Publikacje w dziale Muzea
Starożytna tragedia rzymska, która stała się triumfem Karla Bryulłowa
23 grudnia 1799 roku urodził się Karol Bryulłow. Syn rzeźbiarza Pochodzenie francuskie Paul Brulleau, Karl był jednym z siedmiorga dzieci w rodzinie. Jego bracia Paweł, Iwan i Fedor również zostali malarzami, a brat Aleksander – architektem. Jednak najbardziej znany był Karol, który w 1833 roku namalował „Ostatni dzień Pompejów”, główne dzieło jego życia. „Kultura.RF” przypomniała sobie, jak powstawał ten obraz.
Karol Bryulłow. Autoportret. 1836
Historia stworzenia
Obraz powstał we Włoszech, gdzie w 1822 roku artysta udał się na czteroletni wyjazd emerytalny z Cesarskiej Akademii Sztuk Pięknych. Ale mieszkał tam przez 13 lat.
Fabuła opowiada o starożytnej tragedii rzymskiej - śmierci starożytnego miasta Pompeje, położonego u podnóża Wezuwiusza: 24 sierpnia 79 r. n.e. mi. Erupcja wulkanu pochłonęła życie dwóch tysięcy mieszkańców.
W 1748 roku inżynier wojskowy Rocque de Alcubierre rozpoczął wykopaliska archeologiczne w miejscu tragedii. Odkrycie Pompejów stało się sensacją i znalazło odzwierciedlenie w kreatywności różni ludzie. Tak więc w 1825 r. ukazała się opera Giovanniego Paciniego, a w 1834 r. powieść historyczna Anglik Edward Bulwer-Lytton, oddany zniszczeniu Pompejów.
Bryullov po raz pierwszy odwiedził miejsce wykopalisk w 1827 roku. Wybierając się do ruin, 28-letni artysta nie miał pojęcia, że ta wyprawa okaże się dla niego fatalna: „Nie można przejść przez te ruiny, nie czując w sobie zupełnie nowego uczucia, które sprawi, że zapomnisz o wszystkim oprócz strasznego wydarzenia z tym miastem”.– napisał artysta.
Uczucia, których doświadczył Karl Bryullov podczas wykopalisk, nie opuściły go. Tak narodził się pomysł na płótno temat historyczny. Pracując nad fabułą, malarz studiował archeologię i źródła literackie. „Wziąłem tę scenerię z życia, nie wycofując się ani nie dodając, stojąc tyłem do bram miasta, aby zobaczyć część Wezuwiusza jako główny powód» . Wzorami postaci byli Włosi – potomkowie starożytnych mieszkańców Pompejów.
Na przecięciu klasycyzmu i romantyzmu
W tym dziele Bryullov jawi się nie jako tradycyjny klasycysta, ale jako artysta ruchu romantycznego. Tak, on fabuła historyczna poświęcony nie jednemu bohaterowi, ale tragedii całego narodu. A jako fabułę wybrał nie wyidealizowany obraz lub pomysł, ale prawdziwy fakt historyczny.
To prawda, że Bryullov buduje kompozycję obrazu w tradycji klasycyzmu - jako cykl poszczególnych epizodów zamkniętych w trójkącie.
Po lewej stronie zdjęcia w tle widać kilka osób na schodach duży budynek grobowce Skaurusa. Kobieta patrzy bezpośrednio na widza z przerażeniem w oczach. A za nią artysta z pudełkiem farb na głowie: to autoportret Bryullowa przeżywającego tragedię wraz ze swoimi bohaterami.
Bliżej widza - małżonkowie z dziećmi, która próbuje uciec przed lawą, a na pierwszym planie kobieta tuli swoje córki... Obok niej jest chrześcijański ksiądz, który już zawierzył swój los Bogu i dlatego jest spokojny. W głębi obrazu widzimy pogańskiego księdza rzymskiego, który próbuje uciec, zabierając kosztowności rytualne. Tutaj Bryullov nawiązuje do upadku starożytnego pogańskiego świata Rzymian i początku ery chrześcijańskiej.
Po prawej stronie obrazu, w tle, jeździec na koniu, który stanął dęba. A bliżej widza ogarnięty przerażeniem pan młody, który próbuje trzymać w ramionach narzeczoną (ma na sobie wianek z róż), która straciła przytomność. Na pierwszym planie dwóch synów niesie na rękach starego ojca. A obok nich młody mężczyzna błaga matkę, aby wstała i uciekła dalej od tego pochłaniającego wszystko żywiołu. Swoją drogą ten młody człowiek to nikt inny jak Pliniusz Młodszy, który faktycznie uciekł i zostawił wspomnienia z tragedii. Oto fragment jego listu do Tacyta: „Patrzę wstecz. Ogarnęła nas gęsta czarna mgła, rozprzestrzeniająca się niczym strumień po ziemi. Wszędzie wokół zapadła noc, w przeciwieństwie do nocy bezksiężycowej czy pochmurnej: ciemno robi się tylko w zamkniętym pokoju przy zgaszonym świetle. Słychać było krzyki kobiet, piski dzieci i krzyki mężczyzn; niektórzy wołali do rodziców, inni do dzieci lub żon i próbowali ich rozpoznać po głosach. Niektórzy opłakiwali własną śmierć, inni śmierć bliskich, niektórzy w obawie przed śmiercią modlili się o śmierć; wielu podniosło ręce do bogów; większość wyjaśniała, że bogów nigdzie nie ma i dla świata była to ostatnia wieczna noc”..
Na zdjęciu nie ma głównego bohatera, ale są centralni: złotowłose dziecko przy leżącym na ziemi ciele zmarłej matki w żółtej tunice - symbol upadku starego świata i narodzin nowego, to jest przeciwieństwo życia i śmierci – w najlepsze tradycje romantyzm.
Na tym zdjęciu Bryullov pokazał się także jako innowator, wykorzystując dwa źródła światła - gorące czerwone światło w tle, oddające wrażenie zbliżającej się lawy, oraz zimne zielonkawo-niebieskie światło w tle. pierwszoplanowy, dodając dramatyzmu fabule.
