdę te cykle obrazów, jak każde genialne dzieło sztuki, nie dają się wytłumaczyć. Są to dzieła poety, który ma głębokie wyczucie natury i potrafi przekazać jej piękno w swoim malarstwie.

Tytuł oryginalny: Poppies at Argenteuil

Rok powstania: 1873

Musee d'Orsay w Paryżu.

Oscar Claude Monet (14 listopada 1840 - 5 grudnia 1926) - Malarz francuski, jeden z twórców impresjonizmu.

Pole maków (1873), wystawione na pierwszej wystawie impresjonistów, przedstawia żonę Moneta Camille i ich syna Jeana na polu w pobliżu ich domu w Argenteuil. Podobnie jak w wielu innych dziełach Moneta, Camille jest malowana z parasolką w dłoniach, a jej wdzięczne kontury nadają obrazowi szczególnego uroku. Chcąc oddać wrażenie ruchu, Monet dodał drugą parę postaci (również wzorowanych na Camille i Jean) na szczycie wzgórza. Są one powiązane z figurami na pierwszoplanowy ledwo zauważalna ścieżka biegnąca przez trawę. Monet namalował „Pole maków” w plenerze, na małym przenośnym płótnie. Choć obraz przekazuje naturalne, spontaniczne uczucie, jest jednak starannie skomponowany. Wyraża się to nie tylko w tym, że artysta dwukrotnie powtórzył na niej figury, ale także w doborze kąta, który został tak ustawiony, aby jasne maki wypełniające lewą stronę kompozycji ułożone były po przekątnej, wzdłuż której Camille i Jean idą, jakby wychodzili poza obraz. Bogata kolorystyka i ruch wypełniający ten obszar obrazu ostro kontrastują ze spokojnymi tonami prawej górnej krawędzi płótna, gdzie terakotowy dach domu umiejętnie łączy tło z pierwszym planem kompozycji.

Opis obrazu Claude’a Moneta „Maki” (W Argenteuil)

Dzieło Moneta „Maki”, jego drugie imię „Pole maków w Argenteuil”, zostało namalowane przez artystę w 1873 roku. Sceneria pole maków, przedstawiony na zdjęciu, z niewielkim pasmem drzew, jakby oddzielającym niebo od ziemi, w pierwszej chwili sprawia wrażenie prostej fabuły. Ale patrząc głębiej w obraz, zdajesz sobie sprawę, że pierwsze wrażenie było zwodnicze.

Obraz można w przenośni podzielić na dwa linie prostopadłe na cztery działki. Linia pozioma, jakby z grubsza i wyraźnie zarysowana, przecina lekko widoczną, wirtualną linię pionową. Dom przedstawiony na płótnie jest swego rodzaju środkiem przecięcia dwóch linii, łączących kompozycję w jedną całość.

Obraz wyróżnia się ładunkiem semantycznym i sensorycznym, jakim są sylwetki kobiet z dziećmi usytuowane na szczycie wzgórza i na jego zboczu. Kobieta i chłopak, których widzimy na pierwszym planie obrazu, to nikt inny jak żona i syn artysty. Niezwykła kompozycja daje iluzoryczną wizję obrazu w obrazie. Powtarzający się obraz sylwetek daje wrażenie kobiet i dzieci poruszających się niedostrzegalną ścieżką. Drzewo wznoszące się nad wzgórzem zwiększa pełnię i wagę tej części dzieła.

Prawa, niemal bezbarwna część kontrastuje z tłem kwitnącego pola maków i stanowi tło dla kobiecej sylwetki ukazanej na przecięciu sąsiadujących ze sobą obszarów obrazu.

Zaledwie kilkoma pociągnięciami pędzla artysta nakreślił niebo. W nietkniętych farbą fragmentach płótna widać niechęć autora do skupiania uwagi na górnej części płótna.

Podsumowując, obraz jest postrzegany jako przywiązanie do ziemskich wartości, które mają ogromne znaczenie. Aby rozwiązać postawiony przed sobą problem, artysta wykorzystał wszystkie dostępne mu możliwości przekazania swojej wizji. fabuła obrazy.

Impresjonizm pojawił się we Francji w latach sześćdziesiątych XIX wieku i zrewolucjonizował tradycyjne występy o malarstwie. Patrząc na słoneczne, tchnące życiem i przepełnione światłem obrazy artystów tego ruchu, trudno uwierzyć, że ich dzieła od dawna nie cieszyły się uznaniem i uznawane były za odstępstwo od kanonów malarstwa klasycznego. „Dookoła Świata” zaprasza do podróży po Francji i zobaczenia, jak różne części kraju przedstawiają dzieła impresjonistów.

