Sztuka może być wszystkim. Niektórzy dostrzegają piękno natury i przekazują je za pomocą pędzla lub noża, inni robią zachwycające zdjęcia ludzkie ciało, a ktoś odnajduje piękno w strasznym - w tym stylu pracowali Caravaggio i Edvard Munch. Współcześni artyści nie pozostają w tyle za ojcami założycielami.

1. Tado

Jugosłowiański Dado urodził się w 1933 r., a zmarł w 2010 r. Na pierwszy rzut oka jego twórczość może wydawać się zupełnie zwyczajna, a nawet przyjemna – wynika to z wyboru zakres kolorów: Wielu twórców horrorów wybiera czerń lub czerwień, ale Dado uwielbiał pastelowe odcienie.

Przyjrzyj się jednak bliżej obrazom typu Wielka farma z 1963 r. czy Piłkarz z 1964 r., a dostrzeżesz na nich groteskowe stworzenia. Ich twarze są pełne bólu i cierpienia, na ich ciałach widać guzy lub dodatkowe narządy, albo ich ciała są po prostu nieregularny kształt. Tak naprawdę obrazy takie jak „Wielka farma” są o wiele bardziej przerażające niż zwykły horror - właśnie dlatego, że na pierwszy rzut oka nie widać w nich nic strasznego.

2. Keitha Thompsona

Keith Thompson jest bardziej artystą komercyjnym niż artystą. Stworzył potwory dla Pacific Rim Guillermo Del Toro i Lewiatana Scotta Westerfielda. Jego prace są wykonane techniką, którą można spodziewać się na kartach Magic: The Gathering, a nie w muzeum.

Spójrz na jego obraz „Stworzenie z Prypeci”: potwór jest wykonany z kilku zwierząt i jest strasznie brzydki, ale daje doskonałe wyobrażenie o technice Thompsona. Potwór ma nawet swoją historię – podobno jest produktem katastrofy w Czarnobylu. Oczywiście potwór jest nieco wymyślony, jakby pochodził prosto z lat 50. XX wieku, ale to nie czyni go mniej przerażającym.

Fundacja SCP przyjęła to stworzenie jako swoją maskotkę, nazywając je SCP-682. Ale Thompson wciąż ma w swoim arsenale wiele podobnych potworów i są gorsze.

3. Junji Ito

A propos artystów komercyjnych: niektórzy z nich rysują komiksy. Jeśli chodzi o komiksy grozy, Junji Ito jest mistrzem. Jego potwory są nie tylko groteskowe: artysta starannie rysuje każdą zmarszczkę, każdą fałdę na ciałach stworzeń. To właśnie przeraża ludzi, a nie irracjonalność potworów.

Na przykład w swoim komiksie „Zagadka Amigary Folt” rozbiera ludzi i wysyła ich do dziury w kształcie człowieka w litej skale – im bliżej widzimy tę dziurę, tym jest ona straszniejsza, ale nawet „z daleka” jest wydaje się przerażające.

W jego serii komiksów Uzumaki (Spirala) pojawia się facet mający obsesję na punkcie spiral. Na początku jego obsesja wydaje się zabawna, a potem przerażająca. Co więcej, staje się to przerażające, zanim obsesja bohatera stanie się magią, za pomocą której zamienia człowieka w coś nieludzkiego, ale jednocześnie żywego.

Dzieła Ito wyróżniają się na tle wszystkich japońskich mang - jego „normalne” postacie wyglądają niezwykle realistycznie, a nawet uroczo, a potwory wydają się jeszcze bardziej przerażające na ich tle.

4. Zdzisław Beksiński

Jeśli artysta mówi: „Nie potrafię sobie wyobrazić, co oznacza racjonalność w malarstwie”, prawdopodobnie nie maluje kociąt.

Polski malarz Zdzisław Beksiński urodził się w 1929 roku. Przez dziesięciolecia tworzył koszmarne obrazy z gatunku realizmu fantastycznego, aż do swojej strasznej śmierci w 2005 roku (został 17 razy dźgnięty nożem). Bardzo owocny okres jego twórczość obejmowała lata 1960-1980: powstały wówczas bardzo szczegółowe obrazy, które sam nazwał „fotografiami swoich snów”.

Według Beksińskiego nie przejmował się znaczeniem konkretnego obrazu, choć niektóre jego dzieła wyraźnie coś symbolizują. Na przykład w 1985 roku stworzył obraz „Trollforgatok”. Artysta wychował się w kraju zdewastowanym przez II wojnę światową, dlatego czarne postacie na obrazie mogą reprezentować obywateli Polski, a głowa jest swego rodzaju bezwzględnym autorytetem.

Sam artysta twierdził, że nie miał nic takiego na myśli. Właściwie Beksiński powiedział o tym zdjęciu, że należy je traktować jako żart – na tym właśnie polega prawdziwy czarny humor.

5. Wayne Barlow

Tysiące artystów próbowało przedstawić piekło, ale Wayne’owi Barlowowi najwyraźniej się to udało. Nawet jeśli nie słyszałeś jego nazwiska, prawdopodobnie widziałeś jego prace. Brał udział w pracy przy takich filmach jak Avatar Jamesa Camerona (reżyser osobiście go chwalił), Pacific Rim, Harry Potter i więzień Azkabanu oraz Harry Potter i Czara Ognia. Ale jedno z jego najwybitniejszych dzieł można nazwać wydaną w 1998 roku książką „Inferno”.

Jego piekło to nie tylko lochy z demonicznymi władcami i armiami. Barlow powiedział: „Piekło to całkowita obojętność na ludzkie cierpienie”. Jego demony często wykazują zainteresowanie ludzkimi ciałami i duszami oraz zachowują się bardziej jak eksperymentatorzy - ignorują ból innych. Dla jego demonów ludzie wcale nie są obiektem nienawiści, ale po prostu środkiem próżnej rozrywki, niczym więcej.

