WARTOŚĆ ESTETYCZNA - termin używany do określenia przedmiotu postawy estetycznej w jego pozytywnym znaczeniu. Różnica między pojęciami wartości estetycznej polega na tym, jak rozumieć jej źródło, podstawę, istotę. Jest to albo Bóg (Tomasz z Akwinu, neotomizm), idea (Platon, Hegel), uczucia ludzkie (D. Santayana, D. Dewey), „nierealne” (N. Hartmann), prawo naturalne (E. Burke, W. Hogarth), antropologicznie rozumianą istotę człowieka (D. Feuerbach), czy relacje społeczne kształtujące się w procesie praktyki społeczno-historycznej.

Wartość estetyczna ma obiektywność pod dwoma względami: po pierwsze, przedstawia pewne przedmioty, rzeczy, zjawiska o określonych właściwościach, a po drugie, ma pewne obiektywne znaczenie dla osoby i społeczeństwa. Rozwój wartości estetycznej dokonuje się w procesie wartościowania, zawartego w doświadczeniu estetycznym, smaku, ideale. Zgodność oceny estetycznej z wartością estetyczną określa prawdziwość sądu estetycznego. Walory estetyczne mogą powstawać w różnych rodzajach działalności człowieka, gdyż przejawia się w nich twórczość „również według praw piękna” (K. Marks). Szczególnym rodzajem wartości estetycznej jest wartość artystyczna.

Wartość estetyczna jest powiązana z innymi wartościami materialnymi i duchowymi. Jego specyfika przejawia się w osobliwościach struktury i treści wartości estetycznych, które „przecinają się” z wartościami materialnymi i praktycznymi w takim stopniu, w jakim te ostatnie łączą potrzeby jednostki i społeczeństwa oraz wyrażają najwyższą celowość. Na tej podstawie następuje wzajemne przenikanie się ich wartości estetycznych w wysokiej jakości produktach pracy przemysłowej i artystycznej (architektura, sztuka użytkowa, wzornictwo). Jednocześnie wartość estetyczna przeciwstawiona jest takim wartościom utylitarnym, które mają charakter wąsko konsumpcyjny i egoistyczny, bowiem postawę estetyczną cechuje to, że jest to obszar najwyższe interesy osobowość i w tym sensie bezinteresowny. W przeciwieństwie do takich wartości duchowych jak moralne, społeczno-polityczne, poznawcze, religijne, forma odgrywa bardzo ważną rolę w wartości estetycznej. Znaczenie formy zależy od cech jej treści; wartość estetyczna ucieleśnia wiele różne znaczenia: znaczenie psychofizjologiczne dla zmysłów człowieka, znaczenia związane z istotą pracy ludzkiej, z różnymi relacjami społecznymi; znaczenia dla poznania, samowiedzy, dla edukacji i samokształcenia, dla orientacji na wartości, dla komunikacji między ludźmi, jako bodziec do aktywności twórczej, dla przyjemności. Wszystkie te znaczenia łączą się w jeden kompleks, unikalny dla każdego konkretnego zjawiska. Unikalne cechy formy zjawiska pozwalają łączyć, jednoczyć i uchwycić niepowtarzalne, niepowtarzalne kompleksy o różnych znaczeniach walorów estetycznych. Istotą wartości estetycznej jest afirmacja człowieka w rzeczywistości, przejaw swobodnego rozwoju i rozwój wolności człowieka i społeczeństwa. Według F. Engelsa „każdy krok naprzód na drodze kultury był krokiem w stronę wolności”, kamieniami milowymi na tej drodze są wartości estetyczne.

Mając swoją specyfikę, wartość estetyczna nie jest autonomiczna w stosunku do innych wartości. Na podstawie wspólności z innymi wartościami duchowymi kształtują się wartości estetyczno-moralne, estetyczno-polityczne, estetyczno-poznawcze, gdy humanizm, celowość i wolność, które leżą u podstaw każdej prawdziwej wartości, znajdują swój wyraz i ucieleśnienie w konkretnym zmysłowym formularz. Jednym z celów sztuki jest odkrywanie zasady estetycznej w różnych relacjach społecznych i łączenie wartości moralnych i społeczno-politycznych z wartością estetyczną.

Wartość estetyczna ma różne formy manifestacji, utrwalone kategoriami estetycznymi. Piękno jest główną wartością estetyczną, jej standardem. Wzniosłość jest także rodzajem wartości estetycznej. Jeśli piękno i wzniosłość są bezpośrednim ucieleśnieniem wartości estetycznej, to brzydota i podłość są jej antypodami; należą one do antywartości estetycznych, czyli do przedmiotu postawy estetycznej, który ma wartość ujemną. Tragizm i komizm powstają w wyniku złożonego splotu sił powstających w sprzeczności wartości estetycznej z estetyczną antywartością. Z aksjologicznego punktu widzenia tragizm można uznać za afirmację wartości zjawiska, które umiera lub cierpi w konfrontacji z wrogimi mu siłami. Komiks to samoobnażenie zjawisk i ludzi, odkrycie ich prawdziwego znaczenia, które okazuje się znikomością, antywartością, kontrastującą z rzeczywistą wartością estetyczną. Zatem komiczna afirmacja wartości estetycznej poprzez negację jej negacji.

Ze względu na swoją uniwersalność wartość estetyczna poprzez sztukę i poza nią odgrywa szczególną rolę w formacji cechy społeczne osobowość, wprowadzając osobę nie tylko w różne wspólnoty ludzi, grupy społeczne i zbiorowości, ale także w ludzkość, w „rodzajową istotę człowieka” (K. Marks), a zatem przywołuje w swoim odbiorze i tworzeniu najwyższe ludzkie przyjemność - poczucie „szczęścia z bycia osobą” ”(G. Uspienski).

Wartość - koncepcja, która z pewnością odzwierciedla pozytywne znaczenie każdego przedmiot materialny lub zjawiska w życiu duchowym ludzi (dobro bezwarunkowe). Koncepcja ta łączy w sobie moment racjonalny (świadomość czegoś równie dobrego dla osoby lub społeczeństwa) i moment irracjonalny (doświadczenie znaczenia przedmiotu lub zjawiska jako ważnego, znaczącego, pragnienie tego). Wartość to dla człowieka wszystko, co ma dla niego określone znaczenie, osobiste lub znaczenie społeczne(znaczenie osoby, znaczenie rzeczy wytworzonych przez osobę, zjawiska duchowe istotne dla osoby i społeczeństwa). Ilościową cechą tego znaczenia jest ocena (znacząca, wartościowa, bardziej wartościowa, mniej wartościowa), wyrażająca znaczenie czegoś w sposób werbalny. Ocena kształtuje opartą na wartościach postawę wobec świata i siebie, prowadzącą do orientacji na wartości jednostki. Dojrzałą osobowość charakteryzuje zwykle stabilna orientacja na wartości. Stabilne orientacje wartościowe stają się normami, determinują formy zachowań członków danego społeczeństwa. Wartościowa postawa jednostki wobec siebie i świata realizuje się w emocjach, woli, determinacji, wyznaczaniu celów i idealnej kreatywności. W oparciu o ludzkie potrzeby i relacje społeczne powstają interesy ludzi, które bezpośrednio determinują zainteresowanie człowieka czymś. Każdy człowiek żyje w pewnym systemie wartości, przedmiotów i zjawisk, które mają na celu zaspokojenie jego potrzeb. W pewnym sensie można powiedzieć, że wartość wyraża sposób istnienia jednostki. System orientacji wartościowych, ukształtowany pod wpływem wartości, określa duchową strukturę jednostki i bezpośrednio wpływa na jej rozwój. Filozoficzna doktryna wartości nazywa się aksjologią. Głównymi wartościami duchowymi społeczeństwa są wartości moralne, religijne i estetyczne.

Wartości estetyczne są uniwersalnymi wartościami człowieka w sferze wolności. Główne walory estetyczne to:

- Piękny(odzwierciedla najwyższą wartość estetyczną, bezwarunkowo estetycznie pozytywną, istotną dla wszystkich ludzi, symbolizującą postrzeganie tych zjawisk i przedmiotów, które ludzkość już opanowała i które budzą jedynie pozytywne emocje estetyczne);

- wzniosły(odzwierciedla postrzeganie tych przedmiotów, zjawisk wykraczających poza zwyczajność i mających dla wszystkich ludzi potencjalne pozytywne znaczenie estetyczne, ale których ludzkość jeszcze swobodnie nie posiada, dlatego emocje wzniosłości mogą być zarówno pozytywne, jak i negatywne);

- tragiczny(odzwierciedla śmierć i jednocześnie nieśmiertelność piękna, wzruszenie tragiczności łączy smutek i katharsis - duchowe oczyszczenie i oświecenie, poprawę wewnętrznego świata jednostki, konkretyzację tragiczności - heroizm);

- komiczny(odzwierciedla zaprzeczanie zjawiskom społecznie negatywnym poprzez śmiech, wydając estetyczny werdykt tych zjawisk, stwarzając możliwości estetycznej i duchowej poprawy społeczeństwa i jednostki);

Pozytywne uczucia estetyczne jednostki (poszerz horyzont humanistyczny człowieka, uczyń go cieńszym, doskonalszym, bardziej ludzkim);

- ideał estetyczny(odzwierciedla syntezę wartości estetycznych, uogólnioną ideę piękna danej epoki, a jednocześnie uniwersalne ludzkie postrzeganie piękna);

- arcydzieła sztuki światowej, ucieleśniający duchowe wzloty ludzkiego ducha, ludzkie maksymy istnienia;

- twórczość estetyczna, artystyczna(bezwarunkowa wartość estetyczna wyrażająca samą istotę człowieka jako istoty przemieniającej działanie, zmieniającej świat i siebie samego w procesie zmiany świata).

Należy zauważyć, że wartości estetyczne w wewnętrznym świecie jednostki, w świadomości publicznej i w biegu historii ludzkości są ściśle powiązane z wartościami moralnymi, religijnymi, czy też z ateistycznym postrzeganiem rzeczywistości. Ich konkretny związek historyczny stanowi podstawową podstawę światopoglądu człowieka i społeczeństwa.

Termin „estetyka” (od greckie słowo„aisthetikos” – związany z percepcją zmysłową) wprowadził niemiecki filozof A. Baumgarten w XVIII wieku. Określił także miejsce tej nauki w systemie filozoficznym. Uważa, że ​​estetyka to najniższy poziom epistemologii, nauki o wiedzy zmysłowej, której doskonałą formą jest piękno. Współczesny mu I. Kant widzi w estetyce propedeutykę wszelkiej filozofii. Oznacza to, że systematyczne studiowanie filozofii należy rozpocząć od teorii piękna, wtedy dobro i prawda zostaną pełniej ujawnione. Jeśli dla Baumgartena drugą podstawową kategorią jest sztuka, to Kant zwrócił się ku estetyce, wychodząc nie od problemów sztuki, ale od potrzeb filozofii. Zasługą Kanta jest właśnie to, że wprowadził do estetyki ducha dialektyki. Definicja „estetyki” jest mocno ugruntowana w terminologii filozoficznej od XVIII wieku. zaczyna być rozumiana jako nauka zajmująca się problematyką „filozofii piękna” czy „filozofii sztuki”. W tym sensie dostrzegł to Hegel, a później F. Schiller i F. Schelling.

Historia estetyki sięga tysięcy lat wstecz. Powstała znacznie wcześniej, niż pojawiło się samo pojęcie estetyki. Doświadczenie estetyczne jako zespół nieutylitarnych relacji z rzeczywistością jest wpisane w człowieka od czasów starożytnych, a swój pierwotny wyraz znalazło w protoestetycznej praktyce człowieka archaicznego. Prymitywne doświadczenie protoestetyczne zlało się z protoreligijnym doświadczeniem sakralnym.

Pierwsze wzmianki o pojawieniu się praktyk i umiejętności estetycznych sięgają głęboko w historię ludzkości. Należą do nich malowidła naskalne w jaskiniach prymitywnych ludzi oraz treść mitów występujących wśród różnych ludów świata.

Można wyróżnić dwa główne sposoby historycznego istnienia estetyki: jawny i ukryty. Pierwsza to filozoficzna dyscyplina estetyki, która samookreśla się jedynie w połowa XVIII wieku wieku jako niezależna nauka. Estetyka ukryta ma swoje korzenie w czasach starożytnych i reprezentuje swobodne, niesystematyczne rozumienie doświadczenia estetycznego w ramach innych dyscyplin (filozofii, retoryki, filologii, teologii itp.). Estetyka ukryta istniała (i istnieje obecnie) w całej historii estetyki, ale ujawnia się dopiero z późnonowożytnego okresu europejskiego, w procesie dialogu z nim poprzez wyraźną estetykę. Konwencjonalnie wyróżnia się w nim trzy etapy (protonaukowy (przed połową XVIII w.), klasyczny (poł. XVIII – początków XX w.) i nieklasyczny (głoszony przez F. Nietzschego, który jednak rozpoczął swoją wędrówkę dopiero w epoce druga połowa XX w.).

Na obszarze europejskim estetyka protonaukowa dała największe rezultaty w starożytności, średniowieczu, renesansie, w ramach takich ruchów artystycznych i estetycznych, jak klasycyzm i barok. W okresie klasycznym rozwinęła się szczególnie owocnie w kierunkach romantyzmu, realizmu i symboliki. Estetyka nieklasyczna, której fundamentem było przewartościowanie wszelkich wartości tradycyjna kultura, zepchnął teoretyczną (jawną) estetykę na dalszy plan. Wiedza estetyczna w XX wieku najaktywniej rozwijała się w obrębie innych nauk (filozofia, filologia, językoznawstwo, psychologia, socjologia, historia sztuki, semiotyka itp.). Identyfikacja estetyki ukrytej wiąże się z pewnymi trudnościami metodologicznymi, gdyż opierając się na starożytnych źródłach pierwotnych, staramy się w nich odnaleźć idee na temat przedmiotu estetyki, które wówczas jeszcze nie istniały. Według V.V. Byczkowa „ta trudność istnieje, ale wiąże się ona nie tylko z faktem, że starożytność nie znała nauki o estetyce na poziomie „racjonalności”, gdyż już wtedy istniała rzeczywistość estetyczna, która później powołała do istnienia naukę specjalną dla jego nauki. W XX wieku Problem ten rozwiązał G. Gadamer, przekonująco pokazując, że w procesie interpretacji tekstu tradycyjnego przez współczesnego badacza, pomiędzy tekstem a badaczem prowadzony jest równy dialog, podczas którego obaj uczestnicy dialogu w równym stopniu wpływają na siebie nawzajem pod względem osiągnięcia nowoczesnego zrozumienia omawianego problemu.”

Estetyka zajmuje się zmysłową wiedzą o otaczającej rzeczywistości i zajmuje się jej różnymi aspektami: przyrodą, społeczeństwem, człowiekiem i jego działaniami w różnych sferach życia. Z punktu widzenia wartości estetycznych w życiu codziennym doceniamy piękne kwiaty, majestatyczne budowle, wysoką moralność ludzi, piękne dzieła kultury artystycznej. Różne postawy estetyczne, które powstają u człowieka w stosunku do życia codziennego, można przypisać ogólnej definicji „estetyki”. Według W. Byczkowa estetyka – jest to nauka o charakterze filozoficznym, zajmująca się sprawami dość subtelnymi i nieuchwytnymi na poziomie racjonalnym, a jednocześnie – coś więcej niż nauka w zwykłym, nowożytnym europejskim znaczeniu tego słowa. Bardziej trafne byłoby stwierdzenie, że jest to rodzaj szczególnego, specyficznego doświadczenia bytu – wiedzy, w którym może przebywać osoba, która jest na tym szczególnie skupiona, mieć pewnego rodzaju nietrwałe, ale chwilowo przerywające – bycie, jakby zanurzył się w nim na chwilę, a potem ponownie osiągnął poziom codzienności - zwykłego życia użytkowego. Jak pokazuje historia estetyki, słowne zdefiniowanie tego tematu okazało się problematyczne. Niemniej jednak prawie wszyscy główni filozofowie nie ignorują sfery estetycznej. Estetyka w ich dziełach była ostatnim ogniwem systemu filozoficznego. Hegel pisze o tym: „Jestem przekonany, że najwyższym aktem rozumu, obejmującym wszelkie idee, jest akt estetyczny, a prawdę i dobro łączą więzy rodzinne jedynie w pięknie. Filozof, podobnie jak poeta, musi mieć dar estetyczny. Filozofia ducha jest filozofią estetyczną.”

