Kiedy dana osoba z jakiegoś powodu nie chce w swojej twórczości polegać na tradycyjnych metodach tworzenia obrazów, rozpoczynają się eksperymenty. Kiedy nie zadowala go „realizm” w swoich pracach, gdy dzieła Leonarda i Bouchera wydają się nudne i nieciekawe, rodzi się nowe spojrzenie na sztukę. Kiedy zabawa z przeszłością staje się dla niego sposobem patrzenia w przyszłość, pojawia się kolejna sztuka. To prawda, że ​​​​czasami takie aspiracje przekraczają granicę, zamieniając się w coś dalekiego od sztuki, a wtedy najważniejsze jest zaskoczyć oryginalnością.

Tak więc niezwykli artyści, niezwykłe sposoby tworzenie obrazów i niezwykłe obrazy.

O wartość artystyczna Nie będę rozmawiać. Każdy z wymienionych autorów nazywa siebie artystą, twórcą. Każdy z widzów sam ustali, co jest sztuką, a co nie, i granicę, za którą nie ma już szoku, ale jest coś niejasnego.

Czerwony Hong

Autor, który urzekł mnie swoim niezwykłym spojrzeniem na najzwyklejsze przedmioty lub niezupełnie przedmioty. Dla niej kreatywność nie ogranicza się do farb i pędzla, bo o wiele ciekawiej jest puścić wodze fantazji i pozwolić, aby zaowocowało czymś ciekawym i żywym. A wyobraźnia jest taka, że ​​może podsunąć pomysł użycia kubka po kawie lub piłki do koszykówki zamiast pędzla, a nawet można obejść się bez skarpetek.
„Kiedy pierwszy raz odwiedziłam Szanghaj, natknęłam się na starą uliczkę, gdzie na bambusowych patykach wystających z okien domów powiewało pranie. To był niesamowicie piękny widok! Coś niesamowitego – takie tradycje we współczesnej, hałaśliwej metropolii. To mnie zainspirowało stworzyć coś niezwykłego spośród zwykłych dla wszystkich rzeczy w Twojej okolicy”

Carne Griffithsa

A co, jeśli obok zwykłych kolorów użyjesz nietypowych? Nie, nie magiczne, ale całkiem zwyczajne, prawie farby, zwłaszcza jeśli je pokropisz biała sukienka. A co jeśli jako farby użyjesz herbaty lub brandy, a może whisky lub wódki? A efekt końcowy będzie zwiewny, bez czarnych plam, pełen jasnych linii, przyciągający dziwnie atrakcyjną symbiozą człowieka i natury.

Winicjusz Quesada

Jak tam mówią - Krew to życie?: Wtedy artysta Vinicius Quesada tchnął życie w swoje dzieła dosłownie bo maluje własną krwią. Obrazy są dziwnie atrakcyjne dzięki odcieniom czerwieni.

Orły Jordanii

Jeszcze bardziej zadziwiają prace tego artysty, który także wykorzystuje krew, choć nie własną, a zaczerpniętą z rzeźni. Jordan Eagles tworzy coś przerażająco atrakcyjnego, zwłaszcza gdy wiadomo, co i jak tworzy swoje prace. Używanie różne techniki, zamienia samą krew w przedmiot sztuki.

Jordana McKenziego

Jeszcze dalej poszedł Jordan McKenzie, który również tworzy z płynów pochodzących z ludzkiego ciała. Do swoich prac wykorzystuje płótno, dłonie i swojego... penisa. Wszystko jest zadziwiająco proste – odrobina nasienia na płótnie, mała obróbka techniczna i obraz gotowy. Taka twórczość to przyjemność i nie potrzeba do tego obrzydliwego zapachu krwi, pędzli czy nawet filiżanki kawy.

Millie Brown

Millie Brown również wypluwa z siebie płyny, ale nie są one już całkowicie naturalnego pochodzenia.

Elżbieta Rogai

Ale Elisabetta Rogai tworzy swoje prace z wykwintnych materiałów – białego i czerwonego wina. Wydawałoby się, że to ją ogranicza paleta kolorów, ale w niczym to nie przeszkadza w jej pracy.

Judyta Brown

Malowanie obrazu bez rąk będzie problematyczne, ale co jeśli ręce same staną się pędzlem i stworzą. Co się stanie, jeśli palce staną się narzędziem, a zwykły pył węglowy rozkwitnie w przeróżne kształty i rodzaje? Będą też prace artystki Judith Brown, które w dziwny sposób łączą obrazy abstrakcyjne i konkretne.

Douga Landisa

Możesz też rysować bez użycia rąk, jak Doug Landis. Po paraliżu zaczął rysować ołówkiem w ustach! A hartu ducha można mu tylko pozazdrościć.

Tima Patcha

Poznaj Tima Patcha, znanego również jako Prickasso, czyli artystę penisa. Dlaczego penis? Ale dlatego, że nim rysuje.

Ani Kaj

Inna osoba wierzy, że może stworzyć dzieło sztuki bez użycia tradycyjnych pędzli czy ołówków i nie potrzebuje rąk. Jest także zwolennikiem poglądu, że rysowanie rękami jest nudne. Ani Kay postanowił rysować językiem.

Natalia Irlandka

Kiss, jak się okazuje, nie wiemy o nim zbyt wiele. W końcu możesz tworzyć pocałunkiem, wkładając swoją miłość w to, co tworzysz. Właściwie tym właśnie zajmuje się artystka Natalie Irish – maluje pocałunkami i szminką.

Kira Ayn Varszegi

Można to zrobić rękami, można to zrobić penisem, można to zrobić ustami, ale dlaczego pierś nie jest narzędziem, pomyślała Kira Ein Varzeji i zaczęła tworzyć. Maluje piersiami, ale będąc ograniczona kształtem samej piersi, tworzy obrazy abstrakcyjne, w przeciwieństwie do Patcha, któremu udaje się nawet tworzyć portrety. Ale Kira ma wszystko przed sobą! Życzę jej powodzenia w tej trudnej dziedzinie sztuki.

Stephena Murmera.

Nieco za nimi pozostaje Stephen Murmer, który maluje pośladkami.

Posmarowałem farbą piąty punkt, usiadłem na płótnie i gotowe! A jeśli czegoś brakuje, możesz pójść za przykładem tej samej łatki. Możesz też narysować oba na raz. Jak to mówią – tanie i wesołe, chociaż mnie tania zachwyciła – te obrazy mają pokaźną cenę.

Martina von Ostrowskiego

„Artysta ma prawo wykorzystać materiały zawierające cząstkę autora w celu pokazania lub udowodnienia, że ​​jest on częścią organicznego świata. W nasieniu zachowane są moje geny, które grają ważną rolę grać istota ludzka wraz z jajkiem samicy. A w moich odchodach znajdują się mikroorganizmy żyjące w symbiozie z strawionym pokarmem. Podobnie artysta jest częścią dużego kompleksu niezliczonego świata organicznego i aby się w nim nie zagubić, musi pozostawić namacalny ślad w tworzonej przez siebie sztuce.”

I na koniec możesz narysować siebie

Lub znane osobistości

lub takie portrety, do tworzenia których wykorzystuje się plemniki.

P/S/ Ma też mniej „niesamowitych” prac.

Chris Ofili

Może nie będzie to takie oryginalne. Zamiast ludzkich można stosować także wydzieliny zwierzęce. Jeśli podoba Ci się kolor odchodów słonia, to bierz i używaj, nikt nie powie ani słowa przeciwko temu. Co więcej, daje taką swobodę w doborze odcieni brązu. I właśnie w tym zakochał się Chris Ofili.

Marka Quinna

Można malować ludzką krwią, ale można też z niej robić rzeźby. Mrożony. I z mojego też. Na jeden taki portret potrzeba około 4 litrów krwi, jeśli nie więcej.

Vala Thompsona

Ale możesz rysować nie tylko krwią i wszelkiego rodzaju wydzielinami. Możesz rysować po samej osobie, a raczej po tym, co po niej zostało. Na przykład Ash, tak jak robi to Val Thompson. Z popiołów powstały już sztuczne diamenty, teraz można jeszcze malować, wystarczy wymieszać je z farbami.

Xiang Chena

Rysować może każdy, najważniejsze, że oczy się nie boją, a ręce to robią. Czasem jednak samo oko, w dosłownym tego słowa znaczeniu, staje się narzędziem twórcy. Artysta Xiang Chen maluje oczami za pomocą specjalnego urządzenia.