6. Tetsuya Ishida

Na akrylowych obrazach Izydy ludzie często zamieniają się w przedmioty, takie jak opakowania, przenośniki taśmowe, pisuary, a nawet poduszki na hemoroidy. Ma także przyjemne wizualnie obrazy przedstawiające ludzi łączących się z naturą lub uciekających do niej magiczna kraina swoją wyobraźnię. Ale takie prace są znacznie mroczniejsze niż obrazy, na których pracownicy restauracji zamieniają się w manekiny pompujące jedzenie do klientów, jakby obsługiwali samochody na stacji benzynowej.

Niezależnie od tego, czy ktoś ocenia precyzję i przenikliwość artysty, czy też plastyczność metafor, nie można zaprzeczyć, że styl jego twórczości jest niesamowity. Każdy humor w Izydzie idzie w parze z obrzydzeniem i strachem. Jego kariera dobiegła końca w 2005 roku, kiedy 31-letni Ishida został potrącony przez pociąg, co prawie na pewno było samobójstwem. Dzieła, które po sobie pozostawił, wyceniane są na setki tysięcy dolarów.

7. Dariusz Zawadzki

Zawadski urodził się w 1958 r. Podobnie jak Beksiński tworzy w stylu niesamowitego realizmu fantastycznego. Jego nauczyciele w szkoła artystyczna Powiedzieli Zawadskiemu, że nie ma zbyt dobrego wzroku i słabego wzroku, więc nie zostanie artystą. Cóż, najwyraźniej wyciągnęli pochopne wnioski.

Prace Zavadsky'ego zawierają elementy steampunku: często rysuje stworzenia przypominające roboty, z działającymi mechanizmami widocznymi pod sztuczną skórą. Spójrzmy na przykład na obraz olejny „Gniazdo” z 2007 roku. Pozy ptaków są takie same jak u żywych ptaków, ale rama jest wyraźnie metalowa, ledwo pokryta skrawkami skóry. Obraz może budzić odrazę, ale jednocześnie przyciąga wzrok – chce się przyjrzeć wszystkim szczegółom.

8. Jozue Hoffin

Joshua Hoffin urodził się w 1973 roku w Emporii w stanie Kansas. Robi przerażające zdjęcia, na których znane z dzieciństwa bajki nabierają strasznych rysów – historię oczywiście można rozpoznać, ale jednocześnie jej sens zostaje mocno zniekształcony.

Wiele jego prac wygląda na zbyt inscenizowane i nienaturalne, aby naprawdę przerażały. Ale są też serie fotografii, takie jak „Arcydzieła Pickmana” – jest to hołd złożony jednej z postaci Lovecrafta, artyście Pickmanowi.

Na zdjęciach z 2008 roku, które możecie zobaczyć tutaj, widać jego córkę Chloe. Na twarzy dziewczyny nie widać prawie żadnych emocji, prawie nie patrzy w stronę publiczności. Kontrast jest przerażający: zdjęcie rodzinne na stoliku nocnym dziewczyna w różowej piżamie - i ogromne karaluchy.

9. Patrizia Piccinini

Rzeźby Piccininiego czasami bardzo się od siebie różnią: niektóre rzeźby to motocykle o nieregularnych kształtach, inne to dziwne balony z gorącym powietrzem. Ale przede wszystkim tworzy rzeźby, z którymi bardzo, bardzo niewygodnie jest stać w tym samym pomieszczeniu. Nawet na zdjęciach wyglądają przerażająco.

W pracy „Indivisible” z 2004 roku humanoid zostaje dociśnięty do pleców normalnego ludzkiego dziecka. Najbardziej niepokojący jest element zaufania i uczucia – jakby niewinność dziecka została okrutnie wykorzystana na jego szkodę.

Oczywiście twórczość Piccininiego jest krytykowana. O „Niepodzielnym” mówiono nawet, że to nie rzeźba, ale jakieś prawdziwe zwierzę. Ale nie – to tylko wytwór jej wyobraźni, a artystka nadal tworzy swoje prace z włókna szklanego, silikonu i włosów.

10. Marka Powella

Prace Australijczyka Marka Powella są naprawdę szokujące. Na jego wystawę z 2012 roku składał się cykl kompozycji, w których fantastyczne stworzenia ewoluują, pożerają się i wydalają z własnych ciał, rozmnażają się i rozpadają. Tekstury stworzeń i otoczenia są niezwykle przekonujące, a mowa ciała postaci została precyzyjnie dobrana tak, aby sytuacje wydawały się jak najbardziej zwyczajne – a przez to przekonujące – jak to tylko możliwe.

Oczywiście Internet nie mógł powstrzymać się od oddania artyście tego, co mu się należy. Wspomniana wcześniej „Fundacja SCP” wzięła obrzydliwego potwora z powyższego obrazu i uczyniła go częścią historii zatytułowanej „Ciało, które nienawidzi”. Z jego twórczością wiąże się także wiele horrorów.

