Symfonie XX wieku i ich autorzy. Arcydzieła muzyki klasycznej

Publikacje w dziale Muzyka

Pięć wielkich symfonii kompozytorów rosyjskich

W świecie muzyki istnieją dzieła jedyne w swoim rodzaju, ikoniczne, których dźwięki posłużyły do ​​napisania kroniki życie muzyczne. Niektóre z tych dzieł stanowią rewolucyjny przełom w sztuce, inne wyróżniają się złożoną i głęboką koncepcją, jeszcze inne zadziwiają niezwykłą historią powstania, czwarte stanowią wyjątkowe przedstawienie stylu kompozytora, a piąte... muzyki, że nie sposób o nich nie wspomnieć. Takich dzieł można zaliczyć do zasług sztuki muzycznej, a jako przykład przyjrzyjmy się pięciu wybranym symfoniom rosyjskim, których wyjątkowość jest trudna do przecenienia.

Druga (bohaterska) symfonia Aleksandra Borodina (b-moll, 1869–1876)

W Rosji już w drugiej połowie XIX wieku wśród kompozytorów dojrzała pewna idea: przyszedł czas na stworzenie własnej, rosyjskiej symfonii. W tym czasie w Europie symfonia obchodziła swoje stulecie, przechodząc przez wszystkie etapy łańcucha ewolucyjnego: od uwertury operowej, która pozostawiła scena teatralna i wykonywany oddzielnie od opery, do takich kolosów, jak IX Symfonia Beethovena (1824) czy Symfonia fantastyczna Berlioza (1830). W Rosji moda na ten gatunek nie przyjęła się: raz, drugi próbowano (Dmitrij Bortnyansky – Symfonia koncertowa, 1790; Aleksander Alyabyev – symfonie e-moll, Es-dur) – i porzucili ten pomysł na rzecz powróć do niego kilkadziesiąt lat później w dziełach Antona Rubinsteina, Milii Bałakiriewa, Nikołaja Rimskiego-Korsakowa, Aleksandra Borodina i innych.

Wspomniani kompozytorzy oceniali absolutnie słusznie, zdając sobie sprawę, że jedyną rzeczą, jaką symfonia rosyjska może się pochwalić na tle europejskiej obfitości, jest jej narodowy smak. A Borodin nie ma w tym sobie równych. Jego muzyka tchnie przestrzenią niekończących się równin, walecznością rosyjskich rycerzy, szczerością pieśni ludowe swoją bolesną, wzruszającą nutą. Motywem przewodnim pierwszej części stał się emblemat symfonii, po usłyszeniu którego przyjaciel i mentor kompozytora, muzykolog Władimir Stasow, zaproponował dwie nazwy: najpierw „Lwica”, a następnie bardziej odpowiedni pomysł: „Bogatyrskaja”.

W przeciwieństwie do dzieł symfonicznych tego samego Beethovena czy Berlioza, opartych na ludzkich pasjach i doświadczeniach, Symfonia Bogatyra opowiada o czasie, historii i ludziach. W muzyce nie ma dramatu, nie ma wyraźnego konfliktu: przypomina ona serię płynnie zmieniających się obrazów. I ma to zasadnicze odzwierciedlenie w konstrukcji symfonii, gdzie powolna część, zwykle na drugim miejscu, i żywiołowe scherzo (tradycyjnie po nim) zamieniają się miejscami, a finał w uogólnionej formie powtarza idee pierwszej ruch. W ten sposób Borodinowi udało się osiągnąć maksymalny kontrast w muzycznej ilustracji eposu narodowego, a model strukturalny Bogatyrskiej posłużył później za wzór dla epickich symfonii Głazunowa, Miaskowskiego i Prokofiewa.

Szósta (żałosna) symfonia Piotra Czajkowskiego (h-moll, 1893)

Dowodów, interpretacji i prób wyjaśnienia jej treści jest tak wiele, że cały opis tego dzieła mógłby składać się z cytatów. Oto jeden z nich, z listu Czajkowskiego do jego siostrzeńca Władimira Dawidowa, któremu jest dedykowana symfonia: „W czasie podróży wpadłem na pomysł kolejnej symfonii, tym razem programowej, ale z programem, który dla wszystkich pozostanie tajemnicą. Ten program jest najbardziej przesiąknięty subiektywnością i często podczas moich podróży, komponując go w myślach, bardzo płakałam”.. Co to za program? Czajkowski wyznaje to swojej kuzynce Annie Merkling, która zasugerowała, aby w tej symfonii opisał swoje życie. „Tak, dobrze zgadłeś”” – potwierdził kompozytor.

Na początku lat 90. XIX wieku myśl o pisaniu wspomnień wielokrotnie nawiedzała Czajkowskiego. Z tego okresu pochodzą szkice do jego niedokończonej symfonii „Życie”. Sądząc po zachowanych szkicach, kompozytor planował przedstawić pewne abstrakcyjne etapy życia: młodość, pragnienie działania, miłość, rozczarowanie, śmierć. Obiektywny plan jednak Czajkowskiemu nie wystarczył i prace zostały przerwane, ale w VI Symfonii kierował się wyłącznie osobistymi doświadczeniami. Jak chora musiała być dusza kompozytora, żeby narodziła się muzyka z tak niesamowitą, niesamowitą siłą oddziaływania!

Liryczno-tragiczna pierwsza część i finał są nierozerwalnie związane z obrazem śmierci (w rozwinięciu pierwszej części przytaczany jest temat duchowego śpiewu „Odpocznij ze świętymi”), jak zeznał sam Czajkowski, odnosząc się do tego symfonia w odpowiedzi na propozycję wielkiego księcia Konstantina Romanowa napisania „Requiem” ” Dlatego tak mocno odbierane jest jasne, liryczne intermezzo (pięciotaktowy walc w drugiej części) oraz uroczyste i triumfalne scherzo. Istnieje wiele dyskusji na temat roli tego ostatniego w kompozycji. Wydaje się, że Czajkowski chciał pokazać daremność ziemskiej chwały i szczęścia w obliczu nieuniknionej straty, potwierdzając w ten sposób wielkie powiedzenie Salomona: "Wszystko przemija. To też minie”.

III Symfonia („Boski poemat”) Aleksandra Skriabina (c-moll, 1904)

Jeśli zdarzy Ci się odwiedzić Dom-Muzeum Aleksandra Skriabina w Moskwie w ciemny jesienny wieczór, z pewnością poczujesz niesamowitą i tajemniczą atmosferę, która otaczała kompozytora za jego życia. Dziwna struktura kolorowych żarówek na stoliku w salonie, pulchne tomy o filozofii i okultyzmie za przyćmioną szybą drzwiczek regału i wreszcie ascetycznie wyglądająca sypialnia, w której Skriabin przez całe życie bał się śmierci z powodu zatrucia krwi, zmarł na sepsę. Miejsce mroczne i tajemnicze, doskonale oddające światopogląd kompozytora.

Nie mniej charakterystycznym punktem myślenia Skriabina jest jego III Symfonia, która otwiera tak zwany środkowy okres twórczości. W tym czasie Skriabin stopniowo formułował swoje poglądy filozoficzne, których istotą jest to, że cały świat jest wynikiem własną twórczość i własnej myśli (solipsyzm w skrajnym stadium) oraz że tworzenie świata i tworzenie sztuki to w istocie procesy podobne. Procesy te przebiegają w ten sposób: z pierwotnego chaosu twórczego ospałości powstają dwie zasady – czynna i bierna (męska i żeńska). Pierwszy niesie boską energię, drugi daje początek światu materialnemu z jego naturalnym pięknem. Współdziałanie tych zasad tworzy kosmiczny eros, prowadzący do ekstazy – swobodnego triumfu ducha.

Bez względu na to, jak dziwnie to wszystko może brzmieć, Skriabin szczerze wierzył w ten model Księgi Rodzaju, według którego napisano III Symfonię. Jej pierwsza część nazywa się „Walka” (walka człowieka-niewolnika, poddanego najwyższemu Władcy świata i boga-człowieka), druga - „Przyjemności” (człowiek poddaje się radościom świata zmysłów , rozpuszcza się w naturze), i wreszcie trzecia – „Boska zabawa” (wyzwolony duch, „tworzący wszechświat jedyną mocą swojej twórczej woli”, pojmuje „wzniosłą radość swobodnego działania”). Ale filozofia to filozofia, a sama muzyka jest cudowna, odsłania wszystkie możliwości barwowe orkiestry symfonicznej.

Pierwsza (klasyczna) Symfonia Siergieja Prokofiewa (D-dur, 1916–1917)

Jest rok 1917, trudne lata wojny, rewolucji. Wydawać by się mogło, że sztuka powinna ponuro marszczyć brwi i opowiadać o sprawach bolesnych. Ale smutne myśli nie są dla muzyki Prokofiewa – słonecznej, błyszczącej, młodzieńczo czarującej. To jego Pierwsza Symfonia.