Ciąg dalszy...

Rysuj nożem, gumą do żucia, taśmą, gwoździami lub haczykami na ryby, słowami i taśmami, bakteriami... nie ma barier dla ludzkiej wyobraźni.

Malarstwo, jeśli nie liczyć realistów, zawsze było, jest i będzie dziwne. Ale niektóre obrazy są dziwniejsze od innych.

Są dzieła sztuki, które zdają się uderzać widza w głowę, oszałamiające i niesamowite.

Inne wciągają w zamyślenie i poszukiwanie warstw znaczeń i sekretnej symboliki. Niektóre obrazy owiane są tajemnicami i mistycznymi tajemnicami, inne zaskakują wygórowanymi cenami.

Jasna strona dokładnie przejrzał wszystkie główne osiągnięcia malarstwa światowego i wybrał spośród nich dwa tuziny najdziwniejszych obrazów. Celowo nie uwzględniliśmy w tym wyborze Salvadora Dali, którego prace całkowicie wpisują się w format tego materiału i jako pierwsze przychodzą na myśl.

Oczywiste jest, że „dziwność” jest pojęciem raczej subiektywnym i każdy ma swoje własne niesamowite obrazy, które wyróżniają się na tle innych dzieł sztuki. Będzie nam miło, jeśli podzielisz się nimi w komentarzach i opowiesz nam trochę o nich.

"Krzyk"

Edwarda Muncha. 1893, karton, olej, tempera, pastel.

Galeria Narodowa, Oslo.

Słynny obraz jest całkowicie wypełniony symbolami, alegoriami i różnymi odniesieniami - aż po podpis „Tu był Jan van Eyck”, który uczynił z obrazu nie tylko dzieło sztuki, ale dokument historyczny potwierdzający realność wydarzenia na którym artysta był obecny.

Portret rzekomo Giovanniego di Nicolao Arnolfini i jego żony jest jednym z najbardziej skomplikowanych dzieł zachodniej szkoły malarstwa północnego renesansu.

W Rosji w ciągu ostatnich kilku lat obraz zyskał dużą popularność ze względu na podobieństwo portretu Arnolfini do Władimira Putina.

„Siedzący demon”

Michaił Wrubel. 1890, olej na płótnie.

Obraz Michaiła Vrubela zaskakuje wizerunkiem demona. Jego smutny wygląd wcale nie przypomina uniwersalnego ludzkiego wyobrażenia o tym, jak powinien wyglądać zły duch.

To jest obraz siły ludzki duch, walka wewnętrzna, wątpliwości. Demon, tragicznie załamując ręce, siedzi otoczony kwiatami i patrzy w dal. Kompozycja podkreśla szczelność jego sylwetki, jakby wciśniętej pomiędzy górną i dolną poprzeczkę kadru.

Sam artysta tak opowiadał o swoim najsłynniejszym obrazie: „Demon to nie tyle duch zły, co cierpiący i bolesny, a jednocześnie duch potężny, majestatyczny”.

„Apoteoza wojny”

Wasilij Wierieszczagin. 1871, olej na płótnie.
Państwo Galeria Trietiakowska, Moskwa.

Metafora wojny w filmie została przez autora oddana tak trafnie i głęboko, że za każdą czaszką leżącą na tym stosie zaczynamy widzieć ludzi, ich losy oraz losy tych, którzy już nigdy tych ludzi nie zobaczą. Sam Vereshchagin sarkastycznie nazwał płótno „martwą naturą” - przedstawia „martwą naturę”. Wszystkie szczegóły obrazu, w tym żółty kolor, symbolizują śmierć i zniszczenie. Czyste, błękitne niebo podkreśla martwość obrazu. Ideę „Apoteozy wojny” wyrażają także blizny po szablach i dziury po kulach na czaszkach.

Vereshchagin jest jednym z głównych rosyjskich malarzy batalistycznych, ale malował wojny i bitwy nie dlatego, że widział w nich piękno i wielkość. Wręcz przeciwnie, artysta starał się przekazać ludziom swój negatywny stosunek do wojny.

Pewnego razu Wierieszczagin w ogniu wzruszenia wykrzyknął: „Nie będę już malował obrazów batalistycznych - to wszystko! Zbyt mocno biorę to, co piszę, płaczę (dosłownie) z żalu za każdym rannym i zabitym. ” Prawdopodobnie efektem tego okrzyku był straszny i urzekający obraz „Apoteoza wojny”.

"Amerykański gotyk"

Granta Wooda. 1930, olej. 74 x 62 cm.

Instytut Sztuki w Chicago, Chicago.

Obraz z ponurymi wizerunkami ojca i córki jest wypełniony szczegółami, które wskazują na surowość, purytanizm i wsteczny charakter przedstawionych osób. Wściekłe twarze, widły w samym środku obrazu, staromodne stroje nawet jak na standardy z 1930 r., szwy na ubraniach rolnika powtarzające kształt wideł, jako symbol zagrożenia kierowanego do każdego, kto się wkroczy. Płótno jest pełne ponurych szczegółów, które sprawiają, że wzdrygasz się z dyskomfortu.

„American Gothic” to jeden z najbardziej rozpoznawalnych obrazów w Sztuka amerykańska XX wiek, najsłynniejszy mem artystyczny XX i XXI wieku.

Co ciekawe, jurorzy konkursu w Art Institute of Chicago uznali „Gothic” za „humoryczną walentynkę”, a mieszkańcy Iowa byli strasznie oburzeni przez Wooda za ukazanie ich w tak nieprzyjemnym świetle.

"Zakochani"

Rene Magritte’a. 1928, olej na płótnie.

Obraz „Kochankowie” („Kochankowie”) występuje w dwóch wersjach. Na jednym płótnie mężczyzna i kobieta, których głowy owinięte są w białe płótno, całują się, a na drugim „patrzą” na widza. Obraz zaskakuje i fascynuje.

Za pomocą dwóch postaci bez twarzy Magritte przekazał ideę ślepoty miłości. O ślepocie pod każdym względem: kochankowie nikogo nie widzą, nie widzimy ich prawdziwego oblicza, a poza tym kochankowie są tajemnicą nawet dla siebie nawzajem. Ale pomimo tej pozornej jasności, nadal patrzymy na kochanków Magritte'a i myślimy o nich.

Prawie wszystkie obrazy Magritte'a to zagadki, których nie da się do końca rozwiązać, gdyż rodzą pytania o samą istotę istnienia. Magritte zawsze mówi o zwodniczości tego, co widzialne, o jego ukrytej tajemnicy, której zwykle nie zauważamy.

"Chodzić"

Marka Chagalla. 1917, olej na płótnie.
Państwowa Galeria Trietiakowska.

Historia trudne życie Meksykański artysta Frida Kahlo stała się powszechnie znana po premierze filmu „Frida” z Salmą Hayek wiodącą rolę. Kahlo malowała głównie autoportrety i wyjaśniała to prosto: „Maluję siebie, ponieważ spędzam dużo czasu samotnie i ponieważ jestem tematem, który znam najlepiej”.

Na żadnym autoportrecie Frida Kahlo się nie uśmiecha: twarz poważna, wręcz żałobna, zrośnięte, grube brwi, ledwo zauważalny wąs nad mocno zaciśniętymi ustami. Idee artysty są zaszyfrowane w szczegółach, tle i figurach, które pojawiają się obok wizerunku autora na płótnach. Symbolika Kahlo opiera się na tradycje narodowe i jest ściśle powiązany z mitologią indyjską z okresu przedhiszpańskiego.

W jednym z nich najlepsze obrazy„Dwie Fridy” wyraziła pierwiastki męskie i żeńskie, połączone w niej jednym układem krwionośnym i świadczące o jej integralności.

„Most Waterloo. Efekt mgły”

Claude'a Moneta. 1899, olej na płótnie.
Państwowe Muzeum Ermitażu w Petersburgu.

Dobre imię. I kto by pomyślał, że ta praca opowiada nam o okropnościach wojen domowych.

Obraz wykonano na blasze miedzianej w tygodniu od 15 do 22 października 1935 roku. Zdaniem Mira, jest to wynik próby przedstawienia tragedii Wojna domowa w Hiszpanii obraz przedstawia okres niepokojów. Płótno przedstawia postacie mężczyzny i kobiety, które wyciągają ręce, by się objąć, ale się nie poruszają. Powiększone genitalia i złowrogie kolory autorka określiła jako „pełne wstrętu i obrzydliwej seksualności”.

