Katalog zespołów folklorystycznych, solistów, chórów ludowych, zespołów muzyki ludowej, pieśni, tańca

Część druga. Zespoły regionu moskiewskiego

Centrum Kultury Tradycyjnej „Istoki”, Podolsk
Zespół Folklorystyczny „Istoki” powstał w 1978 roku. Głównym celem twórczej działalności zespołu jest rozwój i odtworzenie tradycji kulturowych południowego regionu Moskwy i sąsiednich terytoriów.
Różnorodna działalność twórcza zespołu - naukowa, dydaktyczna, koncertowa - umożliwiła w 1994 roku utworzenie na jego podstawie Centrum Kultury Tradycyjnej Południowego Regionu Moskiewskiego "Istoki". Ośrodek „Istoki” prowadzi aktywną działalność koncertową i festiwalową. Zespół był wielokrotnie uczestnikiem ogólnorosyjskich festiwali folklorystycznych w Nowosybirsku, Omsku, Permie, Wołogdzie, Jekaterynburgu, Wołgogradzie, Petersburgu, Samarze, a także został laureatem najważniejszych międzynarodowych festiwali i konkursów.
Liderem jest Michaił Besonow.
Ośrodek „Istoki” corocznie organizuje festiwal „Dom Słowiański”. Uczestnikami Festiwalu są autentyczne i etnograficzne grupy z Rosji, Ukrainy, Białorusi, Łatgalii, Serbii, Bośni i Hercegowiny.

Rozwój sztuki amatorskiej w latach 30-tych

W 1936 r. powstał Centralny Dom Sztuki Amatorskiej im. N.K. Krupska została zreorganizowana w Dom Wszechrosyjski Sztuka ludowa ich. N.K. Krupskaya, który przeniósł swoją główną pracę na wiejski występ amatorski. Do wojny rozwijała się i stabilizowała sieć regionalnych i regionalnych domów sztuki ludowej, a także amatorskich domów artystycznych związków zawodowych. W republikach, regionach i okręgach coraz częściej pojawiają się amatorskie pokazy sztuki. Słynne coroczne olimpiady leningradzkiej twórczości amatorskiej nadal odbywały się (1933 - 7., 1934 - 8. olimpiada itp.). Te same olimpiady odbywały się w wielu regionach kraju - na Uralu, Ukrainie, Syberii.

Duże znaczenie dla sztuki amatorskiej miało zorganizowanie I Ogólnopolskiej Olimpiady Chóralnej w Moskwie latem 1936 roku. Poprzedziły ją przeglądy terenowe.

W finale Olimpiady w Moskwie wzięło udział 29 najlepszych chórów, wśród nich DK im. M. Gorkiego i DK im. Pierwszy pięcioletni plan miasta Leningradu, chór tkaczy Vychug, chór budowniczych w Kazaniu. Chóry te, jak zauważyła jedna z recenzji, „spisywały się nie tylko nie gorzej, ale czasem nawet lepiej niż chóry zawodowe”.

Recenzje, konkursy, olimpiady spotkały się z ogromnym publicznym oburzeniem. W ich trakcie powstawały nowe kręgi, doskonalono i rozwijano nowe gatunki. Przede wszystkim aktywnie opanowywano nowe gatunki, w szczególności szybko rosła liczba grup popowych i jazzowych, wzbogacano i poszerzano instrumentalny skład orkiestr ludowych. „Średni” poziom działania klubów teatralnych znacznie wzrósł.

W tym czasie zintensyfikowano dbałość o ludową sztukę chóralną i instrumentalną. Jeśli w latach dwudziestych dyskutowano o wartości chórów ludowych, potrzebnych i niepotrzebnych ludowych instrumentów muzycznych, to w latach trzydziestych te retoryczne pytania były stopniowo usuwane. Rozpoczęły się prace nad organizacją grup tych gatunków, ich modernizacją, poszukiwaniem nowych środków wyrazu, repertuarem. Chóry i orkiestry ludowe pozostały w wielu miejscach głównymi dyrygentami muzyki dla mas.

Równie ważne jest to, że od tego czasu datują się próby odtworzenia i przeniesienia na scenę zespołów folklorystycznych. Po długim „chłodnym” stosunku do tej formy sztuki ludowej, która była wówczas szeroko rozpowszechniona, podjęto praktyczne działania, aby „kultywować” i odtwarzać próbki folkloru na scenie klubowej. Jednym ze znanych zespołów folklorystycznych, zorganizowanych w połowie lat 30., był zespół Gdovskaya Starina. Powstał w okręgu Gdovsky w obwodzie pskowskim. Zespół zjednoczył miłośników dawnego śpiewu, gry na harmonijkach i bałałajkach, tańca i nie tylko.

Co ciekawe, członkowie zespołu byli inicjatorami budowy klubu, w którym się osiedlili. W repertuarze zespołu szeroko wykorzystywano wykonania pieśni ludowych i starożytnych obrzędów. Zespół ten zyskał dużą popularność, wielokrotnie występował w Moskwie w centralnym radiu.

Dużą część prac badawczych wykonał Teatr Sztuki Ludowej w Moskwie, założony w marcu 1936 roku. Biorąc pod uwagę doświadczenia tego teatru, w 1937 r. w Kujbyszewie i kilku innych miastach otwarto teatry sztuki ludowej.

Nieocenioną pomoc w rozwoju amatorskiej działalności artystycznej udzielił Teatr Sztuki Ludowej w Moskwie. Teatr pokazał osiągnięcia najlepszych zespołów w kraju, przygotowanych specjalnie programy kreatywne w zależności od rodzaju uroczystości masowych, zbiegających się w czasie z najważniejszymi wydarzeniami w życiu kraju - świętami pierwszomajowymi, dniami Lenina itp. Dyrektor Teatru B.M. Filippov w artykule opublikowanym w gazecie Trud 18 marca 1937 r. napisał: „Aby pokazać w całej pełni i różnorodności kreatywność narodów ZSRR, potrzebujemy pomocy największych mistrzów sztuki. Wierzymy w wielkie perspektywy teatru, ponieważ czerpie on kadry wykonawców z mas ludowych”.

Na scenie teatru przewidziano olimpiady, przeglądy, finałowe koncerty amatorskie. Na podstawie teatru pracował duża liczba amatorskie koła demonstracyjne, którymi kierowali wybitni mistrzowie sztuki. krąg taneczny kierowana przez I. Moiseeva, orkiestra jazzowa - L. Utyosov. Środowiska teatralne stały się swoistym laboratorium twórczym, ich działania przyciągało poszukiwanie nowych form i środków wyrazu.

W omawianych latach, wzdłuż linii repertuarowej, wzbogacały się przedstawienia amatorskie. Działo się to w różnych kierunkach: po pierwsze, na linii skierowania znacznej części środowisk ku klasyce rosyjskiej i zagranicznej, do najlepszych dzieł A. Puszkina, A. Glinki, M. Gribojedowa, A. Ostrowskiego, W. Szekspira, M. Musorgski, N. Rimski-Korsakow; sztuki M. Gorkiego, V. Vishnevsky'ego, V. Billa-Belotserkovskiego, K. Trainera itd. Po drugie, na zasadzie głębszego ujawnienia treści sztuk, ich wyższego artystycznego i technicznego wykonania. Po trzecie, na linii społecznego przemyślenia próbek sztuki ludowej, coraz bardziej obiektywnego stosunku do nich, wykluczania ich wulgarno-krytycznej oceny; po czwarte, na linii aktywnego odwoływania się do nowego repertuaru sowieckiego.

Do pozytywnych momentów na polu repertuarowym można zaliczyć również fakt, że gwałtownie spadły przypadki subiektywnej interpretacji i zniekształcania spektakli na wolę lidera, wzrosło zainteresowanie folklorem i ostro brzmiącymi dziełami społecznymi. Stało się to szczególnie widoczne od dziesięcioleci sztuki narodowej i literatury, które co roku odbywały się w Moskwie.

W ich ramach zademonstrowano także osiągnięcia sztuki amatorskiej. W 1936 dziesięciolecia sztuki odbywały się na Ukrainie i w Kazachstanie, w 1937 - Gruzja, Uzbekistan, w 1938 - Azerbejdżan, w 1939 - Kirgistan i Armenia, w 1940 - Białoruś i Buriacja, w 1941 - Tadżykistan.

1 sierpnia 1939 r. otwarto Ogólnounijną Wystawę Rolniczą, na terenie której zaczęły występować najlepsze zespoły amatorskie. Dopiero w 1939 r. wystąpiły liczne rosyjskie zespoły pieśni i tańca, kołchozowy zespół pieśni i tańca Uzbekistanu, chór kołchoźników z Kazachstanu, zespół komuz z Kirgistanu, zespół ashug i zurnachi z Azerbejdżanu i inne zespoły. Wystawa.

Wzrosła rola artystycznego wykonawstwa amatorskiego w sferze duchowej, rósł jego wpływ na życie gospodarcze, edukację mas i umocnienie obronności kraju.

Sztuka amatorska pomagała w walce z analfabetyzmem, religijnością, która szczególnie dotkliwie dała się odczuć na wsi. Spektakle amatorskie wykonywały zadania estetyczne i edukacyjne tam, gdzie sztuka profesjonalna nie docierała i nie mogła aktywnie oddziaływać na ludność.

Na początku lat 30. w Leningradzie po raz pierwszy pojawiły się zespoły muzyczne, które później ukształtowały się jako zespoły pieśni i tańca. W 1932 r. W Domu Kultury Obwodu Wasilewskiego (obecnie Dom Kultury im. Kirowa) wystawiono wiersz N. Kuzniecowa „Akordeon”. Wykonał ją działający chór, orkiestra instrumenty ludowe, recytatorów i zespół taneczny. Dom Kultury Współpracy Przemysłowej (obecnie Lensowiecki Pałac Kultury) pokazał szereg ciekawych spektakli muzycznych. Na 19. rocznicę października przygotował amatorski zespół pieśni i tańca kompozycja muzyczna"Ojczyzna".

W drugiej połowie lat 30. pojawiły się amatorskie kręgi fotograficzne, znacznie wzmocniły się amatorskie występy amatorskie w tańcu i sztuce. Skład instrumentalny rosyjskiej orkiestry ludowej rozszerzył się dzięki wprowadzeniu akordeonów guzikowych, a w republikach powstały pierwsze orkiestry narodowych instrumentów muzycznych.

Wybitny radziecki kompozytor, dyrygent, twórca i lider Krasnoarmejskiego Zespołu Pieśni i Tańca A. Aleksandrow napisał w 1938 r., że zespołowa forma pracy artystycznej powinna się upowszechnić. Duże przedsiębiorstwa mają wszelkie możliwości tworzenia fabrycznych zespołów pieśni i tańca. Jednocześnie wcale nie jest konieczne, aby zespół liczył 150-170 osób. Możesz organizować małe zespoły liczące 20-30 osób. A. Aleksandrow wyraził szereg fundamentalnych rozważań dotyczących problemów tej formy, podał zalecenia metodologiczne. W szczególności poruszył organizację badania uczestników, problem repertuaru. Według niego zespół ma okazję „pracować nad różnorodnym repertuarem ludowym i klasycznym.

Kierownictwo artystyczne zespołu powinno dobrać taki repertuar, który pozwoli na pełne wykorzystanie wszystkich środków artystycznych zespołu, tj. chór i tancerze. Wdzięczny materiał może służyć jako taniec ludowy i okrągłe pieśni taneczne i ogólnie pieśni narodów ZSRR.

Do 20. rocznicy października podsumowano wyniki rozwoju amatorskiej działalności artystycznej na przestrzeni dwóch dekad. Do tego czasu proces ten wyróżniał się wszechstronnością, różnorodnością form, rodzajów i gatunków. Jedynie w dziedzinie muzycznych wykonań amatorskich działały chóry czterogłosowe, chóry chłopskie pieśń ludowa, chóry teatralne, zespoły pieśni i tańca, studia operowe, śpiewacy-soliści, onomatopeje, gwizdacze, duety i tria wokalne; orkiestry - symfoniczne, rosyjskie instrumenty ludowe, orkiestry dęte, domra, noise, orkiestry jazzowe; zespoły instrumentów narodowych - kanteli, bandurowcy itp.; kwartety domra i tzw. wiejskie tria – mandolina, bałałajka, gitara; harmoniści, litości itd. Sztuka amatorska przekształciła się w rozległą sieć środowisk dramatycznych, choreograficznych i pracowni. Ich występy zgromadziły tysiące widzów i były transmitowane w radiu.

Podczas przeglądów, konkursów najwyżej oceniano umiejętności zawodowe uczestników, kopiowanie form, repertuar, treści zajęć grup zawodowych. Zmusiło to liderów do rezygnacji z masowego zaangażowania chętnych do śpiewania, tańca, zabawy, rozwijania prawdziwie amatorskich początków w pracy i skupienia się na wyborze najzdolniejszych spośród uczestników.

Mimo podjętych działań większość liderów środowisk pozostała niedostatecznie przygotowana. Nadal trenowali głównie na kursach, które nie wystarczały. I tak w pierwszej połowie 1938 r. na 153 kursach związkowych przeszkolono 445 osób. Spośród nich 185 - na trzymiesięcznych kursach, a reszta - na krótkich kursach i seminariach. Biorąc pod uwagę liczbę kręgów, liczoną wówczas w dziesiątkach tysięcy, najwyraźniej przygotowywano niewiele. Jakość szkoleń na krótkoterminowych kursach i seminariach była niska.

Niewielka pozostała liczba uczniów w specjalnych placówkach oświatowych – technikach muzycznych, plastycznych, teatralnych i szkołach na wydziałach organizatorów i instruktorów amatorskich zajęć plastycznych. Ich uwolnienia nie mogły znacząco poprawić składu kadry kierowniczej. Co więcej, pod koniec lat 30. liczba przyjęć na te wydziały została dodatkowo zmniejszona.

Mimo wszystko amatorskie przedstawienia pozostały głównym źródłem zaspokojenia potrzeb estetycznych ludności, zwłaszcza na wsi iw małych miastach. Niezmiernie wzrosła sztuka amatorska i ilościowa. Od początku lat 30., kiedy było około trzech milionów uczestników, ich liczba wzrosła na początku 1941 r. do 5 milionów. Można zwrócić uwagę na następujący szczegół: jeśli w 1933 r. w jednym klubie związkowym było średnio 6-7 kół (ok. 160 uczestników), to w 1938 r. – 10 kół (ok. 200 uczestników). Umiejętności wykonawcze uczestników znacznie wzrosły. Nie tylko poszczególne zespoły i wykonawcy wykazali się wysokim profesjonalizmem podczas przeglądów i olimpiad. W przeważającej części sztuka amatorska poczyniła znaczący krok w kierunku mistrzostwa, mistrzostwa notacji muzycznej.

Dominuje idea organizowania różnorodnej pracy edukacyjnej i twórczej w sztuce amatorskiej, dalszego rozwijania jej specyficznej metodologii. Systematyczny i pełnowartościowy proces edukacyjny i twórczy uznano za jeden z głównych czynników zapewniających rozwój amatorskiej działalności artystycznej, opanowanie nowego, coraz bardziej złożonego repertuaru. Rozwój kultury aktorskiej, chóralnej, tanecznej, instrumentalnej i wykonawczej, nowe rytmy, nowe treści, nowe techniki artystyczne i techniczne znalazły się w centrum wszystkich działań kół.

Materialna baza kół została znacząco wzmocniona. Takie giganty jak Pałac Kultury im. Kirow w Leningradzie, Pałac Kultury. Stalina w Moskwie, Rybiński Pałac Kultury. Znacząco wzrosły wydatki związków zawodowych na rozwój amatorskich przedstawień i pracę klubów. Znacznie wzmocniono status klubów związkowych. III Ogólnozwiązkowa Konferencja na temat pracy klubów związkowych, która odbyła się w kwietniu 1939 r., uchwaliła Regulamin klubu związkowego, który przewidywał jego prawa i obowiązki w stosunku do masowej twórczości artystycznej. Wszystko to stwarzało sprzyjające warunki do rozwoju różnych gatunków twórczości masowej, zwłaszcza w mieście. Rozwijały się płatne pracownie: instrumentalna, chóralna, literacka, choreograficzna, plastyczna.

Gwałtownie rosły masowe typy przedstawień amatorskich. Tylko od 1935 do 1938 r. liczba uczestników kół muzycznych w klubach związkowych wzrosła ze 197 tys. do 600 tys. osób, w kółkach teatralnych - z 213 tys. do 369 tys.