Claude'a Moneta. „Pole maków w Argenteuil” (1873)

Obraz „Pole maków...” namalował Monet w Argenteuil, położonym zaledwie 10 kilometrów od Paryża, będącym w XIX wieku ulubionym miejscem wypoczynku mieszkańców stolicy. Monet i jego rodzina mieszkali na tym przedmieściu przez siedem lat i stworzyli wiele jasnych, kolorowych obrazów.

W Argenteuil artysta dużo pracował w plenerze: zawsze pociągała go możliwość przedstawienia na płótnie określonego fragmentu czasu, akcji i przestrzeni. Obraz „Pole maków w Argenteuil” odzwierciedla inną pasję artysty – miłość do kwiatów. Monet nazwał kiedyś nawet swój ogród swoim głównym arcydziełem.

Obraz ten wyraźnie dzieli się na kilka części, z których najważniejsza to ta, która przedstawia szkarłatne kwiaty, kontrastujące z pustą prawą częścią płótna. Widzimy także dwie pary namalowane z żoną artysty Camille i jego najstarszym synem Jeanem. Ich układ pozwala uporządkować przestrzeń obrazu i przekazać uchwycony ruch.

Pracując nad obrazem, Monet nie mieszał farb, lecz wykonywał kreski różne kolory, które ludzkie oko postrzega jako różne odcienie kolorów. Jednocześnie artysta ostrożniej malował rzeczy ważniejsze. Akcent położony jest zatem na kwiaty i górną część postaci ludzkich na pierwszym planie, natomiast pole po prawej stronie obrazu i niebo są mniej wyraźne.

Pierre'a Augusta Renoira. „Most do Chatou” (1875)

Chatou to kolejny malowniczy zakątek Francji, uwielbiany przez artystów nowego ruchu. Często nazywana jest wyspą impresjonistów, ponieważ w tym miejscu Sekwana dzieli się na dwie odnogi. Podobnie jak sąsiednie Argenteuil, miasto Chatou w XIX wieku panowało atmosferą pogodnego spokoju i hałaśliwego ruchu.

Ludzie przyjeżdżali tu, żeby popływać, popływać łódką lub urządzić piknik i tak dalej proste historie znalazło odzwierciedlenie w malarstwie impresjonistów. Ulubionym miejscem Renoira była kwatera ojca Fournaise pod mostem Chatou, w której można było nie tylko przenocować, ale także wynająć pokój. To właśnie w tym lokalu artysta stworzył obraz „Śniadanie wioślarzy”, na którym przedstawił swoich znajomych i przyjaciół. W 1990 roku odrestaurowano restaurację Maison Fournaise, w której obecnie mieści się małe muzeum.

Obraz „Most w Chatou” różni się od większości dzieł Renoira. W przeciwieństwie do Moneta artysta znacznie bardziej uwielbiał przedstawiać ludzi, a także preferował bardziej nasyconą paletę kolorów. A jednak „Most w Chatou” to krajobraz, w którym ludzie jawią się jako niewyraźne, ciemne postacie. Most jest narysowany ostrożniej niż inne elementy, ponadto przedstawiono tu popularną pływanie łódką. Krajobraz charakteryzuje się rozmytymi liniami i zadymionym światłem. Brak wyraźnie określonych postaci ludzkich stwarza wrażenie dystansu, a światło i paleta kolorów pomóż nam dostrzec radość w zwyczajności.

Fryderyk Bazyli. „Krajobraz nad brzegiem Lezu” (1870)

Dzięki pejzażowi Bazylego podróżujemy ze środkowej Francji na południe, do rodzinnego regionu artysty. Imię Bazylego jest znacznie mniej znane niż imię jego przyjaciół Moneta i Renoira, ponieważ zmarł w wieku 28 lat. „Krajobraz nad brzegiem rzeki Lez” to jedno z ostatnich dzieł artysty: wkrótce po zakończeniu pracy na płótnie Bazyli zgłosił się na ochotnika do wojny francusko-pruskiej, gdzie wkrótce zginął.

Artysta wykonał pejzaż w rekordowym czasie krótkie terminy wszystko zajęło mu nieco ponad dwa miesiące. Podczas pracy krewni Bazylego byli nieobecni i nie odwracali jego uwagi od obrazu. Poza tym dobrze znał okolicę. Dlatego w liście do brata dokładnie wskazał, jakie miejsce przedstawia: „Brzeg rzeki Lez w pobliżu młyna koło Navilau i droga do Clappier”.

