Muzyka symbolistyczna: Muzyka symbolistyczna? „Sprawa Wagnera” O ile bez dowodów trudno zaakceptować istnienie muzyki symbolistycznej, to nie sposób zaprzeczyć, że niektórzy kompozytorzy byli szczególnie podziwiani przez przedstawicieli symbolika literacka. największy

NOWA MUZYKA TO RÓŻNA MUZYKA Wątpiłem, by ci trzej znali mój repertuar lub by nazwiska takie jak Ades, Turnage, Takemitsu, Kurtag, Lindberg czy Müller-Wieland coś dla nich znaczyły. Ale wciąż wymieniam ich, kompozytorów XX i XXI wieku, którzy tworzą muzykę współczesną. Na

OD ŚREDNIOWIECZA DO WSPÓŁCZESNOŚCI „Aptekarz: Wlej ten proszek do dowolnego płynu i wypij go w całości. Jeśli masz więcej Siły niż dwadzieścia osób, natychmiast zginiesz. W. Szekspir. "Romeo i Julia". FUNDACJA POLSKI I MISKA TRUCINY Legendarny król polski z VIII wieku Leszek zapisał po

OD ŚREDNIOWIECZA DO WSPÓŁCZESNOŚCI Balezin S. Nad wielkimi afrykańskimi jeziorami. - M .: Nauka, 1989. -208 s. Bogdanov A. Pokora według Joachima // Nauka i religia. -1995. - nr 7. Wielka sowiecka encyklopedia: T. 40. - M .: Gosnauchizdat, 1955. - 760 s. Borysow Yu Dyplomacja Ludwika XIV. – M.: Stażysta.

Kultura muzyczna starożytności, średniowiecza i renesansu Muzyka starożytności Najwcześniejszym historycznym etapem rozwoju europejskiej kultury muzycznej jest muzyka starożytna, której tradycje wywodzą się z bardziej starożytnych kultur średniowiecza.

średniowieczni muzycy. Rękopis XIII wieku Muzyka średniowiecza Okres rozwoju kultury muzycznej, obejmujący okres od około V do XIV wieku n.e. ... Wikipedia

Obejmuje różnorodne żywe i historyczne gatunki muzyki ludowej, popularnej, popowej i klasycznej. Indyjska muzyka klasyczna, reprezentowana przez tradycje Karnataka i Hindustani, sięga czasów Sama Wedy i jest opisywana jako złożona i różnorodna ... Wikipedia

Grupa muzyków w muzyce francuskiej Montmartre to jedna z najciekawszych i najbardziej wpływowych europejskich kultur muzycznych, która swoje początki czerpie z... Wikipedii

Spis treści 1 Muzyka ludowa 2 Muzyka klasyczna, opera i balet 3 Muzyka popularna ... Wikipedia

Ten artykuł jest o styl muzyczny. Aby zapoznać się z grupą poglądów filozoficznych, zobacz artykuł New Age Zobacz także kategorię: Muzyka New Age New Age (new age) Kierunek: muzyka elektroniczna Pochodzenie: jazz, etniczność, minimalizm, muzyka klasyczna, muzyka konkretna ... Wikipedia

I Muzyka (z greckiego musike, dosłownie sztuka muz) to rodzaj sztuki, która odzwierciedla rzeczywistość i oddziałuje na człowieka poprzez znaczące i specjalnie zorganizowane sekwencje dźwiękowe, składające się głównie z tonów... ... Wielka radziecka encyklopedia

- (gr. moysikn, od mousa muza) rodzaj garnituru, który odzwierciedla rzeczywistość i wpływa na osobę poprzez sekwencje dźwiękowe, które są znaczące i specjalnie zorganizowane na wysokości i czasie, składające się głównie z tonów ... ... Encyklopedia muzyczna

Seria artykułów o Chorwatach ... Wikipedia

Muzyka belgijska czerpie swoje korzenie z tradycji muzycznych Flamandów, którzy zamieszkiwali północ kraju, oraz z tradycji Walonów, którzy żyli na południu i byli pod wpływem tradycji francuskich. Formacja muzyki belgijskiej przebiegała w złożonym historycznym ... ... Wikipedii

Książki

• Ilustrowana historia sztuki. Architektura, rzeźba, malarstwo, muzyka, Lyubke V. Dożywotnia edycja. Petersburg, 1884. Wydanie A.S. Suvorin. Edycja z 134 rysunkami. Oprawa właścicielska ze skórzanym grzbietem i rogami. Bandaż kręgosłupa. Bezpieczeństwo jest dobre.…
• Ilustrowana historia sztuki. Architektura, rzeźba, malarstwo, muzyka (dla szkół, samokształcenie i informacja), Lübke. Wydanie życia. Petersburg, 1884. Wydanie A.S. Suvorin. Książka z 134 rysunkami. Okładka typograficzna. Bezpieczeństwo jest dobre. Małe łzy na okładce. Bogato ilustrowane…

KULTURA MUZYCZNA ANTYKU, ŚREDNIOWIECZA, RENESANSU

ANTYK

Kultura muzyczna starożytnej Grecji stanowi pierwszy historyczny etap rozwoju kultury muzycznej Europy. Jest to jednak najwyższy wyraz kultury świat starożytny i odkrywa niewątpliwe powiązania z bardziej starożytnymi kulturami Bliskiego Wschodu - Egiptem, Syrią, Palestyną. Jednak przy wszystkich historycznych powiązaniach tego rodzaju kultura muzyczna starożytnej Grecji bynajmniej nie powtarza drogi przebytej przez inne kraje: ma swój niepowtarzalny wygląd, swoje niepodważalne osiągnięcia, które częściowo przekazuje Europejskie średniowiecze a potem – w większym stopniu – renesans.

W przeciwieństwie do innych form sztuki, muzyka świat starożytny nie pozostawili w historii równoważnego im dziedzictwa twórczego. Na przestrzeni ośmiu wieków – od V wieku p.n.e. na 111 wiek n.e. e.-rozproszono tylko jedenaście próbek starożytnej muzyki greckiej, które zachowały się w ówczesnym zapisie. To prawda, to pierwsze nagrania melodii w Europie, które do nas dotarły.

Najważniejsza własność kultura starożytnej Grecji, poza którą nie była prawie postrzegana przez współczesnych, a zatem nie będziemy w stanie zrozumieć, jest istnieniem muzyki w synkretycznej jedności z innymi sztukami - na wczesnym etapie lub w syntezie z nimi - w rozkwitu. Muzyka jest nierozerwalnie związana z poezją (stąd - teksty), muzyka jako nieodzowny uczestnik tragedii, muzyka i taniec - to charakterystyczne zjawiska starożytnej Grecji życie artystyczne. Na przykład Platon bardzo krytycznie odnosił się do muzyki instrumentalnej, niezależnej od tańca i śpiewu, argumentując, że nadaje się ona tylko do szybkiego, bez wahania chodzenia i przedstawiania płaczu zwierzęcia:

„Użycie osobnej gry na flecie i citharze zawiera coś bardzo niesmacznego i godnego tylko iluzjonisty”. Początki tragedii greckiej, sztuki wysokiej i złożonej, wywodzą się z mitologii, z działań magicznych, z wierzeń ludu. Początki starożytnych mitów greckich o wielkich muzykach - Orfeuszu, Olimpu, Marsjaszu - sięgają również czasów starożytnych.

