Przewodnik po Galerii Trietiakowskiej. Godzina zajęć na temat „Wprowadzenie do historii powstania Galerii Trietiakowskiej

Państwo Galerii Trietiakowskiej(znana również jako Państwowa Galeria Trietiakowska, Galeria Trietiakowska) - Muzeum Sztuki w Moskwie, założona w 1856 roku przez kupca Pawła Trietiakowskiego i posiadająca jedną z największych i najbardziej znaczących kolekcji rosyjskiej sztuki na świecie. Ekspozycja na moskiewskim Lavrushinsky Lane „Malarstwo rosyjskie XI - początek XX wieku” (Lavrushinsky per., 10) jest częścią Ogólnorosyjskiego Stowarzyszenia Muzeów „Państwowa Galeria Trietiakowska”, założonego w 1986 roku.

Pavel Trietiakov zaczął budować swoją kolekcję dzieł sztuki w połowie lat pięćdziesiątych XIX wieku. Doprowadziło to po pewnym czasie do tego, że w 1893 roku w Zamoskvorechye otwarto dla szerokiej publiczności „Moskiewską Galerię Miejską Pawła i Siergieja Trietiakowskiego”. Jej kolekcja obejmowała 1276 obrazów, 471 rysunków i 10 rzeźb rosyjskich artystów, a także 84 obrazy mistrzów zagranicznych.

3 czerwca 1918 r. Galerię Trietiakowską uznano za „własność państwową Rosyjskiej Federacyjnej Republiki Radzieckiej” i nazwano Państwową Galerią Trietiakowską. Dyrektorem muzeum został Igor Grabar. Przy jego aktywnym udziale w tym samym roku powstał Państwowy Fundusz Muzealny, który do 1927 roku pozostawał jednym z najważniejszych źródeł uzupełniania kolekcji Państwowej Galerii Trietiakowskiej.

W 1928 r. przeprowadzono generalny remont ogrzewania i wentylacji, w 1929 r. zainstalowano elektryczność. W 1932 r. wybudowano trzy nowe sale, łączące główny gmach Państwowej Galerii Trietiakowskiej z magazynem w cerkwi św. Mikołaja w Tolmachach. Zapewniło to ciągłość przeglądu narażenia. Muzeum zaczęło opracowywać nową koncepcję rozmieszczenia eksponatów.

Od pierwszych dni Wielkiej Wojny Ojczyźnianej Galeria rozpoczęła demontaż ekspozycji - podobnie jak inne muzea w Moskwie, Państwowa Galeria Trietiakowska przygotowywała się do ewakuacji. W połowie lata 1941 r. pociąg 17 wagonów opuścił Moskwę i dostarczył zbiory do Nowosybirska. Dopiero 17 maja 1945 roku w Moskwie ponownie otwarto Państwową Galerię Trietiakowską.

W 1985 stan galeria zdjęć, położony na Krymsky Val, 10, został połączony z Galerią Trietiakowską w jeden kompleks muzealny pod Nazwa zwyczajowa Państwowa Galeria Trietiakowska. Obecnie w budynku mieści się zaktualizowana stała ekspozycja „Sztuka XX wieku”.

W latach 1986-1995 Państwowa Galeria Trietiakowska była zamknięta dla zwiedzających z powodu poważnej przebudowy.

Częścią Galerii Trietiakowskiej jest Muzeum-Świątynia św. Mikołaja w Tolmaczach, które jest unikalnym połączeniem ekspozycji muzealnej i funkcjonująca świątynia. Kompleks muzealny przy Lavrushinsky Lane obejmuje budynek inżynieryjny i salę wystawową w Tolmachi przeznaczoną na wystawy czasowe.

W ramach federalnego instytucja publiczna kultura Ogólnorosyjskie Stowarzyszenie Muzeów Państwowa Galeria Trietiakowska (FGUK VMO GTG) obejmuje: Muzeum-warsztat rzeźbiarza A.S. Golubkina, Dom-Muzeum V.M. Vasnetsova, Muzeum-apartament A.M. Vasnetsov, Dom-Muzeum P.D. Korina, sala wystawowa w Tolmachi.

Galeria Trietiakowska to co innego Widok Moskwa, którą każdy turysta musi odwiedzić. Znajduje się tutaj największa kolekcja obrazów w Rosji. Teraz dwór na Lavrushinsky lane, którego fasada jest ozdobiona sztukaterią, jest słynną galerią, aw 19-ym wieku był to dom kupiecki. W 1851 r. dwór ten kupił filantrop, właściciel wirowanie papieru fabryki i kolekcjoner sztuki Paweł Michajłowicz Tretiakow. Początkowo dom był kupowany do zamieszkania, a dopiero znacznie później zamienia się w galerię.

W 1854 r. Trietiakow zakupił 9 płócien i 11 arkuszy grafik dawnych mistrzów holenderskich i umieścił je w swojej posiadłości. Według historyków było to stworzenie słynnej galerii. Jednak oficjalnym rokiem jego powstania jest rok 1856. W tym roku do swojej kolekcji P. M . Trietiakow nabywa dwa płótna - V. G . Khudyakov „Starcie z Finami przemytnicy"oraz n. G . Schildera „Pokusa”.

Wraz z Pawłem jego brat Siergiej zajmuje się również nabywaniem obrazów znanych malarzy. Od pewnego czasu tylko wąskie grono osób może podziwiać kolekcję braci Trietiakowów. Ale w 1867 roku po raz pierwszy stał się dostępny dla ogółu społeczeństwa. W tym roku kolekcja braci Tretiakow liczyła już 471 rysunków, 10 rzeźb i 1276 obrazów. Zdecydowana większość prac była dziełem rodzimych mistrzów.

Czas minął. Kolekcja wciąż się powiększała. Do domu należało wprowadzić dodatkowe dodatki. Pojawiły się nowe pokoje. W 1892 Piotr Michajłowicz Tretiakow podarował galerię Moskwie. W 1904 roku budynek galerii sztuki uzyskał słynną fasadę Wasniecowskiego. Szkic fasady został stworzony przez słynnego rosyjskiego malarza V. M . Wasniecowa (jego imieniem nazwano fasadę), zaprojektowany przez V. N . Baszkirow.

Z każdym rokiem powiększała się kolekcja Galerii Trietiakowskiej, konieczne było jej uporządkowanie. Igor Emmanuilovich Grabar, będąc w 1913 najpierw powiernikiem, a następnie dyrektorem galerii, po raz pierwszy wprowadził w Rosji układ obrazów w chronologiczny w porządku.

Po rewolucji postanowiono przenieść sąsiednie budynki do Galerii Trietiakowskiej. Najpierw przypisywano mu dom przy Małym Zaułku Tołmaczewskim (dawna własność kupca Sokolikowa), a następnie cerkiew św. Mikołaja w Tolmachi. Aby przedłużyć działalność galerii, w 1929 roku została ona zelektryfikowana.

W 1941 r. zbiory zostały ewakuowane, a sam budynek poważnie uszkodzony. Jednak do 1945 roku większość sal Galerii Trietiakowskiej została odrestaurowana, eksponaty wróciły do Moskwy, a turyści mogli ponownie podziwiać dzieła rosyjskich mistrzów.