Ogólnie w amatorskich działaniach związkowych uczestniczyło ponad milion uczestników.

Przeprowadzone przed wojną przeglądy regionalne, a następnie Ogólnounijny Przegląd amatorskich przedstawień teatralnych (grudzień 1940 - styczeń 1941), zorganizowany przez Komitet Sztuki, w całości ukazały zdobycze i ogromne perspektywy masowej twórczości artystycznej. W Ogólnounijnym Przeglądzie wzięło udział 30 000 zespołów (z czego 22 000 pochodziło ze wsi), z ponad 417 000 uczestników.

Plany pracy grup teatralnych obejmowały zapoznanie się z aktorstwem, przemówienie sceniczne; zespoły muzyczne i chóralne – nauka zapisu nutowego, techniki gry na instrumentach, aranżacji głosu; zespoły plastyczne - nauka rysunku, malarstwa, kompozycji; grupy taneczne - zapoznanie z podstawami i metodami tańca ludowego i klasycznego, aktorstwo. Do prowadzenia pracy wychowawczo-wychowawczej w zespołach zaproponowano szerokie wykorzystanie konsultacji korespondencyjnych oraz korespondencyjnej edukacji artystycznej organizowanej przez amatorskie domy sztuki i domy sztuki ludowej.

Zwrócono uwagę na potrzebę usprawnienia recenzji, koncertów amatorskich. Przeglądy, olimpiady proponowano, aby odbywały się w przedsiębiorstwach corocznie, a w całym kraju - zgodnie ze specjalną uchwałą organów partyjnych i państwowych.

Poruszono kwestie kadrowe, materialne i repertuarowe, na rozwiązaniu których skupiono uwagę organów związkowych, domów, sztuki ludowej i amatorskich przedstawień.

Organy kultury zaczęły realizować ten program amatorskich przedstawień pod koniec lat 30. XX wieku. Nie udało się jednak w pełni rozwinąć. Zaostrzenie się sytuacji międzynarodowej, perfidny atak faszystowskich Niemiec na nasz kraj przerwał pokojową twórczą pracę narodu radzieckiego. Sztuka amatorska, jak cała sztuka radziecka, wkroczyła do walki z wrogiem.

Sztuka amatorska podczas Wielkiej Wojny Ojczyźnianej

W pierwszych dniach wojny wielu artystów wydawało się, że ich działalność artystyczna dobiegła końca i są gotowi wykonać każdą pracę potrzebną Ojczyźnie. Okazało się jednak, że szczera pieśń, namiętny monolog i taniec pomogły ludziom przekroczyć fatalną granicę dzielącą ich dawne życie od przyszłości, w którą jedni weszli przekraczając próg stacji werbunkowych, inni odganiali swoich bliskich. do przodu.

Początek wojny znacznie skomplikował działalność kół. Wynikało to z ogólnych trudności wojennych, gwałtownego zmniejszenia liczby amatorskich zajęć artystycznych i konieczności jej restrukturyzacji na wojennych szynach. Musiała własnymi środkami wspomóc walkę ludu z najeźdźcą, obnażyć nieludzką istotę faszyzmu, jego patologiczną nienawiść do socjalizmu.

Mimo trudności wojennych ujawniono głębokie zainteresowanie ludzi twórczością amatorską.

Rozwój amatorskiej działalności artystycznej prowadzono niejako w trzech strumieniach - na tyłach, w aktywnych jednostkach i formacjach, w oddziałach partyzanckich i strefach. Najpotężniejszą przez wszystkie lata wojny była sieć kół amatorskich na tyłach, wśród ludności cywilnej, w fabrykach, fabrykach, PGR-ach i kołchozach.

Przede wszystkim w pierwszych miesiącach wojny większość środowisk drastycznie ograniczyła swoją działalność, wiele z nich rozpadło się i przestało działać. Stało się tak z kilku powodów. Po pierwsze, w związku z mobilizacją na front znacznej części ludności, zwłaszcza mężczyzn; po drugie, z powodu czasowej, ale szybko rozszerzającej się okupacji części terytorium kraju; po trzecie, w związku ze zniszczeniem i przekazaniem na inne potrzeby (wykorzystanie na szpitale, kursy wojskowe, dowództwa formacji itp.) części instytucji klubowych, w wyniku czego koła zostały zmuszone do zmiany zwykłego miejsca pracy i przenieś się do warsztatów, czerwonych zakątków, hosteli itp.; po czwarte, w związku z restrukturyzacją życia codziennego, całego życia w reżimie wojskowym, wzrostem zatrudnienia ludności i czasu pracy; po piąte, wpływ miał również niekorzystny klimat psychologiczny w kraju, który rozwinął się w pierwszych miesiącach wojny.

Jednym z ekscytujących epizodów wojny jest historia powstania zespołu tanecznego Frontu Leningradzkiego, w skład którego wchodzili nastolatkowie, którzy uczyli się przed wojną w studio Leningradzkiego Pałacu Pionierów. Na jej czele stanął R.A. Varshavskaya i Arkady Efimovich Obrant (1906 - 1973), inteligentni, wrażliwi nauczyciele, którzy zachęcali do twórczej inicjatywy dzieci, przyczynili się do rozwoju ich uczuć patriotycznych.

W pierwszych dniach wojny Obrant wstąpił do milicji ludowej, aw lutym 1942 r. otrzymał rozkaz z wydziału politycznego frontu, aby odnaleźć swoich byłych uczniów w celu uzupełnienia zespołu propagandowego 55 Armii. Udało mu się zebrać tylko 9 skrajnie wychudzonych facetów. Ale miesiąc później Obrant przygotował z nimi kilka numerów tanecznych.

„... 30 marca 1942 r. Chłopaki wzięli udział w koncercie na wiecu pielęgniarek i lekarzy ... Chłopaki tańczyli, przezwyciężając słabość ... A na audytorium pielęgniarki płakały, nie można było powstrzymaj się od łez na widok wyczerpanych dzieci, które próbują z ostatniej siły, wesoło i temperamentnie tańczyć ”- wspomina A.E. Obrant.

Po odpoczynku i leczeniu w szpitalu polowym młodzież z zapałem przystąpiła do pracy i szybko nabrała doskonałej formy tanecznej. W każdy numer - a wykonywali głównie tańce o treści heroicznej: tańce Armii Czerwonej i inne - chłopaki wkładali tyle temperamentu i pasji, jakby walczyli w prawdziwej bitwie.

Zespół dał więcej trzy tysiące koncerty dla bojowników Frontu Leningradzkiego i mieszkańców miasta. 9 maja 1945 r. podczas uroczystości na Placu Pałacowym młodzi tancerze wykonali triumfalny „Marsz Zwycięstwa”. Słusznie zasłużyli na wielki zaszczyt udziału w tym święcie. Ten zaszczyt został przyznany wielu artystom, którzy wystąpili w ten niezapomniany dzień na placach naszego kraju przed tysiącami widzów. Wojna Ojczyźniana potwierdziła, że ​​artyści radzieccy zawsze byli z ludem – zarówno w czasach klęsk, jak iw dniach zwycięstw.

Po zakończeniu wojny wszyscy członkowie zespołu (składającego się już z 18 osób) otrzymali ordery i medale oraz zdemobilizowani z wojska.

W 1945 roku zespół został przeniesiony do Lengosestrada, gdzie na jego podstawie powstał Leningradzki Młodzieżowy Zespół Tańca. W trudnych latach wojny sztuka tańca silnie oddziaływała emocjonalnie i ideologicznie na ówczesną publiczność, która pilnie potrzebowała jasnych, radosnych wrażeń. I ten nierozerwalny związek z życiem ludowym dał nowy impuls rozwojowi radzieckiej choreografii, w tym tańca różnorodnego, prowokując zarówno nowe tematy, jak i nowe formy ich realizacji.

Amatorska działalność artystyczna lat wojennych przeniosła się głównie na pracę w małych zespołach. Dzięki temu były bardzo mobilne, łatwe do przenoszenia. Łatwo było zorganizować ich występy w małej sali, na oddziale szpitalnym, na dworcu, w miejscu propagandowym, w obozie polowym, w czerwonym kącie itp.

Moskiewskie koła artystyczne dały ponad trzy tysiące koncertów w oddziałach Armii Czerwonej broniących Moskwy, przy budowie bliskich i dalekich granic. Taką samą pracę wykonały kolektywy Leningradu.

Grupy amatorskie wykonywały wielką pracę koncertową i twórczą wśród żołnierzy Armii Czerwonej zarówno na froncie, jak i na tyłach, rozmawiając z nimi w miejscach formowania formacji wojskowych, w szpitalach.

Według dostępnych niepełnych danych tylko w 1943 r. uczestnicy amatorskich występów klubów związkowych koncertowali dla 1 165 000 żołnierzy, dowódców i pracowników politycznych.

Wśród brygad koncertowych w wielu rejonach odbywały się przeglądy i konkursy o prawo występowania przed żołnierzami z pierwszej linii. Do brygad wybrano prawdziwych mistrzów, którzy znali sztukę śpiewu, gry na instrumentach, danych aktorskich, którzy potrafili podnieść ducha bojowników, ich nastrój swoją sztuką.

Latem 1942 r. w Moskwie odbył się przegląd miejski zespołów propagandowych, w którym wzięło udział 50 zespołów. Od 27 grudnia 1942 r. do 5 stycznia 1943 r. w stolicy odbywały się występy najlepszych zespołów propagandowych, kół i solistów przedstawień amatorskich, w których odbywały się przeglądy gatunkowe, które budziły duże zainteresowanie i napływ nowych sił do przedstawień amatorskich.

Różne przeglądy zaczęły się szczególnie aktywnie organizować od 1943 roku. Mieli wielkie znaczenie. Po pierwsze, umożliwiły aktywniejsze odtworzenie dotychczasowych kręgów i tworzenie nowych, angażowanie nowych członków; po drugie, recenzje pozwoliły znacznie zintensyfikować działalność artystyczną i twórczą środowisk, zwiększyć liczbę ich występów przed ludnością, w szpitalach, w czerwonych kątach itp.; po trzecie, podczas przeglądów lepiej rozwiązywano zadania ideowe i wychowawcze; po czwarte, recenzje przyczyniły się do skutecznego rozwiązania problemów samej amatorskiej działalności artystycznej, jej kultury wykonawczej, opanowania nowego repertuaru, poszukiwania nowych środków wyrazu i ich upowszechniania.

W marcu 1943 r. komitet miejski Wszechzwiązkowej Komunistycznej Partii Bolszewików Leningradu wezwał do organizowania kółek amatorskich przy domach kultury, klubach, czerwonych kącikach i systematycznego przeprowadzania recenzji Kh.S. W kwietniu-czerwcu 1943 r. w oblężonym mieście odbył się przegląd amatorskich przedstawień artystycznych, w którym wzięło udział 112 drużyn i 2100 uczestników. Pod koniec roku w sali Małej Opera W Leningradzie odbył się ogólnomiejski przegląd amatorskich przedstawień artystycznych. Podczas blokady amatorskie zespoły Leningradu dały ponad 15 tysięcy koncertów.

W wojsku rady wojskowe zaczęły organizować przeglądy amatorskich występów w pułkach, dywizjach, armiach i na frontach. Recenzje spotkały się z entuzjazmem żołnierzy. We wszystkich częściach zaczęto tworzyć grupy tancerzy, śpiewaków, muzyków, recytatorów itp.

Od 15 czerwca do 15 września 1943 odbył się Ogólnounijny Przegląd Sztuki Amatorskiej. Została zorganizowana przez Ogólnozwiązkową Centralną Radę Związków Zawodowych i Komisję Sztuki. Przegląd miał duże znaczenie dla rozwoju kreatywności, objął niemal wszystkie regiony kraju. Przeglądy odbywały się w oblężonym Leningradzie, w jednostkach wojskowych, na wielu obszarach wyzwolonych spod okupacji. Aktywnie działał komitet organizacyjny przeglądu, który na bieżąco kontrolował jego przebieg, organizował pomoc metodyczną, wizyty mistrzów sztuki, studentów uczelni artystycznych, udzielając pomocy mecenasowej dla środowisk.

26 czerwca 1943 r. komitet organizacyjny na swoim posiedzeniu wysłuchał sprawozdania z amatorskiego pokazu sztuki w Leningradzie. W decyzji komitetu organizacyjnego zauważono, że przegląd sztuki ludowej organizowany w Leningradzie był wydarzeniem, które przyczyniło się do odbudowy i dalszego rozwoju sztuki amatorskiej w bohaterskim mieście. W przeglądzie wzięły udział 122 zespoły, w tym 25 teatralnych, 23 choreograficznych, 22 chóralne, 39 zespołów koncertowych, 3 orkiestry smyczkowe, w łącznej liczbie ponad 2 tys. osób.

W całym kraju, według niepełnych danych, w przeglądzie wzięło udział ok. 600 tys. robotników, kołchoźników, pracowników zrzeszonych w 48,5 tys. kołchozów.

25 września 1944 r. sekretariat Ogólnozwiązkowej Centralnej Rady Związków Zawodowych przyjął uchwałę „W sprawie przeprowadzenia ogólnozwiązkowego przeglądu chórów amatorskich i wokalistów”, która odbyła się wspólnie z Komitetem ds. Sztuki przy Radzie Ludowej Komisarze ZSRR. Był to ostatni przegląd amatorskich przedstawień artystycznych z okresu wojny.

W celu pomyślnego przeprowadzenia przeglądu chórów i solistów, do rozwiązania powierzonych im zadań, Ogólnozwiązkowa Centralna Rada Związków Zawodowych, Komitet Centralny Wszechzwiązkowej Leninowskiej Ligi Młodych Komunistów, Komitet ds. Sztuki i inne wydziały opracowały i wdrożyły główne środki organizacyjne i metodyczne, przeznaczyły dodatkowe środki finansowe na rozwój kół, zakup strojów, sprzętu, instrumentów muzycznych.

Zaproszono najlepsze grupy amatorskie do wystąpienia w radiu i rozpoczęto inne prace popularyzatorskie. Szczególną uwagę zwrócono na zapewnienie amatorskim chórom i solistom pełnego repertuaru radzieckiego i jego wysokiej jakości wykonania.

Wszystkie zadania przydzielone do tego przeglądu zostały wykonane. Amatorskie występy chóralne znacząco odbudowały swoje szeregi, ożywiła się praca w innych gatunkach. Jeśli w połowie 1944 roku było ok. 5 tys. chórów z 80 tys. uczestników, to rok później było 9315 chórów i 162 tys. 273 uczestników.

Od 20 sierpnia do 6 września 1945 r. w Moskwie odbył się ostateczny przegląd. Wzięło w nim udział 40 najlepszych chórów wyłonionych na konkursach republikańskich i regionalnych, 3325 chórzystów, 29 solistów. Ostatnie spektakle odbyły się w Sali Kolumnowej, Wielkiej Sali Konserwatorium Moskiewskiego, najlepszych Pałacach Kultury. Koncert finałowy, który odbył się we wrześniu 1945 roku w Teatrze Bolszoj, zaowocował prawdziwym świętem radzieckiej sztuki amatorskiej, wzbudził ogromne zainteresowanie i przyciągnął tysiące nowych uczestników.

W latach 1943 - 1944 wznowiły działalność powstałe przed wojną regionalne domy sztuki ludowej, regionalne domy przedstawień amatorskich. Wkrótce po zniesieniu blokady odrestaurowano Leningradzki Obwodowy Dom Sztuki Ludowej. Te ośrodki metodyczne rozpoczęły różnorodną pracę wspomagającą amatorską działalność artystyczną, celowo ukierunkowały jej rozwój, wzmocniły zasady mecenatu w praktyce chórów, klubów teatralnych i orkiestr.

Do 1 stycznia 1945 r. (przebadano 2131 klubów), w instytucjach klubowych związków zawodowych działało 39 621 kół z 519 682 członkami.

W warunkach gwałtownego ubytku profesjonalnych zespołów twórczych swoje funkcje spełniała sztuka amatorska. W najodleglejszych zakątkach kraju, w warsztatach fabryk, w czerwonych zakątkach jej głos brzmiał pełnokrwisty. Sztuka amatorska, wraz z całym narodem sowieckim, odniosła zwycięstwo w Wielkiej Wojnie Ojczyźnianej.