Kompozytor już w latach studenckich interesował się twórczością klasyków wiedeńskich. Teraz spod jego pióra wyszło dzieło na wzór Haydna. „Wydawało mi się, że gdyby Haydn dożył tych czasów, zachowałby swój styl pisania, a jednocześnie przyjął coś nowego”, - Prokofiew skomentował swoje dzieło.

Kompozytor wybrał skromny skład orkiestry, znów w duchu wiedeńskiego klasycyzmu – bez ciężkich instrumentów dętych blaszanych. Tekstura i orkiestracja są lekkie i przejrzyste, skala dzieła nie jest duża, kompozycja jest harmonijna i logiczna. Jednym słowem bardzo przypomina dzieło klasycyzmu, omyłkowo narodzonego w XX wieku. Istnieją jednak także emblematy czysto Prokofiewa, jak na przykład jego ulubiony gatunek gawota w części trzeciej zamiast scherza (później kompozytor używa tego materiał muzyczny w balecie „Romeo i Julia”), a także ostrą „korzenną” harmonię i otchłań muzycznego humoru.

Siódma (leningradzka) Symfonia Dmitrija Szostakowicza (C-dur, 1941)

2 lipca 1942 roku dwudziestoletni pilot porucznik Litwinow, cudem przedzierając się przez okrążenie wroga, zdołał przywieźć lekarstwa i cztery pulchne notesy muzyczne z partyturą VII Symfonii D.D. Szostakowicza, a następnego dnia w Leningradzkiej Prawdzie ukazała się krótka notatka: „Partytura VII Symfonii Dmitrija Szostakowicza została dostarczona samolotem do Leningradu. Jej publiczne wykonanie odbędzie się w Sali Wielkiej Filharmonii”.

Wydarzenie, dla którego historia muzyki nie zna analogii: w oblężonym mieście potwornie wyczerpani muzycy (wzięli w nim udział wszyscy, którzy przeżyli) pod batutą dyrygenta Carla Eliasberga wykonali nową symfonię Szostakowicza. Tę samą, którą kompozytor skomponował w pierwszych tygodniach oblężenia, aż do ewakuacji wraz z rodziną do Kujbyszewa (Samara). W dniu leningradzkiej premiery, 9 sierpnia 1942 r., Wielka Sala Filharmonii Leningradzkiej wypełniła się po brzegi wyczerpanymi mieszkańcami miasta o przezroczystych twarzach, ale jednocześnie w eleganckich strojach oraz personelem wojskowym, który przybył prosto z linia frontu. Symfonia była transmitowana na ulice przez głośniki radiowe. Tego wieczoru cały świat zatrzymał się i słuchał bezprecedensowego wyczynu muzyków.

...To godne uwagi, ale słynny temat w duchu „Bolera” Ravela, uosabianego obecnie zwykle przez faszystowską armię bezmyślnie poruszającą się i niszczącą wszystko na swojej drodze, Szostakowicz napisał jeszcze przed wybuchem wojny. Został on jednak w sposób naturalny włączony do pierwszej części Symfonii Leningradzkiej, zajmując miejsce tzw. „epizodu inwazji”. Umacniające życie zakończenie okazało się także prorocze, uprzedzające upragnione Zwycięstwo, od którego dzieliły go jeszcze tak długie trzy i pół roku...

Flegontowa Anastazja

klasa 7specjalność „Teoria Muzyki”,MAOUUDOD DSHI nr 46, Kemerowo

Zaigraeva Walentina Afanasjewna

doradca naukowy,nauczyciel dyscyplin teoretycznych MAOU DOD „DSHI nr 46”

Wstęp

W każdym duże miasto istnieje orkiestra symfoniczna. Jest również poszukiwany w opery oraz w filharmoniach. Jednak sam gatunek symfonii – jeden z najbardziej szanowanych gatunków muzyki akademickiej – jest dziś wypierany przez muzykę kameralną i elektroniczną. A może się zdarzyć, że nadejdzie godzina, kiedy tak wspaniały gatunek jak symfonia nie będzie już w ogóle wykonywany na koncertach. Przez co najmniej prawie przestali komponować symfonie. Znaczenie tematy badawcze: niesłabnące zainteresowanie kwestią przyszłego istnienia gatunku „symfonia”: co czeka symfonię w XXI wieku: odrodzenie czy zapomnienie? Przedmiot badań to symfonia jako gatunek i poważny sposób rozumienia świata i wyrażania siebie przez człowieka. Przedmiot badań: ewolucja gatunku symfonicznego od jego początków do współczesności. Cel pracy: przestudiować cechy rozwoju gatunku symfonicznego. Cele badań: analizować materiał naukowy i teoretyczny dotyczący problemu; opisują prawa, normy, modele i kierunki rozwoju gatunku symfonicznego.

RozdziałI. Historia słowa „symfonia”.

Symfonia (od greckiego symphonía – współbrzmienie, od sýn – razem i telefon – dźwięk), utwór muzyczny w formie sonatowej forma cykliczna, przeznaczony do wykonania przez orkiestrę symfoniczną; jeden z najważniejszych gatunków muzyka symfoniczna. W niektórych symfoniach bierze udział także chór i śpiewacy solowi. Symfonia to jeden z najbardziej złożonych gatunków muzycznych. „Dla mnie tworzenie symfonii oznacza użycie wszystkich współczesnych środków technologia muzyczna budować pokój” – powiedział austriacki kompozytor Gustav Mahler.

Początkowo w Starożytna Grecja„Symfonia” to nazwa eufonicznego brzmienia dźwięków, śpiewających razem unisono. W Starożytny Rzym Tak już nazywano zespół lub orkiestrę. W średniowieczu rozważano „symfonię”. muzyka świecka w ogóle (we Francji znaczenie to przetrwało do XVIII w.) można by tak nazwać niektóre instrumenty muzyczne (w szczególności lira korbowa) . W Niemczech do połowy XVIII wieku symfonia była ogólnym określeniem odmian klawesynów - spinetów i virgineli; we Francji taką nazwą nazywano organy beczkowe, klawesyny, dwugłowe bębny itp.

Pod koniec epoki baroku niektórzy kompozytorzy, jak na przykład Giuseppe Torelli (1658-1709), komponowali utwory na orkiestrę smyczkową i basso continuo w trzech częściach, z sekwencją tempa szybko-wolno-szybko. Chociaż utwory takie nazywano zwykle „koncertami”, nie różniły się one od dzieł zwanych „symfoniami”; na przykład motywy taneczne wykorzystano w finałach zarówno koncertów, jak i symfonii. Różnica dotyczyła przede wszystkim konstrukcji pierwszej części cyklu: w symfoniach była ona prostsza – z reguły binarna dwuczęściowa forma barokowej uwertury, sonaty i suity (AA BB). Dopiero w XVI wieku. zaczęto go stosować do pojedynczych utworów, początkowo wokalno-instrumentalnych, takich kompozytorów jak Giovanni Gabrieli (Sacrae symphoniae, 1597 i Symphoniae sacrae 1615), Adriano Banchieri (Eclesiastiche Sinfonie, 1607), Lodovico Grossi da Viadana (Sinfonie musicali, 1610 ) i Heinricha Schütza (Symphoniae sacrae, 1629). kompozytorzy włoscy XVII wiek Słowo „symfonia” (sinfonia) często oznaczało instrumentalne wstępy do opery, oratorium czy kantaty, a znaczenie tego terminu zbliżało się do pojęć „preludium” czy „uwertura”.

Za pierwowzór symfonii można uznać uwerturę włoską, która ukształtowała się pod koniec XVII wieku za czasów Domenico Scarlattiego. Formę tę zwano już symfonią i składała się ona z trzech kontrastujących ze sobą części: allegra, andante i allegro, które zlały się w jedną całość; w części pierwszej zarysowano cechy formy sonatowej. To właśnie ta forma jest często postrzegana jako bezpośrednia prekursorka symfonii orkiestrowej. Z kolei poprzedniczką symfonii była sonata orkiestrowa, składająca się z kilku części w najprostszych formach i głównie w tej samej tonacji. Przez większą część XVIII wieku terminy „uwertura” i „symfonia” były używane zamiennie.

W XVIII wieku symfonia oddzieliła się od opery i stała się samodzielnym gatunkiem koncertowym, zwykle składającym się z trzech części („szybko – wolno – szybko”). Wykorzystując cechy suity tańca barokowego, opery i koncertu, wielu kompozytorów, a przede wszystkim J.B. Sammartini stworzył model symfonii klasycznej – trzyczęściowego utworu na orkiestrę smyczkową, którego części szybkie przybierały najczęściej formę prostego ronda lub wczesnej formy sonatowej. Stopniowo do smyczków dołączały kolejne instrumenty: oboje (lub flety), rogi, trąbki i kotły. Dla słuchaczy XVIII wieku. symfonię wyznaczały normy klasyczne: faktura homofoniczna, harmonia diatoniczna, kontrasty melodyczne, zadany ciąg zmian dynamicznych i tematycznych. Ośrodkami kultywacji symfonii klasycznej były niemieckie miasto Mannheim (tutaj Jan Stamitz i inni autorzy rozszerzyli cykl symfoniczny do czterech części, wprowadzając do niego dwa tańce z suity barokowej – menuet i trio) oraz Wiedeń, gdzie Haydn, Mozart Beethoven (a także ich poprzednicy, wśród których wyróżniają się Georg Monn i Georg Wagenseil, wynieśli gatunek symfonii na nowy poziom. Johann Sebastian Bach (1685-1750, Niemcy).