Ze względu na zasadniczo ograniczony poziom sformalizowania przedmiotu estetyki i jego wszechstronność, która wymaga od badacza posiadania podstawowej wiedzy co najmniej z zakresu historii sztuki, religii, filozofii i niemal wszystkich nauk humanistycznych, a także podwyższonej wiedzy artystycznej zmysłem i wysoko rozwiniętym smakiem, estetyka pozostaje nadal pod każdym względem najbardziej złożoną, czasochłonną, kontrowersyjną i najmniej uporządkowaną ze wszystkich dyscyplin.

Dziś, podobnie jak w momencie jej powstania, w centrum uwagi estetyki znajdują się dwa główne zjawiska: całokształt wszystkich zjawisk, procesów i relacji określanych mianem estetycznych, tj. estetyka sama w sobie i sztuka w jej zasadniczych podstawach. W estetyce klasycznej za najważniejsze pojęcia i kategorie uważano: świadomość estetyczną, doświadczenie estetyczne, kultura estetyczna, zabawa, piękno, brzydota, wzniosłość, tragiczność, komizm, ideał, katharsis, przyjemność, mimesis, obraz, symbol, znak, ekspresja, twórczość, metoda, styl, forma i treść, geniusz, twórczość artystyczna itp. Estetyka nieklasyczna, rozwijająca się w zgodzie z freudyzmem, strukturalizmem, postmodernizmem, zwracała uwagę na marginalne problemy i kategorie (np. absurd, szok, przemoc, sadyzm, entropia, chaos, fizyczność itp.). Wszystko to świadczy o różnorodności przedmiotu estetyki.

Osobliwością estetyki jako nauki jest to, że nie ma ona własnych podstaw empirycznych, lecz wykorzystuje materiał z innych nauk. Faktem jest, że estetyka jest szczególnym rodzajem nauki i nie tylko nauką: w pewnym sensie pokrywa się z nauką. I w pewnym sensie wykracza poza swoje granice. Mówiąc o estetyce jako nauce, nie można zapominać o jej oryginalności. „Estetyka jest nauką o historycznie zdeterminowanej istocie uniwersalnych wartości ludzkich, ich powstawaniu, postrzeganiu, ocenie i rozwoju”. (Yu. Borev). W procesie rozwoju tej nauki zmieniły się poglądy na problemy estetyki. Zatem w okresie starożytności było: częścią filozofii i pomagało w kształtowaniu obrazu świata (filozofowie przyrody); rozważał problemy poetyki (Arystoteles), zetknął się z etyką (Sokrates). W średniowieczu była to jedna z gałęzi teologii. W okresie renesansu rozważała związek między naturą a działalność artystyczna. Tak więc na przestrzeni wielu stuleci problemy estetyczne pojawiały się w ramach tego czy innego systemu filozoficznego. Właściwie nie sposób wymienić okresu w estetyce, w którym zagadnienia estetyczne nie były kojarzone z filozofią. Współczesny badacz Bychkov V.V. pisze, że „estetyka jest nauką o nieutylitarnych relacjach podmiot-przedmiot, w wyniku której podmiot za pośrednictwem przedmiotu osiąga absolutną wolność osobową i pełnię bytu, a najkrócej: estetyka jest nauką o harmonia człowieka z Wszechświatem.”

Wszystko to potwierdza, że ​​estetyka jest nauką filozoficzną, gdyż pojawiła się w głębi filozofii, a mianowicie jej działów, takich jak epistemologia i aksjologia. Jeśli filozofia bada najogólniejsze prawa natury, rozwój społeczny i myślenia, wówczas estetyka bada najogólniejsze prawa rozwoju sztuki, a także estetyczny stosunek człowieka do świata. Nawet po tym, jak stała się samodzielną nauką, estetyka nadal czerpie podstawowe zasady metodologiczne z filozofii. Oddziałuje także: z etyką, ponieważ moralność jest częścią samej istoty estetycznego stosunku człowieka do rzeczywistości; jest ściśle powiązany z psychologią, gdyż estetyczne postrzeganie rzeczywistości ma charakter zmysłowo-emocjonalny; z pedagogiką, socjologią, historią, logiką itp.

Estetyka jest najściślej powiązana ze sztuką i służy jako metodologia dyscyplin historycznych sztuki. Sztuka jako owoc kreatywność artystyczna staje się przedmiotem badań nauk estetycznych. Estetyka bada związek sztuki z rzeczywistością, odzwierciedlenie rzeczywistości w sztuce, twórczość artystyczną, odkrywa prawa rządzące wszystkimi rodzajami sztuki. Nowe kierunki, takie jak estetyka techniczna, estetyka życia codziennego i estetyka zachowań, również opierają się na metodologicznych podstawach estetyki.

Zatem estetyka jest nauką o estetyce, istocie i prawach poznania estetycznego i estetycznej działalności człowieka, nauką o ogólnych prawach rozwoju sztuki.

Struktura wiedzy estetycznej. NP. Jakowlew pisze, że „współczesna definicja przedmiotu estetyki teoretycznej obejmuje badanie: estetyki obiektywnej, rozumianej jako naturalno-społeczna i obiektywna podstawa świadomości estetycznej i potrzeby estetycznej; twórcza i transformacyjna praktyka podmiotu estetycznego, wyrażająca się poprzez aktywność estetyczną i świadomość, a także teorię i system kategorii; najbardziej ogólne wzorce twórczości artystycznej i sztuki.” Zatem estetyka jest integralnym systemem wiedzy naukowej i obejmuje trzy główne sekcje:

• 1. o naturze przedmiotu oceny estetycznej i rodzajach wartości estetycznych;
• 2. o naturze świadomości estetycznej i jej formach;
• 3. o naturze działalności estetycznej i jej rodzajach.

Struktura wiedzy estetycznej zakłada także istnienie systemu kategorii i definicji estetycznych. Rozważmy różne zasady organizacji systemu kategorii estetycznych istniejące we współczesnej rosyjskiej literaturze naukowej. I tak na przykład M.S. Kagan uważa, że ​​na czele systemu należy postawić kategorię ideału estetycznego (w jego aspekcie aksjologicznym). NI Kryukovsky twierdzi, że „w estetyce w centrum systemu kategorii powinna znajdować się... kategoria piękna...”. V.M. Żarikow opiera ten system na korelacji „początkowych kategorii: doskonałości i niedoskonałości” A.Ya. Zis wyróżnia trzy grupy kategorii estetycznych: specyficzne (bohaterskie, majestatyczne itp.), strukturalne (miara, harmonia itp.) i negatywne (brzydkie, podłe). NP. Krasnostanow i D.D. Przeciętna oferuje także trzy grupy kategorii estetycznych: kategorie działalności estetycznej, kategorie życia społecznego, kategorie sztuki T.A. Savilova twierdzi, że „podstawą estetyki jest zabawne porównanie miary wszechstronnego rozwoju osoby… i zjawiska”. I.L. Matza uważa harmonię i piękno za główne kategorie estetyczne, które w procesie ewolucji podlegały modyfikacjom i zmianom. Zasady systematyzacji w swoich początkowych momentach powinny mieć charakter filozoficzno-estetyczny. Następnie przy ustalaniu struktury systemu niezbędne są: aspekty ontologiczno-fenomenologiczne i społeczno-epistemologiczne; konieczne jest określenie zasad podporządkowania i koordynacji kategorii estetycznych; podkreślić główną uniwersalną kategorię estetyczną, wokół której zorganizowany jest cały system.

W estetyce istnieje kategoria pełniąca rolę metakategorii estetyki – jest to kategoria estetyki. Estetyka jest na swój sposób doskonała. Doskonałość jest istotną koniecznością natury. Jest spontaniczny, z niego rodzi się idea uniwersalnej doskonałości. Właściwość estetyki posiada nie tylko to, co harmonijne (piękny, ideał estetyczny, sztuka), ale także to, co dysharmonijne (wzniosłe, straszne, brzydkie, podłe, tragiczne), gdyż w obu przypadkach istota tego rodzaju bytu wyraża się najpełniej. Takie podejście do estetyki poszerza granice przedmiotu estetyki, gdyż obejmuje badanie wszystkich zjawisk rzeczywistości, które mają doskonałość. Jednak w estetyce tradycyjnej kategoriami podstawowymi jest piękno. Trudno zgodzić się z tym stanowiskiem, gdyż kategoria piękna zawsze miała treść ściśle historyczną, co wyraźnie pokazał W. Tatarkiewicz w swoim dziele „Historia estetyki”. Zatem znaczenie ontologiczne estetyki polega na tym, że jest to byt doskonałości, fenomenologiczne – na różnorodności zjawisk mających tę właściwość jako pełnia bytu, socjologiczne – na tym, że podmiot estetyki w tym przypadku nabiera większej szerokości i głębi, stając się, mówiąc w przenośni, bardziej demokratyczny. Przyjrzyjmy się teraz epistemologicznemu aspektowi kategorii estetyki. Estetyka jako doskonała pojawia się w wyniku materialnej i duchowej praktyki ludzkości. To nie tylko projekcja ideału na „wymarłą” naturę, to zupełnie nowa, realna, specyficzna formacja, rodzaj „drugiej natury”, która powstała jako organiczny stop obiektywności i subiektywności. Estetyka jest odkrywana, opanowywana i funkcjonuje nie tylko w procesie działalności artystycznej, która jest podstawą sztuki, ale we wszystkich duchowych, praktycznych i materialnych działaniach człowieka. W nim odkrywane są właściwości obiektu i realizowane są możliwości podmiotu, uprzedmiotowione w materialnej i duchowej praktyce ludzkości poprzez najpełniejsze ujawnienie ich właściwości i możliwości. Na tym polega prawdziwe istnienie doskonałości.

Dialektyka relacji pomiędzy poznaniem obiektywno-estetycznym i estetycznym polega także na tym, że praktyka społeczna jest jedynym procesem oddziaływania człowieka na obiektywne aspekty estetyczne rzeczywistości oraz ich ujawnianie i przekształcanie zgodnie z prawami piękna. Pojawiająca się w procesie tej praktyki „druga natura” istnieje także niezależnie od człowieka i staje się przedmiotem estetycznego poznania i transformacji. Człowiek, tworząc zgodnie z prawami piękna, jednocześnie obiektywizuje i zamienia wszystko, co stworzone, w przedmiot wiedzy estetycznej i doskonalenia. Estetyka nie jest bowiem czymś zamrożonym i niezmiennym; zmienia się i udoskonala w procesie historycznego rozwoju przyrody, a przede wszystkim społeczeństwa ludzkiego. O obiektywności estetyki świadczy nie tylko praktyka rozwoju społecznego, ale także wielkie osiągnięcia rozwoju społecznego współczesnej nauki. Specyfiką działalności estetycznej jest to, że jest ona skierowana do całej osobowości człowieka. W strukturze działania: cel – działanie – działanie, działalność estetyczna rozwija się uniwersalnie, gdyż przechodzi od jednostki do społeczeństwa.

Badanie przedmiotu i struktury estetyki pozwala na jej odsłonięcie Funkcje , z których główne to światopoglądowy, poznawczy, formatywny, metodologiczny.

Artysta potrzebuje przede wszystkim estetyki. Stanowi to ideologiczną podstawę jego działań. Ale artysta, nawet nie znając estetyki, może zastosować jej prawa, opierając się na swojej intuicji i doświadczeniu. Jednak takie zrozumienie nie jest poparte teoretycznym uogólnieniem praktyka artystyczna, nie pozwoli na głębokie i jednoznaczne rozstrzygnięcie problemy twórcze. Światopogląd nie tylko kieruje talentem i umiejętnościami, on sam kształtuje się pod ich wpływem w procesie twórczym. Oryginalność wizji świata, dobór materiału artystycznego są determinowane i regulowane przez światopogląd. Jednocześnie najbardziej bezpośredni wpływ na twórczość ma ta strona światopoglądu, która wyraża się w systemie estetycznym, świadomie lub spontanicznie realizowana w obrazach. Interesują nas zasady estetyczne, na których opiera się artysta, ponieważ artyści tworzą przede wszystkim swoje dzieła dla ludzi. Stosowanie praw estetyki w twórczości sprzyja świadomemu podejściu do twórczości artystycznej, która łączy dar i umiejętności.

Estetyka jest potrzebna nie tylko artyście, ale także postrzegającej publiczności – czytelnikom, widzom, słuchaczom. Sztuka dostarcza jednego z najwyższych przeżyć duchowych – przyjemności. To właśnie ta nauka pozwala ludziom formować się poglądy estetyczne, ideały, idee. Oznacza to, że estetyka zajmuje się procesem edukacji.

Pełni także funkcję metodologiczną. Sumując wyniki badań w danej dziedzinie, na przykład historii sztuki, wpływa to odwrotnie na jej rozwój. Umożliwia badanie dominujących zasad epistemologii przedmiotów estetycznych i wyznacza ścieżkę ich badań. Wśród różnorodnych nauk humanistycznych szczególne miejsce zajmuje estetyka. „Zmysłowo-wartościowy charakter poznania estetycznego, jego kryterialność w stosunku do toczących się poszukiwań kulturowych i artystycznych dają podstawę do traktowania estetyki jako swoistej aksjologii kultury, jako jej samoświadomości, która ma najwięcej bezpośredni związek do tworzenia standardów i priorytetów wartości kulturowych.” Będąc w świecie kultury, ludzkość egzystuje w różnorodnych wartościach estetycznych i antywartościach. Normy estetyczne i wartości kultury są bardzo ważną wytyczną rozwoju społeczeństwa ludzkiego, chroniącą je przed ekspansją kulturową.

W XX wieku oczywista stała się zdolność kultury do wyrwania się spod kontroli człowieka i przekształcenia się w element nowego typu. Pojawiły się liczne zagrożenia dla egzystencji człowieka, w tym katastrofa ekologiczna i wyczerpanie. zasoby naturalne oraz rozprzestrzenianie się „kultury masowej”, któremu towarzyszy ogólny spadek poziomu kulturowego ludzi, standaryzacja ich życia i depersonalizacja jednostki. „W fenomenie „człowieka masowego”, obojętnego na piękno, prawdę i dobro, kryją się niebezpieczeństwa nowych wojen, masowych zniszczeń i katastrof spowodowanych przez człowieka.

Nasz wybitny naukowiec-encyklopedysta V.I. Wiernadski Wiernadski V.I. Postępowanie w sprawie historia ogólna Nauki. - M., 1988. Wykłady 1 - 3. O światopoglądzie naukowym). Uważał, że wiedza człowieka o otaczającym go świecie przebiega w trzech wzajemnie wzbogacających się kierunkach: poprzez naukę, sztukę i religię. Jedyną rzeczywistość istnienia, którą człowiek stara się zrozumieć, mówiąc w przenośni, można przedstawić w postaci wieloaspektowego kryształu, którego niektóre aspekty są znane nauce, inne – sztuce, a jeszcze inne – religijnemu doświadczeniu ludzkości. Aby zbliżyć się do zrozumienia tej rzeczywistości, nie wystarczy rozpatrywać jej aspektów osobno, trzeba także dostrzec niejako ich wzajemny układ. Poznanie otaczającego świata i poszerzanie ludzkiej świadomości przebiegają jak po spirali. Najpierw następuje akumulacja wiedzy i doświadczenia, następnie synteza tej odmiennej wiedzy w jedną ideę otaczającego nas świata, następnie, w oparciu o tę jakościowo nową ideę, gromadzenie głębszej wiedzy i doświadczenia itp.