W 1986 roku budynek galerii został zamknięty z powodu generalnego remontu, który trwał prawie 10 lat. Część ekspozycji mieściła się w jednym z budynków na Krymskim Wale. Ten sam rok to także moment powstania Ogólnorosyjskiego Stowarzyszenia Muzeów, zwanego „ Państwo Galerii Trietiakowskiej”. Dziś w Państwo Galeria Trietiakowska, oprócz tych dwóch budynków, obejmuje również dom-muzeum P. Korina, muzeum-świątynia św. Mikołaja w Tolmachi, dom-muzeum V. Wasniecowa i apartament-muzeum A. Vasnetsov, a także muzeum-warsztat A. Golubkina. Od 1995 roku w budynku kupca Trietiakowskiego znajduje się kolekcja eksponatów z początku ubiegłego wieku. Dzieła XX wieku znajdują się wyłącznie w budynku na Krymskim Wale.

Obecnie kolekcja Galerii Trietiakowskiej obejmuje ponad 55 tysięcy eksponatów. Znajdują się tu nie tylko obrazy, ale także ikony, rzeźby, dzieła sztuki i rzemiosła. Wycieczka do Galerii Trietiakowskiej będzie bardzo interesująca i przyniesie wiele wrażeń.

Galeria Trietiakowska jest najczęściej odwiedzanym muzeum w kraju. Galeria została założona pod koniec XIX wieku przez znanych kupców i filantropów - Pawła i Siergieja Trietiakowa, którzy przekazali miastu swoje zbiory. Galeria mieści się w dawny majątek bracia Trietiakow w Lavrushinsky Lane. Od tego czasu fundusz muzeum znacznie się zwiększył Rewolucja Październikowa 1917 przez spotkania zamożnych rodzin szlacheckich i kupieckich. W przestronnych salach Galerii Trietiakowskiej można zobaczyć starożytne rosyjskie ikony i obrazy z rosyjskiej szkoły malarstwa. Poruszając się po chronologicznie ułożonych salach muzeum, można szczegółowo zapoznać się z rosyjskimi dziełami sztuki od XVII do początku XX wieku.

Bracia Tretiakowowie stracili ojca, gdy najstarszy - Paweł - miał siedemnaście lat, a najmłodszy - Siergiej - piętnaście. Okazali się przedsiębiorcami od Boga. Bardzo szybko bracia rozszerzyli swoją działalność ze zwykłego handlu w sklepach do własnego dużego sklepu z bielizną, papierem i wełną na słynnej ulicy handlowej Ilyinka. Organizują się Dom handlowy"P. i S. braci Trietiakow. W połowie lat 60. XIX wieku przejęli Nowo-Kostromską Manufakturę Lnianą, którą później uczynili jedną z najlepszych w Rosji. Historyk kupców moskiewskich P.A. Buryshkin nazwał Tretiakowów jednymi z pięciu najbogatszych rodziny kupieckie Moskwa

Tretiakowowie byli znanymi darczyńcami i filantropami. Paweł Michajłowicz był powiernikiem Szkoły Arnolda dla Głuchoniemych, udzielał pomocy finansowej wyprawom badawczym, przekazywał pieniądze na budowę kościołów. Czasami darowizny Trietiakova przekraczały koszt nabycia obrazów. Siergiej Michajłowicz aktywnie uczestniczył życie publiczne Moskwa. Był członkiem moskiewskiej Dumy Miejskiej i burmistrzem. Na tym stanowisku zrobił wiele dla Moskwy. Dzięki Tretiakowowi Sokolnicheskaya Grove stał się Parkiem Miejskim Sokolniki: kupił go za własne pieniądze.

W 1851 r. Tretiakowowie kupili od kupców Szestowów majątek przy zaułku Ławruszyńskiego z dwupiętrowym dworem, ozdobionym klasycystycznym poddaszem i rozległym ogrodem. Aleksandra Daniłowna była pełnym właścicielem domu, a bracia Trietiakowowie skupili się na handlu. To była rzadkość w środowisku kupieckim, idealna rodzina i związek biznesowy. W tym samym czasie Tretiakowowie różnili się charakterem. Paweł był powściągliwy, lubił pracować i czytać w samotności, mógł godzinami patrzeć i studiować obrazy i ryciny. Siergiej, bardziej towarzyski i wesoły, był zawsze w zasięgu wzroku, lubił się afiszować.

Kiedyś Paweł Michajłowicz Trietiakow przyjechał do Petersburga w interesach i trafił do Ermitażu. Był tak zdumiony bogactwem kolekcja sztukiże chciał zacząć kolekcjonować. Wkrótce nabył dziewięć obrazów mało znanych zachodnich artystów. „Pierwsze dwa lub trzy błędy w tak trudnej sprawie, jak ustalenie autentyczności starych obrazów, na zawsze odwróciły go od kolekcjonowania obrazów dawnych mistrzów” – napisał I.S. Ostrouchow po śmierci kolekcjonera. „Najbardziej autentyczny dla mnie obraz to ten, który osobiście kupiłem od artysty” - lubił mówić Trietiakow. Wkrótce Tretiakow zapoznał się z kolekcją F.I. Pryanishnikov i postanawia kolekcjonować obrazy rosyjskich artystów.

W Galerii Trietiakowskiej za rok założenia muzeum uważa się rok 1856, kiedy Paweł Michajłowicz Trietiakow nabył pierwsze dwa obrazy „Kuszenie” N.G. Schildera i „Starcie z fińskimi przemytnikami” V.G. Chudiakow. Dziś wiszą obok siebie w tym samym pokoju. Warunek, pod jakim Paweł Michajłowicz wybrał obrazy do swojej galerii, można znaleźć w jego słowach skierowanych do artystów: „Nie potrzebuję bogatej przyrody, ani wspaniałej kompozycji, ani spektakularnego oświetlenia, żadnych cudów, dajcie mi chociaż brudną kałużę, ale żeby była w tym prawda, poezja, a poezja we wszystkim może być, to dzieło artysty.

Ale to wcale nie znaczy, że Tretiakow po prostu kupił wszystkie obrazy, które mu się podobały. Był śmiałym krytykiem, który nie uznawał cudzych autorytetów, często komentował artystów, a czasem nawet zabiegał o poprawki. Paweł Michajłowicz zwykle kupował obraz przed otwarciem wystawy, zaraz w warsztacie, kiedy ani krytycy, ani publiczność, ani dziennikarze jeszcze go nie widzieli. Trietiakow był dobrze zorientowany w sztuce, ale to nie wystarczyło, aby wybrać najlepszego. Paweł Michajłowicz miał szczególny dar jasnowidza. Żadna władza nie mogła wpłynąć na jego decyzję. Orientacyjny przypadek jest opisany przez S.N. Durylin w książce „Niestierow w życiu i pracy”:

„Na wstępnym, zamkniętym wernisażu XVIII Wystawy Objazdowej, na którą przyjęto kilku wybranych przyjaciół Wędrowców, Miasojedow przywiózł W.W. Stasov, trybun-apologeta Wędrowców, D.V. Grigorowicz, sekretarz Towarzystwa Zachęty Sztuki i A.S. Suworina, redaktora gazety Nowoje Wremia. Wszyscy czterej ocenili obraz strasznym osądem; wszyscy czterej zgodzili się, że to szkodliwe… Zło musi zostać wykorzenione. Poszliśmy szukać moskiewskiego milczka na wystawie, znaleźli gdzieś w odległym kącie, przed jakimś obrazem. Jako pierwszy odezwał się Stasov: ten obraz trafił na wystawę przez nieporozumienie, nie ma dla niego miejsca na wystawie Partnerstwa.