15 stycznia 2013, 20:34

1. „Płaczący chłopiec”- malowanie Hiszpański artysta Giovanniego Bragoliny. Istnieje legenda, że ​​ojciec chłopca (będący jednocześnie autorem portretu), starając się uzyskać jasność, witalność i naturalność płótna, zapalał zapałki przed twarzą dziecka. Faktem jest, że chłopiec śmiertelnie bał się ognia. Chłopiec płakał – jego ojciec rysował. Któregoś dnia dzieciak nie mógł tego znieść i krzyknął do ojca: „Spal się!” Miesiąc później dziecko zmarło na zapalenie płuc. A kilka tygodni później zwęglone ciało artysty znaleziono w jego własnym domu obok obrazu przedstawiającego płaczącego chłopca, który przeżył pożar. To mógł być koniec, ale w 1985 roku brytyjskie gazety nadal donosiły, że w prawie każdym spalonym budynku strażacy znaleźli reprodukcje „Płaczącego chłopca”, których nawet ogień nie dotknął. 2. „Ręce stawiają mu opór”- malowanie Amerykański artysta Billa Stonehama. Autor twierdzi, że obraz przedstawia siebie w wieku pięciu lat, że drzwi są przedstawieniem linii podziału pomiędzy prawdziwy świat i świat snów, a lalka jest przewodnikiem, który może przeprowadzić chłopca po tym świecie. Ręce reprezentują alternatywne życia lub możliwości. Obraz stał się sławną miejską legendą w lutym 2000 roku, kiedy został wystawiony na sprzedaż Aukcja w serwisie eBay z historią mówiącą, że obraz jest „nawiedzony”. Według legendy, po śmierci pierwszego właściciela obrazu, obraz odnaleziono na wysypisku śmieci wśród sterty śmieci. Rodzina, która ją znalazła, przywiozła ją do domu i już pierwszej nocy czteroletnia córeczka wbiegła do sypialni rodziców, krzycząc, że „dzieci na zdjęciu się kłócą”. NA następnej nocy- że „dzieci na zdjęciu były za drzwiami”. Następnej nocy głowa rodziny zainstalowała w pomieszczeniu, w którym wisiał obraz, kamerę wideo czułą na ruch. Kamera wideo zadziałała kilka razy, ale nic nie zostało uchwycone. 3. „Kobieta Deszczu”- obraz winnickiej artystki Swietłany Telets. Już na sześć miesięcy przed powstaniem obrazu zaczęła mieć wizje. Od dawna Swietłana miała wrażenie, że ktoś ją obserwuje. Czasem nawet słyszała dziwne dźwięki w swoim mieszkaniu. Starałam się jednak odsunąć od siebie te myśli. I po pewnym czasie pojawił się pomysł nowy obraz. Obraz tajemnicza kobieta urodziła się nagle, ale Swietłanie wydawało się, że zna ją od dawna. Rysy twarzy jakby utkane z mgły, ubrania, widmowe linie postaci – artysta bez chwili zastanowienia namalował kobietę. Miała wrażenie, że jej ręką kieruje niewidzialna siła. Po mieście rozeszła się plotka, że ​​na obraz ten rzucono klątwę, po tym jak trzeci kupujący zwrócił go kilka dni później, nawet nie biorąc pieniędzy. Każdy, kto miał to zdjęcie, mówił, że nocą zdawało się ożywać i chodzić jak cień w pobliżu. Ludzi zaczęła boleć głowa i nawet po ukryciu obrazu w szafie uczucie obecności nie ustępowało. 4. W czasach Puszkina portret Marii Łopuchiny, namalowany przez Władimira Borowikowskiego, był jedną z głównych „horrorów”. Dziewczyna żyła krótko i nieszczęśliwie, a po namalowaniu portretu zmarła na gruźlicę. Jej ojciec, Iwan Tołstoj, był słynny mistyk i mistrz loży masońskiej. Dlatego rozeszły się pogłoski, że udało mu się zwabić do tego portretu ducha swojej zmarłej córki. I że jeśli młode dziewczyny spojrzą na zdjęcie, wkrótce umrą. Według plotek salonowych portret Marii zniszczył co najmniej dziesięć szlachcianek w wieku zdatnym do zawarcia małżeństwa... 5. „Lilie wodne”- pejzaż autorstwa impresjonisty Claude'a Moneta. Kiedy artysta wraz z przyjaciółmi świętował ukończenie obrazu, w warsztacie wybuchł niewielki pożar. Płomień szybko zgaszono winem i nie przywiązywano do tego żadnej wagi. Obraz wisiał w kabarecie na Montmartrze zaledwie przez miesiąc. A potem pewnej nocy to miejsce spłonęło. Ale „Lilie” udało się uratować. Obraz kupił paryski filantrop Oscar Schmitz. Rok później spłonął jego dom. Pożar wybuchł w biurze, w którym wisiał nieszczęsny obraz. Cudem ocalało. Kolejną ofiarą krajobrazu Moneta było Muzeum Nowego Jorku sztuki współczesne. „Lilie wodne” przywieziono tu w 1958 roku. Cztery miesiące później i tutaj wybuchł pożar. A cholerny obrazek bardzo zwęglony.
6. Na obrazie Edvarda Muncha "Krzyk" bezwłosa cierpiąca istota jest przedstawiona z głową przypominającą odwróconą gruszkę, z dłońmi przyciśniętymi do uszu w przerażeniu i ustami otwartymi w niemym krzyku. Konwulsyjne fale udręki tego stworzenia, niczym echo, rozpraszają się w powietrzu wokół jego głowy. Ten mężczyzna (lub kobieta) wydaje się być uwięziony we własnym krzyku i zakrywa uszy, aby go nie słyszeć. Byłoby dziwne, gdyby wokół tego obrazu nie krążyły legendy. Mówią, że cierpieli na nią wszyscy, którzy mieli z nią kontakt zła skała. Pracownik muzeum, który przypadkowo upuścił obraz, zaczął odczuwać silne bóle głowy i ostatecznie popełnił samobójstwo. Inny pracownik, który najwyraźniej również miał krzywe ręce, upuścił obraz i następnego dnia miał wypadek. Ktoś nawet spłonął dzień po kontakcie z obrazem. 7. Kolejnym płótnem, które stale towarzyszy kłopotom, jest „Wenus z lustrem” Diego Velazqueza. Pierwszy właściciel obrazu, hiszpański kupiec, zbankrutował, a jego handel podupadał z każdym dniem, aż większość jego towarów została przejęta przez piratów na morzu, a kilka kolejnych statków zatonęło. Sprzedając na aukcji wszystko, co miał, kupiec sprzedał także obraz. Nabył go inny Hiszpan, również kupiec, który był właścicielem bogatych magazynów w porcie. Niemal natychmiast po przekazaniu pieniędzy za płótno magazyny kupca zapaliły się od nagłego uderzenia pioruna. Właściciel był zrujnowany. I znowu jest aukcja, i znowu obraz zostaje sprzedany razem z innymi rzeczami, i znowu kupuje go zamożny Hiszpan... Trzy dni później został zadźgany nożem we własnym domu podczas napadu. Potem obraz przez długi czas nie mógł znaleźć nowego właściciela (jego reputacja została zbyt nadszarpnięta), a płótno podróżowało do różnych muzeów, aż w 1914 roku wariatka przecięła je nożem.
8. „Demon pokonany” Michaił Vrubel miał szkodliwy wpływ na psychikę i zdrowie samego artysty. Nie mógł oderwać się od obrazu, nadal dodawał oblicze pokonanego Ducha i zmieniał kolor. „Pokonany demon” wisiał już na wystawie, a Vrubel co chwila wchodził do sali, nie zwracając uwagi na zwiedzających, siadał przed obrazem i jak opętany dalej pracował. Bliscy zaniepokoili się jego stanem, dlatego zbadał go słynny rosyjski psychiatra Bechterew. Diagnoza była straszna – urazy rdzenia kręgowego, bliskie szaleństwa i śmierci. Vrubel został przyjęty do szpitala, ale leczenie nie pomogło i wkrótce zmarł.

