Moda pod względem zmienności ustępuje jedynie pogodzie, chociaż jest to kwestia kontrowersyjna. Co więcej, moda zmienia się nie tylko w ubraniach, stylach czy dodatkach, ale także w kobiecej urodzie. Uznana piękność jednej epoki, pół wieku później, może zostać uznana za brzydką (ale ty i ja to wiemy brzydkie kobiety nie może być). Artyści przez cały czas bardzo wrażliwie reagowali na kaprysy mody, ponieważ zawsze starali się przedstawiać najpiękniejsze kobiety swojej epoki.

Starożytna Grecja i Rzym

Niestety, kobiece ideały starożytności należy oceniać na podstawie fresków i rzeźb, pełnoprawnych obrazy nie zachowane. W Starożytna Grecja standard kobiece piękno Brano pod uwagę boginię Afrodytę, zaokrągloną kobietę o długich, gęstych rudych włosach. Tak właśnie została przedstawiona na obrazie Sandro Botticellego „Narodziny Wenus”, choć powstałym już w 1485 roku. W Starożytny Rzym ceniła przede wszystkim piękno kobieca twarz, a przepych form był na drugim miejscu. Z myślą o tym powstał na przykład obraz „Proserpina” (1874) Dantego Rossettiego.

Średniowiecze

W średniowieczu za wychwalanie kobiecego piękna można było trafić na stos, więc nie pozostały po nim żadne artystyczne dowody. Pokazywanie kobiecej sylwetki było surowo zabronione. Odzież musiała całkowicie zakrywać ciało, a włosy chować pod czapkami. Wzorcem kobiecego piękna były święte kobiety, które poświęciły się służbie Bogu.

renesans

Renesans został tak nazwany ze względu na odrodzenie się zainteresowania ideałami starożytności, w tym także kwestiami kobiecego piękna. Szerokie biodra, pełne ciało, wydłużona twarz, zdrowa cera – tak powinna wyglądać pierwsza piękność XV-XVI wieku. Dokładnie tak kobiety są przedstawiane na obrazach Sandro Botticellego, Raphaela Santiego i Michała Anioła. Ideał piękna renesansu można nazwać Włoszką Simonettą Vespucci, przedstawioną na kilku obrazach Botticellego „Wiosna” (1478), „Narodziny Wenus” (1485), „Portret młodej kobiety” (1485). W okresie renesansu modne było wysokie czoło i aby uzyskać taki efekt fashionistki goliły brwi i linię włosów. Doskonale widać to na słynnym obrazie „Mona Lisa” Leonarda Da Vinci.

Epoka baroku

Na przełomie XVI i XVII w. ideałem kobiecej urody były kobiety o białej karnacji (opalanie uważano za przypadłość wieśniaczek) z małymi piersiami, drobnymi nogami, bladą twarzą, ale za to z krągłymi biodrami. Ponadto każdy arystokrata musiał mieć wysoką, złożoną fryzurę. Te trendy w modzie są wyraźnie widoczne na portrecie ulubieńca Ludwik XIV Madame de Montespan (1670) autorstwa Pierre'a Mignarda. To z tego okresu pochodzi słynne dzieło Jana Vermeera „Kobieta z perłą” (1665).

Epoka rokoka

Jeśli na zdjęciu kobieta wygląda bardziej jak porcelanowa lalka otoczona wachlarzami, parasolkami, mufkami i rękawiczkami, to śmiało możemy powiedzieć, że mówimy o o epoce rokoka. Na początku XVIII wieku przyszła moda na „łagodną anoreksję”: kobieca uroda stała się krucha, z wąskimi biodrami, małymi piersiami i zapadniętymi policzkami. Istnieją dowody na to, że aby uzyskać efekt „zapadniętych policzków”, niektóre panie usuwały zęby boczne, pozostawiając jedynie przednie – uroda wymaga poświęceń. Kanony piękna epoki rokoka doskonale ilustrują portrety François Bouchera, na przykład „Portret markizy de Pompadour” (1756).

Epoka romantyczna

Dopiero w drugiej połowie XIX wieku naturalny rumieniec, zdrowa świeżość i okrągłość kształtu ponownie stały się standardami kobiecej urody. I najbardziej atrakcyjna część kobiece ciało Ramiona stają się zaokrąglone, odsłaniając to, co było po prostu niezbędne dla każdej urody. To właśnie te kobiety można spotkać na obrazach Adolphe’a Bouguereau, takie kobiety przedstawiali pierwsi impresjoniści („Narodziny Wenus” Bouguereau, „Wielcy kąpiący się” Renoira, „Błękitni tancerze” Degasa).

Początek 20 wieku

„Rosyjska Wenus”, „Żona kupiecka przy herbacie”, „Dziewczyna nad Wołgą” Borysa Kustodiewa doskonale ilustrują kanony piękna początku XX wieku. Wszystko, co romantyzm podziwiał w kobiecie, stało się jeszcze wspanialsze i ważniejsze. 20-40 lat XX wieku

Połowa XX wieku

Marilyn Monroe stała się ideałem kobiecego piękna w połowie ubiegłego wieku. Krótka blondynka, bez żadnych przesady w stronę szczupłości i pulchności. Twórca pop-artu, Andy Warhol, chętnie wykorzystywał jej wizerunek w swoich pracach.
Rozmawiać o dalszy rozwój ideały kobiecego piękna, zwłaszcza w powiązaniu z malarstwem, nie są jeszcze wartościowe. Trzeba tylko zauważyć, że historia zatoczyła koło, a chudość i choroby wracają do mody.