Zadania Partnerstwa są znane, ale obraz Niestierowa na nie nie odpowiada: szkodliwy mistycyzm, brak rzeczywistości, ten śmieszny krąg wokół głowy starca ... Błędy są zawsze możliwe, ale należy je poprawić. A oni, jego starzy przyjaciele, postanowili poprosić go, żeby zrezygnował z obrazu... Powiedziano wiele mądrych, przekonujących rzeczy. Każdy znalazł słowo piętnujące biednego „Bartłomieja”. Paweł Michajłowicz słuchał w milczeniu, a kiedy zabrakło słów, zapytał ich skromnie, czy już skończyli; kiedy dowiedział się, że wyczerpali wszystkie dowody, odpowiedział: „Dziękuję za to, co powiedziałeś. Kupiłem ten obraz w Moskwie i gdybym go tam nie kupił, kupiłbym go teraz tutaj, po wysłuchaniu wszystkich twoich oskarżeń.

Siergiej Michajłowicz Trietiakow zaczął gromadzić swoją kolekcję piętnaście lat później niż jego brat i udało mu się zdobyć tylko około stu sztuk. Jego kolekcja była jednak jedyna w swoim rodzaju, ponieważ interesował się współczesnym malarstwem zachodnim - J.-B. C. Corot, Sh.-F. Daubigny, F. Milet i inni Paweł Michajłowicz, w przeciwieństwie do swojego brata, który zbierał dla siebie obrazy, dążył do stworzenia publicznego muzeum sztuki narodowej. Już w 1860 roku (miał wtedy zaledwie dwadzieścia osiem lat) sporządził testament, zgodnie z którym zapisał sto pięćdziesiąt tysięcy rubli na utworzenie „muzeum sztuki” w Moskwie. Paweł Michajłowicz przekonał swojego brata, by zrobił to samo.

W 1865 r. Odbył się ślub Pawła Michajłowicza z kuzynką Verą Nikołajewną Mamontową słynny filantrop Sawwa Iwanowicz Mamontow. Trietiakowowie mieli sześcioro dzieci - cztery córki i dwóch synów. Wszyscy w rodzinie się kochali. Paweł Michajłowicz napisał do swojej żony: „Szczerze dziękuję Bogu i tobie z całego serca, że tak się złożyło, że cię uszczęśliwiłem, jednak dzieci mają tutaj wielką wadę: bez nich nie byłoby pełnego szczęścia!” Siergiej Michajłowicz ożenił się znacznie wcześniej niż jego brat, w 1856 roku, ale jego żona zmarła wkrótce po urodzeniu syna. Zaledwie dziesięć lat później Siergiej Michajłowicz zawarł drugie małżeństwo.

Paweł Michajłowicz trzymał się tradycyjnych poglądów kupców na wychowanie dzieci. Zapewnił dzieciom doskonałą edukację domową. Oczywiście artyści, muzycy i pisarze, którzy prawie codziennie odwiedzali Trietiakowa, odegrali znaczącą rolę w kształtowaniu dzieci. W 1887 roku syn Pawła Michajłowicza Wania, ulubieniec i nadzieja ojca, zmarł na szkarlatynę powikłaną zapaleniem opon mózgowych. Tretiakow boleśnie zniósł tę ciężką stratę. Drugi syn Michaił cierpiał na demencję i nie mógł zostać pełnoprawnym spadkobiercą i kontynuatorem rodzinnego biznesu. Córka Aleksandra wspominała: „Od tego czasu charakter mojego ojca bardzo się zmienił. Stał się ponury i cichy. Dopiero wnuki sprawiły, że dawne uczucie pojawiło się w jego oczach.

Przez długi czas Trietiakow był jedynym kolekcjonerem sztuki rosyjskiej, przynajmniej na taką skalę. Ale w latach osiemdziesiątych XIX wieku miał więcej niż godnego rywala - cesarza Aleksandra III. Istnieje wiele legend związanych z konfrontacją Trietiakowa z carem. Paweł Michajłowicz kilka razy dosłownie spod nosa Aleksandra zabrał obrazy artystów, którzy z całym szacunkiem dla sierpniowej osoby woleli Tretiakowa. Aleksander III, nazywany „carem chłopskim”, wpadł w furię, gdy odwiedzając wystawy objazdowe, zobaczył znaki „własność P.M. Tretiakow.

Ale zdarzały się przypadki, gdy przedstawiciele cesarza po prostu przerywali cenę Trietiakowa. Na przykład po śmierci Aleksander III jego syn Mikołaj II zaoferował niesamowitą kwotę na tamte czasy za obraz „Podbój Syberii przez Yermaka” V.I. Surikow - czterdzieści tysięcy rubli. Nowo pojawiający się cesarz nie chciał skąpić pamięci o swoim ojcu, który marzył o zdobyciu tego obrazu. Surikow miał już umowę z Pawłem Michajłowiczem, ale nie mógł odmówić tak lukratywnej umowy. Trietiakow po prostu nie mógł zaoferować więcej. Na pocieszenie artysta przekazał kolekcjonerowi bezpłatnie szkic obrazu, który do dziś wisi w muzeum.

Siergiej Michajłowicz zmarł w 1892 roku. Na długo przed śmiercią bracia Trietiakow postanawiają przekazać swoje zbiory Moskwie. W swoim testamencie Siergiej Michajłowicz przekazał miastu połowę domu przy Lavrushinsky Lane, wszystkie obrazy i kwotę stu tysięcy rubli. Paweł Michajłowicz dał swoje ogromna kolekcja(ponad trzy tysiące dzieł) w Moskwie wraz z kolekcją brata. W 1893 r. nastąpiło otwarcie Moskiewskiej Galerii Pawła i Siergieja Trietiakowskiego, w której obok obrazów artystów rosyjskich wisiała kolekcja sztuki zachodniej. 4 grudnia 1898 r. Trietiakow zmarł. Jego ostatnie słowa brzmiały: „Dbaj o galerię i bądź zdrowy”.

Po śmierci Trietiakowa w latach 1899-1906 główny dom zamieniono na sale wystawowe. Fasada, zaprojektowana według rysunku V.M. Wasniecow, stał się na wiele lat godłem Galerii Trietiakowskiej. Centralną część fasady podkreśla elegancki kokoshnik z reliefowym wizerunkiem Jerzego Zwycięskiego - starożytny herb Moskwy. W tym czasie artyści wykazywali zainteresowanie formą starożytna sztuka rosyjska. Luksusowo zdobione portale, bujne ramy okienne, jasne wzory i inne dekoracje - wszystko to mówi o pragnieniu Wasniecowa, aby zamienić Galerię Trietiakowską w starą rosyjską baśniową wieżę.

W 1913 roku artysta I.E. Grabar. Rozpoczęła się zmiana ekspozycji zgodnie z zasadą naukową, jak w najlepsze muzea pokój. Prace jednego artysty zaczęły wisieć w osobnym pomieszczeniu, a układ obrazów stał się ściśle chronologiczny. W 1918 r. Galerię Trietiakowską znacjonalizowano i przekazano pod zarząd Ludowego Komisariatu Oświaty. W tym czasie muzeum zostało znacznie uzupełnione ogromnymi zbiorami P.I. i V.A. Kharitonenko, E.V. Borysowa-Musatowa, A.P. Botkina, V.O. Girshman, poseł Ryabushinsky'ego oraz zbiory z majątków podmoskiewskich.