Jasna i bogata kolorystyka tego obrazu narusza także klasyczne tradycje i pozwala mówić o artyście jako o romantyku.
Malowanie procesji triumfalnej
Karl Bryullov pracował na płótnie przez sześć lat – od 1827 do 1833 roku.
Obraz został po raz pierwszy zaprezentowany publiczności w 1833 roku na wystawie w Mediolanie – i od razu wywołał sensację. Artystę uhonorowano rzymskim triumfem, a w prasie pojawiły się pochwalne recenzje obrazu. Bryullowa witano brawami na ulicy, a podczas jego podróży po granicach włoskich księstw nie potrzebowali paszportu: wierzono, że każdy Włoch znał go już z widzenia.
W 1834 roku na Salonie Paryskim zaprezentowano Ostatni dzień Pompejów. Krytyka francuska okazał się bardziej powściągliwy niż włoski. Ale profesjonaliści docenili tę pracę, wręczając Bryullovowi złoty medal Francuskiej Akademii Sztuk.
Płótno wywołało sensację w Europie i było niecierpliwie oczekiwane w Rosji. W tym samym roku został wysłany do Petersburga. Po obejrzeniu obrazu Mikołaj I wyraził chęć osobistego spotkania z autorem, jednak artysta udał się z hrabią Władimirem Davydowem w podróż do Grecji i wrócił do ojczyzny dopiero w grudniu 1835 roku.
11 czerwca 1836 w Sali Okrągłej Akademia Rosyjska gdzie wystawiono obraz „Ostatni dzień Pompejów”, zgromadzili się goście honorowi, członkowie Akademii, artyści i po prostu miłośnicy sztuki. Autor obrazu, „wielki Karol”, został wniesiony do sali na rękach przy entuzjastycznych krzykach gości. „Tłumy gości, można powiedzieć, wdzierały się do sal Akademii, żeby popatrzeć na Pompeje”., pisze współczesny i świadek sukcesu, jakiego nie znał żaden rosyjski artysta.
Klient i właściciel obrazu, Anatolij Demidow, podarował go cesarzowi, a Mikołaj I umieścił go w Ermitażu, gdzie pozostawał przez 60 lat. A w 1897 roku został przeniesiony do Muzeum Rosyjskiego.
Zdjęcie dosłownie podekscytowało wszystko Społeczeństwo rosyjskie I najlepsze umysły ten czas.
Trofea pokojowe sztuki
Przyniosłeś to pod baldachim swojego ojca.
I był „Ostatni dzień Pompejów”
Pierwszy dzień rosyjskiego pędzla! -
o obrazie pisał poeta Jewgienij Boratyński.
Aleksander Puszkin poświęcił jej także wiersze:
Wezuwiusz otworzył usta - dym uniósł się w chmurze, płomienie
Szeroko rozwinięta jako flaga bojowa.
Ziemia jest wzburzona - od chwiejnych kolumn
Idole upadają! Naród napędzany strachem
Pod kamiennym deszczem, pod płonącym popiołem,
Tłumy, stare i młode, wybiegają z miasta.
Michaił Lermontow wspomina także „Ostatni dzień Pompejów” w powieści „Księżniczka Ligowska”: „Jeśli kochasz sztukę, to mogę powiedzieć, że bardzo dobre wieści: Obraz Bryullowa „Ostatni dzień Pompejów” trafia do Petersburga. Wiedziały o niej całe Włochy, Francuzi ją skarcili., - Lermontow wyraźnie wiedział o recenzjach paryskiej prasy.
Rosyjski historyk i podróżnik Aleksander Turgieniew powiedział, że ten obraz był chwałą Rosji i Włoch.
A Mikołaj Gogol poświęcił obrazowi długi artykuł, pisząc: „Jego pędzel zawiera tę poezję, którą tylko czujesz i którą zawsze możesz rozpoznać: nasze uczucia zawsze wiedzą i widzą nawet cechy, ale ich słowa nigdy tego nie powiedzą. Jego kolor jest tak jasny, że prawie nigdy wcześniej nie był, jego kolory płoną i rzucają się w oczy. Byliby nie do zniesienia, gdyby artysta pojawił się na poziomie niższym niż Bryullow, ale wraz z nim odziani są w tę harmonię i oddychają tą wewnętrzną muzyką, którą wypełnione są żywe przedmioty natury”..
Z czasem wiele dzieł sztuki nabiera całego szlaku historii. Dobre czy nie, zupełnie inne, niezwykłe, często przerażające, dodają aury nawet najbardziej niepozornemu obrazowi. Nawiasem mówiąc, takie aury są doskonale widoczne dla specjalistów bioenergetyki i wróżek. Z obrazami kojarzone są także wydarzenia. Niezależnie od tego, czy powstają one w wyniku, czy po prostu zbiegają się w czasie - nie będziemy się spierać. Ale zrobimy krótki przegląd takich dzieł i opowiemy historię obrazów.
Jednym z najbardziej godnych uwagi wśród „potępionych” jest reprodukcja obrazu „Płaczącego chłopca” Hiszpana Giovanniego Bragolina. Wiadomo, że artysta namalował go od własnego syna. Ale opiekunka ze względu na swój wiek nie mogła płakać na zamówienie. Następnie ojciec zabrał się do pracy i doprowadził dziecko do odpowiedniego stanu. Wiedział, że dziecko panicznie boi się ognia. Dlatego ojciec zapalił zapałki i przyłożył je do twarzy chłopca, dziecko zaczęło płakać, a artysta wziął się do pracy.
Bragolin poświęcił nerwy swojego dziecka w imię swojej pasji do rysowania. Co więcej, legenda głosi, że pewnego dnia dziecko nie mogło tego znieść i życzyło ojcu: „Spal się!”, A kilka tygodni później dziecko zmarło na zapalenie płuc. Jego ojciec również go przeżył przez krótki czas; spłonął w swoim domu.