Ważnych informacji o wczesnej kulturze muzycznej w Grecji dostarcza epos homerycki, sam związany z występami muzycznymi: Iliada, Odyseja.

Wraz z występ solowy epickie dzieła w XI-VI wieku znane są również specjalne gatunki chóralne. Pieśni na Krecie łączono z ruchami plastycznymi, z tańcem (hyporcheme); gatunki chóralne z VII wieku były szeroko uprawiane w Sparcie. Wiadomo, że Spartanie dali muzyce wielki stan, wartość edukacyjna. Nauczanie sztuki muzycznej nie miało dla nich charakteru zawodowego, lecz stanowiło po prostu część ogólnego kształcenia młodzieży. Stąd wyrosła teoria etosu, uzasadniona przez myślicieli greckich.

Z imionami Archilocha Jońskiego (VII w.) i największymi „przedstawicielami lesbijskiej szkoły Alkajosa i Safony” kojarzy się nowy kierunek w sztuce muzycznej i poetyckiej starożytnej Grecji, który stawia właściwe wątki i obrazy liryczne. Przełom I i VI w. Można by sądzić, że wraz ze wzmocnieniem się faktycznego początku lirycznego wzrastał i rola melodii w ich utworach, samo słowo „liryka” wywodzi się z liry.

Poezja liryczna VI wieku reprezentowana jest przez kilka odmian gatunkowych: elegie, hymny, pieśni weselne.

Klasyczny wiek tragedii to V wiek p.n.e. t. .: dzieło największych tragików Ajschylosa (ok. 525-456), Sofoklesa (ok. 496-, Eurypidesa (ok. 480-406). Był to czas największego rozkwitu greckiej kultury artystycznej, wiek Fidiasz i Polikletos, takie pomniki architektura klasyczna jak Partenon w Atenach, najlepszy wiek w sztuce całego starożytnego świata. Przedstawienia tragedii uważano za uroczystości publiczne i w granicach społeczeństwa niewolniczego miały stosunkowo szeroki demokratyczny charakter: w teatrze uczestniczyli wszyscy obywatele, którzy nawet otrzymywali z tego tytułu świadczenia państwowe. Chór – rzecznik powszechnej moralności – reprezentował lud na tragicznej scenie i przemawiał w jego imieniu.

Dramaturg był zarówno poetą, jak i muzykiem; wszystko robił sam. Na przykład Ajschylos sam brał udział w wystawianiu swoich sztuk. Później funkcje poety, muzyka, aktora, reżysera były coraz bardziej podzielone. Aktorzy byli także śpiewakami. Śpiew chóru połączono z ruchami plastycznymi.

W Epoka hellenistyczna sztuka już nie wyrasta działalność artystyczna obywateli: jest całkowicie sprofesjonalizowany.

Wszystko, co napisano w starożytnej Grecji na temat sztuki muzycznej, a co można z całą pewnością ocenić na podstawie wielu zachowanych materiałów, opierało się na wyobrażeniach o melodii (związanych głównie z poetyckie słowo). Wynika to nie tylko z treści specjalnych prac teoretycznych, ale także z bardziej ogólnych wypowiedzi etyczno-estetycznych największych myślicieli greckich. W ten sposób w pełni potwierdza się zasada monofonii, która jest całkowicie charakterystyczna dla starożytnej greckiej sztuki muzycznej.

Wśród starożytnych sądów o sztuce muzycznej największe zainteresowanie budzi tzw. doktryna etosu, wysunięta przez Platona, rozwinięta i pogłębiona przez Arystotelesa. Starożytna tradycja łączy ujednolicenie zagadnień polityki i muzyki z imieniem Domona z Aten, nauczyciela Sokratesa i przyjaciela Peryklesa. Od niego jakby Platon przejął ideę dobroczynnego wpływu muzyki na edukację godnych obywateli, rozwiniętą przez niego w książkach „Państwo” i „Prawa”. Platon przypisuje w idealnym stanie pierwszą (między innymi sztuką) rolę muzyki w wychowaniu młodego człowieka na człowieka odważnego, mądrego, cnotliwego i zrównoważonego, czyli idealnego obywatela. Jednocześnie Platon z jednej strony łączy oddziaływanie muzyki z oddziaływaniem gimnastyki („piękne ruchy ciała”), z drugiej zaś twierdzi, że melodia i rytm przede wszystkim chwytają duszę i zachęcają osoba, która naśladuje te przykłady piękna, które daje mu sztuka muzyczna.

„Następnie analizując, co dokładnie jest piękne w pieśni, Platon stwierdza, że ​​należy to oceniać słowami, trybem i rytmem. Zgodnie z ideami swoich czasów odrzuca wszystkie tryby, które są żałosne i relaksujące w naturze, i wzywa tylko Dorian i Frygian zasługują na wzniosłe cele wychowania młodego wojownika. Tak samo filozof rozpoznaje wśród instrumentów muzycznych tylko cytarę i lirę, zaprzeczając etycznym wartościom wszystkich innych. Tak więc nosiciel etosu z punktu z punktu widzenia Platona, nie jest dziełem sztuki, nie jego obrazowością, ani nawet systemem środków wyrazowych, a jedynie trybem lub barwą instrumentu, któremu przypisuje się niejako pewną jakość etyczną.

Arystoteles ocenia cel muzyki znacznie szerzej, argumentując, że powinna ona służyć nie jednemu, ale kilku celom i być wykorzystywana z pożytkiem: … Z tego wynika jasno – kontynuuje Arystoteles – że chociaż można używać wszystkich trybów, nie powinieneś ich używać w ten sam sposób.

„Rytm i melodia zawierają te najbliższe rzeczywistość przejawy gniewu i łagodności, odwagi i umiarkowania oraz wszystkich przeciwstawnych im właściwości, a także innych cech moralnych. Z doświadczenia wynika to jasno: kiedy postrzegamy rytm i melodię uszami, zmienia się również nasz duchowy nastrój. Nawyk przeżywania smutnego lub radosnego nastroju przy postrzeganiu czegoś, co naśladuje rzeczywistość, prowadzi do tego, że zaczynamy doświadczać tych samych uczuć w konfrontacji z [światową] prawdą” 3 . I wreszcie Arystoteles. dochodzi do następującego wniosku: „... Muzyka może wywierać pewien wpływ na etyczną stronę duszy; a skoro muzyka ma takie właściwości, to oczywiście należy ją uwzględnić w liczbie przedmiotów kształcenia młodzieży.