"Erozja"

Polski neosurrealista jest znany na całym świecie ze swojej twórczości niesamowite obrazy, w którym rzeczywistości łączą się, tworząc nowe. Trudno rozpatrywać pojedynczo jego niezwykle szczegółowe i w pewnym stopniu wzruszające prace, ale taki jest format naszego materiału. Zalecamy przeczytanie.

„Ręce stawiają mu opór”

Billa Stonehama. 1972.

Dzieła tego oczywiście nie można zaliczyć do arcydzieł malarstwa światowego, ale fakt, że jest dziwny, jest faktem.

Krążą legendy o obrazie przedstawiającym chłopca, lalkę i jego ręce przyciśnięte do szyby. Od „ludzie umierają z powodu tego zdjęcia” po „dzieci na nim żyją”. Obraz wygląda naprawdę przerażająco, co budzi wiele obaw i spekulacji wśród osób o słabej psychice.

Artysta zapewniał, że obraz przedstawia go w wieku pięciu lat, że drzwi są przedstawieniem linii podziału pomiędzy prawdziwy świat i świat snów, a lalka jest przewodnikiem, który może przeprowadzić chłopca po tym świecie. Ręce reprezentują alternatywne życia lub możliwości.

Obraz zyskał rozgłos w lutym 2000 roku, kiedy został wystawiony na sprzedaż w serwisie eBay z historią mówiącą, że obraz był „nawiedzony”. „Hands Resist Him” został kupiony za 1025 dolarów przez Kima Smitha, który został wówczas po prostu zasypany listami od przerażające historie i żąda spalenia obrazu.

Malarstwo, jeśli nie liczyć realistów, zawsze było, jest i będzie dziwne. Metaforyczny, poszukujący nowych form i środków wyrazu. Ale niektórzy dziwne zdjęcia dziwniejszy od innych.

Niektóre dzieła sztuki zdają się uderzać widza w głowę, oszałamiające i niesamowite. Niektóre wciągają w zamyślenie i w poszukiwaniu warstw znaczeń, tajemnej symboliki. Niektóre obrazy owiane są tajemnicami i mistycznymi tajemnicami, inne zaskakują wygórowanymi cenami.

Oczywiste jest, że „dziwność” jest pojęciem raczej subiektywnym i każdy ma swoje niesamowite obrazy, które wyróżniają się na tle innych dzieł sztuki. Na przykład dzieła Salvadora Dali, które całkowicie mieszczą się w formacie tego materiału i jako pierwsze przychodzą na myśl, celowo nie zostały uwzględnione w tym wyborze.

Salvadora Dali

„Młoda dziewica oddaje się grzechom Sodomy rogami własnej czystości”

1954

Edvard Munch „Krzyk”
1893, karton, olej, tempera, pastel. 91x73,5cm
Galeria Narodowa, Oslo

„Krzyk” uważany jest za przełomowe wydarzenie ekspresjonizmu i jedno z najważniejszych słynne obrazy na świecie.

„Szedłem z dwójką przyjaciół ścieżką - zachodziło słońce - nagle niebo zrobiło się krwistoczerwone, zatrzymałem się, czując zmęczenie, oparłem się o płot - spojrzałem na krew i płomienie nad niebiesko-czarnym fiordem i miasto – moi przyjaciele poszli dalej, a ja stałem drżący z podniecenia, czując niekończący się krzyk przeszywający naturę” – o historii obrazu opowiadał Edvard Munch.

Istnieją dwie interpretacje tego, co jest ukazane: to sam bohater ogarnia przerażenie i cicho krzyczy, przykładając ręce do uszu; albo bohater zamyka uszy na rozbrzmiewający wokół krzyk świata i natury. Munch napisał 4 wersje „Krzyku”, istnieje wersja, w której obraz ten jest owocem psychozy maniakalno-depresyjnej, na którą cierpiał artysta. Po leczeniu w klinice Munch nie wrócił do pracy na płótnie.

Paul Gauguin „Skąd przybyliśmy? Kim jesteśmy? Dokąd zmierzamy?”
1897-1898, olej na płótnie. 139,1 x 374,6 cm
Muzeum sztuki piękne, Bostonie

Głęboko filozoficzny obraz postimpresjonisty Paula Gauguina został przez niego namalowany na Tahiti, dokąd uciekł z Paryża. Po ukończeniu pracy miał nawet ochotę popełnić samobójstwo, ponieważ „Wierzę, że ten obraz nie tylko przewyższa wszystkie moje poprzednie i że nigdy nie stworzę czegoś lepszego, a nawet podobnego”. Żył jeszcze 5 lat i tak się stało.

Zdaniem samego Gauguina obraz należy czytać od prawej do lewej – trzy główne grupy postaci ilustrują postawione w tytule pytania. Trzy kobiety z dzieckiem symbolizują początek życia; grupa środkowa symbolizuje codzienną egzystencję dojrzałości; w ostatniej grupie, zgodnie z planem artysty, „stara kobieta, zbliżając się do śmierci, wydaje się pojednana i oddana swoim myślom”, u jej stóp „dziwny biały ptak… reprezentuje bezużyteczność słów”.

Pablo Picasso „Guernica”
1937, olej na płótnie. 349 x 776 cm
Muzeum Reiny Sofii w Madrycie

Ogromny fresk „Guernica”, namalowany przez Picassa w 1937 roku, opowiada historię nalotu jednostki ochotniczej Luftwaffe na miasto Guernica, w wyniku którego sześciotysięczne miasto zostało doszczętnie zniszczone. Obraz powstał dosłownie w miesiąc – w pierwszych dniach pracy nad obrazem Picasso pracował po 10-12 godzin i już w pierwszych szkicach można było dostrzec główną ideę. To jest jeden z najlepsze ilustracje koszmar faszyzmu, a także ludzkie okrucieństwo i żal.

„Guernica” przedstawia sceny śmierci, przemocy, brutalności, cierpienia i bezradności, bez określenia ich bezpośrednich przyczyn, ale są one oczywiste. Mówi się, że w 1940 roku Pablo Picasso został wezwany do gestapo w Paryżu. Rozmowa od razu zeszła na temat obrazu. – Zrobiłeś to? - „Nie, ty to zrobiłeś”.

Jan van Eyck „Portret pary Arnolfinich”
1434, drewno, olej. 81,8 x 59,7 cm
Londyn galerię narodową, Londyn

Portret rzekomo Giovanniego di Nicolao Arnolfini i jego żony jest jednym z najbardziej skomplikowanych dzieł zachodniej szkoły malarstwa północnego renesansu.

Słynny obraz jest całkowicie wypełniony symbolami, alegoriami i najróżniejszymi odniesieniami – aż po podpis „Tu był Jan van Eyck”, który uczynił z niego nie tylko dzieło sztuki, ale także dokument historyczny potwierdzający prawdziwe wydarzenie, na którym artysta był obecny.

W Rosji ostatnie lata obraz zyskał dużą popularność ze względu na podobieństwo portretu Arnolfini do Władimira Putina

Michaił Vrubel „Siedzący demon”
1890, olej na płótnie. 114x211cm
Galeria Trietiakowska, Moskwa

Obraz Michaiła Vrubela zaskakuje wizerunkiem demona. Smutny, długowłosy facet wcale nie przypomina powszechnego ludzkiego wyobrażenia o tym, jak powinien wyglądać zły duch. Sam artysta tak opowiadał o swoim najsłynniejszym obrazie: „Demon to nie tyle duch zły, co cierpiący i bolesny, a jednocześnie duch potężny, majestatyczny”.

To obraz siły ludzkiego ducha, wewnętrznej walki, zwątpienia. Tragicznie załamując ręce, Demon siedzi ze smutnymi, wielkimi oczami skierowanymi w dal, otoczony kwiatami. Kompozycja podkreśla sztywność sylwetki demona, jakby wciśniętego pomiędzy górną i dolną poprzeczkę kadru.

