Nie tylko dla najmłodszych, ale także dla dorosłych widzów. Pociągnięty bohaterowie baśni ożywają na ekranach, wciągając Cię w świat ekscytujących przygód. W życiu rzeczy ruchome nie zdarzają się. Ale animacje pozwalają zamienić zestaw statycznych obrazów w ruchomy obraz.

Sztuka rysowników daje widzowi możliwość chwilowego zapomnienia, że nie ma do czynienia z rzeczywistością, ale z bajką.

Od czasów starożytnych animatorzy posługiwali się różnorodnymi obrazami, aby osiągnąć zamierzony efekt, za pomocą których ożywały obrazy lalkowe lub malowane. Technologia jest na pewno ważna. Ale zamierzenia, scenariusz i pomysł artysty mają z tym dużo więcej wspólnego. Postać filmu animowanego rodzi się ostatecznie wtedy, gdy animatorzy nadają jej indywidualność i charakter. Zasady te, wywodzące się z początków kina ręcznie rysowanego, są charakterystyczne także dla współczesnej animacji.

Mistrzowie animacji widzą swoje zadanie w przekazywaniu widzom wiecznych koncepcji, które w przeciwieństwie do technologii nie zmieniają się w czasie. Bohaterowie, których zachowaniem kieruje pragnienie sprawiedliwości i dobra, wciąż patrzą na widza z ekranów telewizorów. Zło musi zostać pokonane, a miłość i przyjaźń z pewnością zatriumfują.

Cechy współczesnej animacji

Dziś niemal każda kreacja w świecie animacji jest efektem zastosowania technologii komputerowej. Bardzo rzadko zdarza się, że postacie są obecnie wyrzeźbione lub narysowane na przezroczystej folii. Wykorzystanie funduszy animacja komputerowa pozwala uzyskać postacie z niezwykle wysoka rozdzielczość obrazy. Tacy bohaterowie potrafią poruszać się jak człowiek. Ruchy plastyczne i efekty specjalne przybliżają filmy animowane do rzeczywistości.

Jednym z najsilniejszych trendów w filmach animowanych jest dążenie do skrajnej naturalizacji. Ale niektórzy mistrzowie animacji uważają, że chęć nadania filmowi największej wiarygodności to ślepy zaułek, ponieważ widz dostrzega nie tyle realizm szczegółów obrazu, ile obraz artystyczny, utworzony na ekranie. Po prostu fantastycznie nierealny świat przyciąga uwagę młodych widzów.

W ciągu ostatnich dwóch dekad pojawiła się i rozwinęła animacja trójwymiarowa. Wykorzystanie technologii 3D w produkcji kreskówek stało się możliwe dopiero po premierze sprzęt komputerowy na nowy poziom.

Obrazy tworzące iluzję trójwymiarowego świata pozwalają stworzyć holistyczny obraz dążący do ekstremalnego realizmu.

A jednak dzisiejsi mistrzowie animacji bardzo często starają się celowo stylizować grafikę 3D na rysowaną ręcznie. Można to wytłumaczyć konfrontacją dwóch trendów, z których jeden reprezentuje stara szkoła animacja, a druga wyraża

Publikacje w dziale Kino

Pochodzenie Rosyjska animacja: lata 20. – 40. XX wieku

Filmowe adaptacje wierszy Majakowskiego i ścieżki dźwiękowe z Szostakowicza, historia pioniera Guliwera i kopiowanie technik Disneya za aprobatą samego Stalina - pierwsze dekady animacja radziecka były niezwykle interesujące.

Awangardowe lata 20

Choć pierwsze eksperymenty z animacją w Rosji zaczęto podejmować jeszcze przed rewolucją (karykatura kukiełkowa Aleksandra Sziryajewa, filmy krótkometrażowe Władysława Starewicza kręcone z wykorzystaniem wypchanych owadów), to za punkt wyjścia rodzimej tradycji animacji należy uznać pierwszą nakręconą kreskówkę w ZSRR - „ Zabawki radzieckie» Dzigi Wiertow (1924). Fabuła filmu krótkometrażowego oparta jest na karykaturach politycznych artysty Denisa opublikowanych w gazecie „Prawda”, ośmieszających wrogów społeczeństwa socjalistycznego. Inne karykatury pojawiające się w tym samym czasie były również skierowane do dorosłych, a nie do dzieci - „Humoreski” tego samego Dzigi Wiertowa, „Sprawy i czyny niemieckie” Aleksandra Bushkina, „Chiny w ogniu” – kreskówka, w której prawie wszyscy główni animatorzy kolejnych dekad: Iwan Iwanow-Wano, Władimir Sutejew, Walentyna i Zinaida Brumbergowie, Olga Chodatajewa.

Władysław Starewicz (1882-1965). Zdjęcie: kino-teatr.ru

Dziga Wiertow (1896-1954)

Iwan Iwanow-Wano (1900-1987)

Pierwszy kreskówka dla dzieci- „Lodowisko” Jurija Żelabużskiego (animatorem tego filmu krótkometrażowego był Iwan Iwanow-Wano) ukazało się w 1927 roku. Opowieść o chłopcu, który chcąc ukarać grubego mężczyznę molestującego piękną łyżwiarkę figurową, przez przypadek wygrał zawody w łyżwiarstwie szybkim, odniósł ogromny sukces i położył podwaliny pod animację dla dzieci.

Ten sam Jurij Żelabużski wyreżyserował także pierwszą lalkową kreskówkę „Przygody Bolwaszki” (1927). Następnie kierunek ten rozwinie Maria Benderskaya, która wydała filmy „Moidodyr” i „Przygody Chińczyków”.