Sztuka amatorska w okresie powojennej odbudowy

Cechą ówczesnego dzieła sztuki amatorskiej było przeniesienie na tory czasu pokoju, rozwój i wzbogacenie tych partii repertuarem, treścią, formami organizacyjnymi, które służyłyby rozwiązywaniu pokojowych problemów związanych z odbudową narodową. ekonomia, zaspokojenie nowych duchowych i estetycznych wymagań ludności.

Podczas tej restrukturyzacji wymagające zadania odbudować szeregi sztuki amatorskiej, wzbogacić jej treść, mobilizować nie tylko do uwielbienia waleczności, bohaterstwa robotniczego, patriotyzmu, męstwa ducha narodu radzieckiego, ale także do refleksji nad zadaniami pokojowymi, do obrony pokoju i ustanowienia ideałów socjalizmu. Wymagało to znacznych wysiłków na rzecz poprawy stanu i orientacji metodologicznej wykonań amatorskich, szkolenia i przekwalifikowania personelu, stworzenia nowego repertuaru, wzmocnienia jego bazy materialnej itp.

Prace nad rozwiązaniem tych problemów rozpoczęły się od pierwszych spokojnych miesięcy. Odrestaurowano istniejące przed wojną i powstały nowe regionalne i regionalne domy sztuki ludowej, zaczęto organizować na nowo szkolenia dla liderów, uwolniono ich od nadużyć i ponownie zbudowano kołchozy, PGR, państwowe, związki zawodowe . Związki twórcze zwróciły uwagę na tworzenie nowego repertuaru.

Poważne wysiłki skierowano na odbudowę sieci placówek klubowych. W wyniku podjętych działań pod koniec lat 40. liczba placówek klubowych nie tylko osiągnęła poziom przedwojenny (118 tys. klubów, w tym 108 tys. na wsi), ale także znacznie go przekroczyła. W 1951 r. w kraju było 125,4 tys. placówek klubowych, w tym 116,1 tys. na wsi. A pod koniec lat 50. istniało 127 tys. instytucji klubowych.

Od czerwca do października 1946 r. odbył się Ogólnounijny przegląd amatorskich wykonań muzyczno-choreograficznych robotników i pracowników. Wzięło w nim udział ponad 770 tysięcy osób. Przegląd został przeprowadzony przez Ogólnozwiązkową Centralną Radę Związków Zawodowych oraz Komisję Sztuki przy Radzie Ministrów ZSRR. Recenzja wykazała szybki rozwój gatunków, aktywne wyszukiwanieśrodki wyrazu w przedstawieniach amatorskich, jego przebudowa w spokojnych warunkach. W koncertach finałowych przeglądu, które odbyły się w Moskwie od 1 października do 9 listopada 1946 r., wzięło udział około 1800 uczestników z różnych miast i regionów kraju. Łącznie na początku 1947 r. w przedstawieniach amatorskich wzięło udział około 3 mln osób.

W repertuarze spektakli amatorskich dominujące miejsce zaczęły zajmować utwory gloryfikujące powrót do spokojnej pracy, pokojowe budownictwo, walkę o pokój i zjednoczenie wszystkich sił pokojowych.

W 1948 r. odbył się pierwszy powojenny ogólnorosyjski przegląd amatorskich przedstawień wiejskich. Podczas przeglądu zorganizowano ponad 11 tysięcy nowych kół. W przeglądzie wzięło udział ok. 1,5 mln kołchoźników, pracowników MTS, PGR-ów, przedstawicieli inteligencji wiejskiej. Finałowy koncert odbył się w Teatrze Bolszoj w Moskwie, film dokumentalny o nim zatytułowany Pieśni o polach kolektywnych z Wielki sukces pokazywane na ekranach kin w całym kraju.

Dokonania kół amatorskich corocznie demonstrowano na przeglądach powiatowych i regionalnych, co zaowocowało prawdziwymi świętami sztuki ludowej.

Od stycznia 1951 r. podjęto szereg działań zmierzających do wyłonienia najzdolniejszych wykonawców-amatorów i skierowania ich na studia do konserwatorium i innych instytucji edukacji artystycznej.

Ten krok przewidywał nie tylko wzmocnienie grup zawodowych utalentowanymi specjalistami, ale także skierowanie niektórych z nich do pracy z amatorskimi chórami, orkiestrami, zespołami i studiami.

Na początku lat pięćdziesiątych wydziały pracy kulturalnej i edukacyjnej w moskiewskim, leningradzkim i charkowskim instytucie kultury zaczęły kształcić specjalistów, którzy opanowali również pewne umiejętności pracy z grupami amatorskimi.

W ten sposób na początku lat pięćdziesiątych amatorska działalność artystyczna z powodzeniem odbudowała swoje szeregi, przeprowadzono poważną pracę, aby poprawić wszystkie jej aspekty, zapewnić specjalistów.

Pod koniec lat 50. studia operowe, duża symfonia i orkiestry ludowe, grupy dramatyczne i choreograficzne, które stały się zdolne do wykonywania skomplikowanych utworów. Wszystko to świadczyło o jakościowo nowym poziomie wydajności i wspólna kultura twórczość amatorska, naprawdę odzwierciedlała dynamiczny proces jej rozwoju.

Dalszy rozwój zyskują amatorskie występy bezpośrednio w miejscu zamieszkania, w czerwonych zakamarkach, w warsztatach fabryk, fabrykach, gospodarstwach rolnych. Organy gospodarcze i partyjne zachęcały do ​​działalności kół, udzielały im pomocy i uważały je za jedną z cennych form organizowania wypoczynku ludności.

Na przełomie lat czterdziestych i pięćdziesiątych kompozytorzy-amatorzy otrzymali nowy impuls do rozwoju, pojawiły się pierwsze zespoły powojenne, odrodziły się przedwojenne. Członkowie kół aktywnie uczyli się umiejętności pisania, opanowali wiedzę specjalistyczną.

Domy sztuki ludowej, domy sztuki amatorskiej podejmowały różne działania na rzecz pomocy kompozytorom samoukom. Dzięki temu kreatywność staje się jeszcze bardziej masowa i profesjonalna. Wielu z nich polecono naukę w szkołach muzycznych. Jednocześnie amatorskie zajęcia kompozytorskie zostały uzupełnione o osoby, które przeszły specjalne przeszkolenie. Wielu akordeonistów, doministów, wokalistów itp. zwrócił się do pisania. Kierownicy gospodarstw często prosili ich o napisanie piosenki o zakładzie, na rocznicę itp.

Po drugie, brakowało nowoczesnego, aktualnego repertuaru, odzwierciedlającego nie tylko ogólnospołeczne, państwowe problemy i rytmy, ale także lokalne – regionalne, miejskie, powiatowe. Potrzebowaliśmy piosenek opartych na lokalnym materiale. I pojawiały się głównie spod pióra kompozytorów-amatorów.

Po trzecie, do rozwoju twórczości amatorskiej przyczyniła się ogólnie zwiększona kultura muzyczna i wykształcenie amatorskich liderów wykonawczych, otwieranie specjalnych muzycznych placówek oświatowych - szkół, aw wielu - konserwatoriów w prawie wszystkich ośrodkach regionalnych.

Jeszcze bardziej wzbogacony został repertuar środowisk muzycznych Leningradu, Moskwy i innych dużych miast. I dotyczyło to nie tylko czołowych grup, ale większości z nich, masowych amatorskich występów.

Na przełomie lat 50. i 60. powszechnie praktykowano organizowanie przeglądów, konkursów, festiwali sztuki amatorskiej w regionach, regionach i powiatach. Umożliwiły utrzymanie wysokiego ogólnego tonu jego rozwoju, likwidację w porę pojawiających się „wąskich gardeł”, skuteczne rozwiązywanie zadań społecznych stawianych przez partię narodowi sowieckiemu. Najlepsi reprezentanci przedstawień amatorskich brali udział w republikańskich, ogólnounijnych konkursach, przeglądach i wystawach.

W latach 1959 - 1960. w regionach, w republikach odbył się przegląd twórczości artystów-amatorów, a po jego wynikach zorganizowano II Ogólnounijną Wystawę Twórczości Twórców-amatorów. Na ostatnim etapie przeglądu w Moskwie wystawiono około 5 tysięcy najlepszych dzieł malarstwa, grafiki, rzeźby, sztuki i rzemiosła. To prawie 2,5 razy więcej niż na I Wystawie Wszechzwiązkowej w 1954 roku. W sumie ponad 500 tysięcy prac zostało wystawionych do oglądania w dzielnicach, regionach, terytoriach, republikach.

Dalszy rozwój otrzymały pracownie artystyczne, które stały się głównymi formami nauczania rzemiosła amatorskiego. Podczas przeglądu powstały nowe formy pracy pracowni, kręgi z ludnością i uczestnikami. Artyści amatorzy zorganizowali znaczną liczbę galerii sztuki, zarówno w muzeach, jak iw miejscach publicznych oraz instytucjach kultury. Wykładali o sztuce na uczelniach publicznych, w salach wykładowych i czasopismach ustnych.

Przeprowadzono ją w podobny sposób na przełomie 1961 i 1962 roku. Ogólnorosyjski przegląd teatrów ludowych.

We wszystkich republikach, terytoriach i regionach Unii odbywały się przeglądy przedstawień amatorskich, które odegrały dużą rolę w katalizatorze jej rozwoju. Na przykład na Białorusi w 1958 roku w Mińsku odbyła się dekada sztuki amatorskiej; w 1959 - przegląd amatorskich przedstawień młodzieży szkolnej, kołchozów i PGR-ów; w 1961 - ponownie dekada sztuki amatorskiej w Mińsku.

Ministerstwo Kultury Ukraińskiej SRR jako jedno z pierwszych w kraju otworzyło trzyletnie wydziały zawodów społecznych, na które przyjmowano młodzież na podstawie talonów dla Komsomołu i związków zawodowych. Na wydziałach kształcono liderów kół muzycznych, chóralnych, teatralnych i tanecznych zgodnie z przyjętym programem nauczania.

W drugiej połowie lat 50. miały miejsce pierwsze wyjazdy sowieckich chórów amatorskich, zespołów pieśni i tańca, zespołów folklorystycznych do NRD, na Węgry i do Finlandii. Wyjazdy te służyły umacnianiu przyjaźni między narodami i zapoznawały zagranicznych widzów z dokonaniami sztuki ludowej w pierwszym kraju socjalizmu.

Na zawodach międzynarodowych w 1957 roku. 7 sowieckich grup amatorskich otrzymało złote medale laureatów, 8 - srebrne i 7 - brązowe. Wśród nich chór ludowy Shestakovskaya MTS Obwód Woroneża, zespół pieśni i tańca z Baku itp.

Zaobserwowano poważne trudności z repertuarem kół. Niewiele było publikowanych i wznawianych dzieł klasycznych. Nie było celowych prac nad doborem i rekomendacjami, biorąc pod uwagę cechy i możliwości amatorskiego wystawiania nowych sztuk.

Przed wojną domy sztuki ludowej, domy sztuki amatorskiej wytworzyły znaczną liczbę zbiorów sztuk, pieśni, wytyczne oraz podręczniki, nagrania tańców itp. za pośrednictwem wydawców rządowych. Podobne materiały publikowano w dużych ilościach w czasopismach „Sztuka amatorska”, „Praca Kulturalna Związków Zawodowych” itp. Ich publikację przerwano w latach wojny. Zostały odrestaurowane dopiero pod koniec lat 50-tych.

W tym okresie nastąpił wyraźny spadek rozwoju tradycyjnych gatunków. Stopniowo zmniejszała się liczba orkiestr ludowych, symfonicznych, dętych, chórów ludowych. W 1952 Na 6 000 domów kultury i klubów związkowych 1123 nie posiadało chórów, 1566 nie miało orkiestr, a ponad 3000 grup tanecznych. Kolektywy tych gatunków borykały się z poważnymi trudnościami twórczymi, organizacyjnymi i materialnymi.

Zwrócono również uwagę na poważne trudności w rozwoju dęciaków, muzyki pop i sztuki tańca.

Zapotrzebowanie na wykwalifikowany personel było odczuwalne we wszystkich gatunkach. Trudności kadrowe, repertuarowe, niewystarczająca pomoc metodyczna wpłynęły na wzrost umiejętności ogólnych i muzycznych uczestników, ucząc ich umiejętności zawodowych w zakresie dramatu, choreografii i innych rodzajów sztuki.

Zadanie polegało na opracowaniu metodyki nauczania, kształcenia w zakresie amatorskiego wykonawstwa z uwzględnieniem jego specyfiki, odpowiednich programów i programów, podręczników i pomocy dydaktycznych.

Rozwojowi sztuki amatorskiej w okresie od końca lat 30. do końca lat 50. jej wzbogaceniu i odbudowie kolektywów, które w latach wojny uległy znacznemu uszczupleniu, służyły różne działania praktyczne ze strony organów kulturalnych, partyjnych i partyjnych. organizacje publiczne oraz kierownictwo przedsiębiorstw i kołchozów. Grali ważna rola w pojawieniu się wysoce artystycznych chórów, orkiestr, zespołów teatralnych i innych, w rozwoju kultury wykonawczej w ogóle wśród całej masy środowisk. Wzrósł publiczny prestiż wykonawstwa amatorskiego, coraz aktywniej wnikało ono w praktykę społeczną, sferę wypoczynku ludności. W jego rozwoju zaobserwowano jakościowo nowe procesy, odzwierciedlające zmiany zachodzące w społeczno-gospodarczej i duchowej sferze życia społeczeństwa radzieckiego.

Sztuka amatorska w latach 60-80

Na początku lat 60. w szeregach sztuki amatorskiej działało około 550 tysięcy teatrów, chórów, orkiestr, zespołów innych gatunków, obejmujących około 10 milionów ludzi w różnym wieku, w różnym zawodzie i różnym statusie społecznym.

Ważnym wydarzeniem w życiu tańca na scenie na początku lat 60. było pojawienie się na plakacie nowego nazwiska: Vladimira Shubarina.

W artykule J. Varshavsky'ego, napisanym przez niego w tych samych latach (kiedy krytyka zaczęła zwracać dużą uwagę sztuka odmiany), zawiera ciekawą obserwację porządek ogólny wyjaśniając w pewnym stopniu niezwykłą popularność Shubarina. Porównując tancerza pop z tancerzem akademickim, krytyk napisał: „Wygląda bardziej na co dzień, „ziemsko”, nawet jeśli ma skomplikowaną technikę. Artysta niejako pokazuje samego widza - „zwykłą osobę”, drażni w nim twórczy początek, pokazuje, ile w istocie ma talenty.

Wygląd Shubarina jest normalny - rosyjski chłopak, niskiego wzrostu, dobrze zbudowany, choć nie bez skazy. Ale od pierwszego pojawienia się na scenie staje się jasne, że urodził się na scenie.

Głównym urokiem tancerza jest łatwość maniery. Skłaniając się przyjaźnie i od razu zdobywając sympatię publiczności przyjaznym uśmiechem, zaczyna opowiadać, to znaczy pokazywać, choć nie bez powodu to zastrzeżenie budzi, jak mądra, ruchliwa, elegancka jest nasza współczesność, jak lekka ironia jest charakterystyczny dla niego iz jaką zniewalającą prostotą potrafi nieoczekiwanie dokonać tego, co niespotykane.

Twórczość Shubarina, reżysera większości wykonywanych przez niego numerów, idzie w tym samym kierunku, co cała sowiecka choreografia. Poszukuje mocnej fuzji wirtuozowskiego tańca klasycznego z nowoczesną plastycznością - tej fuzji technologii i estetyki, z której można tworzyć różnorodne i złożone obrazy. Oczywiście, z dodatkiem wyrazistości aktorskiej i fantazji – Shubarin też jest nimi obdarzony.

Władimir Aleksandrowicz Szubarin (1934) wszedł na scenę w 1963 roku, mając już tytuł Honorowego Artysty RFSRR, który otrzymał jako solista Zespołu Pieśni i Tańca Czerwonego Sztandaru. Wcześniej Szubarin pracował w Zespole Moskiewskiego Okręgu Wojskowego, jeszcze wcześniej - w latach 1951-1954 w Chórze Piatnickim, po mistrzowsku wykonując tańce rosyjskie.