RozdziałII. Symfonie kompozytorów zagranicznych

1. Klasyka wiedeńska

1.1. Franciszka Józefa Haydna

W twórczości Franza Josepha Haydna (1732-1809) ukształtował się ostatecznie cykl symfoniczny. Jego wczesne symfonie nadal w niczym nie różnią się zasadniczo od muzyki kameralnej i prawie nie wykraczają poza zwykłe gatunki rozrywkowe i codzienne tamtej epoki. Dopiero w latach 70. pojawiły się dzieła wyrażające więcej głęboki świat obrazy (" Symfonia pogrzebowa», « Pożegnanie Symfonii" itd.). Stopniowo jego symfonie nasycają się głębszą treścią dramatyczną. Najwyższym osiągnięciem symfonizmu Haydna jest dwanaście symfonii „londyńskich”.

Struktura sonatyAllegro. Każda z symfonii (z wyjątkiem c-moll) rozpoczyna się krótkim, powolnym wstępem o charakterze uroczyście majestatycznym, zamyślonym, lirycznie zamyślonym lub spokojnie kontemplacyjnym (najczęściej w tempie Largo lub Adagio). Powolne wprowadzenie ostro kontrastuje z późniejszym Allegro (będącym pierwszą częścią symfonii) i jednocześnie je przygotowuje. Pomiędzy tematami części głównej i drugorzędnej nie ma jasnego kontrastu figuratywnego. Obydwa mają przeważnie charakter pieśni i tańca ludowego. Występuje jedynie kontrast tonalny: tonacja główna partii głównych kontrastuje z dominującą tonacją partii bocznych. Rozwój, który opiera się na izolacji motywów, znacząco rozwinął się w symfoniach Haydna. Krótki, ale najbardziej aktywny fragment jest oddzielony od tematu części głównej lub wtórnej i podlega dość długiemu niezależnemu rozwojowi (ciągłe modulacje w różnych tonacjach, przeprowadzane na różnych instrumentach i w różnych rejestrach). Nadaje to rozwojowi dynamiczny i aspiracyjny charakter.

Druga (wolna) część mają inny charakter: czasem przemyślany liryczny, czasem pieśniowy, czasem marszowy. Różnią się także kształtem. Najbardziej powszechne są złożone formy trzyczęściowe i wariacyjne.

Menuety. Trzecie części symfonii „londyńskich” nazywane są zawsze Menuetto. Wiele menuetów Haydna ma charakter tańców wiejskich z ich nieco ciężkim chodem, rozległą melodią, nieoczekiwanymi akcentami i zmianami rytmicznymi, często tworzącymi humorystyczny efekt. Tradycyjny menuet, składający się z trzech taktów, zostaje zachowany, traci on jednak swoje arystokratyczne wyrafinowanie i staje się tańcem demokratycznym, chłopskim.

Egzaminy końcowe. W finałach symfonii Haydna uwagę zwracają zazwyczaj obrazy gatunkowe, które także nawiązują do ludowej muzyki tanecznej. Formą jest najczęściej sonata lub sonata rondo. W niektórych finałach symfonii „londyńskich” szeroko stosowane są techniki wariacji i polifonicznego rozwoju (imitacji), co dodatkowo podkreśla szybki ruch muzyki i dynamizuje całą tkankę muzyczną [ 4, s. 76-78]

Orkiestra. Skład orkiestry został również ustalony w dziele Haydna. Opiera się na czterech grupach instrumentów. Sekcja smyczkowa, prowadząca orkiestrę, składa się ze skrzypiec, altówek, wiolonczel i kontrabasów. Drewniana grupa składa się z fletów, obojów, klarnetów (nie używanych we wszystkich symfoniach) i fagotów. Zespół dęty Haydna składa się z rogów i trąbek. Spośród instrumentów perkusyjnych Haydn używał w orkiestrze wyłącznie kotłów. Wyjątkiem jest XII „London Symphony” G-dur („Wojskowa”). Oprócz kotłów Haydn wprowadził trójkąt, talerze i bęben basowy. W sumie dzieło Franza Josepha Haydna obejmuje ponad 100 symfonii.

1.2. Wolfgang Amadeusz Mozart

Wolfgang Amadeusz Mozart (1756-1791) wraz z Haydnem stali u początków europejskiego symfonizmu, a najlepsze symfonie Mozarta pojawiły się jeszcze przed Symfoniami Londyńskimi Haydna. Nie powielając Haydna, Mozart na swój sposób rozwiązał problem cyklu symfonicznego. Ogólna liczba jego symfonii przekracza 50, chociaż zgodnie z ciągłą numeracją przyjętą w rosyjskiej muzykologii ostatnią symfonię – „Jowisz” – uważa się za 41. Pojawienie się większości symfonii Mozarta sięga czasów wczesne lata jego twórczość. W okresie wiedeńskim powstało jedynie 6 ostatnich symfonii, w tym: „Linska” (1783), „Praga” (1786) i trzy symfonie z 1788 r.

Na pierwsze symfonie Mozarta duży wpływ miała twórczość J.S. Kawaler. Przejawiało się to zarówno w interpretacji cyklu (3 małe części, brak menueta, niewielka kompozycja orkiestrowa), jak i w różnorodnych szczegółach wyrazowych (melodia tematów, wyraziste kontrasty dur i moll, wiodąca rola skrzypiec).

Wizyty w głównych ośrodkach symfonii europejskiej (Wiedeń, Mediolan, Paryż, Mannheim) przyczyniły się do ewolucji myśli symfonicznej Mozarta: wzbogaciła się treść symfonii, zaostrzyły się kontrasty emocjonalne, aktywniejszy rozwój tematyczny, skala partii zostaje powiększona, a faktura orkiestrowa staje się bardziej rozwinięta. W przeciwieństwie do „Symfonii londyńskich” Haydna, które generalnie rozwijają jeden rodzaj symfonizmu, najlepsze symfonie Mozarta (nr 39–41) nie poddają się typizacji, są absolutnie wyjątkowe. Każdy z nich ucieleśnia zasadniczo nową ideę artystyczną. Dwie z ostatnich czterech symfonii Mozarta mają powolne wstępy, pozostałe dwie nie. Symfonia nr 38 („Praga”, D-dur) ma trzy części („Symfonia bez menueta”), pozostałe cztery.

Najbardziej charakterystyczne cechy Interpretację Mozarta gatunku symfonii można przypisać:

· dramaturgia konfliktu. Najbardziej różne poziomy części cyklu, poszczególne tematy, różne elementy tematyczne w ramach tematu - kontrast i konflikt pojawiają się w symfoniach Mozarta. Wiele tematów symfonicznych Mozarta początkowo pojawia się jako „ złożony charakter„: zbudowane są na kilku kontrastujących ze sobą elementach (na przykład główne tematy finału 40., pierwszej części symfonii Jowisz). Te wewnętrzne kontrasty są najważniejszym bodźcem do późniejszego dramatycznego rozwoju, zwłaszcza w rozwoju:

1. preferencja dla formy sonatowej. Z reguły Mozart nawiązuje do tego we wszystkich częściach swoich symfonii, z wyjątkiem menueta. To właśnie forma sonatowa, posiadająca ogromny potencjał przekształcenia tematów początkowych, jest zdolna do najgłębszego objawienia duchowego świata człowieka. W rozwoju sonaty Mozarta każdy temat ekspozycji może nabrać niezależnego znaczenia, m.in. łączący i końcowy (na przykład w symfonii „Jowisz” w rozwinięciu pierwszej części rozwijane są tematy z.p. i st.p., a w drugiej części - st.t.);

2. ogromna rola technologii polifonicznej. Różnorodne techniki polifoniczne wnoszą ogromny wkład w dramaturgię, zwłaszcza w utworach późniejszych (najbardziej świecący przykład- finał symfonii „Jowisz”);

3. odejście od gatunków otwartych w menuetach i finałach symfonicznych. Nie da się do nich zastosować definicji „gatunku codziennego”, jak Haydna. Wręcz przeciwnie, Mozart w swoich menuetach często „neutralizuje” zasadę tańca, wypełniając swoją muzykę albo dramatyzmem (w symfonii nr 40), albo liryzmem (w symfonii „Jowisz”);

4. ostateczne przezwyciężenie logiki suity cyklu symfonicznego, jako naprzemienność różnych części. Cztery części symfonii Mozarta stanowią organiczną jedność (było to szczególnie widoczne w 40. Symfonii);

5. ścisły związek z gatunkami wokalnymi. Klasyczny muzyka instrumentalna powstał pod silnym wpływem opery. U Mozarta ten wpływ operowej wyrazistości jest bardzo mocno odczuwalny. Przejawia się to nie tylko w użyciu charakterystycznych intonacji operowych (jak np główny temat 40. symfonię, którą często porównuje się do tematu Cherubina „Nie wiem, nie potrafię wytłumaczyć...”). Muzyka symfoniczna Mozarta przesiąknięta jest kontrastującymi zestawieniami tego, co tragiczne i błazeńskie, wzniosłe i zwyczajne, co wyraźnie przypomina jego dzieła operowe.