Inną ważną kreskówką tamtych czasów był „Chłopiec Samojed”, nakręcony przez siostry Zinaidę i Walentinę Brumberg oraz Olgę i Nikołaja Khodataevów w 1928 roku. Tak naprawdę jest to siedmiominutowa historia życia idealnego obywatela ZSRR – odważnego chłopca Chu, który najpierw demaskuje złego szamana, a następnie wchodzi do szkoły robotniczej w Leningradzie, aby wrócić do rodzinnego obozu i zmienić swoje życie na lepsze. „Samoyed Boy” jest także ciekawy pod względem estetycznym: wykorzystuje wizerunki oryginału sztuki piękne ludy północy.

Z punktu widzenia estetyki wizualnej po pierwsze sowieckie karykatury przepełnione były duchem awangardy. Nikołaj Khodataev, Michaił Tsekhanovsky, siostry Walentina i Zinaida Brumberg, Iwan Iwanow-Wano, tworząc nową sztukę, skupiali się na poszukiwaniu nowych form - zarówno graficznych, jak i redakcyjnych. Animacja otworzyła przed artystami niespotykane dotychczas horyzonty. Jak napisał jeden z twórców rosyjskiej animacji, Iwan Iwanow-Wano: „Nie ma nic niedostępnego dla animacji. To sztuka możliwości nieograniczonych technologią, gdzie rzeczywistość ściśle splata się z fantazją i fikcją, gdzie fantazja i fikcja stają się rzeczywistością.”

Kadr z kreskówki „Soviet Toys”. 1924

Kadr z kreskówki „Rink”. 1927

Kadr z kreskówki „Chłopiec Samoyed”. 1928

Literackie lata 20

W tych latach animacja zostaje podniesiona do rangi nowej sztuki, którą aktywnie zapożycza obrazy literackie i pomysły: kreskówki na podstawie twórczości autorów klasycznych(„Przygody Munchausena” Daniila Cherkesa, Iwana Iwanowa-Vano i Władimira Sutejewa na podstawie Raspe), współczesnych pisarzy dziecięcych („Karaluch” Aleksandra Iwanowa na podstawie wiersza Czukowskiego, „Afrykańska Senka” Daniila Cherkesa, Jurij Merkułow i Iwan Iwanow-Wano na podstawie baśni tego samego Czukowskiego). Wśród tych kreskówek szczególnie wyróżnia się „Poczta” Michaiła Tsekhanowskiego, filmowa adaptacja książki Samuila Marshaka pod tym samym tytułem. Ta kreskówka przeszła do historii jako pierwsza radziecka kreskówka dźwiękowa. film animowany.

Nie tylko zaczynają współpracować przy filmach animowanych najlepsi pisarze i poeci (m.in. Evgeny Schwartz, Samuil Marshak, Korney Chukovsky, Sergei Mikhalkov, Valentin Kataev, Yuri Olesha) tamtych czasów, ale także kompozytorzy. Dmitrij Szostakowicz specjalnie pisze muzykę do „Opowieści o księdzu i jego robotniku Baldzie” Michaiła Tsekhanowskiego. Niestety film nie został ukończony, zachował się tylko jeden jego odcinek.

Kadr z kreskówki „Przygody Munchausena”. 1929

Kadr z kreskówki „Afrykanka Senka”. 1927

Kadr z kreskówki „Poczta”. 1929

Pod wieloma względami to zainteresowanie, oprócz tych możliwości twórcze prowadzona animacja wiązała się także z presją cenzury na scenarzystów, powieściopisarzy i kompozytorów, którzy chcąc przetrwać, szukali siebie w innych obszarach – twórczości dla dzieci, scenie. Chociaż tutaj nie wszystko było różowe. Jak wspomina współpracująca z siostrami Brumberg artystka Lana Azarkh: „Absolutnie nie bały się eksperymentować. Byli to artyści szeroko wykształceni, znający się na sztuce na całym świecie. Inna sprawa, że byli ograniczani, torturowani, zakazani. Grymz z Akademii Nauk Pedagogicznych zasiadał w radach artystycznych i mówił, że dzieci tego nie zrozumieją. Ale mimo wszystko wyszły prawdziwe arcydzieła.”

Satyryczne lata 30

Na początku lat 30. zaczął się rozwijać satyryczny kierunek w animacji: „Opowieść o carze Durandai” Iwana Iwanowa-Wano i Zinaidy Brumberg, „Organczik” Nikołaja Chodatajewa na podstawie „Historii miasta” Saltykowa-Szczedrina, „Kwartet” Aleksandra Iwanowa i Pantelejmona Sazonowa na podstawie bajki Kryłowa „Czarno na białym” Leonida Amalrika i Iwana Iwanowa-Wano to filmowa adaptacja wiersza Majakowskiego pod tym samym tytułem.

Na szczególną uwagę zasługuje film „Nowy Guliwer” Aleksandra Ptuszki (1935), w którym dość odważnie przemyślano klasyczną fabułę: Guliwer w kreskówce staje się Radziecki uczeń, który zamiast Lilliputa Swifta trafił do świata kapitalistycznego.

Ale wszystkie te kreskówki były oddzielnymi eksperymentami, które powstały w rozproszonych warsztatach rysunkowych w Mezhrabpomfilm, Sovkino, Moskinokombinat, Gosvoenkino i Mosfilm. W 1936 roku wszyscy zostali zjednoczeni w jednym instytucie – Soyuzmultfilm. W skład studia wchodzili znani już animatorzy - Ivan Ivanov-Vano, Olga Khodataeva, Valentina i Zinaida Brumberg, Vladimir Suteev, Dmitry Babichenko, Alexander Ivanov i inni.