Filozofowi i matematykowi Pitagorasowi (VI wpne) od dawna przypisywano wagę pierwszego z greckich myślicieli, którzy pisali o muzyce. Przypisuje mu się początkowy rozwój nauki o interwały muzyczne(współbrzmienia i dysonanse) na podstawie czysto matematycznych relacji uzyskanych przez podzielenie struny. Ogólnie rzecz biorąc, liczby i proporcje pitagorejczyków są wzorowane na starożytnych. kultury orientalne(przede wszystkim Egipt) - przywiązywali znaczenie magiczne, wywodząc z nich w szczególności magiczne właściwości lecznicze muzyki. Wreszcie, poprzez abstrakcyjne konstrukcje spekulatywne, pitagorejczycy doszli do idei tzw. „harmonii sfer”, wierząc, że ciała niebieskie, będąc w określonych proporcjach liczbowych („harmonicznych”), powinny brzmieć i wytwarzać „niebiańskie”. harmonia” podczas ruchu.

Jeśli chodzi o doktrynę etosu, to późniejsi neoplatonicy, zwłaszcza Plotyn (III w.), przemyślili ją w duchu religijno-mistycznym, pozbawiając ją obywatelskiego patosu, który niegdyś był z nią tkwiący w Grecji. Stąd już ciągną się wątki bezpośrednie do estetycznych poglądów średniowiecza. Schyłek kultury antycznej w epoce upadku systemu niewolniczego tylko przyczynia się do pomyślnego rozwoju sztuki chrześcijańskiej, która pod wieloma względami sprzeciwia się estetyce i praktyce muzycznej Rzymu w poprzednich wiekach. Nie sposób też zanegować pewnych związków między dziedzictwem starożytności a rozwojem myśli estetycznej późniejszego czasu, ukształtowanej na przełomie obu epok.

KULTURA MUZYCZNA ŚREDNIOWIECZA

W rozwoju kultury muzycznej Europy Zachodniej trudno jest rozpatrywać długi i szeroki okres historyczny średniowiecza jako jeden okres, nawet jako jedną wielką epokę ze wspólnymi ramy chronologiczne. Pierwszy, początek średniowiecza – po upadku Cesarstwa Zachodniorzymskiego w 476 r. – jest zwykle określany jako VI wiek. Tymczasem jedynym obszarem sztuki muzycznej, który pozostawił zabytki pisane, była do XII wieku tylko muzyka kościoła chrześcijańskiego. Cały unikalny kompleks zjawisk z nim związanych powstał na podstawie długich przygotowań historycznych, począwszy od II wieku, i obejmował odległe źródła, wykraczające poza Europę Zachodnią na Wschód - do Palestyny, Syrii, Aleksandrii. Ponadto kościelna kultura muzyczna średniowiecza w taki czy inny sposób nie ominęła dziedzictwa starożytnej Grecji i starożytny Rzym, chociaż „ojcowie kościoła”, a później teoretycy piszący o muzyce, pod wieloma względami przeciwstawiali sztukę kościoła chrześcijańskiego pogańskiemu światu sztuki starożytności.

Drugi najważniejszy kamień milowy, wyznaczający przejście od średniowiecza do renesansu, nie odbywa się jednocześnie w Europie Zachodniej: we Włoszech - w XV w., we Francji - w XVI; w innych krajach walka między tendencjami średniowiecznymi a renesansowymi toczy się w inny czas. Do renesansu wszyscy zbliżają się z różne dziedzictwoŚredniowiecze, z wyłaniającymi się własnymi wnioskami z ogromnego doświadczenia historycznego. Ułatwił to w dużej mierze znaczący przełom w rozwoju kultury artystycznej średniowiecza, który nastąpił w XI-XII wieku i był spowodowany nowymi procesami społeczno-historycznymi (rozrost miast, krucjaty, promocja nowe warstwy społeczne, pierwsze silne ośrodki kultury świeckiej itp.).

Jednak przy całej względności lub mobilności aspektów chronologicznych, z nieuniknionymi genetycznymi powiązaniami z przeszłością i nierównym przejściem w przyszłość, kultura muzyczna zachodnioeuropejskiego średniowiecza charakteryzuje się znaczącymi zjawiskami i procesami, które są charakterystyczne tylko dla niej i są nie do pomyślenia w innych warunkach i innych czasach. Jest to, po pierwsze, ruch i istnienie w Europie Zachodniej wielu plemion i ludów na różnych etapach rozwoju historycznego, wielość dróg i różnych systemów politycznych, a wraz z tym uporczywe pragnienie Kościoła katolickiego zjednoczenia całego ogromnego , burzliwy, wielostronny świat, nie tylko potoczna doktryna ideologiczna, ale także ogólne zasady kultura muzyczna. To, po drugie, jest nieuniknioną dwoistością kultury muzycznej w średniowieczu: sztuka kościelna niezmiennie przeciwstawiała swoje kanony różnorodności muzyki ludowej w całej Europie. W I-XIII w. rodziły się już nowe formy świeckiej twórczości muzycznej i poetyckiej, a muzyka kościelna uległa w znacznym stopniu przemianom. Ale te nowe procesy zachodziły już w warunkach rozwiniętego feudalizmu.

Jak wiesz, znak specjalny kultura średniowieczna, średniowieczna edukacja, sztuka średniowieczna jest w dużej mierze zdeterminowana zależnością od kościoła chrześcijańskiego.

Muzyka kościoła chrześcijańskiego ukształtowała się już w swoich pierwotnych formach uwarunkowania historyczne wysoka potęga Cesarstwa Rzymskiego. Wiara w życie pozagrobowe, w najwyższą nagrodę za wszystko, co uczyniono na ziemi, a także idea pokuty za grzechy ludzkości przez ofiarę Chrystusa ukrzyżowanego, była w stanie urzec masy.

Historyczne przygotowanie chorału gregoriańskiego jako rytualnego śpiewu głównego nurtu kościoła chrześcijańskiego było długie i zróżnicowane.

Pod koniec IV wieku, jak wiadomo, nastąpił podział Cesarstwa Rzymskiego na zachodnie (Rzym) i wschodnie (Bizancjum), których losy historyczne okazały się wówczas inne. W ten sposób Kościoły zachodnie i wschodnie oddzieliły się, ponieważ religia chrześcijańska stała się do tego czasu religią państwową.

Wraz z podziałem Cesarstwa Rzymskiego i powstaniem dwóch ośrodków Kościoła Chrześcijańskiego droga sztuka kościelna, który był w trakcie ostatecznego formowania, w dużej mierze rozdzieliły się także na Zachodzie i Wschodzie.

Rzym przerobił na swój sposób wszystko, co miał Kościół chrześcijański i na tej podstawie stworzył swoją kanonizowaną sztukę - chorał gregoriański.

W rezultacie melodie kościelne, wybrane, kanonizowane, rozprowadzane wewnątrz rok kościelny, opracowany za papieża Grzegorza (przynajmniej z jego inicjatywy). oficjalny kod - - antyfoniczny. Zawarte w nim melodie chóralne noszą nazwę chorał gregoriański i stał się podstawą śpiewu liturgicznego Kościoła katolickiego. Zbiór chorałów gregoriańskich jest ogromny.

Kodeks chorału gregoriańskiego z XI-XII wieku, a następnie renesansu, posłużył jako podstawa do tworzenia kompozycji polifonicznych, w których melodie kultowe otrzymały najbardziej zróżnicowane rozwinięcie.