Chłopaki, włożyliśmy w tę stronę całą naszą duszę. Dziękuję za to
że odkrywasz to piękno. Dziękuję za inspirację i gęsią skórkę.
Dołącz do nas na Facebook I W kontakcie z

O obrazie wiemy przede wszystkim dwie rzeczy: jego autora i być może historię płótna. Niewiele jednak wiemy o losach tych, którzy patrzą na nas z płócien.

strona internetowa Postanowiłam opowiedzieć o kobietach, których twarze są nam znane, ale ich historie nie.

Żanna Samari
Auguste Renoir, Portret aktorki Jeanne Samary, 1877

Aktorka Jeanne Samari, choć nie mogła zostać gwiazdą estrady (grała głównie pokojówki), miała szczęście w czymś innym: przez pewien czas mieszkała niedaleko pracowni Renoira, który w latach 1877–1878 namalował jej cztery portrety, tym samym czyniąc ją sławną znacznie bardziej, niż mogłoby to jej zrobić karierę aktora. Zhanna grała w sztukach od 18 roku życia, w wieku 25 lat wyszła za mąż i urodziła troje dzieci, a potem nawet napisała książkę dla dzieci. Ale ta urocza dama niestety nie żyła długo: w wieku 33 lat zachorowała na dur brzuszny i zmarła.

Cecylia Gallerani
Leonardo da Vinci, „Dama z gronostajem”
1489-1490

Cecilia Gallerani była dziewczyną ze szlacheckiej włoskiej rodziny, która w wieku 10 (!) była już zaręczona. Kiedy jednak dziewczynka miała 14 lat, z nieznanych powodów zaręczyny zostały zerwane, a Cecylia została wysłana do klasztoru, gdzie spotkała się (albo to wszystko zostało ustalone) z księciem Mediolanu Ludovico Sforzą. Rozpoczął się romans, Cecylia zaszła w ciążę i książę osadził dziewczynę w swoim zamku, ale potem przyszedł czas na zawarcie dynastycznego małżeństwa z inną kobietą, która oczywiście nie lubiła obecności swojej kochanki w ich domu. Następnie, po urodzeniu Gallerani, książę wziął syna dla siebie i poślubił ją zubożałym hrabią.

W tym małżeństwie Cecilia urodziła czwórkę dzieci, prowadziła niemal pierwszy w Europie salon literacki, odwiedzała księcia i bawiła się z jego dzieckiem od nowy kochanek. Po pewnym czasie zmarł mąż Cecylii, przyszła wojna, ona straciła dobre samopoczucie i znalazła schronienie w domu siostry żony tego samego księcia – to właśnie w tak cudownych relacjach udało jej się przebywać z ludźmi. Po wojnie Gallerani zwróciła swój majątek, w którym mieszkała aż do śmierci w wieku 63 lat.

Zinaida Jusupowa
VA Serow, „Portret księżniczki Zinaidy Jusupowej”, 1902

Najbogatsza rosyjska dziedziczka, ostatnia z rodu Jusupowów, księżna Zinaida była niezwykle piękna i mimo że zabiegały o jej względy m.in. osoby dostojne, chciała wyjść za mąż z miłości. Spełniła swoje pragnienie: małżeństwo było szczęśliwe i przyniosło dwóch synów. Jusupowa poświęciła wiele czasu i wysiłku działalności charytatywnej, a po rewolucji kontynuowała ją na wygnaniu. Jej ukochany najstarszy syn zginął w pojedynku, gdy księżniczka miała 47 lat, a ona nie mogła znieść tej straty. Wraz z wybuchem niepokojów Jusupowowie opuścili Petersburg i osiedlili się w Rzymie, a po śmierci męża księżniczka przeprowadziła się do syna w Paryżu, gdzie spędziła resztę swoich dni.

Maria Łopuchina
V.L. Borovikovsky, „Portret M.I. Łopuchina”, 1797

Borovikovsky namalował wiele portretów rosyjskich szlachcianek, ale ten jest najbardziej urokliwy. Przedstawicielka Maria Lopukhina rodzina hrabiego Tołstyk, przedstawiony tutaj w wieku 18 lat. Portret został zamówiony przez jej męża Stepana Awraamowicza Łopukhina wkrótce po ślubie. Swoboda i nieco arogancki wygląd wydają się być albo częstą pozą dla takiego portretu epoki sentymentalizmu, albo oznaką usposobienia melancholijnego i poetyckiego. Los tego tajemnicza dziewczyna okazał się smutny: zaledwie 6 lat po namalowaniu obrazu Maria zmarła na suchoty.