Kadr z kreskówki „Opowieść o królu Durandai”. 1934

Kadr z kreskówki „Nowy Guliwer”. 1935

Kadr z kreskówki „Czarno na białym”. 1932

Jak wspomina Fiodor Chitruk, który pracuje w studiu niemal od jego powstania: „Nic nie dzieje się bez celowej pracy. Zadbano o Soyuzmultfilm, wybrano do niego najlepszą kadrę, zadbano o artystów. Jednym słowem stworzyli znośne warunki, aby stworzone karykatury mogły być następnie z powodzeniem sprzedawane. Cóż, nie możemy zapominać, że cenzura szczególnie nas nie dotknęła. Było kilka absurdalnych momentów, kiedy uparcie prosili o zmianę zbyt pesymistycznego zakończenia, ale to tylko drobnostki. W ogóle nie było obskurantyzmu; byliśmy stosunkowo wolni. Ciągle się też uczyliśmy - oglądaliśmy zachodnie kreskówki w ilościach przemysłowych.

ProDisneyowskie lata 30

A propos zachodnich kreskówek. W 1935 roku na Międzynarodowym Festiwalu Filmowym w Moskwie pokazano „Śmieszne symfonie” Walta Disneya. To wydarzenie wywarło ogromny wpływ na umysły sowieckich animatorów. Jak wspomina ten sam Khitruk: „Film Disneya z serii „Śmieszne symfonie” nie mieścił się w żadnych ramach zwykłej świadomości. To była taka klasa reżyserii, taka fuzja plastyczności, muzyki, pomysłów i postaci – niesamowita.<...>Dla mnie te filmy były czymś więcej niż sztuką, były wróżbami, czarami. Jeśli chodzi o ruch, charakter i grę aktorską, przydarzyło mi się coś bardziej przekonującego niż w filmach fabularnych.

Kadr z kreskówki „Kotofey Kotofeevich”. 1937

Kadr z kreskówki „Śmieszne symfonie”. 1935

Kadr z kreskówki „W Afryce jest gorąco”. 1936

To według kanonów Disneya Soyuzmultfilm rozwijał się w pierwszych latach: przez kilka lat opanowali technologię celuloidową - przenośnik produkcyjny na wzór Disneya, nowi animatorzy szkolili się, korzystając z amerykańskich podręczników. Teraz animatorzy mają podział pracy: zamiast ludzi, którzy robili wszystko na raz, zaczęli pracować wąscy specjaliści - fazery, kreślarze, konturowcy, wypełniacze. Oczywiście przyspieszało to proces i obniżało koszty produkcji, ale jednocześnie w takich kreskówkach coraz trudniej było uchwycić indywidualny styl artysty. Zapożyczyli także od Disneya technologię „éclair”, czyli rotoskopii, która polegała na filmowaniu ruchów żywych aktorów. Chcąc nie chcąc, radzieccy animatorzy również zapożyczyli styl filmów Disneya.

Iwanow-Wano tak wspomina ten okres: „Jak to się mogło stać? Potem zadawałem sobie to pytanie wiele razy, aż znalazłem właściwą odpowiedź. Choć może to być smutne, każdy z nas na początku był w swojej pracy nowe studio Znaleźli się w niewoli metody Disneya i zmuszeni byli skopiować nie tylko technologię, ale także niektóre zasady budowy postaci i ruchu. Faktem jest, że szkolenia na kursach dla rysowników odbywały się głównie na podręczniki, opracowany przez Disneya dla jego animatorów. Wszystkie najbardziej wyraziste i charakterystyczne formy ruchy bohaterów – chodzenie, skakanie, bieganie, upadek – zostały szczegółowo nagrane i nagrane na specjalne taśmy, które następnie wykorzystali animatorzy, oszczędzając czas w swojej pracy.”

Oryginalne lata 40

To jasny styl Animacja radziecka, która zaczęła nabierać kształtu już w latach dwudziestych XX wieku, na jakiś czas zaginęła. Jednak nawet w tych latach pojawiły się ciekawe oryginalne dzieła - na przykład filmy Władimira Suteeva („Głośne pływanie”, „Dlaczego skóra nosorożca ma fałdy”, „Kolobok”, „Wujek Styopa”).

Wszystkie te filmy są czarno-białe, chociaż od 1937 roku, kiedy ukazała się pierwsza kolorowa kreskówka („ Słodki placek„Dmitry Babichenko), wiele obrazów powstało w dwóch wersjach jednocześnie.

Lata 1939–1941 są być może najbardziej produktywne dla Soyuzmultfilm tego okresu. Teraz na ekranach pojawiają się klasyki rosyjskiej animacji: „Limpopo” i „Barmaley” Leonida Amalrika i Władimira Połkownikowa, „Moidodyr” Iwana Iwanowa-Wano, „Mucha Tsokotukha” Władimira Sutejewa. Te kreskówki coraz mniej przypominają filmy Disneya, wyraźnie widać w nich charakterystyczny styl twórców. To od nich pochodzi oryginał szkoła radziecka animacje.

Wraz z początkiem Wielkiej Wojny Ojczyźnianej animatorzy, którzy nie poszli na front, przerzucili się na kręcenie propagandowych plakatów filmowych. Produkcja kreskówek dla dzieci przebiega niezwykle wolno – materiałów jest za mało, ewakuacja do Samarkandy i ponowna ewakuacja do Moskwy wymaga dużo wysiłku i czasu, w pewnym momencie studio produkuje nawet guziki i grzebienie z folii. Niemniej jednak w tych latach ukazały się „Żółka” i „Telefon” Michaiła Tsekhanowskiego, „Skradzione słońce” Iwana Iwanowa-Wano i „Opowieść o carze Saltanie”

10 czerwca 1936 roku powstało największe studio filmów animowanych w ZSRR, Soyuzmultfilm. Następnie nosił nazwę „Soyuzdetmultfilm”, a w sierpniu 1937 roku przemianowano ją na „Soyuzmultfilm”.