Po raz pierwszy Shubarin dołączył do tańca w amatorskim kręgu Klubu Budowniczych miasta Nowokuźnieck, gdzie uczył się w technikum metalurgicznym. W kręgu nacisk położono na naukę tańców ludowych, chociaż przekazano również pewne podstawy treningu klasycznego - jednym słowem podano zwykły program zajęć w kręgu. Ale jeden z pedagogów w przeszłości prowadził zajęcia z mówienia. Ale jeden z nauczycieli, który wcześniej występował jako członek orkiestry jazzowej, wprowadził Shubarina w techniki tańca ekscentrycznego, techniki stepowania i stepowania, które szybko opanował. I tak, zachorowałem na jazz.

Początkowo lubił po prostu fantazjować ruchy do popularnych melodii. Świadomość bogactwa rytmicznego muzyki jazzowej, jej improwizacji, dającej ogromne pole do popisu kreatywności, dotarła do niego później, gdy stał się dojrzałym tancerzem.

W latach 60. w końcu przyjęło się zrozumienie, że jazz, choć jest zjawiskiem sprzecznym, to jednak korzeniami łączy się ze sztuką ludową, głównie z muzyką murzyńską. Punkt widzenia, który przez wiele lat dominował na jazzie jako „muzyce tłuszczu”, przestał przesłaniać „prawdziwą wartość jazzu: jego kolektywność, odświętność, spektakl, otwartość na bezpośredni udział słuchaczy w muzycznej akcji”.

W 1962 r. kolejne plenum zarządu Związku Kompozytorów RFSRR poświęcone było problematyce pieśni i muzyki rozrywkowej (w tym muzyki tanecznej). Otwarcie plenum, D.D. Szostakowicz podkreślał: „W ostatnich latach pojawiło się wiele jazzu improwizowanego. Mają szeroką publiczność młodzieżową, przynoszą specyficzny muzyczny początek, ale pracuj bez żadnej krytyki i wsparcia. Ich działalność zasługuje na obszerną dyskusję, ponieważ zawiera wiele niejasnych, sprzecznych rzeczy, a jednocześnie odpowiada na potrzeby realnego życia.” Szostakowicz wezwał kompozytorów do pracy we wszystkich gatunkach i formach muzyka popularna, pamiętając, że jest „własnością milionów”.

W kolejnych latach nie tylko ten genialny muzyk, ale także wielu utalentowanych kompozytorów tworzyło utwory instrumentalne i popowe piosenki przeznaczone do jazzu. Gorzej było z muzyką taneczną, a co za tym idzie z samym tańcem.

Nieśmiałe próby stworzenia własnego, sowieckiego tańca codziennego nie przyniosły sukcesu, a młodzi ludzie uparcie pragnęli zatańczyć coś nowego. Wraz z melodiami rock and rolla, twista, necka itp. wyciekły informacje o tym, jak należy je wykonać. Najczęściej informacje te okazywały się nietrafne, uzupełniane przez własną wyobraźnię tancerzy, którzy nie byli przygotowani estetycznie, nie posiadali elementarnych technik tanecznych. Shubarin wytrwale pogłębiał swoją wiedzę i rozumienie muzyki jazzowej. Nauczył się nawet grać na instrumentach perkusyjnych, co pomogło mu w pracy, ponieważ nauczył go „układać” rytmicznie dowolny utwór muzyczny napisany dla jazzu.

Podczas wycieczki zagraniczne Zespół Red Banner Ensemble Shubarin nie przegapił okazji do bliższego zapoznania się z jazzowym stylem tańca, który opiera się na wielu elementach nie tylko ludowych tańców murzyńskich, ale także latynoamerykańskich. W Meksykańskiej Akademii Tańca uczęszczał na 10 lekcji na wydziale tańca współczesnego. W Los Angeles, podczas treningu z trupą J. Balanchine'a, Shubarin odkrył swoje zrozumienie i umiejętność łączenia taniec klasyczny z jazzowym stylem i otrzymał cenne rady od amerykańskiego choreografa. W ten sposób stopniowo gromadziła się wiedza, która stanowiła podstawę indywidualnego stylu tańca odmiany stworzonego przez Shubarina.

Orkiestra wykonuje utwór jazzowy, a widz przenosi się w klimat początku wieku, kiedy melodie jazzowe były jeszcze melodyjne i naiwne, dandysowie nosili pasiaste marynarki i wodniaki, a modne tańce był spacer po ciastkach, matchish i charleston. Shubarin nie przywraca tych tańców. On tylko je akcentuje cechy charakteru: synkopowanie rytmu, pewna manieryzm wykonania, niewielka ekscentryczność ruchów. Zręcznie bawi się dodatkami: laską, cylindrem - i zupełnie nieuchwytnymi pociągnięciami przywołuje nagle znajome obrazy Chaplina, Harolda Lloyda - pierwszych bohaterów filmów komiksowych, które niegdyś zawładnęły sercami widzów.

Niestety, Shubarin nie posłuchał opinii profesjonalistów, którzy radzili mu angażować reżyserów w tworzenie swoich programów. Ponadto na scenie zaczęli pojawiać się młodzi choreografowie, którzy czują styl muzyki jazzowej. Ponadto będąc stale w trasie, czasami występując w ciągu dnia na kilku koncertach, Shubarin był po prostu fizycznie zmęczony i jakoś wyszedł wewnętrznie.

Czując najwyraźniej pewne kłopoty, Shubarin zaczął szukać nowych form budowania programu (kiedyś występował z grupą taneczną, która nie wnosiła nic fundamentalnego do jego pracy). Niestety nie zdawał sobie sprawy, że najważniejsze dla niego było znalezienie choreografa, który byłby bliski zrozumienia zadań choreografii pop, który mógłby pomóc wyrazić swoje ciekawe pomysły w figuratywnym języku tańca. W szczególności rozwój syntezy jazzowych form tańca z elementami narodowymi, tak ciekawie zapowiedziany wcześniej przez tego utalentowanego tancerza, który na scenie wyznaczył nowe wysokie standardy umiejętności wykonawczych, tworząc własny, niepowtarzalny gatunek.

W tym czasie miała miejsce promocja i nadanie tytułu „ludowym” grupom muzycznym, kręgom innych gatunków. W 1959 r. ludowa grupy muzyczne było ich cztery, aw 1965 było ich już 455. Ponadto istniało 128 zespołów pieśni i tańca oraz 134 zespoły taneczne noszące tytuł „ludowe”. W sumie do tego czasu było ponad 1600 zespołów folklorystycznych.

Spośród 455 ludowych zespołów muzycznych było 137 orkiestr i 318 chórów.

Pojawienie się zespołów folklorystycznych słusznie uznano za najważniejszy kamień milowy w rozwoju twórczości amatorskiej. Będąc w pewnym sensie wzorowe, zespoły folklorystyczne stały się ośrodkami metodycznymi, doradczymi, kołami asystowanymi i grupami warsztatów, czerwonymi kącikami itp.

Szczególnie intensywny był ilościowy rozwój sztuki amatorskiej w drugiej połowie lat 60-tych - początku 70-tych. Dość powiedzieć, że w 1970 roku w grupach amatorskich uczestniczyło 13 milionów dorosłych i 10 milionów uczniów. W 1975 roku ponad 25 milionów ludzi zjednoczyło działalność amatorską. Do tego czasu ponad 9 tysięcy grup amatorskich nosiło tytuł „ludu”.

Pod koniec lat 60. amatorskie występy klubów systemu Ministerstwa Kultury i spektakle, które obejrzało około 250 mln widzów. W połowie lat 70. liczba widzów przedstawień amatorskich zaczęła wynosić ponad 500 milionów rocznie.

Okres ten obejmuje szeroki rozwój wielogatunkowych zasad w praktyce artystycznej amatorskiej. Mówimy o powstawaniu i szybkim rozwoju takich organizacji amatorskich jak filharmonie ludowe, konserwatoria ludowe, szkoły śpiewu ludowego. Łączyły zarówno całe zespoły amatorskie, muzykę, studia chóralne, jak i indywidualnych wykonawców. W każdej republice opracowano Regulamin Towarzystwa Filharmonii Ludowej, który regulował całość organizacyjną, twórczą, finansową itp. praktyka tego typu stowarzyszeń amatorskich. Filharmonie ludowe, konserwatoria, szkoły śpiewu prowadziły poważną, systematyczną pracę edukacyjną, organizowały cykl koncertów, pokazów tematycznych, ukierunkowały proces twórczego rozwoju chórów, orkiestr, zorganizowały pomoc metodyczną itp.

W tym okresie rozwijały się amatorskie orkiestry ludowe, zespoły instrumentalne i rosyjskie chóry pieśni.

Warto zauważyć, że orkiestry rosyjskich instrumentów ludowych nadal powstawały nie tylko w Rosji, ale także w wielu republikach związkowych - przede wszystkim na Ukrainie, na Białorusi. W tych latach na Litwie oprócz orkiestr instrumentów narodowych istniało 11 orkiestr rosyjskich instrumentów ludowych.

Organizowane w latach 60. konkursy, festiwale, przeglądy w skali kraju i republik, terytoriów, regionów i powiatów odegrały ważną rolę w doskonaleniu sztuki amatorskiej, podnoszeniu umiejętności uczestników, opanowaniu nowego repertuaru i rozwoju różnych gatunków.

W latach 1963 - 1965 we wszystkich republikach odbywały się konkursy wiejskich przedstawień amatorskich. Wzięło w nich udział ponad 3 miliony osób. Około 5000 chórów, orkiestr, klubów teatralnych i zespołów innych gatunków zostało nagrodzonych różnymi nagrodami. Wiejski lud i chóry akademickie, orkiestry folklorystyczne i dęte, na scenie pojawiły się pierwsze rodzinne zespoły muzyczne.

W przeglądzie wzięły udział zespoły propagandowe, teatry ludowe chóry i zespoły, orkiestry i zespoły instrumentalne, zespoły taneczne, kompozytorzy-amatorzy, poeci, filmowcy-amatorzy. W trakcie przeglądu w RSFSR zorganizowano ponownie ponad 13 000 kół wiejskich. Ta ogólnorosyjska recenzja wiejskiego Kh.S. 1963 - 1965, zakończone koncertem w Pałac Kremlowski zjazdy, zintensyfikowały działalność wiejskich kolektywów amatorskich, podniosły poziom twórczości ideowej i artystycznej, włączyły w amatorskie przedstawienia nowe grupy mas pracujących.

Po zakończeniu przeglądu amatorskich przedstawień wiejskich, podsumowując jego wyniki w latach 1966 - 1967. Odbył się Ogólnounijny Festiwal Sztuki Amatorskiej, poświęcony 50. rocznicy Wielkiej Socjalistycznej Rewolucji Październikowej. Było to jedno z najbardziej masywnych i reprezentatywnych wydarzeń w historii sztuki ludowej: uczestnicy zostali zaproszeni do tworzenia spektakli o tematyce współczesnej i heroicznej.

Ogólnounijny Festiwal Sztuki Amatorskiej zorganizowały wspólnie Państwowy Komitet Rady Ministrów ZSRR ds. Edukacji Zawodowej, Komitet Radiofonii i Telewizji, Związek Kompozytorów ZSRR, Związek Pisarzy ZSRR, Związek Artystów ZSRR, Związek Autorów Zdjęć Filmowych ZSRR, towarzystwa teatralne, taneczne i chóralne. W tym 200 tancerzy, 46 choreografów, 13 teatrów, Moskwa i Leningrad organizacje koncertowe i najstarsze szkoły choreograficzne – Leningrad im. Waganowej i Moskwy.

W uchwale ogłoszono główne zadania przeglądu: dalszy rozwój sztuka amatorska, przyciągająca świeże siły do ​​szeregów swoich uczestników, podnosząca poziom ideowy i artystyczny twórczości mas, rozwijająca wszystkie rodzaje i gatunki sztuki amatorskiej w klubach, domach i pałacach kultury, w miejscach pracy i zamieszkania, nauki , usługa; propaganda za pomocą sztuki o światowo-historycznym znaczeniu Wielkiej Socjalistycznej Rewolucji Październikowej, dorobku narodu radzieckiego i narodów innych krajów socjalistycznych; uzupełnienie repertuaru najlepszymi dziełami literatury, muzyki, dramaturgii radzieckich i postępowych autorów zagranicznych; doskonalenie pracy edukacyjnej; umacnianie twórczych związków między masową sztuką amatorską a sztuką zawodową, systematyczna pomoc grupom amatorskim ze związków twórczych; promocja osiągnięć sztuki amatorskiej wśród ludności itp.

Zadanie polegało na przyciągnięciu inteligencji twórczej do udziału w organizacji i realizacji Ogólnounijnego Festiwalu. Tysiące profesjonalnych pracowników artystycznych wzięło udział w próbach, gospodarzach występów i programów koncertowych chórów amatorskich, orkiestr, seminariów, konferencji twórczych itp.

Szeroko rozpowszechniona propaganda osiągnięć sztuki ludowej odbywała się za pośrednictwem radia, telewizji i prasy. Dziesiątki amatorskich grup artystycznych ze wszystkich republik związkowych tworzyły twórcze reportaże w Centralnej Telewizji. Nawet finałowy koncert Ogólnounijnego Festiwalu był transmitowany z Kremlowskiego Pałacu Kongresów.

Powołano Ogólnozwiązkowy Komitet Organizacyjny, biuro, sekretariat, dyrekcję festiwalu do bezpośredniego zarządzania festiwalem, utworzono sekcje poświęcone rodzajom sztuki, a także sekcję organizowania festiwalu wśród młodzieży szkolnej. Międzyresortowy charakter wydarzenia pozwolił wzmocnić środowisko biznesowe instytucji kultury, związków twórczych, instytucji artystycznych, związków zawodowych, Komsomołu i organizacji wojskowych.

Ogólnounijny Festiwal stał się ogromnym wydarzeniem o znaczeniu politycznym i kulturalnym w życiu kraju i wywarł głęboki wpływ na dalszy jakościowy i ilościowy rozwój sztuki amatorskiej.

Od połowy lat 60. występy amatorskie uległy dalszemu znaczącemu rozwojowi. Działały kluby piosenki politycznej, studenckiej i turystycznej.

Wiele utworów autorów amatorów znalazło się w różnych kolekcjach repertuarowych, wykonywanych przez zespoły amatorskie. Podczas ogólnorosyjskiego przeglądu sztuki amatorskiej w 1967 r. na samych przeglądach strefowych wykonano około 500 utworów stworzonych przez autorów-amatorów - kompozytorów, dramaturgów, poetów. Stanowiło to około jednej trzeciej (!) wszystkich wykonanych prac.

Od 11 maja do 21 sierpnia 1972 r. w WDNKh ZSRR odbył się przeglądowy konkurs amatorskich zespołów pieśni i tańca republik związkowych, poświęcony 50. rocznicy powstania ZSRR. Zwycięzcom konkursu przeglądowego - zespołom i wykonawcom indywidualnym przyznano złote, srebrne i brązowe medale WDNKh ZSRR, dyplomy honorowe.

Przez dwa lata odbywał się Ogólnounijny Festiwal Telewizji Sztuki Ludowej, poświęcony 50. rocznicy powstania ZSRR. Odbyło się 18 programów telewizyjnych, w których wystąpiło ponad 12 tysięcy wykonawców amatorów. Finałowy koncert festiwalu odbył się 29 listopada 1972 w Kremlowskim Pałacu Kongresów. Wzięło w nim udział ponad 500 wykonawców amatorów. Koncert był transmitowany w programie Intervision. W wyniku festiwalu 17 muzyków z 17 zespołów tanecznych otrzymało nagrody specjalne i wyróżnienia.

Na czele ogólnounijnego jury festiwalu stanął Artysta Ludowy ZSRR S.Ya. Lemeshev. Członkami jury byli: sławni mistrzowie kultura muzyczna A. Prokoshina, V. Fedoseev, T. Khanum, G. Ots, T. Chaban i inni, którzy jednocześnie przewodniczyli jury festiwalu telewizyjnego w republikach.

W połowie lat 70. w H.S. było około 23 milionów uczestników. Pracowało ponad 160 tysięcy chórów akademickich i ludowych, 100 tysięcy zespołów muzycznych, orkiestr i zespołów, ogromna liczba kręgów innych gatunków.

W wyniku działań organów państwowych i gospodarczych znacznie wzmocniła się baza materialna klubów, a ich sieć rozwinęła się.