Giovanina i Amacilia Pacini
Karl Bryullov, „Jeździec”, 1832

„Jeździec” Bryullova to genialny portret ceremonialny, w którym wszystko jest luksusowe: jasność kolorów, przepych draperii i piękno modelek. Przedstawia dwie dziewczyny noszące nazwisko Pacini: najstarsza Giovanina siedzi na koniu, młodsza Amatzilia patrzy na nią z ganku. Obraz zamówił jej długoletni kochanek Karl Bryullov, ich adopcyjna matka, hrabina Julia Pawłowna Samoilova, jedna z najpiękniejsze kobiety Rosja i spadkobierczyni kolosalnej fortuny. Hrabina gwarantowała swoim dorosłym córkom duży posag. Ale okazało się, że na starość była praktycznie bankrutem, a potem adoptowane córki Giovanina i Amazilia odebrały obiecane pieniądze i majątek od hrabiny za pośrednictwem sądu.

Simonetty Vespucci
Sandro Botticelli, „Narodziny Wenus”
1482–1486

Słynny obraz Botticellego przedstawia Simonettę Vespucci, pierwszą piękność florenckiego renesansu. Simonetta urodziła się w zamożnej rodzinie, w wieku 16 lat wyszła za mąż za Marco Vespucciego (krewnego Amerigo Vespucciego, który „odkrył” Amerykę i nadał kontynentowi swoje imię). Po ślubie nowożeńcy osiedlili się we Florencji i zostali przyjęci na dworze Lorenza de Medici, który w tamtych latach słynął ze wspaniałych uczt i przyjęć.

Piękna, a jednocześnie bardzo skromna i przyjazna Simonetta szybko zakochała się we florenckich mężczyznach. Sam władca Florencji Lorenzo próbował się do niej zalecać, ale najaktywniej zabiegał o nią jego brat Giuliano. Piękno Simonetty inspirowało wielu ówczesnych artystów, wśród których był Sandro Botticelli. Uważa się, że od chwili ich poznania Simonetta była wzorem dla wszystkich Madonn i Wenus namalowanych przez Botticellego. W wieku 23 lat Simonetta zmarła na suchoty, mimo wysiłków najlepszych lekarzy dworskich. Następnie artysta przedstawił swoją muzę tylko z pamięci, a na starość zapisał, że zostanie pochowany obok niej, co zostało zrobione.

Wiera Mamontowa
VA Serow, „Dziewczyna z brzoskwiniami”, 1887

Najbardziej sławny obraz Mistrzowski portret Walentina Sierowa został namalowany w posiadłości bogatego przemysłowca Sawwy Iwanowicza Mamontowa. Przez dwa miesiące codziennie pozowała artyście jego córka, 12-letnia Vera. Dziewczyna dorosła i zmieniła się czarująca dziewczyna, wyszła za mąż z wzajemnej miłości Aleksandra Samarina, należącego do sławnego rodzina szlachecka. Po podróży poślubnej do Włoch rodzina osiedliła się w mieście Bogorodsk, gdzie jedno po drugim urodziło się troje dzieci. Ale nieoczekiwanie w grudniu 1907 roku, zaledwie 5 lat po ślubie, Vera Savvishna zmarła na zapalenie płuc. Miała zaledwie 32 lata, a jej mąż nigdy nie ożenił się ponownie.

Aleksandra Pietrowna Strujska
F.S. Rokotow, „Portret Struyskiej”, 1772

Ten portret Rokotowa jest jak zwiewna półwskazówka. Aleksandra Strujska miała 18 lat, kiedy wyszła za mąż za bardzo bogatego wdowca. Istnieje legenda, że ​​na ślub mąż dał jej nic innego jak tylko nowy kościół. I przez całe życie pisałem dla niej wiersze. Nie wiadomo na pewno, czy to małżeństwo było szczęśliwe, ale każdy, kto odwiedzał ich dom, zwracał uwagę na to, jak bardzo różnili się od siebie małżonkowie. W ciągu 24 lat małżeństwa Aleksandra urodziła mężowi 18 dzieci, z których 10 zmarło w niemowlęctwie. Po śmierci męża żyła jeszcze 40 lat, twardo zarządzała majątkiem i pozostawiła dzieciom porządny majątek.

Galina Władimirowna Aderkas
B.M. Kustodiew „Żona kupca przy herbacie”, 1918

„Żona kupiecka przy herbacie” Kustodiewa to prawdziwa ilustracja tej jasnej i dobrze odżywionej Rosji, gdzie odbywają się jarmarki, karuzele i „chrzęst francuskiego chleba”. Obraz powstał w porewolucyjnym roku głodu 1918, kiedy o takiej obfitości można było tylko marzyć.

Galina Władimirowna Aderkas, naturalna baronowa z rodziny, której historia sięga XVIII-wiecznego rycerza inflanckiego, pozowała na tym portrecie żonie kupca. W Astrachaniu Galia Aderkas była współlokatorką Kustodiewów z szóstego piętra; Żona artysty przyprowadziła dziewczynę do studia po zauważeniu kolorowego modela. W tym okresie Aderkas była bardzo młoda – studentka pierwszego roku medycyny – i na szkicach jej sylwetka wygląda na znacznie szczuplejszą. Po ukończeniu studiów i przez pewien czas pracy jako chirurg porzuciła zawód i Lata sowieckieŚpiewała w rosyjskim chórze, brała udział w dubbingu filmów, wyszła za mąż i zaczęła występować w cyrku.