Dalszy ciąg historii miał miejsce w Anglii w roku 1985. W tym czasie w północnej części kraju rozpoczęła się epidemia pożarów. Budynki mieszkalne płoną zupełnie samowolnie, a ludzie umierają.
Ciekawostką jest tylko to, że po pożarze nietknięta pozostaje tylko jedna rzecz – pewna reprodukcja. Liczba wiadomości rośnie i osiąga masę krytyczną.
Jeden z inspektorów stwierdza, że jest to „Płaczący Chłopiec”. wspólną cechą wszystkie pożary.
Następnie gazety i policja otrzymują zalew wiadomości opisujących wszystkie przypadki związane z reprodukcją. Dochodzi do tego, że oficjalnie proponuje się pozbycie się tego złowrogiego obrazu w domu. Co ciekawe, sam oryginał uznawany jest za zaginiony, istnieje jedynie kopia.
Kolejnym „płótnem niebezpiecznym dla ognia” jest dzieło impresjonisty Moneta „Lilie wodne”.
Jedna po drugiej z niewiadomych przyczyn spłonęła pracownia twórcy, potem domy właścicieli – kabaret na Montmartrze w Paryżu, dom francuskiego filantropa, nowojorskie Muzeum Sztuki Nowoczesnej. NA ten moment Obraz zachowuje się cicho i spokojnie wisi w Muzeum Mormoton (Francja).
Kolejna „palniczka” znajduje się w Edynburgu w Muzeum Królewskie. Malowidło szczególnie mało efektowne, portret starca z wyciągniętą ręką. Według legendy palce tej dłoni poruszają się, ale nie każdy to widzi. Ale ci, którzy to widzieli, wkrótce zginą w ogniu.
Znane są dwie ofiary tego obrazu – Belfast (Kapitan długa podróż) i Lorda Seymoura. Obaj twierdzili, że widzieli poruszające się palce i obaj zmarli. Dyrektor muzeum także znalazł się pomiędzy kilkoma pożarami. Z jednej strony społeczeństwo żąda pozbycia się „przeklętego” obrazu, z drugiej strony jest to główny sposób na przyciągnięcie zwiedzających. Więc starzec czuje się swobodnie w muzeum.
Nie mniej tajemnic kojarzony ze słynną „Giocondą” da Vinci. I tutaj wrażenia Lapończyków na temat obrazu są zróżnicowane: niektórzy są nim zachwyceni, inni boją się i tracą przytomność. Uważa się, że ten słynny portret ma bardzo zły wpływ na widza. Oficjalnie odnotowano ponad sto takich zdarzeń (!), gdy zwiedzający muzeum stracili przytomność podczas kontemplacji obrazu. Jedną z tych ofiar była Francuski pisarz Stendhala.
Istnieją również informacje, że modelka Mona Lisa zmarła stosunkowo młodo, w wieku 28 lat, i wielkiego Leonarda sześć przez długie lata przerobił obraz, poprawił go i aż do śmierci.
Kolejny zły obraz, „Wenus z lustrem”, jest autorstwa Velazqueza. Uważa się, że każdy, kto go nabył, albo umarł gwałtowna śmierć albo zbankrutował...
Nawet muzea bardzo niechętnie włączały go do swoich wystaw, a obraz nieustannie migrował. Aż pewnego dnia zaatakował ją gość, przecinając płótno nożem.
Następny horror, „Hands Resist Him”, został napisany przez kalifornijskiego artystę surrealistę Billa Stonehama. Napisał go ze zdjęciem siebie i swojej siostry w 1972 roku. Zdjęcie przedstawiało chłopca z niezarysowaną twarzą i lalkę dziewczynki, prawie wielkości dziecka, stojących przy szklanych drzwiach. Ręce dzieci opierają się o drzwi od wewnątrz.
Historia kłopotów z tym obrazem zaczęła się od oceniającego go krytyka sztuki.
Zmarł niespodziewanie i szybko. Następnym był aktor filmowy. Dalej istnieje luka w historii; uznano, że obraz zniknął. I wtedy pewna rodzina znajduje ją na śmietniku i oczywiście zaciąga do domu. Co więcej, wieszają go w pokoju dziecinnym. W rezultacie córka nie śpi w nocy, krzyczy i mówi, że dzieci na zdjęciu się poruszają i walczą. Umieścili w pokoju kamerę z czujnikiem ruchu, która wyłącza się w nocy.
Rodzina postanawia się pozbyć obrazu i wystawia go na aukcji internetowej. Natychmiast do organizatorów zaczęło napływać morze skarg, że po długim oglądaniu filmów ludzie chorowali, a nawet mieli zawały serca.
Ostatecznie „Hands Resist Him” zostaje kupiony przez prywatnego właściciela Galeria Sztuki. Który teraz także staje się właścicielem stosu skarg na nią. Nawiasem mówiąc, otrzymuje także oferty od egzorcystów. Wróżki na ogół mówią jednym głosem o złu emanującym z obrazu.
To zdjęcie było prototypem „Hands Resist Him”:
To także Stoneham, ale później
Malarstwo rosyjskie ma również swoje osobliwości. Od czasów szkolnych wszyscy znają Trojkę Perowa. Podstawą tego trio jest mały, jasny chłopiec. Perow znalazł model tego obrazu w Moskwie. Kobieta z 12-letnim synem szła ulicą w ramach pielgrzymki.
Kobieta straciła wszystkie pozostałe dzieci i męża, a Wasia stała się jej ostatnią pociechą. Bardzo nie chciała, żeby chłopak pozował, ale później i tak się zgodziła. Ale po ukończeniu obrazu Wasia bardzo szybko zmarła... Kobieta prosi o oddanie jej obrazu, ale artysta nie może już tego zrobić, obraz w tym czasie znajduje się już w Galerii Trietiakowskiej. Następnie Perow maluje portret chłopca i daje go matce.
Są takie ciężka praca i Vrubel. Portret jego syna Savvy powstał na krótko przed niespodziewaną śmiercią chłopca.
