Dla wielu artystów tworzenie ilustracji zaczyna się od ołówka i kartki papieru. W tym samouczku Andreas Preis pokaże Ci, jak stworzyć piękną ilustrację mieszaną. Na początek szkicuje ilustrację na papierze, a następnie dodaje kolor i efekty w Photoshopie.
Ostateczny obraz:
Zanim zaczniesz, obejrzyj film przedstawiający tworzenie szkicu:
Krok 1
Wszystko zaczyna się od białe prześcieradło papier. Możesz narysować ilustrację, z której skorzystał autor, lub możesz narysować własną.
Krok 2
Na początek utwórz ołówkowy szkic ilustracji.
Krok 3
Teraz narysuj kontury:
Krok 4
To ostatni krok: zacznij rysować tuszem. Jeśli ilustracja zawiera dużo szczegółów, rysowanie może zająć trochę czasu.
Krok 5
Po kilku godzinach rysowania ilustracja wygląda tak:
Krok 6
Zeskanuj szkic w skali szarości, ustaw rozdzielczość na 600-800 pikseli. Należy jednak pamiętać, że im większy plik, tym wolniej będzie działał komputer. Po zeskanowaniu otwórz ilustrację w Photoshopie.
Krok 7
Musisz zwiększyć kontrast obrazu za pomocą polecenia Krzywe(Obraz - Korekta - Krzywe) (Ctrl + M). Musisz dodać do obrazu jak najwięcej odcieni bieli i czerni:
Krok 8
Teraz musisz poprawić niektóre niedokładności na ilustracji (na przykład usunąć dodatkowe linie). Odwróć obraz (Ctrl+I) - wtedy łatwiej będzie dostrzec te niedokładności, które wymagają poprawienia.
Używanie narzędzi Wyjaśniający I Opornik(Narzędzie Przepalanie/Unikanie) (O). Usuń wszelkie rozbieżności, a następnie ponownie odwróć obraz.
Krok 9
Teraz musimy oddzielić obraz od białe tło. Aby to zrobić, wybierz obraz (Ctrl + A) i skopiuj (Ctrl + C), a następnie dodaj maska. Kliknij maskę, przytrzymując klawisz ALT. Teraz możesz wkleić ilustrację na maskę (Ctrl + V).
Krok 10
Odwróć maskę warstwy ( Ctrl + I).
Przejdź z maski do warstwy klikając na jej miniaturę i wypełnij płótno kolorem czarnym.
Zastosuj maskę: pierwsze kliknięcie Klawisze Ctrl+ G, a następnie Ctrl + E (ta metoda najpierw umieści warstwę obrazu w grupie, a następnie połączy grupę).
Krok 13
W razie potrzeby możesz dostosować proporcje obrazu. Aby to zrobić, użyj Filtr plastikowy(Filtr – Plastik) (Filtr > Skraplanie) Tutaj możesz zmienić niektóre linie i krzywe.
Krok 14
Teraz dodaj białą warstwę tła.
Krok 15
Wybierz obraz za pomocą narzędzia Różdżka(Narzędzie Różdżka) (W) i odwróć zaznaczenie (Ctrl + Shift + I). Zmniejsz zaznaczenie o 5 pikseli (Zaznaczenie - Modyfikuj - Kompresuj) (Zaznaczenie > Modyfikuj > Zawęź). Utwórz nową warstwę (Shift + Ctrl + N) pod warstwą ilustracji i wypełnij ją ciemny kolor- to będzie kolor włosów.
Krok 16
Nad warstwą włosów utwórz nową warstwę - będzie to warstwa twarzowa. Aby pomalować twarz, użyj biały i narzędzie Pędzel ( Narzędzie Pędzel)(B).
Krok 17
Dla każdego część indywidualna, który będziesz malować, utwórz osobną warstwę. Teraz pod warstwą twarzy utwórz nową warstwę na szalik.
Krok 18
Na koniec utwórz nową warstwę o nazwie „Perły” i narysuj perły we włosach.
Krok 19
Teraz musisz zablokować krycie każdej pokolorowanej warstwy. Pomoże to uniknąć przekraczania krawędzi każdej warstwy podczas ich przyciemniania.
Krok 20
Teraz musisz pokolorować włosy w różnych odcieniach. Można to zrobić za pomocą narzędzia Pędzel ( Narzędzie Pędzel) (B).
Krok 21
Do tworzenia światła i cienia użyjemy różnych pędzli. Pobierz obraz ciemnej plamy z zasobów lekcji - wykorzystamy go do wykonania pędzla.
Krok 22
Na tym etapie musisz ponownie zwiększyć kontrast obrazu. Aby to zrobić, utwórz pędzel i obraz ciemnej plamy ( Edycja - Zdefiniuj pędzel /Edycja > Zdefiniuj ustawienie pędzla).
W oknie, które zostanie otwarte, ustaw nazwę pędzla:
Krok 23
Otwórz paletę Pędzle(F5) i wybierz nowo utworzony pędzel:
Przejdź do zakładki Dynamika kształtu(Dynamika kształtu) i poeksperymentuj z ustawieniami Jitter rozmiaru i Jitter kąta.