Cokolwiek można powiedzieć, ale najbardziej najlepsze kreskówki Radzieckie dzieciństwo można śmiało nazwać dziełem studia Soyuzmultfilm. Przez lata swojego istnienia wypuścił ogromna ilość bajki na każdy gust, które pokazujemy naszym dzieciom i nigdy nie męczymy się oglądaniem. Ponadto większość kreskówek zawiera wiele tajemnic i szczegółów zauważalnych tylko dla najbardziej uważnych. Poznajmy je.

Sponsor postu: Kreskówki na każdy gust.

Kubuś Puchatek

Pierwsza filmowa adaptacja książki o Kubusiu Puchatku należy do Walt Disney Studio: na początku lat 60. ukazało się kilka odcinków o zabawnym małym miśku i jego przyjaciołach. Przed rozpoczęciem pracy nad domowym Kubusiem Puchatkiem Fiodor Chitruk nie widział wersji Disneya.

Chciał jednak odejść od obrazów przedstawionych w książce, aby stworzyć własne, nowe i oryginalne postacie. Oczywiście, udało mu się. Każdy, kto widział zarówno wersję Disneya, jak i naszą, jednoznacznie opowiada się za tą drugą.

Ciekawe, że początkowo Kubuś Puchatek był bardzo kudłaty, jego uszy wyglądały na lekko „obgryzione”, a oczy różne rozmiary. Początkowo artyści sprawili, że Prosiaczek wyglądał jak gruba, apetyczna kiełbasa. Zanim postacie nabrały znanego nam wyglądu, narysowano wiele różnych niedźwiadków i prosiąt.

Nawiasem mówiąc, w drugiej i trzeciej serii rysunki bohaterów zostały uproszczone: czarne „okulary” na twarzy Kubusia Puchatka nabrały wyraźnych konturów, a różowe policzki Prosiaczka zaczęły być oznaczone pojedynczą czerwoną linią. Pracując nad kreskówką o Kubusiu Puchatku, Fiodor Chitruk nie wiedział o istnieniu filmów animowanych o zabawnym misiu ze studia Disneya. Później, według Khitruka, jego wersja spodobała się reżyserowi Disneya Wolfgangowi Reitermanowi. Jednocześnie, ponieważ radzieckie kreskówki powstawały bez uwzględnienia wyłącznych praw filmowych przysługujących studiu Disneya, ich pokazywanie za granicą było niemożliwe.

Baby i Carlsona

Radziecki film animowany „Dziecko i Carlson” w reżyserii Borysa Stepantsewa, oparty na opowiadaniu szwedzkiej pisarki Astrid Lindgren, wyemitowany w telewizji w 1968 roku, został entuzjastycznie przyjęty zarówno przez młodych, jak i dorosłych widzów telewizyjnych.

W sumie wydano dwa odcinki o Carlsonie: „Kid and Carlson” (1968) i „Carlson is back” (1970). Soyuzmultfilm miał nakręcić trzecią część, ale pomysł ten nigdy nie został zrealizowany. W archiwum studia wciąż znajduje się film, który miał zostać wykorzystany do nakręcenia kreskówki opartej na trzeciej części trylogii o Dzieciaku i Carlsonie - „Carlson znowu gra figle”.

Jeśli uważnie przyjrzysz się kreskówce o Carlsonie, zauważysz następujący szczegół: na początku kreskówki, gdy Dzieciak przechodzi przez ulicę, w przejeżdżającym autobusie widoczna jest reklama Air France.

Detektywi z kreskówki o przygodach świni Funtik są bardzo podobni do złodziei bielizny z kreskówki o Carlsonie. Ponadto radzieccy rodzice wujka Fiodora z Prostokvashino są bardzo podobni do szwedzkich rodziców Kid.

Leopold Kot

Nakręcono radziecki serial animowany o kocie Leopoldu i nękających go chuligańskich myszach Twórcze stowarzyszenie„Ekran” od 1975 do 1993 roku. W momencie powstawania serialu animowanego nie było jeszcze warsztatów plastycznych. Dlatego też pierwsze dwa odcinki („Zemsta kota Leopolda” i „Leopold i złota rybka") nie zostały narysowane, lecz wykonane techniką transferu.

Drobne detale postaci i scenerii zostały wycięte z papieru i umieszczone pod szkłem. Po każdym kadrze detale przesuwały się na niewielką odległość, co stwarzało iluzję ruchu. Kolejne odcinki kreskówki zrealizowano przy wykorzystaniu ręcznie rysowanej animacji.

Twórcy kreskówki długo zastanawiali się nad imieniem głównego bohatera. Autorzy naprawdę nie chcieli go nazywać zbyt prosto - „zwykłym” Barsikiem lub Murzikiem. Według ich planów nazwa miała pięknie brzmieć, a jednocześnie być łatwa do wymówienia.

Istnieje wersja, według której dobroduszny i uroczy kot został nazwany przez syna scenarzysty Arkadego Khaita. Pracując nad fabułą kreskówki, chłopiec próbował zrobić dwie rzeczy na raz: podążać za dorosłymi i oglądać w telewizji „Nieuchwytnych Avengersów”. Imię pułkownika Białej Gwardii Leopolda Kudasowa, jednego z bohaterów „Nieuchwytnych”, zrodziło pomysł, aby tak samo nazwać kota. Myszy chuligańskie również nie są bezimienne, jak wielu ludzi myśli. Pulchny szary gryzoń nazywa się Motey, a cienkie białe zwierzę nazywa się Mitya. Jednak w kreskówce myszy nigdy nie są nazywane po imieniu.