Im bardziej Kościół rzymski rozszerzał swoją strefę wpływów w Europie, tym dalej szerzył się śpiew gregoriański z Rzymu na północ i zachód.

Reformy zapisu nutowego dokonał włoski muzyk, teoretyk i pedagog Guido d „Arezzo w drugiej ćwierci XI wieku.

Reforma Guido była silna w swojej prostocie i organiczności pierwotnej myśli: narysował cztery linie i umieszczając na nich lub między nimi neumy, nadał im dokładną wartość wysokościową. Kolejną innowacją Guido z Arezzo, w zasadzie również jego wynalazkiem, był wybór konkretnej sześciostopniowej skali. (do-re-mi-fa-sol-la).

Od końca XI w., w XII, a zwłaszcza w XIII w życie muzyczne a twórczość muzyczna wielu krajów Europy Zachodniej pojawiają się - najpierw mniej dostrzegalnie, potem coraz bardziej namacalnie - oznaki nowego ruchu. Od pierwotnych średniowiecznych form kultury muzycznej, rozwój gustów artystycznych i myśli twórczej przechodzi do innych, bardziej progresywnych rodzajów muzykowania, do innych zasad twórczości muzycznej.

W XII-XIII wieku stopniowo powstawały historyczne przesłanki nie tylko do tworzenia nowych trendów twórczych, ale także do ich dobrze znanej dystrybucji w całej Europie Zachodniej. Tak więc średniowieczna powieść lub opowieść, która rozwinęła się ziemia francuska w XII - XIII wieku nie pozostały tylko zjawiska francuskie. Wraz z powieścią o Tristanie i Izoldzie oraz opowieścią o Aucassin i Nicolette do historii literatury weszli Parsifal i Biedny Heinrich. Nowy, Styl gotycki w architekturze, reprezentowanej przez klasyczne przykłady we Francji (katedry w Paryżu, Chartres, Reims), znalazło wyraz także w języku niemieckim i czeskie miasta, w Anglii itp.

Pierwszy rozkwit świeckich tekstów muzycznych i poetyckich, który rozpoczął się w Prowansji od XII wieku, następnie opanował północną Francję, odbił się echem w Hiszpanii, a później znalazł wyraz w niemieckim minnesangu. Przy całej oryginalności każdego z tych nurtów i ich ujawniła się także nowa prawidłowość, charakterystyczna dla epoki w jej dużej skali. W ten sam sposób pojawienie się i rozwój polifonii w jej profesjonalnych formach – być może najważniejszej strony muzycznej ewolucji w tamtym czasie – odbywało się przy udziale nie tylko francuskiej szkoły kreatywnej, a tym bardziej nie tylko grupy muzycy z katedry Notre Dame, bez względu na ich zasługi.

Niestety, do pewnego stopnia oceniamy sposoby muzyki średniowiecznej selektywnie. Ze stanu źródeł nie da się prześledzić konkretnych powiązań, na przykład w rozwoju polifonii między jej źródłami na Wyspach Brytyjskich a jej formami na kontynencie, zwłaszcza we wczesnych stadiach.

Średniowieczne miasta stały się w końcu ważnymi ośrodkami kultury. Powstały pierwsze uniwersytety w Europie (Bolonia, Paryż). Rozbudowano budownictwo miejskie, wzniesiono bogate katedry, w których z wielkim rozmachem odprawiano nabożeństwa przy udziale najlepszych śpiewaków chóralnych (kształcono ich w szkołach specjalnych - metrizach - przy dużych kościołach). Charakterystyczna dla średniowiecza duchowość kościelna (a zwłaszcza nauka muzyczna) nie skupiała się już tylko w klasztorach. Nowe formy, nowy styl muzyki kościelnej są niewątpliwie związane z kulturą średniowiecznego miasta. Jeśli zostały one częściowo przygotowane przez wcześniejszą działalność uczonych muzyków-mnichów (takich jak Huqbald z Saint-Amand i Guido z Arezzo), jeśli wczesne przykłady polifonii pochodzą ze szkół klasztornych Francji, w szczególności z klasztorów Chartres i Limoges, to nadal konsekwentny rozwój nowych form polifonii rozpoczyna się w Paryżu w XII-XIII wieku.

Inna, również bardzo znacząca warstwa średniowiecznej kultury muzycznej związana jest początkowo z działalnością, zakresem zainteresowań i swoistą ideologią rycerstwa europejskiego. Krucjaty na Wschód, ogromne przemieszczenia na duże odległości, bitwy, oblężenia miast, konflikty domowe, śmiałe, ryzykowne przygody, podbój obcych ziem, kontakt z różnymi ludami Wschodu, ich obyczaje, sposób życia, kultura, zupełnie niezwykłe wrażenia - wszystko to odcisnęło swoje piętno na nowym światopoglądzie rycerzy krzyżowców. Kiedy część rycerstwa mogła istnieć w sprzyjających pokojowych warunkach, dotychczasową ideę honoru rycerskiego (oczywiście ograniczonego społecznie) połączono z kultem pięknej damy i rycerską służbą dla niej, z ideałem dworu. miłość i związane z nią normy zachowania. Wtedy to się stało wczesny rozwój muzyczna i poetycka sztuka trubadurów, która dała pierwsze w Europie próbki pisanych świeckich tekstów wokalnych.

Nadal istniały inne warstwy kultury muzycznej średniowiecza, związane z życiem ludowym, z działalnością muzyków wędrownych, z nadchodzącymi zmianami w ich środowisku i sposobie życia.

Informacje o wędrownych muzykach ludowych średniowiecza stają się coraz bardziej obfite i konkretne od IX do XIV wieku. Ci żonglerzy, minstrele, szpilmani - jak nazywano ich w różnych czasach iw różnych częściach - przez długi czas byli jedynymi przedstawicielami świeckiej kultury muzycznej swoich czasów i tym samym odgrywali ważną rolę historyczną. W dużej mierze to na podstawie ich praktyki muzycznej, tradycji pieśni powstały wczesne formy liryki świeckiej XII-XIII wieku. Oni, ci wędrowni muzycy, nie rozstawali się z instrumentami muzycznymi, a Kościół albo odrzucał ich udział, albo przyjmował go z wielkim trudem. Oprócz różnych instrumentów dętych (fajki, rogi, piszczałki, flety Pana, dudy), z biegiem czasu harfa (od starożytnych), kret (instrument celtycki), odmiany instrumentów smyczkowych, przodkowie przyszłych skrzypiec - rebab , viela, fidel (ewentualnie ze Wschodu).