Włoscy naukowcy twierdzą, że znaleźli szczątki, które mogą należeć do Lisy del Giocondo. Być może tajemnica Mona Lisy zostanie ujawniona. Na cześć tego przypomnijmy sobie najbardziej tajemnicze obrazy w historii.

1. Gioconda
Pierwsza rzecz, która przychodzi na myśl, jeśli chodzi o tajemnicze obrazy, czyli o obrazach tajemniczych - to „Mona Lisa”, namalowana przez Leonarda da Vinci w latach 1503-1505. Gruye napisał, że to zdjęcie może doprowadzić do szaleństwa każdego, kto po wystarczającym obejrzeniu zacznie o nim mówić.
W tym dziele da Vinci jest wiele „tajemnic”. Krytycy sztuki piszą rozprawy na temat pochylenia dłoni Mony Lisy, lekarze stawiają diagnozy (od tego, że Mona Lisa nie ma przednich zębów, po to, że Mona Lisa jest mężczyzną). Istnieje nawet wersja, w której Gioconda jest autoportretem artysty.
Nawiasem mówiąc, obraz zyskał szczególną popularność dopiero w 1911 roku, kiedy został skradziony przez Włocha Vincenzo Peruggio. Znaleźli go na podstawie odcisków palców. Tym samym „Mona Lisa” stała się także pierwszym sukcesem pobierania odcisków palców i ogromnym sukcesem marketingowym na rynku sztuki.

2. Czarny kwadrat


Wszyscy wiedzą, że „Czarny kwadrat” nie jest tak naprawdę czarny, ani nie jest kwadratem. To naprawdę nie jest kwadrat. W katalogu wystawy Malewicz określił go jako „czworokąt”. I naprawdę nie czarny. Artysta nie użył czarnej farby.
Mniej wiadomo, że Malewicz uważał „Czarny kwadrat” za swój najlepsza praca. Kiedy artysta był pochowany, u szczytu trumny stał „Czarny kwadrat” (1923), ciało Malewicza przykryto białym płótnem z wszytym kwadratem, czarny kwadrat namalowano także na wieczku trumny. Nawet pociąg i tył ciężarówki miały czarne kwadraty.

3. Krzycz

Tajemnicze w obrazie „Krzyk” nie leży w tym, że rzekomo wywiera on silny wpływ na ludzi, zmuszając ich niemal do popełnienia samobójstwa, ale w tym, że obraz ten jest w istocie realizmem dla Edvarda Muncha, który w chwili pisania tego arcydzieła cierpiał na psychoza maniakalno-depresyjna. Pamiętał nawet dokładnie, jak widział to, co napisał.
„Szedłem z dwójką przyjaciół ścieżką - zachodziło słońce - nagle niebo zrobiło się krwistoczerwone, zatrzymałem się, czując zmęczenie, oparłem się o płot - spojrzałem na krew i płomienie nad niebiesko-czarnym fiordem i miasto – moi przyjaciele poszli dalej, a ja stałam, drżąc z podniecenia, czując niekończący się płacz przeszywający naturę.”

4. Guernika


Picasso namalował Guernicę w 1937 roku. Obraz poświęcony bombardowaniu miasta Guernica. Mówią, że gdy w 1940 roku Picasso został wezwany do gestapo i zapytany o Guernicę: „Czy ty to zrobiłeś?”, artysta odpowiedział: „Nie, zrobiłeś to”.
Picasso namalował ogromny fresk w nie więcej niż miesiąc, pracując 10-12 godzin dziennie. „Guernica” uważana jest za odzwierciedlenie horroru faszyzmu i nieludzkiego okrucieństwa. Ci, którzy widzieli ten obraz na własne oczy, twierdzą, że wywołuje on niepokój, a czasem panikę.