Czeburaszka

Radziecki film rysunkowy o Czeburaszce został nakręcony przez reżysera Romana Kaczanowa na podstawie książki Eduarda Uspienskiego, a właściwie według ich wspólnego scenariusza. I choć Uspienski napisał 8 opowiadań o Krokodylu Genie, Cheburashce i ich przyjaciołach, w sumie powstały 4 odcinki.

Znany dziś kreskówkowy wizerunek Cheburashki to urocze stworzenie ogromne uszy, duże, ufne oczy i miękkie brązowe futro - wymyślił rysownik Leonid Shvartsman. Dokładnie tak pojawił się po raz pierwszy w kreskówce Romana Kachanowa „Krokodyl Gena” (1969) i podbił serca dzieci i dorosłych.

Jak wynika z przedmowy do książki Eduarda Uspienskiego „Krokodyl Gena i jego przyjaciele”, Czeburaszka to imię nadane wadliwej zabawce, którą autor książki miał w dzieciństwie, przedstawiającej niespotykane dotąd zwierzę: niedźwiadka lub króliczka z duże uszy.

Według książki rodzice autorki twierdzili, że Czeburaszka to nieznane nauce zwierzę żyjące w gorącej tropikalnej dżungli. Dlatego w tekście książki, której bohaterami, jak twierdzi pisarz, są zabawki własnych dzieci Uspienskiego, Czeburaszka tak naprawdę jawi się czytelnikom jako nieznane zwierzę tropikalne.

W jednym z wywiadów Eduard Uspienski powiedział, że pewnego razu odwiedził przyjaciela, który miał małą córeczkę. W czasie wizyty pisarza dziewczyna przymierzała futro, które wlokło się po podłodze. „Dziewczyna spadała, potykając się o futro. A jej ojciec po kolejnym upadku wykrzyknął: „Och, znowu schrzaniłem!” To słowo utkwiło mi w pamięci i zapytałem, co ono oznacza. Okazało się, że „cheburahnutsya” oznacza „upaść”. Tak pojawiło się imię mojego bohatera” – przyznał autor.

Trzy z Prostokvashino

Serial animowany „Trzej z Prostokwaszyna” na podstawie opowiadania Eduarda Uspienskiego „Wujek Fiodor, pies i kot” wyreżyserował Władimir Popow. W sumie wydano trzy odcinki. Większość tego, co jest w środku źródło literackie, nie znalazł się w kreskówce, ale popularność adaptacji filmowej była kilkakrotnie większa niż popularność opowiadania Uspienskiego.

Prace nad stworzeniem ekranowych obrazów kreskówki „Trzy z Prostokvashino” zostały podzielone pomiędzy scenografów na zlecenie reżysera Władimira Popowa. Wizerunek Galchonoka nie działał przez bardzo długi czas. Dlatego też każdy, kto wszedł do pokoju artysty w Soyuzmultfilm, został poproszony o narysowanie tej postaci. Artysta Leonid Shvartsman, który wymyślił kreskówkę Cheburashka, nawet brał udział w jej tworzeniu.

Wujek Fiodor to jedyny typ, dla którego zespół pracujący nad stworzeniem kreskówki „Trzej z Prostokvashino” nigdy nie wpadł na pomysł jedną decyzję. Dlatego jego obraz na ekranie zmienia się znacznie z odcinka na odcinek. Takie posunięcie, niedopuszczalne z punktu widzenia zachodniej animacji, zostało w naszym kraju przyjęte zupełnie spokojnie.

Nawiasem mówiąc, kot Matroskina mógł mieć na imię Taraskin. Faktem jest, że kiedy Eduard Uspienski pisał swoją historię, chciał nazwać tę postać imieniem Anatolija Taraskina, pracownika magazynu filmowego „Fitil”, ale nie pozwolił na użycie swojego imienia. To prawda, że później tego żałował i przyznał pisarzowi: „Jaki ze mnie głupiec! Żałowałem, że podałem swoje nazwisko!”

Cóż, poczekaj chwilę!

„No cóż, poczekaj chwilę!” - to nie jest tylko serial animowany, to prawdziwa legenda, na której wychowało się więcej niż jedno pokolenie. W 1969 r. „No cóż, poczekaj chwilę!” było rozporządzenie rządowe. Urzędnicy postanowili udzielić naszej odpowiedzi Kreskówki Disneya i przeznaczył dość poważny budżet. Żądania klientów ograniczały się do prośby o zrobienie czegoś zabawnego.

Z tą prośbą zwróciło się kierownictwo Soyuzmultfilm znani komicy Alexander Kurlyandsky, Arkady Khait, Feliks Kamow i Eduard Uspienski.

Twórcy kreskówki mieli wiele kontrowersji w związku z 12. odcinkiem słynnej kreskówki, kiedy Wilk trafia do sarkofagu faraona Ramzesa. Zakładano nawet, że rząd egipski może zaprotestować w tej sprawie. Ale wszystko się udało.

W serialu animowanym „No cóż, poczekaj chwilę!” niesamowity wybór muzyki, który wykorzystuje popularne nagrania z Zachodu i Scena radziecka. Ale nigdy nie zostały one określone w nadruku kreskówki. Wtedy nie zostało to przyjęte.