Obraz bardzo różni się od pejzaży Moneta i Renoira, ponieważ Bazyli wolał malować słońce w zenicie, a także przedstawiać ostre światło, różniące się od nieważkiego i zadymionego światła na płótnach swoich przyjaciół. Bazylia używa również jasnych, kontrastujących kolorów, a podczas pracy nad szczegółami obrazu jest bardziej precyzyjna i dokładna. Dzięki temu na płótnie „Krajobraz nad brzegiem rzeki Lez” możemy rozpoznać drzewa i roślinność charakterystyczną dla południowej części Francji.

Kamila Pissarro. „Most Boildieu w Rouen w deszczowy dzień” (1896)

Camille Pissarro przeszedł do historii impresjonizmu jako mistrz miejskiego krajobrazu. Namalował kilka obrazów przedstawiających Rouen, położone w północnej Francji. Pissarro wybrał się do tego miasta po obejrzeniu cyklu Claude'a Moneta poświęconego katedrze w Rouen.

Pissarro, podobnie jak Monet, tworząc płótna, wykorzystuje światło i powietrze. Pociąga go możliwość ukazania miasta jako żywego organizmu, który w nim żyje ciągły ruch. Używa ciemniejszego schemat kolorów i gęstsze kreski, ale jednocześnie jego obrazy wyglądają bardziej realistycznie. Niezwykłą perspektywę często tłumaczy się faktem, że Pissarro malował z okna hotelu.

Artysta starał się oddać na płótnie stopniowo wyłaniający się wygląd miasta. cechy przemysłowe. To właśnie sprawia, że Rouen jest tak interesujące dla Pissarro, który pomimo swojej znakomitej architektury koniec XIX wieku stało się miastem portowym i ośrodkiem przemysłowym.

Paula Cezanne’a. „Widok na Zatokę Marsylijską z Estac” (1885)

Pejzaż Paula Cézanne’a ponownie przenosi nas na południe Francji, ale jednocześnie jest zupełnie inny od omawianych już obrazów. Płótno Cezanne’a nawet dla niedoświadczonego widza wydaje się bardziej odważne niż dzieła innych impresjonistów. Nieprzypadkowo artysta nazywany jest często ojcem sztuka współczesna.

Urodzony na południu kraju Cezanne często przedstawiał na swoich obrazach południowe krajobrazy. Okolice wioski rybackiej Estac stały się jednym z jego ulubionych tematów w jego krajobrazach. W latach osiemdziesiątych XIX wieku Cezanne, próbując uciec od kłopotów rodzinnych, przybył do Estac i namalował około dziesięciu obrazów, na których przedstawiał Zatokę Marsylijską.

„Widok na Zatokę Marsylijską z Estac” jest jednym z kulminacyjnych dzieł tego okresu i pozwala dostrzec cechy malarstwa Cézanne’a, które wywarły wpływ na Pabla Picassa. Chodzi o przede wszystkim o specjalnych gęstych poziomych pociągnięciach artysty, a także o zastosowaniu tak głębokich i bogate kolory jak pomarańczowo-żółty. Cezanne’owi udaje się uzyskać trójwymiarowy obraz wody poprzez zastosowanie różnych odcieni niebieski oraz inkluzje zielone i fioletowe. Podobnie jak inni impresjoniści, Cezanne uwielbiał malować morze, niebo i góry, ale na jego obrazie wydają się one bardziej gęste i wyraźnie określone.

Wielki francuski malarz impresjonista Claude Monet ( Moneta Oscara-Claude'a), (1840-1926) lubił malować kwiaty. Przez całe życie malował kwiaty, m.in różne okresy kreatywność. Częściej kwiaty ogrodowe i polne, rzadziej kwiaty cięte w wazonach.

Kwiaty były jego pasją. Monet powiedział, że w życiu uwielbia dwie rzeczy: malarstwo i ogrodnictwo. Dlatego też największą przyjemność odczuwał, gdy na swoich obrazach przedstawiał kwiaty.

Zawsze malował nawet członków swojej rodziny w otoczeniu kwiatów, podkreślając w ten sposób swoją szczerą miłość do nich.

„Być może to dzięki kwiatom zostałem artystą” – powiedział o sobie Claude Monet.

Jeden z wczesne prace Claude Monet „Kobiety w ogrodzie”, 1866-1867, Muzeum Orsay, Paryż.