W 1970 roku w kraju było 134 tysiące klubów. Znacznie wzrosła liczba wiejskich klubów i domów kultury. Jeśli na początku lat 70. było ich nieco ponad 18 tysięcy, to pod koniec 1975 r. Było ich 34 tys. Wiejskie domy kultury prowadziły znaczące prace nad organizacją amatorskich zajęć artystycznych.

Jeszcze korzystniejsze warunki zaczęły kształtować się od 1974 roku w związku z centralizacją klubów i tworzeniem zespołów kulturalnych. Stworzenie scentralizowanych systemów klubowych umożliwiło zjednoczenie całej pracy wokół podstawowych klubów, wiejskich domów kultury, których pracownicy nie tylko prowadzili koła amatorskie w swojej instytucji, ale także pomagali filiom.

Domy sztuki ludowej, domy sztuki amatorskiej udzielały różnorodnej i systematycznej pomocy amatorskim kręgom i grupom artystycznym wszystkich gatunków: metodycznym, organizacyjnym i instruktorskim, twórczym, kadrowym.

Dopuszczano nieuzasadnione przywłaszczenie tytułu „ludowy” wielu chórom, orkiestrom, grupom tanecznym i teatralnym. Wiele z nich nie spełniało wymagań dla zespołów folklorystycznych, nie prowadziło należytej pracy twórczej i edukacyjnej.

Druga połowa lat 70. to szereg ważnych wydarzeń w rozwoju sztuki ludowej. Na początku 1976 r. odbył się XXV Zjazd KPZR. W decyzjach zjazdu główne kierunki rozwoju gospodarki narodowej ZSRR na lata 1976 - 1980. postawiono zadanie dalszego podnoszenia poziomu pracy instytucji kulturalno-oświatowych, uczelni publicznych oraz rozwijania twórczości artystycznej mas.

W maju - wrześniu 1975 r. w WOGN-u ZSRR odbył się przeglądowy konkurs amatorskich zespołów artystycznych poświęcony 30. rocznicy Zwycięstwa. Wzięły w nim udział najlepsze zespoły z republik związkowych – zwycięzcy Ogólnopolskiego Festiwalu Sztuki Amatorskiej.

Oprócz występów na otwartej scenie WDNKh ZSRR, zespoły dawały koncerty w parkach kultury, w przedsiębiorstwach iw klubach. Zwycięzcy konkursu otrzymali dyplomy, a ich liderzy i soliści złote, srebrne i brązowe medale oraz nagrody pieniężne.

Szczególną uwagę zwrócono na chóry i orkiestry ludowe, orkiestry dęte, zespoły folklorystyczne. Podczas festiwalu powstało ponad tysiąc nowych orkiestr dętych.

W dziedzinie muzyki instrumentalnej pożądanym zjawiskiem stał się nieznaczny wzrost liczby orkiestr amatorskich – symfonicznych, dętych, folkowych itp. Szeroko rozpowszechniły się także małe zespoły instrumentalne - kwartety, kwintety, duety, tria itp., zespoły akordeonistów, bandurystów, skrzypków, komuzów, doministów, kompozycje mieszane, zespoły wokalno-instrumentalne. Zgodnie z wynikami koncertu, najlepsze z zespołów zostały rekomendowane na finałowy koncert w Moskwie.

W tym okresie znacznie wzmocnił się sponsoring amatorskich działań artystycznych ze sztuki profesjonalnej. Praca ta rozpadła się niejako na dwa rodzaje - pomoc artystyczną i edukacyjną oraz metodyczną. Teatry, zespoły muzyczne objęły patronatem amatorskie przedstawienia PGR-ów i kołchozów. Doświadczeni rzemieślnicy prowadzili zespoły amatorskie, stowarzyszenia literackie, teatry ludowe.

Zaczęły kształtować się nowe formy współpracy. W drugiej połowie lat 70. zawarto umowy o bezpośredniej współpracy pomiędzy Centralnym Domem Sztuki Ludowej im. N.K. Krupskaya (przesłała partnerom znaczną ilość repertuaru i literatura metodyczna, wydanej w ZSRR), Centralnego Domu Pracy Kulturalnej NRD oraz Centrum Sztuki Amatorskiej NRB.

Zreorganizowano system kierowania metodologicznego amatorskiej działalności artystycznej. Na bazie działającego od 1976 r. Wszechzwiązkowego Domu Sztuki Ludowej, w 1978 r. powstał Ogólnounijny Ośrodek Naukowo-Metodologiczny Sztuki Ludowej i Pracy Kulturalno-Oświatowej.

W republikach, terytoriach i regionach, w oparciu o domy sztuki ludowej i sale metodyczne pracy kulturalno-oświatowej, organizowano odpowiednio republikańskie, regionalne i regionalne ośrodki naukowo-metodologiczne sztuki ludowej i pracy kulturalno-oświatowej.

Wzmocniono aspekty wydawnicze, kadrowe i finansowe działalności centrów. Zaczęli głębiej i profesjonalnie wnikać w istotę procesów zachodzących w przedstawieniach amatorskich. Wiele wydawnictw centralnych i republikańskich zwiększyło dorobek dzieł do wykonań amatorskich. Wydawnictwa „Muzyka” i „Kompozytor sowiecki” zaczęły wydawać specjalne serie mające na celu pomoc w sztuce amatorskiej.

Na początku lat 80. wydano w kraju ponad 40 wydawnictw seryjnych, bibliotek, zbiorów do amatorskich przedstawień. Ogólnounijna firma „Melody” rozpoczęła wydawanie albumów i indywidualnych płyt dla dyskotek, VIA i innych grup amatorskich.

Bardzo ważne jest, aby te kreatywne zespoły i stowarzyszenia działały na rzecz kształtowania zdrowych potrzeb kulturowych ludzi, wysokich obywatelskich ideałów estetycznych. Ponieważ każda forma wypoczynku powinna duchowo wzbogacać osobę, promować twórczy rozwój osoby, jej autoafirmację i wyrażanie siebie.

Wśród młodzieży dość popularne są VIA i dyskoteki. Te formy spędzania czasu wolnego szczególnie przyciągają młodych ludzi. Każdy z nich ma niezaprzeczalne zalety. Gatunek VIA to fascynujący rodzaj sztuki amatorskiej, zdolnej do głębokiego ujawnienia twórczego potencjału jednostki, odpowiadającej na aktualne, palące problemy tamtych czasów.

Czas mijał, zespoły dojrzewały, zmieniała się publiczność. Wykonawcy też dojrzeli. Pojawił się też sprzęt wyższej jakości, zniknęły denerwujące wielu zniekształcenia i świszczący oddech, realizatorzy dźwięku nauczyli się dokładniej budować równowagę na koncertach. Większość programów VIA ma wiele łatwych, piosenki taneczne. Jest wiele piosenek poświęconych problemom moralnym, zrozumieniu życia. Temat ten został dodany do antywojennego, społecznego i patriotycznego, wzbogacając tym samym i poszerzając gatunek.

W tym względzie działalność amatorskich zespołów muzycznych i ich najbardziej masowych, popowych zespołów wokalno-instrumentalnych należy uznać za jeden z najskuteczniejszych obszarów edukacji ideologicznej i estetycznej młodzieży. Skuteczny przede wszystkim ze względu na popularność tego typu twórczości – można powiedzieć, że przez to hobby przechodzi większość nastolatków. Dlatego organizacyjne i problemy twórcze amatorskie popowe zespoły wokalno-instrumentalne - przedmiot szczególnej uwagi autorytetów kultury, mediów i środowiska muzycznego.

W dyskotece młodych ludzi przyciąga możliwość nieuregulowanej komunikacji, manifestacja twórczej wyobraźni, aktywny udział w akcji nie tylko organizatorów wieczorów, ale także ich gości.

W dyskotece występują także śpiewacy, poeci i muzycy.

Dyskoteka jest kreatywna drużyna, który jednoczy ludzi o różnych specjalnościach, skłonnościach, uzdolnieniach opartych na zainteresowaniach muzyką i sztuką; ośrodek aktywnej propagandy ideologicznej, wychowania moralnego i estetycznego młodzieży z wykorzystaniem skutecznych środków technicznych; niezastąpiony uczestnik wielu wydarzeń w mieście, dzielnicy, w przedsiębiorstwie; laboratorium twórcze, w którym dokonuje się synteza różnych gatunków sztuki; mały „instytut badań socjologicznych”, w którym za pomocą ankiet i ankiet badane są gusta i potrzeby młodych ludzi. bezpośredni dialog; „biuro projektowe”, w którym opracowuje się, projektuje i produkuje szeroką gamę urządzeń technicznych; „centrum edukacyjno-metodologiczne”, w którym wiedzę zdobywa się poprzez samokształcenie oraz w procesie komunikowania się z doświadczonymi specjalistami.

W rzeczywistości członkowie grupy disco - meloman, który przygotowuje fonogram, inżynier montujący kolorowe urządzenie muzyczne, fotograf, który wykonuje niezbędne do programu ramki do zdjęć, inżynier, który wynalazł automatyczne sterowanie rzutnik do slajdów - wszyscy pracują nad tym samym zadaniem: tworzą kolejny program, w którym łączą się ich umiejętności i czyny.

Wiele grup, które zaczynały swoją działalność jako tancerze disco, stopniowo przekształciło się w kluby disco. W klubie uruchomione zostały sekcje odmiany i jazzu, muzyki klasycznej i ludowej oraz piosenki amatorskiej.

Kluby dyskotekowe składają się z 11 osób. Są to robotnicy, pracownicy, inżynierowie zakładu. Ludzie są entuzjastyczni, kreatywni, ciągle coś wymyślają i wymyślają.

W ruchu disco jest TMT - są to trupy teatralne i muzyczne. Ich uczestnicy próbują zsyntetyzować w jednym programie dyskotekowym różne rodzaje sztuka: teatr, kino, poezja, taniec i oczywiście muzyka.

Tę sytuację VIA i dyskotek tłumaczy przede wszystkim dotkliwy brak wykwalifikowanej kadry. Wielu szefom instytucji kultury i organizatorom stowarzyszeń amatorskich brakuje wiedzy, doświadczenia i gustu artystycznego. Dlatego najważniejsza rzecz na dalsze

Pojęcie „sztuki ludowej” jest szerokie, pojemne i bardzo niejednorodne w charakterze i poziomie. Obejmuje sztukę chłopską, rękodzieło artystyczne, pracę rzemieślników i tradycję pieśni. Na terytorium Gubkinskaya, ze względu na sytuację geograficzną, historyczną i kulturową, rozpowszechniło się domowe rzemiosło: tkactwo, haft, szydełkowanie, tkanie z wikliny i łyka, skóra, bednarstwo, kowalstwo.

Dziś widzimy efekty wielkiego dzieła, które rozpoczęło się w latach 80. ubiegłego wieku, aby ożywić tradycyjną kulturę. Stopniowo entuzjaści i miłośnicy starożytności zbierali to, co zostało utracone w latach partokracji i prześladowań tradycji ludu. Miłość do sztuki ludowej i tradycyjnego rzemiosła przekazuje młodszemu pokoleniu 132 rzemieślników i 17 rzemieślników. Uczą dzieci i młodzież podstaw tkania dywanów, haftu, dziania, toczenia drewna, rzeźbienia w drewnie i koralików.

Wyobraźnia koronczarki E. Bobylevy tworzy niepowtarzalne wzory ze zwykłych nici. Młody mistrz Teologicznego Domu Rzemiosła A. Lisyutin uczy dzieci zawiłości snycerki. W Domu Konshinsky mistrzowie dzieci przejmują umiejętności tkackie od S. Potiomkina. Dziś zabawka jest fajna. A w dawnych czasach była talizmanem, chroniącym dzieci przed złymi duchami. Według opowieści dawnych ludzi, mistrzowi Domu Rzemiosł z Bogosłowki E. Zacharowej udało się przywrócić technologię wytwarzania szmacianej lalki.

W ciągu ostatnich kilku lat tradycją stało się organizowanie regionalnego przeglądu twórczego-konkursu mistrzów sztuki ludowej i rzemiosła „Żywa Rosja”. Odbywa się w celu promowania najlepszych przykładów ludowej sztuki użytkowej, wspierania mistrzów sztuki zdobniczej i użytkowej. Aby ludzie mogli lepiej poznać oryginalnych rzemieślników, Muzeum Sztuki Ludowej w Biełgorodzie zorganizowało wystawę tradycyjnej kultury powiatu Gubkinskiego, gdzie zwiedzający zapoznali się z takimi rzemiosłami, jak tkanie dywanów, tkanie na trzcinie, malowanie na drewnie. Umiejętności dekoracyjnej obróbki drewna zachowały się do dziś dzięki wysiłkom rzemieślników z Istobnego, Konshino, Bogoslovka, Sergeevka.

Badanie najbogatszego dziedzictwa duchowego, odrodzenie i promocja tradycyjnej kultury ludowej pozostawiają płodny ślad w sercach dzieci, młodzieży, wszystkich mieszkańców terytorium Gubkinskiego, dają nam możliwość dotknięcia prawdziwej sztuki, ocalenia ducha tradycje ludowe.

Na początku lat osiemdziesiątych XX wieku sięgają historyczne korzenie zespołu folklorystycznego „Zmartwychwstanie”, dziecięcego zespołu folklorystycznego „Ładuszki”, klubów „Zateynik” i „Słowiańska Trawnica”, muzeum „Żywy antyk”. Stanowią podstawę tradycyjnej kultury ludowej terytorium Gubkinskaya.

Zespół folklorystyczny „Zmartwychwstanie” prowadzi wiele prac badawczych, aby poznać i zachować unikalny styl pieśni naszego regionu, który niestrudzenie wskrzeszając piękne przykłady pieśni ludowych, nadaje im nowe życie na scenie koncertowej. Zespół czerpie materiały do ​​pracy z wypraw do wiosek regionu Biełgorod. Każdy członek zespołu współpracuje z wykonawcami pieśni ludowych. Odszyfrowano ponad 1400 starych pieśni, zebrano unikalne materiały badawcze we wsiach powiatu Gubkinsky: Prisynki, Teply Kolodez, Melavoe itp. Ekspedycje pomagają tworzyć nowe zapisy tradycji, rytuałów i pisania piosenek. Cenne jest to, że cały materiał jest aktywnie wykorzystywany podczas seminariów o odrodzeniu kultury tradycyjnej, w repertuarze zespołu folklorystycznego „Zmartwychwstanie” i dziecięcego zespołu folklorystycznego „Laduszki”. Twórczość „Zmartwychwstanie” znana jest daleko poza regionem. Zespół jest dwukrotnym laureatem ogólnorosyjskiego konkursu telewizyjnego i radiowego „Głosy Rosji”. Otrzymał I nagrodę Międzynarodowy Konkurs„Czerwone Wzgórze” (Briańsk).

Dla dzieci i młodzieży powstał klub „Zateynik”, w którym zapoznają się z kalendarzem i świętami obrzędowymi, uczą się starych zabaw ludowych, kolęd, szedrówki, rozchodników, zaklęć.

W celu odrodzenia i wspierania kultury tradycyjnej, w ramach obchodów Dni Literatury i Kultury Słowiańskiej, festiwal dla dzieci sztuka ludowa „Maj Karagod”, która przyczynia się do rozwoju ludowych umiejętności wykonawczych, identyfikacji nowych zespołów folklorystycznych.

Przez wiele stuleci na terytorium Gubkinskaya historycznie rozwijały się etniczno-kulturowe więzi i tradycje pieśni. Dziś tradycję pieśni reprezentują 23 zespoły folklorystyczne i etnograficzne, w tym 11 zespołów dziecięcych. Ich działalność opiera się na ożywieniu i promocji folkloru pieśni, oryginalnych tańców i ustnej sztuki ludowej. We wsi Czujewo istnieje życiodajne źródło pradawnych pieśni, gdzie dziedzictwo pieśni jest pielęgnowane i przekazywane młodszemu pokoleniu przez członków folklorystycznej grupy etnograficznej Posidelki. Członkowie zespołu folklorystycznego „Rodnik” Teologicznego Domu Kultury stopniowo odrestaurowywali dawny ślub. A teraz na terytorium Gubkinskaya stopniowo tradycją staje się organizowanie nowoczesnych ślubów po staremu.