Krok 24
Za pomocą tego pędzla zacznij dodawać światło i cień do każdej warstwy. Zacznij od włosów.
Krok 25
Można wykorzystać dodatkowe kolory, takie jak te, których użyłam przy kolorowaniu szalika.
Krok 26
Pokoloruj perły w różnych odcieniach żółci i brązu:
Krok 27
Najwięcej pracuje się z twarzą trudniejsza część. Musisz dowiedzieć się, gdzie dodać cienie i światła. Spójrz na zrzut ekranu:
Krok 28
Utwórz nową warstwę o nazwie „Makijaż”, nałóż na nią makijaż i zmień tryb mieszania na Mnożenie(Zwielokrotniać).
Krok 29
Przejdźmy do tworzenia tła. Do jego stworzenia można użyć dowolnego rodzaju farby: akrylowej, aerozoli i pędzli. Nie bój się eksperymentować.
Krok 30
Tłem może być wszystko, łącznie z farbą i zadrapaniami.
Krok 31
Do tej konkretnej części potrzebne będą kolorowe plamki, krople itp.
Są to zdjęcia dwóch części tła (przykładowo):
Krok 32
Zeskanuj utworzone tło (upewnij się, że farba jest sucha). Wskazane jest używanie dość wysoka rozdzielczość(około 900 pikseli).
Krok 33
Przenieś zeskanowane tło na obraz główny. Możesz usunąć warstwę białego tła i umieścić wszystkie warstwy powiązane z ilustracją w osobnej grupie. Aby zmienić kolor tła, dodaj do niego opcję (Barwa/Nasycenie).
Krok 34
Jako tło możesz użyć dowolnego koloru. Wybrałam odcień turkusowy.
Krok 35
Dodaj drugie tło i obróć je (Ctrl + T).
Krok 36
Utwórz nową warstwę (Shift + Ctrl + N) pod drugą warstwą tła, wypełnij ją czarnym kolorem i połącz tę warstwę tła z warstwą wypełnioną czernią (Ctrl + E).
Krok 37
Dodaj maskę do scalonej warstwy i załaduj zaznaczenie (Ctrl + A). Przytrzymaj klawisz ALT i kliknij miniaturę maski. Naciśnij Ctrl + V, aby wkleić wszystko. Kolorowe tło działa teraz jak maska.
Krok 38
Przejdź od maski do warstwy, a teraz przejdź ponownie do maski, ale bez naciskania klawisza Alt. W ten sposób możesz zobaczyć, co dzieje się na płótnie, ale możesz także kontynuować pracę nad maską. Teraz uruchom polecenie Krzywe(Krzywe) (Ctrl + M).
Krok 39
Jasne obszary na drugim tle staną się teraz widoczne:
Krok 40
Utwórz nową warstwę nad wszystkimi warstwami i dodaj cień na ramionach.
Krok 41
Teraz dodaj więcej kolorowych plam. Dzięki temu ilustracja będzie miała charakter „sztuki ulicznej”. Narysuj każdą kroplę na osobnej warstwie.
Krok 42
Zmniejsz nieprzezroczystość każdej warstwy kropelek do około 33%.
Krok 43
Zaznacz wszystkie warstwy z kroplami, przytrzymując klawisz Shift i umieść je w grupie (Ctrl + G). Dodaj maskę do grupy z kroplami i za pomocą różnych pędzli usuń niektóre części kropli, aby nadać im ciekawszy wygląd.
Krok 44
Teraz użyję tekstury stary papier- można go znaleźć w Internecie lub można go zeskanować.
Krok 45
Przenieś obraz starego papieru do naszego dokumentu i umieść go nad wszystkimi warstwami i grupami. Dodaj do tego Warstwa dopasowania Barwa/Nasycenie(Warstwa - Warstwa dopasowania - Barwa / Nasycenie) (Warstwa > Nowa warstwa dopasowania > Barwa/Nasycenie) i zmniejsz jasność tekstury.
Krok 46
Aby zmieszać teksturę starego papieru z tłem pomalowanym farbami, zmień tryb mieszania tekstury starego papieru na Mnożenie(Zwielokrotniać). Dodaj maskę do starej warstwy tekstury papieru i usuń starą teksturę papieru w niektórych miejscach obrazu (na przykład z twarzy).
Krok 47
Teraz możesz zastosować tę samą sztuczkę, której użyłeś do stworzenia kolorowych kropli. Dodaj maskę do grupy „Kobieta” (zawiera wszystkie warstwy powiązane z ilustracją). Teraz usuń drobne szczegóły z obrazu za pomocą różnych pędzli, aby dodać teksturę.
Tłumaczenie: Słucka Swietłana
Tworzenie ilustracji to jedna z usług pokrewnych naszej agencji kreatywnej. Z reguły sugerujemy wykorzystanie ilustracji do projektowania broszur lub katalogów, szczególnie w przypadkach, gdy nie jest możliwa profesjonalna fotografia. Czasami zdjęcia celowo zastępowane są ilustracjami, na przykład po to, aby stworzyć menu w stylu vintage.