Dziś czas na syntezę. W tej chwili konieczna jest możliwość połączenia w jedną całość całej wiedzy i całego doświadczenia ludzkości, a tym samym uzyskania jakościowo nowego, rozszerzonego zrozumienia Świata i praw jego Istnienia. Jednocześnie nie można zignorować ani jednego doświadczenia ludzkiej wiedzy o Zunifikowanej Rzeczywistości bez szkody dla holistycznej idei Świata - ani naukowej, ani filozoficznej, ani estetycznej, ani religijnej. Można zatem powiedzieć, że problematyka przedmiotu określonej estetyki jest stale w polu widzenia naukowców. Na przykład w XX wieku. W dyskusjach na temat estetyki pojawiał się pogląd, że „estetyka nie powinna badać sztuki, gdyż jest to przedmiotem teorii sztuki, estetyka jest nauką o pięknie, o estetyce zarówno w rzeczywistości, jak i w sztuce” Pospelova G.N. Estetyczny i artystyczny. - M., 1965.. Ten punkt widzenia nie jest powszechnie akceptowany, ale ostatnio nabrał dodatkowego znaczenia i argumentów w związku z powszechnym stosowaniem różnego rodzaju stosowanych i informacyjno-komunikacyjnych działań artystycznych i estetycznych, niebędących sztuką w rozumieniu tradycyjne znaczenie tego słowa. W konsekwencji, jeśli nie mamy na myśli struktur abstrakcyjnych i beznadziejnie zakodowanych systemów semiotycznych, ale zdrowych sztuka realistyczna czy w kontekście globalnego rozwoju mediów, dizajnu, estetyzacji otoczenia, a także uwzględniając postęp w dziedzinie sztuki komputerowej i wirtualnej, można przyjąć perspektywę rozwoju bez sztuki w w swoim własnym sensie słowa.

Świadomość estetyczna. Świadomość estetyczna jest formą świadomości wartości, odbiciem rzeczywistości i jej oceną z punktu widzenia ideału estetycznego. Przedmiotem refleksji świadomości estetycznej, podobnie jak wszystkich innych form świadomości społecznej, jest rzeczywistość przyrodnicza i społeczna, opanowana już przez doświadczenie społeczno-kulturowe ludzkości. Przedmiotem refleksji jest społeczeństwo jako całość, poprzez konkretne jednostki i grupy społeczne.

Estetyka w swej epistemologicznej naturze jest podobna do prawdy, ale różni się w swojej istocie. Jeśli prawda jest wiedzą racjonalną, to wiedza estetyczna jest nie tyle wiedzą, co emocjonalnym przeżyciem podczas postrzegania przedmiotu. Dlatego możemy słusznie twierdzić, że mentalnym odpowiednikiem estetyki jest doświadczenie .

Doświadczenia są zawsze emocjonalne, ale nie można ich zredukować do emocji. Doświadczenia są zawsze produktem, wynikiem relacji subiektywno-obiektywnych. Jeśli chodzi o organiczną strukturę i treść doświadczenia, „formacja ta jest złożona w swoim składzie; jest zawsze, w takim czy innym stopniu, zawarta w jedności dwóch przeciwstawnych elementów – wiedzy i postawy, intelektualnej i emocjonalnej” Rubinshtein S.L. Bycie i wiedza. - M, 1957. S.264. .

Estetyka jako doświadczenie niekoniecznie opiera się na wiedzy intelektualnej. Powód afektu może być zarówno intuicyjny, jak i nieświadomy, ale zawsze dotyczy czegoś. Specyfika przeżyć estetycznych tłumaczona jest dwoma przyczynami: charakterystyką przedmiotu postawy estetycznej oraz korelacją przedmiotu z estetycznymi gustami, poglądami i ideałami człowieka, określanymi jako „świadomość estetyczna”. Przykładowo kolor sam w sobie, jako źródło przeżyć estetycznych, nie przesądza jeszcze o znaczeniu tych przeżyć.

Specyfika świadomości estetycznej w porównaniu z innymi formami życia duchowego ludzkości jest to, że reprezentuje on cały zespół uczuć, idei, poglądów, idei; jest to szczególny rodzaj formacji duchowej, który charakteryzuje estetyczny stosunek osoby lub społeczeństwa do rzeczywistości: na poziomie bytu świadomość estetyczna istnieje w postaci świadomości społecznej, która odzwierciedla poziom estetyczny, na poziomie indywidualności - w postaci cech osobistych jednej osoby; kształtuje się wyłącznie na podstawie praktyki (im bogatsza praktyka estetyczna jednostki lub społeczeństwa, tym bogatsza i bardziej złożona jest jej świadomość estetyczna).

Struktura świadomości estetycznej. Jak każda forma świadomości społecznej, świadomość estetyczna jest zbudowana na wiele sposobów. Badacze identyfikują następujące poziomy:

• · zwykła świadomość estetyczna;
• · wyspecjalizowana świadomość estetyczna.

Zwykły poziom estetyczny, opiera się na uogólnionym doświadczeniu empirycznym: doświadczeniach estetycznych, uczuciach itp. Nasze codzienne doświadczenia są zmienne i czasami sprzeczne.

Poziom teoretyczny opiera się na ogólnych poglądach filozoficznych na temat świata, człowieka i jego miejsca w tym świecie: ocenach estetycznych, sądach, poglądach, teoriach, ideałach itp. Trzeba pamiętać, że granice pomiędzy tymi poziomami są warunkowe, gdyż specyfika świadomości estetycznej objawia się na każdym poziomie – wszędzie odnajdujemy zarówno elementy zmysłowe, jak i racjonalne. Cecha ta najdobitniej objawia się potrzebą estetyczną i upodobaniem estetycznym, gdzie zarówno to, co emocjonalne, jak i to, co racjonalne, jest równie ważne, gdyż realizowane są w zgodzie z ideałem estetycznym.

Aby dokładniej zrozumieć strukturę świadomości estetycznej, rozważmy wzajemne oddziaływanie jej elementów w najbardziej rozwiniętej formie, czyli wyspecjalizowanej kontemplacji artysty. Podstawą świadomości jest potrzeba estetyczna, zainteresowanie człowieka wartościami estetycznymi, jego pragnienie piękna i harmonii, które historycznie rozwinęły się jako społeczna potrzeba przetrwania człowieka w świecie. Stąd budowane są odpowiednie ideały. Fenomen ideału można wyraźnie zaobserwować na wszystkich etapach rozwoju kultury. Począwszy od „dobra” Platona, Plotyna i Augustyna, ideał jest badany jako „klimat duchowy epoki” lub „temperatura moralna” (I. Taine); Lub " forma ogólna kontemplacja słynna epoka„(Wölflin); lub po prostu „duch epoki” (M. Dvorak), „prawda życia” (W. Sołowjow), „prawda ascetyczna” (P. Florenski); lub bardziej globalnie w postaci „wzoru kulturowego” lub standardu wartości” (Munro), „proto-symbolu kultury” (O. Spengler) itp. W niektórych przypadkach do określenia ideału stosuje się bardziej złożone definicje, takie jak „superego” (S. Freud), „archetyp” (C. Jung), „mem” (Mono), „horyzont życia” (Husserl, Gadamer itp.) itd.

Według współczesnego rosyjskiego badacza V.E. Davidovich, wartość wiąże się z pojęciem ideału; Co więcej, jest to wynik realizacji pewnego ideału. Więcej szczegółów w: Davidovich V.E. Idealna teoria. - Rostów nad Donem, 1983. . System idealnych standardów to zbiór ogólnych wymagań („kanonów”), które muszą być spełnione przez jakąkolwiek transformację rzeczywistości podczas przejścia od aktualnej do pożądanej.

Cechy ideału estetycznego: w przeciwieństwie do wszelkich ideałów społecznych, istnieje nie w formie abstrakcyjnej, ale w formie zmysłowej, ponieważ jest ściśle związany z emocjami, zmysłowym stosunkiem człowieka do świata; zdeterminowane różnymi sposobami korelacji ideału estetycznego z rzeczywistością; idealnie kojarzony z naturą odbicia rzeczywistości; polega na korelowaniu obiektywnych cech rzeczywistości i cech wewnętrznego świata człowieka; określa perspektywy rozwoju społeczeństwa, jego interesy i potrzeby, a także interesy i potrzeby jednostki; przyczynia się do powstawania mitów w świadomości osoby lub społeczeństwa, w ten sposób niejako zastępując samą rzeczywistość.

W społeczeństwie ideał estetyczny spełnia następujące funkcje: mobilizuje ludzką energię uczuć i woli, wskazując kierunek działania; stwarza możliwość wyprzedzania rzeczywistości, wskazuje trend przyszłości; działa jako norma, wzór i oczywistość; służy jako obiektywne kryterium oceny wszystkiego, co człowiek spotyka w otaczającym go świecie. Ideał estetyczny jako wzorzec wzbudzania i kodowania emocji artystycznych jest więc praktycznie niczym innym jak wyobrażeniem o tym, jak powinno wyglądać dzieło sztuki, aby odpowiadało pewnemu ideałowi estetycznemu człowieka.

Ideał estetyczny wyraża gust estetyczny, który opiera się na postawie estetycznej, która odciska piętno na całej strukturze obrazów i uczuć artysty i stanowi podstawę stylu artystycznego konkretnego autora. W sensie estetycznym terminu „smak” po raz pierwszy użył hiszpański myśliciel Baltasar Gracian („Kieszonkowa Wyrocznia”, 1646), oznaczając jedną ze zdolności ludzkiego poznania, szczególnie skupioną na pojmowaniu piękna i dzieł sztuki. Został on następnie zapożyczony od niego przez myślicieli we Francji, Włoszech, Niemczech i Anglii.

„Smak” – pisał Voltaire – „czyli instynkt, dar rozróżniania właściwości pożywienia, dał początek we wszystkich znanych nam językach metaforze, gdzie słowo „smak” oznacza wrażliwość na piękno i piękno. brzydki w sztuce: gust artystyczny jest równie szybki do analizy, który poprzedza refleksję, jak język i podniebienie, tak samo zmysłowy i zachłanny na dobro, tak samo nietolerancyjny na zły...” Voltaire. Estetyka. Artykuły. Listy. Przedmowy i dyskusje. - M., 1974. s. 67-268. Przez analogię do smaku spożywczego rozróżnia gust artystyczny, zły i wypaczony. Oglądając lub słuchając dzieła sztuki, bardzo często na koniec mówimy: „podoba mi się – nie podoba”, „piękne – brzydkie”. Reakcja emocjonalna na dzieło wyraża się w języku w formie oceny estetycznej. Oznacza stwierdzenie opisujące odczucia estetyczne widza podczas odbioru dzieła. Takie stwierdzenie w estetyce pojawia się po raz pierwszy w dziełach Immanuela Kanta („Krytyka władzy sądzenia”) i nazywane jest „sądami smaku”.

Istnieje cztery odmiany ocena estetyczna: pozytywny, negatywny, sprzeczny, niepewny. Rozważmy ewolucję sądów smaku, zarówno w wersji pozytywnej, jak i negatywnej, a następnie przeanalizujmy wpływ smaku. Fabuła Dzieła wizualne pokazuje, że w rozwoju negatywnej oceny wyróżnia się siedem głównych etapów: „zimny i pozbawiony życia” („nie dotyka”); „trzaskający i pompatyczny”; „nieprofesjonalne i nieprawdopodobne”; „zły gust i wulgarność”, „bzdury”, „patologia”, „sabotaż ideologiczny”. Istnieją również pozytywne i negatywne skutki smaku. Przykładem pozytywnego działania smaku mogą być przypadki skrajne: fałszerstwa, kradzieże, „ataki artystyczne” (1985, Ermitaż, ZSRR, obraz Rembrandta „Danae” zalano kwasem). Negatywny wpływ gustu może objawiać się odmową dopuszczenia obrazu na wystawę. Najwyższą formą negatywnego oddziaływania smaku jest „artystyczne” auto-da-fe, tj. spalenie obrazów na stosie, wynalazcą tego zjawiska jest Postać religijna Savonarola (Włochy, XV w.)

Kategoria „piękna”. Ludzkość od dawna szuka odpowiedzi na pytanie, czym jest piękno? Platon jako pierwszy ujął to w tej formie. Czym w ogóle jest piękno? Znamy piękny kosz, piękną klacz, piękną kobietę, ale co w ogóle jest piękne? I to jest zasługa Platon. Przeniósł to pytanie ze sfery zjawisk do sfery wzorców. Czy istnieje jakiś wzór na istnienie piękna? Samo sformułowanie pytania sugeruje, że starożytni Grecy postrzegali świat jako coś naturalnego. To prawda, że ​​​​Platon ma wspaniały pomysł na rzecz. Rzecz jako taka nigdy nie osiąga doskonałości i pełni przyrodzonej światu idei”. Zatem prawdziwym istnieniem jest istnienie świata idei. Jeszcze przed Platonem Heraklit widział piękno w harmonii. Harmonia to walka przeciwstawnych zasad. Proporcjonalność przeciwieństw w tej odwiecznej walce rodzi harmonię. Heraklit wyobrażał sobie świat jako swego rodzaju harmonijną całość, tj. świat jako całość jest rodzajem jedności przeciwstawnych i wiecznie walczących zasad. W tej harmonii świata żyje człowiek. Płyn, miarą zapalania i miarą gasnącego świata. Pitagorejczycy reprezentował świat jako rodzaj harmonii liczbowej. Liczby są duszą tego świata. To relacje liczbowe determinują ten świat. Pitagoras stworzył nawet narzędzie do nauki interwały muzyczne. I odkryłem harmonię dźwięku. Świat jako całość jest stworzony według tych samych zasad harmonia muzyczna a siedem sfer zdaje się tworzyć harmonijny dźwięk świata. To prawda, że ​​\u200b\u200bnie możemy usłyszeć tego dźwięku naszymi uszami. Ale muzyk przynosi nam ten dźwięk i w ten sposób osoba niejako włącza się w harmonię całego świata. Arystoteles definiuje piękno jako porządek, wielkość, zgodność. Ani za duży, ani za mały nie może być piękny. Musi istnieć proporcjonalność do świata rzeczy. Ale dlaczego tę proporcjonalność, tę harmonię postrzegamy jako piękną?

W Średniowiecze Kiedy dominowała ideologia religijna, opozycja ducha i ciała została zabsolutyzowana. Umartwianie ciała w imię podniesienia ducha, w imię wzniesienia się do boskiej duchowości uważano wówczas za najwyższy przejaw ducha ludzkiego. A jednak punkt widzenia prawdy o duchowym pięknie, choć bolesny, miał pewne podstawy. Idee, które tworzy dana osoba, wpływają na nią. Dlatego też świat wyobrażeń o tym, czym powinna być dusza ludzka i jak powinna objawiać się w świecie, miał istotne znaczenie. Religijne wyobrażenia o ideale pięknej osoby miały tę wadę, że nie odpowiadały rzeczywistości, ale miały formę mistyczną. Jednak przyczyniło się to nawet do tego, że religia miała wpływ na muzykę, malarstwo i architekturę. We wszystkich tych obszarach wzniesienie się do wzniosłości ducha wpłynęło na powagę tych sztuk i odkrycie odpowiednich środków wyrazu.

W renesans zachowano dotychczasowy obraz wyobrażeń o pięknie. Mówi o tym sztuka tamtego okresu. Ale jednocześnie człowiek renesansu szuka piękna w naturalności, w samym istnieniu człowieka. Wśród myślicieli i artystów tamtych czasów nie zaprzecza się Bogu, ale wydaje się, że rozpływa się w tym świecie, staje się ludzki, staje się człowiekiem. A idee dotyczące człowieka zdają się zaczynać zbliżać się do idei Boga, jego możliwości. Pico della Mirandola mówi, że „Bóg nie określił dla człowieka, kim powinien być, jakie miejsce powinien zajmować na tym świecie. Zostawił to wszystko do decyzji samego człowieka.” W dobie klasycyzmu idee piękna ponownie wkraczają w sferę ducha. Piękne może być tylko to, w czym przejawia się racjonalność, w czym objawia się duch. A ducha tej epoki rozumie się bardziej racjonalistycznie. Jak coś rozplanowanego, uporządkowanego. W epoce klasycyzmu, gdy kapitalizm stawia pierwsze kroki, na rozległym terytorium pojawia się rynek, powstają silne, scentralizowane państwa, gdy szlachta nie przestała jeszcze pełnić roli przywódcy społeczeństwa, ale już zaczynają się stosunki burżuazyjne Aby nabrać kształtu, w tej erze kształtują się idee dotyczące honoru, patriotyzmu i służby królowi i narodowi. Bardzo rycerski i racjonalny początek.