Ale „Demon pokonany”…. Vrubel nieustannie przepisywał, zmieniał kolorystykę, a dzieło wywarło bardzo poważny wpływ na psychikę artysty.
Nie przestał pracować, nawet po umieszczeniu dzieła na wystawie... Vrubel nawet przyszedł na wystawę i pracował na płótnie. Sam Bechterew go zbadał. W rezultacie krewni dzwonią do psychiatry Bechterewa, a on stawia straszną diagnozę. Vrubel zostaje umieszczony w szpitalu, gdzie wkrótce umiera.
Kolejna ciekawa para obrazów.
Jednym z nich jest „Maslenica” Kuplina
drugi należy do Antonowa.
Szczególną sławę obrazy zyskały w 2006 roku, kiedy w Internecie pojawiło się nagranie rzekomo na zlecenie jednego ze studentów. Kto stwierdził, że kopia należy do pióra szaleńca, ale na zdjęciu jest cecha, która od razu wskazuje na zaburzenie psychiczne autora. Wiele osób zaczyna szukać tej różnicy, ale oczywiście jej nie znajduje… a raczej oferowanych jest wiele opcji, ale nie można sprawdzić poprawności… jeszcze)
Kolejnym strachem na wróble był portret Marii Lopukhiny, namalowany za czasów Puszkina.
Jej życie było bardzo krótkie i niemal natychmiast po stworzeniu obrazu zmarła na gruźlicę.
Jej ojcu, podobno mistrzowi masońskiemu, udało się uchwycić ducha córki na obrazie. A teraz każdej dziewczynie, która spojrzy na portret, grozi śmierć. Na swoim koncie ma już kilkanaście wówczas młodych dziewczyn. W 1880 roku obraz kupił filantrop Tretiakow. Potem plotki ucichną.
Kolejnym „mrocznym” obrazem jest „Krzyk” Muncha. Jego życie było jedną wielką czarną passą tragedii – śmiercią matki młodym wieku, śmierć siostry i brata, potem „schizofrenia” kolejnej siostry. W latach 90-tych po załamanie nerwowe leczy się go porażeniem prądem. Boi się seksu i dlatego nie chce się żenić. Munch umiera w wieku 81 lat, przekazując swoje obrazy (1200), szkice (4500) i 18 000 fotografii.
Głównym obrazem Muncha był „Krzyk”.
Wielu, którzy musieli zetknąć się z obrazem, otrzymuje cios losu – chorują, kłócą się z bliskimi, popadają w ciężką depresję lub umierają.
Jest ich już całkiem sporo straszne historie. Jeden pracownik, całkowicie zdrowy człowiek, przypadkowo go upuścił, w wyniku czego dostał nasilających się ataków bólu głowy, który trwał aż do samobójstwa ministra. Kolejna osoba, która upuściła obraz, została trafiona wypadek samochodowy i doznał poważnych złamań rąk, nóg, żeber, miednicy i wstrząśnienia mózgu. I tutaj możemy zaliczyć ciekawskiego gościa, który szturchnął zdjęcie palcem. Kilka dni później spłonął żywcem we własnym domu.
Holender Pieter Bruegel Starszy napisał „Pokłon Trzech Króli” w ciągu dwóch lat.
Wzorem Maryi Panny była jego kuzynka, bezpłodna kobieta, która za to była bita przez męża. To ona wywołała złą aurę obrazu. Płótno było czterokrotnie kupowane przez kolekcjonerów i od tego czasu przez 10-12 lat w rodzinach nie urodziło się żadne dziecko. W 1637 roku obraz kupił Jacob van Kampen. W tym czasie miał już trzech potomków, więc nie bał się klątwy.
Jeśli spojrzysz na ten obraz przez około pięć minut z rzędu, dziewczyna na zdjęciu się zmienia - jej oczy stają się czerwone, włosy stają się czarne, a kły rosną.
„Kobieta deszczu” została napisana przez Svetlanę Taurus w 1996 roku. Pół roku wcześniej zaczęła odczuwać jakąś uwagę, obserwację.
Pewnego dnia Swietłana podeszła do płótna i zobaczyła tam tę kobietę, cały jej obraz, kolory, faktury. Malowała obraz bardzo szybko, wydawało się, że ktoś porusza ręką artysty.
Następnie Swietłana próbowała sprzedać obraz. Ale pierwszy kupujący szybko zwrócił obraz, bo wydawało jej się, że ktoś jest w mieszkaniu, marzyła o tej kobiecie.
Panowała cisza, uczucie strachu i niepokoju. Deszcz. To samo powtórzyło się jeszcze kilka razy. Teraz obraz wisi w jednym ze sklepów, ale nie ma już na niego nabywców. Choć artysta uważa, że obraz po prostu czeka na swojego widza, tego, dla którego jest przeznaczony.
3 grudnia 1961 w Muzeum w Nowym Jorku Sztuka współczesna Nastąpiło istotne wydarzenie – obraz Matisse’a „Łódź”, który wisiał do góry nogami przez 46 dni, został prawidłowo zawieszony. Warto powiedzieć, że nie jest to odosobniony zabawny incydent związany z obrazami wielkich artystów.
Pablo Picasso namalował jeden ze swoich słynnych portretów w niecałe 5 minut
Pewnego razu jeden ze znajomych Pabla Picassa, patrząc na jego nowe prace, szczerze powiedział artyście: „Przykro mi, ale nie mogę tego zrozumieć. Takie rzeczy po prostu nie istnieją.” Na co Picasso odpowiedział: „Ty i chiński Nie rozumiem. Ale nadal istnieje.” Jednak wielu nie rozumiało Picassa. Kiedyś zasugerował rosyjskiemu pisarzowi Erenburgowi, jego dobry przyjaciel, namaluj jego portret. Z radością się zgodził, jednak zanim zdążył usiąść w fotelu i pozować, artysta oznajmił, że wszystko jest gotowe.
Erenburg wyraził zdziwienie szybkością wykonania dzieła, bo nie minęło nawet 5 minut, na co Picasso odpowiedział: „Znam cię od 40 lat. I przez te 40 lat uczyłem się malować portrety w 5 minut.”