Najprawdopodobniej ci średniowieczni aktorzy, muzycy, tancerze, akrobaci (często w jednej osobie), zwani żonglerami lub innymi podobnymi imionami, mieli swoje własne tradycje kulturowe i historyczne sięgające czasów starożytnych. Mogli przejąć - po wielu pokoleniach - dziedzictwo synkretycznej sztuki starożytnych rzymskich aktorów, których potomkowie, zwani histrionami i mimami, długo tułali się, błąkając się po okolicy. średniowieczna Europa. Najstarsi półlegendarni przedstawiciele eposu celtyckiego (bardowie) i niemieckiego eposu mogli też niejako przekazać swoje tradycje żonglerom, którzy choć nie byli w stanie pozostać im wiernymi, to jednak nauczyli się od nich czegoś dla siebie. W każdym razie w IX wieku, kiedy poprzednie wzmianki o histrionach i mimach zostały już zastąpione relacjami o żonglerach, ci ostatni byli znani po części i jako wykonawcy eposu. Przemieszczając się z miejsca na miejsce, żonglerzy występują na festynach na dworach (gdzie gromadzą się w określonych terminach), na zamkach, na wsiach, a czasem nawet są wpuszczani do kościoła. W wierszach, powieściach i pieśniach średniowiecza niejednokrotnie wspomina się o udziale żonglerów w świątecznej zabawie, w organizowaniu wszelkiego rodzaju widowisk plenerowych. Dopóki przedstawienia te, aranżowane w wielkie święta w świątyniach lub na cmentarzach, wykonywane były wyłącznie po łacinie, mogli w nich brać udział uczniowie szkół zakonnych i młodzi duchowni. Ale w XIII wieku łacina została zastąpiona lokalnymi językami ludowymi - a potem wędrowni muzycy, twierdzący, że odgrywają komiczne role i epizody w duchowych przedstawieniach, jakoś zdołali przebić się do liczby aktorów, a następnie odnieść sukces swoimi żartami od widzów i słuchaczy. Tak było na przykład w katedrach w Strasburgu, Rouen, Reims, Cambrai. Wśród „opowieści” prezentowanych w święta znalazły się „akty” bożonarodzeniowe i wielkanocne, „Lamentacje Maryi”, „Historia panien mądrych i panien głupich” itp. Niemal wszędzie na przedstawieniach, aby zadowolić swoich gości, jeden lub więcej innych epizodów komicznych związanych z udziałem sił zła lub przygód i uwag sług. Tu otwiera się przestrzeń dla aktorskich zdolności muzycznych żonglerów z ich tradycyjną bufonadą.

Wielu minstreli odegrało szczególną rolę, kiedy podjęli współpracę z trubadurami, towarzysząc wszędzie swoim rycerskim patronom, uczestnicząc w wykonywaniu ich pieśni, łącząc nowe formy sztuki.

W rezultacie samo środowisko „ludzi wędrujących”, żonglerów, stadnin, minstreli, ulegające z biegiem czasu znacznym przeobrażeniom, wcale nie pozostało zunifikowane w swoim składzie. Sprzyjał temu także napływ nowych sił – piśmiennych, ale które utraciły stabilną pozycję w społeczeństwie, czyli w istocie zdeklasowanych przegranych od drobnego duchowieństwa, wędrownych uczonych, zbiegłych mnichów. Pojawiając się w szeregach wędrownych aktorów i muzyków w XI-XII wieku we Francji (a następnie w innych krajach), otrzymali imiona włóczęgów i goliardów. Wraz z nimi nowe pomysły życiowe i nawyki, umiejętność czytania i pisania, a czasem nawet dobrze znana erudycja, schodziły na pokłady żonglerki.

Od końca XIII wieku w różnych ośrodkach europejskich powstawały stowarzyszenia cechowe spielmanów, kuglarzy i minstreli, aby bronić ich praw, określać ich miejsce w społeczeństwie, pielęgnować tradycje zawodowe i przekazywać je uczniom. W 1288 roku Bractwo Św. Mikołaja”, która zjednoczyła muzyków, w 1321 r. „Bractwo św. Julien” w Paryżu była organizacją cechową lokalnych minstreli. Następnie w Anglii utworzono gildię „królewskich minstreli”. To przejście na tryb życia cechowego w istocie zakończyło historię średniowiecznej żonglerki. Ale muzycy wędrowni są dalecy od pełnego osiedlenia się w swoich bractwach, cechach, warsztatach. Ich wędrówki trwały w XIV, XV i XVI wieku, obejmując rozległe terytorium i ostatecznie tworząc nowe muzyczne i domowe więzi między odległymi regionami.

TRUBADURZY, TRUWERY, MINNESINGERSI

Sztuka trubadurów, która powstała w Prowansji w XII wieku, była w istocie dopiero początkiem szczególnego ruchu twórczego, charakterystycznego dla swoich czasów i prawie całkowicie związanego z rozwojem nowych, świeckich form twórczości artystycznej. Sprzyjał wtedy w Prowansji wczesny rozkwit świeckiej kultury artystycznej: stosunkowo mniejsze ruiny i katastrofy w przeszłości, podczas wędrówek ludów, stare tradycje rzemieślnicze i dawno zachowane stosunki handlowe. W takich historycznych warunkach rozwinęła się kultura rycerska.

Swoisty proces rozwoju wczesnej sztuki świeckiej, który rodzi się z artystycznej inicjatywy rycerstwa prowansalskiego, żywi się w dużej mierze melodycznymi źródłami pieśni ludowych i rozprzestrzenia się wśród szerszego kręgu obywateli, ewoluując odpowiednio w zakresie wątków figuratywnych. zawartość.

Sztuka trubadurów rozwijała się przez prawie dwa stulecia od końca XI wieku. W drugiej połowie XII wieku nazwiska truwerów znane były już jako poeci-muzycy na północy Francji, w Szampanii, w Arras. W XIII wieku działalność truwerów nasila się, a sztuka prowansalskich trubadurów dopełnia swoją historię.

Trouvers do pewnego stopnia odziedziczyli twórczą tradycję trubadurów, ale jednocześnie ich twórczość była wyraźniej związana nie z kulturą rycerską, ale z kulturą miejską swoich czasów. Wśród trubadurów byli jednak przedstawiciele różnych kręgów społecznych. Tak więc pierwszymi trubadurami byli: Guillaume VII, hrabia Poitiers, książę Akwitanii (1071 - 1127) - i biedny Gascon Markabrun.

Prowansalscy trubadurzy, jak wiadomo, zwykle współpracowali z podróżującymi z nimi żonglerami, śpiewali pieśni lub akompaniowali śpiewowi, niejako łącząc jednocześnie obowiązki służącego i pomocnika. Trubadur pełnił rolę mecenasa, autora utworu muzycznego, a żongler był wykonawcą.

W twórczości muzycznej i poetyckiej trubadurów wyróżniało się kilka charakterystycznych odmian gatunkowych pieśni poematowej: alba (pieśń o świcie), pasterska, sirventa, pieśni krzyżowców, pieśni dialogowe, lamenty, pieśni taneczne. To wyliczenie nie jest ścisłą klasyfikacją. teksty miłosne ucieleśnione w albach, na pastwiskach i w tanecznych pieśniach.

Sirventa - oznaczenie nie jest zbyt jednoznaczne. Zresztą to nie jest piosenka liryczna. Brzmiąca w imieniu rycerza, wojownika, odważnego trubadura, może być satyryczna, oskarżycielska, skierowana do całej klasy, do pewnych rówieśników czy wydarzeń. Później powstały gatunki ballad i ronda.