W Wiek Oświecenia ponownie kształtują się idee dotyczące naturalności człowieka. Burżuazja bowiem nabrała już sił i nie potrzebuje już patronatu królów, nie potrzebuje uregulowanego życia społeczeństwa feudalnego. Oświecenie służy pod tym względem jako pomost przejściowy między wszystkim, co było wcześniej, a niemiecką filozofią klasyczną. I. Kant wierzy, że kontemplacja przedmiotu sprawia przyjemność osobie dzięki skoordynowanej pracy rozumu i wyobraźni. Łączy piękno z pojęciem „smaku”. Jego filozofia piękna opiera się na subiektywnej umiejętności oceny smaku. „Piękne jest to, co bez pojęcia jest znane jako przedmiot koniecznej przyjemności”. Jednocześnie Kant wyróżnia dwa typy piękna: piękno swobodne i piękno przypadkowe. Wolne piękno charakteryzuje się jedynie formą i czystą oceną smaku. Piękno przychodzące opiera się na konkretnym przeznaczeniu przedmiotu i celu. Z etycznego punktu widzenia piękno jest dla niego „symbolem dobra moralnego”. Dlatego też piękno natury przedkłada nad piękno sztuki. Piękno dla Schillera, Herdera, Hegla i innych przed Heideggerem i Gadamerem było zmysłowym obrazem prawdy. Tym samym Hegel, który jako pierwszy wprowadził do filozofii pojęcia uprzedmiotowienia i odprzedmiotowienia, nie dostrzegał piękna poza sztuką. Nie dostrzegał zatem, że w jego pojęciu piękno jest ideą przedstawioną zmysłowo. Ale idea ta nie jest wrodzona w naturze samej w sobie. To prawda, że ​​​​tu Hegel nieco zmienia swoje poglądy, zgodnie z którymi dla niego cały obiektywny świat materialny jest drugim bytem Idei Absolutnej. Zdaniem Hegla w obrazie artystycznym człowiek zmysłowo postrzega swój świat wewnętrzny. I dlatego idea czy ideał zmysłowo ukazany w obrazie artystycznym jest w rzeczywistości aktywnym charakterem ludzkim, charakterem ludzkim, walczącym o swoje merytoryczne interesy. typ historyczny. Ale człowiek podwaja się w sztuce, bo na ogół podwaja się zmysłowo w zwykłej, codziennej rzeczywistości. Dlatego też działalność człowieka jako taka wpisuje się w ideę piękna, którą Hegel rozwija w odniesieniu do sztuki. Gdyby tego nie było w rzeczywistości, w codziennym komunikowaniu się ludzi, to skąd miałoby się to brać w sztuce? N. Czernyszewski polemizując z estetyką heglowską, wysunął tezę: „piękne jest życie”. Heidegger widział w pięknie jedną z form „istnienia prawdy jako nieskrytości”, uznając prawdę za „źródło twórczości artystycznej”. K. Marks pisze, że: „Zwierzę buduje tylko według standardów i potrzeb gatunku, do którego należy, człowiek natomiast umie produkować według standardów dowolnego gatunku i wszędzie umie zastosować wrodzoną miarę obiekt; dlatego też człowiek buduje według praw piękna”.

V.V. Byczkow rozróżnia kategorie „piękno” i „piękno”. Uważa, że ​​„jeśli piękno jest jedną z istotnych modyfikacji estetyki (charakterystyczną dla relacji podmiot-przedmiot), to piękno jest kategorią mieszczącą się w polu semantycznym piękna. i jest cechą jedynie obiektu estetycznego. Piękno przedmiotu estetycznego to zasadniczo niewerbalizowany, odpowiedni wyraz lub ukazanie głębokich, podstawowych praw Wszechświata, bytu, życia, jakiejś duchowej lub materialnej rzeczywistości, ujawnionych odbiorcy w odpowiedniej wizualnej, dźwiękowej lub proceduralnej organizacji, strukturze , projekt, forma przedmiotu estetycznego, która może wywołać w podmiocie estetycznym uczucie, przeżycie piękna, uświadomienie sobie zdarzenia piękna. Piękno przedmiotu relacji estetycznej jest z reguły warunkiem koniecznym aktualizacji estetyki w sposób piękna. Jeśli nie ma piękna, nie ma piękna.

Kategoria „wzniosłość”. Po raz pierwszy próbowałem teoretycznie konceptualizować tę kategorię epoki Cesarstwa Rzymskiego autor, który w traktacie „O wzniosłości” wszedł do nauki pod fikcyjnym nazwiskiem Pseudo-Longinus. Pisze: „Przecież natura nie stworzyła nas, ludzi, abyśmy byli istotami nieistotnymi – nie, ona wprowadza nas w życie i wszechświat jakby na jakąś uroczystość, abyśmy byli widzami całego jej uczciwości i pełnych szacunku fanatyków, natychmiast i na zawsze zaszczepiła w naszych duszach nieusuwalną miłość do wszystkiego, co wielkie, ponieważ jest to bardziej boskie niż my”. Z powyższego widać, że autorowi udaje się wyraźnie uchwycić moment relacji człowieka ze światem w wzniosłości. Jest znakomitym obserwatorem ludzkiej natury. Niewykorzeniona miłość do wszystkiego, co wielkie, naprawdę wlała się w duszę ludzką. Pozostaje teraz wyjaśnić, dlaczego tak powinno być.

W Średniowiecze pojawił się problem wzniosłości i w sposób naturalny jego rozumienie związano z Bogiem oraz uczuciami i tworami, które powstały pod wpływem myśli o Bogu. W renesans następuje powstanie człowieka. U Albertiego człowiek „stoi na pełnej wysokości i wznosi twarz do nieba… on sam został stworzony do poznania i podziwu dla piękna i bogactwa nieba”. W XVIII wiek. Edmundowi Burke’owi się to udało. Zdaniem Burke’a wzniosły jest coś ogromnego, nieskończonego, przekraczającego nasze zwykłe zrozumienie. Ta ogromna rzecz wywołuje w nas uczucie grozy, sprawia, że ​​drżymy, wzdrygamy się z własnej bezsilności. Łączy w naszym postrzeganiu świat zewnętrzny i naszą ludzką reakcję na niego z pewnymi przejawami tego świata zewnętrznego.

Nieco później niż Burke w tym samym stuleciu I. Kant w swoim dziele „Obserwacje na temat poczucia piękna i wzniosłości” (1764) również stara się określić naturę tego uczucia u człowieka. Pracę nad zrozumieniem natury tego uczucia u człowieka kończy w swoim dziele „Krytyka mocy sądu”. Według Kanta musimy szukać poza sobą podstaw piękna w przyrodzie. Ale wzniosłość to tylko w nas i w sposobie myślenia, który wprowadza wzniosłość do wyobrażeń o naturze. Kant wyróżnia dwa rodzaje wzniosłości w naszej relacji ze światem: matematyczny i dynamiczny. W pierwszym przypadku zdolność wiedzy spotyka się z ogromem wszechświata, a w drugim nasza zdolność pragnień spotyka się z ogromem sił moralnych człowieka, jego woli. I pisze: „...dwie rzeczy zawsze napełniają duszę nowym i coraz silniejszym zdziwieniem i zachwytem, ​​im częściej i dłużej się nad nimi zastanawiamy - to jest nade mną gwiaździste niebo i prawo moralne we mnie. Nie muszę szukać obu i jedynie zakładać, że jest to coś spowitego ciemnością lub leżącego poza moimi horyzontami; Widzę je przed sobą i bezpośrednio łączę ze świadomością mojego istnienia.”

W filozofii Hegla wzniosłość to także przezwyciężenie bezpośredniości jednostkowej egzystencji, wejście w świat wolności w działaniu ducha. Dla człowieka wzniosłość jest naturalna, jak chleb i woda. I mówi o tym kultowa architektura i kultowa sztuka w ogóle.

Religia była trudną rzeczywistością przez wiele tysiącleci. A obraz Boga w nim jest wzniosły. To stan umysłu, w którym człowiek wyrzeka się tego, co drobne, nieistotne, nieistotne, gdy postrzega świat w jego substancjalności, w jego substancjalnym patosie, tj. w namiętnościach uniwersalnych. Poprzez oddawanie czci Bogu w religii, człowiek wznosi się do swojego prawdziwego ja, nawet w mistycznej formie. W każdym razie człowiek odczuwa przez Boga swoje zaangażowanie w sprawy Wszechświata. W sztuce radzieckiej, niezależnie od tego, jak bardzo starają się go dziś upokorzyć i poniżyć, człowiek pracy wzniósł się do wzniosłości. I to jest prawdziwy patos sztuki tamtych czasów. Można także przypomnieć sobie N. Ostrowskiego z jego „Jak hartowano stal”, przypomnieć sobie „Pancernik Potiomkin” S. Eisensteina i wiele, wiele innych.

Kategoria „tragiczna”. Prace z zakresu estetyki wskazują, że tragizm wyraża przede wszystkim dialektykę wolności i konieczności. Rzeczywiście, naturę człowieka określa prawo wolności. Ale natura ta urzeczywistnia się według praw wolności w określonych warunkach historycznych, których obiektywne ramy nie pozwalają odsłonić natury ludzkiej i urzeczywistnić jej w całości. Jest oczywiste, że ten lub inny stan społeczeństwa jest tym lub innym stanem podmiotu, osoby. Jest także oczywiste, że sprzeczność między wolnością a koniecznością zostaje rozwiązana w działalności człowieka. W tej sprzeczności dokonuje się działanie podmiotu, osoby. I dlatego każdy podmiot żyje w tej sprzeczności, każdy żyje w rozwiązaniu tej sprzeczności. W związku z tym tragedia jest obiektywnie nieodłączną częścią społeczeństwa ludzkiego. I. Kant wierzy, że przepaść między tym, co powinno, a tym, co jest, nigdy nie zostanie przezwyciężona. Absolutyzuje przepaść pomiędzy wolnością a koniecznością. Oczywiście pokonanie tej opozycji jest procesem, którego końca nie widać. Błędem byłoby jednak uczynienie tej sprzeczności absolutną. Jest to bowiem błąd, gdyż w działaniu człowieka następuje proces formowania się jego wolności. To tak, jakby wspinał się z jednego etapu na drugi. Niestety, konflikt jest obiektywny. Prawda. Siły starego porządku świata dokładają bowiem wszelkich starań, aby go zachować, utrzymać swoją uprzywilejowaną pozycję na tym świecie. I tę formę należy zniszczyć, spowalnia ona ekonomię, społeczeństwo i moralność rozwój duchowy ludzi. I bardzo często ci, którzy walczą o coś nowego, o postęp, przegrywają. To tragedia.

Tragiczna osobowość przyzwyczaja się do ogólnego stanu świata, aktywnie żyje w kluczowych sprzecznościach epoki. Stawia sobie zadania, które mają wpływ na losy narodów. Hegel podkreśla, że ​​człowieka wciąga tragiczny konflikt, niesie w sobie istotny patos epoki, główne pasje, które ją definiują. Osoba ta poprzez swoje działania narusza istniejący stan świata. I w tym sensie jest winna. Hegel pisze, że dla wielkiego człowieka bycie winnym jest zaszczytem. Jest winny tego, co jeszcze żyje, ale co powinno już umrzeć. Swoimi działaniami przyczynia się do nadejścia przyszłości. Jedność estetyki i historii ludzkości widać także w tym, że ludzie walczą o określone interesy, nie tylko materialne, ale także społeczne, ludzkie. Ale w rzeczywistości każdy etap historii ludzkości, jak to definiuje K. Marks, jest procesem humanizacji ludzkości.

W estetyce jest ich kilka pojęcia tragizmu .

Tragedia losu. Niektórzy badacze definiują tragedię starożytnej Grecji jako tragedię losu lub tragedię losu, charakteryzując ją jako tragedię losu, podkreślają, że wszystkie te wydarzenia, a wraz z nimi przeżycia bohaterów, są niejako z góry przepisane. , ustaliła, że ​​bohater nie jest w stanie zmienić biegu wydarzeń. Taki przebieg wydarzeń znany jest także widzom i czytelnikom tragedii. Podporządkowanie woli ludzi wyznaczonemu biegowi zdarzeń nie oznacza jednocześnie, że wola i energia ludzi przestają tu odgrywać rolę. To poprzez swoje działania ludzie zdają się natrafiać na z góry ustalony bieg wydarzeń. Mogą nawet znać z góry wszystkie konsekwencje swoich czynów, tak jak Prometeusz wiedział, że zostanie ukarany przez bogów za dawanie ludziom ognia i uczenie ich rzemiosła, a mimo to będzie robił to, co odpowiada ich wyobrażeniom o obowiązku i honorze. Tragedia losu nie zdejmuje z jednostki odpowiedzialności, nie pozbawia jej nawet możliwości wyboru. Można powiedzieć, że mamy tutaj do czynienia ze świadomym wyborem swojego losu.

Tragedia poczucia winy. Hegel definiuje tragizm jako zbieg okoliczności i winy. Człowiek jest winny, bo żyje w społeczeństwie, jest odpowiedzialny za swoje czyny, ponosi za nie pełną odpowiedzialność i to właśnie jego odpowiedzialność jest dowodem jego wolności i jej miary. Tylko wielki charakter może wziąć na siebie pełną odpowiedzialność. Koncentruje w sobie prawdziwe sprzeczności stulecia, jest osobowością, która w swojej pasji niesie nurt epoki. Patos jest znaczny. Osoba ta ingeruje w bieg wydarzeń, zakłóca pewną równowagę świata, chociaż kieruje się dobrymi i szlachetnymi pobudkami.

Filozofia egzystencjalizmu odmiennie interpretuje problem winy tragicznej. Dla niej osoba jest winna po prostu dlatego, że się urodziła. Los rozpływa się w powszechnej winie. Człowiek jest skazany na wolność; taka jest jego natura. Wolność ta jest jednak oddzielona od konieczności i przeciwstawiona jej. I ta izolacja staje się absolutna. Zatem człowiek jest subiektywnie wolny, ale obiektywnie jest bezradny wobec ślepych i potężnych sił naturalnych i społecznych. Bohater jest z góry skazany na fatalną nieuchronność świata. Rzeczywiście istnieje sprzeczność, ale w walce ludzkiej nie ma ofiar śmiertelnych. Poprzez swoją walkę człowiek, ludzie, klasy, stany osiągają wolność, niszczą stare państwo i ustanawiają nowy porządek świata. Człowiek osiąga wolność poprzez swoje zajęcia praktyczne. W tym sensie postać tragiczna odzwierciedla rzeczywiste sprzeczności epoki, jest za nią odpowiedzialna, żyje w jedności z epoką. Ludzkość jest świadoma siebie w świadomości estetycznej. Dostrzegamy tragiczną treść życia. Odczucie estetyczne obejmuje zmysłową świadomość tragizmu. Ale zrozumienie natury tragizmu nie jest dane zmysłowo.

Świadomość chrześcijańska tragedię interpretuje także jako winę osoby grzesznej od urodzenia. Śmierć i odrodzenie Chrystusa, mit mający swoje korzenie w starszych mitach związanych z ciągłym odradzaniem się życia w roślinach, jest tragedią optymistyczną. Nadzieja na przezwyciężenie niesprawiedliwości istniejącego porządku świata. Śmierć, która przeszła cierpienie, przynosi Chrystusowi na świat nadzieję i duchowe uzdrowienie.

Postrzeganie tragizmu jest sprzeczne. Żal po śmierci i wiara w zwycięstwo, strach przed podłością i nadzieja na jej zniszczenie. Arystoteles zwracał uwagę na niekonsekwencję estetycznego postrzegania tragizmu. Doświadczenie tragizmu, według Arystotelesa, jest oczyszczeniem duszy, które osiąga się poprzez konfrontację uczuć współczucia i strachu. Dzięki współczuciu dla tych strasznych, trudnych doświadczeń, które spotykają bohaterów tragedii, zostajemy oczyszczeni z drobnostek, nieistotnych, drugorzędnych, samolubnych i wznosimy się do tego, co istotne, znaczące, wybitne. Arystoteles tworzy teorię katartycznego działania sztuki, tj. doświadczenia, w których odtwarzana jest sprzeczna natura istnienia. W rezultacie dusza ludzka wchodzi w nowy stan. To tak, jakby została oczyszczona z drobnostek i weszła w stan jedności z losem bohaterów. Ci bohaterowie są losem narodu. I dusza wchodzi w stan przezwyciężenia. Humanizowane. Podniesiony.