Ilya Repin pomógł sprzedać obraz, którego nie namalował
Pewna pani kupiła na targu za jedyne 10 rubli zupełnie przeciętny obraz, na którym dumnie obnosił się podpis „I. Repin”. Kiedy koneser sztuki pokazał to dzieło Ilji Efimowiczowi, roześmiał się, dodał „To nie jest Repin” i podpisał autograf. Po pewnym czasie przedsiębiorcza pani sprzedała obraz nieznany artysta z autografem wielkiego mistrza za 100 rubli.
Niedźwiedzie ze słynnego obrazu Szyszkina zostały namalowane przez innego artystę
Wśród artystów obowiązuje niepisane prawo – profesjonalna wzajemna pomoc. W końcu każdy z nich ma nie tylko ulubione historie i silne strony, ale także słabe punkty, więc dlaczego nie pomóc sobie nawzajem. Wiadomo zatem na pewno, że w przypadku obrazu „Puszkin nad brzegiem morza” Aiwazowskiego postać wielkiego poety narysował Repin, a dla obrazu Lewitana „Dzień jesieni. Sokolniki” „Dama w czerni” namalował Mikołaj Czechow. Malarz krajobrazu Szyszkin, który potrafił narysować na swoich obrazach każde źdźbło trawy i igły, tworząc obraz „Poranek w Las sosnowy„Niedźwiedzie w ogóle nie wyszły. Dlatego Savitsky namalował niedźwiedzie do słynnego obrazu Szyszkina.
Kawałek płyty pilśniowej, na którą po prostu wylano farbę, stał się jednym z najdroższych obrazów
Najdroższym obrazem świata w 2006 roku był „Numer 5” Jacksona Pollocka, „1948”. Na jednej aukcji obraz został sprzedany za 140 milionów dolarów. Może się to wydawać śmieszne, ale artysta tak naprawdę „nie zaprzątnął sobie głowy” tworzeniem tego obrazu: po prostu wylał farbę na leżący na podłodze kawałek płyty pilśniowej.
Rubens zaszyfrował datę powstania swojego obrazu za pomocą gwiazd.
Krytycy sztuki i naukowcy przez długi czas nie udało się ustalić daty powstania jednego z najbardziej znane obrazy Rubens - obraz „Święto bogów na Olimpie”. Zagadka została rozwiązana dopiero po bliższym przyjrzeniu się zdjęciu przez astronomów. Okazało się, że postacie na zdjęciu były ułożone dokładnie w tej samej kolejności, w jakiej planety były ułożone na niebie w 1602 roku.
Logo Chupa Chups zostało narysowane przez światowej sławy surrealistę
W 1961 roku Enrique Bernata, właściciel firmy Chupa Chups, poprosił artystę Salvadora Dali o wymyślenie obrazu opakowania cukierków. Dali spełnił prośbę. Dziś ten wizerunek, choć w nieco zmodyfikowanej formie, jest rozpoznawalny na firmowych lizakach.
Warto dodać, że w 1967 roku we Włoszech, za błogosławieństwem Papieża, ukazało się wydanie z ilustracjami Salvadora Dali.
Najdroższy obraz Mąka przynosi nieszczęście
„Krzyk” Muncha został sprzedany na aukcji za 120 milionów dolarów i jest dziś najdroższym obrazem tego artysty. Mówią, że Munch ścieżka życia co jest serią tragedii, włożyłem w to tyle smutku, że obraz wchłonął negatywna energia i mści się na sprawcach.
Pewnego razu jeden z pracowników Muzeum Muncha przypadkowo upuścił obraz, po czym zaczął cierpieć na straszne bóle głowy, co doprowadziło tego człowieka do samobójstwa. Inny pracownik muzeum, który nie był w stanie utrzymać obrazu, już kilka minut później brał udział w strasznym wypadku samochodowym. A zwiedzający muzeum, który pozwolił sobie dotknąć obrazu, po pewnym czasie spłonął żywcem w pożarze. Możliwe jednak, że są to tylko zbiegi okoliczności.
„Czarny kwadrat” Malewicza ma „starszego brata”
„Czarny kwadrat”, czyli chyba najwięcej sławny obraz Kazimierz Malewicz to płótno o wymiarach 79,5 * 79,5 centymetra, na którym na białym tle przedstawiony jest czarny kwadrat. Malewicz namalował swój obraz w 1915 roku. A już w 1893 roku, 20 lat przed Malewiczem, francuski pisarz Alphonse Allais namalował swój „czarny kwadrat”. To prawda, że obraz Allaisa nosił tytuł „Bitwa Murzynów w głębokiej jaskini w ciemną noc”.
Chrystus i Judasz na obrazie Da Vinci mają tę samą twarz
Mówią, że powstanie obrazu” Ostatnia Wieczerza„wymagało tytanicznych wysiłków ze strony Leonarda da Vinci. Artysta szybko odnalazł osobę, z której namalowano wizerunek Chrystusa. Do tej roli wybrano jednego ze śpiewaków chór kościelny. Ale da Vinci szukał „Judasza” przez trzy lata.
Na ulicy artysta zobaczył pijaka, który bezskutecznie próbował wydostać się z szamba. Da Vinci zabrał go do jednego z lokali gastronomicznych, posadził i zaczął rysować. Wyobraźcie sobie zdziwienie artysty, gdy pijak, otwierając swoje myśli, przyznał, że pozował mu już kilka lat temu. Okazało się, że to ten sam piosenkarz.
Włoscy naukowcy twierdzą, że znaleźli szczątki, które mogą należeć do Lisy del Giocondo. Być może tajemnica Mona Lisy zostanie ujawniona. Na cześć tego przypomnijmy sobie najbardziej tajemnicze obrazy w historii.
1. Gioconda
Pierwsza rzecz, która przychodzi na myśl, jeśli chodzi o tajemnicze obrazy, czyli o obrazach tajemniczych - to „Mona Lisa”, namalowana przez Leonarda da Vinci w latach 1503-1505. Gruye napisał, że to zdjęcie może doprowadzić do szaleństwa każdego, kto po wystarczającym obejrzeniu zacznie o nim mówić.