Postacie kobiet są przedstawione na tym płótnie w bardzo stylizowany sposób. Artysta kładzie duży nacisk na grę światła i cienia, na listowie drzew i kwiatów. Monet wciąż szuka własnego stylu; do oficjalnej daty narodzin impresjonizmu pozostało jeszcze pięć lat.
Modelką dla wszystkich trzech kobiet była 19-letnia Camille Doncier, przyszła żona Claude'a Moneta.

Płótno jest bardzo duże, jego wymiary to 2,05 na 2,55 m.
Artysta zamierzał wystawić ten obraz na Salonie Paryskim w 1967 roku, jednak jury go odrzuciło.

Pod koniec życia Claude'a Moneta, gdy był on już uznanym i cenionym mistrzem, rząd francuski kupił od artysty w 1921 roku obraz „Kobiety w ogrodzie” za 200 tysięcy franków.

Święta Andresa

„Taras w Sainte-Andresse”, ok. 1867, Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku. Obraz przedstawia rodzinę artysty, która mieszkała w małym portowym miasteczku Saint-Andresse niedaleko Le Havre na wybrzeżu Normandii. Ojciec Moneta i jego ciotka Madame Lecadre siedzą w fotelach. Dalsza krewna Moneta, Jeanne-Margarita, stoi przy balustradzie z młodym mężczyzną. Można powiedzieć, że w tle widać scenę rodzinną pejzaż morski. Ale spójrz, jak narysowane są kwiaty na pierwszym planie obrazu! Jak skutecznie Monet przekazał fakturę kolorów oraz grę świateł i cieni.
„Kwitnący ogród w Sainte-Andresse”, ok. 1866, Muzeum Orsay w Paryżu.
„Czytanie Adolphe’a Moneta w ogrodzie Le Coteaux w Saint-Andresse”, ok. 1866
„Pani w ogrodzie”, 1867, Państwowe Muzeum Ermitażu, Sankt Petersburg. Obraz przedstawia daleką krewną Claude'a Moneta, Jeanne-Marguerite Lecadre, w ogrodzie Sainte-Andresse.

Argenteuil, 1872-1977

Claude Monet zawsze chciał mieć własny ogród, w którym mógłby spokojnie pracować na świeżym powietrzu.

Pod koniec 1871 roku Claude Monet wraz z rodziną osiedlił się w Argenteuil. Wtedy była to mała miejscowość wypoczynkowa pod Paryżem, 12 km od centrum miasta, położona nad malowniczym brzegiem Sekwany. Argenteuil jest obecnie częścią Wielkiego Paryża. W Argenteuil Monet miał swój własny dom i swój pierwszy ogród. Wydaje mi się, że to właśnie w Argenteuil powstały najlepsze obrazy Claude'a Moneta. To był najjaśniejszy okres w jego twórczości. Obrazy Moneta są na ogół lekkie, ale to w Argenteuil jego płótna po prostu lśnią radością. Podobno tych było najwięcej szczęśliwe lata jego życie. Prawie wszystkie obrazy namalowane w Argenteuil przedstawiają Camille, ukochaną pierwszą żonę Claude'a Moneta.

W tamtych latach Argenteuil było ulubionym miejscem wypoczynku Paryżan; regularnie odbywały się tam regaty żeglarskie. Doprowadziło do Argenteuil kolej żelazna, dotarcie tam z Paryża było szybkie i łatwe. Nie tylko Monet, ale także inni impresjoniści Manet, Renoir, Sisley, Caillebotte malowali swoje pejzaże w Argenteuil.

Przyjaciel artysty Renoir uchwycił go przy pracy w Argenteuil, dzięki czemu możemy zobaczyć, jak wyglądał ogród Claude'a Moneta i jak malował w plenerze.

Pierre Auguste Renoir „Malarstwo Moneta w swoim ogrodzie w Argenteuil”, 1873

A Edouard Manet namalował na tle portret rodzinny artysty kwitnący ogród.

Edouard Manet „Rodzina Moneta w ogrodzie w Argenteuil”, 1874, Metropolitan Museum of Art, Nowy Jork.

Obraz przedstawia Claude'a Moneta pielęgnującego kwiaty, jego żonę Camille i syna Jeana.

Ogród, kwiaty i kurczaki. Za 10 lat Claude Monet będzie miał to wszystko w Giverny.

Pierre Auguste Renoir „Madame Monet i jej syn”, 1974. Galeria Narodowa, Waszyngton.