W latach 80. nastąpiła wielka przebudowa galerii. Projekt przewidywał „stworzenie dużego kompleksu muzealnego obejmującego zaplecze magazynowe, rozległą przestrzeń wystawienniczą, salę konferencyjną poprzez zagospodarowanie dziedzińców i renowację starego budynku z zachowaniem jego historycznego wyglądu”. Niestety, nowy budynek, zbudowany na skrzyżowaniu ulic Ławruszyńskiego i Bolszoja Tołmaczewskiego, okazał się obcy zespołowi architektonicznemu starych budynków Galerii Trietiakowskiej. Odbudowa przerodziła się w faktyczną śmierć pomnika. Nowy narożny budynek okazał się być poza tradycyjnymi związkami z otoczeniem.

W wyniku przebudowy powierzchnia wystawiennicza Galerii Trietiakowskiej wzrosła półtora raza. W 1998 roku w nowym budynku muzeum na Krymskim Valu, zbudowanym zgodnie z zasadami historycznymi, chronologicznymi i monograficznymi, została otwarta pierwsza stała wystawa sztuki XX wieku. W zbiorach muzeum znajduje się obecnie około stu pięćdziesięciu tysięcy dzieł. Kolekcja Pawła Michajłowicza wzrosła ponad pięćdziesiąt razy. Galeria Trietiakowska to ogromna placówka edukacyjna i Centrum Kultury prowadzi działalność naukową, konserwatorską, edukacyjną, wydawniczą, popularyzatorską i inną.

W jednym z listów do artysty Wasilija Wasiliewicza Vereshchagina P.M. Trietiakow napisał: „Wasze oburzenie na Moskwę jest zrozumiałe, sam byłbym oburzony i porzuciłbym cel zbierania dzieła sztuki, gdybym miał na myśli tylko nasze pokolenie, ale uwierzcie, że Moskwa nie jest gorsza od Petersburga: Moskwa jest tylko prostsza i jakby bardziej ignorancka. Dlaczego Petersburg jest lepszy od Moskwa? W przyszłości Moskwa będzie miała wielkie, ogromne znaczenie (oczywiście tego nie dożyjemy). prawdziwy patriota i najszlachetniejszy człowiek był Paweł Michajłowicz Tretkow. A potem okazał się prawdziwym wizjonerem.

Za każdym razem, gdy przychodzimy do galerii, wspominamy jej wielkiego twórcę, nie tylko dlatego, że przed wejściem znajduje się pomnik Trietiakowa (nawiasem mówiąc, wspaniały pomnik). Paweł Michajłowicz jest nie tylko kolekcjonerem, założycielem muzeum, on wraz z artystami stworzył rosyjską sztukę piękną, a rola Tretiakowa jest tutaj obiektywnie większa niż rola któregokolwiek z nich. TJ. Repin (i dużo o tym wiedział) powiedział kiedyś: „Tretiakow doprowadził swoją pracę do imponujących, niezrównanych proporcji i poniósł na barkach pytanie o istnienie całej rosyjskiej szkoły malarstwa”.

Państwowa Galeria Trietiakowska, Państwowa Galeria Trietiakowska (znana również jako Galeria Trietiakowska) to muzeum sztuki w Moskwie założone w 1856 roku przez kupca Pawła Trietiakowskiego i posiada jedną z największych kolekcji rosyjskiej sztuki na świecie. Ekspozycja w budynku inżynieryjnym „Malarstwo rosyjskie XI - początku XX wieku” (Lavrushinsky pereulok, 10) jest częścią Ogólnorosyjskiego Stowarzyszenia Muzeów „Państwowa Galeria Trietiakowska”, założonego w 1986 roku.

Pavel Trietiakov zaczął budować swoją kolekcję dzieł sztuki w połowie lat pięćdziesiątych XIX wieku. Doprowadziło to po pewnym czasie do tego, że w 1867 roku w Zamoskvorechye otwarto dla szerokiej publiczności „Moskiewską Galerię Miejską Pawła i Siergieja Trietiakowskiego”. Jej kolekcja obejmowała 1276 obrazów, 471 rysunków i 10 rzeźb rosyjskich artystów, a także 84 obrazy mistrzów zagranicznych. W 1892 Tretiakow przekazał swoją galerię miastu Moskwie. Elewacje budynku galerii zaprojektował w latach 1900-1903 architekt W. N. Baszkirow na podstawie rysunków artysty W. M. Wasniecowa. Budową kierował architekt AM Kalmykov.

W sierpniu 1892 r. Paweł Michajłowicz przekazał swoje Galeria Sztuki podarowany Moskwie. W tym czasie kolekcja obejmowała 1287 obrazów i 518 grafik szkoły rosyjskiej, 75 obrazów i 8 rysunków szkoły europejskiej, 15 rzeźb i zbiór ikon. 15 sierpnia 1893 r. Odbyło się oficjalne otwarcie muzeum pod nazwą „Moskiewska Galeria Miejska Pawła i Siergieja Michajłowicza Trietiakowa”.

Ilya Efimovich Repin, Portret Pawła Michajłowicza Trietiakowa

W 1985 roku Państwowa Galeria Sztuki, mieszcząca się przy Krymskim Wale 10, została połączona z Galerią Trietiakowską w jeden kompleks muzealny pod ogólną nazwą Państwowa Galeria Trietiakowska. Obecnie w budynku znajduje się zaktualizowana stała ekspozycja „Sztuka XX wieku”.

Częścią Galerii Trietiakowskiej jest Muzeum-Świątynia św. Mikołaja w Tolmaczach, które jest unikalnym połączeniem ekspozycji muzealnej i funkcjonującego kościoła. Kompleks muzealny przy Lavrushinsky Lane obejmuje Korpus Inżynieryjny przeznaczony na wystawy czasowe oraz Salę Wystawową w Tolmachi.

Struktura federalnej państwowej instytucji kultury Stowarzyszenie Muzeów Ogólnorosyjskich Państwowa Galeria Trietiakowska (FGUK VMO GTG) obejmuje: Muzeum-warsztat rzeźbiarza A.S. Golubkina, Dom-Muzeum V.M. Vasnetsova, Muzeum-apartament A.M. Vasnetsov, Dom-Muzeum P.D. Korina, sala wystawowa w Tolmachi.

Obrazy z kolekcji Państwowej Galerii Trietiakowskiej

Iwan Kramskoj. Nieznany, 1883.

To chyba najsłynniejsze dzieło Kramskoja, najbardziej intrygujące, które do dziś pozostaje niezrozumiane i nierozwiązane. Nazywając swój obraz „Nieznany”, Kramskoj na zawsze utrwalił za nim aurę tajemniczości. Współcześni byli dosłownie zagubieni. Jej wizerunek wywoływał niepokój i niepokój, niejasne przeczucie nowej przygnębiającej i wątpliwej - pojawienia się typu kobiety, która nie mieściła się w starym systemie wartości. „Nie wiadomo: kim jest ta pani, ale siedzi cała epoka„, niektórzy stwierdzili. W naszych czasach „Nieznany” Kramskoja stał się ucieleśnieniem arystokracji i świeckiego wyrafinowania. Jak królowa wznosi się nad zamglonym, białym, zimnym miastem, jadąc otwartym powozem wzdłuż mostu Aniczkowa. Jej strój – kapelusz franciszka obszyty eleganckimi jasnymi piórami, szwedzkie rękawiczki z najdelikatniejszej skóry, płaszcz Skobelowa ozdobiony sobolowym futrem i niebieskimi satynowymi wstążkami, kopertówka, złota bransoletka – to wszystko modne detale kobiecego stroju 1880. lata, twierdząc, kosztowna elegancja. Nie oznaczało to jednak przynależności Wyższe sfery wręcz przeciwnie - kodeks niepisanych zasad wykluczał ścisłe przestrzeganie mody w najwyższych kręgach rosyjskiego społeczeństwa.