Nawiasem mówiąc, należy bardzo uważać na harmonijną kontynuację stylu projektowania kawiarni lub restauracji oraz stylu ilustracji, aby uniknąć eklektyzmu. Nieuzasadnione stosowanie w projektowaniu stylu secesyjnego i czcionek secesyjnych wygląda źle, jeśli na przykład wystrój restauracji jest czysto barokowy. Być może nie wszyscy odwiedzający to zauważą, ale będzie poczucie, że coś jest nie tak.
Tworzenie ilustracji wektorowych, zwłaszcza w formacie nowoczesny styl płaski, idealny do projektowania infografik. Często używamy obrazów wektorowych do projektowania prezentacji. Nasi ilustratorzy pracują w różne techniki: Jest to zarówno rysunek botaniczny, jak i szkic miejski.
Koszt i czas wykonania ilustracji zależą od stopnia złożoności i wybranego stylu. Przed przystąpieniem do tworzenia ilustracji zapraszamy klienta do podjęcia decyzji o stylu przyszłego obrazu. Być może będzie to szczegółowy projekt techniczny lub akwarela przetworzona na wektor. Zawsze na początku pracy proponujemy kilka szkiców, szkiców lub pomysłów w celu ustalenia kompozycji, a następnie ostateczny obraz jest starannie rysowany według zatwierdzonego układu.
Przykładowe prace w kategorii tworzenie ilustracji
Stworzenie ilustracji wektorowych do podręcznika szachowego 
Moja Wirtualna Szkoła prowadzi kursy i szkolenia z zakresu pracy Adobe Illustratorze . W 2012 roku nagrałem krótki kurs wideo „Adobe Illustrator in One, Two, Three”, który do dziś udostępniam bezpłatnie moim subskrybentom.
Następnie w 2014 roku wraz z zespołem uruchomiłem szkolenie online z tworzenia ilustracji wektorowych do microstocków. Szkolenie cieszyło się dużym zainteresowaniem i sukcesem – 4-krotnie rekrutowaliśmy grupy 50-70 osobowe.
Podczas kursu wielu naszych studentów było w stanie nie tylko stworzyć wysokiej jakości portfolio, ale wręcz zaczęło zarabiać na mikrostockach!
Kilka prac uczestników szkoleń
Aby zobaczyć cały obraz, kliknij jego miniaturę
Absolwenci naszego szkolenia Adobe Illustrator często pytali mnie, czy planuję przygotować nowe szkolenie zaawansowanych ilustratorów.
Pytanie jest dość logiczne, ponieważ w ilustracji wektorowej, podobnie jak w projektowaniu, nie ma ograniczeń co do perfekcji!
Nauczywszy się rysować proste ikony, ozdoby i tekstury, które zaczynają być sprzedawane na mikrostockach, człowiek zaczyna to lubić. Rysowanie ilustracji wektorowych staje się dla niego nie tylko hobby, ale także stale rosnącym dochodem. Oczywiście każdy chce zarobić jak najwięcej, a do tego trzeba być konkurencyjnym i stale doskonalić swoje umiejętności.
Nie jest tajemnicą, że na mikrostockach panuje ogromna konkurencja. Jeśli wchodzisz na ten rynek z standardowy zestaw ikony, abstrakcyjne tła i makiety, niezwykle trudno będzie Ci wyróżnić się na tle tysięcy konkurentów o podobnym portfolio.
Aby Twoja praca została zauważona, musi być w jakiś sposób inna, mieć swoją "swada".
Są na to 2 sposoby:
Sposób pierwszy: wytrwale poszukiwać nowych, niestandardowych form i stylów wizualizacji, aby wyróżnić się z tłumu ilustratorów.
Sposób drugi: znajdź niszę, w której konkurencja jest stosunkowo niewielka i stań się w niej jednym z najlepszych.
Nie trzeba być profesorem socjologii, aby stwierdzić, że druga opcja ma znacznie większe szanse powodzenia.
Jak jednak znaleźć taką niszę? A skąd wiesz, że naprawdę możesz w tym odnieść sukces?
Któregoś dnia szukając materiałów do zajęć z pracy z siatką gradientową w programie Adobe Illustrator natknąłem się na ilustracje w Internecie Andriej Panczenko.
Oprócz motywów „dla dorosłych” w portfolio autora widziałem wiele zabawnych postaci „z kreskówek” - głównie ilustracje uroczych małych zwierzątek z duże oczy i nieśmiałe uśmiechy. Jakość i atrakcyjność tych postaci również nie budziła wątpliwości co do kunsztu autora.
Szukałem prac Andreya na kilku portalach giełdowych i odkryłem to
co oni mają dobra ocena- to nie przypadek, że pojawiają się na pierwszej stronie Google przy wyszukiwaniu postaci z kreskówek dla dzieci.
Postanowiłem skontaktować się z Andreyem i omówić możliwą współpracę. Okazało się, że stworzenie ilustracje postaci- dość dochodowa nisza giełdowa, ponieważ w przeciwieństwie do innych nie ma w niej jeszcze wielu konkurentów.