5. Iwan Groźny i jego syn Iwan


Wszyscy znamy obraz „Iwan Groźny i jego syn Iwan”, zwykle nazywając go „Iwan Groźny zabija swojego syna”.
Tymczasem zamordowanie przez Iwana Wasiljewicza jego spadkobiercy jest faktem bardzo kontrowersyjnym. Tak więc w 1963 r. Otwarto groby Iwana Groźnego i jego syna w Katedrze Archanioła na Kremlu moskiewskim. Badania pozwoliły stwierdzić, że Carewicz Jan został otruty.
Zawartość trucizny w jego szczątkach jest wielokrotnie wyższa niż dopuszczalna norma. Co ciekawe, tę samą truciznę znaleziono w kościach Iwana Wasiljewicza. Naukowcy doszli do takiego wniosku rodzina królewska od kilkudziesięciu lat jest ofiarą trucicieli.
Iwan Groźny nie zabił swojego syna. Właśnie tej wersji broni na przykład Naczelny Prokurator Świętego Synodu Konstantin Pobiedonoscew. Widziałem na wystawie słynny obraz Repin, był oburzony i napisał do cesarza Aleksander III: „Nie można nazwać tego zdjęcia historycznym, ponieważ ta chwila... jest po prostu fantastyczna”. Wersja morderstwa została oparta na opowieściach legata papieskiego Antonio Possevino, którego trudno nazwać osobą bezinteresowną.
Kiedyś doszło do prawdziwego zamachu na obraz.
16 stycznia 1913 roku dwudziestodziewięcioletni staroobrzędowy malarz ikon Abram Balashov trzykrotnie dźgnął ją nożem, po czym Ilja Repin musiał praktycznie od nowa zamalować twarze Iwanowów przedstawionych na obrazie. Po zdarzeniu ówczesny kustosz Galerii Trietiakowskiej Chrusłow, dowiedziawszy się o wandalizmie, rzucił się pod pociąg.

6. Ręce mu się opierają


Obraz Billa Stonehama, namalowany w 1972 roku, nie cieszy się, szczerze mówiąc, najlepszą opinią. Z informacji zamieszczonych na E-bayu wynika, że ​​obraz jakiś czas po zakupie znalazł się na wysypisku śmieci. Już pierwszej nocy, gdy obraz znalazł się w domu rodziny, która go znalazła, córka ze łzami w oczach pobiegła do rodziców, skarżąc się, że „dzieci na obrazie kłócą się”.
Od tego czasu obraz cieszy się bardzo złą sławą. Kim Smith, który kupił go w 2000 roku, nieustannie otrzymuje gniewne listy z żądaniem spalenia obrazu. Gazety pisały także, że duchy pojawiają się czasami na wzgórzach Kalifornii, jak dwa groszki w strąku, jak dzieci z obrazu Stonehama.

7. Portret Lopukhiny


Wreszcie „zły obraz” - portret Łopuchiny, namalowany przez Władimira Borowikowskiego w 1797 r., po pewnym czasie zaczął mieć złą reputację. Portret przedstawiał Marię Lopukhinę, która zmarła wkrótce po namalowaniu portretu. Zaczęto mówić, że obraz „odbiera młodość”, a nawet „zabiera do grobu”.
Nie wiadomo na pewno, kto puścił taką plotkę, ale gdy Paweł Tretiakow „odważnie” nabył portret do swojej galerii, rozmowy o „tajemnicy obrazu” ucichły.

Kiedy dana osoba z jakiegoś powodu nie chce w swojej twórczości polegać na tradycyjnych metodach tworzenia obrazów, rozpoczynają się eksperymenty. Kiedy nie zadowala go „realizm” w swoich pracach, gdy dzieła Leonarda i Bouchera wydają się nudne i nieciekawe, rodzi się nowe spojrzenie na sztukę. Kiedy zabawa z przeszłością staje się dla niego sposobem patrzenia w przyszłość, pojawia się kolejna sztuka. To prawda, że ​​​​czasami takie aspiracje przekraczają granicę, zamieniając się w coś dalekiego od sztuki, a wtedy najważniejsze jest zaskoczyć oryginalnością.

Więc, niezwykli artyści, niezwykłe sposoby tworzenie obrazów i obrazów niezwykłych.

O wartość artystyczna Nie będę rozmawiać. Każdy z wymienionych autorów nazywa siebie artystą, twórcą. Każdy z widzów sam ustali, co jest sztuką, a co nie, i granicę, za którą nie ma już szoku, ale jest coś niejasnego.

Czerwony Hong

Autor, który urzekł mnie swoim niezwykłym spojrzeniem na najzwyklejsze przedmioty lub niezupełnie przedmioty. Dla niej kreatywność nie ogranicza się do farb i pędzla, bo o wiele ciekawiej jest puścić wodze fantazji i pozwolić, aby zaowocowało czymś ciekawym i żywym. A wyobraźnia jest taka, że ​​może podsunąć pomysł użycia kubka po kawie lub piłki do koszykówki zamiast pędzla, a nawet można obejść się bez skarpetek.
„Kiedy pierwszy raz odwiedziłam Szanghaj, natknęłam się na starą uliczkę, gdzie na bambusowych patykach wystających z okien domów powiewało pranie. To był niesamowicie piękny widok! Coś niesamowitego – takie tradycje we współczesnej, hałaśliwej metropolii. To mnie zainspirowało stworzyć coś niezwykłego spośród zwykłych dla wszystkich rzeczy w Twojej okolicy”

Carne Griffithsa

A co, jeśli obok zwykłych kolorów użyjesz nietypowych? Nie, nie magiczne, ale całkiem zwyczajne, prawie farby, zwłaszcza jeśli je pokropisz biała sukienka. A co jeśli jako farby użyjesz herbaty lub brandy, a może whisky lub wódki? A efekt końcowy będzie zwiewny, bez czarnych plam, pełen jasnych linii, przyciągający dziwnie atrakcyjną symbiozą człowieka i natury.

Winicjusz Quesada

Jak tam mówią - Krew to życie?: Wtedy artysta Vinicius Quesada tchnął życie w swoje dzieła dosłownie bo maluje własną krwią. Obrazy są dziwnie atrakcyjne dzięki odcieniom czerwieni.

Orły Jordanii

Jeszcze bardziej zadziwiają prace tego artysty, który także wykorzystuje krew, choć nie własną, a zaczerpniętą z rzeźni. Jordan Eagles tworzy coś przerażająco atrakcyjnego, zwłaszcza gdy wiadomo, co i jak tworzy swoje prace. Używanie różne techniki, zamienia samą krew w przedmiot sztuki.