TJ. Repin. Jesienny bukiet, 1892

Na zdjęciu artysta uchwycił swoją córkę, Verę Ilyinichną Repinę. Zbierała ostatnie jesienne kwiaty, spacerując po Abramcewie. Bohaterka obrazu jest pełna energia życiowa. Zatrzymała się tylko na chwilę, owijając piękną jasna twarz. Oczy Vera zwęziły się lekko. Wydaje się, że zaraz się uśmiechnie, dając nam ciepło swojej duszy. Na tle gasnącej natury dziewczyna wygląda jak piękny, pachnący kwiat, wesoła młodość i piękno emanuje z silnej i dostojnej sylwetki. Artysta umiejętnie i zgodnie z prawdą przedstawił ją pełna wysokość- promieniuje energią, optymizmem i zdrowiem.

Repina napisała:

Zaczynam portret Very, pośrodku ogrodu, od dużego bukietu gruboziarnistego jesienne kolory, z butonierką cienką, pełną wdzięku; w berecie, z wyrazem poczucia życia, młodości, błogości.

Patrząc na tę kwitnącą dziewczynę, wierzy się w wieczny triumf życia, jego nieskończoność i odnowę. Malarstwo I.E. „Jesienny bukiet” Repina daje nadzieję na nieuchronne zwycięstwo dobra nad złem, piękno nad przemijaniem i nieśmiertelność ludzkiego talentu.

W spuściźnie Ilji Efimowicza Repina portret zajmuje ważne miejsce. Wszystko przyciągało artystę w jego modelach - wyrazistość twarzy, pozy, temperament, ubrania ... A każda praca wyróżnia się witalnością i wszechstronnością cech. Artystyczna czujność mistrza pozwoliła nie tylko oddać cechy przedstawionej osoby, ale także stworzyć uogólniony obraz - obraz czasu, w którym żyje.

Walentin Aleksandrowicz Serow. Dziewczyna z brzoskwiniami, 1887.

Valentin Aleksandrovich Serow przebywał przez długi czas w Abramcewie, majątku Sawy Iwanowicza Mamontowa pod Moskwą. Tutaj, w jadalni dworu, namalowano słynny obraz „Dziewczyna z brzoskwiniami” – portret Wiery Mamontowej (1875–1907), dwunastoletniej córki mecenasa. To jedno z pierwszych dzieł malarstwa impresjonistycznego w Rosji. Czyste kolory, żywa, energetyczna kreska dają obraz młodości, pełnej poezji i szczęścia. w odróżnieniu francuskich impresjonistów Sierow nie rozpuszcza obiektywnego świata w świetle i powietrzu, ale dba o przeniesienie jego materialności. Świadczyło to o bliskości artysty z realistami, jego poprzednikami i nauczycielami - tj. Repin i PA Czistyakow. Specjalna uwaga zwraca uwagę na twarz dziewczyny, podziwiając wyrazistość i powagę jej wyrazu. Łącząc portret z obrazem wnętrza, artysta stworzył nowy typ malarstwo portretowe.

Valentin Serov mówił o pracy nad tym obrazem:

Chciałem tylko świeżości, tej wyjątkowej świeżości, którą zawsze czujesz w naturze, a której nie widać na zdjęciach. Pisałem ponad miesiąc i wymęczyłem ją, biedactwo, na śmierć, bardzo chciałem zachować świeżość malarstwa z pełną kompletnością - tak mawiali dawni mistrzowie

Michaił Aleksandrowicz Wrubel. Księżniczka łabędzi , 1900.

Prototypem obrazu była żona artysty Nadieżda Iwanowna Zabela-Vrubel. Mistrzyni była zachwycona jej występem scenicznym roli Księżniczki Łabędzi w operze Rimskiego-Korsakowa „Opowieść o Caru Saltanie”. Nadieżda Iwanowna, Słynny piosenkarz i muza artysty, przyczyniły się do wewnętrzny świat malarski urok kobiecego uroku. Sztuka Vrubla i twórczość Zabeli łączyły niewidzialne, ale mocne nici. Michaił Aleksandrowicz również inspirował się językiem rosyjskim epicki epicki i narodowych tradycji ludowych. Opierając się na legendzie, micie, eposie, artysta nie zilustrował ich, lecz stworzył własne poetycki świat barwny i pełen napięcia, pełen triumfalnego piękna i jednocześnie niepokojącej tajemnicy świat baśniowi bohaterowie z ich ziemską udręką i ludzkim cierpieniem.

W głębi naszych dusz szeroko otwarte, czarujące „aksamitne” oczy księżniczki zaglądają w głąb naszych dusz. Wydaje się, że widzi wszystko. Dlatego być może sobolowe brwi są uniesione tak smutno i lekko zdziwione, usta są zamknięte. Wydaje się być zaczarowana. Ale słyszysz bicie serca rosyjskiej baśni, jesteś urzeczony spojrzeniem księżniczki i jesteś gotowy patrzeć bez końca w jej smutne, dobre oczy, podziwiać jej uroczą, słodką twarz, piękną i tajemniczą. Gra szmaragdowych kamieni półszlachetnych na kokoshniku księżniczki, położenie piór na skrzydłach, artysta przekazał rytmicznymi pociągnięciami, pociągnięciami przypominającymi mozaikę. Ten rytm nadaje obrazowi muzykalności. „Słychać” to w migotaniu i grze zwiewnych, nieważkich kolorów na pierwszym planie, w najdelikatniejszych gradacjach szaro-różowych, w prawdziwie nieuchwytnej materii malarskiej płótna, „przekształceniu”, stopieniu. Całe ospałe, smutne piękno obrazu wyraża się w tej szczególnej malarskiej materii.

... Za morzem jest księżniczka,
Od czego nie można oderwać wzroku:
W ciągu dnia światło Boga przyćmiewa,
Oświetla ziemię nocą.
Księżyc świeci pod kosą,
A na czole gwiazda płonie...

Aleksander Siergiejewicz Puszkin

Iwan Szyszkin, Konstanty Sawicki. Rano w Las sosnowy, 1889.

Obraz jest popularny ze względu na zabawną fabułę. Jednakże prawdziwa wartość działa jest pięknie wyrażonym stanem natury. Nie jest pokazany gęsty las, ale światło słoneczne przebijające się przez kolumny olbrzymów. Czuć głębię wąwozów, moc stuletnich drzew. A światło słoneczne jakby nieśmiało spogląda w ten gęsty las. Bawiące się niedźwiadki czują zbliżający się poranek. Jesteśmy obserwatorami przyrody i jej mieszkańców.