Kategoria „komiks”. Kategoria komiksu oddaje także konfrontację między stronami. Tu też jest konflikt. Ale ten konflikt jest przeciwieństwem tragiczności. To radosny konflikt. Reprezentuje zwycięstwo podmiotu nad przedmiotem, jego wyższość nad tym, co dzieje się na zewnątrz. Tutaj podmiot zwyciężył, zanim jeszcze zwrócił się do przedmiotu. Czuje się lepszy od tego, co widzi i z czym ma do czynienia. Jego świat wewnętrzny jest bardziej żywy, poprawny, prawdziwszy, w przeciwieństwie do tego, co dzieje się na jego oczach. Intuicyjnie wyczuwa bezsens, zawodność, nieprawdziwość tego i intuicyjnie czuje swoją wyższość, intuicyjnie raduje się swoją ludzką prawdą. W literaturze estetycznej konflikt ten określany jest jako sprzeczność pomiędzy treścią znikomą i fałszywą a formą, która wydaje się pełna znaczenia. Jak widzimy, ta kategoria estetyczna obejmuje także proces współmierny do podmiotu, samego człowieka, jego wewnętrznie subiektywnej logiki ludzkiej, logiki podmiotowości holistycznej i ruchu ludzkiej rzeczywistości. Ruch, w którym podmiot zamieszkuje wszystkimi włóknami swojej duszy. Komiks w strukturze ludzkiej świadomości można zapewne określić jako jeden z momentów logiki samostanowienia, jako jeden z mechanizmów zmysłowego samostanowienia w tym bezgranicznym świecie człowieka. Poczucie podmiotu tego, co złe, nieprawdziwe jako podmiot, a jednocześnie mechanizm intuicyjnego przezwyciężania szaleństwa, bezruchu bytu, mechanizm zmysłowego prostowania własnej podmiotowości. Dlatego mechanizm śmiechu jest najbardziej złożonym mechanizmem psychologicznym, który powstaje u osoby społecznej.

Jaki jest klucz do mechanizmu oczyszczającego? Jaka jest podstawowa różnica między śmiechem a płaczem? Wyraźnie na to zwrócił uwagę Arystoteles. „Śmieszne to jakiś błąd lub brzydota, która nie powoduje cierpienia ani krzywdy” – mówi, definiując komedię. Przytoczmy także ważną i rzadko pamiętaną konkluzję A.F. Loseva, porównując arystotelesowskie rozumienie komedii i tragedii: „jeśli przez strukturę rozumiemy jedną całość, w oderwaniu od treści, to ta struktura u Arystotelesa jest absolutnie taka sama zarówno w przypadku komedii, jak i tragedii. Mianowicie, tu i ówdzie jakaś abstrakcyjna i nietknięta idea jest wcielona w ludzką rzeczywistość w sposób niedoskonały, bezskuteczny i wadliwy. Ale tylko w jednym przypadku uszkodzenie to jest ostateczne i prowadzi do śmierci, a w drugim przypadku jest dalekie od ostatecznego i powoduje jedynie pogodny nastrój.

Innymi słowy, najważniejsze w wystąpieniu śmiechu lub płaczu jest uznanie odwracalności lub nieodwracalności tego, co się wydarzyło. To właśnie udział w katartycznym mechanizmie śmiechu, identyfikacji semantycznej (ustalającej odwracalność luki), sprawia, że ​​śmiech jest zjawiskiem specyficznie ludzkim. Przywracanie integralności semantycznej - warunek konieczny katartyczne uwolnienie. To może wyjaśniać sytuację „niezrozumianego żartu”. Człowiek postrzega anegdotę jako lukę, ale nie może jej wyeliminować, „odwrócić”; Zamiast śmiechu pojawia się zdziwienie. Zatem doświadczenie śmieszności ma czteroczęściową strukturę: pod względem znaczenia, reakcji na lukę, identyfikacji odwracalności; radość, relaks, w wyrazie zewnętrznym, zamrożenie mięśni twarzy; hamowanie zamarzania, uśmiechania się, śmiechu, a pod względem lokalizacji doświadczenie stanowi zawężenie znaczenia źródła doświadczenia.

Czas trwania i intensywność śmiechu zależą od semantyki, syntaktyki i pragmatyki humoru. Mogą się one różnić w zależności od znaczenia, jakie nadawana jest pojawiająca się luka semantyczna w nieświadomości danej osoby. W wielu przypadkach nie da się tego racjonalnie wytłumaczyć. Osoba spadająca z krzesła często wywołuje silniejszą reakcję niż subtelna gra słów.

Na istnienie archetypowych źródeł generacji komizmu wskazuje samo istnienie kategorii estetycznej komiksu i jego gatunków. C. Jung zauważył, że archetyp rozpoznaje się po niezwykle silnej reakcji emocjonalnej, która mu towarzyszy. Efekt śmieszności można zwiększyć poprzez strukturalny rozkład napięcia w obrębie pojedynczego zabawnego wydarzenia, włączenie go w łańcuch zabawnych wydarzeń lub kontrastujące kontekstowe otoczenie.

Wreszcie ogromne znaczenie ma sam akt postrzegania śmieszności. Na przykład w grupie ludzi efekt zarażenia śmiechem pojawia się, gdy przedmiot śmiechu rozszerza się lub zmienia, ponieważ śmiejąca się osoba sama w sobie jest zabawna, ponieważ stanowi także zerwanie integralności semantycznej. Najtrudniejsze do analizy są zjawiska złożone, historyczne, społeczno-kulturowe, gdzie pojawiają się „efekty systemowe”, które zniekształcają związki przyczynowo-skutkowe i uniemożliwiają jednoznaczne wyjaśnienie, dlaczego ludzie się śmieją. Efekty ogólnoustrojowe wymagają specjalnych metod opisu i analizy.

Najbardziej znanym przykładem „śmiechu systemowego” jest „kultura śmiechu ludowego”, badana w klasycznym dziele M.M. Bachtin o Rabelaism. Zabawne w życiu nie jest artystyczne, ale w dużej mierze jest już potencjalnie artystyczne. Najbardziej pomysłowe opowiedzenie zabawnego wydarzenia z życia codziennego jest aktualizacją talentu i umiejętności opowiadającego. A jeśli pominiemy przypadki, gdy utwór jest zabawny wbrew woli autora, to już każdy utwór wywołujący śmiech można uznać za mniej lub bardziej udany. W całym arsenale środków artystycznych stworzonych przez światową kulturę preautorską i autorską śmiech nie ma konkurencji pod względem zdolności przyciągania i zatrzymywania publiczności.

Komiks jest środkiem walki, drogą do zwycięstwa nad tym, co przeszkadza życiu, środkiem do uświadomienia sobie tego, co już się przedawniło lub wciąż jest pełne życia, ale nie ma prawa do życia. Można nawet powiedzieć, że jest to sposób na przekształcenie tej przestarzałej rzeczy, która nie ma prawa do życia, w coś odczuwalnego, postrzeganego, a jednocześnie sposób na utwierdzenie czegoś prawdziwie ludzkiego, odpowiadającego najwyższym ideałom. Przypomnijmy N.V. Gogol zdefiniował gatunek” Martwe dusze„jak wiersz. Wyśmiewany wróg został już pokonany. Zostaje pokonany duchowo, pokonany jako coś niskiego, niegodnego i nie mającego prawa do życia. Przypomnijmy sobie „Wasilija Terkina” A.T. Twardowski. Jego prawdziwe znaczenie polega właśnie na duchowym zwycięstwie nad wrogiem. Radosna świadomość własnej autentyczności, swojej prawdy w tej ciężkiej walce. W walce, która nie miała sobie równych w historii ludzkości. „Terkin” jest jednym z terminów Wielkie zwycięstwo. Komiks charakteryzuje się kolorystyką narodową. Można mówić o śmiechu francuskim, angielskim, gruzińskim, tatarskim, rosyjskim... Bo budownictwo duchowe każdego narodu jest wyjątkowe i niepowtarzalne.

Estetyczny charakter sztuki. Różnorodność świata i potrzeb społecznych człowieka rodzi różnorodne formy świadomości społecznej. Sztuka zdawała się rozwiązywać konkretne problemy panowania i przekształcania świata. Klucza do zrozumienia specyfiki myślenia artystycznego i cech sztuki należy szukać w strukturze praktyki społecznej, w strukturze społeczno-historycznego doświadczenia ludzi. Sztuka jest nieodzownym składnikiem cywilizacji przez cały okres jej istnienia i rozwoju. Sztuka, uchwyciwszy w swojej „pamięci” historię ludzkości, jej przeszłe doświadczenia, odsłania uderzający autentycznością obraz jej losów.

Istnieje wiele definicji sztuki. Wymieńmy główne podejścia do zrozumienia tej definicji.

Po pierwsze, sztuka - jest to specyficzny rodzaj duchowej refleksji i panowania nad rzeczywistością, „mający na celu kształtowanie i rozwijanie zdolności człowieka do twórczego przekształcania otaczającego go świata i siebie samego, zgodnie z prawami piękna”. Fakt, że sztuka ma cel, jest kontrowersyjny, a pojęcie piękna jest względne, ponieważ standard piękna może się znacznie różnić w różnych krajach. tradycje kulturowe, potwierdzony triumfem brzydkiego, a nawet całkowicie zaprzeczony.

Po drugie, sztuka – to jeden z elementów kultury, w którym kumulują się wartości artystyczne i estetyczne.

Trzeci, sztuka - To forma zmysłowego poznania świata. Istnieją trzy sposoby poznania człowieka: racjonalny, zmysłowy i irracjonalny. W głównych przejawach duchowej aktywności kulturalnej człowieka, w bloku wiedzy istotnej społecznie, obecne są wszystkie trzy, przy czym każda ze sfer ma swoje dominujące cechy: nauka – racjonalna, sztuka – zmysłowa, religia – intuicyjna.

Po czwarte, w sztuka ujawniają się zdolności twórcze człowieka.

po piąte, sztuka można uznać za proces opanowywania przez człowieka wartości artystycznych, dający mu przyjemność i radość.

Jeśli spróbujemy zwięźle zdefiniować co sztuka , wówczas można powiedzieć, że jest to „obraz” – obraz świata i człowieka, przetworzony w umyśle artysty i wyrażany przez niego w dźwiękach, kolorach i formach.

Często można usłyszeć od osób, które nie potrafią rysować, grać ani śpiewać, że nie mają zdolności plastycznych. Jednocześnie ci ludzie zachłannie przyciągają muzykę, teatr, malarstwo i czytają ogromną liczbę dzieł literackich. Przypomnijmy sobie nasze dzieciństwo: prawie każdy próbuje rysować, śpiewać, tańczyć, pisać wiersze. A to wszystko jest początkiem sztuki. W dzieciństwie każdy próbuje swoich sił różne rodzaje sztuka. Nie bez powodu mówi się, że w każdym człowieku drzemie artysta. Gdzie zaczyna się sztuka? Odpowiedź na to pytanie kryje się, choć może to paradoksalnie, nie w samej sztuce, ale w życiu każdego człowieka, w jego stosunku do innych ludzi i do samego siebie. Sztukę ocenia się zazwyczaj po gotowym produkcie. Zadajmy sobie jednak pytanie: co sprawia, że ​​człowiek tworzy dzieła sztuki? Jaka siła kieruje nim, twórcą i miłośnikami sztuki, których tak chętnie przyciągają jego dzieła? Głód wiedzy, potrzeba komunikacji z innymi ludźmi. Ale chęć odkrywania tajemnic życia, a także chęć poznania siebie i innych, to jedna strona sprawy. Druga strona tkwi w zdolności artysty do szczególnego doświadczania życia, odnoszenia się do niego na swój własny, niepowtarzalny sposób – z pasją, zaciekawieniem, emocjonalnie. Tylko w ten sposób może, zdaniem L.N. Tołstoja, zarażać innych uczuciami, postrzeganiem jego sztuki, patrzeniem na życie oczami artysty. Życie jest rodzajem pomostu łączącego artystę i widza, sztukę i publiczność. A początek sztuki leży w tym, jak się do niej odnosimy, jak rozumiemy nasze otoczenie, jak oceniamy działania i czyny innych ludzi.

Główne funkcje społeczne sztuki. Sztuka jest wielofunkcyjna. Wymienimy i podamy krótki opis funkcje sztuki, które są ze sobą powiązane, gdyż dzieła sztuki istnieją jako zjawisko integralne: społecznie transformacyjny I wyrównawczy funkcje (sztuka jako działanie i jako pocieszenie); poznawczo-heurystyczna funkcja (sztuka jako wiedza i oświecenie); artystyczne i konceptualne funkcja (sztuka jako analiza stanu świata); funkcja przewidywania(„Zasada Cassandryjska”, czyli sztuka jako przewidywanie); informacyjny i komunikacyjny funkcje (sztuka jako przekaz i komunikacja); edukacyjny funkcja (sztuka jako katharsis; kształtowanie całościowej osobowości); sugestywny funkcja (sztuka jako sugestia, wpływ na podświadomość); estetyka funkcja (sztuka jako kształtowanie ducha twórczego i orientacji wartościowych); hedonistyczny funkcja (sztuka jako przyjemność).

Przedmiotu sztuki nie da się sprowadzić ani do przedmiotu refleksji, ani do apriorycznego wynalazku artysty – jest on rezultatem, wytworem współdziałania tego, co przedmiotowe i subiektywne, w świadomości i doświadczeniach samego artysty. Tak rozumiany przedmiot sztuki ma istotę estetyczną.

Zdaniem M.S. Kagana podstawą wyjaśnienia sztuki w jej relacji do rzeczywistości jest leninowska teoria refleksji, w świetle której można ją rozumieć jako „szczególną społeczną formę refleksji i oceny rzeczywistości”. Ale na tym nie poprzestaniemy. Potrzebujemy tej teorii, aby ujawnić cechy sztuki jako społecznej formy odbicia rzeczywistości, specyfikę jej funkcji jako praktycznie duchowego rozwoju świata w odniesieniu do cywilizacji w porównaniu z innymi typami takiego rozwoju. W tym celu skorzystamy z koncepcji M.M. Bachtin. Zasadnicza analiza sztuki średniowiecza i dziedzictwa klasycznego XIX wieku, głęboka retrospektywa historyczna pozwoliła naukowcowi z naukową i filozoficzną wnikliwością prześledzić kolejne powiązania w ich rozwoju, zidentyfikować niezmienny rdzeń sztuki, która zachowała się pomimo całego „przywiązania” do swego czasu. MM. Bachtin definiuje je jako „wydarzenie bytu” (współistnienie bytu). Jego koncepcja polega na analizie sztuki z perspektywy: teorii refleksji, społecznego znaczenia sztuki, jej jedności i uwarunkowań historycznych.

Spróbujmy sprawdzić lapidarną formułę M.M. Bachtina za uniwersalność i stosowalność zarówno do najbardziej reprezentatywnych teorii sztuki, dawnej i współczesnej, jak i w odniesieniu do koncepcji pozaeuropejskich. Pełen wydarzeń świat sztuki, zdaniem Bachtina, to odzwierciedlony świat codziennej rzeczywistości, ale uporządkowany i dopełniony wokół człowieka jako jego środowiska wartości. „Działalność estetyczna zbiera świat rozproszony w znaczeniach i kondensuje go w pełny i samowystarczalny obraz, znajduje dla tego, co przemijalne w świecie (dla jego teraźniejszości, przeszłości, jego obecności) emocjonalny ekwiwalent, który go ożywia i chroni, znajduje wartość pozycja, z której to, co przejściowe, nabiera wagi wydarzenia opartej na wartościach, zyskuje znaczenie i stabilną pewność. Akt estetyczny rodzi bycie w nowej płaszczyźnie wartości świata, narodzi się nowy człowiek i nowy kontekst wartości – płaszczyzna myślenia o świecie człowieka” (M.M. Bachtin).