Wasilij Wierieszczagin „Apoteoza wojny”
1871, olej na płótnie. 127x197cm
Państwowa Galeria Trietiakowska w Moskwie

Vereshchagin jest jednym z głównych rosyjskich malarzy batalistycznych, ale malował wojny i bitwy nie dlatego, że je kochał. Wręcz przeciwnie, starał się przekazać ludziom swój negatywny stosunek do wojny. Pewnego dnia Wierieszczagin w ogniu wzruszenia wykrzyknął: „Nie będę już malował obrazów batalistycznych - to wszystko! Za bardzo biorę to, co piszę, płaczę (dosłownie) z żalu za każdym rannym i zabity." Prawdopodobnie efektem tego okrzyku był straszny i urzekający obraz „Apoteoza wojny”, który przedstawia pole, wrony i górę ludzkich czaszek.

Obraz jest namalowany tak głęboko i emocjonalnie, że za każdą czaszką leżącą na tym stosie zaczynasz widzieć ludzi, ich losy i losy tych, którzy nigdy więcej tych ludzi nie zobaczą. Sam Vereshchagin ze smutnym sarkazmem nazwał płótno „martwą naturą” - przedstawia „martwą naturę”.

Wszystkie szczegóły obrazu, w tym żółty kolor, symbolizują śmierć i zniszczenie. Czyste, błękitne niebo podkreśla martwość obrazu. Ideę „Apoteozy wojny” wyrażają także blizny po szablach i dziury po kulach na czaszkach.

Grant Wood „Amerykański gotyk”
1930, olej. 74x62cm
Instytut Sztuki w Chicago, Chicago

„American Gothic” to jeden z najbardziej rozpoznawalnych obrazów sztuki amerykańskiej XX wieku, najsłynniejszy mem artystyczny XX i XXI wieku.

Obraz z ponurym ojcem i córką jest wypełniony szczegółami, które wskazują na surowość, purytanizm i wsteczny charakter przedstawionych ludzi. Wściekłe twarze, widły w samym środku obrazu, staroświeckie stroje nawet jak na standardy z 1930 roku, odsłonięty łokieć, szwy na ubraniu rolnika powtarzające kształt wideł, a zatem zagrożenie skierowane do wszystkich kto wkracza. Możesz patrzeć na te wszystkie szczegóły bez końca i wzdrygać się z dyskomfortu.

Co ciekawe, jurorzy konkursu w Art Institute of Chicago uznali „Gothic” za „humoryczną walentynkę”, a mieszkańcy Iowa byli strasznie oburzeni przez Wooda za ukazanie ich w tak nieprzyjemnym świetle.

Rene Magritte „Kochankowie”
1928, olej na płótnie

Obraz „Kochankowie” („Kochankowie”) występuje w dwóch wersjach. Na jednym mężczyzna i kobieta, których głowy owinięte są w biały materiał, całują się, a na drugim „patrzą” na widza. Obraz zaskakuje i fascynuje. Za pomocą dwóch postaci bez twarzy Magritte przekazał ideę ślepoty miłości. O ślepocie pod każdym względem: kochankowie nikogo nie widzą, nie widzimy ich prawdziwego oblicza, a poza tym kochankowie są tajemnicą nawet dla siebie nawzajem. Ale pomimo tej pozornej jasności, nadal patrzymy na kochanków Magritte'a i myślimy o nich.

Prawie wszystkie obrazy Magritte'a to zagadki, których nie da się do końca rozwiązać, gdyż rodzą pytania o samą istotę istnienia. Magritte zawsze mówi o zwodniczości tego, co widzialne, o jego ukrytej tajemnicy, której zwykle nie dostrzegamy.

Marc Chagall „Spacer”
1917, olej na płótnie
Państwowa Galeria Trietiakowska

Zwykle niezwykle poważny w swoim malarstwie, Marc Chagall napisał zachwycający manifest własnego szczęścia, pełen alegorii i miłości.

„Spacer” to autoportret z żoną Bellą. Jego ukochana wznosi się w przestworza i wkrótce wciągnie stojącego niepewnie na ziemi Chagalla do lotu, jakby dotykał jej jedynie czubkami butów. Chagall ma cycka w drugiej ręce - jest szczęśliwy, ma w rękach zarówno cycka (zapewne swój obraz), jak i ciasto na niebie.

Hieronim Bosch „Ogród” ziemskie przyjemności"
1500-1510, drewno, olej. 389 x 220 cm
Prado, Hiszpania

„Ogród rozkoszy ziemskich” to najsłynniejszy tryptyk Hieronima Boscha, którego nazwa wzięła się od tematu części centralnej, poświęconej grzechowi zmysłowości. Do chwili obecnej żadna z dostępnych interpretacji obrazu nie została uznana za jedyną słuszną.

Niezmienny urok, a zarazem niezwykłość tryptyku polega na sposobie, w jaki artysta poprzez wiele szczegółów wyraża główną myśl. Obraz wypełniony jest przezroczystymi postaciami, fantastycznymi konstrukcjami, potworami, halucynacjami, które nabrały ciała, piekielnymi karykaturami rzeczywistości, na którą patrzy badawczym, niezwykle bystrym wzrokiem.

Część naukowców chciała zobaczyć w tryptyku przedstawienie życia ludzkiego przez pryzmat jego próżności i obrazów ziemska miłość, inne - triumf zmysłowości. Jednak prostota i pewien dystans, z jakim interpretowane są poszczególne postacie, a także przychylny stosunek władz kościelnych do tego dzieła, budzą wątpliwości, czy jego treścią mogła być gloryfikacja przyjemności cielesnych.

Gustav Klimt „Trzy wieki kobiety”
1905, olej na płótnie. 180x180cm
Galeria Narodowa sztuka współczesna, Rzym

„Trzy wieki kobiety” są jednocześnie radosne i smutne. Historia życia kobiety zapisana jest w nim w trzech postaciach: beztroski, spokoju i rozpaczy. Młoda kobieta jest organicznie wpleciona w schemat życia, stara się od niego wyróżnia. Staje się kontrastem pomiędzy stylizowanym wizerunkiem młodej kobiety a naturalistycznym wizerunkiem starej kobiety znaczenie symboliczne: pierwsza faza życia niesie ze sobą nieskończone możliwości i metamorfozy, ostatnia – niezmienną stałość i konflikt z rzeczywistością.

Płótno nie odpuszcza, przenika do duszy i skłania do refleksji nad głębią przesłania artysty, a także głębią i nieuchronnością życia.

Egon Schiele „Rodzina”
1918, olej na płótnie. 152,5 x 162,5 cm
Galeria Belvedere w Wiedniu

Schiele był uczniem Klimta, ale jak każdy doskonały uczeń nie kopiował swojego nauczyciela, ale szukał czegoś nowego. Schiele jest o wiele bardziej tragiczny, dziwny i przerażający niż Gustav Klimt. W jego twórczości jest sporo tego, co można by nazwać pornografią, najróżniejszych wypaczeń, naturalizmu i zarazem bolesnej rozpaczy.

„Rodzina” – jego ostatnia praca, w którym rozpacz dochodzi do skrajności, mimo że jest to jego najmniej dziwnie wyglądający obraz. Namalował go tuż przed śmiercią, po tym jak jego ciężarna żona Edith zmarła na hiszpańską grypę. Zmarł w wieku 28 lat, zaledwie trzy dni po Edytie, malując ją, siebie i ich nienarodzone dziecko.

Frida Kahlo „Dwie Fridy”
1939

Historia trudnego życia meksykańskiej artystki Fridy Kahlo stała się szeroko znana po premierze filmu „Frida” z Salmą Hayek w roli głównej. Kahlo malowała głównie autoportrety i wyjaśniała to prosto: „Maluję siebie, ponieważ spędzam dużo czasu samotnie i ponieważ jestem tematem, który znam najlepiej”.

Na żadnym autoportrecie Frida Kahlo się nie uśmiecha: twarz poważna, wręcz żałobna, zrośnięte, grube brwi, ledwo zauważalny wąs nad mocno zaciśniętymi ustami. Idee jej obrazów są zaszyfrowane w szczegółach, tle, postaciach pojawiających się obok Fridy. Symbolika Kahlo opiera się na tradycjach narodowych i jest ściśle związana z mitologią indyjską okresu przedhiszpańskiego.

W jednym z najlepszych obrazów „Dwie Fridy” wyraziła zasady męskie i żeńskie, połączone w niej jednym układem krwionośnym, ukazując jej integralność. Więcej informacji o Fridzie znajdziesz TUTAJ piękny ciekawy post

Claude Monet „Most Waterloo. Efekt mgły”
1899, olej na płótnie
Państwowe Muzeum Ermitażu, Sankt Petersburg

Oglądając obraz z bliskiej odległości, widz nie widzi nic poza płótnem, na którym często nakładane są grube pociągnięcia olejem. Cała magia dzieła ujawnia się, gdy stopniowo zaczynamy oddalać się od płótna.