Pomysł na zdjęcie zasugerował Shishkin Savitsky K.A. Bears napisał Savitsky na samym zdjęciu. Niedźwiedzie te, z pewnymi różnicami w postawie i liczbie (początkowo było ich dwóch), pojawiają się w rysunki przygotowawcze i szkice. Niedźwiedzie okazały się tak dobre dla Savitsky'ego, że podpisał nawet obraz razem z Shishkinem. A kiedy Tretiakow kupił ten obraz, usunął podpis Savitsky'ego, pozostawiając autorstwo Shishkinowi.

Wiktor Wasniecow. Alonuszka, 1881.

Artysta rozpoczął pracę nad obrazem w 1880 roku. Początkowo malował szkice pejzażowe nad brzegiem Worów w Abramcewie, nad stawem w Achtyrce. Zachowało się wiele szkiców z tego okresu.

Malarstwo „Alyonushka” V.M. Vasnetsova stała się jednym z jego najbardziej wzruszających i poetyckich dzieł. Dziewczyna siedzi na brzegu ciemnego basenu, smutno pochylając głowę w dłoniach. Wokół niej pożółkłe brzozy zrzucały liście do stojącej wody, za jej plecami jak gęsty mur wznosił się świerkowy las.

Obraz Alyonushki jest jednocześnie prawdziwy i bajeczny. Smutny wygląd i podniszczone, nędzne ubranie młodej bohaterki odtwarzają w pamięci szkic artysty z natury, wykonany z osieroconej wieśniaczki w roku powstania obrazu. Żywotność obrazu łączy się tu z bajecznie poetycką symboliką. Nad głową Alonuszki, siedzącej na szarym zimnym kamieniu, cienka gałązka z ćwierkającymi jaskółkami zakrzywiała się jak łuk. Według słynnego badacza języka rosyjskiego opowieść ludowa JAKIŚ. Afanasjewa, którego Wasniecow znał z kręgu Abramcewa, jaskółka przynosi dobre wieści, pocieszenie w nieszczęściu. Ciemny las, kałuża i rozpuszczone włosy były utożsamiane w starożytnych wierzeniach z nieszczęściem, niebezpieczeństwem i ciężkimi myślami, a brzoza rosnąca w pobliżu wody była oznaką uzdrowienia.

Nawet jeśli artysta nie umieścił na płótnie tak szczegółowej symboliki, nie sprawia to wrażenia beznadziejności, być może dlatego, że pamiętamy bajkę ze szczęśliwym zakończeniem.

Sam Vasnetsov tak mówił o swoim obrazie: „Alyonushka” zdawała się żyć w mojej głowie od dawna, ale w rzeczywistości widziałem ją w Achtyrce, kiedy spotkałem jedną prostowłosą dziewczynę, która podziałała na moją wyobraźnię. W jej oczach było tyle tęsknoty, samotności i czysto rosyjskiego smutku… Emanował z niej jakiś szczególny rosyjski duch.

Krytyk I. E. Grabar nazwał obraz jednym z najlepszych obrazów szkoły rosyjskiej.

Aleksiej Kondratiewicz Sawrasow. Gawrony przybyły, 1871.

„Przybyły gawrony” to słynny obraz rosyjskiego artysty Aleksieja Sawrasowa, namalowany w 1871 roku. Obraz jest najsłynniejszym dziełem Savrasova, w rzeczywistości pozostał „artystą jednego obrazu”.

Szkice do tego obrazu zostały namalowane we wsi Molvitino (obecnie Susanino) w prowincji Kostroma. Finalizacja obrazu odbyła się w Moskwie, w pracowni artysty. Pod koniec 1871 roku obraz „Przybyły gawrony” po raz pierwszy pojawił się publiczności na pierwszej wystawie Towarzystwa Objazdowych Wystaw Artystycznych. „Grony” stały się odkryciem w malarstwie. Statyczne krajobrazy Kuindzhi i Shishkin natychmiast straciły swój innowacyjny status.

Dzieło zostało natychmiast zakupione przez Pawła Trietiakowa do jego kolekcji.

Konstantin Dmitriewicz Flawicki. Księżniczka Tarakanowa, 1864.

Fundamentalną podstawą powstania obrazu była historia księżniczki Tarakanovej, poszukiwaczki przygód, która udawała córkę cesarzowej Elżbiety Pietrowna i siostrę Emelyana Pugaczowa. Z rozkazu cesarzowej Katarzyny II została aresztowana iw maju 1775 r. przewieziona do Twierdzy Pietropawłowskiej, gdzie poddana została długiemu przesłuchaniu przez feldmarszałka księcia Golicyna, podczas którego złożyła różne zeznania. Zmarła na gruźlicę 4 grudnia 1775 r., ukrywając tajemnicę swoich narodzin nawet przed księdzem.

Obraz został namalowany w 1864 roku iw tym samym roku został po raz pierwszy wystawiony na wystawie Akademii Sztuk Pięknych. W. W. Stasow, znany krytyk tamtych czasów, który bardzo cenił obraz, nazwał obraz Flawickiego:

„cudowny obraz, chwała naszej szkoły, najwspanialsze dzieło malarstwa rosyjskiego”

Obraz został nabyty przez Pawła Trietiakowskiego do jego kolekcji po śmierci artysty.

Fabuła obrazu była legendą o śmierci Tarakanovej podczas powodzi w Petersburgu 21 września 1777 r. (Dane historyczne wskazują, że zmarła dwa lata wcześniej niż to wydarzenie). Płótno przedstawia kazamatę Twierdzy Pietropawłowskiej, za murami której szaleje powódź. Młoda kobieta stoi na łóżku, uciekając przed wodą wpadającą przez zakratowane okno. Mokre szczury wychodzą z wody, skradając się do stóp więźnia.

Za obraz „Księżniczka Tarakanowa” artysta Konstantin Flavitsky otrzymał tytuł profesora malarstwa historycznego.

Wasilij Władimirowicz Pukirew. Nierówne małżeństwo, 1862.

Praca została napisana w 1862 roku, zaraz po ukończeniu Moskiewskiej Szkoły Malarstwa, Rzeźby i Architektury. Obraz „Nierówne małżeństwo” został dostarczony na wystawę naukową w 1863 r. Jego wspólny pomysł, o silnej ekspresji, niespotykanej wielkości jak na domową fabułę i mistrzowskim wykonaniu, które od razu postawiły artystę na jednym z czołowych miejsc wśród rosyjskich malarzy. Za nią Akademia nadała mu tytuł profesora.

Fabuła obrazu to nierówne małżeństwo młodych piękna dziewczyna i zgrzybiały bogaty starzec. Wokół obojętne twarze, tylko jeden młody mężczyzna ze skrzyżowanymi rękami patrzy oskarżycielsko na parę. Uważa się, że artysta przedstawił się w tej osobie, jakby wyrażając swój protest.

Izaak Lewitan. marzec 1895.

Cały obraz jest wypełniony tą szczególną ludzką radością, która przychodzi na wiosnę. Otwarte drzwi, koń, którego Dianka zostawiła na werandzie, mówią o niewidzialnej obecności ludzi. Izaak Iljicz umiał mówić o człowieku poprzez pejzaż, umiał „szukać i odkrywać w przyrodzie – słowami Michaiła Michajłowicza Priszwina (1873-1954) – piękne strony duszy ludzkiej”.