1.3. Ludwiga van Beethovena

Ludwig van Beethoven (1770-1827) jeszcze bardziej wzbogacił gatunek symfonii. W jego symfoniach wielkie znaczenie zyskały bohaterstwo, dramat i filozofia. Części symfonii są ściślej powiązane tematycznie, a cykl osiąga większą jedność. Zasada wykorzystania pokrewnego materiału tematycznego we wszystkich czterech częściach, zrealizowana w V Symfonii Beethovena, doprowadziła do powstania tzw. cykliczna symfonia. Beethoven zastępuje spokojny menuet bardziej żywym, często burzliwym scherzem; podnosi rozwój tematyczny na nowy poziom, poddając swoje tematy wszelkiego rodzaju zmianom, w tym rozwinięciu kontrapunktowemu, wyodrębnianiu fragmentów tematów, zmianie trybów (dur-moll), przesunięciom rytmicznym.

Mówiąc o symfoniach Beethovena, należy podkreślić jego innowacyjność orkiestrową. Wśród innowacji:

1. faktyczne powstawanie grupy miedzi. Choć na trąbkach nadal gra się i nagrywa razem z kotłami, funkcjonalnie one i rogi zaczynają być traktowane jako jedna grupa. Dołączają do nich także puzony, których nie było w orkiestrze symfonicznej Haydna i Mozarta. Puzony grają w finale V symfonii (3 puzony), w scenie burzy w VI (tutaj jest ich tylko 2), a także w niektórych partiach IX (w scherzo i w odcinku modlitewnym finału , a także w kodzie);

2. zagęszczenie „warstwy środkowej” wymusza wzrost pionu w górę i w dół. U góry pojawia się flet piccolo (we wszystkich powyższych przypadkach, z wyjątkiem epizodu modlitewnego w finale IX symfonii), a poniżej - kontrafagot (w finałach V i IX symfonii). Ale w każdym razie w orkiestrze Beethovena zawsze są dwa flety i fagoty;

3. Kontynuując tradycję Londyńskich Symfonii Haydna i późniejszych symfonii Mozarta, Beethoven uwydatnia niezależność i wirtuozerię partii niemal wszystkich instrumentów, w tym trąbki (słynna solowa scena w uwerturach nr 2 i nr 3 Leonory) oraz kotłów . Często ma 5 partii smyczkowych (oddzielone kontrabasy od wiolonczel), a czasami więcej (gra na divisinie). Wszystkie instrumenty dęte drewniane, łącznie z fagotem, a także rogi (w chórze, jak w trio Scherzo III symfonii lub osobno) mogą występować solo, wykonując bardzo jasny materiał.

2. Romantyzm

Dom osobliwość Romantyzm to rozwój formy, kompozycji orkiestry i gęstości brzmienia, pojawiły się motywy przewodnie. Kompozytorzy romantyczni zachowali tradycyjny schemat cyklu, ale wypełnili go nową treścią. Poczesne miejsce wśród nich zajmuje symfonia liryczna, której jednym z najjaśniejszych przykładów była Symfonia h-moll F. Schuberta. Kontynuacją tego nurtu były symfonie F. Mendelssohna-Bartholdy’ego, często mające charakter malarsko-pejzażowy. Tym samym symfonie nabrały cech programowych tak charakterystycznych dla kompozytorów romantycznych. Hector Berlioz, wybitny kompozytor francuski, jako pierwszy stworzył symfonię programową, pisząc do niej program poetycki w formie opowiadania o życiu artysty. Jednak idee programowe w muzyce romantycznej częściej urzeczywistniały się w postaci jednoczęściowych poematów symfonicznych, fantazji itp. Ostatecznie najwybitniejszym autorem symfonii XIX - wcześnie XX wieki był G. Mahler, który czasami przyciągał element wokalny. Znaczące symfonie na Zachodzie tworzyli przedstawiciele nowych szkół narodowych: w 2. połowie XIX wieku. - A. Dvorak w Czechach, w XX wieku. - K. Szymanowski w Polsce, E. Elgar i R. Vaughan Williams w Anglii, J. Sibelius w Finlandii. Symfonie kompozytorów francuskich A. Honeggera, D. Milhauda i innych wyróżniają się cechami nowatorskimi. Podczas gdy dominowała wielka symfonia (często na rozbudowaną orkiestrę), później coraz większą rolę zaczęła odgrywać „symfonia kameralna”, skromna w skali i przeznaczona dla zespołu solistów.

2.1. Franciszek Schubert (1797-1828)

Romantyczny symfonizm stworzony przez Schuberta został zdefiniowany głównie w dwóch ostatnich symfoniach – VIII h-moll, zwanej „Niedokończoną” i IX, C-dur. Są zupełnie inni, przeciwstawni sobie. Epicka dziewiąta przepojona jest poczuciem zwycięskiej radości istnienia. „Niedokończony” ucieleśniał temat nędzy i tragicznej beznadziei. Takie uczucia, które odzwierciedlały losy całego pokolenia ludzi, przed Schubertem nie znalazły jeszcze symfonicznej formy wyrazu. Powstała dwa lata wcześniej niż IX symfonia Beethovena (w 1822 r.) „Niedokończona” zapoczątkowała pojawienie się nowego gatunku symfonicznego – liryczno-psychologicznego.

Jedną z głównych cech symfonii h-moll jest jej cykl, składający się jedynie z dwóch części. Wielu badaczy próbowało zgłębić „tajemnicę” tego dzieła: czy genialna symfonia rzeczywiście pozostała niedokończona? Z jednej strony nie ulega wątpliwości, że symfonia została pomyślana jako cykl czteroczęściowy: w jej oryginalnym szkicu fortepianowym znajdował się duży fragment części III – scherza. Brak równowagi tonalnej pomiędzy częściami (h-moll w I i E-dur w II) jest także mocnym argumentem przemawiającym za tym, że symfonia nie była z góry pomyślana jako dwuczęściowa. Z drugiej strony Schubert miał dość czasu, jeśli chciał ukończyć symfonię: po „Niedokończonej” stworzył dużą liczbę dzieł, w tym 4-częściową IX symfonię. Są jeszcze inne argumenty za i przeciw. Tymczasem „Unfinished” stała się jedną z najbardziej repertuarowych symfonii, absolutnie nie sprawiającą wrażenia niedopowiedzenia. Jej plan w dwóch częściach okazał się w pełni zrealizowany.

Bohater „Niedokończonych” jest zdolny do gwałtownych wybuchów protestu, ale protest ten nie prowadzi do zwycięstwa zasady afirmującej życie. Symfonia ta pod względem intensywności konfliktu nie ustępuje dramatycznym dziełom Beethovena, jednak konflikt ten ma inną płaszczyznę, zostaje przeniesiony w sferę liryczno-psychologiczną. To dramat doświadczenia, a nie działania. Jej podstawą nie jest walka dwóch przeciwstawnych zasad, ale walka wewnątrz samej osobowości. Jest to najważniejsza cecha symfonizmu romantycznego, którego pierwszym przykładem była symfonia Schuberta.

RozdziałIII. Symfonia w Rosji

Dziedzictwo symfoniczne kompozytorów rosyjskich - P.I. Czajkowski, A.P. Borodina, A.G. Głazunow, Skriabin, S.V. Rachmaninow. Od drugiej połowy XIX wieku surowe formy symfonii zaczęły się załamywać. Cztery części stały się opcjonalne: istnieją symfonie jednoczęściowe (Miaskowski, Kanczeli, Borys Czajkowski), jedenastoczęściowe (Szostakowicz), a nawet dwudziestoczteroczęściowe (Hovaness). Pojawiły się powolne finały, niemożliwe w symfonii klasycznej (VI Symfonia Czajkowskiego, III i IX Symfonia Mahlera). Po IX Symfonii Beethovena kompozytorzy zaczęli coraz częściej wprowadzać do symfonii partie wokalne.

Druga symfonia Aleksandra Porfirievicha Borodina (1833–1887) jest jednym ze szczytów jego twórczości. Należy do światowych arcydzieł symfonicznych dzięki swojej jasności, oryginalności, monolitycznemu stylowi i pomysłowej realizacji obrazów rosyjskiej epopei ludowej. W sumie napisał trzy symfonie (trzecia nie została ukończona).