Jak można sądzić na podstawie materiału z badań specjalnych, sztuka trubadurów ostatecznie nie jest odizolowana ani od tradycji przeszłości, ani od innych współczesnych form twórczości muzycznej i poetyckiej.

Sztuka trubadurów była ważnym łącznikiem między pierwszymi formami liryki muzycznej i poetyckiej w Europie Zachodniej, między tradycją muzyczną i codzienną a wysoce profesjonalnymi obszarami twórczości muzycznej w XIII wieku. XIV wiek. Sami późniejsi przedstawiciele tej sztuki skłaniali się już ku muzycznej profesjonalizacji, opanowując podstawy nowej umiejętności muzycznej.

Taki Adam de la Al ( 1237-1238 - 1287), jeden z ostatnich truwerów, rodem z Arras, francuski poeta, kompozytor, dramaturg drugiej połowy XIII wieku. Od 1271 r. służył na dworze hrabiego Roberta d „Artois, z którym w 1282 r. udał się do Karola Andegaweńskiego, króla Sycylii, w Neapolu. Podczas pobytu w Neapolu odbyła się „Gra w Robina i Marion” powstał - największy i znacząca praca poeta-kompozytor.

Takie prace są prehistorią narodzin Francuzów komedia muzycznaХУ111c. i operetki z XIX wieku.

Próbki sztuki trubadurów trafiają do Niemiec w XII-XIII wieku, przyciągając tam zainteresowanie; teksty są tłumaczone na Niemiecki, nawet melodie są czasami opatrzone nowymi słowami. Rozwój niemieckiego górnictwa od drugiej połowy XII wieku (aż do samego początku XV wieku) jako artystycznego wcielenia tutejszej kultury rycerskiej sprawia, że ​​to zainteresowanie twórczością muzyczną i poetycką francuskich trubadurów jest całkiem zrozumiałe - zwłaszcza wśród wczesnych minnesingerów.

Sztuka minnesingerów rozwinęła się prawie sto lat później niż sztuka trubadurów, w nieco innej sytuacji historycznej, w kraju, w którym początkowo nie było tak solidnych podstaw do budowania nowego, czysto świeckiego światopoglądu.

Największym przedstawicielem minnesangu był Walther von der Vogelweide, poeta i autor Parsifala Wolfram von Eschenbach. Tak więc legenda leżąca u podstaw Tannhäusera Wagnera opiera się na faktach historycznych.

Jednak działalność niemieckich minnesingerów bynajmniej nie ograniczała się do służby i występów na dworach: to najwybitniejsi z nich spędzili znaczną część swojego życia w dalekich wędrówkach.

Sztuka minnesangu nie jest więc tak monotonna: łączy różne nurty, a strona melodyczna jest generalnie bardziej progresywna niż strona poetycka. Różnorodność gatunkowa pieśni wśród Minnesingerów jest pod wieloma względami podobna do pieśni uprawianych przez prowansalskich trubadurów: pieśni krzyżowców, pieśni miłosno-liryczne różnego rodzaju, melodie taneczne.

Muzyka duchowa późnego średniowiecza kontynuuje swój rozwój. Polifoniczna prezentacja muzyczna została szeroko rozwinięta.

Rozwój pisma polifonicznego, charakterystycznego początkowo dla sztuki kościelnej, doprowadził także do powstania nowych gatunków muzycznych, zarówno duchowych, jak i świeckich. Najpopularniejszym gatunkiem polifonii jest motet.

Motet, który miał bardzo wspaniałą przyszłość, rozwijał się bardzo intensywnie w XIII wieku. Jej początki sięgają poprzedniego stulecia, kiedy powstała w związku z twórczą działalnością szkoły Notre Dame i początkowo miała cel liturgiczny.

Motet z XIII wieku to utwór polifoniczny (najczęściej trzygłosowy) małej lub średniej wielkości. funkcja gatunku Motet był początkowym oparciem się na gotowym wzorcu melodycznym (z melodii kościelnych, ze świeckich pieśni), na który nakładano inne głosy o innym charakterze, a czasem nawet o innym pochodzeniu. Okazało się w rezultacie połączenie różnych melodii z różnymi tekstami.

Instrumenty (wilele, psałterium, organy) mogły uczestniczyć w wykonaniu niektórych motetów. Wreszcie w XIII wieku rozpowszechniła się swoista forma codziennej polifonii, która otrzymała nazwy rondel, company, ru (koło). Jest to kanon komiczny, znany również średniowiecznym spiermenom.

Pod koniec XIII wieku sztuka muzyczna Francji w dużej mierze nadała ton Europie Zachodniej. Kultura muzyczna i poetycka trubadurów i truwerów, a także ważne etapy rozwoju polifonii, częściowo wpłynęły na sztukę muzyczną innych krajów. W historii muzyki XIII wiek (od ok. 1230) otrzymał oznaczenie „Ars antiqua” („sztuka dawna”).

ARS NOVA WE FRANCJI. GUILLAUME MASZOT

Około 1320 r. powstało w Paryżu dzieło muzyczno-teoretyczne Philippe de Vitry pod tytułem Ars nova. Te słowa - "Nowa Sztuka" - okazały się uskrzydlone: ​​dały początek definicji "epoki Ars nova", która nadal jest powszechnie przypisywana francuskiej muzyce XIV wieku. Wyrażenia „nowa sztuka”, „nowa szkoła”, „nowi śpiewacy” były często spotykane w czasach Philippe de Vitry, nie tylko w prace teoretyczne. Niezależnie od tego, czy teoretycy popierali nowe nurty, czy je potępiali, czy papież je potępiał, wszędzie oznaczały one coś nowego w rozwoju sztuki muzycznej, czego nie było przed pojawieniem się rozwiniętych form polifonii.

Największy przedstawiciel Ars nova we Francji był Guillaume de Machaux- słynny poeta i kompozytor swoich czasów, którego dorobek twórczy jest również badany w historii literatury.

Jakkolwiek skomplikowany był dalszy rozwój form polifonicznych w XIV wieku, linia sztuki muzycznej i poetyckiej, wywodząca się od trubadurów i truwerów, nie zgubiła się całkowicie w atmosferze francuskiej Ars nova. Jeśli Philippe de Vitry był przede wszystkim uczonym muzykiem, a Guillaume de Machaux stał się… mistrz poetów francuskich, to jednak obaj byli poetami-muzykami, to znaczy niejako w tym sensie kontynuowali tradycje truwerów z XIII wieku. Nie tak długo bowiem oddziela twórczą działalność Philippe'a de Vitry, który zaczął komponować muzykę około 1313-1314, a nawet działalność Machaux (od 1320-1330) od ostatnich lat twórczego życia Adama de la Halle ( d., w 1286 lub 1287).

Historyczna rola Guillaume ds Machaux jest znacznie ważniejsza. Bez niego nie byłoby Ars nova we Francji. To jego twórczość muzyczna i poetycka, obfita, oryginalna, wielogatunkowa, skupiła główne cechy tej epoki. W jego sztuce niejako zbierane są linie, przechodzące z jednej strony od muzycznej i poetyckiej kultury trubadurów i truwerów w jej wieloletniej pieśniowej podstawie, z drugiej strony od francuskich szkół polifonicznych wieki XI-11.