Camille Monet i jej syn Jean.
Wydaje się, że Edouard Manet i Renoir malowali rodzinę Moneta tego samego dnia i w tym samym miejscu.

Obraz ten znajdował się w kolekcji Claude’a Moneta w Giverny. Najmłodszy syn artysta Michel Monet sprzedał go w 1952 roku, w okresie całkowitej dewastacji w Giverny. Po kilku odsprzedażach na mocy woli ostatniego właściciela w 1970 roku obraz ten trafił do Galerii Narodowej w Waszyngtonie.

„Dom artysty w Argenteuil”, 1873. Instytut Sztuki w Chicago.
„Ogród Moneta w Argenteuil”, 1873
„Domy w Argenteuil”, 1873, Stara Galeria Narodowa, Berlin. Latem Argenteuil dosłownie tonęło w kwiatach.
„Kwiaty na brzegu rzeki w Argenteuil”, 1877, Muzeum Sztuki Pola, Hakone, Japonia. Sekwana w Argenteuil jest bardzo malownicza, w tym miejscu tworzy piękny zakręt. Claude Monet zafascynowany rzeką i przyrodą Argenteuil, z zapałem pracował tu na świeżym powietrzu.
„Camille Monet na ławce w ogrodzie”. 1873 Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku. Jak zawsze ogród i jak zawsze kwiaty. Uwaga: na ławce obok Camilli leży bukiet kwiatów.
„Jean Monet na rowerze konnym”. 1872 Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku. Nawet malując portret syna Claude Monet nie zapomniał o kwiatach. Wszystko znaczące wydarzenia Wolał uwieczniać życie na swoich płótnach na tle kwiatów.
„Na łące”, 1876 Płótno przedstawia żonę artysty Camille Monet czytającą książkę na łące w otoczeniu łąkowych kwiatów.
„Kwitnące jabłonie”, 1873. Niesamowity!
„Rodzina artysty w ogrodzie”, 1875
„W ogrodzie”, 1875 Obraz ten przedstawia najwyraźniej ten sam zakątek ogrodu co poprzedni, zaledwie kilka miesięcy później – jesienią. Claude Monet uwielbiał malować cykle obrazów – te same obiekty w różnych warunkach oświetleniowych: w różne czasy roku, o różnych porach dnia. Starał się oddać ulotne stany środowiska świetlnego, uchwycić subtelne półtony koloru. Widzimy, jak zmienia się zakątek ogrodu, jak blakną kolory, gaśnie światło. Kwiaty w kwietnikach zwiędły, a liście na drzewach pożółkły.
„Kobieta z parasolką” („Spacer: Camille Monet z synem Jeanem”), 1875, National Gallery of Art w Waszyngtonie.
„Camille Monet z synem”, 1875, Muzeum sztuki piękne, Boston, USA.
„Zakątek ogrodu w Montgeron”, ok. 1876, Państwowe Muzeum Ermitażu w Petersburgu. Montgeron to małe miasteczko na przedmieściach Paryża, położone 18,5 km na południowy wschód od centrum miasta. Obecnie jest to jedno z południowo-wschodnich przedmieść Paryża.

„Kobieta z parasolką w ogrodzie w Argenteuil”, 1875.	„Spaceruj, Argenteuil”, 1875.	„Spacer po Argenteuil”, 1875, Muzeum Marmottan-Monet, Paryż.
„Ogród”, 1872.	„Camille Monet w ogrodzie”, 1873.	„Camille Monet w oknie. Argenteuil”, 1873.
„Brzeg Sekwany w pobliżu mostu w Argenteuil”, 1874.	„Camille i Jean Monet w ogrodzie w Argenteuil”, 1873.	„Camille Monet w ogrodzie swojego domu w Argenteuil”, 1876, Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku.
„Mieczyki” OK. 1876. Instytut Sztuki w Detroit, USA.	„Dziewczyny w ogrodzie”, 1875, Galeria Narodowa w Pradze.	„Kamilla z zielonym parasolem”, 1876.
„Brama ogrodowa w Vétheuil”, 1876.	„Ogród”, 1876.	„Ogród, malwy”, 1877.