Muzyka odtwarzana podczas napisów końcowych to utwór tytułowy „No cóż, po prostu czekaj!” - zatytułowana Vizisi („Narty wodne”) i została opublikowana w zbiorze węgierskim muzyka popowa Melodiya w 1967 r. Jej autorem jest węgierski kompozytor Tomás Deák.

ściąć zeszłoroczny śnieg

Jak wspomniał kompozytor Grigorij Gładkow podczas swojego występu w programie humorystycznym „Wokół śmiechu”, kreskówka „Last Year’s Snow Was Falling” miała oryginalny tytuł roboczy„Jodły, patyki, las jest gęsty”, a głównym bohaterem był woźny z „Wrony z plasteliny”. Następnie sfinalizowano koncepcję wizualną głównego bohatera i tytuł filmu.

Pierwotnie planowano powierzyć rolę narratora w kreskówce „Last Year's Snow Was Falling” Lii Akhedzhakovej. Wyraziła nawet kreskówkę, ale reżyserowi Aleksandrowi Tatarskiemu się to nie podobało. W rezultacie obie role – mężczyzny i gawędziarza – przypadły Stanisławowi Sadalskiemu.

Sadalsky, który podkładał głos w rolach mężczyzny i narratora w kreskówce „Last Year's Snow Was Falling”, nie został wymieniony w napisach końcowych. Krótko przed premierą kreskówki aktor został zatrzymany w restauracji hotelu Cosmos z obcokrajowcem, po czym nastąpił donos do prezesa Państwowej Spółki Telewizji i Radia S.G. Lapin. W ramach kary za komunikowanie się z obcokrajowcami postanowiono usunąć nazwisko aktora z napisów końcowych.

Kreskówka „Last Year's Snow Was Falling” nie mogła umknąć szczególnej uwadze cenzorów. „W czasie projekcji „Śniegu” byłem w stanie przed zawałem serca” – wspomina reżyser kreskówek Aleksander Tatarski. „Powiedzieli mi, że okazałem brak szacunku wobec narodu rosyjskiego: masz tylko jednego bohatera – Rosjanina, a on jest idiotą!”

Tradycyjnie w soboty publikujemy dla Was odpowiedzi do quizu w formacie „Pytanie – Odpowiedź”. Mamy różnorodne pytania, zarówno proste, jak i dość złożone. Quiz jest bardzo ciekawy i cieszy się dużą popularnością, po prostu pomagamy Ci sprawdzić Twoją wiedzę i upewnić się, że spośród czterech zaproponowanych wybrałeś poprawną odpowiedź. I mamy kolejne pytanie w quizie - Na podstawie bajki Kryłowa Władysław Starewicz nakręcił jedną z pierwszych krajowych kreskówek w 1913 roku.

A. „Kwartet”
B. „Wrona i lis”
C. „Kot i kucharz”
D. „Ważka i mrówka”

Prawidłowa odpowiedź to D. Ważka i mrówka

Tak, tak, nie zdziw się! To właśnie w roku 1913 „ Spółka akcyjna Khanzhonkov” stworzył kreskówkę na podstawie nieśmiertelnego dzieła Kryłowa, powielił ją różne języki i z sukcesem pokazywano w całej Europie))) Wszystko jest tak, jak powinno być: niemy czarno-biały film, za kulisami muzyka pianisty...

„Czy wiesz, że ta bajka tak naprawdę odnosi się do mrówki i konika polnego? Tak, tak, konik polny, lub jak to się nazywa, klaczka. Rzecz w tym, że w język mówiony XVIII - początek XIX przez wieki słowo ważka było ogólną nazwą różnych owadów: tak nazywał się zarówno konik polny, jak i ważka... Ciekawe, że w starożytnych ilustracjach tej bajki można znaleźć wizerunki konika polnego.

Animator Władysław Starewicz

Władysław Starewicz urodził się w 1882 roku w Wilnie (dzisiejsze Wilno) w rodzinie litewskich Polaków.
Od dzieciństwa Władysław interesował się badaniem owadów i fotografią.
Po ukończeniu szkoły średniej pełnił funkcję urzędnika.
W 1910 roku Starevich zdecydował się na filmowanie dokumentalny o rogatych jelonkach i ich walkach o partnera. Jednak wraz z oświetleniem wymaganym do filmowania samce niestety przestały walczyć. Następnie Starevich zrobił manekiny z muszli jeleni i sfilmował sceny klatka po klatce. W efekcie powstał pierwszy na świecie lalkowy film animowany zatytułowany „Piękna Lucanida, czyli walka rogatych chrząszczy” („Lucanus Cervus” – z łac. „Jelonek”). Film miał pseudoromantyczną fabułę, opowiadającą o miłości długorogiego chrząszcza do królowej rogatych chrząszczy, pięknej Lyukanidy, oraz zazdrości jej głupiego i niegrzecznego męża, króla. Libretto tej rzekomo romantycznej fabuły, podkładane pod sekwencję wideo przez dystrybutorów, zostało wykonane z dużym humorem.
Chanżonkow wspominał:
„Jego pierwszym przedstawieniem, zrealizowanym według własnego scenariusza, był 230-metrowy obraz zatytułowany „Piękna Lucanida”, czyli „Wojna rogatych ludzi z kolcami”, wydany w marcu (w nowej stylistyce w kwietniu) 1912 roku.