Tego rodzaju zagęszczenie świata wokół człowieka i jego wartościowe zorientowanie na człowieka determinuje rzeczywistość estetyczną świata sztuki, odmienną od rzeczywistości poznawczej, ale oczywiście nie obojętną na nią. Pozycja estetyczna artysta nie ogranicza się do swojego udziału w sprawach i dokonaniach świata egzystencjalnego, ale zakłada w stosunku do niego aktywność pozapraktyczną. Działanie to wyraża się w „dopełnianiu wartości świata”, tj. w przekształcaniu świata zgodnie z ideałem. Podstawą takiej wartościowej przemiany bytu jest postawa „wobec innego”, wzbogacona nadmiarem wizji tego „innego” z pozycji „ekstralokacji” artysty.

Artysta uwikłany jest w oba światy – świat bytu i świat wydarzeń swoich bohaterów; w świecie bytu sam występuje jako „inny”, którego istnienie pozostaje mu zupełnie nieznane. Ale to właśnie w tym świecie pojmuje pełnię życia i niezupełność istnienia, z której niezadowolenie rodzi w nim pragnienie usprawnienia jego obrazu i uzupełnienia go. „Świat nie zadowala człowieka, a człowiek swoim działaniem postanawia go zmienić” (V.I. Lenin). W tym przypadku praktyczną zmianę świata poprzedza świadomość jego niedoskonałości, jasne wyobrażenie o tym, czym mógłby być z konieczności lub prawdopodobieństwa itp. wreszcie determinacja, gotowość do praktycznego działania. Ale dopiero uciekając na chwilę od świata, od niedokończonej egzystencji i przyjmując pozycję „zewnętrzności”, artysta może w oparciu o własne doświadczenie i wiedzy „o innym”, aby przezwyciężyć tę niepełność istnienia, dopełnić ją w holistyczny obraz świata, który w oderwaniu od artysty nabiera obiektywnego znaczenia. Kompletność obfitującego w wydarzenia świata sztuki nadaje mu obiektywne znaczenie, bardziej uniwersalne i dostępne dla bezpośredniej kontemplacji niż znaczenie płynnej egzystencji niedokończonego życia, w którym zanurzona jest jednostka. Przykładem powyższego jest dokonana przez Hegla analiza Boskiej Komedii Dantego w estetyce.

Uczestnikami tworzenia tego nowego świata sztuki, pełnej wydarzeń egzystencji jest zawsze dwoje: artysta (odbiorca) i bohater, czyli tzw. „kolejna osoba”, wokół której skupia się pełen wydarzeń świat sztuki. Ale ich stanowiska są zasadniczo różne. Artysta wie więcej o swoim bohaterze i jego losach niż o sobie, bo zna „koniec” wydarzenia, podczas gdy ludzka egzystencja jest zawsze niepełna. Co więcej, artysta widzi i wie o swoim bohaterze więcej nie tylko w kierunku, w którym widzi sam bohater, podmiot praktyczny, ale także w innej projekcji, zasadniczo niedostępnej. Artysta widzi działania i losy bohatera nie tylko w prawdziwym życiu, ale także w przeszłości, która istnieje nieznana (sytuacja Edypa) i przyszłości, która jeszcze nie istniała. Pozycja „ekstralokacji” artysty w stosunku do istnienia świata pozwala mu oczyścić wydarzenie z nieistotnych momentów pojedynczego, przypadkowego (egzystencjalnego) doświadczenia i wynieść je do ideału, do którego w starożytności przypisywano znaczenie magiczne. Artysta może w ten sposób uchwycić i przedstawić w formie holistycznego obrazu świata, pozycję człowieka w świecie, odbicie świata w świadomości człowieka (bohatera), jego autorefleksję na temat własnej pozycji w świecie, reakcja na tę pozycję „innych” i reakcja tych „innych” na jego poczucie własnej wartości.

Jednakże połączenie tych bardzo różnych projekcji świata w jeden integralny, uniwersalny dla wszystkich obraz, a jednocześnie skupienie kontemplacji na jednej z warstw, nie tracąc z oczu pozostałych, co nadaje temu obrazowi wielowymiarowość i obiektywne znaczenie, pozwala artyście wyrazić swój własny pogląd na świat. Jednocześnie artysta nie ogranicza się bynajmniej do naśladowania natury (bytu), zwłaszcza w zepsutym znaczeniu tego słowa, jakie nadają mu przeciwnicy realizmu lub jego wulgaryzatorzy. Pełni aktywną i produktywną rolę współtworzenia współistniejącego świata sztuki. Ta szczególna pozycja artysty w stosunku do świata sztuki może być dla widza niewidoczna, gdy wydarzenie rozwija się pozornie samoistnie, lub otwarta, gdy artysta jest otwarcie tendencyjny w swoim stosunku do wydarzenia i ocenia je z punktu widzenia ideał, czyli deklaratywny, gdy artysta świadomie demonstruje swą władzę nad materiałem aż do absurdu zdarzenia, co jest charakterystyczne dla współczesnej sztuki modernistycznej. Redundancja wizji stawia artystę w pozycji twórcy, demiurga swoich bohaterów i ich świata. Prawdziwy okazuje się jednak tylko wtedy, gdy nie upiera się przy „czystości” i wyższości swojej wizji wartości w stosunku do świata, a nadmiar wiedzy o świecie nie zamienia się w arbitralność. Zatem „ekstralokacja” artysty, zdaniem Bachtina, to szczególna pozycja, która pozwala mu na dokonywanie przejść ze świata egzystencjalnego do pełnego wydarzeń świata sztuki, realizując w ten sposób „szczególny rodzaj uczestnictwa w wydarzeniu istnienia” .”

Artystyczny obraz. Sztuka to przede wszystkim owoc ciężkiej pracy, wynik twórczego myślenia, twórczej wyobraźni, opartej wyłącznie na doświadczeniu. Często mówi się, że artysta myśli obrazami. Obraz to rzeczywista rzecz lub obiekt odciśnięty w umyśle. Obraz artystyczny rodzi się w wyobraźni artysty. Artysta odsłania przed nami całą istotną treść własnej wizji. Obrazy rodzą się tylko w głowie, a dzieła sztuki to obrazy artystyczne ucieleśnione już w materiale. Ale żeby powstały, trzeba myśleć artystycznie - w przenośni, tj. móc operować wrażeniami życia, które staną się podstawą przyszłej pracy.

Wyobraźnia jako proces psychologiczny pozwala wyobrazić sobie wynik pracy przed jej rozpoczęciem, nie tylko produkt końcowy, ale także wszystkie etapy pośrednie, orientując człowieka w procesie jego działania. W przeciwieństwie do myślenia, które operuje pojęciami, wyobraźnia posługuje się obrazami, a jej głównym celem jest przekształcanie obrazów, aby zapewnić powstanie nowej, wcześniej nieistniejącej sytuacji lub przedmiotu, w naszym przypadku dzieła sztuki. Wyobraźnia uruchamia się, gdy brakuje niezbędnej kompletności wiedzy i nie można wyprzedzić wyników działania za pomocą zorganizowanego systemu pojęć. Operowanie obrazami pozwala „przeskakiwać” przez niektóre nie do końca jasne etapy myślenia i wciąż wyobrażać sobie efekt końcowy. Oznacza to, że praca jest spełnieniem marzeń. Ucieleśnione uczucie, przeżycie, łączy w sobie obserwacje życiowe i twórczą fantazję, obrazy rzeczywistości i obrazy sztuki. Rzeczywistość i szczerość to główne cechy sztuki, a sztuka jest własnością ludzkiej duszy. W sztuce, aby powiedzieć coś nowego, trzeba tę nowość przecierpieć, doświadczyć jej umysłem, poczuć, posiąść. Oczywiście umiejętność wykonania.

W każdej formie sztuki obraz artystyczny ma swoją strukturę, wyznaczoną z jednej strony przez cechy wyrażanej w nim treści duchowej, z drugiej zaś przez charakter materiału, w którym ta treść się ucieleśnia. Zatem obraz artystyczny w architekturze jest statyczny, w literaturze dynamiczny, w malarstwie figuratywny, a w muzyce intonacyjny. W niektórych gatunkach obraz pojawia się w obrazie osoby, w innych jako obraz natury, w innych jako rzecz, w jeszcze innych łączy w sobie reprezentację ludzkiego działania i środowiska, w którym się to dzieje.

Etapy twórczości artystycznej. Wymieńmy główne etapy twórczości artystycznej: pierwszym etapem jest ukształtowanie koncepcji artystycznej, która ostatecznie powstaje w wyniku figuratywnego odzwierciedlenia rzeczywistości; drugi etap to bezpośrednia praca nad dziełem, jego „tworzenie”. Sztuka, która powstaje jako środek egzystencji duchowego świata człowieka, niesie w sobie ten sam wzór. Nasza świadomość w swoim oddziaływaniu ze światem jest pewną integralnością, a jednocześnie za każdym razem następuje pewne zakończone działanie duchowe, które odtwarza obiektywne działanie podmiotu w obiektywnym świecie. Powiedzmy zatem, że w wierszu czytamy jasno określony nastrój, właśnie taki, określony, a jednocześnie dokończony w czasie. V.G. Bielińskiego stwierdza, że ​​w dziele sztuki wszystko jest formą i wszystko jest treścią. I że tylko osiągając doskonałość formy, dzieło sztuki może wyrazić tę lub inną głęboką treść. I. Kant pisze, że przyjemność estetyczna daje nam przede wszystkim forma. Zarzuca się mu, że to jego oświadczenie stało się podstawą wszelkiego rodzaju ruchów formalistycznych. Ale Kant nie jest tu winien. Tak, forma. Ale który i dlaczego? Jeśli pamiętamy, że jednym z istotnych momentów obiektywnej działalności człowieka jest tworzenie form, to jako subiektywny przejaw tego momentu obiektywnej działalności człowieka, każda forma powinna sprawiać człowiekowi pewną przyjemność. Jako przejaw jego subiektywnej zdolności w odniesieniu do obiektywnego procesu. Ale tutaj Kant nie mówi o sztuce, ale tylko o estetyce jako takiej.

Elementem naszego istnienia, tym elementarnym, naturalnym dla nas procesem, w którym ludzkość, a wraz z nią ja, odnajduję się, jest proces formacji. Ale jaka jest treść? – to bardzo trudne pytanie. Jeśli weźmiesz wszystko obiektywny świat człowiekiem, wówczas możemy i powinniśmy tutaj ujawnić treść formacji poprzez najbardziej abstrakcyjne przedstawienie. Treścią będzie życie ludzkości. Dotyczy każdego konkretnego przedmiotu, który tworzymy. Krzesło, stół, łóżko, filar, parkiet, wnętrze... Ale w dziele sztuki to nieograniczone morze budowania form zostaje skonkretyzowane: treścią będzie proces doświadczania przez podmiot cel ludzki świat. Innymi słowy, semantyczna bezpośredniość podmiotu jako procesu.

L.S. Wygotski w swojej „Psychologii sztuki” pisze, że w sztuce forma zwycięża treść. Zarówno w kreowaniu obrazu artystycznego, jak i w odbiorze dzieł sztuki. Wniosek ten obowiązuje także dla istnienia duchowego świata człowieka. Na każdym kroku naszej interakcji ze światem ludzi tworzymy obrazy i zmuszeni jesteśmy stworzyć coś kompletnego, aby uchwycić sens tego, co się dzieje. Naturalnie tworzymy w naszej świadomości obrazy rzeczywistości, przeprowadzamy akcję formacyjną, a treść przezwyciężamy formą. Może się zdarzyć, że jednocześnie pozostawimy coś poza subiektywnym obrazem, który pojawia się w naszej głowie. Ale to już zależy od głębokości treści semantycznej naszej świadomości. Inaczej mówiąc, program, na podstawie którego powstają w nas obrazy, jest jeszcze daleki od doskonałości. Cały proces twórczy charakteryzuje się dialektycznym oddziaływaniem treści i formy. Forma artystyczna jest materializacją treści. Prawdziwy artysta odsłaniając treść dzieła zawsze wychodzi z możliwości materiału plastycznego. Każdy rodzaj sztuki ma swój własny materiał. Tak więc w muzyce są to dźwięki, na przykład ton, czas trwania, wysokość, siła dźwięku, a w literaturze jest to słowo. Brak wyrazu, „oklepane” słowa i wyrażenia obniżają kunszt dzieła literackiego. Właściwy dobór materiału przez artystę zapewnia obraz zgodny z prawdą, odpowiedni percepcja estetyczna w rzeczywistości obraz życia człowieka. Ogólnie rzecz biorąc, każde dzieło sztuki jawi się jako harmonijna jedność obrazu artystycznego i materiału.

Zatem forma artystyczna nie jest mechanicznym połączeniem elementów całości, ale złożoną formacją, która obejmuje dwie „warstwy” - formę „wewnętrzną” i „zewnętrzną”. „Elementy” formy znajdujące się na „niższym” poziomie tworzą wewnętrzną formę sztuki, natomiast elementy leżące na „wyższym” poziomie tworzą jej formę zewnętrzną. Na formę wewnętrzną składają się: fabuła i postacie, ich relacja – istnieje figuratywna struktura treści artystycznej, sposób jej rozwoju. Forma zewnętrzna obejmuje wszystkie wyraziste i wizualne środki sztuki i pełni funkcję materialnego ucieleśnienia treści.

Elementy formy: kompozycja, rytm – to szkielet, kręgosłup tkanki artystyczno-figuratywnej dzieła sztuki, spajają wszystkie elementy formy zewnętrznej. Proces materializacji treści artystycznych w formie wychodzi z głębi na powierzchnię; treść przenika wszystkie poziomy formy. Postrzeganie dzieła nadchodzi sztuka odwrotnie: najpierw chwytamy formę zewnętrzną, a następnie wnikając w głąb dzieła, pojmujemy znaczenie formy wewnętrznej. Dzięki temu opanowaliśmy całość treści artystycznych. W konsekwencji analiza elementów formy pozwala na jaśniejszą definicję formy dzieła sztuki. Forma jest wewnętrzna organizacja, struktura dzieła sztuki stworzona za pomocą środków ekspresyjnych i wizualnych tego rodzaju sztuki w celu wyrażenia treści artystycznych.

Każda epoka rodzi własną sztukę, własne dzieła sztuki. Mają wyraźne cechy charakterystyczne. Jest to przedmiot i zasady postrzegania rzeczywistości, jej interpretacji ideologicznej i estetycznej oraz system środków artystycznych i wyrazowych, za pomocą których otaczająca osobęświat jest odtworzony w dziełach sztuki. Takie zjawiska w rozwoju sztuki nazywane są zwykle metodą artystyczną.

Metoda artystyczna – to pewien sposób rozumienia rzeczywistości, specyficzny sposób jej oceniania, sposób odwrotnego modelowania życia. Czynnikiem początkowym i determinującym pojawienie się i upowszechnienie metody artystycznej jest konkretna rzeczywistość historyczna, która stanowi niejako jej obiektywną podstawę, na której powstaje ta lub inna metoda. Hegel argumentował także, że „artysta należy do swojego czasu, żyje według jego obyczajów i nawyków”. Ale estetyka materialistyczna jest innego zdania: bogactwo kreatywności zależy od integralności światopoglądu. Zatem w ramach jednej formacji społeczno-gospodarczej mogą współistnieć różne sposoby twórczości artystycznej. Ograniczeń czasowych metod artystycznych nie należy rozumieć dosłownie. Zalążki nowych metod pojawiają się zwykle w pracach powstałych w oparciu o stare metody. Jednocześnie oczywiste jest coś innego: grupy artystów w ramach tej samej metody artystycznej zbliżają się do siebie w szeregu podstawowych cech twórczości i jej praktycznych rezultatów. To zjawisko w sztuce nazywa się stylem.