Lisy del Giocondo
Leonardo da Vinci, „Mona Lisa”, 1503-1519.

Być może jeden z najbardziej znanych i tajemnicze portrety wszystkich czasów i narodów – to słynna Mona Lisa wielkiego Leonarda. Wśród wielu wersji tego, kto jest właścicielem legendarnego uśmiechu, w 2005 roku oficjalnie potwierdzono następujące: płótno przedstawia Lisę del Giocondo, żonę florenckiego kupca jedwabiu Francesco del Giocondo. Portret być może został zamówiony u artysty z okazji narodzin syna i zakupu domu.

Lisa wraz z mężem wychowała pięcioro dzieci i najprawdopodobniej jej małżeństwo opierało się na miłości. Kiedy jej mąż zmarł na dżumę i Lisę również dotknęła ta poważna choroba, jedna z córek nie bała się zabrać matki do siebie i ją opuściła. Mona Lisa wyzdrowiała i przez jakiś czas mieszkała ze swoimi córkami, zmarła w wieku 63 lat.

Portret w malarstwie to gatunek Dzieła wizualne, w którym artyści nie tyle osiągają podobieństwo zewnętrzne, ile starają się je odzwierciedlić charakter wewnętrzny przedstawiona osoba. Portret może być indywidualny lub zbiorowy; mistrz artysta tworzy obraz typowy dla danej epoki.

Historia gatunku

Jak to się okazało w tamtym czasie starożytna sztuka. Podczas wykopalisk na Krecie odkryto wiele fresków z wizerunkami kobiet. Inne zabytki sztuki sięgają Egiptu, gdzie odkryto drewniane deski, na których przedstawiono portrety wykonane techniką enkaustyczną (są to farby na bazie wosku). W średniowieczu portrety w malarstwie istniały wyłącznie w celu przedstawiania dawców i były częścią generała kompozycja artystyczna na tematy religijne.

Rozkwit malarstwa przypada na renesans. Artyści renesansu głosili idee humanistyczne i za podstawę przyjmowali świat jednostki, a krajobrazy i wnętrza odgrywały skromną rolę jako tło. Arcydziełem tamtych czasów była La Gioconda, a jej twórca Leonardo da Vinci zasłynął na wieki.

Tycjan wniósł ogromny wkład w rozwój gatunku; stworzył całą galerię portretów swoich współczesnych. Autoportrety takich artystów jak Jan van Eyck i Albrecht Durer są przykładami dla wielu artystów portretowych.

Portret kobiety w malarstwie

Odwiecznym tematem sztuki jest przedstawienie wizerunku kobiety. Każda epoka rysowała swój własny ideał kobiety, a jej charakter przyciągał Specjalna uwaga wielu artystów. Patrząc na portret tamtych czasów, możemy zobaczyć, jak wyglądał i jak wyglądał wewnętrzny świat pod wpływem określonych wydarzeń życie publiczne, sztuka, literatura, moda.

Sztuka rosyjska w ogóle, a portret w malarstwie w szczególności pokazują, jak na przestrzeni wieków zmieniał się ideał kobiecego piękna. Wynika to ze zmiany światopoglądu, nawyków, zwyczajów, wraz ze zmianą systemów rządów i pokoleń.

Obrazy kobiet

Pod koniec XVIII wieku rosyjski portret w malarstwie osiągnął swój szczyt. Jednym z najważniejszych i najpopularniejszych tematów jest przedstawianie kobiecego uroku. Na płótnach widzimy kobiety zalotne i uwodzicielskie. A na portretach zagranicznych artystów Rosjanki i młode damy wyglądają jak lalki, uśmiechają się nieśmiało i żartobliwie, przez co jedno wygląda jak drugie.

Rosyjscy artyści I.P. Argunov, D.G.Levitsky, V.L. Borovikovsky widzi kobietę inaczej. Wnoszą do portretu kobiety psychologiczną rewitalizację i konkret. W malarstwie starają się przekazać życie i prawdziwe zdjęcie moralność, gusta i moda epoki kobiecej wszechmocy. Widzimy całe spektrum postacie kobiece: arogancka, zimna piękność i delikatna, miękka marzycielstwo, kokieteria i skromność, duchowy urok i surowa tajemnica z izolacją. Ale najważniejsze jest zdominowanie serc ludzi.

Nowe ideały

Era romantyzmu XIX wieku miała na celu ukazanie szczególnej wrażliwości kobiety i subtelnych poruszeń duszy. Twórczość Karamzina i Żukowskiego wywarła ogromny wpływ na artystów początku stulecia, na przykład O.A. Kiprensky. Ich płótna odzwierciedlały wszystkie cechy romantyzmu w gatunku portretu. W malarstwie i muzyce, a także poezji tego czasu poszukiwane były motywy osobistych przeżyć lirycznych i tajemnicze piękno rodzimej starożytności (romantyczna opera A. N. Wierstowskiego „Grób Askolda” z 1835 r. cieszył się szczególną popularnością).