Obraz sprawił, że każdy, kto go zobaczył, nie tylko go podziwiał, ale także zastanawiał się nad sposobem, w jaki został wystawiony, ponieważ wszystkie role w nim odegrały chrząszcze. Był to pierwszy przykład animacji wolumetrycznej, nieznanej wówczas ani tu, w Rosji, ani za granicą. To nie rysunki zostały zrobione, ale miniaturowe figurki- sztuczne chrząszcze wykonane z zachwycającą prawdopodobieństwem. Do każdej klatki trzeba było podać chrząszcze specjalne stanowisko, a czasem nawet ekspresję.”
Film się podobał wielki sukces wśród widzów rosyjskich i zagranicznych do połowy lat dwudziestych. Technika animacji poklatkowej w animacji lalek była wówczas zupełnie nieznana, dlatego w wielu recenzjach wyrażano zdumienie, jak można osiągnąć tak niesamowite rzeczy poprzez tresowanie owadów.

Dlatego londyńska gazeta „Evening News” napisała o filmie: „Jak tego wszystkiego dokonano? Nikt, kto widział to zdjęcie, nie był w stanie tego wyjaśnić. Jeśli chrząszcze są tresowane, to ich trener musiał być człowiekiem o magicznej wyobraźni i cierpliwości. Co pismo mianowicie chrząszcze, jest to wyraźnie widoczne po dokładnym zbadaniu ich wyglądu. Tak czy inaczej, stoimy twarzą w twarz z niesamowitym zjawiskiem naszego stulecia…”

Ludzie zawsze wykazywali się wyobraźnią. Po raz pierwszy ponad sto lat temu udało im się ożywić obiekty nieożywione (obrazy) za pomocą specjalnych technik.

Współczesna animacja obejmuje kilka typów, stylów i metod tworzenia filmu. Każdy kraj ma swój własny postacie z kreskówek i twoje wyjątkowa historia rozwój filmów animowanych.

W 1924 roku ukazał się pierwszy radziecki film animowany, nakręcony przez reżysera filmów dokumentalnych Davida Abelevicha Kaufmana (Dziga Wiertow). To nie jest kreskówka rozrywkowa dla dzieci. Tutaj przez 10 minut, za pomocą pozornie prymitywnego rysunku, ukazana jest historia powstania ZSRR. Tytuł filmu to „Soviet Toys”. Film kręcono w Goskinie. Co ciekawe, na końcu kreskówki proponują stworzenie reklamy.

Głównymi bohaterami tamtych czasów byli ludzie, robotnicy, chłopi, żołnierze Armii Czerwonej, proletariat i oczywiście ci, z którymi musieli walczyć. Dobrze odżywieni, aroganccy mieszczanie, księża (kościół) i rozrywka w tawernie (tancerka). Tło muzyczne ciągle się zmienia, oddając zmianę wydarzeń i nastroju w kreskówce. W końcu to wszystko się skończyło Drzewo noworoczne a fajerwerki to znak, że się zaczęło nowe życie. Zamiast zabawek żołnierze Armii Czerwonej wieszali wszystkich swoich wrogów na choince.

Pierwsze sowieckie karykatury miały bardziej wydźwięk polityczny i były środkiem propagandowym.

Pierwsza kreskówka w Rosji dla dzieci

Pierwszą zachowaną kreskówką dla dzieci jest „Lodowisko”. Film został nakręcony przez reżysera, założyciela radzieckiej szkoły animacji, Iwana Iwanowa-Wano, na podstawie baśni Czukowskiego „Afrykanin Senka”.

To także film niemy, muzyczny, ręcznie rysowany. Główny wątek- jest odważny mały chłopiec w Budenovce, który pokonuje grubasa „burżua” i spieszy na pomoc łyżwiarzowi figurowemu.

W 1913 roku Władysław Starewicz nakręcił czarno-biały musical z napisami, lalkową kreskówkę „Ważka i mrówka”. Jego wielki światowy sukces miał miejsce w r Imperium Rosyjskie. Film przeznaczony był zarówno dla młodszych, jak i starszych widzów. Za podstawę przyjęto fabułę bajki Kryłowa; czas trwania kreskówki wynosił 4 minuty.

W Moskwie w 1936 r. (10 czerwca) powstało i rozpoczęło pracę największe rosyjskie studio „Soyuzdetmultfilm”. Zaczynają powstawać pokoje dziecięce filmy animowane. Pierwszy film był ręcznie rysowany, czarno-biały, wydany w studiu, należał do gatunku komedii dla dzieci i nosił tytuł „W Afryce jest gorąco”. Przygoda zwierząt jest opisana tutaj.

Również w 1936 roku w studiu filmowym Mosfilm pod kierunkiem reżyserki Sarry Mokil ukazał się pierwszy rosyjski kolorowy rysunek. To trójkolorowa lalkowa, muzyczna, filmowo-bajkowa opowieść „Lis i wilk”, oparta na rosyjskiej baśni. Czas trwania 18 minut.

Pierwsza kreskówka Walta Disneya w Ameryce

W 1924 r. (1 marca) Disney zaprezentował swoim widzom kreskówkę „Dzień Alicji na morzu”, która następnie otworzyła całą serię 56 odcinków o przygodach Alicji.

Ale to już nieco inna historia – „Alicja w Krainie Animacji”. Wykorzystano tu gatunek komediowy. Łącząc kino i kreskówkę (Alicja jest żywą postacią) – Walt umieszcza bohaterkę w narysowanym świecie. Czas trwania kreskówki wynosi 12 minut. Mała Alicja i jej psi przyjaciel postanowili wybrać się na spacer nad morze. Tam spotkali kapitana, który opowiedział Alicji o swoich morskich przygodach.

Zmęczona dziewczyna postanowiła zdrzemnąć się w pustej łodzi; na brzegu śniło jej się, że spada na dno morskie. Na swojej drodze Alicja spotyka wielu mieszkańców morza, którzy są postaciami z kreskówek. To lekka opowieść dla dzieci w kreskówce z podpisami i akompaniament muzyczny. Nie był zbyt popularny. Były to pierwsze dzieła wielkiego animatora.