Najpierw zaczynają pojawiać się przed nami niezrozumiałe półkola, przechodząc przez środek obrazu, potem widzimy wyraźne kontury łodzi i po oddaleniu się na odległość około dwóch metrów są one ostro rysowane przed nami i ustawić się w kolejce łańcuch logiczny wszystkie połączenia działają.

Jackson Pollock „Numer 5, 1948”
1948, płyta pilśniowa, olej. 240x120cm

Dziwność tego obrazu polega na tym, że płótno amerykańskiego przywódcy abstrakcyjnego ekspresjonizmu, które namalował rozlewając farbę na rozłożony na podłodze kawałek płyty pilśniowej, jest najbardziej drogie malowanie na świecie. W 2006 roku na aukcji Sotheby's zapłacono za niego 140 milionów dolarów. David Giffen, producent filmowy i kolekcjoner, sprzedał go meksykańskiemu finansiście Davidowi Martinezowi.

„Nadal odchodzę od zwykłych narzędzi artysty, takich jak sztaluga, paleta i pędzle. Preferuję patyczki, miarki, noże i spływającą farbę lub mieszankę farby z piaskiem, potłuczonym szkłem lub czymś innym. Kiedy jestem wewnątrz obrazu nie jestem świadoma tego, co robię. Zrozumienie przychodzi później. Nie boję się zmian i zniszczenia obrazu, gdyż obraz żyje własnym życiem. własne życie. Po prostu jej pomagam. Ale jeśli stracę kontakt z obrazem, robi się brudny i niechlujny. Jeśli nie, to jest to czysta harmonia, łatwość brania i dawania.”

Joan Miró „Mężczyzna i kobieta przed stertą ekskrementów”
1935, miedź, olej, 23x32 cm
Fundacja Joana Miró, Hiszpania

Dobre imię. I kto by pomyślał, że to zdjęcie opowiada nam o okropnościach wojen domowych. Obraz wykonano na blasze miedzianej w tygodniu od 15 do 22 października 1935 roku.

Zdaniem Miro jest to wynik próby przedstawienia tragedii hiszpańskiej wojny domowej. Miro powiedział, że jest to obraz o okresie niepokoju.

Obraz przedstawia mężczyznę i kobietę wyciągających ręce, by się objąć, ale bez ruchu. Powiększone genitalia i złowieszczy kolor zostały opisane jako „pełne wstrętu i obrzydliwej seksualności”.

Jacek Yerka „Erozja”

Polski neosurrealista znany jest na całym świecie ze swoich niesamowitych obrazów, w których rzeczywistości łączą się, tworząc nowe.

Bill Stoneham „Ręce mu się opierają”
1972

Dzieła tego oczywiście trudno uznać za arcydzieło malarstwa światowego, ale fakt, że jest dziwne, jest faktem.

Krążą legendy o obrazie przedstawiającym chłopca, lalkę i jego ręce przyciśnięte do szyby. Od „ludzie umierają z powodu tego zdjęcia” po „dzieci na nim żyją”. Obraz wygląda naprawdę przerażająco, co budzi wiele obaw i spekulacji wśród osób o słabej psychice.

Artysta twierdził, że obraz przedstawiał go w wieku pięciu lat, drzwi przedstawiały linię oddzielającą świat rzeczywisty od świata snów, a lalka była przewodnikiem, który mógł przeprowadzić chłopca po tym świecie. Ręce reprezentują alternatywne życia lub możliwości.

Obraz zyskał rozgłos w lutym 2000 roku, kiedy został wystawiony na sprzedaż w serwisie eBay z historią mówiącą, że obraz był „nawiedzony”.

„Hands Resist Him” został kupiony za 1025 dolarów przez Kim Smith, który został następnie zasypany listami z przerażającymi historiami o tym, jak pojawiały się halucynacje, ludzie wręcz oszaleli na widok dzieła i domagali się spalenia obrazu

Sztuka może być wszystkim. Niektórzy dostrzegają piękno natury i przekazują je za pomocą pędzla lub dłuta, inni robią oszałamiające zdjęcia ludzkiego ciała, a jeszcze inni odnajdują piękno w tym, co okropne – w tym stylu pracowali Caravaggio i Edvard Munch. Współcześni artyści nie pozostają w tyle za ojcami założycielami.

1. Tado

Jugosłowiański Dado urodził się w 1933 r., a zmarł w 2010 r. Na pierwszy rzut oka jego twórczość może wydawać się zupełnie zwyczajna, a nawet przyjemna – wynika to z wyboru zakres kolorów: Wielu twórców horrorów wybiera czerń lub czerwień, ale Dado uwielbiał pastelowe odcienie.

Przyjrzyj się jednak bliżej obrazom typu Wielka farma z 1963 r. czy Piłkarz z 1964 r., a dostrzeżesz na nich groteskowe stworzenia. Ich twarze są pełne bólu i cierpienia, na ich ciałach widać guzy lub dodatkowe narządy, albo ich ciała są po prostu nieregularny kształt. Tak naprawdę obrazy takie jak „Wielka farma” są o wiele bardziej przerażające niż zwykły horror - właśnie dlatego, że na pierwszy rzut oka nie widać w nich nic strasznego.

2. Keitha Thompsona

Keith Thompson jest bardziej artystą komercyjnym niż artystą. Stworzył potwory dla Pacific Rim Guillermo Del Toro i Lewiatana Scotta Westerfielda. Jego prace są wykonane techniką, którą można spodziewać się na kartach Magic: The Gathering, a nie w muzeum.

Spójrz na jego obraz „Stworzenie z Prypeci”: potwór jest wykonany z kilku zwierząt i jest strasznie brzydki, ale daje doskonałe wyobrażenie o technice Thompsona. Potwór ma nawet swoją historię – podobno jest produktem katastrofy w Czarnobylu. Oczywiście potwór jest nieco wymyślony, jakby pochodził prosto z lat 50. XX wieku, ale to nie czyni go mniej przerażającym.

Fundacja SCP przyjęła to stworzenie jako swoją maskotkę, nazywając je SCP-682. Ale Thompson wciąż ma w swoim arsenale wiele podobnych potworów i są gorsze.

3. Junji Ito

A propos artystów komercyjnych: niektórzy z nich rysują komiksy. Jeśli chodzi o komiksy grozy, Junji Ito jest mistrzem. Jego potwory są nie tylko groteskowe: artysta starannie rysuje każdą zmarszczkę, każdą fałdę na ciałach stworzeń. To właśnie przeraża ludzi, a nie irracjonalność potworów.

Na przykład w swoim komiksie „Zagadka Amigary Folt” rozbiera ludzi i wysyła ich do dziury w kształcie człowieka w litej skale – im bliżej widzimy tę dziurę, tym jest ona straszniejsza, ale nawet „z daleka” jest wydaje się przerażające.

W jego serii komiksów Uzumaki (Spirala) pojawia się facet mający obsesję na punkcie spiral. Na początku jego obsesja wydaje się zabawna, a potem przerażająca. Co więcej, staje się to przerażające, zanim obsesja bohatera stanie się magią, za pomocą której zamienia człowieka w coś nieludzkiego, ale jednocześnie żywego.

Dzieła Ito wyróżniają się na tle wszystkich japońskich mang - jego „normalne” postacie wyglądają niezwykle realistycznie, a nawet uroczo, a potwory wydają się jeszcze bardziej przerażające na ich tle.

4. Zdzisław Beksiński

Jeśli artysta mówi: „Nie potrafię sobie wyobrazić, co oznacza racjonalność w malarstwie”, prawdopodobnie nie maluje kociąt.

Polski malarz Zdzisław Beksiński urodził się w 1929 roku. Przez dziesięciolecia tworzył koszmarne obrazy z gatunku realizmu fantastycznego, aż do swojej strasznej śmierci w 2005 roku (został 17 razy dźgnięty nożem). Bardzo owocny okres jego twórczość obejmowała lata 1960-1980: powstały wówczas bardzo szczegółowe obrazy, które sam nazwał „fotografiami swoich snów”.