Chór „Pieśń Rosyjska” pojawił się na podstawie Domu Kultury „Budowniczy” - w lutym 1986 r. U początków jego powstania byli liderka Valentina Grigorova i koncertmistrz Iwan Chentsov. Wkrótce powstał stabilny zespół złożony z 27 osób , znak rozpoznawczy którego celowość, chęć opanowania wyżyn sztuka wokalna, a na owoce pracy nie trzeba było długo czekać. Listy na Święto Dziękczynienia, świadectwa honoru i dyplomy terytorialne, regionalne, konkursy regionalne i festiwali, a najbardziej wyczekiwany – tytuł „ludowy”, przyznany chórowi w 1990 roku.

Zgrana rodzina chóralna zrzeszała nie tylko profesjonalistów, ale także po prostu miłośników pieśni ludowych w różnym wieku: najstarszy uczestnik ma około 80 lat, najmłodszy nieco ponad 20.

Lider Zespołu BC Grigorova uważa, że ​​głównym zadaniem jest nie tylko zachowanie tradycji ludowych, ale także chęć zaszczepienia miłości do rosyjskiej piosenki w młodym pokoleniu. Jak nie być dumnym z naszych solistów. Na przykład Valentina Besedina zawsze robi zaskakująco ciekawe podteksty i biegle posługuje się grzechotkami i łyżkami. Prawdziwą ozdobą wykonywanych utworów jest tamburyn, który w rękach Lidii Sirotkiny brzmi szczególnie głośno i wesoło.

W 1986 roku powstał chór Domu Kultury „Budowniczy” „Pieśń Rosyjska”. „Od 20 lat działalność koncertowa chór podróżował do wielu miast i regionów. Pamięć, podobnie jak film fotograficzny, zachowuje najbardziej żywe wrażenia - mówi Siergiej Szczupłow, koncertmistrz chóru Rosyjskiej Pieśni. Niejednokrotnie zdarzały się ciekawe przypadki, ale wzajemna pomoc zawsze uratowana. Przez rękawy w chórze nikt nie pracuje, bo każdy czuje się odpowiedzialny przed publicznością, a repertuar chóru wymaga poważnego podejścia. Są to nie tylko pieśni z naszego regionu i różnych regionów Rosji, które pozwalają na improwizację, ale także utwory zapożyczone z repertuaru profesjonalnych grup Woroneskich Rosyjskich Chórów Ludowych i Kuban.

Od ponad 20 lat Gubkintsy cieszy się z pracy Akademickiego Chóru Ludowego Weteranów Wielkiej Wojny Ojczyźnianej „Żywa Pamięć”, kierowanego przez Zasłużonego Działacza Kultury N.N. Nowik. Natalia Nikołajewna ma specjalne wykształcenie muzyczne, a sukces chóru zapewnia właśnie szczęśliwe połączenie profesjonalizmu jego lidera i zamiłowania członków chóru do śpiewu chóralnego.

W instytucjach klubowych organizowane są zespoły sztuki ludowej. Ale mocniejsze i ciekawsze są związki utalentowanych ludzi, którzy odnaleźli się na wakacjach. Dyrektor Miejskiego Parku Kultury i Rekreacji V.G. Gdadkikh, z natury swojej oficjalnej działalności i na polecenie serca, organizował coroczne i ulubione święta mieszczan „Złotą Jesień”. Oto, co zaobserwowała: "Tradycyjny festiwal folklorystyczny Złota Jesień zamienił się w wielkie święto folkloru. A dzięki improwizowanym występom (5 akordeonistów i bałałajki przybyłych na sztukę, konkurs na akordeon). Niegrzeczne, zabawne piosenki skomponowane na potrzeby świąteczny złoty pracownik ratownictwa górskiego B.V. Abakumov:

„Grasz, grasz, harmonijce!

Baw się, uczciwi ludzie,

Jeśli nogi się zmęczą

Chodźmy do domu na naszych rękach!”

Ale że powstałby zaimprowizowany konkurs, nikt nie mógł sobie nawet wyobrazić. Jego wiersze czytał pracownik NIIKMA N.F. Iowlew. Emeryt N.Ya. Strażnik czytał także jego wiersze o swoim rodzinnym Gubkinie. A pomyślany konkurs akordeonistów zamienił się w prawdziwe święto folkloru.

Jesteśmy na jesiennych wakacjach -

Baw się dobrze, akordeonie!

Zwabimy Cię naszym śpiewem.

W serce w ogniu!

Zespół folklorystyczny zakładu JBI-2 rozpoczął swój występ od żarliwych, podstępnych przyśpiewek własnej kompozycji. Eleganckie kostiumy, donośne głosy - nie mogły nie wywołać aplauzu i uśmiechu publiczności.

A tutaj przed publicznością jest zespół folklorystyczny, który przybył na wakacje z pilotażowego zakładu produkcyjnego Sergeevskoye. Jego przemówienie było, jak mówią, punktem kulminacyjnym programu. W jasnych sukienkach, z bałałajkami, wyszli członkowie zespołu. Pięknie zaśpiewali rosyjskie pieśni ludowe „Łąkowa kaczka” i „Daj mi bałałajkę”. A pieśni braci Zavolokin rozrzucił po całym okręgu M.A. Ovsyannikov.

Święto wprowadzone, wakacje zaprzyjaźnione... To czyni je jeszcze bardziej atrakcyjnym dla wszystkich jego uczestników. Wprowadzono obecną „Złotą Jesień”, zaprzyjaźniła się z małżonkami emerytowanych Arkhipovów i procarzem z wydziału KMAelektromontazh A.F. Matsynę. Okazało się, że to wspaniałe trio: Tatiana Prochorowna gra na tamburynie, Michaił Fiodorowicz na bałałajce, a Aleksander Fiodorowicz na akordeonie.Często takie spotkania kończyły się długotrwałą przyjaźnią i wspólną kreatywnością.

Sztuka ludowa zostanie zachowana w rodzinach miłośników i wielbicieli starożytności, tradycyjnej kultury ludowej. Ludzie kochają oryginalne pieśni, bałałajki, harmoniści, zawodzenia na pogrzebach (nie krzyczą już na weselach, te tradycje przeminęły). Tak więc w Gubkin znany jest rodzinny zespół miłośników pieśni ludowych Własowa. Babcia, córka, synowa, syn i mała wnuczka zachwycali mieszczan na miejskich wakacjach.

Tak więc folklor i kreatywność piosenek- żywe źródło duszy ludu. Na terytorium Gubkinskaya grupy ludowe otrzymały zezwolenie na pobyt stały i zieloną ulicę.

ORGANIZACJA PRACY AMATORA

ZESPÓŁ FOLKLOROWY

dla pracowników kultury

Dyurtuli, 2015

Folklor(z angielskiego. wiedza ludowa- „mądrość ludowa”) – sztuka ludowa, najczęściej ustna. Artystyczna, zbiorowa, twórcza działalność ludzi, odzwierciedlająca ich życie, poglądy, ideały, zasady; stworzone przez ludzi i istniejące wśród mas.

Nowoczesne instytucje kulturalne i rekreacyjne mogą pracować nad wykorzystaniem folkloru i innych rodzajów tradycyjnej sztuki ludowej w kilku kierunkach.

1. Instytucje kultury i wypoczynku powinny ukierunkowywać ludzi, zwłaszcza młodzież, na przyswajanie wartości duchowych zawartych w sztuce ludowej, dla czego konieczne jest jak najszersze wykorzystanie folkloru i ludowych sztuk plastycznych i zdobniczych w masowej twórczości artystycznej.

2. Instytucje kulturalne i rekreacyjne mają na celu promowanie poszukiwania, gromadzenia, konserwacji i studiowania dzieł tradycyjnej sztuki ludowej, dla których konieczne jest zorganizowanie stowarzyszeń poszukiwawczo-badawczych etnografów, amatorów Sztuka ludowa, miłośnicy folkloru, lokalni historycy, miłośnicy historii.

3. Pracownicy instytucji kultury i wypoczynku powinni występować jako organizatorzy bezpośredniej twórczości artystycznej w tradycyjnych formach folklorystycznych, co jest możliwe w ramach amatorskiego zespołu artystycznego wykorzystującego w swojej pracy folklor i sztukę ludową.

Kiedy folklor jest wykorzystywany w twórczości amatorskich zespołów artystycznych, to jego rozwój przebiega w następujący sposób:

kolekcjonowanie - twórcze przetwarzanie - wykonanie - kreacja.

W wyniku tego rozwoju powstał kompleksowy twórczy rozwój uczestników grup amatorskich, edukacyjne oddziaływanie na publiczność i słuchaczy obecnych na koncertach, a także rozwój samej sztuki ludowej.

Współczesna grupa ludowa

Nowoczesny zespół folklorystyczny to grupa artystyczno-twórcza, której repertuar opiera się na utworach tradycyjnego folkloru, odbieranego bezpośrednio od autentycznych wykonawców lub pośrednio za pomocą środków technicznych. Zespół folklorystyczny reprezentuje jedną lub kilka lokalnych (lokalnych) tradycji śpiewaczych, choreograficznych, instrumentalnych (jedna z nich jest w niektórych przypadkach podstawowa). Zespoły autentyczne to przede wszystkim wiejscy wykonawcy tradycyjnej muzyki ludowej, nosiciele lokalnej tradycji kultury ludowej, przekazujący i odbierający ją ustnie z pokolenia na pokolenie i kształtujący się pod wpływem trzech czynników: ciągłości, zmienności, doboru środowiska.

Wykonywanie na scenie pieśni ludowej to jeden ze skutecznych sposobów propagowania tradycji folklorystycznych. Przeniesienie folkloru muzycznego i pieśniowego na scenę jest zawsze trudne, ponieważ sceniczna wersja pieśni ludowej zostaje oderwana od pierwotnego środowiska narodzin i rozwoju. Grając folklor muzyczny i pieśniowy, konieczne staje się uwzględnienie praw, które wykształciły inne gatunki sceniczne, w szczególności sztuka dramatyczna. Wielka praca reżyserska wymaga interpretacji tradycyjnych obrzędów i scen ludowych festiwali, łączą wszystkie rodzaje sztuki ludowej: śpiew, taniec, akcję dramatyczną. W pracy nad scenicznym ucieleśnieniem folkloru muzycznego i pieśniarskiego przed liderem stawia się zarówno zadania chórmistrzowskie, jak i wymagania znajomości praw teatralizacji. Te prawa dyktują

po pierwsze, formacja obraz artystyczny poprzez identyfikację konfliktu, który wyraża się w relacji bohaterów tekstu poetyckiego, w ich osobistych przeżyciach.

Po drugie, organizacja akcji scenicznej poprzez system środków wyrazu sztuki teatralnej.

Podstawowe metody pracy z zespołem folklorystycznym

W swojej działalności liderzy większości amatorskich zespołów folklorystycznych borykają się z jednej strony z problemami związanymi z techniką wokalną, z drugiej zaś z problemami folklorystycznego planu, jakimi są opracowywanie i odtwarzanie materiałów folklorystycznych i etnograficznych, opanowanie cech brzmienia i gwary określonej tradycji lokalnej, specyfika wdrażania elementów tradycji ludowych do współczesnego życia kulturalnego, cechy eksponowania na scenie sampli ludowych i fragmentów obrzędowych itp.

Różnice w tradycjach folklorystycznych różnych regionów dotyczą nie tylko repertuaru wiejskich zespołów śpiewaczych, ale przede wszystkim cech gwary poetyckiej (dialektu), wzory muzyczne próbki folklorystyczne (tekstura, rytm, struktura intonacji, techniki wykonawcze), rodzaje ruchu choreograficznego, struktura kompleksów rytualnych itp. Dlatego na obecnym etapie należy zwrócić szczególną uwagę na rozpoznanie specyficznych wzorców lokalnych tradycji jednego powiatu, sołectwa, a nawet wsi.

W zależności od rodzaju instytucji, na podstawie której jest organizowana, grupa folklorystyczna może rozwiązać szereg zadań:

- badania: badanie wzorców stylistycznych lokalnych tradycji obszaru, rekonstrukcja i restauracja form folkloru muzycznego i pieśniowego, form choreograficznych i rytualnych kultury tradycyjnej (zespoły powstałe podczas badań i instytucje edukacyjne);

- edukacyjno-metodyczne: opracowywanie metod przywracania tradycyjnego folkloru w nowoczesnych warunkach, udzielanie pomocy edukacyjno-metodologicznej amatorskim zespołom folklorystycznym w ramach seminariów, staży, kursów dokształcających (grupy utworzone w ramach RDK);

- artystycznej i twórczej: realizacja przywróconych form tradycyjnej kultury muzycznej we współczesnym kontekście obrzędowym i codziennym oraz praktyka artystyczna(tradycyjne obrzędy, święta, festyny ​​itp., koncert i wykład, zajęcia edukacyjne) (wszystkie rodzaje zespołów folklorystycznych).

Metody pracy zespołu folklorystycznego, którego głównym zadaniem jest odtwarzanie i przywracanie tradycji pieśni ludowej, kształtują się w procesie pogłębionego badania treści i wzorów formotwórczych zjawisk folklorystycznych. Przede wszystkim w trakcie studiowania tradycji pieśni członkowie zespołu stają przed zadaniem jak najbardziej kompletnym opanowanie różnych „języków” tradycyjna kultura muzyczna i pieśniarska - werbalna, muzyczna i wykonawcza, choreograficzna. Przy rozwiązywaniu tego problemu naczelną zasadą pracy powinien być stały „kontakt” z etnograficznym źródłem pierwotnym – praca z ekspedycyjnymi zapisami autentycznych próbek folklorystycznych, a także, jeśli to możliwe, komunikacja z samymi nosicielami tradycji. Posiadanie języka muzycznego pieśni ludowej implikuje znajomość najpełniejszego korpusu możliwych wariantów (melodycznych, rytmicznych, fakturalnych itp.) tej samej pieśni, gatunku w ramach lokalnej tradycji oraz umiejętność swobodnego ich wykorzystywania w procesie śpiewanie. Badanie języka choreograficznego lokalnej tradycji obejmuje identyfikację cech i rodzajów ruchu choreograficznego (tańce okrągłe, tańce), plastyczności, „języka” gestów itp.

W zespole folklorystycznym (także etnograficznym) śpiewak nie jest solistą, jest „liderem”, od którego zależy początek pieśni, a nawet każdej zwrotki pieśni. Jednocześnie pozostali członkowie zespołu są równymi „twórcami” pieśni; każdy z nich w pełni determinuje jakość wykonania i jego zgodność z konkretną sytuacją (ceremonialna, świąteczna itp.), ton zbiorowego brzmienia, stan emocjonalny całego zespołu, a także jego „pole” energetyczne i wiele jeszcze.

Jednym z trudnych problemów, z jakimi boryka się większość zespołów folklorystycznych, jest wystawianie na scenie sampli folklorystycznych, a tym bardziej inscenizacja fragmentów rytualnych kompleksów. Scena ucieleśnienia fenomenu folklorystycznego jest zawsze drugorzędna w stosunku do naturalnej sytuacji jego istnienia – rytualnej lub świątecznej. Jeśli kolektyw dąży do rzetelności swoich wykonań, do przestrzegania tradycji, to niewątpliwie, przynajmniej na początkowym etapie opanowywania sampli folklorystycznych, powinien szukać możliwości ich realizacji w naturalnej sytuacji rytualnej i codziennej – na weselu , w obrzędach cyklu kalendarzowego, podczas wspólnych (wiejskich lub miejskich) świąt i uroczystości, w zakresie komunikacji rodzinnej itp.

© 2015-2019 strona
Wszelkie prawa należą do ich autorów. Ta strona nie rości sobie praw autorskich, ale zapewnia bezpłatne użytkowanie.
Data utworzenia strony: 2016-04-11

Poświęcony pamięci Wiaczesława Nikiforowicza Urskowa, Zasłużonego Działacza Kultury Regionu Moskiewskiego, laureata międzynarodowych i ogólnorosyjskich festiwali i konkursów, twórcy i dyrektora muzycznego wiodącego kreatywnego zespołu miasta Moskwy, młodzieżowego zespołu folklorystycznego Kladets oraz rosyjski chór pieśni ludowej „Strona moskiewska” Pałacu Kultury i Sportu Jakowlewskoje » Moskwa.

Wiaczesław Nikiforowicz był niesamowitą osobą, bezinteresownie zakochaną w swojej pracy, dającą mu całą swoją wrzącą energię, wszystkie myśli! Skromny i uroczy, zafascynowany słoneczną otwartością i życzliwością.
To strasznie gorzkie, gdy tacy ludzie opuszczają ziemskie życie...