Płótno zostało namalowane w 1895 roku w prowincji Twer w majątku znajomych Turczaninow Gorki. Izaak Iljicz obserwował i pisał pierwsze dni wiosny, a jej szybkie nadejście skłoniło go do pośpiechu. W kilku sesjach, bez przygotowania etiudy, mistrz namalował swój promienny Marsz w całości z życia. Co jest na płótnie? Podwórka zwykłego osiedla, ocieplone i oświetlone słońcem, topniejący śnieg z niebieskimi cieniami, cienkie gałęzie drzew na tle nieba, jasna ściana domu... Tyle w tym wszystkim wiosennej melodii!

Ożywienie natury w tej kompozycji objawia się poprzez poezję światła, olśniewająco jasnego marcowe słońce, a dopiero potem jest wzmacniany przez spulchniony śnieg. Nazywaliśmy to „białym”, ale dla bystrego oka pejzażysty biel jest tworzona z wielu odcieni koloru. Śnieg na obrazach Lewitana żyje – oddycha, mieni się, odbija niebieskie niebo. Malownicza gama z odcieniami kolorów zbudowana jest na impresjonistycznym połączeniu uzupełniających się kolorów. Jeśli impresjoniści rozpuszczają kolor w świetle, to Lewitan starał się zachować kolor przedstawionego obiektu. Marzec na płótnie jest napisany jasnymi, radosnymi kolorami. Do bezpretensjonalnego, zwyczajnego motywu, zaczerpniętego z życie wsi, autorce udało się oddać bogactwo emocjonalne, oczarować widza bezpośredniością przekazu lirycznych uczuć. Malarstwo wywołuje nie tylko wrażenia wizualne, ale także inne. Słyszymy wszystkie szelesty i odgłosy natury: szelest gałęzi drzew, śpiew kropel. Lewitan stworzył krajobraz pełen życia, słońce, wypełnione światłem i powietrzem.

Iwan Kramskoj. Chrystus na pustyni, 1872.

Powstały w 1868 roku obraz wymagał kilku lat intensywnej pracy wewnętrznej. Ukończone dzieło zostało natychmiast zakupione bezpośrednio w pracowni artysty przez Pawła Trietiakowa. "Moim zdaniem to najlepsze zdjęcie w naszej szkole w ostatnim czasie" - napisał.

Prezentowany na II Wystawie Objazdowej „Chrystus na pustyni” stał się sensacją. Przed zdjęciem wybuchły gorące dyskusje, publiczność szukała niektórych ukryte znaczenie w tej silnej, ale beznadziejnie samotnej postaci, zagubionej na jałowej kamiennej pustyni. Kramskoyowi udało się stworzyć obraz o wyjątkowej wyrazistości, dorównujący być może najbardziej tragicznym stronom ewangelicznej opowieści. Ascetyzm koloru i technik malarskich potęguje jedynie skupienie się na moralnej stronie treści dzieła. Ciężkie przeżycia emocjonalne Chrystusa, być może po raz pierwszy po rosyjsku sztuki piękne skłonić do zastanowienia się nad problemem osobistego wyboru. W tym głębokim dramacie już od samego początku ujawnia się nieadekwatność oczekiwań Chrystusa i ludzkich możliwości.

„Widzę wyraźnie, że w życiu każdego człowieka, mniej lub bardziej stworzonego na obraz i podobieństwo Boże, jest taki moment, czy wziąć rubla dla Pana Boga, czy też nie ustąpić ani na krok złu. Wszyscy wiemy, jak takie wahanie zwykle się kończy” – pisał artysta.

Kuzma Siergiejewicz Pietrow-Wodkin. Kąpiel czerwonego konia, 1912.

Najsłynniejszy obraz artysty Kuzmy Petrov-Vodkina. Napisany w 1912 roku stał się kamieniem milowym dla artysty i przyniósł mu światową sławę.

W 1912 roku Petrov-Vodkin mieszkał w południowej Rosji, w majątku niedaleko Kamyszyna. Wtedy to wykonał pierwsze szkice do obrazu. A także pierwsza, niezachowana wersja płótna, znana m.in fotografia czarno-biała. Obraz był dziełem codziennym, a nie symbolicznym, jak to miało miejsce w przypadku drugiej opcji, przedstawiał zaledwie kilku chłopców z końmi. Ta pierwsza wersja została zniszczona przez autora, prawdopodobnie wkrótce po powrocie do Petersburga.

Petrov-Vodkin namalował konia z prawdziwego ogiera o imieniu Boy, który mieszkał w posiadłości. Aby stworzyć wizerunek siedzącego na nim nastolatka, artysta wykorzystał cechy swojego siostrzeńca Shury.

Na dużym, niemal kwadratowym płótnie ukazane jest jezioro o zimnych, niebieskawych odcieniach, które stanowi tło dla semantycznej dominanty dzieła – konia i jeźdźca. Całość zajmuje postać rudego ogiera pierwszoplanowy zdjęcia są prawie kompletne. Jest tak duży, że rama obrazu odcina mu uszy, zad i nogi poniżej kolan. Bogaty szkarłatny kolor zwierzęcia wydaje się jeszcze jaśniejszy w porównaniu z chłodnym kolorem krajobrazu i lekkim ciałem chłopca.

Z przedniej nogi konia wchodzącego do wody rozpryskują się fale o lekko zielonkawym zabarwieniu w porównaniu z resztą tafli jeziora. Całe płótno jest doskonałą ilustracją tak ukochanej przez Pietrowa-Wodkina perspektywy sferycznej: jezioro jest okrągłe, co podkreśla fragment brzegu w prawym górnym rogu, percepcja optyczna jest nieco zniekształcona.

W sumie na zdjęciu 3 konie i 3 chłopców - jeden na pierwszym planie jedzie na czerwonym koniu, dwaj pozostali są za nim po lewej stronie i prawa strona. Jeden prowadzi za uzdę białego konia, drugi, widoczny z tyłu, na pomarańczowym, wjeżdża w głąb obrazu. Te trzy grupy tworzą dynamiczną krzywiznę, podkreśloną przez tę samą krzywiznę przedniej nogi konia rudego, tę samą krzywiznę nogi chłopca-jeźdźca oraz wzór fal.

Uważa się, że koń był pierwotnie gniady (czerwony), a mistrz zmienił jego maść, zapoznawszy się z gamą kolorów nowogrodzkich ikon, którymi był zszokowany.

Obraz od samego początku budził liczne kontrowersje, w których niezmiennie wspominano, że takie konie nie istnieją. Jednak artysta twierdził, że przyjął ten kolor od starożytnych rosyjskich malarzy ikon: na przykład na ikonie „Cud Archanioła Michała” koń jest przedstawiony całkowicie na czerwono. Podobnie jak na ikonach, na tym obrazie nie widać pomieszania kolorów, kolory kontrastują i niejako zderzają się w konfrontacji.

Obraz tak zachwycił współczesnych swoją monumentalnością i fatalnością, że znalazł odzwierciedlenie w pracach wielu mistrzów pędzla i słowa. Tak narodziły się linie Siergieja Jesienina:

„Teraz stałem się bardziej skąpy w pragnieniach.
Moje życie! Albo śniłeś o mnie!
Jakbym była wiosną odbijającą się echem wcześnie
Jedź na różowym koniu.

Czerwony koń pełni rolę Przeznaczenia Rosji, którego kruchy i młody jeździec nie jest w stanie utrzymać. Według innej wersji Czerwony Koń to sama Rosja, utożsamiana z „stepową klaczą” Bloku. W tym przypadku nie sposób nie zauważyć wizjonerskiego daru artysty, który swoim obrazem symbolicznie przepowiedział „czerwony” los Rosji w XX wieku.