Andrey sprzedał swoją pierwszą ilustrację na microstocku 9 lat temu, kiedy w jego portfolio znajdowało się tylko kilka podstawowych prac. Co więcej, dzieło to nie jest „zabójcze”. Sam Andriej mówi dziś, że wtedy niewiele mógł zrobić. Jednak od tego czasu jego ilustracje sprzedają się niemal codziennie i przynoszą autorowi stabilny dochód, na który w żaden sposób nie wpływają wahania kursu rubla do dolara!
Dowiedziałam się też, że sam Andrey od dawna myślał o nauczaniu innych, nagrał nawet kilka filmów na YouTube, ale nigdy nie zabrał się za nic więcej... Jednym słowem chętnie zgodził się zostać jednym z nauczycieli naszego Wirtualnego Szkoła .
Poznać:
Andriej Panczenko
ilustrator,
mikrostoker.
„Ilustruję od około 10 lat. Na początku było to hobby, ale obecnie jest to moja główna aktywność zawodowa.
Brał udział w wielu niezależnych projektach, w szczególności wykonywał pracę dla Disney Channel. Współpracowała z kilkoma dużymi firmami meblowymi, takimi jak OJSC Vector i Leader, przy projektowaniu produktów dla przedszkolaków.
Obecnie sprzedaję moje ilustracje na mikrostockach — aktywnie współpracuję z prawie wszystkimi głównymi mikrostockami i rysuję niestandardowe ilustracje”.
Portfolio Andreya:
Postanowiliśmy przygotować nowe szkolenie z tematu tworzenia ilustracje postaci. Dlaczego w tym temacie?
Po pierwsze, jak już powiedziałem, nisza ilustracji postaci jest dość poszukiwana przy stosunkowo niewielkiej konkurencji. Ucząc się tworzyć takie ilustracje, ilustrator microstockowy lub freelancer może znacznie zwiększyć swoje regularne dochody.
Po drugie, wymaga rysowania znaków wektorowych wysoki poziom biegła znajomość narzędzi Adobe Illustrator. Dlatego taki kurs będzie szczególnie przydatny dla wszystkich, którzy chcą odpowiednio „doszlifować” swoje umiejętności zawodowe.
No i po trzecie, niezwykle zainspirował mnie tok tworzenia ilustracji w wykonaniu Andreya. Jego prace wyróżniają się dużą precyzją, pewnością siebie i racjonalnością wszelkich działań. Po prostu hipnotyzujące jest obserwowanie, jak na czystej kartce papieru przed twoimi oczami pojawiają się zabawne, psotne postacie - kot w butach, tygrysiątko czy owca.
Jestem pewien, że dla początkujących ilustratorów niezwykle przydatne będą lekcje mistrzostwa od Andreya.
Najciekawsze jest to, że Andrey celowo nie wykorzystuje w swojej pracy tabletu graficznego – wszystkie ilustracje rysuje zwykłą myszką! Co więcej, w ogóle nie ma tabletu. Tym samym wyraźnie obala mit, jakoby wysokiej jakości ilustracje można stworzyć jedynie przy użyciu tabletu Wacom.
Nie zapomnij włączyć dźwięku w komputerze
Opracowanie i stworzenie kursu zajęło nam ponad sześć miesięcy. W rezultacie Andrey nagrał 30 szczegółowych lekcji wideo, w których szczegółowo pokazał proces tworzenia profesjonalnej ilustracji wektorowej postaci - od szkicu ołówkiem po ostateczną realizację w programie Adobe Illustrator.
W trakcie prac nad publikacją przygotowywane są oryginalne ilustracje do reprodukcji i umieszczenia w tekście. Ilustracje w książce są wykonane liniowo i rastrowo. Tworząc ilustracje kierowałam się następującymi kryteriami:
- ·Wszystkie rysunki muszą być wykonane w proporcjach odpowiadających projektowi publikacji. To właśnie układ książki pozwala dokładnie określić ostateczne wymiary ilustracji.
- ·Objętość wykorzystanego materiału ilustracyjnego oraz sposób jego racjonalnego rozmieszczenia została ustalona wspólnie z autorem na wstępnym etapie pracy nad książką.
- ·Wymagania, jakie musi spełniać materiał ilustracyjny, można podsumować w następujący sposób dla obrazów liniowych i rastrowych:
Oryginały liniowe:
- · rysunki należy wykonać na gładkim białym papierze kredowym;
- · poprawek należy dokonać poprzez pomalowanie na jasny biały kolor;
- · rysunek musi być wykonany w skali 1:1, 1,5:1, 2:1 w stosunku do przyszłej ilustracji w książce i mieć odpowiednią grubość kresek. Nie należy dopuszczać do zbyt cienkich pociągnięć, które mogą zniknąć po zmniejszeniu rozmiaru;
- · cieniowanie liniami przerywanymi lub kreskami powinno być jednolite, ze stopniowym przejściem i nie zawierać zbyt cienkich lub krótkich kresek w fakturze. Mogą zostać utracone podczas zmniejszania rozmiaru.