Aleksander Konstantinowicz Głazunow (1865-1936) to jeden z największych rosyjskich symfonistów. Jego styl w wyjątkowy sposób złamał tradycje twórcze Glinki i Borodina, Bałakiriewa i Rimskiego-Korsakowa, Czajkowskiego i Tanejewa. Był łącznikiem między przedpaździernikowymi klasykami rosyjskimi a młodym sowietem sztuka muzyczna.

3.1. Piotr Iljicz Czajkowski (1840-1893)

Symfonia w Rosji to przede wszystkim Czajkowski. Pierwsza symfonia „Winter Dreams” była jego pierwszym większym dziełem po ukończeniu Konserwatorium w Petersburgu. Wydarzenie to, które dziś wydaje się tak naturalne, w roku 1866 było czymś zupełnie niezwykłym. Symfonia rosyjska – wieloczęściowy cykl orkiestrowy – znajdowała się na samym początku swojej drogi. Do tego czasu istniały tylko pierwsze symfonie Antona Grigoriewicza Rubinsteina i pierwsze wydanie Pierwszej Symfonii Mikołaja Andriejewicza Rimskiego-Korsakowa, które nie zyskały sławy. Czajkowski patrzył na świat dramatycznie, a jego symfonia – w przeciwieństwie do epickiej symfonii Borodina – ma charakter liryczno-dramatyczny, ostro skonfliktowany.

Sześć symfonii Czajkowskiego i symfonia programowa „Manfred” różnią się od siebie światy sztuki są to budynki budowane „według indywidualnego” projektu, każdy z nich. Choć „prawa” gatunku, które powstały i rozwinęły się na ziemi zachodnioeuropejskiej, są przestrzegane i interpretowane z niezwykłą umiejętnością, treść i język symfonii mają charakter prawdziwie narodowy. Dlatego w symfoniach Czajkowskiego brzmią tak organicznie pieśni ludowe.

3.2. Aleksander Nikołajewicz Skriabin (1872-1915)

Symfonia Skriabina powstała na bazie twórczego przemyślenia różnych tradycji klasyki symfonicznej XIX wieku. Jest to przede wszystkim tradycja symfonizmu dramatycznego Czajkowskiego i po części Beethovena. Wraz z tym kompozytor zrealizował także pewne cechy programowej symfonii romantycznej Liszta. Niektóre cechy stylu orkiestrowego symfonii Skriabina łączą go po części z Wagnerem. Ale wszystkie te różne źródła zostały przez niego dogłębnie przetworzone niezależnie. Wszystkie trzy symfonie są ze sobą ściśle powiązane wspólną koncepcją ideologiczną. Jej istotę można określić jako walkę osobowość człowieka z wrogimi siłami stojącymi na jej drodze do ustanowienia wolności. Walka ta niezmiennie kończy się zwycięstwem bohatera i triumfem światła.

3.3. Dmitrij Dmitriewicz Szostakowicz (1906-1975)

Szostakowicz – kompozytor i symfonista. Jeśli dla Prokofiewa, przy całej różnorodności jego zainteresowań twórczych, najważniejszy jest teatr muzyczny, to dla Szostakowicza, wręcz przeciwnie, głównym gatunkiem jest symfonia. To tutaj główne idee jego twórczości znajdują głębokie i wszechstronne urzeczywistnienie. Świat symfonii Szostakowicza jest ogromny. Widzimy w nich całe życie ludzkości XX wieku, ze wszystkimi jego zawiłościami, sprzecznościami, wojnami i konfliktami społecznymi.

VII Symfonia („Leningradzka”) to jedno z najważniejszych dzieł kompozytora. Jest czteroczęściowy. Jej skala jest ogromna: symfonia trwa ponad 70 minut, z czego prawie połowę zajmuje część pierwsza. „Jaki diabeł jest w stanie pokonać naród zdolny do tworzenia takiej muzyki” – napisała w 1942 roku jedna z amerykańskich gazet. Siódmą Symfonię Szostakowicza można słusznie nazwać „Symfonią Bohaterską” XX wieku.

3.4. Alfred Garriewicz Schnittke (1934-1998)

Schnittke to radziecki i rosyjski kompozytor, teoretyk muzyki i pedagog (autor artykułów o Rosjanach i kompozytorzy radzieccy), jedna z najważniejszych postaci muzycznych drugiej połowy XX wieku, Czczony Artysta RFSRR. Schnittke to jeden z liderów muzycznej awangardy. Pomimo dużej popularności muzyki tego wybitnego kompozytora, partytury wielu jego symfonii do dziś nie zostały opublikowane i nie są łatwo dostępne w Rosji. Schnittke poruszał w swoich utworach problemy filozoficzne, z których głównymi były człowiek i środowisko. Pierwsza symfonia zawierała cały kalejdoskop różne style, gatunki i kierunki muzyczne. Punktem wyjścia do powstania I Symfonii był związek stylów muzyki poważnej i lekkiej. II i IV Symfonia w dużej mierze odzwierciedlają kształtowanie się samoświadomości religijnej kompozytora. II Symfonia brzmi jak starożytna msza. Trzecia symfonia powstała w wyniku wewnętrznej potrzeby wyrażenia swojego stosunku do kultury niemieckiej, niemieckich korzeni swego pochodzenia. W III Symfonii cała historia rozgrywa się przed słuchaczem w formie krótkich fragmentów. Niemiecka muzyka. Alfred Schnittke marzył o stworzeniu dokładnie dziewięciu symfonii i oddaniu w ten sposób swoistego ukłonu Beethovenowi i Schubertowi, którzy napisali ten sam numer. Alfred Schnittke napisał IX Symfonię (1995-97), gdy był już poważnie chory. Doznał trzech udarów i w ogóle się nie ruszał. Kompozytorowi nie udało się ostatecznie dokończyć partytury. Po raz pierwszy jego ukończenie i wydanie orkiestrowe wykonał Giennadij Rozhdestvensky, pod którego kierunkiem prawykonanie odbyło się w Moskwie 19 czerwca 1998 roku. Nowa wersja redakcyjna symfonii została wykonana przez Aleksandra Raskatowa i wykonana w Dreźnie 16 czerwca 2007 roku.

W drugiej połowie XX wieku najpopularniejsze stało się łączenie w jednym dziele założeń różnych gatunków – symfonicznego, chóralnego, kameralnego, instrumentalnego i wokalnego. Na przykład XIV Symfonia Szostakowicza łączy w sobie muzykę symfoniczną, kameralną i instrumentalną; Występy chóralne Gavrilina łączą w sobie cechy oratorium, symfonii, cyklu wokalnego, baletu i wykonania dramatycznego.

3.5. Michaił Żurawlew

W XXI wieku jest wielu utalentowanych kompozytorów, którzy składają hołd symfonii. Jednym z nich jest Michaił Żurawlew. Kompozytor swoim manifestem muzycznym i politycznym odważnie wkroczył w sedno takich postaci historia muzyki, jak L. Beethoven, P. Czajkowski i D. Szostakowicz. Dziesiątą Symfonię M. Żurawlewa można dziś śmiało nazwać „Bohaterską Symfonią XXI wieku”. Oprócz ogólnych aspektów etycznych tej symfonii należy zwrócić uwagę także na aspekty czysto zawodowe. Autor nie dąży do innowacji dla innowacji. Momentami ma nawet zdecydowanie akademicki charakter, stanowczo sprzeciwiając się wszelkim dekadentom i artystom awangardowym. Udało mu się jednak powiedzieć coś naprawdę nowego, własne słowo w gatunku symfonicznym. Kompozytor M. Żurawlew w zadziwiający sposób posługuje się zasadami formy sonatowej, za każdym razem demonstrując jej nieograniczone możliwości. Połączone części III i IV stanowią w istocie swego rodzaju „supersonatę”, w której całą część IV można uznać za rozwiniętą w odrębną część kody. Naukowcy w przyszłości nadal będą musieli zmierzyć się z tą niezwykłą decyzją dotyczącą składu.

Wniosek

Symfoniami pierwotnie nazywano te dzieła, które nie mieściły się w ramach kompozycji tradycyjnych – pod względem liczby części, proporcji tempa, łączenia różnych stylów – polifonicznych (co uznawano za dominujące w XVII w.) i wyłaniającej się homofonicznej (z akompaniament głosowy). W XVII wieku symfonią (co oznaczało „współbrzmienie, zgodność, poszukiwanie nowych dźwięków”) nazywano wszelkiego rodzaju niezwykłe kompozycje muzyczne, a w XVIII wieku tzw. symfonie Divertisement, które miały za zadanie brzmieć upowszechniła się przestrzeń na balach i różnych imprezach towarzyskich. Symfonia stała się określeniem gatunkowym dopiero w XVIII wieku. Pod względem wykonawczym symfonia jest słusznie uważana za gatunek bardzo złożony. Wymaga to ogromnej kompozycji, obecności wielu rzadkich instrumenty muzyczne, kunszt orkiestry i wokalistów (jeśli jest to symfonia z tekstem), doskonała akustyka. Jak każdy gatunek muzyki, symfonia rządzi się swoimi prawami. Zatem normą dla symfonii klasycznej jest cykl czteroczęściowy, z formą sonatową (najbardziej złożoną) na brzegach, z częścią powolną i taneczną w środku utworu. Ta konstrukcja nie jest przypadkowa. Symfonia odzwierciedla procesy relacji człowieka ze światem: aktywne – w pierwszej części, społeczne – w czwartej, kontemplacyjne i zabawowe – w środkowych odcinkach cyklu. W momentach zwrotnych swojego rozwoju muzyka symfoniczna zmieniała swoje stabilne zasady. I te zjawiska w dziedzinie sztuki, które początkowo wywołały szok, a potem stały się znajome. Na przykład symfonia z wokalem i poezją stała się nie tylko przypadkiem, ale jednym z trendów w rozwoju gatunku.