Bardzo ciekawa seria"Liliowy". Porównywać:

Pola maków

Jeden z najbardziej słynny obraz„Pole maków” Claude’a Moneta (1873, Muzeum Orsay, Paryż) zostało namalowane w Argenteuil, niedaleko domu artysty. Obraz przedstawia żonę Moneta Camille i jego syna Jeana. Przypuszczalnie jego żona i syn byli także modelami postaci damy z dzieckiem w tle.
Zobaczcie, jak wyraziście artysta namalował szkarłatne maki i żółte jaskry. Camille i Jean są dosłownie pogrzebani w makach, tworząc całkowitą harmonię z naturą słońca letni dzień.
Monet wybrał do swojego obrazu bardzo dobry kąt - szkarłatne maki znajdują się w lewej dolnej części obrazu, po przekątnej, wzdłuż której idą Camille i Jean. Wydaje się, że maki wychodzą poza płótno.

Pola maków fascynowały Moneta. Wracał do nich w swojej twórczości kilkukrotnie. Przyciągał go kontrast czerwonych maków i zielonej trawy.

"Lato. Pole maków", 1875, zbiory prywatne.

„Pole maków w pobliżu Vetheuil” 1879.

„Pole maków w zagłębieniu koło Giverny”, 1885. Muzeum Sztuk Pięknych w Bostonie.

„Pole maków”, około 1890 r. Państwowe Muzeum Ermitażu w Petersburgu.

„Pole owsa z makami”, 1890 r. Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Strasburgu.

„Pole maków w Giverny”. 1890-1891 Instytut Sztuki w Chicago.

„Pole czerwonych maków w pobliżu Giverny”, 1895. Muzeum Sztuk Pięknych Wirginii, Richmond, USA.

Pola tulipanów

Claude Monet kilkakrotnie odwiedzał Holandię. No i oczywiście nie mogłam pozostać obojętna na tulipany. Stworzył cykl obrazów przedstawiających główne atrakcje Holandii – pola tulipanów i wiatraki.

„Pola tulipanów w Sassenheim, niedaleko Lejdy”, 1886, Clark Art Institute, Williamstown, Massachusetts, USA.

„Pola tulipanów i wiatraki w Rheinsburgu”, 1886, zbiory prywatne.

„Pola tulipanów w Holandii”, 1886. Muzeum Orsay w Paryżu.

„Pole tulipanów w Holandii”. 1886, Musée Marmottan-Monet w Paryżu.

Vetheuila, 1879-1881

„Ogród artysty w Vétheuil”, 1880. Galeria Narodowa w Waszyngtonie.

W 1879 roku rodzina Moneta przeniosła się do Vétheuil, małej wioski nad brzegiem Sekwany, 65 km na północny zachód od Paryża. Tutaj Claude Monet miał drugiego syna Michela, ale niestety wkrótce zmarła jego pierwsza żona Camille.
Rodzina Monetów mieszkała w Vétheuil do 1881 roku.

Claude Monet poznaje rodzinę Alice Hoschedé, którą znał już od kilku lat. Mieszkają razem, a Alice została później jego drugą żoną. Ale na obrazach Claude'a Moneta Alice Goschede, w przeciwieństwie do Camille, jest bardzo rzadka. Modelkami do obrazów artysty były jej córki, pasierbicy Claude'a Moneta.

„Kwiaty nad brzegiem Sekwany w pobliżu Vétheuil”, 1880.	„Alicja Goshede w ogrodzie”, 1881. Przyszła druga żona Claude'a Moneta.	„Schody w Vétheuil”, 1881.
„Wyspa kwiatów w pobliżu Vetheuil”, 1880, Metropolitan Museum of Art, Nowy Jork.	„Kwiaty w Vétheuil”, 1881.	„Kwiaty w Vétheuil”, 1881.

Kwiaty w wazonie

Claude Monet kochał przede wszystkim ogród i polne kwiaty, ale czasami malował także martwe natury i bukiety kwiatów ciętych.

„Wiosenne kwiaty”, 1864. Miejsce przechowywania obrazu nie jest obecnie znane.
Oczywiście nadal trudno rozpoznać na tym obrazie przyszłego wielkiego artystę impresjonistycznego.

„Chryzantemy”, 1878. Muzeum Orsay w Paryżu.

„Bukiet malwy”, 1880 r.

„Słoneczniki”, 1881. Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku.

„Chryzantemy” 1882. Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku.

„Fioletowe maki”, 1883. Muzeum Boijmans van Beuningen, Rotterdam, Holandia.

„Zawilce”, ok. 1885, zbiory prywatne.

„Dwa wazony z chryzantemami”. 1888, zbiory prywatne.