Oryginały jednokolorowe z półtonami:
- · wydruki czarno-białe na papierze błyszczącym (nie podbarwionym, nie matowym, nie tłoczonym);
- · dopuszczalna jest szeroka gama tonów, ale ze stopniowym przechodzeniem odcieni, bez zbyt wyraźnych kontrastów;
- · możliwość wykorzystania w przybliżeniu półtora rozmiaru w celu uzyskania rozmiaru drukowanego;
- · nie może być wygięty ani uszkodzony.
Projekt musi być na elastycznym podłożu, aby dało się go zeskanować.
Artysta pracując nad ilustracją rozwiązuje różnorodne problemy zawodowe: organizację kompozycyjną, dekoracyjność, ekspresję emocjonalną, zgodność stylistyczną z duchem dzieła literackiego, ukazaną epoką. Ilustracja książkowa jest częścią książki. Artysta musi wziąć pod uwagę rodzaj publikacji, sposób reprodukcji, format, bliskość paska czcionki, obecność dekoracji graficznych, aby znaleźć harmonijne rozwiązanie i stworzyć obraz artystyczny ilustrowana książka.
Zamierzenie artysty dotyczy przede wszystkim układu wizualnego ilustracji, którego zadaniem jest doprowadzenie do jak najlepszego efektu edukacyjno-objaśniającego. Artysta rozwiązuje nie tylko problemy strony wizualnej i plastycznej przyszłego cyklu ilustracji, ale także – to najważniejsze – problemy strukturę figuratywną, interpretacja dzieła i jego cechy artystyczne, tworząc z poszczególnych rysunków kompozycyjną całość, która wchodząc do książki i organicznie zlewając się z tekstem, w niezauważalny sposób wprowadzałaby czytelnika-widza w ten aspekt interpretacji obrazów, jaki w zamierzeniu artysty miał najpełniej i obrazowo oddać pomysł dzieła czytelnikowi. Ta cecha koncepcji projektowej dzieło sztuki ma głęboki wpływ plan tematyczny ilustrujący. Pomijając tematykę w całej jej różnorodności, ogólny zakres tematyczny ilustrowania dzieła sztuki można przedstawić w poniższym zestawieniu.
Opis myśli i uczuć bohatera, cechy jego wyglądu, mimiki, gestów, sposobu mówienia i działania. W ilustracjach materiał ten odpowiada portretowi, który może mieć charakter uogólniony, bez odniesienia do jakiegokolwiek miejsca w tekście lub odwrotnie, z odniesieniem do konkretnego małego lub bardzo krótkiego fragmentu tekstu, gdy postać jest przedstawiona w określony wewnętrzny lub działanie zewnętrzne. Portrety można przedstawiać poza dowolnym środowiskiem, czasami z otoczeniem jako tłem znaczenie symboliczne oraz w środowisku, które aktywnie charakteryzuje przedstawioną osobę. Główny cel portret - dawać społeczne i cechy psychologiczne portretowana postać.
2. Opis wydarzeń, jakie mają miejsce podczas spotkań bohaterów, ich zderzeń ze sobą i naturą. Z tej grupy wątków szczególnie ważne są te, które wyraźnie ujawniają charakter bohaterów lub stanowią punkt zwrotny w ich losach, a także te, które nie odgrywając szczególnej roli w rozwoju fabuły, jednocześnie podkreślają główna myśl planu artysty. Na ilustracjach materiał ten wyraża się poprzez kompozycje tematyczne. Ich głównym celem jest ukazanie charakteru i stanu uczestników zdarzenia w akcji, ujawnienie znaczenia przedstawianej sceny w przebiegu zdarzeń oraz wyrażenie głównej idei. To są najczęstsze ilustracje. Podobnie jak portrety, sceny można przedstawiać poza otoczeniem, z otoczeniem jako tłem i w aktywnym środowisku.
Opis zdjęć przyrody, widoków miasta, przestrzenie wewnętrzne, podkreślając i pomagając zrozumieć i odczuć motyw przewodni, tonację, ogólny nastrój, główna idea twórczości, charakteru otoczenia otaczającego bohatera i jego wpływu na niego, charakteru samego bohatera i jego nastroju. Materiał ten odpowiada pejzażowi lub wnętrzu, które jako ilustracja ma samodzielne znaczenie, na tyle niezależne, że wpisane w nie postacie bohaterów dzieła służą jedynie podkreśleniu przynależności obrazu do określonego miejsca w świecie. tekstu lub podkreślić jego główny temat i intencję. Spośród ilustracji tej grupy najczęstszym jest pejzaż.
Opis poszczególnych konstrukcji, budynków, przedmiotów gospodarstwa domowego, roślin, zwierząt itp., które podkreślają i pomagają zrozumieć tę lub inną cechę charakteru i nastroju postaci lub mają specjalne znaczenie w rozwoju wydarzeń. Na ilustracjach ta grupa tematów odpowiada osobliwościom graficzne martwe natury lub pojedyncze obrazy obiektu, postaci. Ilustracje należące do tej grupy są rzadkie.
Każdą z opisanych grup tematycznych można podzielić na podgrupy w zależności od czego działające osoby odnosi się do: głównego, drugorzędnego, trzeciorzędnego lub epizodycznego. A także podziel grupę w zależności od tego, czy należy ona do głównej fabuła lub z boku, niezależnie od tego, czy towarzyszy fabule, czy też należy do pozawątkowych części dzieła.