W tym dziele da Vinci jest wiele „tajemnic”. Krytycy sztuki piszą rozprawy na temat pochylenia dłoni Mony Lisy, lekarze stawiają diagnozy (od tego, że Mona Lisa nie ma przednich zębów, po to, że Mona Lisa jest mężczyzną). Istnieje nawet wersja, w której Gioconda jest autoportretem artysty.
Nawiasem mówiąc, obraz zyskał szczególną popularność dopiero w 1911 roku, kiedy został skradziony przez Włocha Vincenzo Peruggio. Znaleźli go na podstawie odcisków palców. Tym samym „Mona Lisa” stała się także pierwszym sukcesem pobierania odcisków palców i ogromnym sukcesem marketingowym na rynku sztuki.
2. Czarny kwadrat
Wszyscy wiedzą, że „Czarny kwadrat” nie jest tak naprawdę czarny, ani nie jest kwadratem. To naprawdę nie jest kwadrat. W katalogu wystawy Malewicz określił go jako „czworokąt”. I naprawdę nie czarny. Artysta nie użył czarnej farby.
Mniej wiadomo, że Malewicz uważał „Czarny kwadrat” za swój najlepsza praca. Kiedy artysta był pochowany, u szczytu trumny stał „Czarny kwadrat” (1923), ciało Malewicza przykryto białym płótnem z wszytym kwadratem, czarny kwadrat namalowano także na wieczku trumny. Nawet pociąg i tył ciężarówki miały czarne kwadraty.
3. Krzycz
Tajemnicze w obrazie „Krzyk” nie leży w tym, że rzekomo wywiera on silny wpływ na ludzi, zmuszając ich niemal do popełnienia samobójstwa, ale w tym, że obraz ten jest w istocie realizmem dla Edvarda Muncha, który w chwili pisania tego arcydzieła cierpiał na psychoza maniakalno-depresyjna. Pamiętał nawet dokładnie, jak widział to, co napisał.
„Szedłem z dwójką przyjaciół ścieżką - zachodziło słońce - nagle niebo zrobiło się krwistoczerwone, zatrzymałem się, czując zmęczenie, oparłem się o płot - spojrzałem na krew i płomienie nad niebiesko-czarnym fiordem i miasto – moi przyjaciele poszli dalej, a ja stałam, drżąc z podniecenia, czując niekończący się płacz przeszywający naturę.”
4. Guernika
Picasso namalował Guernicę w 1937 roku. Obraz poświęcony bombardowaniu miasta Guernica. Mówią, że gdy w 1940 roku Picasso został wezwany do gestapo i zapytany o Guernicę: „Czy ty to zrobiłeś?”, artysta odpowiedział: „Nie, zrobiłeś to”.
Picasso namalował ogromny fresk w nie więcej niż miesiąc, pracując 10-12 godzin dziennie. „Guernica” uważana jest za odzwierciedlenie horroru faszyzmu i nieludzkiego okrucieństwa. Ci, którzy widzieli ten obraz na własne oczy, twierdzą, że wywołuje on niepokój, a czasem panikę.
5. Iwan Groźny i jego syn Iwan
Wszyscy znamy obraz „Iwan Groźny i jego syn Iwan”, zwykle nazywając go „Iwan Groźny zabija swojego syna”.
Tymczasem zamordowanie przez Iwana Wasiljewicza jego spadkobiercy jest faktem bardzo kontrowersyjnym. Tak więc w 1963 r. Otwarto groby Iwana Groźnego i jego syna w Katedrze Archanioła na Kremlu moskiewskim. Badania pozwoliły stwierdzić, że Carewicz Jan został otruty.
Zawartość trucizny w jego szczątkach jest wielokrotnie wyższa niż dopuszczalna norma. Co ciekawe, tę samą truciznę znaleziono w kościach Iwana Wasiljewicza. Naukowcy doszli do takiego wniosku rodzina królewska od kilkudziesięciu lat jest ofiarą trucicieli.
Iwan Groźny nie zabił swojego syna. Właśnie tej wersji broni na przykład Naczelny Prokurator Świętego Synodu Konstantin Pobiedonoscew. Widząc na wystawie słynny obraz Repina, był oburzony i napisał do cesarza Aleksander III: „Nie można nazwać tego zdjęcia historycznym, ponieważ ta chwila... jest po prostu fantastyczna”. Wersja morderstwa została oparta na opowieściach legata papieskiego Antonio Possevino, którego trudno nazwać osobą bezinteresowną.
Kiedyś doszło do prawdziwego zamachu na obraz.
16 stycznia 1913 roku dwudziestodziewięcioletni staroobrzędowy malarz ikon Abram Balashov trzykrotnie dźgnął ją nożem, po czym Ilja Repin musiał praktycznie od nowa zamalować twarze Iwanowów przedstawionych na obrazie. Po zdarzeniu ówczesny kustosz Galeria Trietiakowska Chrusłow, dowiedziawszy się o wandalizmie, rzucił się pod pociąg.
6. Ręce mu się opierają
Obraz Billa Stonehama, namalowany w 1972 roku, nie cieszy się, szczerze mówiąc, najlepszą opinią. Z informacji zamieszczonych na E-bayu wynika, że obraz jakiś czas po zakupie znalazł się na wysypisku śmieci. Już pierwszej nocy, gdy obraz znalazł się w domu rodziny, która go znalazła, córka ze łzami w oczach pobiegła do rodziców, skarżąc się, że „dzieci na obrazie kłócą się”.
Od tego czasu obraz cieszy się bardzo złą sławą. Kim Smith, który kupił go w 2000 roku, nieustannie otrzymuje gniewne listy z żądaniem spalenia obrazu. Gazety pisały także, że duchy pojawiają się czasami na wzgórzach Kalifornii, jak dwa groszki w strąku, jak dzieci z obrazu Stonehama.