Giverny 1883 - 1926

W 1883 roku rodzina Claude'a Moneta przeprowadziła się do Giverny. To mała wioska położona w malowniczej okolicy nad brzegiem rzeki Epte, u jej ujścia do Sekwany, około 80 km od Paryża. Claude Monet do końca życia będzie mieszkał w Giverny.

W tym czasie już nim był znany artysta i całkiem zamożną osobą. W 1890 roku udało mu się kupić dom w Giverny, w którym mieszkała jego rodzina. Wyposażył w domu przestronny warsztat.

Claude Monet znacznie powiększył swój ogród i zbudował w nim staw, do którego woda trafiała ze specjalnego zbiornika ujęcia wody zbudowanego na rzece Epte.

W tych latach zainteresował się Claude Monet Kultura japońska, Japońskie nadruki, zwłaszcza grafiki wielkiego japońskiego artysty Hokusai.
Do pielęgnacji ogrodu Monet zatrudnił japońskiego ogrodnika, który pomógł mu urządzić ogród Japoński styl. Sam Monet był bezpośrednio zaangażowany w planowanie ogrodu. Artystka prenumerowała magazyn Revue horticole (Magazyn Ogrodniczy), zamawiała w nim rośliny i kwiaty różne kraje pokój.

To właśnie ten ogród powstał główna miłość V ostatnie latażycie artysty. Pracował w nim, pisał to we wszystkich formach, z różne punkty, o różnych porach dnia. Głównym źródłem inspiracji artysty stał się ogród.
Monet rósł w swoim ogrodzie różne kwiaty, w stawie rosły lilie wodne, a przez staw przerzucono słynny „Most Japoński”. Mógł godzinami podziwiać swój ogród, obserwując najmniejsze zmiany w oświetleniu i pogodzie.
Jesienią 1899 roku Claude Monet zaczął malować swój słynny cykl „Lilie wodne”, nad którym pracował do końca swoich dni.

Claude Monet w swoim ogrodzie ze stawem z liliami wodnymi w tle, 1905.

Claude Monet w swoim ogrodzie, ok. 1917 Zdjęcie: Etienne Clementel.
Zdjęcia wyglądają na trochę „kolorowe” i rozmazane, ponieważ były to fotografie stereoskopowe, trzeba było je oglądać przez specjalne kolorowe okulary, wtedy obraz okazałby się trójwymiarowy.

Claude Monet (z prawej) w swoim ogrodzie w Giverny. 1922 Zdjęcie z archiwum Nowy York Timesa.

„Alejka w ogrodzie”, 1902. Galeria Belvedere w Wiedniu.

„Kwitnący łuk w Giverny”, 1913. Muzeum Sztuki w Phoenix, Arizona, USA.

„Różany Łuk w Giverny (Łuk Kwiatowy)” . 1913, zbiory prywatne.

„Żółte irysy”, lata 1914-1917. Muzeum Narodowe Sztuka Zachodnia, Tokio. „Ścieżka między irysami”. 1914-17, Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku.

„Białe lilie wodne”. 1899 Muzeum Puszkina im. JAK. Puszkin, Moskwa.
Słynny staw z liliami wodnymi i mostem japońskim.

„Staw z liliami wodnymi (most japoński)”, 1899. Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku.

„Staw z liliami. Harmonia w zieleni.” 1899, Galeria Narodowa w Londynie.

„Staw z liliami. Harmonia w zieleni.” 1899, Muzeum Orsay w Paryżu.

„Lilie wodne. Harmonia w kolorze różowym”. 1900 Muzeum Orsay w Paryżu. „Staw z liliami wodnymi”. 1900 Instytut Sztuki w Chicago.

Na pierwszych płótnach z serii „Lilie wodne” Claude Monet przedstawił staw z japońskim mostem na tle bujnej roślinności ogrodowej.

W ostatnie prace, przedstawiając staw z liliami wodnymi, celowo wszystko zniekształcił przyjęte zasady perspektywy, porzuciłem linię horyzontu i pomalowałem wyłącznie wodę z liliami wodnymi. Unoszące się na wodzie lilie wodne często są obcięte brzegami płótna, co stwarza wrażenie, że prawdziwy staw to coś większego niż to, co przedstawiono na obrazie.
Seria „Lilie wodne” zawiera ponad 60 obrazów.