Niestety do 1323 roku nic nie wiemy o ścieżce życia Masho. Wiadomo tylko, że urodził się około 1300 roku w Masho. Był wysoko wykształconym poetą o szerokiej erudycji i prawdziwym mistrzem swojego warsztatu kompozytorskiego. Z bezsprzecznie wysokimi uzdolnieniami musiał oczywiście otrzymać gruntowne przygotowanie literackie i aktywność muzyczna Pierwsza data związana z faktem biografii Masza to lata 1322 - 1323, kiedy rozpoczął służbę na dworze króla Jana Luksemburczyka (najpierw jako urzędnik, potem jako sekretarz królewski). Przez ponad dwadzieścia lat Masho przebywał na dworze króla czeskiego, czasem w Pradze, czasem stale uczestnicząc w jego kampaniach, podróżach, uroczystościach, polowaniach itp. W orszaku Jana Luksemburskiego miał okazję odwiedzić główne ośrodki Włoch, w Niemczech w Polsce. Najprawdopodobniej wszystko to dało Guillaume de Machaut wiele wrażeń i całkowicie go wzbogaciło. doświadczenie życiowe. Po śmierci króla Czech w 1346 r. służył królom francuskim Janowi Dobremu i Karolowi V, otrzymał kanonika w katedrze Notre Dame w Reims. Przyczyniło się to do jego sławy jako poety. Masho był bardzo ceniony za życia, a po jego śmierci w 1377 roku został uwielbiony przez współczesnych we wspaniałych epitafiach. Machaux miał znaczący wpływ na poezję francuską, stworzył całą szkołę, która charakteryzuje się wypracowanymi przez niego formami liryki poetyckiej.

Skala twórczości muzycznej i poetyckiej Machaux z wielostronnym rozwojem gatunków, niezależność zajmowanych przez niego stanowisk, które miały silny wpływ na francuskich poetów, wysokie umiejętności muzyka - wszystko to czyni go pierwszą tak ważną osobowością w historii sztuki muzycznej.

Dziedzictwo twórcze Masho jest rozległe i różnorodne. Tworzył motety, ballady, ronda, kanony itp.

Po Machaux, kiedy jego nazwisko było bardzo szanowane przez poetów i muzyków, a jego wpływ w taki czy inny sposób odczuwali obaj, nie znalazł on naprawdę wielkich następców wśród kompozytorów francuskich. Wiele się nauczyli z jego doświadczenia jako polifonisty, opanowali jego technikę, nadal kultywowali te same gatunki, co on, ale nieco zmiażdżeni, nadmiernie komplikując szczegóły, ich sztukę.

RENESANS

Trwałe znaczenie renesansu dla kultury i sztuki Europy Zachodniej od dawna zostało uznane przez historyków i stało się powszechnie znane. Muzyka renesansowa jest reprezentowana przez wiele nowych i wpływowych szkół twórczych, chwalebne nazwiska Francesco Landiniego z XIV-wiecznej Florencji, Guillaume Dufay i Johannesa Okeghema w XV wieku, Josquina Despresa na początku XVI wieku oraz galaktykę klasyka surowy styl w wyniku renesansu – Palestrina, Orlando Lasso.

Start we Włoszech Nowa era przyszedł na sztukę muzyczną w XIV wieku. Szkoła holenderska ukształtowała się i osiągnęła swoje pierwsze szczyty w XV wieku, po czym jej rozwój rozszerzył się, a wpływy w ten czy inny sposób zdobyły mistrzów innych szkoły narodowe. Znaki renesansu wyraźnie manifestowały się we Francji w XVI wieku, choć jej osiągnięcia twórcze były wielkie i niepodważalne nawet w poprzednich stuleciach. Do XVI wieku rozwój sztuki w Niemczech, Anglii i niektórych innych krajach znalazł się w orbicie renesansu.

Tak więc w sztuce muzycznej krajów Europy Zachodniej pojawiają się oczywiste, choć z pewnymi nierównościami, cechy renesansu w granicach XIV-XVI wieku. Kultura sztuki Renesans, a zwłaszcza kultura muzyczna, z pewnością nie odwrócił się od najlepszych osiągnięć twórczych późnego średniowiecza. Historyczna złożoność epoki renesansu była zakorzeniona w fakcie, że system feudalny był nadal zachowany niemal w całej Europie, a w rozwoju społeczeństwa nastąpiły znaczące zmiany, które na wiele sposobów przygotowały ofensywę. Nowa era. Wyrażało się to w sferze społeczno-gospodarczej, życie polityczne, w poszerzaniu horyzontów współczesnych - geograficznym, naukowym, artystycznym, w przezwyciężaniu duchowej dyktatury Kościoła, w rozwoju humanizmu, w rozwoju samoświadomości znaczącej osobowości. Ze szczególną jasnością pojawiły się oznaki nowego światopoglądu, które następnie utrwaliły się w twórczości artystycznej, w ruchu postępowym różne sztuki, dla których „rewolucja umysłów” wywołana renesansem była niezwykle ważna.

Nie ulega wątpliwości, że humanizm w swoim „revivalistycznym” rozumieniu wlał w sztukę swoich czasów ogromną świeżą energię, inspirował artystów do poszukiwania nowych tematów, w dużej mierze determinował charakter obrazów i treść ich prac. Dla sztuki muzycznej humanizm oznaczał przede wszystkim pogłębienie uczuć człowieka, rozpoznanie stojącej za nim nowej wartości estetycznej. Przyczyniło się to do identyfikacji i wdrożenia najsilniejszych właściwości muzycznej specyfiki.

Cała epoka jako całość charakteryzuje się wyraźną przewagą gatunków wokalnych, w szczególności polifonii wokalnej. Tylko bardzo powoli, stopniowo muzyka instrumentalna nabiera pewnej samodzielności, ale jej bezpośrednia zależność od form wokalnych i codziennych źródeł (taniec, śpiew) zostanie przezwyciężona dopiero nieco później. Wielki gatunki muzyczne pozostają związane z tekstem słownym.

Wielka droga sztuki muzycznej, przemierzona od XIV do końca XVI wieku, nie była bynajmniej prosta i bezpośrednia, tak jak cała kultura duchowa renesansu nie rozwijała się tylko i wyłącznie wzdłuż wznoszącej się linii prostej. W sztuce muzycznej, jak również w dziedzinach pokrewnych, istniała także własna "linia gotycka" i własne, stabilne i wytrwałe dziedzictwo średniowiecza.

Sztuka muzyczna krajów Europy Zachodniej osiągnęła nową granicę w różnorodności szkół włoskich, holenderskich, francuskich, niemieckich, hiszpańskich, angielskich i innych kreatywnych, a jednocześnie z wyraźnie wyrażonymi ogólnymi trendami. Powstawały już klasyki stylu surowego, postępowała swoista „harmonizacja” polifonii, nasilał się także ruch w kierunku pisarstwa homofonicznego, wzrastała rola indywidualności twórczej artysty, znaczenie muzyki codziennej i jej wpływ na wysokie Umacniał się profesjonalny poziom sztuki, w przenośni wzbogacano i zindywidualizowano świeckie gatunki muzyczne (zwłaszcza madrygał włoski), młoda muzyka instrumentalna zbliżała się do progu niepodległości. XVII wiek wziął to wszystko bezpośrednio z XVI wieku jako spuściznę renesansu.