7. Portret Lopukhiny
Wreszcie „zły obraz” - portret Łopuchiny, namalowany przez Władimira Borowikowskiego w 1797 r., po pewnym czasie zaczął mieć złą reputację. Portret przedstawiał Marię Lopukhinę, która zmarła wkrótce po namalowaniu portretu. Zaczęto mówić, że obraz „odbiera młodość”, a nawet „zabiera do grobu”.
Nie wiadomo na pewno, kto puścił taką plotkę, ale gdy Paweł Tretiakow „odważnie” nabył portret do swojej galerii, rozmowy o „tajemnicy obrazu” ucichły.
Nie jest to tajemnicą znane osobistości częściej niż inni wpadają w sytuacje nadzwyczajne sytuacje życiowe I różne historie, które dzięki naocznym świadkom odcisnęły się na wieki w ich biografiach. Z reguły są to historie zabawne anegdotycznie, czasem zabawne i niezbyt przyjemne, a także pouczające, które stały się przypowieściami. Dzisiaj porozmawiamy o interesujące fakty z życia znanych rosyjskich i europejskich artystów klasycznych.
Autograf artysty jest dziesięć razy droższy niż sam obraz
Ilja Efimowicz Repin. Pewnego dnia pewna pani kupiła obraz z podpisem „I. Repin”, płacąc za to 100 rubli. Po chwili przyszła do pracowni malarza i pokazała artyście swój nabytek. Repin, śmiejąc się z pechowego klienta, napisał na dole płótna: „To nie jest Repin”. Następnie pani odsprzedała obraz, ale za tysiąc rubli. Malarstwo jest nieśmiertelne
Pablo Picasso. Pewien dość znany na wystawie lekarz podszedł do Picassa i powiedział co ważne: „Znam całkiem dobrze budowę anatomiczną ludzkiego ciała”. Mogę więc powiedzieć, że ludzie na Twoich płótnach budzą pewien żal i zdziwienie. „To całkiem możliwe” – odparł Picasso. - Ale mogę cię zapewnić, że będą żyć znacznie dłużej niż twoi pacjenci. Indywidualizm dziecięcy
Autoportrety. Pablo Picasso w wieku 15 i 90 lat. Któregoś razu po wizycie na wystawie rysunków dzieci Pablo Picasso powiedział w zamyśleniu: „Kiedy byłem w ich wieku, umiałem pisać jak Rafael, ale nauczenie się rysowania jak oni zajęło mi całe życie”. 
Portret matki artysty (1896), namalowany przez 15-letniego Picassa. Drogi czek
Salvador Dali. Salvador Dali miał bardzo sprytny trik dla właścicieli restauracji. Odwiedzając po raz pierwszy lokal rozrywkowy, zebrał duża firma przyjaciółmi i znajomymi, a także spędził cały wieczór częstując wszystkich daniami i napojami z karty. Kiedy przyszedł czas na uregulowanie rachunków, artysta wyzywająco wypisał czek na ogromną kwotę, po czym... odwrócił czek i tylna strona napisał kilka ciepłych słów w podziękowaniu dla właściciela lokalu i podpisał swój autograf. Kalkulacja mistrza była prosta i niezawodna: korzystając ze swojej sławy żywego geniusza, Dali był pewien, że właściciel restauracji nigdy nie odważy się zrealizować czeku z oryginalnym podpisem samego Dali! Zwykle działo się tak: restauratorzy zrozumieli, że z czasem mogą zarobić znacznie więcej więcej pieniędzy za ten czek nie tylko kwotę na rachunku, ale mistrz zaoszczędził mnóstwo pieniędzy. Kto oszalał?
Salvador Dali. Kiedyś w rozmowie z przyjaciółmi Salvador Dali powiedział, że wszelkie katastrofy dziejące się w przyrodzie wcale go już nie dziwią. Następnie rozmówca zaczął z entuzjazmem podawać przykład możliwej sytuacji: „No dobrze, niech tak będzie, ale co, jeśli o północy nagle na horyzoncie pojawi się światło, zwiastujące poranny świt?” Patrzysz w górę i widzisz wschodzące słońce. Czy naprawdę nie byłoby to dla ciebie zaskoczeniem? Nie pomyślałbyś, że jesteś szalony? „Wręcz przeciwnie” – powiedziała bez wahania Dali – „pomyślałabym, że to słońce zwariowało”. Twórcze związki zawodowe
Izaak Lewitan./„Dzień jesieni. Sokolniki”. (1879)./Mikołaj Czechow. Jak wiadomo, artysta Izaak Lewitan „specjalizował się” tylko w pejzaż, ale w jego dziedzictwie znajduje się jedno płótno przedstawiające postać kobieca chodzić po parku. „Jesienny dzień. Sokolniki” – tak nazywa się obraz namalowany przez niego w czasach studenckich. Artysta nigdy nie podejmował się rysowania ludzi i słusznie należy zauważyć, że jedyny wizerunek kobiety namalował nie sam artysta, ale jego przyjaciel ze szkoły plastycznej, jego brat sławny pisarz– Mikołaj Czechow. 
Iwan Aiwazowski./ „Puszkin nad brzegiem morza.”/ Ilja Repin. Nawiasem mówiąc, nie był to jedyny przypadek twórcza współpraca w historii sztuki. Dlaczego „z przyjaźni” nie pomóc przyjacielowi-artyście, który nie radzi sobie najlepiej? Niewiele osób wie, że postać Puszkina z obrazu Aiwazowskiego „Puszkin na brzegu morza” namalował Ilja Repin. 