Ale w połowie stulecia wzniosłość i senność kobiecych wizerunków zniknęły bez śladu. Z obrazów tego okresu można poznać trendy w modzie. Pióra na kapeluszach, biżuterii i koronkach są starannie pomalowane; artyści, dając się ponieść detalom, często zapominają o samej postaci. W obrazach świeckich piękności króluje arogancja, a ciepła i prostoty już nie ma.

Ale niektórzy artyści początku stulecia, w szczególności Venetsianov i Tropinin, w poszukiwaniu „żywych” obrazów zwracają się ku do zwykłych ludzi. Narodził się ruch „pospolitych” portretów kobiecych, tworzących wyidealizowany obraz kobiety pracującej.

Obrazy K.S. Petrova-Vodkina

Nowy wiek charakteryzuje się poszukiwaniem nowych form w gatunku portretu. W malarstwie (VI klasa szkoły na lekcjach plastyki szczegółowo omawia temat „ Obrazy kobiet") artystki zwracają się w przeszłość i przyszłość w poszukiwaniu kobiecego ideału. Temat macierzyństwa i kobiecości zajmuje duże miejsce w twórczości V. Petrov-Vodkina. W pracy „Matka” artystka osiągnęła pełne ujawnienie tematu. Jego zdjęcie to hymn szczęście rodzinne i świętość miłości. W postaci matki czujemy się siła moralna czystości i wzniosłości, tuląc do siebie dziecko, przypomina Madonnę.

Obraz „Matka Boża. Czułość złe serca„Napisany przez niego w czasie I wojny światowej utwór jest emocjonalną odpowiedzią artysty na krwawe wydarzenia tamtych czasów. Stworzył wysublimowany i pełen czci obraz, który pod względem głębi oddziaływania jest jednym z najpotężniejszych w jego twórczości.

Wizerunek kobiety zmieniał się z epoki na epokę, ale zachował główne trwałe cechy: piękno, czułość, macierzyństwo.

Na początku XX wieku pojawił się nasz kalendarz nowe święto, którego nazwa brzmiała jak rewolucyjne hasło: „Międzynarodowy Dzień Kobiet solidarności kobiet pracujących w walce o równe prawa”.
Na szczęście z biegiem czasu ten dzień nabrał zupełnie innego znaczenia, a dla nas 8 marca to święto kobiecego piękna i wdzięku.

Chcąc połączyć to, co historyczne z tym, co przyjemne, zebraliśmy kilka obrazów przedstawiających słodkie, zalotne i silne pracujące kobiety od wielkich artystów - wiecznych jeńców kobiecego piękna i cnót!

Pochodzący z Moskwy Aleksiej Wenecjanow po raz pierwszy odwiedził wieś w wieku 35 lat, kiedy po ślubie nowożeńcy pojechali odwiedzić rodziców żony w prowincji Twer.

Artysta był tak zafascynowany przyrodą, że od razu zapragnął osiedlić się na rosyjskich bezdrożach i kupił posiadłość w Safonówce.

To tutaj maluje obraz „Na zaoranym polu”. Cała twórczość Venetsianova przesiąknięta jest poezją; jego obrazy poświęcone życiu chłopskiemu idealizują życie na wsi.

Od dzieciństwa Zinaida Serebryakova jest zakochana w obrazach Venetsianova. W niej wczesne obrazy czuć niewidzialną więź z twórczością rosyjskiego pisarza codziennego. Wieśniaczki Venetsianova, sto lat później, wydają się nadal żyć na jej obrazach.

Wiejskie dziewczęta artysty są majestatyczne, o królewskiej postawie; spokojnie wykonują swoją codzienną pracę - prawdziwa poezja duchowości!

Zinaida Evgenievna Serebryakova „Żniwa”
1915, 177×142 cm.

Obrazy „Żniwa” i „Wybielające płótno” klasyfikowane są jako najlepsze prace Zinaida Serebryakova. Zostały namalowane w rodzinnym majątku Nieskucznoje w obwodzie charkowskim, gdzie od 1898 roku rodzina Sieriebriakowów spędzała lato i jesień.

W 1914 roku, po długiej podróży na północ Włoch, Zinaida przybyła do Nieskuchnoje i od razu rozpoczęła pracę nad obrazem „Żniwa”.

Badanie twórczości artystów Włoski renesans, dopiero niedawno oglądany w muzeach i galeriach, daje się odczuć w klasycznie skonstruowanej kompozycji, a monumentalność form podkreśla piękno postacie kobiece na tle krajobrazu z polami pszenicy ciągnącymi się nierównomiernie po horyzont.
Obrazy te uważane są za ostatnie idylliczne obrazy przedrewolucyjnej Rosji.

Zinaida Evgenievna Serebryakova „Wybielanie płótna”
1917, 141,8×173,6 cm.

Koronka, puder, szminka - wszystko, czego potrzebuje czarująca kobieta...

Francuzki również niestrudzenie pracują nad obrazami artystów. W epoce rokoka najmodniejszym zawodem miejskich kobiet była modystka.