Jordana McKenziego

Jeszcze dalej poszedł Jordan McKenzie, który również tworzy z płynów pochodzących z ludzkiego ciała. Do swoich prac wykorzystuje płótno, dłonie i swojego… penisa. Wszystko jest zadziwiająco proste – odrobina nasienia na płótnie, mała obróbka techniczna i obraz gotowy. Taka twórczość to przyjemność i nie potrzeba do tego obrzydliwego zapachu krwi, pędzli czy nawet filiżanki kawy.

Millie Brown

Millie Brown również wypluwa z siebie płyny, ale nie są one już całkowicie naturalnego pochodzenia.

Elżbieta Rogai

Ale Elisabetta Rogai tworzy swoje prace z wykwintnych materiałów – białego i czerwonego wina. Wydawałoby się, że to ją ogranicza paleta kolorów, ale w niczym to nie przeszkadza w jej pracy.

Judyta Brown

Malowanie obrazu bez rąk będzie problematyczne, ale co jeśli ręce same staną się pędzlem i stworzą. Co się stanie, jeśli palce staną się narzędziem, a zwykły pył węglowy rozkwitnie w przeróżne kształty i rodzaje? Będą też prace artystki Judith Brown, które w dziwny sposób łączą obrazy abstrakcyjne i konkretne.

Douga Landisa

Możesz też rysować bez użycia rąk, jak Doug Landis. Po paraliżu zaczął rysować ołówkiem w ustach! A hartu ducha można mu tylko pozazdrościć.

Tima Patcha

Poznaj Tima Patcha, znanego również jako Prickasso, czyli artystę penisa. Dlaczego penis? Ale dlatego, że nim rysuje.

Ani Kaj

Inna osoba wierzy, że może stworzyć dzieło sztuki bez użycia tradycyjnych pędzli czy ołówków i nie potrzebuje rąk. Jest także zwolennikiem poglądu, że rysowanie rękami jest nudne. Ani Kay postanowił rysować językiem.

Natalia Irlandka

Kiss, jak się okazuje, nie wiemy o nim zbyt wiele. W końcu możesz tworzyć pocałunkiem, wkładając swoją miłość w to, co tworzysz. Właściwie tym właśnie zajmuje się artystka Natalie Irish – maluje pocałunkami i szminką.

Kira Ayn Varszegi

Można to zrobić rękami, można to zrobić penisem, można to zrobić ustami, ale dlaczego pierś nie jest narzędziem, pomyślała Kira Ein Varzeji i zaczęła tworzyć. Maluje piersiami, ale będąc ograniczona kształtem samej piersi, tworzy obrazy abstrakcyjne, w przeciwieństwie do Patcha, któremu udaje się nawet tworzyć portrety. Ale Kira ma wszystko przed sobą! Życzę jej powodzenia w tej trudnej dziedzinie sztuki.

Stephena Murmera.

Nieco za nimi pozostaje Stephen Murmer, który maluje pośladkami.

Posmarowałem farbą piąty punkt, usiadłem na płótnie i gotowe! A jeśli czegoś brakuje, możesz pójść za przykładem tej samej łatki. Możesz też narysować oba na raz. Jak to mówią – tanie i wesołe, chociaż mnie tania zachwyciła – te obrazy mają pokaźną cenę.

Martina von Ostrowskiego

„Artysta ma prawo wykorzystać materiały zawierające cząstkę autora w celu pokazania lub udowodnienia, że ​​jest on częścią organicznego świata. Moje geny są zachowane w plemnikach, które grają ważną rolę grać istota ludzka wraz z jajkiem samicy. A w moich odchodach znajdują się mikroorganizmy żyjące w symbiozie z strawionym pokarmem. Podobnie artysta jest częścią dużego kompleksu niezliczonego świata organicznego i aby się w nim nie zagubić, musi pozostawić namacalny ślad w tworzonej przez siebie sztuce.”

I na koniec możesz narysować siebie

Lub znane osobistości

lub takie portrety, do tworzenia których wykorzystuje się plemniki.

P/S/ Ma też mniej „niesamowitych” prac.

Chris Ofili

Może nie będzie to takie oryginalne. Zamiast ludzkich można stosować także wydzieliny zwierzęce. Jeśli podoba Ci się kolor odchodów słonia, to bierz i używaj, nikt nie powie ani słowa przeciwko temu. Co więcej, daje taką swobodę w doborze odcieni brązu. I właśnie w tym zakochał się Chris Ofili.

Marka Quinna

Można malować ludzką krwią, ale można też z niej robić rzeźby. Mrożony. I z mojego też. Na jeden taki portret potrzeba około 4 litrów krwi, jeśli nie więcej.

Vala Thompsona

Ale możesz rysować nie tylko krwią i wszelkiego rodzaju wydzielinami. Możesz rysować po samej osobie, a raczej po tym, co po niej zostało. Na przykład Ash, tak jak robi to Val Thompson. Z popiołów powstały już sztuczne diamenty, teraz można jeszcze malować, wystarczy wymieszać je z farbami.

Xiang Chena

Rysować może każdy, najważniejsze, że oczy się nie boją, a ręce to robią. Czasem jednak samo oko, w dosłownym tego słowa znaczeniu, staje się narzędziem twórcy. Artysta Xiang Chen maluje oczami za pomocą specjalnego urządzenia.

Ciąg dalszy...

Rysuj nożem, gumą do żucia, taśmą, gwoździami lub haczykami na ryby, słowami i taśmami, bakteriami... nie ma barier dla ludzkiej wyobraźni.