Styl artystyczny to kategoria estetyczna, która odzwierciedla stosunkowo stabilną wspólnotę głównych ideologicznych i artystycznych cech twórczości, zdeterminowaną estetycznymi zasadami metody artystycznej i charakterystyczną dla określonego kręgu twórców sztuki. Yu. Borev zauważa szereg czynników charakterystycznych dla stylu: czynnik procesu twórczego; czynnik egzystencja społeczna Pracuje; czynnik procesu artystycznego; czynnik kultury czynnik artystycznego oddziaływania sztuki

Pojęciem „szkoły artystycznej” najczęściej określa się krajowe i prowincjonalne gałęzie ruchu artystycznego. Ważną kategorią estetyczną odzwierciedlającą praktykę artystyczną jest kierunek artystyczny . Kategoria ta praktycznie nie jest rozwinięta w literaturze i często utożsamiana jest z metodą twórczości, stylem. Niemniej jednak, metoda twórcza– to sposób rozumienia rzeczywistości i jej artystycznego modelowania, ale sam w sobie nie jest jeszcze rzeczywistością estetyczną. Rzeczywistość mają jedynie owoce twórczości artystycznej, dzieła sztuki stworzone tą czy inną metodą twórczą.

W konsekwencji główną jednostką dynamiki rozwoju historii sztuki nie jest metoda twórcza, ale kierunek artystyczny, tj. zespół dzieł, które są sobie bliskie pod względem szeregu istotnych cech ideowych i estetycznych. Innymi słowy, metoda artystyczna materializuje się w kierunku artystycznym. Rozwój, kształtowanie się i konfrontacja metod artystycznych odbija się w kierunku artystycznym. Ale jest to ściśle związane ze stylem.

Kierunek artystyczny jest największą i najbardziej wszechstronną jednostką procesu artystycznego, obejmującą epoki i systemy artystyczne. Pozwala ocenić cały okres historyczny w kulturze artystycznej i całą grupę twórców. Załamuje cechy artystyczne, ideologiczne, ideologiczne i estetyczne rozwój artystyczny. Ruch artystyczny to ruch artystyczny, który kształtuje się w określonych warunkach narodowych i historycznych i jednoczy grupy artystów wyznających różne zasady estetyczne w ramach jednej metody artystycznej i jednego rodzaju sztuki, w celu rozwiązywania określonych problemów twórczych. Różnice w ruchu artystycznym są względne. DO główne kierunki artystyczne zalicza się do nich: realizm mitologiczny starożytności, symbolizm średniowieczny, realizm renesansowy, barok, klasycyzm, realizm edukacyjny, sentymentalizm, romantyzm, realizm krytyczny XIX w., realizm XX w., socrealizm, ekspresjonizm, surrealizm, egzystencjalizm, abstrakcjonizm, pop-art, hiperrealizm itp. Historyczny rozwój sztuki jawi się zatem w istocie jako historyczny proces powstawania i zmiany metod, stylów i ruchów artystycznych.

Morfologia sztuki. Problem identyfikacji rodzajów sztuki i wyjaśnienia ich cech niepokoi ludzkość od dawna. Wielu filozofów, osobistości kultury i artystów próbowało ostatecznie rozwiązać tę kwestię. Jednak obecny stan tego problemu nie jest wystarczająco jasny. Pierwsza klasyfikacja form sztuki, przeprowadzona przez Platona i Arystotelesa, nie wykraczała poza badanie specyfiki poszczególne gatunki sztuka. Pierwszą klasyfikację holistyczną zaproponował I. Kant, ale nie w płaszczyźnie praktycznej, ale teoretycznej. Pierwszy system przedstawiania relacji między określonymi rodzajami sztuki podał Hegel w swoim wykładzie „System sztuk indywidualnych”, którego podstawę oparł na relacji między ideą a formą, tworząc klasyfikację rodzajów sztuki od rzeźby do poezji.

W XX wieku Fechner zaklasyfikował sztukę do punkt psychologiczny punktu widzenia: z punktu widzenia praktycznych korzyści płynących z formy sztuki. Zaklasyfikował więc zarówno gotowanie, jak i perfumiarstwo jako sztukę, tj. rodzaje działań estetycznych, które oprócz walorów estetycznych pełnią także inne funkcje praktyczne. T. Munro miał mniej więcej takie same poglądy i naliczył łącznie około 400 rodzajów sztuki. W średniowieczu Al Farabi miał podobne poglądy. Różnorodność sztuki ewoluowała historycznie jako odzwierciedlenie wszechstronności rzeczywistości i indywidualnych cech ludzkiego postrzegania jej. Dlatego też, podkreślając dowolny rodzaj sztuki, mamy na myśli formę sztuki, która rozwinęła się historycznie, jej główne funkcje i jednostki klasyfikacyjne.

Rodzaje sztuki- literatura, sztuki piękne, muzyka, choreografia, architektura, teatr itp. mieć stosunek do sztuki jako czegoś szczególnego do czegoś ogólnego. Specyficzne cechy, stanowiące specyficzny przejaw ogółu, są zachowane w całej historii sztuki i manifestują się inaczej w każdej epoce w różnych kulturach artystycznych.

W systemie sztuki współczesnej można wyróżnić dwa nurty: dążenie do syntezy i zachowanie suwerenności poszczególnych rodzajów sztuki. Obydwa nurty są owocne i przyczyniają się do rozwoju systemu sztuki. Na rozwój tego systemu decydujący wpływ mają osiągnięcia współczesnego postępu naukowo-technicznego, bez których powstanie kina, holografii, rock opery itp. byłoby niemożliwe.

Jakościowe cechy sztuki i ich wzajemne oddziaływanie

Architektura to rodzaj sztuki, której celem jest tworzenie budowli i budynków niezbędnych do życia i działalności ludzi. Spełnia w życiu człowieka nie tylko funkcję estetyczną, ale także praktyczną. Architektura jako forma sztuki jest statyczna i przestrzenna. Obraz artystyczny jest tu tworzony w sposób nieprzedstawiający. Eksponuje określone idee, nastroje i pragnienia za pomocą relacji skal, mas, kształtów, kolorów, powiązań z otaczającym krajobrazem, czyli za pomocą środków specyficznie ekspresyjnych. Architektura jako dziedzina działalności powstała już w starożytności. Architektura jako dziedzina sztuki ukształtowała się w kulturach Mezopotamii i Egiptu; rozkwitła i zyskała autorstwo w starożytnej Grecji i Rzymie. W okresie renesansu L.B. Alberti pisze swój słynny traktat „O architekturze”, w którym definiuje rozwój architektury renesansowej. Od końca XVI do XIX wieku. W architekturze europejskiej, zastępując się nawzajem, dominującymi stylami architektonicznymi są: barok, rokoko, empire, klasycyzm itp. Od tego czasu teoria architektury stała się wiodącą dyscypliną w Europejskiej Akademii Sztuk. Architektura XX wieku pojawia się w nowej roli. Wyłaniają się kierunki i trendy związane z pojawieniem się nowych typów budynków: administracyjnych, przemysłowych, sportowych itp. Wszystko to wymagało od architektów nowych rozwiązań: stworzenia budynku łatwego w użytkowaniu, uwzględniającego oszczędny projekt i zawierającego estetycznie kompletną formę artystyczną i ekspresyjną. Pojawiają się także nowe typy: „architektura małych form”, „architektura form monumentalnych”, „kultura ogrodowo-parkowa czy architektura zielona”.

Sztuki piękne. Sztuki piękne to grupa dziedzin twórczości artystycznej (malarstwo, grafika, rzeźba, fotografia artystyczna), które odtwarzają określone zjawiska życiowe w ich widzialnej, obiektywnej formie. Dzieła sztuki potrafią oddać dynamikę życia, odtwarzać duchowy wygląd osoba. Jej główne typy to malarstwo, grafika i rzeźba.

Obraz - są to prace, które powstają na płaszczyźnie przy użyciu farb i kolorowych materiałów. Głównym środkiem wizualnym jest system zestawień kolorystycznych. Malarstwo dzieli się na monumentalne i sztalugowe. Główne gatunki to: pejzaż, martwa natura, obrazy tematyczne, portret, miniatura itp.

Grafika. Opiera się na monochromatycznym rysunku i wykorzystuje linię konturową jako główny sposób przedstawienia. Kropka, obrys, miejsce. W zależności od przeznaczenia dzieli się je na druk sztalugowy i użytkowy: rytownictwo, litografia, akwaforta, karykatura itp.

Rzeźba. Odtwarza rzeczywistość w formach wolumetryczno-przestrzennych. Głównymi materiałami są: kamień, brąz, marmur, drewno. Według treści dzieli się ją na rzeźbę monumentalną, sztalugową i drobnoformową. Ze względu na kształt obrazu wyróżnia się: trójwymiarową rzeźbę trójwymiarową, reliefowo-wypukłe obrazy na płaszczyźnie. Płaskorzeźba z kolei dzieli się na: płaskorzeźbę, płaskorzeźbę, kontrrelief. Zasadniczo wszystkie gatunki rzeźby rozwinęły się w okresie starożytności.

Zdjęcie . Dziś fotografia to nie tylko kopia zewnętrznego wyglądu zjawiska na kliszy. Artysta-fotograf, wybierając temat fotografii, oświetlenie i specjalne nachylenie aparatu, może odtworzyć autentyczny artystyczny wygląd. Pod koniec XX wieku fotografia słusznie zajęła szczególne miejsce wśród sztuk pięknych.

Sztuka i rzemiosło. To jeden z najstarszych gatunków działalność twórcza osoba do tworzenia artykułów gospodarstwa domowego. Ta forma sztuki wykorzystuje różnorodne materiały: glinę, drewno, kamień, metal, szkło, tkaniny, włókna naturalne i syntetyczne itp. W zależności od wybranego kryterium dzieli się go na wyspecjalizowane obszary: ceramika, tekstylia, meble, naczynia, malarstwo itp. Szczytem tej formy sztuki jest tworzenie biżuterii. Szczególny wkład w rozwój tej sztuki wnosi rzemiosło ludowe.

Literatura. Literatura jest pisemną formą sztuki słowa. Za pomocą słów tworzy prawdziwą żywą istotę. Dzieła literackie dzielą się na trzy typy: epicki, liryczny, dramatyczny. Literatura epicka obejmuje gatunek powieści. Opowiadanie, opowiadanie, esej. Do utworów lirycznych zalicza się gatunki poetyckie: elegię, sonet, odę, madrygał, wiersz. Dramat ma być wystawiany na scenie. Do gatunków dramatycznych zalicza się: dramat, tragedia, komedia, farsa, tragikomedia itp. W tych utworach fabuła ujawniana jest poprzez dialogi i monologi. Głównym środkiem wyrazu i figuratywnym literatury jest słowo. W literaturze słowo rodzi obraz; w tym celu używa się tropów. Słowo odsłania fabułę, ukazuje obrazy literackie w akcji, a także bezpośrednio formułuje stanowisko autora.

Muzyka. Muzyka to rodzaj sztuki, który wyrażając różne stany emocjonalne, oddziałuje na człowieka za pomocą specjalnie zaaranżowanych kompleksów dźwiękowych. Najważniejsza jest natura intonacji wyraziste środki muzyka. Inne składniki ekspresji muzycznej to: melodia, tryb, harmonia, rytm, metrum, tempo, odcienie dynamiczne, instrumentacja. Muzyka zawiera także strukturę gatunkową. Główne gatunki: kameralne, operowe, symfoniczne, instrumentalne, wokalno-instrumentalne itp. D. Kabalevsky zwany także gatunki muzyczneśpiew, taniec i marsz. Jednakże praktyka muzyczna ma wiele odmian gatunkowych: chorał, msza, oratorium, kantata, suita, fuga, sonata, symfonia, opera itp.

Muzyka współczesna jest aktywnie włączona w system syntetyki rodzaje sztuki: teatr i kino.

Teatr. Zasadniczym elementem spektaklu teatralnego jest akcja sceniczna. V. Hugo pisał: „Teatr jest krainą prawdy: na scenie są ludzkie serca, za kulisami są ludzkie serca, w sali są ludzkie serca”. Według A.I. Teatr Hercena jest „najwyższym autorytetem w rozwiązywaniu problemów życiowych”. znaczenie społeczne teatr istniał od chwili jego pojawienia się w starożytnej Grecji, obywatele rozwiązywali problemy społeczne w przedstawieniach teatralnych. Teatr jest formą sztuki, która pomaga odsłonić sprzeczności czasu, wewnętrzny czas ludzkiego świata, a idee potwierdzane są poprzez dramatyczne działanie - performans. W procesie akcji teatralnej wydarzenia rozgrywają się w czasie i przestrzeni, ale czas teatralny jest warunkowy i nie jest równy czasowi astronomicznemu. Performans w swym rozwoju dzieli się na akty, działania, a te z kolei na mise-en-scenes, obrazy itp.

Najbardziej łączy teatr różne gatunki sztuki sceniczne - czy to dramat, balet, opera czy pantomima. Przez długi czas główną postacią teatru był aktor, a przeznaczeniem był reżyser Niewielkie znaczenie. Ale czas mijał, teatr się rozwijał, a wymagania wobec niego rosły. W teatrze potrzebna była wyjątkowa osoba, która byłaby za wszystko odpowiedzialna. Osoba ta została dyrektorem. W Rosji pojawił się pierwszy dojrzały teatr reżyserski. Jej założycielami byli K.S. Stanisławski i V.I. Niemirowicz-Danczenko, następnie W. Meyerhold i E. Wachtangow. W XX wieku praktykę teatralną uzupełniono wieloma formami eksperymentalnymi: pojawił się teatr absurdu, teatr kameralny, teatr polityczny, teatr uliczny itp.

Kino . Kino uważane jest za najskuteczniejszą formę sztuki, ponieważ rzeczywistość, którą tworzy kino, nie różni się wyglądem od prawdziwego życia. Kino pod wieloma względami jest podobne do teatru: syntetyczne, spektakularne i zbiorowe. Ale odnajdując montaż, twórcy filmowi mogli stworzyć swój własny czas filmowy, przestrzeń filmową; w teatrze te możliwości ograniczają się do sceny i czasu rzeczywistego. Istnieją różne gatunki kina: fikcja, dokument, popularnonaukowy, zwierzęcy.

Telewizor- najmłodsza ze sztuk. Jego wartością społeczną jest informatywność audio i wideo. Ekran telewizora poddaje obraz działaniu światła, przez co ma on nieco inną fakturę i inne prawa kompozycji niż kino. Światło jest najpotężniejszym środkiem wyrazu w telewizji. Telewizja poprzez swoją faktyczność i bliskość natury ma ogromny potencjał selekcji i interpretacji rzeczywistości. Jednocześnie zawiera zagrożenie dla standaryzacji myślenia ludzi. Ważną cechą estetyczną telewizji jest transmisja synchroniczności wydarzeń, bezpośrednia relacja ze sceny wydarzeń i włączenie widza we współczesny bieg historii. Telewizja niesie z jednej strony bogate możliwości społeczne, z drugiej zagrożenia i dobre perspektywy. Może okazać się zarówno koniem trojańskim, jak i wielkim nauczycielem człowieczeństwa.

Estetyka jako jedna ze specyficznych dyscyplin filozoficznych powstała w epoce kształtowania się filozofii w starożytnej Grecji, choć samo określenie „estetyka” zostało wprowadzone w XVIII wieku. Estetyka odpowiada na pytania: czym jest piękno i jak ma się ono do innych podstawowych kategorii filozoficznych, jaka jest specyfika i rola sztuki w życiu człowieka i społeczeństwa.

Piękno w dziełach sztuki jest często odbiciem piękna natury i człowieka („odbiciem” piękna jako zjawiska pierwotnego według Goethego), pozostając jednocześnie wytworem jakościowo nowego świata, wewnętrznego którego harmonia odpowiada harmonijnemu ukierunkowaniu duszy artysty. Schelling rozróżniał organiczne dzieło natury jako przedstawiające pierwotną niepodzielną harmonię od dzieła sztuki - harmonii odtworzonej przez artystę po jej rozczłonkowaniu.

Sztuka ze swej istoty jest środkiem harmonizującym psychofizjologiczne procesy życia człowieka, kompensacyjnym sposobem równoważenia człowieka ze światem zewnętrznym, co jest już widoczne w starożytnych malowidłach naskalnych.

Podobnie jak Różne rodzaje sztuka odzwierciedla i tworzy życie, proces twórczy w sferze kształtowania się materii przez człowieka polega na badaniu przedmiotu, opracowaniu idealnego planu jego przekształcenia i ożywieniu. Dlatego dla, powiedzmy, starożytnych Greków pozytywna odpowiedź na pytanie, czy czynność związana z tworzeniem przedmiotowo-materialnego środowiska człowieka ma znaczenie estetyczne, była tak oczywista, jak odpowiedź na pytanie o estetyczne znaczenie sam świat.