Spektrum technik stosowanych we współczesnej grafice książkowej jest bardzo szerokie. Od najlepszych prace akwarelowe po sitodruk, od gwaszu i pasteli po wycinanie nożem na pergaminie cielęcym, od rysunku piórkiem po kolaż i eksperymentalne formy cyfrowe. Postawy artystów są różne: od absolutnie poważnych do naiwnych, od ironicznych do sceptycznych. Wysoka jakość i niesamowita różnorodność – oto co powinno charakteryzować współczesną twórczość.
Ilustracja współczesna, często tworzona przy użyciu grafiki komputerowej
Praca nad ilustracją wymaga dbałości o szczegóły, głębokiej znajomości tematu, o którym mowa o czym mówimy oraz umiejętność przekazywania złożonych pomysłów w formie graficznej. Niektóre ilustracje powstają przy użyciu technik akwareli i gwaszu i należą do sztuk pięknych, inne powstają przy użyciu programów komputerowych, a jeszcze inne stanowią syntezę tradycyjnych środków i technologii komputerowej. Tutaj praca ręki i oka splata się z pracą programów i maszyn.
W ilustracjach do sztuki „Och, nasze życie to suka!” Poruszono trzy tematy (odcinki): „Khirin z psem”, „konflikt milionera z przedstawicielami banku i policjantami na balu maskowym”, „obrona interesów męża Merchutkiny przed obecnymi na weselu”. Oraz w ilustracjach do sztuki „The Demon Confused!” podjęto także trzy tematy (odcinki): „rozmowa generała z Blistanowem”, „konflikt Łomowa z Natalią Stepanowną i Czubukowem”, „postępowanie Blistanova i Natalii Stiepanownej”.
Ważną rolę w kompozycji ilustracji przypisuje się środowisku, w którym toczy się akcja. Środowisko bohaterów ma ogromne znaczenie dla ujawnienia treści obrazu. Jedność wrażenia, integralność kompozycji osiąga się poprzez odnalezienie typowego rosyjskiego wnętrza z przełomu XIX i XX wieku.
Ilustracje do książki „Czechontyny” powstały w technice czarno-białej grafiki kontrastowej, czarnego tuszu przy użyciu pióra i Rapidografu. Po zeskanowaniu przetworzone w programie Adobe Photoshopie za pomocą tabletu graficznego.
W tym praca postawiono cel - stworzyć układ i ilustracje do projektu wydania książkowego G. I. Yudenicha „Chekhontins”, biorąc pod uwagę specyfikę percepcji kategoria dla dorosłych ludzie używający podstawowego narzędzia graficzne, typowe dla tworzenia grafiki książkowej. Celem pracy było nie tylko stworzenie projektu graficznego i ilustracji książki, ale także zaprojektowanie kompletnego układu, który harmonijnie łączyłby wszystkie elementy książki.
Przeprowadzono kompleksowe prace przeglądowe ilustracja książkowa Jak specjalny typ odsłonięto grafikę charakterystyczne cechy grafiki książkowe innych typów sztuki piękne.
Z projektowego punktu widzenia grafika książkowa to nie tylko przedmiot sztuki plastycznej (tworzenie ilustracji czy czcionek), ale także przedmiot działalności twórczej, obejmującej redakcję techniczną, skład, skład itp.
Aby zidentyfikować charakterystyczne cechy badano grafikę książkową z innych dziedzin sztuki, książki i czasopisma o sztuce książki.
Oprócz zasad układu w pracy zbadano specjalne wymagania ustanowione przez normy państwowe.
Przeprowadzono kompleksowe prace w celu zbadania historii rozwoju ilustracji książkowej i zidentyfikowania głównych cech rozwoju. Ilustracja ewoluowała i często odpowiadała na istniejące wówczas trendy. Zidentyfikowano główne narzędzia wykorzystywane współcześnie do tworzenia ilustracji.
Doświadczenie historyczne pokazuje, że przez wiele stuleci stan przemysłu wydawniczego zawsze był dominującą cechą rozwoju społeczeństwa. Już samo wynalezienie druku stało się potężnym impulsem do zasadniczych zmian w życiu ludzkości, poważnych przemian w sferze sił wytwórczych i stosunków produkcji, w nauce, kulturze, oświacie, a także w rozwiązaniu wielu problemów społecznych i gospodarczych.
Po przestudiowaniu struktury książki możemy stwierdzić, że jedna z najważniejsze cechy ilustracja - jej zależność od tekst literacki. Jego celem jest uzupełnienie narracji autora w obrazach wizualnych. Inaczej grafika sztalugowa, która powstaje w wyniku bezpośredniej obserwacji przez artystę otoczenia i studiowania materiałów z rzeczywistości historycznej. Grafika książkowa ma za punkt wyjścia nie samo życie, ale dzieło literackie, co jest już odbiciem życia przez pryzmat tego czy innego pisarza czy poety. Ilustracja nie tylko interpretuje tekst, ale także wzbogaca go w jego wizualne obrazy, komentuje, rozwija i uzupełnia myśli i obrazy pisarza lub poety.