Prawdziwy nosiciel ludowej kultury muzycznej. Talent nadany z góry, wysoka skuteczność, umiejętność wyczucia każdej nuty i przeciągnięcia jej cienką nicią przez serce i duszę pozwoliły Wiaczesławowi Nikiforowiczowi Urskovowi zostać profesjonalistą. Do niedawna przyznawał, że rozważa utworzenie Centrum Narodowej, Ludowej Kultury Śpiewającej na bazie Kierownictwa Twórczego Miasta Moskwy, Młodzieżowego Zespołu Ludowego „Kladets” i Rosyjskiego Chóru Pieśni Ludowej „Strona Moskwy”. Pałacu Kultury i Sportu „Jakowlewskoje” jako główny projekt jego twórczej działalności.
Wiaczesław Nikiforowicz żyje teraz w czynach, które pozostawił na Ziemi, w swoich uczniach, w licznych nagraniach muzycznych i projektach - we wszystkim, co można zobaczyć i usłyszeć! A także w pamięci i miłości wszystkich, którzy go znali, w pamięci i miłości, którą można odczuć tylko po to, aby zrozumieć i połączyć wszystko, co duchowe i niewyrażalne, co Wiaczesław Nikiforowicz przyniósł na ten świat i co nie odeszło z nim, ale pozostał w duszy i myślach tych, którzy mieli z nim kontakt… „nie wszystko umiera…”
Pozostawione przez niego duchowe dziedzictwo to ciężka, ale pełna łaski i radości, codzienna, błogosławiona praca każdego, kto jest godzien tego „ciężaru”. Realizację tej wysokiej misji mają kontynuować jego koledzy i studenci, bo na tym polega ich działalność zawodowa.
Wiaczesław Nikiforowicz Urskow to muzyczny skarb Rosji, chwała osady Novo-Fiodorovsky, dusza Moskwy i Rosji, nauczyciel, który stał się mentorem i ojcem setek dzieci.
Rosyjska ludowa sztuka instrumentalna straciła błyskotliwą osobowość, ważną postać muzyczną, wykonawcę-wirtuoza, Nauczyciela, człowieka o wielkiej duszy.

Założyciele festiwalu

Giennadij Pantelejmonowicz Penzow

Kierownik administracji osiedla Nowofiedorowskie w Moskwie

Szczerze się cieszę, że nasza gościnna kraina osady Novofedorovsky gości utalentowanych wykonawców, kreatywne zespoły na festiwalu muzyki ludowej Golden Placers.
Nasz festiwal poświęcony jest pamięci genialnego muzyka, pedagoga, założyciela i kierownika muzycznego rosyjskiego chóru pieśni ludowej „Strona moskiewska” oraz młodzieżowego zespołu folklorystycznego „Kladets”, Wiaczesława Nikiforowicza Urskowa.
Niech nasz festiwal „Gold Placers” stanie się wydarzeniem kulturalnym, długo wyczekiwanym spotkaniem szczerych i prawdziwych przyjaciół, których łączy nas tradycja, muzyka, pieśni, tańce.
Kreatywność polega na odnajdywaniu siebie, uczeniu się wiary, nadziei i miłości, daje nam możliwość patrzenia w przyszłość z ufnością i nadzieją, pomaga nam pamiętać o ludziach bezinteresownie oddanych sztuce ludowej, pomaga nam żyć w pamięci Wiaczesława Nikiforowicza Urskowa, który od nas odszedł. Wiedział, jak swoim entuzjazmem i oddaniem kreatywności rozpalić zespół, kolegów muzyków. Przypominam sobie słowa Pasternaka – „Celem kreatywności jest poświęcenie, a nie szum, nie sukces…”. Wiaczesław Nikiforowicz Urskow żyje teraz w sprawach, które pozostawił na Ziemi. W jego uczniach, w pamięci i miłości wszystkich, którzy go znali, to, co z nim nie odeszło, ale pozostało w duszy i myślach tych, którzy się z nim zetknęli.
Z całego serca życzę wszystkim uczestnikom festiwalu sukcesów, nowych twórczych odkryć i osiągnięć.

Nikita Igorewicz Frołow

Dyrektor GBUK Moskwa „DKiS” Jakowlewskoje ”

Bardzo się cieszę, że w instytucji kultury odbywa się festiwal sztuki ludowej - z jej głębokim znaczeniem, z nawiązaniem do akademizmu i chęcią ukazania kultury rosyjskiej w całej jej głębokiej świetności oczami różnorodnych projektów twórczych.
Znana postać rosyjskiej nauki Grigorij Landau sformułował ważną cechę kultury: „W kulturze szczyt jest podstawą”. A ja z kolei bardzo się cieszę, że ten festiwal powstrzymuje się od osobowości muzyka i nauczyciela Wiaczesława Nikiforowicza Urskowa - „fundamentu i szczytu”, którego osobiście nie znałem, ale którego przepojono ciepłem i nieskończony szacunek. W szczególności po dotknięciu sztuki rosyjskiego chóru pieśni ludowej „Strona moskiewska” i zespołu folklorystycznego „Kladets”, które stworzyli Wiaczesław Nikiforowicz Urskov i Tatiana Nikołajewna Razbojewa i istnieją od prawie 40 lat.

Dziś staramy się o nie dbać projekty kulturalne, ponieważ zawierają historię, połączenie pokoleń, złożoną filozofię, szczerość, czystość i głęboką rosyjską duszę o wysokiej moralności i duchowości. Póki żyją te projekty, żyje pamięć o wybitnej osobie, którą chcemy tym festiwalem upamiętnić i serdecznie dziękować za całe dobro i rzeczywistość, jaką dla nas uczynił i za rozwój gatunku folkloru. W tym roku zespół folklorystyczny „Kladets” odbył trasę koncertową w Katarze i była to pierwsza trasa grupy bez Wiaczesława Nikiforowicza Urskowa.
Z woli losu, obserwując empatię artystów na próbach i koncertach, w życiu codziennym zdałem sobie sprawę, że folklor Wiaczesława Nikiforowicza wcale nie jest sztuką i kulturą w ich klasycznych formach i przejawach. To coś więcej. To szczególny i złożony świat, którego dychotomia tkwi w sztuce i religii; świat, w którym ludzie współczują sobie nawzajem, poświęcają się, zbierają obrazy, a następnie tworzą - szczerze i szczerze, odsłaniając całą istotę Rosjanina cienką koronką. Dedykowany temu człowiekowi - Wiaczesławowi Nikiforowiczowi Urskowowi.

Jewgienij Juriewicz Klepałow.

Dyrektor GBUDO Moskwa „Dziecięca Szkoła Muzyczna Nowo-Fiodorowskaja”.

Pozdrawiam serdecznie uczestników otwarty festiwal Sztuka ludowa „Gold Placers”, poświęcona pamięci muzyka-pedagoga, nauczyciela Wiaczesława Nikiforowicza Urskowa.
Był kochany przez wszystkich, z którymi pracował, był przyjaciółmi. I uczniowie szkoły muzycznej, którzy natychmiast dołączyli do grona zapalonych wielbicieli i oddanych miłośników sztuki ludowej; i ich rodzice, szczęśliwi, że ich dzieci odkrywają nowy muzyczny świat z taką radością i długo chcą się w niego zanurzać - naprawdę rzadki stan umysłu zarówno dla dzieci, jak i dla rodziców. Był kochany przez kolegów i muzyków, którzy byli zainteresowani współpracą z nim. Gdyby tak nie było, ludzie nie potrzebowaliby sztuki, aby wyrazić niewyrażalne, przekazać niewytłumaczalne, ujawnić tajemniczość. Muzyka to rodzaj sztuki, który bez słów ujawnia to, co czyste w najlepszych intencjach - Miłość, Dobroć, Piękno.
Niech nasz festiwal stanie się miejscem tradycyjnych spotkań muzyków, rozwoju dialogu kulturowego między osiedlami okręgów administracyjnych Troicki i Nowomoskowski miasta Moskwy i Naro-Fominsk.
Jestem przekonany, że festiwal stanie się jasnym wydarzeniem kulturalnym, wyraźnym dowodem na zbieżność kreatywnych zespołów w celu osiągnięcia wysokiego poziomu sztuk performatywnych.
W powodzenia, powodzenia wszystkim!

Ksiądz Siergiej Baidakov

Rektor kościoła Archanioła Michała we wsi Belousovo

Serdecznie pozdrawiam wszystkich uczestników, którzy zgromadzili się teraz w Pałacu Kultury Jakowlewskoje na 1. Otwarty Festiwal Sztuki Ludowej Złote Placki.
Cieszy fakt, że prezentowane ludowe inicjatywy muzyczne mają na celu przyczynienie się do zachowania i wzbogacenia bogatego dziedzictwa historycznego, duchowego i kulturowego naszej Ojczyzny.
Jestem głęboko przekonany, że dziś trzeba aktywnie popularyzować twórcze projekty młodych ludzi, bo dobry przykład rówieśników może inspirować innych młodych ludzi do samorealizacji i patriotyzmu.
Oczywiście utwory muzyczne mogą mieć silny wpływ na umysły i serca ludzi, a tym samym na ich myśli, uczucia i wolę. Muzykę dał nam Wszechmogący, abyśmy przez nią zbliżali się do Niego. Realizując twórcze pomysły stajemy się jak Stwórca – Twórca pięknego świata wokół nas.
Wyrażam nadzieję, że muzyka ludowa, która z Waszą pomocą powraca do naszego życia, przyczyni się do harmonijnego rozwoju jednostki, duchowego, moralnego i patriotycznego wychowania ludzi. Wykorzystując swoje talenty, wolę i umysł dla dobra, staraj się nadal wprowadzać w życie to, do czego Stwórca przeznaczył każdego z was.
Życzę wszystkim sił, pomocy Bożej i dalszych twórczych sukcesów.

Życzenia od Ministerstwa Kultury

Piotra Aleksiejewicza Sorokina,

Kierownik Zakładu Śpiewu Ludowego Państwowego Rosyjskiego Domu Sztuki Ludowej im. V.D. Polenova, Czczony Artysta Federacji Rosyjskiej.

Alewtina Georgiewna Kondratiewa,

Przewodniczący Rady Regionalnej Organizacji Publicznej „Towarzystwo Muzyczne” Regionu Moskiewskiego Czczony Robotnik Wszechrosyjskiego Towarzystwa Muzycznego Członek Zarządu Ministerstwa Kultury Regionu Moskiewskiego Czczony Robotnik Kultury Federacji Rosyjskiej.

Emma Georgievna Kryukova,

metodolog centrum naukowego i metodologicznego Moskiewskiego Prowincjonalnego Kolegium Artystycznego Regionu Moskiewskiego, Czczony Robotnik Kultury Federacji Rosyjskiej.

Wiaczesław Nikiforowicz Urskow, wspaniały akompaniator, aranżer, muzyk z wielkiej litery, mógłby zrobić niezwykłą karierę na profesjonalnej scenie. Jednak prawie przez całe swoje świadome życie, w sojuszu z Tatianą Nikołajewną Razbojewą, poświęcił się złożonej i szlachetnej pracy ze stowarzyszeniami amatorskimi, które stały się szeroko znane nie tylko w regionie moskiewskim, ale także w innych regionach Rosji za granicą.
Niejednokrotnie mieliśmy okazję uczestniczyć w koncertach reportażowych, obserwować etapy twórczego rozwoju zarówno chóru Moskowskaja Storonuszka, jak i dziecięcego i młodzieżowego zespołu Kladets, oceniać ich programy na ogólnorosyjskich i regionalnych konkursach i festiwalach jury.
Zawsze uderzała mnie jakaś szczególna umiejętność liderów, wykonawców, których wychowali, tworzenia dla otaczających ich atmosfery prawdziwego święta ludowego, sprawiania im radości, empatii, uczenia ich nowych rzeczy, szacunku i miłość tradycje kulturowe jego ludu.
Uczestnikom i organizatorom tego festiwalu serdecznie życzymy zdrowia, dobrego samopoczucia rodziny, pomyślnej realizacji nowych projektów twórczych!

Uczestnicy festiwalu

GBUK Moskwa „DKiS” Jakowlewskoje”

Chór pieśni rosyjskiej „Strona moskiewska”

Nie można sobie wyobrazić wioski bez piosenek, dlatego nie dziwi fakt, że właśnie tutaj rodzą się utalentowane grupy pieśni, takie jak „strona moskiewska” ze wsi Jakowlewskoje. Twórcą i liderem zespołu był Wiaczesław Nikiforowicz Urskow. Chór „Strona moskiewska” jest zwycięzcą ogólnorosyjskich festiwali i konkursów. To jest chór o niesamowitym rozmiarze ciekawy los... Jest długą wątrobą Pałacu Kultury DKiS "Jakowlewskoje". Zespół prowadzi szeroką działalność koncertową.
Pierwszym objazdem jest chrzest bojowy artystów. Po „stronie moskiewskiej” odbyły się one w Czarnobylu w 1986 roku.
Laureaci wielu ogólnorosyjskich konkursów i festiwali, artyści od dawna są znani daleko poza granicami naszego regionu. To chór o niezwykle ciekawym losie...

Moskiewski kreatywny zespół młodzieżowy zespół folklorystyczny „Kladets”

Zespół folklorystyczny „Kladets” powstał w 1995 roku w Pałacu Kultury i Sportu Jakowlewskoje. Laureat ogólnorosyjskich i międzynarodowych festiwali i konkursów. W 2000 roku otrzymał tytuł Wzorowego. Zespół składa się z 4 grup wiekowych: junior, średni, senior, koncert. Repertuar zespołu jest bogaty i zróżnicowany. Zespół co roku bierze udział w międzynarodowych festiwalach (Ukraina, Białoruś, Turcja, Rumunia, Włochy, Portugalia, Węgry, Bułgaria, Czechy, Francja, Hiszpania, Katar).
W 2017 roku zespół potwierdził wysoki tytuł - Moscow City Creative Team. Członkowie zespołu „Kladets” opiekunowie historii i dziedzictwa kulturowego sztuka muzyczna Rosja ze swoimi duchowymi i wielowiecznymi tradycjami ludowymi.

Dyrektor Artystyczny, Czczony Robotnik Kultury Federacji Rosyjskiej Tatiana Nikołajewna Razbojewa
Dyrektor muzyczny Kułakow Władimir Siergiejewicz
Koncertmistrz Sklyarov Jurij Władimirowicz
Choreograf Gvozdeva Tatiana Nikołajewna

GBUK Moskwa „Dziecięca Szkoła Muzyczna Novo-Fedorovskaya”

Maxim Putilin

Maxim Putilin, student Państwowego Budżetowego Zakładu Oświatowego Moskiewskiej „Dziecięcej Szkoły Muzycznej Nowo-Fiodorowskiej”. Został właścicielem I nagrody na międzynarodowym festiwalu-konkursie „Black Sea Olympus”. Laureat I powiatowego konkursu-festiwalu zespołów. W 2017 roku został laureatem dyplomu na 15. moskiewskim otwartym festiwalu „Northern Stars”.

Aleksandra Szwierdła

Alexander Sverdel, student Państwowej Budżetowej Instytucji Oświatowej „Nowo-Fiodorowska dziecięca szkoła muzyczna”. Został właścicielem I nagrody na międzynarodowym festiwalu-konkursie „Black Sea Olympus”. Laureat I powiatowego konkursu-festiwalu zespołów. W 2017 roku został zdobywcą dyplomu 15. Moskiewskiego Otwartego Festiwalu Studentów Wydziałów Instrumentów Ludowych, Folkloru i Śpiewu Ludowego Dziecięcej Szkoły Muzycznej i Dziecięcej Szkoły Artystycznej „Northern Stars”. Nauczyciel Kułakow Władimir Siergiejewicz

Zespół harfistów „Czułość”

Zespół guslarów „Czułość” powstał w 2013 roku w Państwowej Budżetowej Instytucji Wychowawczej w Moskwie „Nowo-Fiodorowska Szkoła Muzyczna”. Dziś zespół kontynuuje swoją twórczą działalność. W zespole są trzy grupy - junior, średni i senior. Na festiwalu prezentowana jest starsza grupa zespołu. W 2017 roku starsza grupa zespołu została zdobywcą dyplomu 15. Moskiewskiego Otwartego Festiwalu Studentów Wydziałów Instrumentów Ludowych, Folkloru i Śpiewu Ludowego Dziecięcej Szkoły Muzycznej i Dziecięcej Szkoły Artystycznej „Gwiazdy Północy”.