Dopiero w czasach nowożytnych w kulturze Zachodu istniał rozdział między rzeczą a pięknem, co oznaczało przepaść pomiędzy bytem a pięknem. Co więcej, tworzenie piękna stało się domeną pewnych, raczej zamkniętych gałęzi kultury duchowej, a samo istnienie uznawano za estetycznie neutralne. Kategoria estetyczna, podobnie jak kategoria artystyczna, ma charakter uniwersalny i ma zastosowanie do wszystkich sfer działalności człowieka, choć każda z nich ma swoją niepowtarzalność i nierówną trudność aktualizacji. Te trudności dla nowoczesnej technologii są większe niż dla sztuki współczesnej, właśnie ze względu na jej bardziej utylitarny charakter. Czasem pojawia się argument, że nowoczesna technologia nie jest w stanie sprostać wymaganiom estetycznym, gdyż operuje standardowymi projektami i jest zdominowana przez względy ekonomiczne. Czyż nie słuszniej jest wierzyć, że względy ekonomiczne powinny współgrać z estetycznymi, co jest pozornie optymalne nawet z ekonomicznego punktu widzenia?

Aby zharmonizować relację człowieka z naturą, technologia może i powinna mieć charakter estetyczny. Harmonia to dobro i piękno, a skoro technologia jest pomiędzy człowiekiem a naturą, ta ostatnia musi być dobrocią i pięknem. Piękno jest zarówno wolną kreacją artysty, jak i atrybutem świata obiektywnego. Będąc obecnym w tych dwóch sferach, jest to niewątpliwie możliwe w sferze relacji człowieka z przyrodą. Tworząc piękno, artysta tworzy trwałe, tj. harmonijny. Zrozumienie, że piękno jest istotnym aspektem transformacji natury i że jest jednym z aspektów różnorodności, jest najważniejsze w estetycznych aspektach problemu ochrony środowiska.

Piękno samo w sobie ma także znaczenie ontologiczne, wiąże się bowiem z pełnią i różnorodnością świata, niezbędną dla jego trwałości. Goethe wyraził ontologię, a zarazem epistemologiczne znaczenie piękna: „Piękno jest przejawem ukrytych praw natury; gdyby nie jego pojawienie się, pozostałyby w ukryciu na zawsze.”

Sztukę w ogóle można uznać za stworzenie nowego, żywego, integralnego świata (ludzkiego i humanitarnego). Sztuka w obecnie panującym wąskim znaczeniu jawi się wówczas jako kreacja świata idealnego, a sztuka w szerokim sensie jako kreacja rzeczywistości nie tylko duchowej, ale i materialnej. Rolę tę może i powinna przejąć ekologicznie technologia, która staje się sztuką. W procesie syntezy nauki, technologii i sztuki naukowiec staje się zarówno projektantem, jak i artystą, że tak powiem, reżyserem rzeczywistości.

Wzornictwo i konstrukcja artystyczna wciąż są przykładami poszerzania granic estetyki. Estetyka techniczna często podkreśla przeważnie subiektywną stronę potrzeby piękna, a mianowicie to, że przyjemniej jest obcować z pięknymi przedmiotami, chociaż poprzez subiektywność następuje przejście do rzeczy obiektywnych: praca w piękniejszym otoczeniu, ponieważ odpowiada holistyczna natura człowieka przyczynia się, jak wykazały eksperymenty, do zwiększenia wydajności pracy. Chciałbym podkreślić obiektywną stronę estetyzacji technologii, która polega na tym, że technologia, aby stać się środkiem harmonizującym relację człowieka z naturą, musi przywrócić jej pierwotne znaczenie sztuce, a produkcji - znaczeniu wiersza.

W historii relacji człowieka z przyrodą zachowane są linie harmonijnego współdziałania. DS Lichaczow zauważył, że rosyjski chłop swoją wielowiekową pracą stworzył piękno rodzima przyroda, „estetykę równoległych linii współgrających ze sobą i z naturą, jak głosy w starożytnych rosyjskich pieśniach”. To jest o o pięknie relacji człowieka z przyrodą. Musi go ożywić nauka, technologia i sztuka przyszłości, stworzona przez osobę odpowiedzialną za harmonię prawdy, dobra i piękna.

FM Dostojewski napisał, że „piękno zbawi świat” i stwierdzenie to ma ogromne znaczenie ekologiczne. N.K. Roerich dodał jedno słowo: „świadomość piękna zbawi świat”. Próbując ekologicznie interpretować maksymę estetyczną Dostojewskiego, możemy powiedzieć: „tworzenie piękna zbawi świat”. Zbawi świat ze względu na swój potencjał ontologiczny, ale także dlatego, że tworzenie piękna jest nierozerwalnie związane z prawdą, dobrem, miłością do człowieka i świata, kształtowaniem integralnej osobowości oraz afirmacją harmonii człowieka i natury.

• Goethe I.V. Maksymy i refleksje // Dzieła zebrane: w 10 tomach T. 10. M.: Khudozhestvennaya literatura, 1980. s. 427.
• Lichaczew D.S. Uwagi o języku rosyjskim. M.: Sow. Rosja, 1984. s. 17-18.

Oprócz wartości moralnych, wartości estetyczne odgrywają ważną rolę w orientacji życiowej człowieka. Samo słowo „estetyka” w tłumaczeniu z języka greckiego oznacza uczucie, zmysłowość, ale we współczesnym rozumieniu nie oznacza w ogóle uczuć, ale emocje, które wywołują w człowieku pewne zjawiska otaczającej rzeczywistości. Estetyka to nauka badająca ogólne zasady ludzkiego figuratywnego pojmowania świata, przede wszystkim w sztuce.

Przez wiele stuleci problemy estetyczne badano w ramach tego czy innego kierunku filozoficznego. Estetyka rozpoczęła swoją historię w starożytności, następnie w średniowieczu znajdowała się pod wpływem teologii; w okresie renesansu estetyka zyskała nowe znaczenie w związku z ekspansją praktyki artystycznej i sztuki w ogóle. Estetyka wyłoniła się jako niezależna dziedzina wiedzy naukowej w XVIII wieku. Główne kategorie estetyki to: piękna – brzydka, wzniosła – podła, tragiczna – komiczna.

Centralna kategoria estetyki przez długi czas uznano za kategorię Piękny. Piękno charakteryzuje zjawiska posiadające najwyższą wartość estetyczną. Jest kojarzony z pewną zmysłową formą i ma bezinteresowny charakter. Znaczenie piękna dla człowieka i społeczeństwa ma charakter duchowy i praktyczny; łączą się w nim interesy osobiste i publiczne. Osoba rozpoznaje siebie jako zaangażowaną w znaczenie publiczne piękno, zatem postawa estetyczna ma także aspekt etyczny, który odpowiada jedności wartości estetycznych i moralnych.

Postrzeganie piękna zawsze wywołuje w człowieku wyłącznie pozytywne emocje. Każde kolejne takie postrzeganie potwierdza (lub obala) ideały estetyczne, w każdym razie je wzbogacając.

Wzniosły to kategoria estetyczna, którą charakteryzuje wewnętrzne znaczenie przedmiotów i zjawisk, które w swojej idealnej treści są nieproporcjonalne do rzeczywistych form ich wyrazu (miłość Romea i Julii). Wzniosłość odsłania dwoistość człowieka, tłumi go jako istotę fizyczną, zmuszając do uświadomienia sobie swojej skończoności i ograniczeń, ale jednocześnie podnosi go jako istotę duchową, budząc w nim idee rozumu, świadomość moralną wyższość nawet nad swą tłumiącą naturą.

Komiczny jest cechą zjawisk, które ze swej natury mogą wywoływać śmiech. Zabawną może być rozbieżność formy i treści, niespodziewane przerwanie zwykłego biegu wydarzeń. Reakcja na komiks przyczynia się do moralnego oczyszczenia człowieka.

Piękno, wzniosłość i komizm odzwierciedlają obiektywne stany człowieka.

Kategoria, w której wyraża się społeczna i duchowa istota człowieka, jest ideałem estetycznym. Istnieje jako obraz specyficzny historycznie Nowoczesne życie człowiek i przyroda. Należy zauważyć, że w kształtowaniu ideału estetycznego dużą rolę odgrywają różne sfery życia publicznego: gospodarcze, polityczne, religijne i inne.

Zdolność twórcza człowieka znajduje odzwierciedlenie w kategoriach „sztuka” i „wizerunek artystyczny”. Obraz artystyczny odzwierciedla obiektywną rzeczywistość poprzez wykorzystanie praw sztuki. Może to być specyficzne zmysłowe lub uogólnione odbicie przedmiotu sztuki.

Sztuka powstaje na bazie pojawienia się uczuć estetycznych, estetycznego podejścia do świata u starożytnego człowieka. Należy pamiętać, że odczucia estetyczne były ostatecznym uogólnieniem wartości praktycznych - użytecznych, trwałych, dobrych. Rzeczy, które nie niosły ze sobą wartości użytkowej, nabrały także abstrakcyjnej wartości estetycznej, dzięki czemu opanowane zostały wszystkie sfery ludzkiej działalności.

Sztuka służyła podkreśleniu społecznego znaczenia zachodzących wydarzeń, które ukazywało się za pomocą środków wyrazu artystycznego: pieśni, tańca, muzyki, malarstwa itp.

Warto zaznaczyć, że w sztuce szczególnie wyraźnie uwydatniony jest aspekt komunikacyjny, jednoczący ludzi, promujący w nich świadomość własnej jedności, wspólnej siły.

Koniec pracy -

Ten temat należy do działu:

Filozofia

Federalna Agencja Edukacji.. Państwowy Uniwersytet Technologiczny w Biełgorodzie.. nazwany na cześć V. G. Szukowa..

Jeśli potrzebujesz dodatkowy materiał na ten temat lub nie znalazłeś tego, czego szukałeś, polecamy skorzystać z wyszukiwarki w naszej bazie dzieł:

Co zrobimy z otrzymanym materiałem:

Jeśli ten materiał był dla Ciebie przydatny, możesz zapisać go na swojej stronie w sieciach społecznościowych:

Ćwierkać

Wszystkie tematy w tym dziale:

Filozofia
Zatwierdzony przez radę naukową uczelni jako pomoc nauczania dla studentów II roku studiów stacjonarnych 150 specjalności

Postawienie problemu bytu w filozofii
Pojęcie „bytu” jest podstawową kategorią filozofii. Dział filozofii zajmujący się problematyką bytu nazywa się ontologią i obejmuje zagadnienia pochodzenia

Idea istoty bytu w historii filozofii
W starożytności byt rozumiany był jako tzw. byt fizyczny, czyli otaczający świat (przyroda, rzeczy, ludzie), rzeczywisty proces życia, istniejący w sensie ogólnym, abstrakcyjnym w postaci pojemnika

Idea istoty człowieka w historii filozofii
W systemie filozoficznym Starożytny Wschód, w szczególności w Chinach, osobę uważa się za nierozerwalnie związaną ze społeczeństwem. Najważniejszym celem jego życia jest przestrzeganie praw relacji między ludźmi

Biologiczne i społeczne w człowieku
Pojawienie się człowieka, jego świadomości i myślenia byłoby niemożliwe bez zmian anatomicznych i morfologicznych, które przygotowały te innowacje. W przeciwieństwie do zwierząt, które czasami to robią

Struktura i typologia osobowości
Każda osobowość ma pewną strukturę, której elementami są świadomość, samoświadomość, procesy poznawcze, emocje, wola, temperament, intuicja, wartości, przekonania, ideały.

Osobowość i społeczeństwo
Rozpoczynając dyskusję na temat relacji pomiędzy jednostką a społeczeństwem, trzeba mieć na uwadze, że historycznie zawsze istniały specyficzne społeczeństwa o określonych typach osobowości, jednak w tych specyficznych

Podstawowe pojęcia rozumienia społeczeństwa
Badaniu społeczeństwa towarzyszą znaczne trudności ze względu na złożoność jego systemu. Życie społeczne jest dość dynamiczne i istnieje wiele czynników wpływających na bieg historii.

Społeczeństwo jako system samorozwijający się
Najbardziej kompletną analizą metodologiczną była analiza systemowa społeczeństwa. Główne badania w tym obszarze zostały opisane w poprzednim pytaniu. Istota systematyczne podejście polega na rozważeniu

Społeczeństwo jako proces
Ważną cechą społeczeństwa jest jego ciągła zmiana. Dlatego filozoficzne badanie społeczeństwa opiera się na dialektyce (nauce o rozwoju), uwzględniającej kwestie społeczne

Kultura i jej funkcje społeczne
Obecnie istnieje ponad 500 definicji kultury. Wynika to z faktu, że kultura jest wieloaspektowa i obejmuje wszystkie sfery życia jednostki i społeczeństwa. Kultura

Podstawowe podejścia do rozumienia wartości
Wartości mają wielkie znaczenie ideologiczne. Głównym zadaniem aksjologii – filozoficznej doktryny wartości – jest określenie natury, miejsca, możliwości

Wartości moralne i moralność
Pojęcie „moralności” można postrzegać na dwa sposoby; po pierwsze, jest to zbiór zasad i norm ludzkiego zachowania, które regulują relacje ludzi między nimi samymi a społeczeństwem; po drugie - to

Różnorodność i wzajemne powiązanie wartości religijnych
Religia powstała w procesie historycznego kształtowania się człowieka, społeczeństwa, kultury i miała podstawę społeczną w postaci przesłanek ekonomicznych i społeczno-psychologicznych.

Podstawowe podejścia i problemy świadomości
Problem świadomości zawsze przyciągał uwagę filozofów. Poznanie świadomości napotyka wiele trudności, ponieważ nie jest ona bezpośrednio przekazywana osobie, a obrazy powstające w mózgu nie mają

Powstanie świadomości i jej istota
Materia żywa, będąca podstawą życia, po powstaniu nadal intensywnie się rozwijała w kierunku postępowym. Kryteriami postępu w tym przypadku była złożoność organizacji

Świadomość i nieświadomość
Świadomość jest część integralna psychika, inną jej częścią jest nieświadomość. Nieświadomość to zjawisko, właściwości i stany, które wpływają

Poznanie jako przedmiot filozofii
Poznanie jest działalnością mającą na celu zdobywanie wiedzy. Jak wiadomo, dział wiedzy filozoficznej poświęcony problematyce poznania nazywany jest epistemologią. Epistemologia zajmuje

Problem prawdy w filozofii i nauce
Głównym celem ludzkiej aktywności poznawczej jest osiągnięcie prawdziwej wiedzy lub prawdy. Prawda jest adekwatnym odzwierciedleniem rzeczywistości w ludzkiej świadomości.

Wiedza nienaukowa
Wiedza nie ogranicza się do sfery nauki; wiedza w tej czy innej formie istnieje poza jej granicami. Pojawienie się wiedzy naukowej nie zniosło ani nie uczyniło bezużytecznymi innych form wiedzy. Kompletny dział

Jego historyczna ewolucja
W filozofii nauki panuje ogólnie przyjęte stanowisko, że etap kształtowania się nauki poprzedzony był etapem akumulacji przednaukowej, wstępnej wiedzy. Obejmuje to racjonalny poziom mitologiczny

Struktura wiedzy naukowej i jej dynamika
Wiedza naukowa to złożony i unikalny system procedur, który zmienia się według własnych praw. Struktura wiedzy naukowej obejmuje: fakty, pojęcia, hipotezy, teorie, prawa, metody,

Problemy aksjologiczne współczesnej nauki
W filozofii nauki istnieje pogląd, że nauka jest neutralna pod względem wartości, a zatem w ogóle działalność naukowa jest obojętny na wartości, dlatego też sądy wartościujące w nauce mogą nie dotyczyć samego siebie

Prognozowanie naukowe i postęp społeczny
Przyszłość można rozważać w zależności od okresów przyjętych za podstawę badania. Jeśli mamy na myśli pojęcie „przewidywalnej przyszłości”, to jest to perspektywa na najbliższe dwie, trzy dekady, która