Książka jest, choć złożona, pojedynczym organizmem. Dlatego w jego konstrukcji wszystko jest ze sobą powiązane. Nie można decydować o wyglądzie zewnętrznym książki w oderwaniu od projektu wewnętrznego, ustalać wielkość czcionki niezależnie od formatu, wybierać format bez uwzględnienia stopnia skomplikowania ilustracji itp.
Na podstawie uzyskanych ustaleń osiągnięto zamierzony cel - powstała ilustrowana książka na podstawie twórczości G. I. Judenicha „Czechontina”. Książka ta przeznaczona jest dla osób dorosłych. Został stworzony z uwzględnieniem preferencji tego grupa wiekowa. Opracowano układ książki, usystematyzując układ i charakterystyczny kształt ilustracje. Pozwoliło to harmonijnie połączyć projekt czcionki tekstu głównego, nagłówków z materiałem ilustracyjnym i innymi elementami graficznymi książki, takimi jak numery kolumn. Styl ilustracji jest hiperboliczny, z elementami groteski, ale bliski rzeczywistości. Jest dość rozbudowany i szczegółowy. Do stworzenia układu i ilustracji wykorzystano nowoczesne technologie. Szczególna uwaga zwrócono uwagę na opracowanie okładki, do której powstała ilustracja, łącznie z kompozycją czcionki. Wszystkie elementy stworzone w celu budowania wizerunku książki są innowacyjne w swojej niepowtarzalności.
Wykonana praca odpowiada nowoczesne trendy w rozwoju grafiki książkowej. To tak, jakby w tej chwili miało miejsce odkrycie. nowa era sztuka książki pod tym względem szczególnie interesujące jest badanie światowej historii wydawnictwa książek, identyfikacja, poszukiwanie subtelności projektów artystycznych i technicznych starożytnych mistrzów. Głównym wektorem tych poszukiwań jest doskonalenie sztuka współczesna wydawanie książek w oparciu o nowe technologie.
Francuski artysta Xavier Collet wyjaśnia, jak ulepszyć proces malowania, wykorzystując swoją pracę z mroczną wróżką otoczoną lasem.
Myślę, że poniższe zasady rysowania mogą pomóc ci rozwinąć umiejętności, ale czasami możesz odnieść wrażenie, że próbują cię ograniczyć. Próbując spełnić szeroki wachlarz kryteriów artystycznych – takich jak projekt postaci, przemyślane kompozycje i efektowna kolorystyka – możesz zwolnić, ale szybka praca nie zawsze jest dobra, pamiętaj o tym.
Wierzę, że najlepszą drogą na szczyt jest nauczenie się odczuwania i robienia rzeczy instynktownie. Dzięki praktyce dostrzeganie rzeczy, które są na obrazie i identyfikowanie tych elementów, które nadal wymagają pracy, staje się drugą naturą, wypełniając podświadomość podczas pracy.
W miarę praktyki dostrzeganie rzeczy wymagających poprawy staje się drugą naturą.
Jedyną rzeczą, którą zrobiłem, zanim zacząłem rysować, było odsunięcie się od wszystkich i zdjęć w mojej głowie, aby moja podświadomość mogła zacząć generować pomysły. Potem całkowicie zanurzyłem się w procesie rysowania.
Wstępne szkice
Nie wiem, jak daleko posunę się z tą ilustracją. Ale wiem, że tego chcę główny bohater była swego rodzaju królową – kimś, kto budził strach i niepokój, gdy patrzyło się jej w oczy.
Zacznę więc od przybliżonego szkicu, aby zorientować się, jaka będzie kompozycja. Chodzi po lesie i obserwuje cię. Cóż, zacznijmy rysować kogoś, kto sprawi, że poczujesz prawdziwy strach i hipnotyzujący horror.
Pięćdziesiąt twarzy Greya
Ważne jest, aby wziąć pod uwagę głębię obrazu i zdecydować się na płaszczyzny: tło z dwoma lub trzema poziomami głębi; główny plan i pierwszy plan twojej postaci.
Zaczynam w mono - jest szybciej i łatwiej będzie coś zmienić. Wybrałam paletę wielu odcieni szarości i dodając rogi i długa sukienka w pełnym wzroście zacząłem określać jej charakter.
Punkt wyjścia
Wszyscy mamy swoje małe słabości. Moje jest takie, że nie mogę się powstrzymać przed narysowaniem twarzy postaci na wczesnych etapach. Często mówi się, że opisywanie poszczególnych elementów oddzielnie nie jest dobrą praktyką, ponieważ w rezultacie traci się ogólny obraz.
Rady bez wątpienia pomocne, ale nie mogę znieść tego, że na twarzy będzie tylko kilka detali, strasznie mam ochotę je dodać. Poświęciłem więc trochę czasu na narysowanie twarzy, korony, rogów i włosów.