Eleganckie i luksusowe stroje, gorsety, hafty i koronki to wszystko były myśli kobiet, bo trzeba było dotrzymać kroku trendsetterce Madame Pompadour!

A fantazje młodych dziewcząt ucieleśniały walety wszystkich zawodów - modystki.

Francois Boucher na obrazie „Modernistka” zdaje się zaglądać do pokoju i podglądać panie dyskutujące o przyszłym modelu.
Francois Bouchera. „Molarz”

W XVIII wieku, w okresie Oświecenia we Francji, w sztuce panował zwyczaj wychwalania i afirmacji cnót trzeciego stanu, a w malarstwie prostotę i naturalność uznawano za dobrą formę.

Jean-Baptiste Greuze w filmie „Praczka” nie tylko przedstawia wdzięcznego i czarującego młodego robotnika – w ten sposób gloryfikuje ciężką pracę.

W Rosji w drugiej połowie XVIII wieku Grez stał się modny artysta szlachta rywalizowała ze sobą o zamówienie u niego portretów, sama cesarzowa Katarzyna II, za radą Diderota, kupiła od artysty obraz „Paralityk”.

Oczywiście taka popularność twórczości Greuze’a nie pozostała niezauważona w malarstwie rosyjskim; jego obrazy wywarły ogromny wpływ na rosyjski portret.

Jean-Baptiste Greuze „Praczka”
1761, 32×40 cm.

Koronkarki

Ze względu na swój urok Wasilij Tropinin nazywany był „Russian Dreams”. portrety kobiet. Po raz pierwszy stworzył w malarstwie rosyjskim nowy typ portret gatunkowy - poetycki obraz dziewczyny przy pracy.

Młode piękności z obrazów „Koronkarka” i „Złotnik”, zajęte swoją pracą, na chwilę odwracają wzrok od swojego dzieła i spoglądają przebiegle na widza.

Wasilij Andriejewicz Tropinin. „Złotnik”
1826, 64×81 cm.

Tropinin był artystą pańszczyźnianym i dopiero w wieku 47 lat otrzymał wolność. Symboliczne jest, że to rok 1823, rok napisania „Koronkarki”, przyniósł artyście zarówno wolność, jak i oficjalne uznanie.

W tym roku po raz pierwszy wystawia swoje prace na Akademii Sztuk Pięknych, a artysta otrzymuje tytuł „naukowca mianowanego”. Tym samym intymny portret kobiety z miasta przyniósł twórcy wolność i sukces.

Tropinin „Koronkarz”

Gospodyni domowa

Gospodarstwo domowe To zawsze spoczywało na barkach kobiet, a obowiązki kuchenne są ich bezpośrednią odpowiedzialnością. Dla niektórych jest to błogosławieństwo, ale dla wielu jest to kłopot. Dla bohaterki filmu „Kucharz” Bernardo Strozziego jest to obowiązek i święty rytuał.

Oglądając obraz, możesz zadać sobie wiele pytań. Na przykład, dlaczego młoda dziewczyna patroszy ptaka, ubrana w elegancką sukienkę i koraliki? Czy ma dużą rodzinę, bo obiad składa się ze sporej ilości dań?

Kto jest przedstawiony na zdjęciu – może artysta przedstawił swoją żonę i dlatego tak czule patrzy na widza? Ta opcja jest całkiem możliwa: obrazy Strozziego przedstawiające przedmioty codziennego użytku są bardzo rzadkie i równie dobrze mógł zrobić wyjątek dla swojej żony.

Bernardo Strozzi „Kucharz”
1625, 185×176 cm.

Autor obrazu - Włoski artysta Epoka baroku z niezwykłą biografią. Awanturniczy charakter Strozziego znalazł odzwierciedlenie we wszystkich jego działaniach: w młodości wstąpił do Zakonu Kapucynów i został księdzem, następnie studiował malarstwo w warsztacie genueńskiego artysty Sorriego i jednocześnie pracował jako inżynier marynarki we flocie genueńskiej.

Późniejszy artysta uciekł z klasztoru i ukrywał się przed prześladowaniami mnichów w Wenecji. Ale Strozzi nigdy nie porzucił malarstwa. Jego głównym tematem były portrety, sceny religijne i mitologiczne oraz twórczy sposób Wielki wpływ wywarło malarstwo Caravaggia.

„Zawód” pasterki był kiedyś bardzo popularny i artyści chętnie po niego sięgali. Dotykający obraz W pracach Van Gogha znajdujemy pasterkę w średnim wieku, który malował prostych wieśniaków ze szczególnym ciepłem i miłością.

Spójrz na kolor obrazu: żółty pola pszenicy- barwa słońca i ciepła, delikatnie kontrastująca z błękitną peleryną pasterki - technika częsta w twórczości artystki, jednak nie powodująca niespokojne uczucia jak na innych jego obrazach.

Van Gogh niezwykle trafnie przekazuje swoje uczucia za pomocą odcieni koloru. Bez względu na to, jakie wichry szaleją wokół, kobieta jest spokojna i uległa swojemu trudnemu losowi… A naszym dominującym i szczerym uczuciem, gdy patrzymy na ten obraz, jest „empatia”.