ARS NOVA WE WŁOSZECH. FRANCJA LANDINI

Włoska sztuka muzyczna XIV wieku (Trecento) w całości daje niesamowite wrażenie świeżości, jakby młodość nowego, dopiero wyłaniającego się stylu. Muzyka Ars jest nowa we Włoszech, po prostu atrakcyjna i silna w swojej czysto włoskiej naturze i w różnicach od sztuki francuskiej tego samego czasu. Ars nova we Włoszech to już początek renesansu, jego znaczący zwiastun. Środek działalność twórcza Nieprzypadkowo Florencja stała się włoską reprezentantką Ars nova, której znaczenie miało ogromne znaczenie zarówno dla nowej literatury o kierunku humanistycznym, jak iw dużej mierze dla sztuk pięknych.

Okres Ars nova obejmuje XIV wiek od około lat 20. do 80. i jest naznaczony pierwszym prawdziwym rozkwitem świeckiej twórczości muzycznej we Włoszech. Włoska Ars novaa charakteryzuje się niepodważalną przewagą kompozycji świeckich nad duchowymi. W większości przypadków są to próbki tekstów muzycznych lub jakieś utwory gatunkowe.

W centrum ruchu Ars nova wznosi się postać Francesco Landiniego, bogato i wszechstronnie uzdolnionego artysty, który wywarł silne wrażenie na zaawansowanych współczesnych.

Landini urodził się w Fiesole koło Florencji w rodzinie malarza. Po chorobie na ospę w dzieciństwie na zawsze stracił wzrok. Według Villaniego wcześnie zajął się muzyką (najpierw śpiewając, a potem grając na smyczkach i organach). Rozwój muzyczny szło z cudowną szybkością i zadziwiało wszystkich wokół. Doskonale studiował projektowanie wielu instrumentów, dokonywał ulepszeń i wymyślał nowe konstrukcje. Na przestrzeni lat Francesco Landini przewyższał wszystkich współczesnych włoskich muzyków.

Szczególnie słynął z gry na organach, za co w obecności Petrarki został ukoronowany laurami w Wenecji w 1364 roku. Współcześni badacze przypisują jego wczesne prace do lat 1365-1370. W latach 80. XVIII wieku sława Landiniego jako kompozytora przyćmiła już sukces wszystkich jego włoskich rówieśników. Landini zmarł we Florencji i został pochowany w kościele San Lorenzo; data na jego nagrobku to 2 września 1397.

Dziś znane są 154 kompozycje Landiniego. Dominują wśród nich ballady.

Kreatywność Landini w istocie dopełnia okres Ars Nova Italy. Nie ulega wątpliwości, że ogólny poziom sztuki Landiniego i jej charakterystyczne cechy nie pozwalają uznać jej za prowincjonalną, prymitywną, czysto hedonistyczną.

W ostatnich dwóch dekadach XI wieku w sztuce muzycznej Włoch zachodzą zmiany, które najpierw naruszają integralność pozycji Ars nova, a następnie prowadzą do końca jego ery. Sztuka XV wieku należy już do nowego okresu historycznego.

Esej na temat „Muzyka”, klasa 7

W średniowieczu ukształtował się w Europie nowy typ kultury muzycznej - feudalny, łączący sztukę profesjonalną, amatorskie muzykowanie i folklor. Ponieważ kościół dominuje we wszystkich dziedzinach życia duchowego, podstawą profesjonalnej sztuki muzycznej jest działalność muzyków w kościołach i klasztorach. Świecką sztukę zawodową reprezentowali początkowo tylko śpiewacy, którzy tworzyli i wykonywali epickie opowieści na dworze, w domach szlachty, wśród wojowników itp. (bardowie, skaldowie itp.). Z czasem rozwinęły się amatorskie i półprofesjonalne formy muzykowania rycerskiego: we Francji sztuka trubadurów i truwerów (Adam de la Halle, XIII w.), w Niemczech minnesingerzy (Wolfram von Eschenbach, Walter von der Vogelweide, XII -XIII wiek), a także miejskich rzemieślników. W feudalnych zamkach i miastach kultywowane są wszelkiego rodzaju gatunki, gatunki i formy pieśni (epicki, „świt”, rondo, ballady itp.).

W codzienność pojawiają się nowe instrumenty muzyczne, w tym te pochodzące ze Wschodu (altówka, lutnia itp.), powstają zespoły (o niestabilnych kompozycjach). Wśród chłopstwa kwitnie folklor. Są też „folk profesjonaliści”: gawędziarze, wędrowni artyści (żonglerzy, mimowie, minstrele, shpilmans, bufony). Muzyka pełni głównie funkcje użytkowe i duchowo-praktyczne. Kreatywność działa w jedności z wydajnością (z reguły - w jednej osobie) iz percepcją. Zbiorowość dominuje zarówno w treści muzyki, jak iw jej formie; indywidualny początek podporządkowuje się generałowi, nie wyróżniając się z niego (muzyk-mistrz jest najlepszym przedstawicielem społeczności). Przez cały czas panuje ścisły tradycjonalizm i kanoniczność. Utrwalaniu, zachowaniu i upowszechnianiu tradycji i norm (ale także ich stopniowemu odnawianiu) sprzyjało przejście od neum, które jedynie w przybliżeniu wskazywały na charakter ruchu melodycznego, do notacji linearnej (Guido d'Arezzo, XI wiek), co umożliwiło dokładne ustalenie wysokości tonów, a następnie ich czasu trwania.

Stopniowo, choć powoli, wzbogaca się treść muzyki, jej gatunki, formy i środki wyrazu. W Europie Zachodniej od VI-VII wieku. W oparciu o tryby diatoniczne (chorał gregoriański) powstaje ściśle uregulowany system monofonicznej (monodycznej) muzyki kościelnej, który łączy recytację (psalmodia) i śpiew (hymny). Na przełomie I i II tysiąclecia rodzi się polifonia. Powstają nowe gatunki wokalne (chór) i wokalno-instrumentalne (chór i organy): organum, motet, dyrygowanie, a następnie msza. We Francji w XII wieku przy katedrze powstała pierwsza szkoła kompozytorska (twórcza) Notre Dame w Paryżu(Leonin, Perotin). Na przełomie Renesansu (styl ars nova we Francji i Włoszech, XIV w.) w muzyce profesjonalnej monofonię zastąpiono polifonią, muzyka zaczęła stopniowo uwalniać się od funkcji czysto praktycznych (służenie obrzędom kościelnym), znaczenie gatunków świeckich , w tym gatunki pieśni (Guillaume de Masho). Wielu muzykologów (m.in. Pierre Aubry) poświęciło swoje prace średniowiecznej muzyce Europy.