Według Beksińskiego nie przejmował się znaczeniem konkretnego obrazu, choć niektóre jego dzieła wyraźnie coś symbolizują. Na przykład w 1985 roku stworzył obraz „Trollforgatok”. Artysta wychował się w kraju zdewastowanym przez II wojnę światową, dlatego czarne postacie na obrazie mogą reprezentować obywateli Polski, a głowa jest swego rodzaju bezwzględnym autorytetem.

Sam artysta twierdził, że nie miał nic takiego na myśli. Właściwie Beksiński powiedział o tym zdjęciu, że należy je traktować jako żart – na tym właśnie polega prawdziwy czarny humor.

5. Wayne Barlow

Tysiące artystów próbowało przedstawić piekło, ale Wayne’owi Barlowowi najwyraźniej się to udało. Nawet jeśli nie słyszałeś jego nazwiska, prawdopodobnie widziałeś jego prace. Brał udział w pracy przy takich filmach jak Avatar Jamesa Camerona (reżyser osobiście go chwalił), Pacific Rim, Harry Potter i więzień Azkabanu oraz Harry Potter i Czara Ognia. Ale jedno z jego najwybitniejszych dzieł można nazwać wydaną w 1998 roku książką „Inferno”.

Jego piekło to nie tylko lochy z demonicznymi władcami i armiami. Barlow powiedział: „Piekło to całkowita obojętność na ludzkie cierpienie”. Jego demony często wykazują zainteresowanie ciała ludzkie i dusze i zachowują się bardziej jak eksperymentatorzy - ignorują ból innych ludzi. Dla jego demonów ludzie wcale nie są obiektem nienawiści, ale po prostu środkiem próżnej rozrywki, niczym więcej.

6. Tetsuya Ishida

Na akrylowych obrazach Izydy ludzie często zamieniają się w przedmioty, takie jak opakowania, przenośniki taśmowe, pisuary, a nawet poduszki na hemoroidy. Ma także przyjemne wizualnie obrazy przedstawiające ludzi łączących się z naturą lub uciekających do niej magiczna kraina swoją wyobraźnię. Ale takie prace są znacznie mroczniejsze niż obrazy, na których pracownicy restauracji zamieniają się w manekiny pompujące jedzenie do klientów, jakby obsługiwali samochody na stacji benzynowej.

Niezależnie od tego, czy ktoś ocenia precyzję i przenikliwość artysty, czy też plastyczność metafor, nie można zaprzeczyć, że styl jego twórczości jest niesamowity. Każdy humor w Izydzie idzie w parze z obrzydzeniem i strachem. Jego kariera dobiegła końca w 2005 roku, kiedy 31-letni Ishida został potrącony przez pociąg, co prawie na pewno było samobójstwem. Dzieła, które po sobie pozostawił, wyceniane są na setki tysięcy dolarów.

7. Dariusz Zawadzki

Zawadski urodził się w 1958 r. Podobnie jak Beksiński tworzy w stylu niesamowitego realizmu fantastycznego. Jego nauczyciele w szkoła artystyczna Powiedzieli Zawadskiemu, że nie ma zbyt dobrego wzroku i słabego wzroku, więc nie zostanie artystą. Cóż, najwyraźniej wyciągnęli pochopne wnioski.

Prace Zavadsky'ego zawierają elementy steampunku: często rysuje stworzenia przypominające roboty, z działającymi mechanizmami widocznymi pod sztuczną skórą. Spójrzmy na przykład na obraz olejny „Gniazdo” z 2007 roku. Pozy ptaków są takie same jak u ptaków żywych, ale rama jest wyraźnie metalowa, ledwo pokryta skrawkami skóry. Obraz może budzić odrazę, ale jednocześnie przyciąga wzrok – chce się przyjrzeć wszystkim szczegółom.

8. Jozue Hoffin

Joshua Hoffin urodził się w 1973 roku w Emporii w stanie Kansas. Robi przerażające zdjęcia, na których znane z dzieciństwa bajki nabierają strasznych rysów – historię oczywiście można rozpoznać, ale jednocześnie jej sens zostaje mocno zniekształcony.

Wiele jego prac wygląda na zbyt inscenizowane i nienaturalne, aby naprawdę przerażały. Ale są też serie fotografii, takie jak „Arcydzieła Pickmana” – jest to hołd złożony jednej z postaci Lovecrafta, artyście Pickmanowi.

Na zdjęciach z 2008 roku, które możecie zobaczyć tutaj, widać jego córkę Chloe. Na twarzy dziewczyny nie widać prawie żadnych emocji, prawie nie patrzy w stronę publiczności. Kontrast jest przerażający: zdjęcie rodzinne na stoliku nocnym dziewczyna w różowej piżamie - i ogromne karaluchy.

9. Patrizia Piccinini

Rzeźby Piccininiego czasami bardzo się od siebie różnią: niektóre rzeźby to motocykle o nieregularnych kształtach, inne to dziwne balony z gorącym powietrzem. Ale przede wszystkim tworzy rzeźby, z którymi bardzo, bardzo niewygodnie jest stać w tym samym pomieszczeniu. Nawet na zdjęciach wyglądają przerażająco.

W pracy „Indivisible” z 2004 roku humanoid zostaje dociśnięty do pleców normalnego ludzkiego dziecka. Najbardziej niepokojący jest element zaufania i uczucia – jakby niewinność dziecka została okrutnie wykorzystana na jego szkodę.

Oczywiście twórczość Piccininiego jest krytykowana. O „Niepodzielnym” mówiono nawet, że to nie rzeźba, ale jakieś prawdziwe zwierzę. Ale nie – to tylko wytwór jej wyobraźni, a artystka nadal tworzy swoje prace z włókna szklanego, silikonu i włosów.

10. Marka Powella

Prace Australijczyka Marka Powella są naprawdę szokujące. Na jego wystawę z 2012 roku składał się cykl kompozycji, w których fantastyczne stworzenia ewoluują, pożerają się i wydalają z własnych ciał, rozmnażają się i rozpadają. Tekstury stworzeń i otoczenia są niezwykle przekonujące, a mowa ciała postaci została precyzyjnie dobrana tak, aby sytuacje wydawały się jak najbardziej zwyczajne – a przez to przekonujące – jak to tylko możliwe.

Oczywiście Internet nie mógł powstrzymać się od oddania artyście tego, co mu się należy. Wspomniana wcześniej „Fundacja SCP” wzięła obrzydliwego potwora z powyższego obrazu i uczyniła go częścią historii zatytułowanej „Ciało, które nienawidzi”. Z jego twórczością wiąże się także wiele horrorów.

Niektóre dzieła sztuki zdają się uderzać widza w głowę, oszałamiające i niesamowite. Niektóre wciągają w zamyślenie i w poszukiwaniu warstw znaczeń, tajemnej symboliki. Niektóre obrazy owiane są tajemnicami i mistycznymi tajemnicami, inne zaskakują wygórowanymi cenami.

„Dziwność” to pojęcie raczej subiektywne i każdy ma swoje własne niesamowite obrazy, które wyróżniają się na tle innych dzieł sztuki.

Edvard Munch „Krzyk”

1893, karton, olej, tempera, pastel. 91×73,5cm

Galeria Narodowa, Oslo

Krzyk uznawany jest za przełomowe wydarzenie ekspresjonistyczne i jeden z najsłynniejszych obrazów na świecie.
„Szedłem z dwójką przyjaciół ścieżką - zachodziło słońce - nagle niebo zrobiło się krwistoczerwone, zatrzymałem się, czując zmęczenie, oparłem się o płot - spojrzałem na krew i płomienie nad niebiesko-czarnym fiordem i miasto – moi przyjaciele poszli dalej, a ja stałem drżący z podniecenia, czując niekończący się krzyk przeszywający naturę” – o historii obrazu opowiadał Edvard Munch.
Istnieją dwie interpretacje tego, co jest ukazane: to sam bohater ogarnia przerażenie i cicho krzyczy, przykładając ręce do uszu; albo bohater zamyka uszy na rozbrzmiewający wokół krzyk świata i natury. Munch napisał 4 wersje „Krzyku”, istnieje wersja, w której obraz ten jest owocem psychozy maniakalno-depresyjnej, na którą cierpiał artysta. Po leczeniu w klinice Munch nie wrócił do pracy na płótnie.

Paul Gauguin „Skąd przychodzimy? Kim jesteśmy? Gdzie idziemy?