Współcześni kompozytorzy preferują dziś gatunki kameralne, które wymagają mniejszej obsady wykonawców, od form symfonicznych. Podczas tego typu koncertów wykorzystuje się nawet fonogramy z nagraniami hałasu lub jakimś rodzajem efektów elektroniczno-akustycznych. Język muzyczny, która jest obecnie kultywowana w muzyce współczesnej, ma charakter bardzo eksperymentalny i eksploracyjny. Uważa się, że pisanie muzyki na orkiestrę oznacza dziś wyłożenie jej na stół. Wielu uważa, że ​​czas symfonii jako gatunku, w którym tworzą młodzi kompozytorzy, z pewnością dobiegł końca. Ale czy rzeczywiście tak jest? Czas odpowie na to pytanie.

Bibliografia:

  1. Averyanova O.I. Krajowa literatura muzyczna XX wieku: Podręcznik. dodatek na dziecięcą szkołę muzyczną: czwartek. rok nauczania tego przedmiotu. - M.: Muzyka, 2009. - 256 s.
  2. Borodin. II Symfonia („Bogatyrskaya”) / Artykuł - [Zasoby elektroniczne] - Tryb dostępu - URL: http://belcanto.ru/s_borodin_2.html
  3. Heroiczna Symfonia XXI wieku / Artykuł V. Filatova // Proza. ru - [Zasoby elektroniczne] - Tryb dostępu - URL: http://www.proza.ru/2010/08/07/459
  4. Levik B.V. Literatura muzyczna obce kraje: pomoc nauczania. Tom. 2. - M.: Muzyka, 1975. - 301 s.
  5. Prokhorova I. Literatura muzyczna obcych krajów: Dla klasy 5. Dziecięca Szkoła Muzyczna: Podręcznik M.: Muzyka, 2000. - 112 s.
  6. Rosyjska literatura muzyczna. Tom. 4. wyd. M.K. Michajłowa, E.L. Smażony. - Leningrad: „Muzyka”, 1986. - 264 s.
  7. Symfonia // Yandex. Słowniki › TSB, 1969-1978 - [Zasoby elektroniczne] - Tryb dostępu - URL: http://slovari.yandex.ru/~books/TSE/Symphony/
  8. Symfonia. //Wikipedia. Darmowa encyklopedia - [Zasoby elektroniczne] - Tryb dostępu - URL: http://ru.wikipedia.org/wiki/Symphony http://www.tchaikov.ru/symphony.html
  9. Schubert, Symfonia „Niedokończona” // Wykłady nt literaturę muzyczną musike.ru - [Zasoby elektroniczne] - Tryb dostępu - URL: http://musike.ru/index.php?id=54

Pod koniec epoki baroku wielu kompozytorów, takich jak Giuseppe Torelli (1658–1709), napisało utwory na orkiestrę smyczkową i basso continuo w trzech częściach, w sekwencji tempo szybkie, wolne i szybkie. Chociaż takie dzieła nazywano zwykle „koncertami”, to jednak nie różniły się niczym od dzieł zwanych „symfoniami”; na przykład motywy taneczne wykorzystano w finałach zarówno koncertów, jak i symfonii. Różnica dotyczyła przede wszystkim konstrukcji pierwszej części cyklu: w symfoniach było to prostsze – jest to z reguły binarna dwuczęściowa forma barokowej uwertury, sonaty i suity (AA BB). Samo słowo „symfonia” sięga X wieku. oznaczało harmonijną współbrzmienie; do końca XVI wieku. tacy autorzy jak J. Gabrieli zastosowali tę koncepcję do współbrzmienia głosów i instrumentów. Później w muzyce takich kompozytorów jak Adriano Banchieri (1568–1634) i Salomone Rossi (ok. 1570–ok. 1630) słowo „symfonia” zaczęło oznaczać wspólne brzmienie instrumentów bez głosów. Włoscy kompozytorzy XVII wieku. Słowo „symfonia” (sinfonia) często oznaczało instrumentalne wstępy do opery, oratorium czy kantaty, a znaczenie tego terminu zbliżało się do pojęć „preludium” czy „uwertura”. Około 1680 r. w dziele operowym A. Scarlattiego ustalono rodzaj symfonii jako kompozycji instrumentalnej składającej się z trzech części (lub części), zbudowanej na zasadzie „szybko – wolno – szybko”.

Symfonia klasyczna.

słuchacze XVIII w lubił utwory orkiestrowe w kilku częściach z w różnym tempie, które były wykonywane zarówno podczas domowych spotkań, jak i podczas publicznych koncertów. Utraciwszy funkcję wstępu, symfonia rozwinęła się w samodzielną symfonię twórczość orkiestrowa, zazwyczaj w trzech częściach („szybko – wolno – szybko”). Wykorzystując cechy suity tańca barokowego, opery i koncertu, wielu kompozytorów, a wśród nich przede wszystkim G.B. Sammartini, stworzyło model symfonii klasycznej – trzyczęściowego utworu na orkiestrę smyczkową, którego szybkie partie przybierały zazwyczaj formę akordu. proste rondo lub wczesna forma sonatowa. Stopniowo do smyczków dołączały kolejne instrumenty: oboje (lub flety), rogi, trąbki i kotły. Dla słuchaczy XVIII wieku. symfonię wyznaczały normy klasyczne: faktura homofoniczna, harmonia diatoniczna, kontrasty melodyczne, zadany ciąg zmian dynamicznych i tematycznych. Ośrodkami kultywacji symfonii klasycznej były niemieckie miasto Mannheim (tutaj Jan Stamitz i inni autorzy rozszerzyli cykl symfoniczny do czterech części, wprowadzając do niego dwa tańce z suity barokowej – menuet i trio) oraz Wiedeń, gdzie Haydn, Mozart Beethoven (a także ich poprzednicy, wśród których wyróżniają się Georg Monn i Georg Wagenseil, wynieśli gatunek symfonii na nowy poziom).

Symfonie J. Haydna i W. A. ​​Mozarta są znakomitymi przykładami stylu klasycznego. Części są wyraźnie od siebie oddzielone, każda posiada niezależny materiał tematyczny; Jedność cyklu zapewniają porównania tonalne oraz przemyślana przemiana tempa i charakteru tematów. Smyczki, instrumenty dęte drewniane, instrumenty dęte blaszane i kotły zapewniają różnorodne kombinacje instrumentalne; początek liryczny, wywodzący się z operowej pisarstwa wokalnego, przenika tematy części wolnych, odcinków tria w części trzeciej i wątki poboczne pozostałych części. Podstawą tematyczną części szybkich stają się inne motywy o charakterze operowym (skoki oktawowe, powtórzenia dźwięków, pasaże przypominające skalę). Symfonie Haydna wyróżniają się dowcipem, pomysłowością opracowania tematycznego, oryginalnością frazowania, instrumentacji, faktury i tematyki; Symfonie Mozarta cechuje bogactwo melodii, plastyczność, wdzięk harmonii i mistrzowski kontrapunkt.

Doskonały przykład symfonii klasycznej z końca XVIII wieku. – 41 Symfonię Mozarta (K. 551, C-dur (1788), znaną jako Jowisz. Na jego partyturę składa się flet, dwa oboje, dwa fagoty, dwa rogi, dwie trąbki, kotły i grupa smyczków (pierwsze i drugie skrzypce, altówki, wiolonczele, kontrabasy). Symfonia składa się z czterech części. Pierwsza, Allegro vivace, napisana jest w żywym tempie, w tonacji C-dur, w metrum 4/4, w formie sonatowej (tzw. forma allegra sonatowego: tematy pojawiają się najpierw w ekspozycji, następnie rozwijają się w przetworzeniu , po którym następuje powtórka, zwykle zakończona konkluzją – kodą). Druga część symfonii Mozarta napisana jest w umiarkowanym (moderato) tempie, w tonacji subdominującej F-dur, ponownie w formie sonatowej i ma charakter melodyjny (Andante cantabile).