Kiedy ukazała się najstarsza kreskówka (anime) na świecie?

Anime jest częścią kultury japońskiej i jest bardzo popularne wśród dzieci, młodzieży i dorosłych w wielu krajach na całym świecie. Kreskówki tego stylu są produkowane w różne gatunki. Niestety, nie udało się zidentyfikować autora, który stworzył najstarsze japońskie anime w 1907 roku. Został złożony z ręcznie rysowanych obrazów. Poruszający się chłopiec przeliteruje słowo „kino” z hieroglifów i zdejmuje kapelusz przed widzami. Czas trwania tego anime wynosi 3 sekundy.

Mangę uważa się za poprzedniczkę anime. To słowo pojawił się w 1814 roku za sprawą artysty Katsushiki Hokusai. Są to czarno-białe szkice narysowane tuszem. Historie na obrazkach, później w komiksach. „Marumaru Timbun” – magazyn po raz pierwszy opublikował komiksy nt japoński z europejskim akcentem w 1877 r.

Wielu uważa za pioniera japońskiego anime Dekotena Shimokawę, który w 1917 roku wykonał szkice na tablicy za pomocą kredy i próbował je ożywić nagrywając je na kliszę. Jego dzieła nie zachowały się. Pierwsze filmy trwały nie dłużej niż 1-5 minut, były tworzone przez (samotnych) artystów, starających się wykorzystać istniejącą wiedzę, doświadczenie i techniki zachodnich animatorów.

Namakura Gatana (utworzona 30 czerwca 1917) jest uważana za jedno z pierwszych czarno-białych anime. Ta niewielka, dwuminutowa kreskówka powstała w japońskim studiu Kobayashi Shokai. Nazwa jest tłumaczona jako „Tępy miecz samurajski”. Ten film opowiada o niekompetencji samuraja, który kupił tępy miecz. Następnie, aby pomścić swoje upokorzenie, wrócił do sprzedawcy, aby rozwiązać konflikt.

Jednym z pierwszych anime jest film – bajka o krabie i małpie, którzy są jednocześnie wspaniałymi samurajami. Fabuła filmu polega na zemście na podłej małpie. Małpa zdradziła kraba. Dzieci zabitego kraba mszczą się i zabijają małpę. Ta kreskówka zatytułowana „Jak krab zemścił się na małpie” została wystawiona według starego Japońska bajka i ma określone znaczenie.

Każdy animator powstania japońskiej kultury kreskówek przyczynił się do powstania różne kierunki i style Japońskie anime. Nawet duże oczy Bohaterowie Disneya będą później zwyciężyć nad japońskimi bohaterami anime. Dopiero od 1958 roku anime zostało oficjalnie uznane w sztuce.

Jeśli mówimy nie tylko o Japonii, istnieje kontrowersyjna opinia, że pierwsza europejska kreskówka została stworzona i nakręcona kamerą Edisona przez Blacktona w 1906 r. „Komiksowe fazy zabawnych twarzy”.

Narysowany przez francuskiego rysownika Emile’a Colasa. Nazywała się „Fantasmagoria”. Wymagało to 700 rysunków wykonanych na białym papierze z czarnymi liniami. Wszystko to zostało przedrukowane na negatywie, dając efekt rysunku kredą.

Jaka jest pierwsza kolorowa kreskówka w historii?

W 1933 roku powstał pierwszy kolorowy, ręcznie rysowany film animowany z serii kreskówek „Wesołe symfonie” zatytułowany „Kwiaty i drzewa”. To jasna, trójkolorowa, pełna emocji kreskówka dla dzieci o mieszkańcach lasu, ze zsynchronizowaną muzyką. Wykorzystano piękną, melodyjną muzykę znany kompozytor Schuberta.

Czas trwania filmu to 7,5 minuty. Ten krótki film zdobył Oscara jako najlepszy film animowany tamtych czasów.

Wikipedia o pierwszych kreskówkach na świecie

Wszystkie możliwe zachowane informacje w historii rozwoju światowej animacji można prześledzić w Wikipedii. Tutaj znajdziesz stwierdzenie, w którym odkryto prymitywne techniki animacji prymitywna era, dzięki obrazom ściennym, które zostały namalowane w określonej kolejności. Od końca XIX do początków XX wieku technologia zaczęła się szybko rozwijać, co umożliwiło szybkie podniesienie jakości kreskówek.

Francuz Emile Renault, artysta i wynalazca, syn zegarmistrza, nieustannie poszukiwał udoskonalenia aparatu (zoetropu) do oglądania ruchomych obrazów. A w 1877 roku w Paryżu tworzy praksynoskop. Po raz pierwszy wykorzystując trwałe tła do zdjęć i dodając zsynchronizowaną muzykę, jego obrazy ożywają w płynnej akcji. Opatentował to urządzenie i dlatego 30 sierpnia 1877 roku uważa się za urodziny pierwszej na świecie ręcznie rysowanej animacji.

Pierwsi animowani bohaterowie kinematografii nie byli obdarzeni specjalnymi cechami. Były to po prostu ruchome obrazy, które mogły przyciągnąć uwagę widza. W 1914 roku w kreskówce Gertie the Dinosaur wykorzystano animację całkowitą. Twórca animacji graficznej, rysownik, artysta – Winsor McCay, również obywatel amerykański, był osobą, która stworzyła szczególne trendy i techniki, które wpłynęły na rozwój światowej animacji. Postać dinozaura, którą stworzył za pomocą rysunku (konturu), po raz pierwszy została obdarzona emocjami i charakterem.