Czasami bardzo trudno jest określić w jakich kolorach będzie dana ilustracja. Dlatego mam dla Ciebie małą radę. Brać stary rysunek lub nawet zdjęcie, to nie ma znaczenia. Zduplikuj warstwę obrazu i zastosuj do niej efekt rozmycia gaussowskiego. Następnie zmień Opcje mieszania – Tryb mieszania – Nakładka. I zobacz, czy ta kolorystyka zainspiruje Cię do stworzenia ilustracji do pracy.
Wyszukaj motyw kolorystyczny
Następnie dostosowałem Barwę/Nasycenie i pomalowałem pędzlem w trybie koloru. Kolejną wskazówką jest zastosowanie automatycznych poziomów lub automatycznego kontrastu, a następnie pobawienie się trybami mieszania warstw. Czasami szczęśliwe wypadki zainspirują Cię i pomogą pokonać mur „niekreatywności”.
Dodaj szczegóły
Zaczynam rysować szczegóły postaci, zaczynając od głowy i biustu, zanim przejdę do projektowania ubioru.
Jak powiedziałam, nie mam żadnych pomysłów na sukienkę, po prostu przeglądam duży wybór różnych zdjęć, aby pobudzić moją kreatywność i wymyślić nietypowy projekt sukienki.
Kontrast
Dobrze, jeśli na rysunku jest kontrast. A dokładniej: kontrast kształtów, jasność i kolor. Mój wybór na tę ilustrację to niebieskawe światło, które będzie to wskazywać magiczna moc i kontrolę nad wszystkimi żywymi istotami na tym zdjęciu.
Więcej szczegółów
Teraz, gdy jestem zadowolony z kolorów, mogę sfinalizować jej kostium, dodając detale, takie jak biżuteria, i wprowadzić szereg materiałów, takich jak futro, skóra, metal i brokat, co sprawia, że projekt jest bardziej interesujący.
Chirurgia plastyczna jest Twoim przyjacielem
Pamiętaj o zaletach cyfrowych programów graficznych. Filtr plastikowy programu Photoshop to potężna opcja redakcyjna. Tutaj, na mojej ilustracji, używam go do retuszowania twarzy wróżki, ponieważ uznałem, że jest za długi.
Skończmy z nią
Czas dokończyć ostatnie szczegóły postaci. Dokończyłem jej gorset, pomalowałem czaszkę na lasce, dodałem niebieski blask do jej kostiumu itp.
Teraz czas na urozmaicenie tła odrobiną światła i odrobiną hałasu. Nakrapiane pędzle w trybie Foundation Lightening sprawdzają się u mnie idealnie.
Tworzymy zwierzaki
Chcę, żeby moja mroczna wróżka miała... zwierzęta. Dolna część kompozycji jest trochę luźna, więc tak idealne miejsce, aby narysować stworzenia, które ożywają dzięki jej mrocznej magii.
Nie mam jasnego pomysłu, co zrobię, więc szkicuję go ciemnym pędzlem, a następnie używam pędzla w trybie Color Dodge, aby dodać szczegóły, takie jak oczy i usta, z nadchodzącymi smugami magii z nich.
Menażeria Potworów
Póki co działam instynktownie i jestem całkiem zadowolony z projektu mojego stworzenia. Teraz mogę dodać kolejne. Używam tego samego toku pracy: utwórz mały szkic, a następnie dodaj szczegóły za pomocą pędzla w podstawowym trybie unikania.
Zamazane elementy
Prawie skończyłem tę ilustrację i teraz zastosuję niektóre sztuczki, których nauczyłem się przez lata. Chcę, żeby moja wróżka spojrzała na obserwatora - widza, który ukrywa się w lesie.
Wykończę więc gałęzie mocnymi pociągnięciami pędzla. Nie ma potrzeby rysowania ich szczegółowo. Następnie dodałem do nich efekt Rozmycia Gaussa i gotowe – gotowe!
Ziarno dodaje tekstury
Uwielbiam dodawać tekstury do moich rysunków. Czasami jest to po prostu tekstura papieru utworzona przy użyciu nakładki warstwy. Ale teraz zrobię coś zupełnie innego.
Dodałem neutralną szarą warstwę (Nasycenie - 0, Jasność - 50) i dwukrotnie zastosowałem Filtr>Szum>Dodaj szum (ustawiony na maksimum) i trzy razy Filtr>Rozmycie>Rozmycie. Następnie ustawiłem tę warstwę na Nakładka (Nakładka) i kliknąłem Krycie warstwy, ustawiając ustawienia na 5-6%
Więcej magicznego życia
Zdecydowałem, że zdjęcie jest potrzebne więcej życia. Moim rozwiązaniem jest szybkie narysowanie motyli pierwszoplanowy, ponownie nadaj rysunkowi większą głębię.
Ostatnia sztuczka
Ostatnia wskazówka. Łatwym sposobem na urozmaicenie swojej grafiki jest utworzenie nowej warstwy i wypełnienie jej miękkim pędzlem w kształcie chmurki.
Ustaw kolor bazowy na jasnoszary i użyj miękkiego pędzla w kształcie chmury, aby uzyskać kontrast. Następnie ustaw tę warstwę na tryb mieszania.
Poszedłem za swoją radą i dokończyłem rysunek!