Część trzecia składa się ze średnio aktywnego menueta i tria C-dur. Choć każdy z tych dwóch tańców zapisany jest w formie binarnej przypominającej rondę (menuet – AAVAVA; trio – CCDCDC), powrót menueta po trio daje struktura ogólna trójstronny. Finał znów utrzymany jest w formie sonatowej, w bardzo szybkim tempie (Molto allegro), w tonacji głównej C-dur. Zbudowane na lakonicznych motywach tematy finału emanują energią i siłą; w kodzie finałowej techniki kontrapunktu Bacha łączą się z wirtuozerią klasycznego stylu Mozarta.

W twórczości L. van Beethovena części symfonii są ściślej powiązane tematycznie, a cykl osiąga większą jedność. Zasada wykorzystania pokrewnego materiału tematycznego we wszystkich czterech częściach, zrealizowana w V Symfonii Beethovena, doprowadziła do powstania tzw. cykliczna symfonia. Beethoven zastępuje spokojny menuet bardziej żywym, często burzliwym scherzem; podnosi rozwój tematyczny na nowy poziom, poddając swoje tematy wszelkiego rodzaju zmianom, w tym rozwinięciu kontrapunktowemu, wyodrębnianiu fragmentów tematów, zmianie trybów (dur-moll) i przesunięciom rytmicznym. Użycie puzonów przez Beethovena w V, VI i IX Symfonii oraz włączenie głosów w finale IX robi wrażenie. U Beethovena środek ciężkości cyklu przesuwa się z części pierwszej na finał; w trzecim, piątym i dziewiątym finały są niewątpliwie kulminacją cykli. Beethoven ma symfonie „charakterystyczne” i programowe - Trzecia ( Heroiczny) i szósty ( Pasterski).

Symfonia romantyczna.

Wraz z dziełem Beethovena symfonia wkroczyła w nowy wiek. Charakterystyczne dla jego stylu gwałtowne zmiany tempa, szerokość zakresu dynamiki, bogactwo obrazowości, wirtuozeria i dramaturgia, czasem zaskoczenie wyglądem i niejednoznaczność tematów - wszystko to otworzyło drogę kompozytorom epoka romantyczna. Zdając sobie sprawę z wielkości Beethovena, starali się podążać jego drogą, nie tracąc przy tym własnej indywidualności. Kompozytorzy romantyczni, począwszy od F. Schuberta, eksperymentowali z sonatą i innymi formami, często je zawężając lub rozszerzając; Symfonie romantyków są pełne liryzmu, subiektywnej ekspresji i wyróżniają się bogactwem barwy i harmonijnej barwy. Współczesny Beethovenowi Schubert miał szczególny dar tworzenia tematów lirycznych i niezwykle wyrazistych sekwencji harmonicznych. Kiedy logika i porządek klasycyzmu ustąpiły miejsca subiektywności i nieprzewidywalności charakterystycznej dla sztuki romantyzmu, forma wielu symfonii stała się bardziej przestronna, a faktura cięższa.

Do niemieckich symfonistów romantycznych zaliczają się F. Mendelssohn, R. Schumann i J. Brahms. Mendelssohn ze swoim klasycyzmem w zakresie formy i proporcji odniósł szczególne sukcesy w III ( szkocki) i czwarty ( Włoski) symfonie będące odzwierciedleniem wrażeń autora z wizyty w tych krajach. Symfonie Schumanna, pod wpływem Beethovena i Mendelssohna, mają tendencję do cykliczności i jednocześnie rapsodii, zwłaszcza III ( Nadrenia) i czwarte. W swoich czterech symfoniach Brahms z szacunkiem łączy stylowy kontrapunkt Bacha, sposób rozwoju Beethovena, liryzm Schuberta i nastrój Schumanna. P.I. Czajkowski unikał typowej dla zachodnich romantyków tendencji do szczegółowych programów symfonicznych i stosowania w tym gatunku środków wokalnych. Symfonie Czajkowskiego, utalentowanego orkiestratora i melodysty, odzwierciedlają zamiłowanie autora do rytmów tanecznych. Symfonie innego utalentowanego melodysty A. Dvoraka wyróżniają się dość konserwatywnym podejściem do formy symfonicznej, przejętym od Schuberta i Brahmsa. Symfonie A.P. Borodina mają głęboko narodową treść i monumentalną formę.

Autor, w którego twórczości powstał rodzaj symfonii programowej ubiegłego wieku, różniącej się pod wieloma względami od symfonii abstrakcyjnej lub, że tak powiem, absolutnej epoki klasycznej, został G. Berliozem. W symfonii programowej opowiada się narrację, maluje obraz lub, ogólnie rzecz biorąc, istnieje element „pozamuzyczności”, który leży poza samą muzyką. Zainspirowany IX Symfonią Beethovena z końcowym refrenem do słów Schillera Ody do radości Berlioz w swojej epoce poszedł dalej Fantastyczna symfonia(1831), gdzie każda część jest fragmentem pozornie autobiograficznej narracji, a motywy przewodnie-przypomnienia przewijają się przez cały cykl. Wśród innych symfonii programowych kompozytora znajdują się m.in Harolda we Włoszech według Byrona i Romeo i Julia według Szekspira, gdzie obok instrumentów szeroko stosowane są także środki wokalne. Podobnie jak Berlioz, F. Liszt i R. Wagner byli „awangardystami” swojej epoki. Choć dążenie Wagnera do syntezy słowa i muzyki, głosów i instrumentów zaprowadziło go od symfonii do opery, wspaniałe mistrzostwo tego autora wywarło wpływ niemal na wszystkich europejskich kompozytorów kolejnego pokolenia, łącznie z Austriakiem A. Brucknerem. Podobnie jak Wagner, Liszt był jednym z przywódców późnego romantyzmu muzycznego, a jego pociąg do programowości dał początek takim dziełom, jak symfonie Fausta I Dante oraz 12 programowych poematów symfonicznych. Lisztowskie metody figuratywnego przekształcania tematów w procesie ich rozwoju wywarły ogromny wpływ na twórczość S. Franka i R. Straussa, autorów późniejszego okresu.

Pod koniec XIX wieku. zaznaczyła się twórczość wielu utalentowanych symfonistów, z których każdy miał jasny, indywidualny styl Ostatni etap tradycja klasyczno-romantyczna z przewagą formy sonatowej i pewnymi relacjami tonalnymi. Austriak G. Mahler nasycił symfonię tematami tematycznymi, czerpiąc z jego korzeni własne piosenki, w motywach tanecznych; często bezpośrednio cytował fragmenty z tekstów ludowych, religijnych lub muzyka wojskowa. Cztery symfonie Mahlera wykorzystują chór i solistów, a wszystkie dziesięć jego cykli symfonicznych charakteryzuje się niezwykłą różnorodnością i wyrafinowaniem pisarstwa orkiestrowego. Finn J. Sibelius komponował symfonie o charakterze abstrakcyjnym, przepojonym głębokimi uczuciami; Jego styl charakteryzuje się preferencją dla niskich rejestrów i instrumentów basowych, ale ogólnie jego faktura orkiestrowa pozostaje wyraźna. Francuz C. Saint-Saens napisał trzy symfonie, z których najsłynniejsza jest ostatnia (1886) – tzw. Symfonia organowa. Najpopularniejszą symfonię francuską tego okresu można nazwać jedyną symfonią S. Franka (1886–1888).

Doskonały przykład symfonii poromantycznej z końca XIX wieku. to II Symfonia c-moll Mahlera, ukończona w 1894 roku (czasami nazywana Wskrzeszenie w związku z treścią chorału w ostatniej części). Gigantyczny pięcioczęściowy cykl został napisany dla dużej obsady orkiestrowej: 4 flety (w tym piccolo), 4 oboje (w tym 2 rożki angielskie), 5 klarnetów (w tym jeden bas), 4 fagoty (w tym 2 kontrafagoty), 10 rogów, 10 trąbki, 4 puzony, tuba, organy, 2 harfy, dwóch solistów – kontralt i sopran, chór mieszany i ogromny grupa uderzeniowa, w tym 6 kotłów, bęben basowy, talerze, gongi i dzwonki. Część pierwsza ma uroczysty (Allegro maestoso) charakter marszowy (metrum 4/4 w tonacji c-moll); pod względem konstrukcyjnym jest to rozbudowana forma sonatowa z podwójną ekspozycją. Część druga rozgrywa się w umiarkowanym tempie (Andante moderato) i swoim charakterem przypomina wdzięczny austriacki taniec Ländler. Część ta zapisana jest w tonacji submediantu (A-dur) w takcie 3/8 i prostej formie ABABA. Część trzecią wyróżnia płynny tok muzyki, napisana jest w tonacji głównej i w metrum 3/8. To trzyczęściowe scherzo jest symfonicznym rozwinięciem pieśni skomponowanej jednocześnie przez Mahlera Kazanie św. Antoniego do Ryb.