Jeśli nie potraktujemy poważnie ruchu realizmu, wówczas malarstwo zawsze różniło się od innych gatunków sztuki swoją dziwnością. Metaforyczny obrazy figuratywne, poszukiwanie nowych form i oryginalnych środków wyrazu dla artystów – wszystko to przyczynia się do gigantycznego oddzielenia malarstwa od rzeczywistości. Pisanie jest oczywiście jak twórcza śmierć dla wartościowego artysty. Obraz powinien mieć głębię i podtekst, przeskok znaczeń. W jednych zawodach jest ich więcej, w innych mniej, ale są też takie, w których ich liczba przekracza wszelkie normy. Obrazy te nazywane są dziwnymi; ich prawdziwe znaczenie znane jest tylko autorowi. Oto 10 najdziwniejszych:

Jan van Eyck „Portret pary Arnolfinich” – London National Gallery, Londyn

1434, drewno, olej. 81,8 x 59,7 cm

Portret prawdopodobnie Giovanniego di Nicolao Arnolfini i jego żony
jest jednym z najbardziej prace złożone Zachodnia szkoła malarstwa
Renesans północny.

Słynny obraz jest w całości wypełniony symbolami,
alegorie i różne odniesienia – aż do podpisu „Jan van Eyck
tu był”, co przekształciło go nie tylko w dzieło sztuki, ale w
dokument historyczny potwierdzający wydarzenie, które faktycznie miało miejsce
którym artysta był obecny.

W Rosji ostatnie lata Obraz zyskał dużą popularność dzięki podobieństwu portretu Arnolfiego do Władimira Putina.

Edvard Munch „Krzyk” – Galeria Narodowa, Oslo

1893, karton, olej, tempera, pastel. 91x73,5cm

Krzyk uznawany jest za przełomowe wydarzenie w ekspresjonizmie i jeden z najsłynniejszych obrazów na świecie.

„Szedłem ścieżką z dwójką przyjaciół – słońce zachodziło – niespodziewanie
niebo zrobiło się krwistoczerwone, zatrzymałem się, czując się wyczerpany, i
oparłem się o płot - spojrzałem na krew i płomienie na niebiesko-czarnym
fiord i miasto - moi przyjaciele poszli dalej, a ja stałam i drżałam
podekscytowanie, uczucie niekończącego się krzyku przeszywającego naturę” – powiedział Edward
Munch o historii obrazu.

Istnieją dwie interpretacje tego, co jest przedstawione: to samego bohatera ogarnia groza i
cicho krzyczy, przyciskając dłonie do uszu; lub bohater zakrywa uszy
rozbrzmiewające wokół krzyku pokoju i natury. Munch napisał 4 wersje Krzyku i
istnieje wersja, że ​​​​ten obraz jest owocem psychozy maniakalno-depresyjnej,
na jakie cierpiał artysta. Po cyklu leczenia w Klinice Muncha nr
wrócił do pracy na płótnie.

Paul Gauguin „Skąd przychodzimy? Kim jesteśmy? Gdzie idziemy? - Muzeum sztuki piękne, Bostonie

1897-1898, olej na płótnie. 139,1 x 374,6 cm

Głęboko filozoficzne malarstwo postimpresjonisty Paula Gauguina było
napisany przez niego na Tahiti, dokąd uciekł z Paryża. Po zakończeniu pracy on
Chciałem nawet popełnić samobójstwo, ponieważ „Wierzę, że to
płótno nie tylko przewyższa wszystkie moje poprzednie, a ja nigdy tego nie robiłem
Stworzę coś lepszego lub nawet podobnego.”

Według samego Gauguina obraz należy czytać od prawej do lewej - trzy
główne grupy rycin ilustrują pytania postawione w tytule. Trzy
kobieta z dzieckiem reprezentuje początek życia; grupa środkowa
symbolizuje codzienną egzystencję dojrzałości; w finale
grupa, zdaniem artysty, „stara kobieta zbliżająca się do śmierci,
wydaje się pojednana i oddana swoim myślom” – u jej stóp
„Dziwny biały ptak… reprezentuje daremność słów”.

Pablo Picasso „Guernica” – Muzeum Reina Sofia, Madryt

1937, olej na płótnie. 349 x 776 cm

Ogromny fresk na płótnie „Guernica”, namalowany przez Picassa w 1937 r.,
opowiada o nalocie ochotniczej jednostki Luftwaffe na miasto
Guernica, w wyniku czego sześciotysięczne miasto zostało całkowicie zniszczone
zniszczony. Obraz powstał dosłownie w miesiąc – pierwsze dni pracy
Picasso pracował nad obrazem 10-12 godzin i był już w pierwszych szkicach
można było zobaczyć główna idea. To jest jeden z najlepsze ilustracje koszmar
faszyzm, a także ludzkie okrucieństwo i żal.

„Guernica” przedstawia sceny śmierci, przemocy, brutalności, cierpienia i
bezradności, bez wskazania ich bezpośrednich przyczyn, a jednak są one oczywiste.
Mówią, że w 1940 roku Pablo Picasso został wezwany przez gestapo w Paryżu.
Rozmowa od razu zeszła na temat obrazu. „Czy ty to zrobiłeś?” - „Nie, ty to zrobiłeś”.

Michaił Vrubel „Siedzący demon” – Galeria Trietiakowska, Moskwa

1890, olej na płótnie. 114x211cm

Obraz Michaiła Vrubela zaskakuje wizerunkiem demona. Smutny
długowłosy facet wcale nie przypomina uniwersalnego ludzkiego wyobrażenia
jak powinien wyglądać zły duch. Najwięcej mówił o sobie sam artysta
znany z malarstwa:

„Demon to nie tyle zły duch, ile cierpiący i smutny
w tym wszystkim jest potężny i majestatyczny duch”. To obraz siły ludzkiego ducha,
wewnętrzna walka, wątpliwości. Tragicznie załamując ręce, Demon siedzi z
smutne, wielkie oczy skierowane w dal, otoczone kwiatami.
Kompozycja podkreśla powściągliwość sylwetki demona, jakby ściśniętego
pomiędzy górną i dolną poprzeczką ramy.