K. A. Savitsky i I. I. Shishkin. Początek lat 80. XIX wieku Zdjęcie. / „Dzień dobry Las sosnowy" A słynne niedźwiedzie z obrazu Szyszkina „Poranek w lesie sosnowym” namalował artysta Savitsky. Cóż, nie wyszło genialny mistrz krajobraz tych zabawnych zwierząt. Ale opłatę w wysokości czterech tysięcy rubli ze sprzedaży tego obrazu podzielono po bratersku i początkowo na płótnie wisiały dwa autografy. Wszystko jest sprawiedliwe... Jednak właściciel obrazu Paweł Tretiakow postanowił pozostawić autorstwo Szyszkininowi i osobiście usunął podpis Savitsky'ego. Litera „B” nadana nazwisku artysty przez samego cesarza
Karl i Aleksander Bryullov. Do początków XIX wieku nazwisko Bryullov nie istniało w Rosji. Karl Bryullov, słynny rosyjski artysta, urodził się w rodzinie akademika rzeźby ozdobnej Pawła Bryullo, którego przodkowie pochodzili z Francji. Litera „c” na końcu nazwiska została nadana Karolowi i jego bratu Aleksandrowi, z zawodu architektowi, najwyższym dekretem cesarskim przed wyjazdem na emeryturę do Włoch. Wystawa jednego arcydzieła
Arkhipa Kuindzhiego. W 1880 roku miało miejsce bezprecedensowe wydarzenie w świecie sztuki rosyjskiej. W Petersburgu po raz pierwszy wystawiono publicznie obraz Arkhipa Kuindzhiego. Noc księżycowa nad Dnieprem”. Zaskakujące było to, że była jedyną osobą na wystawie. Pogłoski o niezwykłym obrazie rozeszły się po mieście na długo przed jego wystawieniem, a już w dniu otwarcia wydawało się, że całe miasto zebrało się, aby go obejrzeć. Wiele wagonów zablokowało wszystkie pobliskie ulice, a ludzie tłoczyli się w nich długie kolejki przy wejściu. Wielu z nich odwiedziło wystawę kilka razy. 
„Księżycowa noc nad Dnieprem”. Publiczność była zafascynowana niezwykłym realizmem światła księżyca na obrazie, wielu sugerowało, że artysta użył świecących farb, niektórzy nawet w tajemnicy zaglądali za obraz, próbując dowiedzieć się, czy księżyc oświetla lampa. Przysięga Modiglianiego
Amedeo Modiglianiego. Amedeo Modigliani – sławny Włoski artysta, - Bardzo wczesne lata zainteresował się rysunkiem i malarstwem. Ostateczną decyzję o zostaniu artystą podjął w wieku jedenastu lat po ciężkim zapaleniu opłucnej, kiedy leżąc w majaczeniu Amedeo zdecydował: jeśli przeżyje, poświęci się malarstwu. I dotrzymał słowa. Kuindzhi i ptaki
Arkhipa Kuindzhiego. Arkhip Kuindzhi bardzo lubił ptaki. Potrafił godzinami siedzieć na dachu swojego domu i „rozmawiać” z gołębiami i wronami. I często opowiadał swoim przyjaciołom, że ptaki rozumieją jego słowa i łatwo wpadają mu w ręce. No cóż, oczywiście.... Przecież artysta co miesiąc wydawał mnóstwo pieniędzy na dokarmianie ptaków, kupując 60 bułek, aż 10 kg mięsa i 6 worków owsa. Pewnego razu ilustrator Pavel Shcherbov opublikował kreskówkę, w której Kuindzhi robi ptakowi lewatywę. Mówią, że Arkhip Iwanowicz, który nie miał szczególnego poczucia humoru, był strasznie urażony przez swojego kolegę. 
Karykatura. Pierzaści pacjenci (A.I. Kuindzhi na dachu swojego domu). Autor: Paweł Szczerbow. Pięć tysięcy za abażur
Konstantin Jegorowicz Makowski. / Dziewczyna przebrana za Florę. Konstantin Makowski słynął nie tylko z salonowych portretów żon zamożnych mężów, ale także z wygórowanych cen. Artysta uwielbiał także pyszne jedzenie, dlatego podobno był prawdziwym smakoszem. Ale pewnego dnia prawie wpadł w kłopoty. Baron Accurti, który właśnie kupił luksusową rezydencję z abażurami namalowanymi przez Makowskiego, ale bez jego autografów, zaprosił najpopularniejszy artysta zjeść śniadanie w restauracji. W nadziei, że artysta w dowód wdzięczności bezpłatnie podpisze abażury. I tak by się stało, gdyby nie jedno „ale”… Makowski już złagodniał w oczekiwaniu na wykwintny posiłek i obiecał, że zaraz po nim pójdzie i za darmo podpisze wszystkie trzy abażury. I zawzięty baron wydał wreszcie rozkaz: kazał podać stynię i chleb. "Stynka? Ja? Makowski był oburzony na siebie. I powiedział głośno: „Pięć tysięcy rubli za podpis na każdym abażurze!” Walentin lub Anton Sierow
Portret Miki Morozowa. / Walentin Sierow. Przyjaciele i rodzina nazywają się Valentin Serov Anton. Imię to mocno przylgnęło do niego w dzieciństwie, kiedy rodzice z powodu nadmiernych uczuć do dziecka nazywali małego Valentina Valentoshę, Toshę, a czasem Tonyę. Nieco później w rodzinie Mamontowów Tosha zamieniła się w Antoshę. A listy, które Ilya Repin pisała do już dorosłego Serowa, często zaczynały się od adresu: „Anton, Anton!” Mały szantażysta
*Dziewczyna z brzoskwiniami*. Autor: V. Serow. Jego krewni szczególnie dobrze wiedzieli, że Walentin Sierow pracował powoli. A kiedy artysta zdecydował się namalować portret 11-letniej córki Savvy Mamontova, Very (a płótno miało być prezentem na urodziny matki dziewczynki Elizavety Mamontovej), Sierow spotkał się z kategorycznym protestem przyszłości Model. Verochka natychmiast zdała sobie sprawę z konsekwencji wyrażenia zgody na pozowanie dla artysty. Wcale nie miała ochoty siedzieć tygodniami w bezruchu, zamiast biegać z rówieśnikami po okolicy wsi. Verochka była uparta i Serow nie miał innego wyjścia, jak zgodzić się na jej warunki: po każdej sesji jeździł z nią konno. 
*Dziewczyna z brzoskwiniami*. fragment. / Weroczka Mamontowa.