Nauczyciel Anastasia Olegovna Panferova

MAUK „Dom Kultury” Sen”, s. Selyatino.

Zespół ludowy Zespół muzyki ludowej „Vecherka”

Żałosna grupa orkiestry zespołu ludowego zespołu muzyki ludowej „Vecherka”
Soliści Zespołu Orkiestrowego Zespołu Folklorystycznego Vecherka Folk Music Ensemble Timofey i Roman Bakhrevski

Zespół muzyki ludowej „Vechorka” powstał w 1987 roku. W 1995 roku zespół otrzymał honorowy tytuł „Kolektyw Ludowy”. W 2016 roku tytuł został pomyślnie potwierdzony 7 razy. W grupie koncertowej wiek artystów wynosi od 7 do 45 lat, więc zajęcia prowadzone są według zasady studyjnej „od starszego do młodszego”. Zespół składa się z grupy orkiestrowej i młodszej grupy przygotowawczej.

Szef Czczony Robotnik Kultury Federacji Rosyjskiej Rostam Yakovlevich Mukhaev

Wzorowa grupa chóru seniorów „Capel”

Grupa wokalna „Lady Capel”

Od tysięcy lat ludzie poszukują idealnej społeczności ludzkiej. I wydaje się, że nie ma nic lepszego niż chór. Chór - model społeczeństwo w służbie harmonii świata, w której każdy, mając własny głos, przeciwstawia się dysharmonii, nie bojąc się jej.
Chór realizuje marzenie o ludzkiej wspólnocie. A sen staje się dźwiękiem - wielkim i potężnym, gigantycznym wołaniem, wywołującym u słuchaczy gęsią skórkę.
Chór z powodzeniem łączy to, co ważne osobiście i ważne społecznie. Człowiek zyskuje piękny głos, rozwinięte ucho do muzyki, emocjonalną otwartość, krąg podobnie myślących ludzi, przyjaciół, komunikuje się z wysoką muzyką. Społeczeństwo wzbogaca się o grupę artystyczną, wyspę duchowości i kultury wysokiej” „Kultura to podstawa dobrobytu”.
Wzorowy chór zbiorowy „Capel” powstał w 2000 roku i dziś liczy około 170 dzieci i dorosłych, których łączy miłość do sztuki chóralnej.
Chór „Capel” stale bierze udział w festiwalach i konkursach różnego szczebla, od regionalnych po międzynarodowe, otrzymując tytuły laureatów i dyplomatów. Prowadzi aktywną działalność koncertową z niezbędnym udziałem wszystkich grup wiekowych.
Kapel współpracuje z sławni kompozytorzy i profesjonalne zespoły kreatywne.
Wraz z edukacją chóralną zespół przywiązuje dużą wagę do rozwoju dzieci w klasie: umiejętności scenicznych, rozwijania solfeżu, rytmiki, a także gry na instrumentach muzycznych.

Szef Oksana Anatolijewna Krutewa
Koncertmistrz Elena Michajłowna Gromowa

Zespół pieśni ludowej „Sudarushka”

Zespół „Sudarushka”, który powstał w oparciu o członków rosyjskiego chóru pieśni, rozpoczął swoją twórczą działalność na początku lat osiemdziesiątych.
Zadaniem zespołu jest stworzenie zespołu amatorskiego, który wykonywałby rosyjskie pieśni ludowe, rytualne kompozycje do gier, popularne stylizowane pieśni ludowe, a także oryginalne instrumenty muzyczne: łyżki, zhaleyka, grzechotki, rubel, dzwonki, tamburyn itp.
W tym czasie zespół „Sudarushka” przechodził różne etapy swojego powstawania i rozwoju. Dużo koncertów zespół dał nie tylko we wsi Selyatino i osiedlach miejskich, ale także w innych salach koncertowych regionu, a także w Moskwie.
W tym okresie nie zmienił się ani jeden skład. Przez rózne powody artyści odeszli, ale na ich miejsce pojawili się nowi, przejmujący najlepsze tradycje i sposób wykonywania zespołu.
„Sudarushka” zgromadziła własny, charakterystyczny dla siebie repertuar. Prezentacje dotyczą różnych tematów. Każdy występ odpowiada kierunkowi wydarzenia, niezależnie od tego, czy jest to Dzień Zwycięstwa, Maslenitsa, 8 marca, Boże Narodzenie itp.
W zespole panuje kreatywna, luźna atmosfera. W takim środowisku uczestnicy chętnie ćwiczą, ujawniając swoje muzyczne zdolności. Zawsze chętnie przyjmujemy nowicjuszy do naszej kreatywnej rodziny, pomagamy im przystosować się w naszym zespole.
Chciałbym powiedzieć: „Wszystkim, którzy nie są obojętni na rosyjską pieśń i śpiew ludowy, przyjdź! Popracujmy razem!"

Szef Giennadij Pietrowicz Sokołow

Przykładowa grupa „Teatr Tańca „Sen”: grupy seniorów i juniorów

Grupa choreograficzna „Teatr Tańca” Sen” powstała w 1990 roku. W 1995 roku zespół otrzymał tytuł „Wzorowego Kolektywu”, który z sukcesem potwierdzali już 5 razy.
Od 2002 roku pracami zespołu kieruje T.E. Pietrow. Absolwentka Tatiany Evgenievna Petrova szkoła choreograficzna Miasto Samarkanda.

Jest doświadczonym pedagogiem i korepetytorem, błyskotliwym reżyserem i autorem szkiców kostiumowych. Wraz z pojawieniem się nowego lidera praca zespołu otrzymała szereg nowych kierunków. W repertuarze grupy znajdują się kompozycje w stylach demi-classical, jazz-modern i innych współczesna choreografia, a także taniec ludowy, szkice rodzajowe. Do najbardziej uderzających dzieł grupy i choreografa należą „Różowy Walc”, „Ivushka”, „Tango”, „Fiesta”, „Russian Souvenir”, „Flock”, „Butterflies”, „Kodo”, „Gruzja” i wiele innych.
Zespół starannie prowadzi pracę na zajęciach – ćwiczenia przy drążku, ćwiczenia w środku, m.in. allegro, gimnastyka w parterze, aktorstwo, rytmika.
Członkowie zespołu wraz z liderami i rodzicami często razem uczestniczą w przedstawieniach baletowych, koncertach grup zawodowych. Świąteczne „światełka” i wycieczki terenowe są w zespole pogodnie.
Obecnie w zespole pracuje ponad 60 dzieci i młodzieży w wieku od 4 do 18 lat. Stały skład koncertowy jest stale uzupełniany o nowych uczniów, którym z powodzeniem zaszczepia się miłość do tańca i kultury narodowej, pracowitość i twórczą interakcję.
Teatr Tańca „Sen” - zwycięzca konkursów regionalnych, ogólnorosyjskich i międzynarodowych.

Szef Tatiana Jewgienijewna Pietrowa
Choreograf Wiktor Aleksiejewicz Filiajew

MBU „DKiS g.p. Aprelewka”

Dziecięcy zespół folklorystyczny nosidełek „Peresvet”

Zespół powstał w marcu 2015 roku. Skład wiekowy zespołu jest mieszany, w zespole bawią się dzieci w wieku od 7 do 17 lat. W działalności koncertowej Pałacu Kultury i Sportu miasta Peresvety bierze czynny udział zespół wahadłowców „Peresvety”. Aprelewka.
10 grudnia 2017 r. Dziecięcy zespół folklorystyczny nosicieli łyżek „Peresvets” wziął udział w VI Moskiewskim Międzynarodowym Konkursie-Festiwalu „Złota Koronka”, który odbył się w teatrze ludowym „Pieśń Rosyjska” N. Babkiny i został laureat I stopnia.

Szef Aleksander Juriewicz Iksztadt

Chór zespołu ludowego pieśni rosyjskiej „Melodia”

Chór MBU Pałacu Kultury i Sportu w Aprelevce powstał w listopadzie 1949 roku na bazie wytwórni płytowej Aprelevka. To jeden z najstarszych zespołów śpiewu ludowego nie tylko w regionie, ale iw Rosji. Chór od wielu lat potwierdza wysoki tytuł Chóru Ludowego Pieśni Rosyjskiej „Melodia”. Członkowie chóru to ludzie najbardziej różne zawody: robotnicy, pracownicy, pracownicy inżynieryjno-techniczni, nauczyciele, pracownicy służby zdrowia, emeryci. W skład zespołu wchodzą osoby z 30-letnim stażem, weterani chóru oraz młodzi członkowie. Chór jest wielonarodowy. Repertuar chóru jest bardzo zróżnicowany: liryczny, okrągły taniec, taniec, kozacki, pieśni autorów radzieckich, rosyjskich i lokalnych, dzieła o tematyce duchowej, folklor, współczesne pieśni ludowe i solowe. Zespół ma ogromny potencjał twórczy, chęć do pracy, aby swoją kreatywnością nieść radość mieszkańcom nie tylko miasta, ale i regionu, promując kulturę rosyjskich pieśni ludowych.

Liderka Tatiana Aleksiejewna Łucka
Koncertmistrz Aleksiej Juriewicz Manoszyn,
Władimir Aleksandrowicz Sizincew,
Aleksander Juriewicz Iksztad

MAUK TsDK „Zvezda”

Zespół Pieśni Ludowej „Ovsen”

Dziecięcy zespół pieśni ludowej „Ovsen” Centralnego Domu Kultury „Zvezda” w Naro-Fominsku liczy swoją historię od 2005 roku. Od pierwszych dni kierowała nim Tatiana Aleksiejewna Łucak. Specyfika grupy: skład wykonawców w różnym wieku: od 5 do 20 lat, w którym młodsi wraz ze starszymi z przyjemnością studiują kulturę ludową i ucieleśniają na scenie najśmielsze twórcze pomysły. A ciągłość pokoleń jest oczywista: śpiewają całe rodziny. Repertuar zespołu obejmuje taniec, taniec okrągły, grę, pieśni kalendarzowe z różnych regionów Rosji. Szczególnie ulubiona jest tradycja kozacka.
Zespół „Ovsen” trzykrotny laureat różnych stopni Ogólnorosyjski festiwal- konkurs sztuki ludowej „Strażnicy dziedzictwa Rosji” Krasnogorsk 2013-2016. Ogólnorosyjski festiwal „Róża wiatrów”, otwarte międzygminne festiwale „Tęcza talentów”, zwycięzca ogólnorosyjskiego festiwalu „Chwała, ojczyzna!”. Zespół jest stałym uczestnikiem wielu wydarzeń kulturalnych miasta i regionu, zachwycając swoim występem słuchaczy w każdym wieku i muzycznych upodobaniach.

Zespół Wokalny Pieśni Ludowej „Bereginya”

Zespół wokalny pieśni ludowej „Bereginya” powstał latem 2008 roku na bazie Centralnego Domu Kultury Zvezda w mieście Naro-Fominsk, liderem jest Tatiana Aleksiejewna Łucak. Miłość do rosyjskiej piosenki jednoczy i jednoczy ludzi różnych zawodów w jeden przyjazny zespół: nauczycieli, ekonomistów, lekarzy. pracownicy, emeryci i studenci. Podstawą zespołu są nasze piękne kobiety w różnym wieku (od 18 do 60 lat). Natychmiastowość, entuzjazm, psoty i entuzjazm - takie cechy są nieodłączne od wszystkich członków zespołu.
Repertuar zespołu obejmuje ponad 30 utworów inny gatunek: akademicka pieśń ludowa, pieśń ludowa i kozacka, utwory wokalne, mało znane szerokiej publiczności, nagrane nad Donem. Zachowanie tego niewyczerpanego źródła duchowości jest jednym z najważniejszych zadań, jakie stawia sobie zespół wokalny Bereginya. W repertuarze grupy znajdują się pieśni urodzone w regionie Riazań, w obwodach Stawropola i Wołgogradu, nad Górnym Donem. „Bereginya” - dwukrotny zwycięzca różnych stopni Ogólnorosyjskiego festiwalu-konkursu sztuki ludowej „Strażnicy dziedzictwa Rosji”, regionalnego festiwalu „Pamięć pokoleń”, zdobywca dyplomu Wszechrosyjskiego Festiwalu „Słowiańska Pogarszać".

Liderka Tatiana Aleksiejewna Łucak
Koncertmistrz Igor Wasiliewicz Rudenko

MUK „DK” Moskowski”

Etniczny zespół wokalno-instrumentalny „Lotos”

Etniczny zespół wokalno-instrumentalny „Lotos” powstał w 2016 roku dla dzieci w wieku od 3 do 12 lat. Zajęcia mają na celu poznanie i wykonanie repertuaru folklorystycznego, a także poznanie tradycji muzycznych narodów świata. Dużo uwagi poświęca się rozwojowi umiejętności artystycznych każdego solisty.
Mimo, że zespół powstał w październiku 2016 roku, młodzi artyści występowali już na scenie przed liczną publicznością. Zespół bierze czynny udział w regionalnych, miejskich i powiatowych festiwalach i koncertach, posiada dyplomy i podziękowania.

Kierownik Tatiana Pawłowna Łobakowa

Wiodący zespół kreatywny Moskwy, rosyjski chór pieśni ludowej „Okolitsa”

Chór powstał w 1999 roku dla dorosłych powyżej 30 roku życia w celu popularyzacji tradycyjnego rosyjskiego dziedzictwa pieśni. W repertuarze chóru znajdują się dawne pieśni rosyjskie z wielu regionów Rosji.
Wśród międzynarodowych osiągnięć zespołu na uwagę zasługuje Grand Prix międzynarodowy festiwal„Paris Stars” (Francja, 2012), Grand Prix międzynarodowego festiwalu „Stars of the Costa Brava” (Hiszpania, 2013), dyplom II stopnia Festiwalu „Różowa noc nad Adriatykiem” (Włochy, 2014 ) .

Szef Władimir Michajłowicz Davydov
Koncertmistrz Andriej Michajłowicz Łukowski

GBUDO Moskwa „Pierwomajska dziecięca szkoła muzyczna”

Zespół folklorystyczny „Osyata”

Zespół folklorystyczny „Osyata” powstał na bazie Moskiewskiej Państwowej Budżetowej Instytucji Edukacyjnej „Pierwomajska Dziecięca Szkoła Muzyczna” w 2011 roku. Podstawą kolektywu są uczniowie dziecięcej szkoły muzycznej „Pierwomajski”.
Zespół jest wielokrotnym laureatem międzynarodowego dziecięcego wielkanocnego festiwalu wokalno-chóralnego” jasny tydzień”, a także międzynarodowe festiwale: „Moresol” (2016), „Yarilovo Gathering”, Briańsk (2017), „Firebird” (2017) i inne.

Soliści zespołu to laureaci I stopnia Wszechrosyjskiego festiwalu tańca rosyjskiego „Pereplyas” (2017), laureaci I stopnia międzynarodowego festiwalu muzyki i tańca „Tradycja” (2016), laureaci I stopień miejskiego festiwalu etnograficznego muzyki, tańca, sztuki użytkowej i dekoracyjnej „Timonya” (2017).

Szef Nazarowa Wenera Chuszynowna

Zespół Folklorystyczny „Kalinka”

Zespół folklorystyczny „Kalinka” powstał w 2013 roku. Zespół jest stałym uczestnikiem festiwali folklorystycznych Beresten, Na drogach życzliwości, Moja rodzina.

Szef Własowa Tatiana Nikołajewna
Koncertmistrzowie Szepiłow Aleksander Nikołajewicz, Kovaleva Evgenia Viktorovna

Duet Kovaleva Maria i Sidorova Varvara

Duet Marii i Barbary powstał w 2016 roku. Duet jest laureatem I stopnia międzynarodowego dziecięcego wielkanocnego festiwalu wokalno-chóralnego „Jasny Tydzień” (2017), laureatem regionalnego festiwalu sztuki ludowej „Ognisty ptak” (2017), laureatem I stopnia Ogólnorosyjski festiwal tańca rosyjskiego „Pereplyas” (2017) 2016), laureat I stopnia międzynarodowego festiwalu muzyki i tańca „Tradycja” (2016), laureat I stopnia miejskiego festiwalu muzyki etnograficznej, taniec, plastyka i rzemiosło „Timonya” (2017).

Kierownik i chórmistrz Nazarova Venera Chushinovna
Choreograf Sivkova Maria Aleksandrowna
Koncertmistrzowie Szepiłow Aleksander Nikołajewicz, Kovaleva Evgenia Viktorovna