1897-1898, olej na płótnie. 139,1 × 374,6 cm

Muzeum Sztuk Pięknych w Bostonie

Głęboko filozoficzny obraz postimpresjonisty Paula Gauguina został przez niego namalowany na Tahiti, dokąd uciekł z Paryża. Po ukończeniu pracy miał nawet ochotę popełnić samobójstwo, ponieważ „Uważam, że ten obraz jest nie tylko lepszy od wszystkich moich poprzednich i że nigdy nie stworzę czegoś lepszego, a nawet podobnego”. Żył jeszcze 5 lat i tak się stało.
Zdaniem samego Gauguina obraz należy czytać od prawej do lewej – trzy główne grupy postaci ilustrują postawione w tytule pytania. Trzy kobiety z dzieckiem symbolizują początek życia; grupa środkowa symbolizuje codzienną egzystencję dojrzałości; w ostatniej grupie, zgodnie z planem artysty, „stara kobieta, zbliżając się do śmierci, wydaje się pojednana i oddana swoim myślom”, u jej stóp „dziwny biały ptak… reprezentuje bezużyteczność słów”.

Pablo Picasso „Guernica”

1937, olej na płótnie. 349×776 cm

Muzeum Reiny Sofii w Madrycie

Ogromny fresk „Guernica”, namalowany przez Picassa w 1937 roku, opowiada historię nalotu jednostki ochotniczej Luftwaffe na miasto Guernica, w wyniku którego sześciotysięczne miasto zostało doszczętnie zniszczone. Obraz powstał dosłownie w miesiąc – w pierwszych dniach pracy nad obrazem Picasso pracował po 10-12 godzin i już w pierwszych szkicach można było dostrzec główną ideę. To jedna z najlepszych ilustracji koszmaru faszyzmu, a także ludzkiego okrucieństwa i żalu.
Guernica przedstawia sceny śmierci, przemocy, brutalności, cierpienia i bezradności, nie precyzując ich bezpośrednich przyczyn, ale są one oczywiste. Mówi się, że w 1940 roku Pablo Picasso został wezwany do gestapo w Paryżu. Rozmowa od razu zeszła na temat obrazu. „Czy ty to zrobiłeś?” - „Nie, ty to zrobiłeś”.

Jan van Eyck „Portret pary Arnolfinich”

1434, drewno, olej. 81,8×59,7cm

Londyńska Galeria Narodowa, Londyn

Portret rzekomo Giovanniego di Nicolao Arnolfini i jego żony jest jednym z najbardziej skomplikowanych dzieł zachodniej szkoły malarstwa północnego renesansu.
Słynny obraz jest całkowicie wypełniony symbolami, alegoriami i różnymi odniesieniami – aż do podpisu „Tu był Jan van Eyck”, który uczynił z niego nie tylko dzieło sztuki, ale także dokument historyczny potwierdzający prawdziwe wydarzenie, na którym artysta był obecny.
W Rosji w ostatnich latach obraz zyskał dużą popularność ze względu na podobieństwo portretu Arnolfini do Władimira Putina.

Michaił Vrubel „Siedzący demon”

1890, olej na płótnie. 114×211cm

Galeria Trietiakowska, Moskwa

Obraz Michaiła Vrubela zaskakuje wizerunkiem demona. Smutny, długowłosy facet wcale nie przypomina powszechnego ludzkiego wyobrażenia o tym, jak powinien wyglądać zły duch. Sam artysta tak opowiadał o swoim najsłynniejszym obrazie: „Demon to nie tyle duch zły, co cierpiący i bolesny, a jednocześnie duch potężny, majestatyczny”. To obraz siły ludzkiego ducha, wewnętrznej walki, zwątpienia. Tragicznie załamując ręce, Demon siedzi ze smutnymi, wielkimi oczami skierowanymi w dal, otoczony kwiatami. Kompozycja podkreśla sztywność sylwetki demona, jakby wciśniętego pomiędzy górną i dolną poprzeczkę kadru.

Wasilij Wierieszczagin „Apoteoza wojny”

1871, olej na płótnie. 127×197cm

Państwowa Galeria Trietiakowska w Moskwie

Vereshchagin jest jednym z głównych rosyjskich malarzy batalistycznych, ale nie malował wojen i bitew, bo je kochał. Wręcz przeciwnie, starał się przekazać ludziom swój negatywny stosunek do wojny. Któregoś dnia Wierieszczagin w ogniu wzruszenia wykrzyknął: „Nie będę już malował obrazów batalistycznych – to wszystko!” Zbyt głęboko biorę do serca to, co piszę, płaczę (dosłownie) nad żalem każdego rannego i zabitego.” Prawdopodobnie efektem tego okrzyku był straszny i urzekający obraz „Apoteoza wojny”, który przedstawia pole, wrony i górę ludzkich czaszek.
Obraz jest namalowany tak głęboko i emocjonalnie, że za każdą czaszką leżącą na tym stosie zaczynasz widzieć ludzi, ich losy i losy tych, którzy nigdy więcej tych ludzi nie zobaczą. Sam Vereshchagin ze smutnym sarkazmem nazwał płótno „martwą naturą” - przedstawia „martwą naturę”.
Wszystkie szczegóły obrazu, w tym żółty kolor, symbolizują śmierć i zniszczenie. Czyste, błękitne niebo podkreśla martwość obrazu. Ideę „Apoteozy wojny” wyrażają także blizny po szablach i dziury po kulach na czaszkach.

Grant Wood „Amerykański gotyk”

1930, olej. 74×62cm

Instytut Sztuki w Chicago, Chicago

„American Gothic” to jeden z najbardziej rozpoznawalnych obrazów sztuki amerykańskiej XX wieku, najsłynniejszy mem artystyczny XX i XXI wieku.
Obraz z ponurym ojcem i córką jest wypełniony szczegółami, które wskazują na surowość, purytanizm i wsteczny charakter przedstawionych ludzi. Wściekłe twarze, widły w samym środku obrazu, staroświeckie stroje nawet jak na standardy z 1930 roku, odsłonięty łokieć, szwy na ubraniu rolnika powtarzające kształt wideł, a zatem zagrożenie skierowane do wszystkich kto wkracza. Możesz patrzeć na te wszystkie szczegóły bez końca i wzdrygać się z dyskomfortu.
Co ciekawe, jurorzy konkursu w Art Institute of Chicago uznali „Gothic” za „humoryczną walentynkę”, a mieszkańcy Iowa byli strasznie oburzeni przez Wooda za ukazanie ich w tak nieprzyjemnym świetle.

Rene Magritte „Kochankowie”

1928, olej na płótnie

Obraz „Kochankowie” („Kochankowie”) występuje w dwóch wersjach. Na jednym mężczyzna i kobieta, których głowy owinięte są w biały materiał, całują się, a na drugim „patrzą” na widza. Obraz zaskakuje i fascynuje. Za pomocą dwóch postaci bez twarzy Magritte przekazał ideę ślepoty miłości. O ślepocie pod każdym względem: kochankowie nikogo nie widzą, nie widzimy ich prawdziwego oblicza, a poza tym kochankowie są tajemnicą nawet dla siebie nawzajem. Ale pomimo tej pozornej jasności, nadal patrzymy na kochanków Magritte'a i myślimy o nich.
Prawie wszystkie obrazy Magritte'a to zagadki, których nie da się do końca rozwiązać, gdyż rodzą pytania o samą istotę istnienia. Magritte zawsze mówi o zwodniczości tego, co widzialne, o jego ukrytej tajemnicy, której zwykle nie dostrzegamy.

Marc Chagall „Spacer”

1917, olej na płótnie

Państwowa Galeria Trietiakowska

Zwykle niezwykle poważny w swoim malarstwie, Marc Chagall napisał zachwycający manifest własnego szczęścia, pełen alegorii i miłości. „Spacer” to autoportret z żoną Bellą. Jego ukochana wznosi się w przestworza i wkrótce wciągnie stojącego niepewnie na ziemi Chagalla do lotu, jakby dotykał jej jedynie czubkami butów. Chagall ma cycka w drugiej ręce - jest szczęśliwy, ma w rękach zarówno cycka (zapewne swój obraz), jak i ciasto na niebie.