Vincent van Gogh. "Kowbojka"
1889, 52,7×40,7 cm.
Artysta stworzył tę pracę podczas leczenia w Saint-Rémy na południu Francji. W tym okresie 1889-1890 studiował twórczość założyciela szkoły barbizonskiej, Jeana Francois Milleta i w tym czasie wykonał kopie 23 jego obrazów, w tym „Pasterki” (choć trudno nazwać ją Van Gogh maluje kopię).

Vincent pisze do brata o swoim zawodzie:
„Zapewniam, że bardzo mnie interesuje wykonywanie kopii, a ponieważ nie mam teraz modeli, nie zrezygnuję z pracy nad figurą za pomocą tych kopii.
Wykorzystuję czarno-białe reprodukcje Delacroix i Milleta, jakby były prawdziwymi bohaterami. A potem improwizuję kolor, choć oczywiście nie dokładnie tak, jakbym to robił sam, ale próbując sobie przypomnieć ich obrazy.
Jednak to „przypomnienie”, niejasna harmonia ich kolorów... to moja interpretacja.

Porównując obrazy obu artystów, wydaje się, że Van Gogh namalował pasterkę w swojej wyobraźni.

Proso „Pasterka” 1, Proso „Pasterka” 2.

Jean Baptiste Chardin obserwował życie zwykłych mieszkańców miasta i spisywał na ich podstawie historie. Życie codzienne. Obraz „Praczka” emanuje spokojem, domowym komfortem, w którym wszystko ogrzewają troski gospodyni.

Podczas gdy mama robi pranie, syn jest zajęty swoją prostą zabawą. Obrazy dzieci są zawsze obecne w obrazach Chardina, podkreślając miłość matki do dziecka. Demonstracja tych relacji pomaga mu stworzyć duchową atmosferę ciepła i skromnego, ale znaczącego i satysfakcjonującego życia dla mieszczan.

Praca kobiet na obrazach artystki utożsamiana jest ze szlachetną pracą wykonywaną ze szczególną starannością i miłością.

Jean Baptiste Simeon Chardin. „Praczka”

Artykuły redakcyjne Pracy Socjalistycznej - my nowy Świat zbudujmy to!

Kobiety opanowują nowe zawody w Kraj sowiecki. Tutaj nie są to tylko zachodni fashionistki - radziecka kobieta może zbudować metro!

W serii graficznej Aleksandra Samochwałowa z lat 30. XX w. portrety dziewcząt pracujących w metrze ucieleśniały ideał pracy socjalistycznej.

Entuzjazm, młodzieńcza energia, optymizm i przepełnienie sił w tych pracach - będziemy budować nowy kraj. Oto ona z wiertarką, z łopatą, piękna, silna i szczęśliwa, może wszystko!

Artysta zaangażował się ścieżkę ideologiczną kraju, szczerze wierzy w uniwersalne stworzenie dla dobra świetlanej przyszłości. A duchowe impulsy artysty są materią dość namacalną, wystarczy spojrzeć na prace!

Jak często podziwiamy dzieła sztuki, nie zastanawiając się, kto jest na nich przedstawiony? W pamięci pozostają jedynie imiona członków rodziny królewskiej, a tożsamość dziewczyny, której mglista sylwetka widoczna jest w rogu zdjęcia, pozostaje nieznana. Dziś opowie o kobietach, które pozowały do ​​słynnych obrazów artystówAmator. głoska bezdźwięczna.

Holenderska Mona Lisa

Słynna „Holenderska Mona Lisa”, „Dziewczyna z perłą” Jana Vermeera została namalowana około 1665 roku. Przez długi czas obraz nazywał się po prostu „Dziewczyna w turbanie”, jego nowoczesna nazwa otrzymała go dopiero w XX wieku. Przedstawianie turbanów na obrazach stało się popularne od XV wieku, a Vermeer często wykorzystuje ten szczegół toalety w portretach. Cały obraz został namalowany w specjalnym gatunku „troni”, co oznaczało wizerunek głowy człowieka.

„Holenderska Mona Lisa” od dawna nazywana jest „Dziewczyną w turbanie”

Zgodnie ze swoją nazwą, wzrok widza przyciąga duży kolczyk z perłą.

Według najpopularniejszej wersji do portretu Vermeera pozowała jego młoda córka Maria, choć niektórzy badacze wciąż sugerują, że mogła to być córka patrona artysty, filantropa Ruyvena. Maria była jednym z 15 dzieci Vermeera – jego małżeństwo było naprawdę szczęśliwe. Artysta kochał swoją żonę, a ona często pozowała mu do obrazów.

Mistyczny portret młodej Lopukhiny

Portret Marii Iwanowny Łopuchiny, jednej z przedstawicieli rodziny hrabiowskiej Tołstoja, jest jednym z najbardziej znane prace Rosyjski artysta Borovikovsky. Został namalowany w 1797 roku i obecnie znajduje się w Galerii Trietiakowskiej.