Wasilij Wierieszczagin „Apoteoza wojny” – Państwowa Galeria Trietiakowska, Moskwa

1871, olej na płótnie. 127x197cm

Vereshchagin jest jednym z głównych rosyjskich malarzy batalistycznych, ale on
Malowałem wojny i bitwy nie dlatego, że je kochałem. Wręcz przeciwnie, próbował
przekazać ludziom swój negatywny stosunek do wojny. Pewnego dnia Wierieszczagin
w gorączce wzruszenia wykrzyknął: „Nie będę już malował obrazów batalistycznych – to wszystko!”
Biorę to co piszę zbyt poważnie, płaczę (dosłownie)
smutek wszystkich rannych i zabitych.” Prawdopodobnie wynik tego wykrzyknika
stał się strasznym i urzekającym obrazem „Apoteoza wojny”, w którym
przedstawia pole, wrony i górę ludzkich czaszek.

Obraz jest zapisany tak głęboko i emocjonalnie, że za każdą czaszką
leżąc na tym stosie, zaczynasz widzieć ludzi, ich losy i losy tych, którzy
nigdy więcej nie zobaczę tych ludzi. Sam Vereshchagin ze smutnym sarkazmem
nazwał płótno „martwą naturą” - przedstawia „martwą naturę”.

Wszystkie szczegóły obrazu, w tym żółty kolor, symbolizują śmierć i
dewastacja. Czyste, błękitne niebo podkreśla martwość obrazu. pomysł
„Apoteozę wojny” wyrażają także blizny po szablach i dziury po kulach
żółwie.

Grant Wood” Amerykański gotyk» - Instytut Sztuki w Chicago, Chicago

1930, olej. 74x62cm

„American Gothic” to jeden z najbardziej rozpoznawalnych obrazów w
Sztuka amerykańska XX wieku, najsłynniejszy mem artystyczny XX i XXI wieku
wieki.

Obraz z ponurym ojcem i córką jest pełen szczegółów
wskazują na surowość, purytanizm i wsteczny charakter przedstawionych osób.
Wściekłe twarze, widły w samym środku obrazu, nawet staromodne
ubranie według standardów z 1930 r., odsłonięte łokcie, szwy na ubraniach chłopskich,
powtarzający się kształt wideł, a zatem groźba skierowana do każdego, kto
wkroczy. Można patrzeć na te wszystkie szczegóły bez końca i wzdrygać się
dyskomfort.

Co ciekawe, sędziowie konkursu w Art Institute of Chicago
postrzegali „gotyk” jako „humoryczną walentynkę”, a mieszkańcy państwa
Mieszkańcy Iowa byli strasznie obrażeni przez Wooda za przedstawienie ich w takim wydaniu
nieprzyjemne światło.

Rene Magritte „Kochankowie” –

1928, olej na płótnie

Obraz „Kochankowie” („Kochankowie”) występuje w dwóch wersjach. NA
na jednym mężczyzna i kobieta, których głowy są owinięte białym prześcieradłem, całują się i wchodzą
drugi - „patrz” na widza. Obraz zaskakuje i fascynuje. Dwa
Za pomocą postaci bez twarzy Magritte przekazał ideę ślepoty miłości. O ślepocie u każdego
znaczenia: kochankowie nikogo nie widzą, nie widzimy ich prawdziwych twarzy, ale
Co więcej, kochankowie są tajemnicą nawet dla siebie nawzajem. Ale w tym
pozorną jasność, nadal przyglądamy się Magritte’owi
kochanków i pomyśl o nich.

Prawie wszystkie obrazy Magritte'a to zagadki, które są całkowicie
nie da się ich rozwiązać, gdyż rodzą pytania o samą istotę istnienia.
Magritte zawsze mówi o oszustwie tego, co widzialne, o tym, co ukryte
tajemnica, której zwykle nie zauważamy.

Marc Chagall „Spacer” – Państwowa Galeria Trietiakowska

1917, olej na płótnie

Zwykle w swoim malarstwie niezwykle poważny, pisał Marc Chagall
zachwycający manifest własnego szczęścia, pełen alegorii i
Miłość. „Spacer” to autoportret z żoną Bellą. Jego ulubiony
szybuje po niebie i wygląda, jakby miał wciągnąć stojącego na ziemię Chagalla do lotu
niepewnie, jakby dotykał jej jedynie czubkami butów. W drugiej ręce Chagalla
sikorka - jest szczęśliwy, też ma sikorkę w rękach (prawdopodobnie swoją
malowanie) i ciasto na niebie.

Hieronim Bosch „Ogród” ziemskie przyjemności» - Prado, Hiszpania

1500-1510, drewno, olej. 389 x 220 cm

„Ogród rozkoszy ziemskich” to najsłynniejszy tryptyk Hieronima Boscha,
swoją nazwę wziął od tematu części centralnej, poświęconej grzechowi
zmysłowość. Do tej pory żadna z dostępnych interpretacji
obraz nie jest uznawany za jedyny prawdziwy.

Niezmienny urok i jednocześnie dziwność tryptyku
w ten sposób artysta wyraża główną ideę poprzez różnorodność
bliższe dane. Obraz jest przepełniony przezroczystymi postaciami, fantastyczny
konstrukcje, potwory, halucynacje, które stały się ciałem, piekielne
karykatury rzeczywistości, którym przygląda się jako egzaminator, niezwykle
ostrym spojrzeniem. Niektórzy naukowcy chcieli zobaczyć obraz na tryptyku
życie ludzkie przez pryzmat jego próżności i obrazów ziemska miłość, Inny -
triumf zmysłowości. Jednak prostota i pewien dystans, z
interpretowane są poszczególne liczby, a także przychylny stosunek do nich
Ta praca władz kościelnych zostaje poddana w wątpliwość,
że jego treścią może być gloryfikacja przyjemności cielesnych.