Hieronim Bosch „Ogród rozkoszy ziemskich”

1500-1510, drewno, olej. 389×220 cm

Prado, Hiszpania

„Ogród rozkoszy ziemskich” to najsłynniejszy tryptyk Hieronima Boscha, którego nazwa wzięła się od tematu części centralnej, poświęconej grzechowi zmysłowości. Do chwili obecnej żadna z dostępnych interpretacji obrazu nie została uznana za jedyną słuszną.
Niezmienny urok, a zarazem niezwykłość tryptyku polega na sposobie, w jaki artysta poprzez wiele szczegółów wyraża główną myśl. Obraz wypełniony jest przezroczystymi postaciami, fantastycznymi konstrukcjami, potworami, halucynacjami, które nabrały ciała, piekielnymi karykaturami rzeczywistości, na którą patrzy badawczym, niezwykle bystrym wzrokiem. Niektórzy naukowcy chcieli zobaczyć w tryptyku obraz życia ludzkiego przez pryzmat jego marności i obrazów ziemskiej miłości, inni – triumf zmysłowości. Jednak prostota i pewien dystans, z jakim interpretowane są poszczególne postacie, a także przychylny stosunek władz kościelnych do tego dzieła, budzą wątpliwości, czy jego treścią mogła być gloryfikacja przyjemności cielesnych.

Gustav Klimt „Trzy wieki kobiety”

1905, olej na płótnie. 180×180 cm

Narodowa Galeria Sztuki Nowoczesnej w Rzymie

„Trzy wieki kobiety” są jednocześnie radosne i smutne. Historia życia kobiety zapisana jest w nim w trzech postaciach: beztroski, spokoju i rozpaczy. Młoda kobieta jest organicznie wpleciona w schemat życia, stara się od niego wyróżnia. Kontrast pomiędzy stylizowanym wizerunkiem młodej kobiety a naturalistycznym wizerunkiem starej kobiety nabiera znaczenia symbolicznego: pierwsza faza życia niesie ze sobą nieskończone możliwości i metamorfozy, ostatnia – niezmienną stałość i konflikt z rzeczywistością.
Płótno nie odpuszcza, przenika do duszy i skłania do refleksji nad głębią przesłania artysty, a także głębią i nieuchronnością życia.

Egon Schiele „Rodzina”

1918, olej na płótnie. 152,5×162,5cm

Galeria Belvedere w Wiedniu

Schiele był uczniem Klimta, ale jak każdy doskonały uczeń nie kopiował swojego nauczyciela, ale szukał czegoś nowego. Schiele jest o wiele bardziej tragiczny, dziwny i przerażający niż Gustav Klimt. W jego twórczości jest sporo tego, co można by nazwać pornografią, najróżniejszych wypaczeń, naturalizmu i zarazem bolesnej rozpaczy.
„Rodzina” to jego najnowsze dzieło, w którym rozpacz doprowadzona jest do absolutnej skrajności, mimo że jest to jego najmniej dziwnie wyglądający obraz. Namalował go tuż przed śmiercią, po tym jak jego ciężarna żona Edith zmarła na hiszpańską grypę. Zmarł w wieku 28 lat, zaledwie trzy dni po Edytie, malując ją, siebie i ich nienarodzone dziecko.

Frida Kahlo „Dwie Fridy”

Historia trudnego życia meksykańskiej artystki Fridy Kahlo stała się szeroko znana po premierze filmu „Frida” z Salmą Hayek w roli głównej. Kahlo malowała głównie autoportrety i wyjaśniała to prosto: „Maluję siebie, ponieważ spędzam dużo czasu samotnie i ponieważ jestem tematem, który znam najlepiej”.
Na żadnym autoportrecie Frida Kahlo się nie uśmiecha: twarz poważna, wręcz żałobna, zrośnięte, grube brwi, ledwo zauważalny wąs nad mocno zaciśniętymi ustami. Idee jej obrazów są zaszyfrowane w szczegółach, tle, postaciach pojawiających się obok Fridy. Symbolika Kahlo opiera się na tradycjach narodowych i jest ściśle związana z mitologią indyjską okresu przedhiszpańskiego.
W jednym z najlepszych obrazów „Dwie Fridy” wyraziła zasady męskie i żeńskie, połączone w niej jednym układem krwionośnym, ukazując jej integralność.

Claude Monet „Most Waterloo. Efekt mgły”

1899, olej na płótnie

Państwowe Muzeum Ermitażu w Petersburgu

Oglądając obraz z bliskiej odległości, widz nie widzi nic poza płótnem, na którym często nakładane są grube pociągnięcia olejem. Cała magia dzieła ujawnia się, gdy stopniowo zaczynamy oddalać się od płótna. Najpierw zaczynają pojawiać się przed nami niezrozumiałe półkola, przechodząc przez środek obrazu, następnie widzimy wyraźne kontury łodzi i oddalając się na odległość około dwóch metrów, wszystkie łączące je prace są ostro rysowane przed nas i ułożone w logiczny łańcuch.

Jackson Pollock „Numer 5, 1948”

1948, płyta pilśniowa, olej. 240×120 cm

Dziwność tego obrazu polega na tym, że płótno amerykańskiego przywódcy abstrakcyjnego ekspresjonizmu, które namalował rozlewając farbę na rozłożony na podłodze kawałek płyty pilśniowej, jest najdroższym obrazem świata. W 2006 roku na aukcji Sotheby's zapłacono za niego 140 milionów dolarów. David Giffen, producent filmowy i kolekcjoner, sprzedał go meksykańskiemu finansiście Davidowi Martinezowi.
„Nadal odchodzę od zwykłych narzędzi artysty, takich jak sztaluga, paleta i pędzle. Preferuję patyki, miarki, noże i płynącą farbę lub mieszankę farby z piaskiem, potłuczonym szkłem lub czymś innym. Kiedy jestem w obrazie, nie jestem świadomy tego, co robię. Zrozumienie przychodzi później. Nie boję się zmian i zniszczenia obrazu, gdyż obraz żyje własnym życiem. Po prostu jej pomagam. Ale jeśli stracę kontakt z obrazem, robi się brudny i niechlujny. Jeśli nie, to jest to czysta harmonia, łatwość brania i dawania.”

Joan Miró „Mężczyzna i kobieta przed stertą ekskrementów”

1935, miedź, olej, 23×32 cm

Fundacja Joana Miró, Hiszpania

Dobre imię. I kto by pomyślał, że to zdjęcie opowiada nam o okropnościach wojen domowych.
Obraz wykonano na blasze miedzianej w tygodniu od 15 do 22 października 1935 roku. Zdaniem Miro jest to wynik próby przedstawienia tragedii hiszpańskiej wojny domowej. Miro powiedział, że jest to obraz o okresie niepokoju. Obraz przedstawia mężczyznę i kobietę wyciągających ręce, by się objąć, ale bez ruchu. Powiększone genitalia i złowieszczy kolor zostały opisane jako „pełne wstrętu i obrzydliwej seksualności”.

Jacek Yerka „Erozja”

Polski neosurrealista znany jest na całym świecie ze swoich niesamowitych obrazów, w których rzeczywistości łączą się, tworząc nowe. Trudno rozpatrywać pojedynczo jego niezwykle szczegółowe i w pewnym stopniu wzruszające prace, ale taki jest format naszego materiału i musieliśmy wybrać jedno, które zobrazuje jego wyobraźnię i umiejętności. Zalecamy przeczytanie.

Bill Stoneham „Ręce mu się opierają”

Dzieła tego oczywiście nie można zaliczyć do arcydzieł malarstwa światowego, ale fakt, że jest dziwny, jest faktem.
Krążą legendy o obrazie przedstawiającym chłopca, lalkę i jego ręce przyciśnięte do szyby. Od „ludzie umierają z powodu tego zdjęcia” po „dzieci na nim żyją”. Obraz wygląda naprawdę przerażająco, co budzi wiele obaw i spekulacji wśród osób o słabej psychice.
Artysta twierdził, że obraz przedstawiał go w wieku pięciu lat, drzwi przedstawiały linię oddzielającą świat rzeczywisty od świata snów, a lalka była przewodnikiem, który mógł przeprowadzić chłopca po tym świecie. Ręce reprezentują alternatywne życia lub możliwości.
Obraz zyskał rozgłos w lutym 2000 roku, kiedy został wystawiony na sprzedaż w serwisie eBay z historią mówiącą, że obraz był „nawiedzony”. „Hands Resist Him” został kupiony za 1025 dolarów przez Kim Smitha, który następnie został zasypany listami zawierającymi przerażające historie i żądaniami spalenia obrazu.