Losy obrazu były niezwykłe.

Płótno zostało po raz pierwszy pokazane na wystawie World of Art w 1912 roku i odniosło ogromny sukces.

W 1914 była na „Wystawie Bałtyckiej” w mieście Malmö (Szwecja). Za udział w tej wystawie K. Petrov-Vodkin otrzymał od króla szwedzkiego medal i dyplom.

Zepsuty pierwszy Wojna światowa, potem rewolucja i Wojna domowa doprowadziły do tego, że obraz pozostawał w Szwecji przez długi czas.

Po zakończeniu II wojny światowej i po upartych i wyczerpujących negocjacjach wreszcie w 1950 roku dzieła Pietrowa-Wodkina, w tym to płótno, wróciły do ojczyzny.

Wdowa po artyście podarowała obraz do kolekcji słynnego kolekcjonera K. K. Basevicha, który w 1961 roku podarował go Galerii Trietiakowskiej.

F. Malyavin. Wichura, 1906.

Obraz „Trąba powietrzna” – szczyt twórczości Filipa Andriejewicza Malyavina – został przez niego wymyślony w 1905 r. (w tym roku datowany jest szkic do niego ze zbiorów Galerii Trietiakowskiej). Wydarzenia pierwszej rewolucji rosyjskiej 1905–1907 wpłynęły na wybór tematu oraz manierę malarską i plastyczną ogromnego monumentalnego płótna. Skala płótna podkreśla wagę pomysłu. Całe pole obrazu wypełnia gwałtowny wir kolorów, powiewających w tańcu spódnic i szali, wśród których błyskają rozpalone twarze wieśniaczek. Dominująca czerwień, ze względu na ekspresję pędzla i intensywność blasku, traci właściwości wyznaczania świata obiektywnego, ale nabiera znaczenie symboliczne. Kojarzy się z ogniem, ogniem, żywiołami nie do opanowania. To zapowiedź tego, co ma nadejść ludowy bunt a zarazem pierwiastek rosyjskiej duszy. Symboliczne postrzeganie koloru u Malyavina w dużej mierze wywodzi się z ikony – jako dziecko przez kilka lat studiował malowanie ikon w klasztorze Athos w Grecji, gdzie został zauważony przez rzeźbiarza V.A. Beklemisheva i wysłany do Akademii Sztuk Pięknych w Petersburgu.

Kazimierz Malewicz. Czarny kwadrat, 1915.

Czarny kwadrat jest najbardziej godna uwagi praca Kazimierza Malewicza, utworzonego w 1915 r. Jest to płótno o wymiarach 79,5 na 79,5 centymetra, które przedstawia czarny kwadrat na białym tle.

Malewicz ukończył dzieło latem i jesienią 1915 roku. Według artysty malował go przez kilka miesięcy.

Praca została wystawiona na ostatniej futurystycznej wystawie „0.10”, która została otwarta w Petersburgu 19 grudnia 1915 roku. Wśród trzydziestu dziewięciu obrazów wystawionych przez Malewicza w najbardziej widocznym miejscu, w tak zwanym „czerwonym rogu”, gdzie zwykle zawieszane są ikony, wisiał „Czarny kwadrat”.

Następnie Malewicz wykonał kilka kopii „Czarnego kwadratu” (według niektórych źródeł siedem). Wiarygodnie wiadomo, że w okresie od 1915 do początku lat 30. Malewicz stworzył cztery wersje „Czarnego kwadratu”, które różnią się wzorem, fakturą i kolorem. Jeden z „Kwadratów”, choć datowany przez autora na rok 1913, przypisywany jest zazwyczaj przełomowi lat 20. i 30. XX wieku. Namalował także obrazy „Plac Czerwony” (dwie kopie) i „ Biały kwadrat"("Kompozycja suprematystyczna" - "Białe na białym") - jeden.

Istnieje wersja, w której „Kwadrat” został napisany na wystawę – bo ogromną salę trzeba było czymś wypełnić. Interpretacja ta opiera się na liście jednego z organizatorów wystawy do Malewicza:

Muszę teraz dużo pisać. Sala jest bardzo duża i jeśli my, 10 osób, namalujemy 25 obrazów, to samo się stanie.

Początkowo słynny plac Malewicz po raz pierwszy pojawił się w scenerii opery „Zwycięstwo nad słońcem” jako plastyczny wyraz zwycięstwa aktywnej ludzkiej kreatywności nad bierną formą natury: czarnym kwadratem zamiast koła słonecznego. Była to słynna sceneria do piątej sceny I aktu, czyli kwadratu w kwadracie, podzielonego na dwa obszary: czarny i biały. Następnie z scenerii ten kwadrat przeniósł się do pracy sztalugowej.

Największy w tamtym czasie krytyk sztuki, założyciel stowarzyszenia „Świat Sztuki” Aleksandra Benoisa pisał zaraz po wystawie:

Niewątpliwie jest to ikona, którą futuryści umieścili w miejscu Madonny.

Na przełomowej wystawie 2004 roku w warszawskiej galerii „Zachenta” „Warszawa – Moskwa, 1900-2000”, gdzie wystawiono ponad 300 obrazów, rzeźb, instalacji (w szczególności wiele obrazów rosyjskiej awangardy) „Kwadrat” z Galerii Trietiakowskiej prezentowany był jako centralny eksponat wystawy. Jednocześnie został umieszczony w „czerwonym rogu”, jak na wystawie „0.10”.

Obecnie w Rosji istnieją cztery „Czarne kwadraty”: w Moskwie i Petersburgu po dwa „Kwadraty”: dwa w Galerii Trietiakowskiej, jeden w Muzeum Rosyjskim i jeden w Ermitażu. Jedna z prac należy do rosyjskiego miliardera Władimira Potanina, który kupił ją od Inkombanku w 2002 roku za milion dolarów amerykańskich (30 milionów rubli) i przekazał tę pierwszą z istniejące opcje płótno przedstawiające „Czarny kwadrat” twórcy suprematyzmu.

Jeden z Czarnych kwadratów, namalowany w 1923 roku, jest częścią tryptyku, który obejmuje także Czarny Krzyż i Czarny Krąg.

W 1893 roku wystawiono już podobny obraz Alphonse'a Allaisa, zatytułowany „Bitwa Murzynów w głębokiej jaskini w ciemną noc”.

Jurij Pimenow. Nowa Moskwa, 1937.

Obraz wpisuje się w cykl prac o Moskwie, nad którymi artysta pracuje od połowy lat 30. XX wieku. Artysta przedstawił Plac Swierdłowa (obecnie Teatralnaja), znajdujący się w centrum miasta, niedaleko Kremla. Widoczny Dom Związków i Hotel Moskwa. Fabuła obrazu - kobieta prowadząca samochód - całkiem rzadkie wydarzenie za te lata. Ten obraz był postrzegany przez współczesnych jako symbol nowego życia. Niezwykłe jest również rozwiązanie kompozycyjne, gdy obraz wygląda jak kadr uchwycony przez obiektyw aparatu. Pimenov skupia uwagę widza na postaci kobiety ukazanej od tyłu i niejako zaprasza widza do spojrzenia na poranne miasto jej oczami. Stwarza to uczucie radości, świeżości i wiosennego nastroju. Wszystko to ułatwia impresjonistyczny styl pisania artysty i delikatna kolorystyka obrazu.

Możesz być zainteresowany