Portret M. I. Lopukhiny jest jednym z najbardziej znanych znane prace Borowikowski

Poeta Jakow Połoński zadedykował swoje wiersze dziewczynie przedstawionej na portrecie: „Odeszła dawno temu, nie ma już tych oczu i nie ma tego uśmiechu, który cicho wyrażał cierpienie - cień miłości i myśli - cień smutku, ale Borovikovsky ocalił jej urodę.” Artysta posługuje się tradycją malarstwo portretowe technika - otaczanie postaci przedmiotami, które pomagają ją scharakteryzować. Są to cechy rosyjskiego krajobrazu, delikatny szal i opadające pąki róż.

Portret Łopuchiny uważany jest za najbardziej poetycki w twórczości Borovikowskiego

Co ciekawe, portret Marii Lopukhiny przez długi czas przestraszone młode dziewczyny. Faktem jest, że wkrótce po namalowaniu obrazu młoda kobieta w wieku 21 lat zmarła na gruźlicę. Wielu wierzyło, że portret odebrał jej życie, a jeśli dziewczyny spojrzą na obraz, również wkrótce umrą.

Dziewczyna z parasolką z obrazów Moneta

Słynny obraz Claude'a Moneta „Pole maków w Argenteuil” został namalowany w 1873 roku. Obraz ten pojawił się na wystawie impresjonistów w 1874 roku, kiedy po raz pierwszy zadeklarowali się jako odrębna grupa. Dwie postacie na pierwszoplanowy- To żona Moneta Camila i ich syn Jean.

Obraz Claude’a Moneta „Pole maków w Argenteuil” został namalowany w 1873 roku

Monet malował, jak miał w zwyczaju, w plenerze, starając się uchwycić atmosferę lekkości i ruchu. Interesujący fakt, na co mało kto zwraca uwagę: w lewym rogu zdjęcia inna podobna para, kobieta z dzieckiem. Ledwo zauważalna ścieżka wije się pomiędzy obiema parami.

Obraz przedstawia dwie pary, z których jedna to żona i syn Moneta

Historia miłosna Moneta i Camili była tragiczna: ojciec Moneta niejednokrotnie groził, że pozbawi syna utrzymania, jeśli nie rozstanie się z ukochaną. Długo żyli osobno, ale Monet nie mógł długo wytrzymać bez rodziny. Jednak artysta często prosił żonę, aby pozowała do jego obrazów. Camilę możemy zobaczyć zarówno na płótnie „Dama w zieleni”, jak i wśród „Kobiet w ogrodzie”. Istnieje również kilka odrębnych portretów Camili i ich syna. A kiedy Camila zmarła, namalował jej pośmiertny portret, który różni się od pozostałych dzieł artysty.

Monet namalował pośmiertny portret swojej żony pod wrażeniem jej śmierci

Pod wrażeniem śmierci ukochanej żony Monet namalował jej pośmiertny portret

Aktorka, która oczarowała Renoira

Auguste Renoir, jeden z najsłynniejszych artystów impresjonistów, kochał i umiał przedstawiać kobiece piękno. Aktorka Jeanne Samari była jego ulubioną modelką. Renoir namalował od niej 4 portrety, ale najbardziej znanym był „Portret aktorki Jeanne Samary”. Został napisany w 1877 roku i obecnie znajduje się w Muzeum Puszkina w Moskwie.

Główne odcienie użyte w portrecie to różowy i zielony.

Żanna pochodziła z rodziny teatralnej i nie długo wybierała swoją dziedzinę. Zadebiutowała w teatrze rolą Doriny w Tartuffe Moliera, a jej sława szybko rosła. Przed ślubem dziewczyna często chodziła do studia Renoira i pozowała dla niego. To prawda, że ​​​​nieregularnie uczęszczała na sesje, co rozgniewało artystę. Ale był całkowicie zafascynowany wdziękiem aktorki, więc raz po raz zapraszał ją, aby została jego modelką. Ale jej sława i szczęście nie trwały długo: w wieku 33 lat zmarła na tyfus.

Tancerka z elastycznością węża

Słynny autor „Dziewczyny z brzoskwiniami” Walentin Sierow, poznawszy Idę Rubinstein w Paryżu w 1910 roku, poprosił ją, aby została modelką dla nowego obrazu. Wcześniej pozowała dla wielu artystów - Keesa van Dongena, Antonio de la Gandara, Andre de Segonzac, Leona Baksta, a później dla Romaine Brooks.

Portret Idy Rubenstein został niemal natychmiast zakupiony od Sierowa

Ale to portret rosyjskiego artysty stał się najbardziej znany. Obraz niemal natychmiast został zakupiony od autora i umieszczony w zbiorach Muzeum Rosyjskiego.

Córka Sierowa, Olga, napisała, że ​​w rzeczywistości Ida wcale nie była taka chuda, a artysta celowo ją stylizował

Ida Rubinstein była znaną rosyjską tancerką i aktorką. W latach 1909-1911 występowała w trupie Siergieja Diagilewa. Rubinstein była wysoka, ale jej wdzięk zadziwił publiczność i opisywano ją jako tancerkę „z elastycznością węża i plastycznością kobiety”. Role Kleoparty i Zobeide stały się jej głównymi rolami. Po opuszczeniu Diagilewa stworzyła własną trupę, w której występowała przez długi czas. A w 1921 roku zagrała nawet we włoskim filmie „Statek”.