„Lilie wodne”. 1906 Instytut Sztuki w Chicago.
„Lilie wodne”, 1916. Narodowe Muzeum Sztuki Zachodniej w Tokio. To ogromne, 2-metrowe płótno jest jednym z najbardziej wyrazistych w serii „Lilie wodne”. Różowe i żółte wyspy lilii wodnych znajdują się na ciemnoniebieskiej, ciemnozielonej, a nawet fioletowej powierzchni wody w stawie. Obraz jest w ruchu, widzimy splatające się korzenie lilii wodnych. Same kwiaty lilii wodnej dosłownie wystają ponad powierzchnię wody. Claude Monet bardzo subtelnie wyczuwał naturę i potrafił przekazać na swoich płótnach wszystkie jej subtelności i odcienie.
„Lilie wodne”. 1920-26 Muzeum Oranżerii w Paryżu.

W 1980 roku dom i ogród Claude'a Moneta w Giverny zostały otwarte dla publiczności. Teraz jest to jedno z najbardziej ulubionych muzeów wśród turystów na przedmieściach Paryża.

Claude'a Moneta. Maki. 1773 Musée d'Orsay w Paryżu

„Maki”, jeden z najbardziej słynne dzieła Claude Monet, widziałem w . Jednak wtedy nie przyjrzałem się temu dokładnie. Jako fan byłem po prostu pod wrażeniem wszystkich arcydzieł znajdujących się w tym muzeum!

Później oczywiście przyjrzałem się „Makom” właściwie. I odkryłem, że nawet nie zauważyłem kilku interesujących szczegółów w muzeum. Jeśli przyjrzysz się bliżej zdjęciu, prawdopodobnie masz co najmniej trzy pytania:

Dlaczego maki są takie duże?
Dlaczego Monet przedstawił dwie niemal identyczne pary postaci?
Dlaczego artysta nie narysował nieba na zdjęciu?

Odpowiem na te pytania po kolei.

1. Dlaczego maki są takie duże?

Maki są przedstawione bardzo duże. Większość z nich jest wielkości głowy przedstawionego dziecka. A jeśli weźmiesz maki z tła i zbliżysz je do postaci na pierwszym planie, będą one całkowicie większe niż głowy przedstawionego dziecka i kobiety. Skąd taka nierzeczywistość?

Moim zdaniem Monet celowo zwiększył rozmiar maków: w ten sposób po raz kolejny zdecydował się na przekazanie żywego wrażenia wizualnego, a nie realizmu przedstawionych obiektów.

Nawiasem mówiąc, można tu nawiązać do jego techniki przedstawiania lilii wodnych później działa.

Dla przejrzystości przyjrzyjmy się fragmentom obrazów z liliami wodnymi z różnych lat (1899-1926). Górne dzieło jest najwcześniejsze (1899 r.), dolne najpóźniejsze (1926 r.). Oczywiście z biegiem czasu lilie wodne stawały się coraz bardziej abstrakcyjne i mniej szczegółowe.

Najwyraźniej „Mak” to tylko zapowiedź dominacji sztuki abstrakcyjnej w późniejsze obrazy Moneta.

Obrazy Claude'a Moneta. 1. U góry po lewej: Lilie wodne. 1899 G. Kolekcja prywatna. 2. U góry po prawej: Lilie wodne. 1908 g. Kolekcja prywatna. 3. Środek: Staw z liliami wodnymi. 1919 Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku. 4. Dół: Lilie. 1926 Muzeum Sztuki Nelsona-Atkinsa w Kansas City.

2. Dlaczego na obrazku znajdują się dwie pary identycznych postaci?

Okazuje się, że dla Moneta ważne było także pokazanie ruchu w swoim malarstwie. Osiągnął to w niezwykły sposób, przedstawiający ledwo widoczną ścieżkę na wzgórzu wśród kwiatów, jakby zdeptaną pomiędzy dwiema parami postaci.

U podnóża wzgórza z makami stoją jego żona Camille i syn Jean. Camilla jest tradycyjnie przedstawiana z zieloną parasolką, podobnie jak na obrazie „Kobieta z parasolką”.

Na wzgórzu kolejna para, kobieta i dziecko, dla których najprawdopodobniej pozowali także Camilla i jej syn. Dlatego te dwie pary są tak podobne.

Claude'a Moneta. Maki. Fragment. 1873 Musee d’Orsay w Paryżu.

Ta para postaci na wzgórzu została przedstawiona być może wyłącznie ze względu na wizualny efekt ruchu, do którego tak dążył Monet.

3. Dlaczego Monet nie namalował nieba?

Kolejna godna uwagi kwestia: zwróć uwagę, jak słabo narysowane jest niebo, aż do pozostawionych nagich obszarów płótna.

Claude'a Moneta. Maki. Fragment. 1873