W czwartej części „Wiecznego Światła” („Urlicht”) pojawia się głos ludzki. Ta orkiestrowa pieśń, promienna i pełna głębokich uczuć religijnych, napisana jest na altówkę solo i zredukowaną orkiestrę; ma formę ABCB, metrum 4/4, tonacja Des-dur. Burzliwy, „dziki” finał w tempie scherza zawiera wiele zmian nastroju, tonacji, tempa i metrum. Jest to bardzo duża forma sonatowa z monumentalną kodą; W finale pojawiają się motywy marszowe, chorałowe i pieśni nawiązujące do poprzednich części. Na zakończenie finału wchodzą głosy (solowy sopran i kontralt, a także chór – z hymnem o Chrystusie Zmartwychwstałym z tekstem Niemiecki poeta 18 wiek F. Klopstocka. W orkiestrowym zakończeniu pojawiają się jasne, olśniewające barwy orkiestrowe, a tonacja Es-dur odpowiada głównemu c-moll: światło wiary rozprasza ciemności.

XX wiek.

Ostry kontrast z rozległymi późnoromantycznymi cyklami Mahlera stanowiły starannie wykończone neoklasyczne symfonie takich Autorzy francuscy, jak D. Milhaud i A. Honegger. Rosyjski autor I.F. Strawiński tworzył w stylu neoklasycznym (lub neobarokowym), który tradycyjne formy symfoniczne wypełnił nowym materiałem melodycznym i tonalno-harmonicznym. Również Niemiec P. Hindemith łączył formy wywodzące się z przeszłości z ostro indywidualnym językiem melodycznym i harmonicznym (charakteryzował się upodobaniem do interwału czwartego w tematyce i akordach).

Najwięksi rosyjscy symfoniści to S.V. Rachmaninow, S.S. Prokofiew i D.D. Trzy symfonie Rachmaninowa kontynuują tradycję narodowo-romantyczną wywodzącą się od Czajkowskiego. Symfonie Prokofiewa także kojarzą się z tradycją, tyle że poddawane są reinterpretacji; Autora charakteryzują sztywne rytmy motoryczne, niespodziewane przesunięcia tonalne, a także wątek wywodzący się z folkloru. Twórcze życie Szostakowicza toczyło się w okresie sowieckim w historii Rosji. Za najbardziej „zaawansowane” można uznać jego pierwszą, dziesiątą, trzynastą i piętnastą symfonię, natomiast trzecia, ósma, jedenasta i dwunasta bardziej kojarzą się z tradycyjnym „stylem rosyjskim”. W Anglii wybitnymi symfonistami byli E. Elgar (dwie symfonie) i R. W. Williams (dziewięć symfonii napisanych w latach 1910-1957, w tym zawierająca element wokalny). Wśród innych autorów, z których każdy związany jest z tradycjami swojego kraju, można wymienić Polaków Witolda Lutosławskiego (ur. 1913) i K. Pendereckiego, Czecha Boguslava Martinu (1890–1959), Brazylijczyka E. Villa-Lobosa oraz Meksykanin Carlos Chavez (1899–1976).

Na początku XX wieku. Amerykanin Charles Ives skomponował wiele awangardowych symfonii, w których wykorzystano klastry orkiestrowe, interwały ćwierćtonowe, polirytmy, dysonansowe pisanie harmoniczne i techniki kolażu. W następnym pokoleniu amerykańską szkołę symfoniczną utworzyło kilku kompozytorów (wszyscy studiowali w Paryżu w latach dwudziestych XX wieku u Nadii Boulanger): A. Copland, Roy Harris (1898–1981) i W. Piston. W ich stylu, dzięki elementom neoklasycyzmu, zauważalne są wpływy francuskie, ale mimo to ich symfonie tworzą obraz Ameryki z jej otwartymi przestrzeniami, patosem i naturalnym pięknem. Symfonie Rogera Sessionsa charakteryzują się złożonością i kapryśnością chromatycznych linii melodycznych, napięciem rozwoju tematycznego i bogactwem kontrapunktu. Wallingford Rigger w swoich symfoniach stosował technikę seryjną A. Schönberga; Henry Cowell wykorzystywał w swoich symfoniach takie eksperymentalne pomysły, jak melodie fugowe hymnów, egzotyczne instrumenty, klastry dźwiękowe i dysonansowa chromatyka.

Wśród innych amerykańskich symfonistów połowy XX wieku. możemy wyróżnić H. Hansona, W. Schumanna, D. Diamonda i V. Persichettiego. W drugiej połowie stulecia ciekawe symfonie tworzyli E. Carter, J. Rochberg, W. G. Still, F. Glass, E. T. Zwilich i G. Corigliano. W Anglii tradycję symfoniczną kontynuował Michael Tippett (1905–1998). W latach 90. doszło do niezwykłego zjawiska: współczesna symfonia stała się „hitem” wśród szerokiej publiczności. To jest o o III Symfonii ( Symfonie smutnych piosenek) Polak Heinrich Górecki. Na przełomie trzeciego tysiąclecia kompozytorzy różne kraje tworzył symfonie, które odzwierciedlały pociąg ich autorów do tak różnorodnych zjawisk, jak minimalizm, serializm totalny, aleatoryka, muzyka elektroniczna, neoromantyzm, jazz i pozaeuropejskie kultury muzyczne.

Muzyka symfoniczna o dziwo nie rezygnuje ze swoich pozycji, choć jej historia sięga wieków wstecz. Wydawać by się mogło, że czas dyktuje nowe harmonie i rytmy, wymyślane są nowe instrumenty, sam proces komponowania przybiera nowe formy – żeby pisać muzykę, teraz potrzebny jest komputer z odpowiedni program. Jednak muzyka symfoniczna nie tylko nie chce przejść do historii, ale także zyskuje nowe brzmienie.

Trochę o historii gatunku, a raczej o całym spektrum gatunków, gdyż koncepcja muzyki symfonicznej jest wieloaspektowa, łącząca kilka formy muzyczne. Ogólna koncepcja jest taka: jest to muzyka instrumentalna napisana na orkiestrę symfoniczną. A takie orkiestry można tworzyć od dużych po kameralne. Tradycyjnie wyróżnia się grupy orkiestrowe - instrumenty strunowe, instrumenty dęte, bębny, instrumenty klawiszowe. W niektórych przypadkach instrumenty mogą występować solo, a nie tylko w zespole.

Gatunków muzyki symfonicznej jest wiele, ale symfonię można nazwać królową. Symfonia klasyczna powstała na przełomie XVIII i XIX wieku, jej twórcami byli kompozytorzy szkoła wiedeńska przede wszystkim Josepha Haydna i Wolfganga Amadeusza Mozarta. To oni doprowadzili do perfekcji czteroczęściowy model symfonii, różnorodność tematów partii symfonii i programowość każdego dzieła. Muzyka symfoniczna wzniosła się na nowy poziom dzięki twórczości Ludwiga Van Beethovena. Uczynił ten gatunek bardziej intensywnym, dramatycznym i przesunął centrum semantyczne na finał symfonii.

Za Beethovenem poszli romantyczni kompozytorzy szkoły niemieckiej i austriackiej – Franz Schubert, Robert Schumann, Felix Mendelssohn, Johanna Brahmsa. Uważali, że najważniejsze jest oprogramowanie dzieło symfoniczne, ramy symfonii stają się dla nich ciasne, pojawiają się nowe gatunki, takie jak symfonia-oratorium, koncert symfoniczny. Ten nurt kontynuowali inni klasycy europejskiej muzyki symfonicznej – Franz Liszt, Gustav Mahler.

Muzyka symfoniczna w Rosji poważnie zadeklarowała się dopiero w drugiej połowie XIX wieku. Chociaż pierwsze eksperymenty symfoniczne Michaiła Glinki można nazwać sukcesem, jego uwertury symfoniczne i fantazje położyły poważne podwaliny rosyjskiego symfonizmu, który osiągnął prawdziwą doskonałość w dziełach kompozytorów „Potężnej Garści” - M. Bałakiriewa, N. Rimskiego -Korsakow, A. Borodin.

Historycznie rzecz biorąc, rosyjska muzyka symfoniczna, minąwszy klasyczny etap rozwoju, ukształtowała się jako muzyka romantyczna z elementami smaku narodowego. Oryginalne arcydzieła, które otrzymały globalne uznanie, stworzony przez Piotra Czajkowskiego. Jego symfonie do dziś uznawane są za standard gatunku, a spadkobiercami tradycji Czajkowskiego stali się S. Rachmaninow i A. Skriabin.

Współczesna muzyka symfoniczna, jak cała muzyka XX wieku, znajduje się w fazie aktywnych poszukiwań twórczych. Czy rosyjskich kompozytorów S. Strawińskiego, S. Prokofiewa, D. Szostakowicza, A. Schnittke i innych luminarzy można uznać za współczesnych? I muzyka jest taka znani kompozytorzy XX w., jak fiński Anglik Benjamin Britten, Polak Krzysztof Penderecki? Muzyka symfoniczna w nowoczesnym wykonaniu, a także w tradycyjnym, klasycznym brzmieniu, wciąż cieszy się zainteresowaniem na światowych scenach. Pojawiają się nowe gatunki - co oznacza, że ​​życie muzyki symfonicznej trwa.

Może Cię zainteresuje